"Uma Roda de Choro Concentrada": Reflexões Sobre O Ensino de Músicas Populares Nas Escolas
"Uma Roda de Choro Concentrada": Reflexões Sobre O Ensino de Músicas Populares Nas Escolas
"Uma Roda de Choro Concentrada": Reflexões Sobre O Ensino de Músicas Populares Nas Escolas
br
Carlos Sandroni
(Universidade Federal de Pernambuco, Departamento de Música)
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Glória Moura é professora do Instituto de Artes da Universidade de Brasília e defendeu na USP, em 1997, a
tese de doutorado em Educação: Ritmo e ancestralidade na força dos tambores negros: o currículo invisível
da festa. Veja também, da mesma autora, “Os quilombos contemporâneos e a educação”, Humanidades, 47
(novembro 1999), Brasília, UnB, pp.99-116.
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Mariana Mesquita, em sua dissertação de Mestrado em Comunicação Rural, João, Manoel, Maciel
Salustiano: três gerações de artostas populares (Universidade Federal Rural de Pernambuco, ano 2000,
pp.159-61) menciona este processo, mas faz alusão a um estágio anterior ao de dama, que seria o de arlequim,
o qual, de minha parte, ainda não tive ocasião de presenciar.
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3
Cité de la Musique pour les jeunes, saison 1999-2000, p.50.
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direito de uma sonata para piano. Com exceção dos poucos instrumentos de
sopro e cordas, cada um dos músicos de um gamelão é responsável por apenas
um som, que deverá ser acionado no momento exigido para completar a trama
melódica em perfeita sintonia com os outros músicos-sons. O “bom encaixe”
dos sons de um gamelão corresponde literalmente ao bom encaixe dos
próprios músicos. O virtuosismo do gamelão é um virtuosismo da
sociabilidade.
O emprego do gamelão e de sua metodologia tradicional de ensino em
grupo vem sendo utilizada com sucesso na musicalização de crianças não só
em Paris, mas, até onde sei, também em Londres e nos Estados Unidos.
Outro tipo de prática desenvolvida nesta área, sobretudo nos Estados
Unidos, é a de convidar mestres renomados de músicas tradicionais africanas
ou asiáticas para ensinar nas universidades. É claro que não se espera que
estes mestres adotem metodologias Ocidentais na sua didática. Não se pode
tampouco imaginar que o ensino ali dispensado por eles seja idêntico ao que
dispensam em seus países de origem, visto que o contexto é outro, assim como
o público a que se dirigem. Mas o sucesso destas experiências parece indicar
que em certa medida é possível alcançar um compromisso entre um quadro
institucional de tipo Ocidental e metodologias não-Ocidentais ou populares.
Chegando um pouco mais perto, vou mencionar agora um exemplo
obtido no Rio de Janeiro, a propósito do violão popular. Em 1994, fiz uma
série de entrevistas com violonistas de samba, entre os quais alguns que
haviam sido alunos do célebre violonista Meira (apelido de Jaime Florence),
que formou com Horondino José da Silva, o Dino, a mais importante dupla de
acompanhamento de sambas dos anos 30 e 40. Os violonistas entrevistados
foram unânimes em ressaltar a importância fundamental, em sua formação, da
freqüentação assídua de rodas de samba e de choro - de um aprendizado,
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mais exato dizer duas leituras: uma no sábado de tarde e a outra no domingo
pouco antes da “apresentação”.
Na verdade para os membros do coro tratava-se de uma mistura de
apresentação e liturgia. Não era possível nem necessário preparar
interpretações especialmente trabalhadas das missas de Palestrina, Victoria e
Lassus; não nos sentíamos ali num trabalho especialmente artístico, mas antes
desempenhando um papel de apoio ao ritual. Ao mesmo tempo, estávamos
numa extraordinária “sala de concertos”, a nave da Saint Eustache, e diante de
um “público” numeroso. O resultado desta situação foi, no que me diz
respeito, um surpreendente incremento de minha capacidade de leitura à
primeira vista.
O que quero dizer com isso é que também no que se refere ao repertório
Ocidental, e a capacidades técnicas relativas a este repertório – a leitura de
partituras – situações que misturem aprendizado e desempenho, aprendizado e
vida social, podem ser extremamente proveitosas. Superar dificuldades
técnicas numa situação de desempenho pode ser muito mais eficiente do que
tentar fazê-lo através de exercícios. Um dos problemas de aplicar esta idéia no
caso da música Ocidental é que nas situações de desempenho que ela propõe,
costuma existir uma exigência de “perfeição” que nos obriga a nos
preparamos-para-o-desempenho, ao invés de nos preparamos-no-desempenho.
No exemplo citado, no entanto, a tal exigência de “perfeição” era afrouxada
pelo fato de que nós não estávamos propriamente fazendo um concerto, mas
participando de um ritual, e o centro das atenções não estava em nós, mas no
altar.
Em conclusão, considero muito positiva a inclusão de elementos das
músicas populares brasileiras (e, porque não?, também de músicas populares
de todo o mundo) nos currículos de nossas escolas de música; mas creio ser
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fundamental que tal inclusão não seja concebida como mera adoção de novos
conteúdos, a serem trabalhados de acordo com metodologias alheias a seu
contexto cultural. Nas culturas populares, os modos-de-fazer são tão ou mais
importantes do que os conteúdos; em todo caso, ambos estão
inextrincavelmente ligados. Incorporar, mesmo que parcialmente, modos-de-
fazer oriundos de contextos sociais muito distintos é bem mais difícil do que
incorporar conteúdos. Mas pode ser a única maneira de tornar a escola de fato
mais permeável à pluralidade cultural.