Settecento

Testo di conferenza sul Settecento estense tenuta a Modena nell'aprile 2016.  Il "Grande Ospedale Civile" o "Ospitale degl'Infermi" sorse fra il 1753 e il 1762 per volontà del duca Francesco III d'Este. Governatore di Lombardia per conto di Maria Teresa d'Austria, Francesco aderì alla politica illuministica di quell'imperatrice promuovendo imprese urbanistiche ed edilizie rivolte al "pubblico bene". Fra queste, spicca appunto l'imponente struttura ospedaliera, costruita sul lato nord del vasto piazzale di porta Sant'Agostino; ideata dal capo mastro modenese Antonio Socci, vice architetto ducale, nel 1753 era stata rivista e riqualificata a livello progettuale da Alfonso Torregiani, personalità fra le più note dell'architettura barocchetta nella Bologna e nelle Legazioni sulla metà del Settecento. Il grandioso cantiere è dunque uno degli episodi salienti della riconfigurazione di Modena come capitale di un governo "illuminato", sotto il ducato di Francesco III e poi del figlio Ercole III; e il fabbro Giambattista Malagoli (Modena 1729-1796), la cui lunga attività abbraccia un cinquantennio, emerge come uno degli artefici di questa renovatio urbis; in particolare, del Grande Ospedale Civile è l' artefice del complesso dei serramenti metallici. Famoso a livello italiano, Malagoli è stato spesso definito "fabbro ducale". Ma se molteplici furono i suoi interventi nei tanti cantieri estensi-il Grande Albergo dei Poveri, ora Palazzo dei Musei, ultimato nel 1771, il Palazzo dell'Università degli Studi a cui attende dal 1772 al '77, il Teatro Fisico, l'Orto Botanico, la Darsena sul Naviglio a cui lavora dal 1775 al '76, il Giardino Ducale, la Biblioteca Estense…-frequentissime e ancora in opera le sue realizzazione per la committenza aristocratica. Con eccezionale ricchezza di creazioni ornamentali, Malagoli attinge ai repertori d'ispirazione botanica e anche marina tipici del gusto rocaille e barocchetto, ma sempre componendo l'ornato entro l'architettura del telaio, in un discorso di sobria e raffinata misura. Per il cantiere del "Grande Ospedale Civile", i cui lavori iniziarono il 2 aprile del 1753 per concludersi il 29 dicembre del 1762, Malagoli produce tutti i serramenti metallici. Così i due fastosi sovrapporta che coronano gli archi dei due ingressi nella lunga facciata sul piazzale; così le grate delle ventuno finestre, ciascuna sormontata da un elegantissimo ornamento: una coppia di volute affrontate e convergenti al centro in una sorta di cartiglio, che pare germinare in foglie e boccioli, componendo un timpano dalle linee leggere e aggraziate. E' la medesima sintassi compositiva che ritorna nella lunga cancellata che Malagoli, nel 1759, innalzò nell'atrio dell'Ospedale, dove si coniuga la funzionalità all'eleganza formale, l'utilità al decoro, la robustezza alla levità delle linee.

Il 26 aprile 1771 Francesco III promulgava il primo volume del Codice di leggi e costituzioni per gli Stati di S.A.S., una delle raccolte legislative più avanzate negli anni del riformismo settecentesco. Frutto di due giuristi di statura e carriera molto diversa – Bartolomeo Valdrighi e Giuseppe Gallafasi –, il c.d. Codice estense si pone tra le “consolidazioni” (per usare la datata terminologia di Marco Viora) più avanzate certamente in Italia (dopo quella piemontese del 1723-29), ma capace di reggere confronti con altre raccolte normative europee (ad es., i Codices bavaresi). Pur in un contesto di conservazione del grande patrimonio del diritto comune come fonte di ultima istanza in caso di lacuna, il Codice del 1771 si segnala per aver ridotto al minimo il ricorso ad altri diritti, se non, appunto, al diritto romano, da utilizzare però come norma “positiva”, non manipolata dall’interpretazione dottrinale. Un meccanismo di interpretazione autentica affidato al Supremo Consiglio di Giustizia completava il disegno di forte accentramento delle fonti normative presso l’autorità sovrana.
Il Codice, così come altre iniziative riformistiche di questi anni, ha come fonte ispirativa diretta Ludovico Antonio Muratori, e in particolare I difetti della giurisprudenza (1742) e La pubblica felicità oggetto de’ buoni principi (1748). Muratori è la personalità che a Modena era stato capace di dialogare con esponenti del più vario mondo culturale europeo, da Gottfried Wilhelm Leibniz a Johann Burchardt Mencke, da Joseph de Bimard La Bastie a Gisbert Cuper, da John Hudson a Eusebius Amort e Gregorio Mayans. L’orizzonte è vastissimo e comprende il rinnovamento della storiografia, delle lettere, della filosofia, nonché una nuova sensibilità religiosa, aperta alle sofferenze sociali e ostile alle vuote ostentazioni rituali, culturalmente avvertita e tollerante.
Il duca estense che ebbe proprio il Muratori come precettore, Francesco III, durante gli anni del suo lungo governo (1737-1780) seppe interpretare, con qualche lungimiranza ma non senza contraddizioni, quel riformismo dai mille volti che vide impegnati quasi tutti i sovrani italiani ed europei della seconda metà del XVIII secolo e, con essi, una classe dirigente dai tratti culturali e sociali parzialmente nuovi. Tale élite in ascesa si forma nelle università, che proprio in quegli anni sono investite da un processo di svecchiamento che interessa non soltanto i programmi didattici, ma anche la governance. Così avviene a Modena nel 1772, ad opera del già ricordato Valdrighi, che sulle tracce di quanto era stato fatto a Torino, Gottinga, Lipsia, Vienna e Parma pone mano a quelle Costituzioni per l’Università di Modena ed altri studî negli Stati di Sua Altezza Serenissima, che rappresentano una delle riforme più legate al Codice promulgato appena l’anno prima. E non soltanto per il suo autore, che fu subito posto a capo della facoltà giuridica, ma perché in essa confluiva un’apertura di vedute e di prospettive che al Valdrighi derivavano dal viaggio a Lipsia; una trasferta che, dando seguito a un’intuizione a suo tempo espressa dal Muratori della Pubblica felicità, il giurista garfagnino era stato indotto a intraprendere tra il 1764 e il 1766 per seguire i corsi di quel diritto pubblico e delle genti di cui fu primo docente a Modena.
Il rinnovamento non coinvolse solo il diritto e i giuristi. Il letterato e storico Agostino Paradisi, ad esempio, già distintosi nel 1767 per aver difeso la cultura italiana dalle accuse di decadenza avanzate dal francese Alexandre Deleyre, oltre a presiedere la facoltà filosofica nell’Università appena riformata veniva designato quale titolare della neo-istituita cattedra di Economia civile (o politica), che, sulla scia della “ricchezza delle nazioni” di Adam Smith per un verso e la “scienza del buon governo” di Joseph von Sonnefels, arrivava terza in ordine cronologico dopo quella di Antonio Genovesi a Napoli (1754) e quella milanese di Cesare Beccaria a Milano (1768).
Non va poi dimenticato che nello stesso 1772, oltre a scienziati come il medico e astronomo croato Ruggero Boscovich e il chimico e botanico francese Robert de Laugier, venne chiamato a insegnare anatomia il grande medico e chirurgo veneto Antonio Scarpa, il quale, qualche anno dopo (1775), fece allestire un teatro anatomico in legno tra i più suggestivi e ben conservati insieme a quelli di Bologna, Padova e Pavia.
Sul piano dell’arte, invece, nonostante il nome di Francesco III d’Este rimanga associato alla clamorosa vendita di Dresda del 1746 – quando un centinaio dei quadri più belli della collezione estense (e tra i più significativi in assoluto della pittura italiana tra Quattro e Cinquecento) furono venduti all’Elettore di Sassonia e Re di Polonia Augusto III –, negli anni immediatamente successivi lo stesso Francesco insieme al figlio Ercole III furono artefici della progressiva ricostituzione della quadreria estense, di cui resta testimonianza grazie ai cataloghi compilati da Gian Filiberto Pagani e Giuseppe Amici.
A questa sintesi vanno aggiunte le tante riforme attuate in quegli anni, molte delle quali ispirate senz’altro al Muratori, ma soprattutto messe a punto da uomini di respiro culturale europeo come Salvatore Venturini e Ludovico Ricci, che da un lato avevano nella Francia un riferimento per le “lettere” e il dibattito illuminista ma che dall’altro guardavano all’Austria asburgica per la politica di riduzione del privilegio nobiliare ed ecclesiastico: certamente tra le più importanti spiccano quelle sul fedecommesso e sulla manomorta ecclesiastica, che inseriscono i governi di Francesco III ed Ercole III nell’alveo del giurisdizionalismo italiano ed europeo.

Il volume, seconda edizione aggiornata di Le Madonie. Guida all’arte edito nel 2008, esamina il patrimonio storico artistico dei seguenti paesi delle Madonie: Caltavuturo, Castelbuono, Cefalù, Collesano, Geraci Siculo, Gangi, Gratteri, Isnello, Petralia Soprana, Petralia Sottana, Polizzi Generosa, Pollina, San Mauro Castelverde e Sclafani Bagni. Per ogni singolo borgo si affronta brevemente la storia della città e successivamente si esaminano le chiese e le opere d’arte ivi contenute, iniziando dalla Chiesa Madre o dalla Basilica per poi continuare con gli altri edifici chiesastici e i palazzi nobiliari. Particolare attenzione viene riservata all’architettura, come le chiese medievali e rinascimentali di Castelbuono, Gratteri e Isnello o quelle barocche e rococò di Petralia Soprana e Polizzi Generosa. In merito alla pittura si affrontano in modo più approfondito i mosaici del bema della Cattedrale di Cefalù, i polittici del Quattro e del Cinquecento di Castelbuono, Petralia Sottana e Polizzi Generosa, le pale d’altare del Sei e del Settecento collocate nelle diverse chiese, i cicli di affreschi e le croci dipinte, come quella di Guglielmo da Pesaro della Cattedrale di Cefalù. Si indaga sia la scultura marmorea, gran parte della quale scolpita dai Gagini e da altri artisti carraresi attivi in Sicilia nel XVI secolo, sia quella lignea, realizzata da artisti locali o provenienti da altre province. Per ogni singola opera si fa riferimento alla letteratura artistica riportando le diverse ipotesi di studio circa l’autore e il periodo. Il volume indaga, inoltre, i musei del territorio, come il Mandralisca di Cefalù, dove è esposto il Ritratto di Antonello da Messina, ed i due di Castelbuono e Gibilmanna. La pubblicazione comprende anche le schede biografiche sui più noti artisti madoniti che hanno operato anche in altri centri della Sicilia, come i pittori Gaspare Bazzano e Giuseppe Salerno, noti come Zoppo di Gangi, e gli scultori frate Umile, frate Innocenzo, frate Benedetto, Giovan Pietro Ragona, Pietro Bencivinni e Filippo Quattrocchi.

La Bellezza della volgar poesia, pubblicata originariamente nel 1700 dal Custode dell’Arcadia, Giovan Mario Crescimbeni, è tra i documenti che meglio illustrano la poetica riformatrice promossa dall’accademia. Fondato sull’affermazione del primato della «volgar poesia» rispetto a quella classica, sul rilancio del platonismo rinascimentale e sulla condanna più formale che sostanziale della poesia barocca, questo trattato in forma di dialogo è una fonte straordinariamente preziosa per sondare la cultura e l’estetica letteraria della prima Arcadia. In questa sede ne viene proposta l’edizione commentata, a partire dall’esame di un esemplare della princeps conservato presso la Biblioteca Vaticana, contenente numerose postille – tutte inedite – non soltanto dell’autore, come precedentemente creduto, ma anche di Anton Maria Salvini.
Nel 1712, quando in Arcadia si era da poco consumata la scissione con Gian Vincenzo Gravina e i suoi allievi, Crescimbeni decise di ristampare la Bellezza, aggiungendo un dialogo sul gusto della poesia contemporanea, e integrando le postille di Salvini. La presente edizione, oltre a pubblicare per la prima volta queste postille, e a indagare il percorso evolutivo della scrittura crescimbeniana tra la prima e la seconda impressione del trattato, offre nuovi, importanti elementi per comprendere a fondo le dinamiche poetiche e politico-culturali di una stagione significativa della cultura italiana.

Basato su centinaia di fonti storiche primarie in gran parte inedite, questo libro esamina il tessuto sociale ed economico dell'estrema periferia del Regno di Napoli in età moderna – e in particolare nell'ultimo secolo di ancien régime – non senza prima richiamare le descrizioni del territorio e della grecità della popolazione fatte dagli storici coevi, e fornendo un dettagliato quadro demografico grazie anche a un'accurata analisi dei catasti onciari settecenteschi.
Il territorio esaminato ricade nella provincia di Calabria Ultra (attuale Reggio Calabria), e riguarda varie località della cosiddetta area grecanica poste fra le tre città di Reggio, Sant'Agata e Bova, come Amendolea, Bagaladi, Capo d'Armi, Cardeto, Condofuri, Gallicianò, Lazzaro, Melito Porto Salvo, Montebello Jonico, Motta San Giovanni, Pellaro, Pentidattilo (o Pentedattilo), Roccaforte del Greco, Roghudi, Saline Ioniche e San Lorenzo.
Le attività produttive e commerciali della zona vengono illustrate ponendo l'accento su soggetti coinvolti, prezzi dei beni e tipologie lavorative e contrattuali, nonché sui relativi risvolti sociali come quelli legati alle principali colture praticate, all'allevamento o alla lavorazione del lino e della seta. Le carte d'archivio menzionano castelli, chiese, palazzi e fondaci, strutture architettoniche in molti casi ormai scomparse, come le stesse fortificazioni costiere di cui permangono tutt'oggi poche vestigia.
Ma questo libro porta alla luce anche (e soprattutto) i nomi di moltissimi degli sconosciuti protagonisti della società dell'epoca, come artigiani, pastori, medici, imprenditori, amministratori civici, funzionari feudali, contadini, nobili e borghesi: ed è osservando la loro vita quotidiana – lavoro, rapporti sociali, problemi economici e di salute, devozione religiosa, litigi, matrimoni, disposizioni testamentarie – che si può conoscere da vicino la mentalità di donne e uomini della Calabria grecanica del tempo.
Segue un estratto con l'indice dei capitoli, l'introduzione, e l'indice dei nomi contenente più di milletrecento voci.

Fra il 1741 e il 1743 l'antico palazzo del marchese Ippolito Levizzani, sul corso Canalchiaro a Modena, era oggetto di un profondo rifacimento su progetto del noto architetto Alfonso Torreggiani. Mentre la facciata, di sobria eleganza sul nobile portico a colonne marmoree, si è conservata sino ai giorni odierni, il cortile subì in passato notevoli alterazioni, tuttavia mantenendo importanti testimonianze del gusto rococò. Lo scalone monumentale venne invece distrutto nel 1925; una pianta dell'edificio di quell'anno documenta l'originalità della sua soluzione architettonica, che ne faceva una suggestiva "macchina" scenografica.

The reemergence of a portrait of Monsignor Angelo Locatelli Martorelli Orsini, signed by the eighteenth century painter from Ancona Bernardino Bini allows for a reevaluation of the artist’s career. Previously known almost exclusively from the accounts of nineteenth century historians of the Marche city, primarily Amico Ricci, he was said to have studied under Francesco Trevisani, as well as in other instances, Domenico Simonetti called Bagatta. Ricci also offers as example of his work, two oft-cited pictures of what presumably were historical subjects once in the communal palace of Ancona, though these remain untraced, and a Saint Teresa from the Church of the Scalzi, which was wrongly attributed. Three unpublished altarpieces by Bini are introduced here, a Passing of Saint Joseph from the Church of Saint Nicholas in Sirolo, an Immaculate Conception and Saints from the Church of Saint Biagio in Osimo, and a Translation of the Holy House of Loreto with the Madonna of the Rosary and Saints, from the parish church of Gallignano. The social position of the figure of the sitter Monsignor Angelo Locatelli Martorelli Orsini. The scion of two noble families from the provinces of the Papal State, the father was the Count Giuseppe Locatelli of Cesena, to which the prelate and his brother added the name of their mother, last exponent of the Martorelli family of Spoleto (the name Orsini was added by the Martorelli in memory of their service to that family) so that they could inherit the Martorelli properties, including the celebrated Villa Martorelli now better known as Villa Redenta. The monsignor, as is made evident by the inscription on the letter he is holding, was at the time of the portrait legate to Fermo, which must date the work to between 1735 and 1741. Finally two more published examples are also presented, both from the Pinacoteca Classense of Ravenna. Finally, the consideration is here offered that, though the production of religious paintings of the artist seems to be conceived in a conservative idiom, the portraiture style expresses one of the most interesting recurring traits of Marche eighteenth century painting, a humor and incisiveness that come from a carefully observed subject, that is sometimes at the limit of caricature.

Con il secolo XVIII ebbe inizio nei governi europei un’inedita e complessa sperimentazione di metodi e tecniche amministrative. Dentro questa temperie la nuova e straordinaria consapevolezza razionale e pragmatica degl’illuministi si scontrò con le vecchie strutture, con interessi consolidati e con l’ambiguità dei poteri preminenti. Porre al centro della riflessione e dell’azione politica il problema di come governare la società significò accettare l’idea moderna di un mondo sempre in rapida trasformazione. Per questa via, assumere l’idea del continuo cambiamento vitale rese arbitrario e ingiusto legittimare secondo le forme tradizionali la ‘volontà generale’. Questa fu la novità essenziale del pensiero illuministico: le attività dei governi devono essere sempre collaudate dal consenso popolare. Seguendo il fil rouge della ‘governamentalità’ lungo il XVIII secolo, questo libro descrive il duro scontro tra riformismo e conservatorismo che percorse la vita politica dell’Italia meridionale, e, attraverso di esso, dell’intera Europa mediterranea.

I saggi qui raccolti trattano in prevalenza del maggior poeta italiano, che fu anche uno dei maggiori europei, di fine Settecento: Vittorio Alfieri. Ma non a lui essi sono esclusivamente dedicati. L’esperienza militare dell’illuminista milanese Pietro Verri, l’importanza delle traduzioni per il rinnovamento del gusto nella cultura letteraria di lingua italiana tra Sette e Ottocento, sono anch’essi temi di queste pagine. Ma Alfieri certo domina o almeno autorevolmente affiora in tutte. Con la sua innovativa concezione del poeta; la sua arte bicefala, sublime e anti-sublime; la sua autobiografia (probabilmente la più bella della letteratura italiana); i suoi rapporti con le arti figurative; il suo amore per i viaggi; il suo contributo alla fissazione del canone dei «quattro poeti»; il suo assorbimento nella cultura risorgimentale, forse fonte del declino della sua fama fuori d’Italia. Lo sfondo del discorso di Arnaldo Di Benedetto non è unicamente “nazionale” – in tempi nei quali la stessa nozione di «letteratura nazionale» è palesemente in crisi e si fa sempre più evanescente.

Il seguente contributo, scritto a quattro mani e pubblicato in occasione del IV° Convegno dell'Accademia di Storia dell'Arte Sanitaria tenutosi a Cagliari il 3 e 4 maggio 2019, vuole dare un nuovo apporto allo studio della situazione dell'abbandono dei bambini nel primo periodo di vita. Attraverso un breve excursus storico, vengono ripercorsi vari stadi: dai motivi dell'abbandono, all'esposizione presso le ruote, passando per l'affido alle balie e la supervisione del Padre d'orfani fino ad arrivare all'analisi di un fascicolo conservato presso l'Archivio di Stato di Cagliari e proveniente dall'Ospedale di Sant'Antonio Abate nel quale era presente la più antica ruota della città.

Alcune tracce del genere satirico sono già riscontrabili in alcune opere che non hanno la vera e propria titolazione di "satira". Archetipo del genere nella cultura europea è Omero, autore, secondo la tradizione, del poemetto "Batracomiomachia" e dell'operetta "Margite" che, con caustica ironia e sguaiata comicità, smitizza valori e tradizioni del mondo greco. Nel genere satirico, fra l'altro, bisogna annoverare la diàtriba cinica e cinico-stoica, i cui autori più famosi sono Menippo di Gadara, che compose opere satiriche miste di prosa e versi, e Bione di Boriatene; proprio da lui Orazio trarrà ispirazione per le sue Satire. Il primo autore latino di saturae è Quinto Ennio; nelle sue opere si trovano perlopiù riflessioni autobiografiche e morali, unite a spunti di filosofia, che solamente in determinati punti convergono verso uno stile prettamente satirico. Se bisogna prestare fede agli antichi, è Lucilio ad essere considerato l'inventore del genere così come lo conosciamo noi oggi. Prediligendo un registro aggressivo e scagliandosi contro la corruzione pubblica e privata, Lucilio stigmatizza ogni forma di vizio. La satira diviene, così, lo specchio della violenza con cui veniva condotta la lotta politica tra le fazioni oligarchiche aspiranti al governo della repubblica. Nell'età di Augusto sarà Orazio ad occuparsi principalmente di satira, distaccandosi dallo spirito aggressivo della satira luciliana e abbandonando gli attacchi verso i personaggi politici del tempo, optando per un'ironica rappresentazione dei difetti e delle miserie degli uomini. Persio, autore di sei satire pubblicate postume, vissuto in età neroniana, pur evidenziando notevoli affinità con la satira di Orazio, sostituisce all'ironia del Venosino un accentuato rigorismo. Il poeta è un ammiratore delle opere luciliane ma i suoi versi mancano dell'aggressività verbale contro gli uomini potenti e corrotti, evitando ogni riferimento ai problemi della vita politica. L'aspetto originale della sua satira consiste nelle metafore, nei passaggi arditi, nella tecnica allusiva, che creano una sorta di arte ermetica. Un altro grande poeta satirico dell'età imperiale è Giovenale. La sua poesia nasce da una forte esplosione di sdegno: "facit indignatio versus", per la corruzione, per l'immoralità, per l'ingiustizia, di cui è osservatore ogni giorno. La satira in lui si ammanta di protesta sociale. Nel corso dei secoli l'ossequio ai classici latini, in particolare Orazio, preservò la satira facendole superare la barriera linguistica della nascita di letterature in lingue regionali. La satira ebbe ampio uso nella poesia orale giullaresca, di cui ci sono pervenuti alcuni frammenti scritti. A partire dal Duecento, va notata soprattutto in Dante la compresenza di un registro comico-realistico, in corrispondenza della critica corrosiva alle personalità che lo avevano disconosciuto ed esiliato, fino ad allargarsi ad una visione critica dell'intera società a lui contemporanea. È con grande sdegno e forte corrosività che il fiorentino sceglie di attaccare l'ipocrisia e la superficialità propria dei suoi contemporanei. Anche Boccaccio farà ricorso al linguaggio satirico per evidenziare e smascherare la corruzione e i vizi delle classi agiate del suo tempo, intessendo le novelle del suo Decameron di continue allusioni e vivaci doppi sensi. Nel Rinascimento, la letteratura converge tutta verso il petrarchismo, visto come il ramo più robusto dell'esperienza classicistica, e quello anche dove si fa più percepibile l'evoluzione del gusto; da un altro lato, sulle diverse forme di contestazione del classicismo, sono riscontrabili spie di una notevole complessità culturale e di un disagio della civiltà che ha profonde radici spirituali nella crisi del rapporto tra Umanesimo e pensiero cristiano.

Questa dissertazione propone una disamina sulle opere realizzate dallo
scultore francese Michel-Ange Slodtz, nato Réne-Michel. Fu uno scultore di origine fiamminga, allievo all’Académie Royale de Peiture et de Sculpture a Parigi nel secondo quarto del XVIII secolo e poi a partire dal 1728 dell’Académie de France à Rome. Ci si concentrerà principalmente sulle opere realizzate dall’artista durante il soggiorno romano, dapprima come allievo dell’Académie e successivamente come scultore indipendente.

Tesi di laurea triennale, università Ca' Foscari di Venezia
A partire dagli anni Sessanta del Settecento, Giandomenico Tiepolo si dedicò, a più riprese, alla decorazione della sua proprietà di famiglia, la villa di Zianigo. Nell'intimità di quel luogo, senza una committenza a imporgli un soggetto, lasciò scorrere libera la propria fantasia, dipingendo satiri e centauri, scene mitologiche e scene di vita nobiliare contemporanea, fino alla comparsa dei Pulcinella. Questi irrompono sulle pareti della villa impetuosi, per non abbandonare più Giandomenico fino ai suoi ultimi giorni di vita. Infatti, Pulcinella ritornerà anche nella sua opera Divertimento per li regazzi, una raccolta di disegni con la sgraziata maschera come protagonista. Questa tesi vuole andare a indagare sulle ragioni che hanno portato Giandomenico Tiepolo a scegliere proprio la maschera di Pulcinella fra tutte le altre. Saranno approfondite dunque motivazioni di tipo politico, chiarendo il grado di coinvolgimento dell’artista negli accadimenti storici di Venezia, ma anche di tipo sociale, in quanto Pulcinella fa la sua comparsa nell'opera dell’artista in un momento in cui la nobiltà affrontava il proprio declino, per lasciare spazio alla borghesia. Anche dal punto di vista artistico Pulcinella si colloca in un periodo in cui lo stile rococò, prediletto da Giandomenico e suo padre, non era più acclamato dal pubblico, in quanto il neoclassicismo si stava già affacciando sul mondo dell’arte.

Galileiano d’alcova, sperimentatore per definizione, Casanova scrive in francese e pensa sia nella lingua di Ariosto sia in quella di Voltaire, ma in ogni piega del suo discorso c’è infine il teatro. Egli è attore delle due commedie sia quella all’improvviso sia di quella in cui la partitura è scritta giorno per giorno e poi di nuovo, alla fine della propria vita, con un talento felice e una dedizione allo scrittorio non inferiore a quella avuta per il tavolo da gioco. Monumentale e pluridialogica la sua Histoire de ma vie mette in relazione il modello umorale della Vita di Cellini con l’ossessiva trasparenza promossa dalle Confessions di Rousseau. Ora questo scrittore dal successo postumo, ma sempre più accreditato, va finalmente interrogato dalla parte di lei, perché l’uomo sovrastato dai meriti del narratore possa finalmente riemergere con tutte le sue debolezze e risorse incontrando il lettore che ha così ben circuito, come un seduttore imperfetto ma tenace. Le lettere scritte a Casanova fanno tacere l’avventato parere di chi ritiene che il rapporto con l’altro sesso sia un’arte di ovidiana sagacia e frivola compostezza e non quella pericolosa esperienza che è mescolare vita con l’altrui vita. Così le donne di carta smetteranno di essere figurine di alcova per rientrare nella loro esistenza settecentesca, sfarzosa e precaria e, più di ogni altra cosa, non arrendevole.

Schede di catalogo della mostra "Canova. I volti ideali", catalogo della mostra, a cura di Omar Cucciniello e Paola Zatti (Milano, Galleria d'Arte Moderna, 25 ottobre 2019 - 15 marzo 2020), Milano, Electa, 2019:
- Gianbattista Gigola, Ritratto di Lord Byron (pp. 142-143, n. 2.5)
- Epigramma di Lord Byron per la Elena di Canova (pp. 144-145, n. 2.6)
- Busto femminile della cosiddetta "ZIngarella" (pp. 160-161, n. 3.1)
- Erma femminile della cosiddetta "Hestia" (pp. 162-163, n. 3.2)
- Pietro Tenerani, Vittoria Caldoni (pp. 167, n. 3.7)
- Raffaele Monti, Dama Velata (p. 169-170, n. 3.9)
- Ghirlandaio, copia da, Canefora (pp. 184-185, n. 4.5)
- Testa femminile della cosiddetta "Saffo", p. 198, n. 5.1

Il saggio si pone l’obiettivo di ricostruire in modo organico le principali fasi di un percorso che ha portato alla formazione di una vera e propria tradizione critica sulle Rime del Casa durante il secolo e mezzo successivo alla loro prima apparizione veneziana nel 1558.
Come tale veniva già avvertita dagli autori di quegli scritti (lezioni accademiche, commenti, paralleli, lettere-dissertazioni, ecc.) che avevano contribuito alla sua costituzione, prima della sua ragionata sistemazione all’interno delle monumentali edizioni dedicate alle opere dellacasiane tra la fine del Seicento e i primi decenni del Settecento. 
La ricostruzione viene condotta secondo una prospettiva che incrocia episodi noti, meno noti o del tutto sconosciuti alla critica contemporanea, seguendo le diverse direttrici della grande considerazione riservata al Casa dalla critica cinque-secentesca, in parallelo (ma soprattutto in alternativa) alla lezione petrarchesca, come modello di stile grave e magniloquente, come esempio di sublime “poesia degli affetti”, delle passioni dell’animo.

1751-1753: gli ultimi due anni al Sant’Angelo segnano nella carriera di Goldoni un punto di svolta. I motivi sono molteplici: l’appoggio del pubblico veneziano, che comunica al poeta l’illusione (presto destinata a tramontare) di un auspicato mutamento sociale attraverso la messa in atto dei nuovi principi di ragionevolezza, convivenza civile, rispetto fra le classi, parità di genere; la tensione laboratoriale delle «pièces» di questo periodo, collegate fra loro ma ognuna differente dall’altra, innovative per temi, stile, ambientazione; l’approfondimento dei caratteri, soprattutto femminili (significativo che, nel Carnevale 1751, entri in compagnia, nel ruolo di Corallina, Maddalena Marliani, attrice che trasmette a Goldoni un rinnovato slancio creativo). Le diciassette commedie allestite in questo biennio sono qui rilette con attenzione analitica per sottolineare il rilievo attribuito dal poeta al valore etico delle sue opere teatrali, con vari sondaggi anche sulla memoria letteraria sottesa ai testi, dal «Proemio» decameroniano (richiamato nella dedicatoria di «Le femmine puntigliose») a «Le piacevoli notti» di Straparola (evocate per la Corallina di «La serva amorosa»). Goldoni non teorizza, non stabilisce regole assolute, non conosce la formula della commedia perfetta. È un autore sperimentale (il «Galileo» della nuova letteratura…) che collauda ogni giorno nuove miscele, nuovi composti, in sintonia con i gusti del pubblico pagante e con lo sguardo rivolto all’obiettivo di «castigare ridendo mores». Sperimentale, e con le idee chiare: «Fo il fatto mio», taglia corto «L’autore a chi legge» di «I puntigli domestici».

Il libro tratta la produzione dell'intagliatore Pietro Bencivinni, natio di Polizzi Generosa, di cui per la prima volta si ricostruisce la biografia e il catalogo, ed esamina più di 250 sculture e intagli lignei dal Quattrocento all'inizio dell'Ottocento custoditi nelle chiese dei quattordici paesi delle Madonie (Caltavuturo, Castelbuono, Cefalù, Collesano, Gangi, Geraci Siculo, Gratteri, Isnello, Petralia Soprana, Petralia Sottana, Polizzi Generosa, Pollina, San Mauro Castelverde e Sclafani Bagni). Sono centri che appartengono alla provincia di Palermo e che rientrano nell’antica Diocesi di Cefalù. La pubblicazione presenta una appendice documentaria costituita da 547 documenti rinvenuti presso l’archivio di Stato di Termini Imerese, in quello Diocesano di Cefalù nonché in quelli delle parrocchie dei centri madoniti. La ricerca ha rivelato un cospicuo numero di artisti locali che hanno realizzato opere ancora esistenti, come i cori delle Matrici di Petralia Soprana e Gratteri, il mobile di sagrestia della chiesa del Santissimo Salvatore di Petralia Soprana, il Cristo Risorto della chiesa di S. Michele di Isnello, l'Immacolata della Chiesa Madre di Geraci Siculo, la vara della crocifissione della chiesa di San Filippo di Scafani Bagni, le cornici, le custodie e le cantorie di numerose chiese. È stato pure ampliato il catalogo degli artisti del Cinque e del Seicento attivi pure in altri centri della Sicilia, come quello dello spagnolo Diego Ingutierrez, dei Matinati, dei Li Volsi da Tusa-Nicosia, di fra' Innocenzo da Petralia Sottana e del più noto fra' Umile da Petralia Soprana, di Vincenzo Di Giovanni e di Francesco Reyna. Particolare attenzione viene riservata alla produzione dei Ragona e a quella del gangitano Filippo Quattrocchi, scultori attestati in altri centri dell’Isola, da Messina a Catania, da Agrigento a Trapani. Il volume comprende un capitolo sulle sculture realizzate dai napoletani tra la fine del Seicento e il Settecento, come Giacomo Colombo, Lorenzo Cerasuolo, Gaetano Franzese, Gaspare Castelli e Domenico Puglisi, ed un altro interamente dedicato ai palermitani Bagnasco che concludono la grande stagione della scultura lignea in epoca Neoclassica.

Il Bello Ideale: il concetto che attraversa l'intero corso della storia dell'arte, sin dagli albori dell'antica civiltà greca, viene qui letto nei suoi sviluppi critici moderni. La tesi analizza il momento storico in cui si elabora la dottrina del classicismo seicentesco per opera di Giovan Pietro Bellori. Istituisce un confronto diretto e puntuale nel campo della teoria artistica e delle fonti con un momento successivo, quello del cosiddetto Neoclassicismo settecentesco. Nell’articolazione di questi momenti vengono ad istituirsi le basi dello sviluppo in senso moderno della storia dell’arte, che vedrà in Johann Joachim Winckelmann un punto di svolta ormai maturo nel processo di sviluppo della disciplina storico-artistica, tanto da meritare l’appellativo da parte di Schlosser di «vero padre della storia dell’arte». Il metodo analitico del confronto tra i due momenti critici verte sul rapporto con l'Antico, sul ruolo della Natura nel concetto di Bellezza e sulle forme ed i contenuti della letteratura artistica. Infine si monitorano le tendenze stilistiche e le novità nella prassi artistica nel passaggio dal Seicento al Settecento, seguendo il percorso artistico del pittore-filosofo Mengs.

Soggetto della tesi è una particolare iconografia mariana derivante da un'immagine sacra del XV secolo, considerata miracolosa, che si venera a Genazzano, nel Lazio. Tale iconografia, dopo una lunga quiescenza, rivive un inaspettato successo nel corso del Settecento, quando numerose copie del dipinto - reinterpretato secondo il gusto del tempo - prendono a circolare sia in Italia che in Europa. E' in questo contesto che il culto giunse a radicarsi, con specifiche modalità e con una speciale fortuna, anche in Trentino (il caso di padre Epifanio De Gentili).

The topic of this thesis concerns a peculiar Marian iconography, which  was originated from a holy image located in Genazzano (Lazio) since XV century. This iconography, after two centuries' forgetfulness, relives an unexpected success during Eighteenth century, when several copies of the image - modified according the period's style - were distribuited in Italy and Europe. In this context the cult settled even in Trentino, with specific ways and unusual luck (the case of Father Epifanio De Gentili)

Il contributo, utilizzando documenti inediti, indaga l’attività di alcuni pittori siciliani attivi tra il Seicento e l’Ottocento a Petralia Sottana, centro della provincia di Palermo. Si tratta di artisti che, noti o sconosciuti, hanno realizzato dipinti in altri centri della Sicilia come Benedetto, Pietro e Rosario Berna autori, nel 1707, degli affreschi della volta della chiesa di S. Francesco d’Assisi di Petralia Sottana. Di altri pittori indagati nel saggio si conservano ancora i dipinti, come il Martirio di San Vincenzo di Saragozza del 1655 di Matteo San Marco (Sammarco) custodito nella Chiesa Madre o la Madonna di Monserrrato del 1625 di Ottavio Basile del medesimo edificio. Tra i vari artisti attivi a Petralia Sottana risultano Giuseppe Salerno, uno dei due Zoppo di Gangi, Giacomo Campione di Nicosia, Crispino Riggio, Giuseppe Garigliano da Gangi e Giuseppe Di Garbo

Il contributo fa parte di un volume interamente dedicato ai monili, alle suppellettili liturgiche in argento e ai parati sacri conservati nei Tesori delle chiese di Petralia Soprana, centro delle alte Madonie appartenente alla Diocesi di Cefalù. Le opere esaminate nel libro si rivelano del tutto originali poiché permettono di inoltrarsi in un periodo della storia dell’arte in Sicilia che va dal Trecento all’Ottocento. Il saggio, ad esempio, indaga i preziosi manufatti realizzati dalla fine del Quattrocento agli anni Settanta del Settecento. Si tratta di suppellettili liturgiche commissionate da prelati, nobili e fedeli e realizzate da argentieri messinesi, catanesi e soprattutto palermitani. Di alcuni manufatti, grazie ai documenti inediti riportati nell’appendice, sono stati individuati gli autori.

Il contributo esamina le opere custodite nella chiesa di S. Benedetto, nota come Badia, di Caccamo, centro della provincia di Palermo. Si tratta di un edificio monastico appartenente alle monache benedettine che custodisce dipinti, stucchi, monumenti funebri, intagli  e altre pregevoli opere realizzate tra il Cinquecento e il Settecento alcune delle quali commissionate da monache e badesse. Tra queste ultime Honufria Fara Lombardo che, figlia del barone della Scala e Manchi don Onofrio Lombardo,  nel 1669 fa realizzare l’ostensorio in argento arricchito di diamanti e topazi ora custodito in Chiesa Madre.

Formé à Milan aux côtés de son frère Pietro et de Cesare Beccaria, Alessandro Verri achève sa vie à Rome, au lendemain de la chute de l'Empire. L'impertinent publiciste de l'« Académie des Coups de poing » a fait le deuil des Lumières comme formation de l'opinion publique et s'est rallié au conservatisme de l'aristocratie cardinalice puis aux thèses de la contre-révolution. En un siècle éclairé, qui est celui des âmes énergiques, rien ne lui paraît plus redoutable que la « philosophie aux ailes d'Icare » des Encyclopédistes. Traducteur de Shakespeare et d'Homère, tragédien éphémère et admirateur d'Alfieri, il explore les territoires nouveaux de l'esthétique romanesque, puisant dans l'Antiquité et dans sa réélaboration moderne, le néoclassicisme, les éléments d'une poétique capable de redonner ordre et harmonie à un monde troublé. Le jeune homme des Lumières est devenu l'homme des ombres et des sépulcres, le défenseur du trône et de l'autel, mais aussi le précurseur du « réveil » linguistique et littéraire au coeur du futur Risorgimento politique de la Péninsule. Cette étonnante parabole intellectuelle, qui traverse plus d'un demi-siècle d'histoire italienne, partagée entre Milan et Rome, est reconstituée à partir d'une analyse des oeuvres publiées et inédites de Verri, et de sa correspondance.