APOSTILA

Apostila de conteúdo e referências Para a Prova

Teórica de Jazz
 JAZZ

Orientação para o candidato pesquisar

e estudar

Indicações para pesquisa

História da Dança no Ocidente (Paul Boucier)

História da Dança (Mariel Portinari)

 JAZZ

SUA HISTÓRIA

O jazz dance é uma das mais importantes formas de se expressar

artisticamente, recebendo modos de diversos outros estilos e princípios
técnicos do ballet e dança contemporânea.
Possuindo outras variações como: Modern Jazz Dance, Soul Jazz, Rock
Jazz, Street Jazz, Feeling Jazz, Popular Jazz, Free Style entre outras.
O Jazz é uma forma de expressão pessoal criada e sustentada pelo
improviso. Dizem que a origem da Dança Jazz tem raízes essencialmente
populares. Com uma evolução inicial paralela à da música Jazz, surgiu nos
E.U.A no fim do século passado. Podendo-se dizer que nasceu da cultura
negra.
História do Jazz Dance no início, nas viagens dos navios negreiros da
África para os Estados Unidos, os negros que não morriam de doenças eram
obrigados a dançar para manterem a saúde. As danças tradicionais dos
senhores brancos eram as mais polcas, as valsas e as quadrilhas, e os negros
os imitavam para ridicularizá-los, mas dançavam de acordo com a visão que
tinham de sua cultura europeia, e misturando um pouco com as danças que
conheciam, utilizando instrumentos de sua cultura. Dessa forma, surgiu o jazz,
que era uma mistura da imitação dos ritmos europeus com os costumes
naturais dos negros.
Em 1325, os tambores foram proibidos no sul dos Estados Unidos para
evitar insurreições (revoltas) dos negros. Assim, para executar suas danças,
eles foram obrigados a improvisar com outras formas de som, como palmas,
sapateados, e o banjo. Mais uma vez, a dança dos negros dava um salto,
aproximando ainda mais com o jazz que nós conhecemos atualmente.
No início deste século, as danças afro-americanas começaram a entrar
para os salões, e a sofrer novas influências: do can-can e do charleston,
principalmente. Logo, essa dança que se pode até chamar de "mista", tomou
conta dos palcos da Broadway, se transformando na conhecida comédia
musical que, por volta sua vez, é o segundo nome dado à dança mais
conhecida como jazz.
Modern Jazz Dance, Sout Jazz, Rock Jazz, Discou Jazz, Freet Style e
Jazz, são algumas das designações que hoje em dia vão sendo utilizadas para
denominar os numerosos aspectos de que se reveste esta forma de expressão
artística. No Brasil, além destas outras designações, a generalização, tem sido
frequentemente exagerada a ponto de considerar determinadas formas de
ginástica ou atividade física, englobadas no mesmo terno.
Jack Cole, é por alguns considerado o pai da dança Jazz, foi um dos
primeiros a interagir fundamentos da Dança Moderna e sua técnica de
isolamento das partes do corpo. Sua técnica viria a influenciar toda uma
geração como Matt Mattox, entre outros. O jazz tem certas características
marcantes, incluindo a isolação, uma explosão de energia que se irradia dos
quadris e um ritmo pulsante que dá o balanço certo e a qualidade do
movimento. O comentário artístico e crítico, entretanto, geralmente acha o jazz
uma dança de pouco valor coreográfico, por ser uma mistura de vários estilos
pessoais derivados de um processo de improvisação, que organizados formam
uma coreografia.
As diferentes técnicas do Jazz, tem demonstrado que muitos princípios
foram herdados do ballet clássico e da dança moderna, e alguns professores
tem divulgado e desenvolvido seus métodos de fundamentação técnica para a
formação de bailarinos cada vez mais ecléticos. Poucos sabem qual será o
futuro e suas novas influências, mas o que se pode afirmar é que até hoje, o
Jazz tem sido uma das formas mais importantes da expressão artística.
Uma notável coreógrafa a contribuir para o Jazz dance foi Katherine
Dunham.
 DANÇA JAZZ NO BRASIL
Por Ana Carolina da Rocha Mundim*

RESUMO: O presente artigo busca tratar sobre o aspecto histórico da

dança jazz no Brasil,tentando estabelecer um percurso capaz de contextualizar
essa prática artística que sedesenvolve em nosso país. Por meio do destaque
de alguns eventos fundamentais neste processo, em ordem cronológica,
pretende-se traçar uma possível história do ―jazz brasileiro‖,apontando,
inclusive, as personalidades que vêm construindo essa estruturação desde
suainstalação. O envolvimento de profissionais pioneiras, como Marli Tavares e
Vilma Vernon, noprocesso de capacitação técnica para a criação e o ensino
deste estilo de dança, teve comoconseqüência o surgimento de novos
bailarinos multiplicadores do jazz. As bases de formaçãoque se disseminaram
inicialmente no Brasil foram, principalmente, as técnicas de Lennie Dale,Luigi,
Ron Forella, Jo Jo Smith e Betsy Hang.

INTRODUÇÃO

A dança jazz estabelece uma grande aproximação com aspectos da

rotina popular,como lembram Horst e Hussel, transformando-se, assim, em
elemento de fundamentalimportância para a compreensão da dança no Brasil.
No entanto, apesar desse significadoespecial, é pouco o que se sabe a
respeito da sua vinda para o país e do desenvolvimentodesde então até os
tempos atuais. Por isso, investigamos essa manifestação por meio
dorecolhimento de dados históricos e do contato com profissionais da área.
Buscamos traçar umapossível presença do começo e desenvolvimento desta
manifestação artística no país e aspersonalidades de maior destaque nesse
contexto.
Verificamos que os primeiros indícios da dança jazz no Brasil surgiram
por volta dasdécadas de1930 e 1940, mas foram os anos 60 que a
impulsionaram concretamente no país,deixando heranças técnicas até os dias
atuais. Pretendemos acompanhar o fluxo demudanças, no contexto das
manifestações em dança, que se concentrou, especialmente na* Doutoranda
em Artes pela UNICAMP, Mestre em Artes pela UNICAMP, Graduada em
Dança pela UNICAMP.Professora externa da PUC-Campinas. Integrante do
Grupo de Pesquisa em Dança e Teatro República Cênica,Coordenadora do
Projeto Artístico para o Desenvolvimento Social.96, década de 1960 e se
reflete até hoje. Estimuladas sobretudo no dinamismo dos
espetáculosmusicais, nas apresentações de televisão, filmes musicados e na
abertura de academias dedança jazz, essas mudanças irão introduzir nas
estruturas de cursos acadêmicos desdetécnicas importadas diretamente de
escolas e profissionais do exterior, até estilos de bailarinasbrasileiras
apropriados às características de nossa cultura.
A partir da realização de um breve percurso cronológico, buscamos
indicar umpanorama histórico que permita ao leitor o entendimento deste
fenômeno conhecido como jazzdance ou dança jazz, dentro da conjuntura
artística brasileira.
 BREVE PANORAMA DAS RAÍZES DO JAZZ

A origem do jazz pode ser encontrada na chegada do primeiro navio

negreiro aos EUA.
De acordo com dados do artigo Jazz, Jazz, Jazz...,1 para serem
colocados no navio semresistência, os escravos eram convidados a dançar e,
quando percebiam, já estavam em altomar.Uma forma de expressão dos
negros eram as Work Songs (Canções de Trabalho), quechegavam, até
mesmo, a ser ordenadas por seus donos, os quais se tranqüilizavam com elas
por trazerem aumento de produtividade e contribuírem para o afastamento do
perigo derebelião. Os senhores brancos, inclusive, levavam os escravos, a
locais públicos permitindo adança (a Calinda e a Dança de Bamboula eram as
preferidas) e o canto sob vigia. As Cançõesde Trabalho funcionavam como
uma manifestação dos pensamentos dos trabalhadores erevelavam seu
cansaço. A música era o código de comunicação estabelecido pelos escravos.
Além destas, eles tinham espaço para cantar nos cultos protestantes.
Cantavam e dançavam oRing Shout, adotado para atrair os jovens que queriam
dançar. Embora fosse proibida peloprotestantismo, a dança para essa religião
tinha o significado de cruzar os pés. O Ring Shoutera permitido, pois nele não
existia o cruzamento dos pés. As músicas que cantavam nessescultos eram as
Gospel Songs.
Às suas formas de expressão musical ainda se somavam os Spirituals e
o Blues. "OsSpirituals passaram a existir com a aproximação dos brancos e a
educação social dos negros.[...] O Blues surgiu como expressão vocal e
corporal sobre a vida terrena".2 - É importante ressaltar que a origem do jazz
se deu pela união das culturas branca enegra. Os negros começaram a
manifestação como forma de expressão, que muitas vezes erainfluenciada
pelas músicas ou danças brancas e/ou satirizava o comportamento dos
brancos.
O Ragtime, por exemplo, era música popular tocada por brancos. Já o
Cake Walk era uma1 XAVIER, Cínthia N. Jazz, Jazz, Jazz... Revista
Conseqüência, Campinas, ano 1, n. 1, p. 18, 1994.2 XAVIER. Op. cit., p. 21.97,
dança apresentada em Minstrel Shows (responsáveis pela divulgação da
cultura negra nosEUA, de 1845 a 1900) e representava uma sátira ao
comportamento do branco.
A emancipação dos escravos, em 1863, foi decisiva para a história do
jazz, já que seuscantos e danças puderam sair das fazendas a que estavam
restritos. Os negros levaram comeles as transformações que fariam as danças
tribais africanas chegarem ao jazz. Foram osbrancos, no entanto, que levaram
primeiramente essa dança aos palcos, tendo os negros queenfrentar um
caminho mais longo para chegar até lá."Nova Orleans possuía um clima que
contribuiu para a formação do jazz",3 e gerou umestilo musical que foi batizado
com seu nome. A cultura negra começava a se espalhar pormeio das Work
Songs, dos Spirituals e dos Blues. Nesse período, surgiu a improvisação e
comela as Jazz Bands. O Dixieland, jazz branco, trouxe consigo a formação da
Original DixielandJass Band, que em 1917 "realizou a primeira gravação de
jazz da história. [...]. Costuma-seconsiderar que o Ragtime, o New Orleans e o
Dixieland deram início à história do jazz".4A Primeira Guerra Mundial provocou
o êxodo de vários negros do sul dos EUA para onorte e para Nova York. O
fechamento de Storyville, bairro de New Orleans em que o jazz sedesenvolvia,
levou os bailarinos a se mudarem para o norte. Simultaneamente, os
negrosrecrutados pelo exército levaram seus ritmos e danças para a França.
Nesse período, as cidades de Harlem e Chicago (EUA) tornaram-se os
principaisredutos do jazz. O novo estilo musical, Chicago, aparece juntamente
com o Blues Clássico, e oNew Orleans atinge seu apogeu. A música foi
adquirindo um caráter mais pessoal e criaram-seo Riff-Still, esquema de
chamadas e respostas e as Jam Sessions, reuniões de improvisadores.Iniciou-
se um período de comercialização do jazz e de modismo da dança. Surge o
Bebop,música de caráter nervoso e complicado, o que contribuiu para um
retorno ao jazz de NewOrleans e Dixieland, em uma busca do público a algo
mais simples e tranqüilo.
A dança negra começou a conquistar os palcos novaiorquinos com
Darktown Follies,mas foi em 1921, com a estréia de Shuffle Along, que obteve
grande êxito. A comédia musicalbranca, desde o começo do século, incorporou
novas músicas e danças à sua bagagemsempre em transformação. A dança
jazz trouxe à dança americana novas possibilidadescoreográficas. George
Balanchine5 criou, em 1933, A Escola de Ballet Americano, que setornou
grande palco de criações coreográficas, alimentando, inclusive, a Broadway e
ascomédias musicais.
Outro nome norte-americano de grande relevância para o jazz é o de
KatherineDunham.6Ela3 XAVIER. Op. cit., p. 25.4 XAVIER. Op. cit., p. 26.5
FARO, José Antonio; SAMPAIO, Luiz Paulo. Dicionário de Balé e Dança. Rio
de Janeiro: Jorge Zahar, 1989. p. 26.6 FARO; SAMPAIO. Op. cit., p.
128.98havia montado um grupo e uma escola em sua cidade natal (1931),
antes de trabalhar tambémpara o Teatro Federal e de criar a primeira
companhia importante de dança inteiramente formadapor negros fora dos
canais da dança comercial. [...] A dança negra se converteu a partir dela
emalgo muito mais livre, baseado na improvisação individual e na
expressividade desbordante;junto com John Platt, seu marido, Katherine
Dunham levou aos palcos de todo mundoespetáculos que não só
revolucionaram a dança, como criaram o que contemporaneamente
sedenomina modern jazz dance.7A evolução da comédia musical colocou o
jazz em grande destaque e coreógrafos ebailarinos de excelente qualidade
foram surgindo:
Nomes como Jack Cole, Robert Alton, Jerome Robbins, George
Balanchine, GowerChampion, Bob Fosse ou Michael Kidd, entre os
coreógrafos, ou Fred Astaire, Clifton Webb,Dunham Eddie Cantor, Cyd
Charisse, Joel Gray, Mikhail Barishnikov, Leslie Caron, Bill Robinsonou Ginger
Rogers, entre os bailarinos, seguem uma carreira profissional dividida entre os
palcose Hollywood.8

O JAZZ NO BRASIL - ANOS 50

Os rumores jazzísticos começaram a chegar no Brasil entre as décadas

de 1930 e1940, com a difusão do sapateado em nosso país. Na década de
cinqüenta, fortaleceram-sepor meio dos shows de Teatro de Revista, musicais
de televisão e programas de auditório norádio. Os shows mais famosos de
Carlos Machado, pelos quais acreditamos ter se iniciadoeste espírito jazzístico,
com danças como o charleston, já considerado jazz (segundo abailarina
Débora Bastos), se iniciaram nos anos 50. Alguns destes foram: Cavalcade
(1950),Segredos de Paris (1951), um americano em Recife (1952), Clarins em
Fá (1953), Feitiço davila (1953), acontece que eu sou baiano (1954), Grande
Revista (1955), E o espetáculocontinua (1956), Rio de Janeiro a Janeiro
(1957), Bela época 1900... E 58 (1958), The milliondollarbaby (1959).
Destes shows, de musicais televisivos produzidos, principalmente pelas
TVs Tupi eRecord, e de programas de auditório produzidos pela Rádio
Nacional, começaram a surgirbailarinas que, mais tarde, seriam as primeiras
professoras de dança jazz no Brasil. MarlyTavares e Vilma Vernon, ambas
tendo iniciado seus estudos no Teatro Municipal do Rio deJaneiro, são os
nomes de destaque. Marly, que teve como primeira experiência
profissionalapresentações no Radio City Music Hall, nos EUA, ao voltar para o
Brasil começou a trabalharem shows. Vilma Vernon iniciou carreira profissional
em televisão em 1957 (TV Record, SãoPaulo) e daí partiu para os shows de
Teatro de Revista, no Rio de Janeiro.
Paralelamente, as comédias musicais americanas e os filmes
hollywoodianos, repletosde coreografias de dança jazz, estavam chegando no
Brasil, marcando, também, um forte7 PRIMEROS Pasos en Jazz Dance.
Barcelona: Parramón, 1987. p. 23.8 PRIMEROS Pasos... Op. cit., p. 29.99
influência. Alguns dos materiais cinematográficos que chegaram ao país, nesse
período e umpouco anteriormente, foram: The Jazz Singer (1927), 42nd Street
(1933), Oklahoma! (1943),West Side Story (1954), Seven brides for seven
brothers (1954) e My fair lady (1956).
Bailarinos e coreógrafos desses filmes começaram a ser chamados,
mais tarde, para seresponsabilizar pelas coreografias de nossos shows, como
é o caso de Gower Champion, emAlô, Dolly! (1962).

ANOS 60

A década de 1960 foi de grande importância para a dança jazz, pelas

realizaçõesdecorridas neste período. A produção de musicais do Teatro de
Revista era vasta e intensa.Em 1960, ocorreram, dentre os shows de Carlos
Machado: Carlos Machado variety(1960), Holiday in Spain (1960), Carnival in
Rio (1960), Festival (1960) e Brazil (1960). Mas foi1961 o ano de grandes
sucessos da Revista, no que se refere a contribuições para a dançajazz.
Alguns deles são:
· Skindô: coreografado por Sônia Shaw, teve como assistente de coreografia
JuanCarlos Berardi. Foi produzido por Abraham Medina e levou Marly Tavares
aoestrelato no papel de Skindô;

· Marco Pólo: coreografado por Denis Gray, dirigido por Carlos Machado, teve
aparticipação de Marly Tavares como solista;

· Samba, carnaval e café: produzido por Carlos Machado, coreografado por

JuanCarlos Berardi, com Marly Tavares;
· Vive les femmes: produzido por Carlos Machado, coreografado por Juan
CarlosBerardi;

· Varão entre as mulheres: produzido por José Vasconcelos, teve como uma
dasprincipais bailarinas Vilma Vernon;

· No País dos Bilhetinhos: produzido por José Vasconcelos, coreografado por

GilbertoBrea, teve Vilma Vernon como uma das principais bailarinas;

· ... E o espetáculo continua: com o mesmo nome do espetáculo produzido por

CarlosMachado em 1956, este foi produzido por José Vasconcelos e teve
Vilma Vernon noelenco.
Foi ainda nesse ano que, possivelmente, Lennie Dale veio ao Brasil pela
primeira vez.Lennie Dale foi ex-aluno e assistente de Jerome Robbins em um
dos musicais americanos demaior sucesso: West Side Story (Amor, sublime
amor).100. Em 1962, Obrigado, Rio; Zelão e Boca Rica; e Ôba, produzidos por
Carlos Machado,levaram Vilma Vernon ao estrelato. Ôba trouxe um trio de
ballet moderno de Buenos Aires,considerado referência no espetáculo e,
segundo informações de Vilma Vernon, foi o show quetrouxe Lennie para o
Brasil (contratado por Carlos Machado para coreografar). O ano de
1962também foi marcante para a bailarina Marly Tavares, que recebeu o título
de personalidade doano. Além disso, ela interpretou Minnie Fay, em Alô, Dolly!,
show de grande sucesso,produzido por Victor Berbara, com coreografias de
Gower Champion, sob responsabilidade deLowell Purvis.1963 foi um ano de
conquistas para a dança jazz. Teu cabelo não nega e Elas atacampelo telefone
foram destaques dentre os shows produzidos por Machado. No primeiro,
a"coreografia – um dos pontos altos do espetáculo – é de Juan Carlos
Berardi".9 Foi neletambém, que "Vilma Vernon, na noite de estréia, ganhou
logo o título de 'a melhor bailarinabrasileira'."10 Neste mesmo ano ela afirmou:
"Gosto do bailado moderno e gosto de dançarliberta das imposições do
academicismo".11 E acrescentou:
O bailado moderno encontra maior e mais fácil receptividade do público
no show doCopacabana Palace: todos sentem a música de Lamartine Babo.
São verdadeiros hinospopulares. E todas as noites, todos sentem vontade de
invadir o palco para dançar com osartistas. O ballet clássico tem esse poder,
essa magia? Não tem.12Em Elas atacam pelo telefone, o modern jazz estava
em destaque. O show contou comas presenças de· Lennie Dale, que
coreografou o espetáculo. Foi "bailarino principal de West SideStory em New
York, Londres e Paris. [...] Diretor dos cursos de modern jazz dancenos
estúdios Carlos Machado Espetáculos, além de sua atuação em
númerosextraordinários, formou a equipe de bailarinos e bailarinas que atuam
neste show;13
· Vilma Vernon que, segundo breve currículo no programa do espetáculo,
estava sededicando ao modern jazz, com Lennie Dale;

· Sigrid Hermanny, "uma das melhores bailarinas de modern jazz do Brasil;14

· Elizabeth Oliosi, que neste espetáculo realizava "eletrizantes números de

modernjazz com Lennie Dale";159 Fatos e Fotos, [s.l.], 31 ago. 1963.10 Fatos e
Fotos. Op. cit.11 CARVALHO, Thor. Vilma Vernon profetiza morte do balé
clássico. Noite e Dia, [s.l.], 18 set. 1963.12 CARVALHO. Op. cit.13 Elas atacam
pelo telefone. Show produzido por Carlos Machado, 1963. (Programa do
espetáculo)14 Elas Atacam Pelo Telefone. Op. cit.15 Elas Atacam Pelo
Telefone. Op. cit.101

· Joe Bennett, "bailarino de alta classe, em modern jazz, foi um dos Jats de
WestSide Story, na Broadway. [...] Destacado por Jerome Robbins como 'um
verdadeiroprodígio da dança moderna'";16

· Samba's 3, que fazia "sua estréia no Fred's, selecionados por Lennie Dale,
paraatuar em alguns de seus números sensacionais de modern jazz de Elas
atacampelo telefone".17É nesse período também que acreditamos haver uma
influência da dança jazz nomovimento musical denominado Bossa Nova, e por
conseqüência, no que se chamou a dançada Bossa-Nova.Com o surgimento,
na música popular brasileira, do movimento da bossa nova, em que elementos
jazzísticos tiveram grande influência, era natural que assim que a novidade
atingisse o mercado norteamericano,ou antes, os ouvidos do músico de jazz
americano, a influência se desse de maneira inversa, ea partir daí os ritmos
latinos e o jazz passaram a se entrecruzar cada vez mais, sendo que com a
chegadado samba e dos ritmos do Caribe – que, como o jazz, têm origem
africana – o jazz-ballet ganhou novosinteresses. A bossa nova encontrou,
recém-chegado dos EUA, o sensacional Lennie Dale, que seestabeleceu entre
nós e fez crescer cada vez mais entre os jovens a vontade de aprender a
dançar o jazz.
O samba colocou no estilo de Lennie (na tradição das grandes escolas
americanas de jazz dance) otempero latino que o tornou um dançarino sui
generis, de fortíssima influência entre os bailarinosbrasileiros.18 [sic]Em 1964,
destacou-se Débora Bastos, que traçava sua carreira de sucesso,
iniciandoseus estudos com Lennie. Hoje, professora conceituada, ela é uma
das grandespersonalidades do jazz no Brasil.Em 1965, foi produzido, por
Abraham Medina, o show Arco-Íris, quereúne uma plêiade de artistas novos e
valorosos, tais como Vilma Vernon, os cantores Hilton Prado e SylvioCésar, o
ator Perry Sales (no papel-título), o dançarino Carlos Leite e o bailarino
internacional Victor Ferrari,nas figuras estrelares do feérico espetáculo,
secundados por dezenas de artistas. [...] Arco-Íris conta aindacom música de
Roberto Menescal (introduzindo a Bossa-Nova no teatro) [...] com coreografia
de LucianoLuciani, Lennie Dale & Victor Ferrari.19Em 1967, a mistura jazz,
samba e bossa nova se confirmava em uma nota do JornalÚltima Hora:
Carnaval no Rio – promessa de gozo e alegria de viver, turbilhão de
música e dança. Dele é ajovem Bossa Nova como o Samba, ritmos que nos
entram no sangue, que se apoderam do corpo e oarrastam no estonteamento
da rapidez e liberdade. Bossa Nova e Samba, música brasileira hoje soandoem
todo o mundo. Como ela é realizada, como é transformada em movimento e
dança, eis o quemostraram dez artistas de uma tournée pela Alemanha e
Europa, no Festival Bossa Nova no Brasil. Seutemperamento é original e
irresistível. Quando Marli Tavares, a estrela do grupo, começa dançando,
oSamba se revela como algo mais que uma dança exótica da moda: Samba é
o princípio fundamental damúsica brasileira, que nasceu entre os índios, e se
fundiu com o folclore africano, o jazz norte-americano eas modinhas
tradicionais européias.2016 Elas Atacam Pelo Telefone. Op. cit.17 Elas Atacam
Pelo Telefone. Op. cit.18 NARDINI, Nádia. Jazz. [s.l.],[19--].19 JAFA, Van.
Arco-Íris de Milhões. Correio da Manhã, Rio de Janeiro, 13 jul. 1965, 2.
Caderno.20 Bossa Nova em S. Última Hora, [Recife], 16 mar. 1967.102Embora
se tenha conhecimento de que Lennie Dale havia ministrado aulas de jazz
nosEstúdios Carlos Machado desde 1963, foi 1968 o ano em que Vilma Vernon
abriu suaacademia Modern Jazz Dance, no Rio de Janeiro, considerada "única
do gênero no Brasil‖,21 pioneiras no estabelecimento de um espaço específico
para esta atividade. Ela trouxe ao país atécnica de Luigi, um dos primeiros e
dos mais significativos professores de jazz americano.Este estilo tinha uma
linha influenciada por elementos do ballet clássico.22 Vilma teve entreseus
alunos: Sônia Machado, Yolanda Ferrer, Betty Faria, Marília Pêra, Leila Diniz,
ErasmoCarlos, Reginaldo Faria, Rosemary e Miéle.
Nessa mesma época, Jo Jo Smith veio ao Brasil pela primeira vez,
convidado porAbelardo Figueiredo para montar o espetáculo Momento 68.
Influenciado por KatherineDunham, Jo Jo era um professor de jazz muito
conhecido nos EUA e teve entre seus alunosLennie Dale e John Travolta.
O musical Hair apresentou-se no Brasil em 1969. Foi o espetáculo em
que CiroBarcellos fez sua estréia profissional. Ciro Barcellos é dançarino,
coreógrafo e diretor, estudoucom E. Feodorova e Lennie Dale, no Rio de
Janeiro, depois, dança moderna em Paris com J.Russilo, C. Carlson e J. Muller
e estagiou com Maurice Béjart. Especializou-se em barra nochão com J.
Finaért (Paris). Foi integrante dos Dzi Croquettes e fundou o Balé do
TerceiroMundo, do qual era coreógrafo e diretor.23

ANOS 70

Esse período trouxe os Dzi Croquettes, grupo de dança criado por

Lennie Dale, degrande influência para o jazz no Brasil. Acompanhados por fãs
fiéis onde se apresentavam, osDzi fizeram escola, interferindo na formação de
multiplicadores deste estilo de dança.
Em 1970 Victor Berbara produziu Promessas, Promessas, coreografado
por KenMitchell e que teve Marina Marcel como maitre de ballet. Lançada por
Walter Pinto, Marina foibailarina de Teatro de Revista e estrela de Carlos
Machado em vários musicais, além de terparticipado de programas nas Tvs
Tupi, Rio e Record (em 1958, 1959 e 1960).1972 foi o ano em que Abelardo
Figueiredo produziu Brasil Export Show 72. Jo JoSmith coreografou o
espetáculo e trouxe suas Jo Jo Dancers para serem bailarinas do mesmo.21
FERREIRA, Joarez. Jazz-Ballet: A Ginástica Musicada. O Cruzeiro, [s.l.], 24
nov. 1971.22 WYDRO, Kenneth. The Luigi. New York: Doubleday, 1981.23
FARO, Antonio José; SAMPAIO, Luiz Paulo. Dicionário de Ballet e Dança. Rio
de Janeiro: Jorge Zahar, 1989. p.45.103 em 1975, a Churrascaria Roda Viva
inaugurou uma boate e passou a atuar na estruturade shows. Seu primeiro
espetáculo foi dirigido por Antônio Andrada e coreografado por VilmaVernon.
Ainda neste ano, Vilma foi coreógrafa e bailarina da abertura do programa
Planeta dosHomens, na Rede Globo de Televisão, que fez muito sucesso.

ANOS 80
 Os anos 80 trouxeram um modismo da dança jazz para o Brasil. Nessa
época grandesinfluências jazzísticas musicadas estavam chegando ao país,
como é o caso de Cats (1980) edos filmes Grease (1978), All that jazz (1979),
Hair (que já havia estado no Brasil nos anos 60,com o Teatro de Revista e
retornava em versão cinematográfica, estreada em 1979), Osembalos de
sábado à noite (1978),Fama (1980) e Chorus Line (1985).
Depois do balé clássico, da asa voadora e do windsurf, chegou a vez
das academias de jazz, novomodismo propagado por uma telenovela, Baila
Comigo. Estilo de dança confundido até recentemente comritmos afro e agogo,
o jazz começou a se popularizar com o sucesso de filmes como Fama e O
show devecontinuar.Na academia de Lennie Dale e Marly Tavares, o telefone
não pára de tocar. Funcionando háapenas seis meses, a academia já tem
quase quinhentos alunos e começa a recusar novos pretendentes.Outra
professora, a bailarina Vilma Vernon, também sente os efeitos da novela em
sua academia...
Segundo Marly Tavares, poucos querem se profissionalizar:
A maioria vem mesmo é por moda. Eu espero que não seja apenas uma
febre, espero que adança fique. Nós queremos abrir campo porque temos
poucos bailarinos. Essa é uma grande dificuldade,pois nunca houve escola. O
jazz é conhecido há poucos anos e já foi muito confundido com o rebolado,pelo
menos da parte do grande público. Jazz é um estilo de dança que exige
formação clássica. É umadança criativa, mas que exige postura e consciência
do corpo. É difícil, exige técnica e grandeaprendizado.24Kaká D'Ávila,
professora do Joyce Balé, lembra como essa popularidade começou:na época
das discotèques, com John Travolta nas telas, Dancing' Days e Sônia
Braga/Júlia [sic] natelevisão, todo mundo queria entrar na pista sabendo todos
os passos de Night Fever e More than awoman. E as academias de jazz tinham
uma coreografia parecida com as dessas músicas.25Vilma, nesse período, era
professora do Corpo de Baile da Rede Globo de Televisão, oque também
significa para a dança jazz, uma divulgação em larga escala. Para aumentar
aindamais a lista de fatores que levaram o jazz ao modismo na década de
oitenta, podemos falarsobre os vídeosclips, que tiveram como pioneiro Michael
Jackson. É certo que a dança jazz foimuito influenciada por esse veículo no
Brasil e no mundo.Carlota Portella (Rio de Janeiro) e Roseli Rodrigues (São
Paulo), atuais referências dojazz brasileiro, são dois nomes que começam a se
destacar nessa época, não apenas emcarreiras individuais, mas como
formadoras de discípulos. Alexandre Magno é um caso:24 Academias de Jazz
Baila Comigo: Todo mundo quer entrar nessa dança. Jornal O Globo, Rio de
Janeiro, 17 maio1981. Jornal da Família.25 ALVIANO, Wanda. Uma alternativa
para quem quer manter a forma: Dança. Manequim, [São Paulo], p. 97, [19--
].104formado por Carlota Portela, dedicou-se à montagem de coreografias para
vídeo clips, tendotrabalhado, inclusive, com Madonna. Carlota e Roseli
construíram suas academias ecompanhias profissionais em 1980: Jazz Carlota
Portella e sua Companhia de Dança CarlotaPortella – Vacilou, Dançou; e Raça
Cia. de Dança de São Paulo, com sua escola Grupo RaçaCentro de Artes,
respectivamente.

ANOS 90 E O JAZZ NO BRASIL HOJE

 Percebemos que no percurso de desenvolvimento desta dança
ocorreram alguns casos,nos quais o despojamento e o vigor característicos do
jazz foram confundidos com a ausênciada técnica. Entendemos que a técnica,
na coreografia, não precisa estar em primeiro plano,mas precisa existir para
que permita que o bailarino a transcenda. Para isso, é fundamentalque na aula
ela seja elemento fundamental e bem trabalhado. A técnica permitirá que
obailarino conheça seu próprio corpo, seus limites, suas capacidades.
Acreditamos que éapenas dessa forma que ele encontrará o espírito
vibrante no corpo.A partir da pesquisa realizada, a principal questão que nos
instiga no momento é se, defato, as técnicas que interferiram na formação
pedagógica das profissionais entrevistadas nãoexercem mais nenhuma
influência nas aulas que elas ensinam hoje, como chegaram a afirmarVilma
Vernon, Débora Bastos e Marly Tavares. Transformações ocorrem
naturalmente em umprocesso, mas seria possível eliminar totalmente um
aprendizado obtido, a ponto de negarqualquer resquício dele para o estágio
atual de ensino?
Podemos também verificar que embora haja essas variações e muitas
outrasdecorrentes do tempo e dos estilos pessoais de cada professor, ainda se
preserva um espíritodaquele jazz que começou a se instaurar definitivamente
em nosso país nos anos sessenta.Afirmamos isso, após pesquisas em várias
academias de dança. Além disso, constatamos queos profissionais que atuam
hoje como professores deste estilo de dança, ainda se compõem,em parte, por
bailarinos que tiveram seu aprendizado com as personalidades destacadas
aqui,as quais também ministram cursos por todo país. Esses discípulos se
espalharam por todo oBrasil e disseminam a dança jazz em academias e
grupos de dança profissionais ou amadores,sendo que em suas aulas ainda se
fazem presentes alguns dos elementos característicos dastécnicas que
instauraram o jazz no país.
As salas já não são tão cheias como nos anos oitenta e sabemos que as
aulas que sãoministradas hoje não são iguais àquelas de décadas atrás, e nem
poderiam ser, pois senãoteríamos ficado estanques e deixado de evoluir.
Porém, diante da análise dos conteúdosministrados nas aulas dos anos
sessenta estudadas e os que se ministram em aulas na105atualidade,
concluímos que existem influências que ainda permanecem. Acreditamos ser
esteum fator merecedor de um estudo mais aprofundado.
Os musicais tendem a retornar com bastante entusiasmo, em uma nova
roupagem,embalados pelo cinema, que também aposta nesta retomada. No
Brasil, são exemplos desucessos recentes: Rent (1999); Ópera do Malandro
(2000-2001); Vítor ou Vitória (2001); BlueJeans (2001); Lés Miserables (2001-
2002); Goodspell (2002); A Bela e a Fera (2003); Chicago(2004); Ah... Se eu
fosse Bob Fosse (2004). Muitos deles se apresentam no Teatro Abril, emSão
Paulo, palco capaz de comportar as estruturas dessas grandes produções. A
bailarinaFernanda Chamma é um nome que se destaca na preparação de
bailarinos para aapresentação de espetáculos desse gênero.
Com o processo de globalização que vem gradualmente sendo instalado
no mundo, oacesso a vídeo clips, espetáculos de dança e fitas de vídeo (e
atuais Dvds) tem crescidoconsideravelmente. Isso nos leva a acreditar em uma
tendência muito forte de junção de estilosde dança, o que dificulta definir com
clareza o que é o jazz atualmente. Isso porque é umadança que, segundo
Carlota Portella, não foi registrada, por meio da organização de umatécnica
específica, sendo esta proveniente da sistematização de cada estilo particular
ou dopanorama geral. Isso trouxe conseqüências como a não-estruturação
teórica, o que faz comque a história do jazz se perca e que esses vários estilos
vão desaparecendo. Assim, outracaracterística que temos notado no jazz
brasileiro dos anos noventa e de inícios do século XXIé a forte influência que
sofre das danças moderna e contemporânea.Em um período em que estas
danças vêm crescendo no país, começa-se a notar umatendência em adotar
procedimentos técnicos e coreográficos do moderno e do contemporâneonas
aulas e coreografias de jazz. Podemos observar este encaminhamento quando
analisamosas companhias profissionais de dança dirigidas por Carlota Portella
e Roseli Rodrigues.Consideradas, hoje, referência nacional no que se refere à
companhias de jazz brasileiras, elasjá começam um processo de interrelação
com as linguagens contemporâneas. Dessa forma,podemos afirmar que o jazz
feito no Brasil atualmente se encontra em um momento detransformação, não
tendo características muito definidas. Essas constatações nos fazemrefletir
sobre a história atual da dança jazz, pois levantam questões que
problematizam aescassez de um registro documental nesta área, além de
suscitar uma nova discussão: seesses estilos estão realmente se esvaindo,
será que não estão desembocando na construçãode um outro?
A comunicação muito próxima entre os vários estilos de dança pode ser
extremamenteproveitosa, desde que isso não venha eliminar a história anterior
de nenhum, pois esta serviráde suporte e princípio para as novas tendências.
Conclui-se, portanto, que a sistematizaçãodas técnicas de jazz, assim como de
sua história, deve ser estimulada, por meio da106manutenção de seus
conceitos básicos, apesar das variantes de estilos, para que essa dança,tão
rica por seus valores culturais e sua estética, não se perca no passado.
 Jack Cole
Um pioneiro do Jazz Dance

O Jazz Dance hoje tem resquícios de um dos pioneiros do jazz dance e

poucos fizeram sua marca sobre a técnica de jazz. Muitas vezes usamos a
técnica de Bob Fosse, Jerome Robbins e / ou Jack Cole. Todas as três
técnicas existem ainda hoje nas salas de aula de jazz de todo o país, e hoje
vemos a sua marca no mundo da dança.
A maioria dos bailarinos de jazz são elegantes e tem ótima postura e
movimentos criativos. A maioria dos alunos jazz musical tem um ―Q‖ de Fosse
ou do jazz dos anos 80 inspirados nos filmes musicais da época. Mas muitos
não estão cientes de que Jack Cole foi um dos coreógrafos mais importantes
na modalidade Jazz Dance!
Cole foi um dos primeiros coreógrafos de jazz. Ele realmente foi uma
inspiração para Robbins, Fosse, Gwen Verdon e muitos outros bem conhecidos
de hoje. Jack Cole começou a evoluir em sua dança jazz de musicais. Ele
evoluiu o ―Jazz Dance Theatre‖, como coreógrafo e diretor em produções ou
filmes como ―Some Like it Hot, Man of La Mancha, There’s No Business Like
Show Business, Gilda, Kismet e The Merry Widow.
Jack começou como bailarino de dança moderna. Ele realmente era um
estudante e intérprete do Denishawn Dance Company, que foi criado pelo
renomado mundo moderno, a dançarina Ruth St. Dennis e Ted Shawn.
Bailarinos como Martha Graham e Doris Humphrey vieram da mesma escola.
A dança moderna se moldou a forma de Cole, mais tarde, o jazz também. Ele
modificou a dança moderna para movimentos com passos de dança
popularares do jazz para fazer um jazz mais técnico e artístico. Ele também
participou da formação da dança moderna, com a idéia de ser ―no chão‖. Ele
incorporou um ―plie‖ mas baixo nas movimentações das coreografias. Este
redefiniu seu estilo, que se transformou em uma técnica Bonafide. Este
movimento do jazz deu uma sensação de poder e gravidade.
Depois de dançar com Denishawn Jack montou seu próprio grupo de
dança. O tipo de dança que ele estava obcecado era ―oriental‖ ou dança
asiática, bem como a dança indiana, flamenco e Lindy Hop.
Mais tarde ele acabou voltando-se para os musicais. Criou vários
musicais, envolvido com o Ziegfeld Follies (que é uma série bem conhecida dos
musicais que moldaram o teatro musical de hoje).
 Cole tinha um estilo único de dançar, ele não tinha medo de incorporar o
movimento sensual, colisões em seus atos. O estilo de Jack na nova dança
criativa realmente trouxe o ―tabu‖ para fora, mas com bom gosto!
Jack Cole passou a fase de muitos filmes de Hollywood. Ele era notório por seu
trabalho com Marilyn Monroe em Diamond’s Are A Girl’s Best Friend, bem
como Os Homens Preferem as Loiras.
Infelizmente, muitas das criações de Jack não foram reconhecidas, tanto
quanto alguns dos pioneiros do jazz, porque ele estava muito envolvido com
uma produção cheia de falhas.
Jack Cole não foi conhecido fora das classes de dança, e pelos
historiadores da dança, mas seu legado vive em cada classe de jazz do
mundo.

Bob Fosse
Robert Louis Fosse (Chicago, 23 de Junho de 1927 –
Washington, 23 de Setembro de 1987) foi
um dançarino, coreógrafo ediretor norte-americano.

Biografia
Caçula de seis filhos, Fosse nasceu numa família norueguesa. Sua
carreira com a dança começou ainda muito jovem, quando seu pai o ensinou a
dançar dança de salão. Sua mãe foi uma dançarina "burlesca", uma espécie de
dançarina de cabaré e cantora de revistas musicais.
Fosse começou a ter aulas de dança na Escola de Ballet Frederick
Weaver onde aprendeu a sapatear e dança acrobática. Com 13 anos foi dançar
com Charles Grass, outro jovem dançarino, e colaborou com a peça "The Riff
brothers". Eles se apresentaram em vários teatros na área de Chicago. Em
menos de três anos, o grupo estava tendo um bom salário por semana e Fosse
já estava coreografando e escrevendo diálogos cômicos aos 15 anos. Sempre
ambicioso, Fosse se mudou e estava trabalhando em séries de pequenos atos.
Essa foi uma das ajudas para ele coreografar seu primeiro número, envolvendo
quatro garotas com plumas, para o musical "Cole Porter".
Em 1945 ele se formou na Escola Secundária de Amundsen,
em Chicago e começou um trabalho dançando no show "Dura situação", no
qual se apresentou para bases militares e navais no Pacífico. Depois disse que
aperfeiçoou sua técnica como performer, coreógrafo e diretor enquanto estava
servindo seu dever. Primeiramente apareceu em filmes como: "Give a girl a
break", "The Affairs of Dobie Gillis" e "Kiss me, Kate", todos três realizados
em 1953.
Um ano depois ele trabalhou com coreógrafo nos seus primeiros shows
da Broadway, "O Jogo do pijama" em 1954 e "Malditos yankees", no qual ele
conheceu a atriz Gwen Verdon que viria a ser sua esposa.
Fosse desenvolveu um estilo de dança de Jazz que foi imediatamente
reconhecido e caracterizado por seu ar sensual. Outras distinções notáveis
eram seus joelhos internos, ombros arredondados e isolações do corpo. Com a
influência de Fred Astaire ele usou como acessórios chapéus côco, barras e
cadeiras. Ele começou a ficar careca aos 17 anos, por isso começou a usar
chapéus em suas apresentações e também porque não gostava de suas mãos.
Sua rotina de dança era intensa e alguns de seus números mais conhecidos
incluem "Steam heat" de "The Pajama game" e "Hey big spender" de "Sweet
Charity".
Aclamado no teatro, onde foi várias vezes premiado, Bob Fosse ganhou
também no cinema um Oscar em 1972 pelo filme "Cabaret", além de várias
homenagens na TV pelo especial com a atriz e cantora Liza Minelli, "Liza com
Z". As filmagens de "Cabaret" tiveram uma característica específica:
lembravam Vaudeville e burlesque.
Em 1986 ele coreografou, dirigiu e também escreveu o musical "Big
deal". Ele ganhou muitos prêmios por seus trabalhos, entre eles estão o Tony
Awarde um Emmy. Ele foi a primeira pessoa a ganhar os três mais importantes
prêmios no mesmo ano.
Seu musical "All that jazz" de 1979 ganhou a Palma de
Ouro em Cannes e foi indicado para quatro Oscar. Esse filme foi uma
autobiografia sem compromisso.
Bob Fosse morreu aos 60 anos, vítima de um enfarto, em Washington,
onde estava para apresentar o espetáculo "Sweet Charity" no Teatro Nacional
de Washington.
Ele se casou três vezes: com Marian Niles, depois com uma dançarina
de nome Joan McCracken e por último com a atriz Gwen Verdon com a qual
teve uma filha, Nicole Providence Fosse, que também é dançarina.

Obras

Musicais de teatro

 Damn Yankees (1955)

 New Girl in Town (1957)
 Redhead (1959) (diretor e coreógrafo)
 How to Succeed in Business Without Really Trying (1961)
 Little Me (1962) (diretor e coreógrafo)
 Sweet Charity (1966) (diretor e coreógrafo)
 Pippin (1972) (diretor e coreógrafo)
 Chicago (1975) (diretor e coreógrafo)
 Dancin' (1977) (diretor e coreógrafo)
 Big Deal (1986)


Filmes

 Sweet Charity (1969)

 Cabaret (1972)
 Lenny (1974)
 The Little Prince (1974)
 All That Jazz (1979)
 Star 80 (1983)

Televisão

 Liza with a Z (1972)

Gus Giordano
Gus Giordano (10 de julho 1923 - 09 de março de 2008 [1] [2] ) foi
um americano dançarino jazz . Ele era um artista dentro e fora da
Broadway , na televisão, cinema e teatro, e ele é um mestre, um
talentoso coreógrafo , fundador de sua empresa Giordano Jazz
Dança Chicago , criador do Jazz Dança Congresso Mundial e
autor de Anthology of American Jazz Dance, o primeiro livro sobre
dança jazz. Lecionou dançarinos de renome mundial nas escolas,
como o American Ballet Theatre , e ele coreografou premiado
números para televisão, cinema, teatro, comerciais e
industriais. Giordano é considerado um dos fundadores da dança
jazz, e sua influência na dança jazz ainda é sentida.

Início da vida
Gus Giordano nasceu em St. Louis, Missouri , em 1923. Na idade de
cinco anos, Giordano viajou para New Orleans , onde seu primo lhe ensinou o
passo de dança Charleston para a canção, "Arraste do Engraxador",
apresentando-o, assim, a música jazz e dança. Depois desta viagem, Giordano
era viciado em dança. Ele retornou ao St. Louis e estudou com o professor de
dança local Minette Buchman, a quem ele credita para formação em dança
cedo. Ele também estudou com professores vocais e artistas convidados que
visitam sua área. Giordano teve aulas de ballet e teatro de dança. Neste
momento, Giordano não ter aulas de jazz, como tal, porque a dança jazz como
a conhecemos não existia. Giordano continuou a dançar através de sua
infância.
Durante a Segunda Guerra Mundial, Giordano juntou
aos Marines , onde foi atribuído a um grupo realizando que colocar em shows
no Hollywood Canteen e em bases militaresem todo o país. Após a guerra,
Giordano deixou o serviço e mudou-se para Nova York, onde ele procurou um
emprego Broadway. Durante este tempo, ele estudou com Hanya
Holm , Katherine Dunham e Alwin Nikolais . Ele também se juntou a um grupo
de dança no Roxy Theater , onde eles realizaram quatro shows por
dia. Giordano não fazê-lo na Broadway, então ele voltou para St. Louis e
terminou a faculdade na Universidade de Missouri, em Columbia. Enquanto em
St. Louis, ele conheceu sua esposa Peg com quem se casou em Detroit depois
de fechar um show.

Carreira
Após a faculdade, Giordano mudou de volta para Nova York. Após seis
meses de audições, Giordano conseguiu um emprego no desejo musical da
Broadway que você estava aqui. Atuou também em Paint Your Wagon, na
cidade e vários programas de variedades da televisão. Giordano gostei do
trabalho, mas não encontrá-lo cumprir. Ele disse uma vez que "Se você
estivesse em Oklahoma e funcionou nove anos, você fez que a sua
carreira." Giordano não queria esse tipo de estilo de vida, por isso, quando Peg
engravidou, eles decidiram sair da cidade.
Giordano descobriu que a equidade escritório estava precisando de
alguém para organizar um festival de cinema em Chicago ; ele se candidatou e
foi aceito. Em 1953, Gus Giordano voltou para Chicago e abriu um estúdio de
dança onde ele poderia ensinar e coreografar. Entre seus alunos, muitas
pessoas da Universidade Northwestern . Giordano ensinou dança em seu
estúdio e palco do festival de cinema ao mesmo tempo. A técnica de Giordano
foi baseada na moderna, aprendeu com seu professor Dunham, sua aula
começa com um forte trabalho de chão ganhou de outro de seus professores
Hanya Holm. Ele enfatiza a força desde o início da aula. Ele acrescenta o seu
próprio "movimento ondulante que emanava dos pélvis e rolou no peito e nos
braços. " Em meados da década de 1970, Giordano cumprido os seus
ensinamentos e técnicas para o que hoje é considerado um dos mais influentes
livros sobre dança jazz. Gus Giordano é considerado um dos antepassados de
dança jazz. Ele sempre fez suas técnicas com uma peça contemporânea. Sua
técnica e estilo moldaram a dança moderna de hoje jazz.
 Dez anos depois de seu estúdio aberto, uma crítica de dança perguntou
Giordano de realizar com suas aulas para visitar Bolshoi Ballet bailarinos que
queriam ver o que dança jazz parecia. Giordano levou seus alunos mais
graduados e coreografado um número para que eles executam. Os alunos
fizeram um trabalho incrível que eles foram convidados a visitar a Rússia no
próximo ano. Assim, Gus Giordano Jazz Dança Chicago , sua empresa, nasceu
em 1963. Giordano Jazz Dança Chicago é uma das principais companhias de
dança profissionais de Chicago e é dirigida por sua filha Nan
Giordano. Atualmente, se apresenta no teatro Harris . [3] Para se tornar parte da
empresa, é recomendável para passar o tempo de aprendizagem com a
empresa e, em seguida, ser convidados a participar da primeira empresa. O
tempo de aprendizagem é gasto na "segunda" empresa de Giordano. A
segunda empresa viaja com a primeira empresa e realiza em pedaços
grandes. Eles também colocar em programas de extensão da comunidade e
viajar por conta própria.
Em 1980, o seu programa de televisão The Rehearsal ganhou
um Emmy , o PBS prêmio eo prêmio Estado de Ohio. Em 2005 ele recebeu o
Prêmio Património da Associação Nacional de Dança por suas contribuições
para o ensino de dança.
Ele morreu em 9 de março de 2008, de que sua família diz que foi
pneumonia. Ele tinha 84 anos. Ele tem quatro filhos, Nan, Amy, Patrick, e
Marc. [2]
Giordano foi também fundador da Jazz Dança Congresso Mundial
(JDWC) um evento de cinco dias celebrando a forma de arte exclusivamente
americana de dança jazz. Desde a sua criação em 1990, Congressos foram
realizados em Phoenix, Arizona (1998), San José, Costa Rica (2004), Chicago
(2002, 2005, 2007, 2009), Evanston, Illinois (1990, 1992, 1994) , Wiesbaden,
Alemanha (1997), Nagoya, Japão (1995), Monterrey, México (2001), Buffalo,
NY (1999, 2000, 2003) e em Washington, Kennedy Center da DC (1996). A
filha de Giordano Nan é o diretor artístico para o Congresso. Realizada no
verão, o Congresso reúne bailarinos, professores e artistas de todo os Estados
Unidos e outros países. [4]No Congresso, esses entusiastas da dança jazz ter
aulas de professores mestres de classe mundial, ver apresentações de dança
internacionalmente conhecido empresas, testemunhar o julgamento de nova
coreografia de dança jazz na competição para o Prêmio Leo, e discutir
qualquer tema de interesse para os dançarinos de jazz em painéis de
discussões formais e informais em todo o Congresso. O Congresso também
inclui um segmento de execução pública profissional, o Jazz Festival de Dança
do Mundo, atraindo algumas das companhias de dança moderna mais
aclamados de todos os EUA e ao redor do mundo.
Tribute
Em 2009, o Prêmio Internacional de ganhar Diretor Pedro Brenner
lançado Gus: um ícone americano como um tributo a Gus Giordano, o pai
fundador da dança jazz. Esta animada documentário inclui vários extratos de
sua coreografia, incluindo uma performance cheia de "Asas". Depois de passar
3 anos, um a festivais de cinema Gus: um ícone americano tem sido em
festivais de cinema em todo o mundo e recebeu prêmios por Excelência no
Canada International Film Festival, bem como vencedor de Melhor
Documentário em 2010 no Burbank International Film Festival . Produtor
estudante Michael Bussan também compartilha esses prêmios como ele traz
Gus: Uma casa ícone americano para Illinois, onde sua exibição final será no
Naperville Independent Film Festival, em setembro de 2013.

Jerome Robbins
,
Jerome Robbins ,nascido 11 de outubro, 1918 - 29 de julho de 1998),
foi um produtor americano de teatro, diretor e coreógrafo de dança conhecido
principalmente por Broadway Theater and Ballet / Dança, mas que também
ocasionalmente dirigiu filmes e dirigiu / produziu para a televisão. Sua obra
variou de balé clássico para o teatro musical contemporâneo. Entre as
inúmeras produções em que trabalhou no eram On the Town , Peter Pan , High
Button Shoes , The King And I , The Pajama Game , A Menina dos
Telefones, West Side Story , Gypsy: A Musical Fable , e Fiddler on the
Roof . Robbins foi um tempo de cinco Tony Award vencedor e um destinatário
das honras do Kennedy Center . Ele recebeu dois prêmios da Academia ,
incluindo o 1961 Academy Award de Melhor Diretor com Robert
Wise para West Side Story . Um documentário sobre sua vida e
obra, Something to Dance Quem, com trechos de seus diários, o desempenho
de arquivo e filmagens dos ensaios e entrevistas com Robbins e seus colegas,
estreou na PBS em 2009.

Início da vida
Robbins nasceu Jerome Wilson Rabinowitz no Hospital Maternidade
judeu no coração de Manhattan Lower East Side -. um bairro habitado por
muitos imigrantes [2] A família Rabinowitz morava em uma casa grande
apartamento no 51 Leste 97 no canto nordeste da Madison
Avenue . Conhecido como "Jerry" para as pessoas próximas a ele, Robbins foi
dado um nome do meio que reflete entusiasmo patriótico de seus pais para o
então presidente. Rabinowitz, no entanto, se traduz em "filho de um rabino", um
nome Robbins nunca gostei, já que marcou-o como o filho de um
imigrante. Então, ele tomou o nome de "Robbins".

No início de 1920, a família mudou-se para Rabinowitz Weehawken,

New Jersey . Seu pai e seu tio abriu o "Comfort Corset Companhia". A família
tinha muitas conexões do show business, incluindo artistas de vaudeville e
proprietários de teatro.

Robbins começou a faculdade estudar química na Universidade de Nova

York (NYU), mas desistiu depois de um ano por motivos financeiros, e para
perseguir dança. Estudou naDança Liga Nova , aprendendo balé com Ella
Daganova , Antony Tudor e Eugene Loring , dança moderna ; Dança espanhola
com Helen Veola ; dança folclórica com Yeichi Nimura ; e composição de
dança com Bessie Schonberg .

Anos 1930 e 40

Carreira

Em 1939, Robbins estava dançando no coro de tais espetáculos da

Broadway como Grande Senhora , O Chapéu de Palha Revue , eEvite a
grama , que George Balanchine coreografou. Robbins também estava
dançando e coreografando no Acampamento Tamiment nosPoconos da
Pensilvânia. Aqui ele coreografou muitas peças dramáticas com idéias
polêmicas sobre raça, linchamento, ea guerra. Em 1940, voltou-se do teatro de
ballet, juntando Ballet Theatre (mais tarde conhecido como American Ballet
Theatre ). De 1941 até 1944, Robbins foi solista com a empresa, ganhando
aviso para seu Hermes em Helena de Tróia , o mouro
de Petrouchka e Benvolio em Romeu e Julieta .
Desafiado pela integração de dança no teatro de musicais
como Oklahoma! , Robbins coreografado e interpretado em Fancy Free , um
balé sobre marinheiros em liberdade, no Metropolitan Opera , como parte da
temporada de Ballet Theatre em 1944. A inspiração paraFancy Free veio
de Paul Cadmus '1934 pintura no da Frota! que faz parte do Marinheiro
Trilogy. Robbins foi recomendado para um ballet baseado na obra de arte por
seu amigo Hunter Maria Lobo . Distanciando-se da homossexualidade implícita
controversa de que a descrição, Robbins disse em uma entrevista com o The
Christian Science Monitor , "Depois de ver ... da frota, que interiormente
rejeitaram embora ele me deu a idéia de fazer o ballet, eu assisti marinheiros, e
meninas, também, por toda a cidade. " Ele passou a dizer: "Eu queria mostrar
que os meninos do serviço são saudáveis, meninos vitais:. Não há nada de
sórdido ou mórbido sobre eles" Oliver Smith , cenógrafo e colaborador
em Fancy Free, conheceu Leonard Bernstein e, eventualmente, Robbins e
Bernstein reuniu-se para trabalhar na música. Este seria o primeiro de vários
esforços de colaboração.
Mais tarde nesse ano, Robbins concebido e coreografado On the
Town (1944), um musical inspirado em parte por Fancy Free, que efetivamente
começou sua carreira na Broadway. Mais uma vez, Bernstein escreveu a
música e Smith desenhou os cenários. O livro e as letras eram de uma equipe
que iria trabalhar com Robbins, novamente, Betty Comden e Adolph
Verde . Seu próximo musical foi Billion Dollar Baby (1945). Ele teria sido tão
impopular por este ponto, que a empresa desse show assistiu em silêncio
enquanto ele recuou até o fosso da orquestra - e caiu dentro [3] Dois anos
depois, ele recebeu aplausos por sua bem-humorado Keystone Kopsballet
em High Button Shoes (1947), incluindo o seu primeiro Tony
Award para coreografia . Nesse mesmo ano, Robbins se tornaria um dos
primeiros membros do New Yorkrecém-formados do Actors Studio ,
freqüentando aulas realizadas pelo membro fundador Robert Lewis , três vezes
por semana, ao lado de colegas de classe, como Marlon Brando , Maureen
Stapleton , Montgomery Clift , Herbert Berghof , Sidney Lumet , e cerca de 20
outros. [4]

1950
Durante este período, Robbins continuou a criar danças para o Ballet
Theatre , alternando entre musicais e balé para a maior parte das próximas
duas décadas, a produção de cada um a uma taxa de cerca de um a cada
ano. Com George Balanchine , ele coreografou Jones Beach, nocentro da
cidade Teatro em 1950, e dirigido e coreografado Irving Berlin 's Call Me
Madam , estrelado por Ethel Merman .
Em 1951, Robbins criou as seqüências de dança, agora celebrado
em Rodgers e Hammerstein 's The King and I (incluindo a Março do Siamese
Crianças, o ballet da pequena casa do tio Thomas, ea polca "Shall We Dance?"
entre o dois fios). Nesse mesmo ano, ele criou The Cage para oNew York City
Ballet , com o qual ele estava agora associada. Ele também se apresentou,
sem créditos, show de adulteração nos musicais Uma árvore cresce em
Brooklyn (1951), Wish You Were Here (1952) e Cidade Maravilhosa (1953).
Robbins colaborou com George Abbott em The Pajama Game (1954),
que lançou a carreira de Shirley MacLaine , trabalhou em 1955 Mary
Martinveículo, Peter Pan (recriado para a tela pequena, em 1955, 1956 e
1960), e dirigiu e co- coreografada (com Bob Fosse ) A Menina dos
Telefones(1956), estrelado por Judy Holliday . Robbins recriado suas danças
palco para o rei e eu para a versão cinematográfica 1956 . Em 1957, ele
concebeu, coreografado e dirigido West Side Story .

West Side Story é uma versão contemporânea de Romeu e Julieta , situado

na Cozinha do Inferno . O show, com música de Leonard Bernstein, marcou a
primeira colaboração entre Robbins e Stephen Sondheim , que escreveu as
letras, assim como Arthur Laurents , que escreveu o livro. Para ajudar o jovem
elenco crescer em seus papéis, Robbins não permitiu que aqueles que jogam
membros de gangues opostas (Jets e Sharks) para misturar durante o
processo de ensaio. Ele também, de acordo com a dançarina Linda Talcott
Lee, "jogou jogos psicológicos" com o elenco: "E ele plantar rumores entre uma
gangue sobre o outro, para que eles realmente se odiavam." [5] Apesar de ter
aberto a boas críticas, ele foi ofuscado por Meredith Willson 's The Music
Man no Tony Awards daquele ano. West Side Story, no entanto, ganhar o seu
segundo Robbins Tony Award para coreografia.
A raia de visitas continuou com Gypsy (1959), estrelado por Ethel
Merman . Robbins voltou a trabalhar com Sondheim e Laurents, ea música era
de Jule Styne . O musical é baseado em vagamente sobre a vida de stripper
de Gypsy Rose Lee .
Comitê Un-American House Atividades [
No início de 1950, ele foi chamado para depor perante o Comitê de Atividades
Antiamericanas (HUAC), suspeito de simpatias comunistas. Robbins tinha
resistido citar nomes por três anos, mas afirma que ele cedeu depois que ele
foi ameaçado com a exposição pública de sua homossexualidade. [6] Robbins
chamado os nomes das pessoas, segundo ele, eram comunistas, incluindo
atores Lloyd Gough e Elliot Sullivan, crítica de dança Edna Ocko, Madeline Lee
Gilford , cineasta Lionel Berman e dramaturgo Jerome Chodorov e seu
irmão Edward Chodorov . Porque ele cooperou com HUAC, a carreira de
Robbins não visivelmente sofrer e que ele não estava na lista negra . [7]

1960
Robbins dirigiu, com Robert Wise , a versão altamente bem sucedido
filme de 1961 West Side Story . No entanto, ele levou tanto tempo com os
ensaios e filmagens de danças que ele foi demitido durante a produção,
embora ele recebeu crédito como co-diretor.
Em 1962, Robbins tentou sua mão em uma peça reta,
direcionando Arthur Kopit 'não convencional s Dad Oh, Pai Pobre, de Mamma
Hung You in the Closet e eu me sinto tão triste . A produção passou mais de
um ano off-Broadway e foi transferido para a Broadway para um curto prazo em
1963.
Robbins ainda era muito procurada como uma apresentação de
médico. Ele assumiu a direção de duas produções com problemas durante este
período e ajudou a transformá-los em sucessos. Em 1962, ele salvou uma
coisa engraçada aconteceu no caminho para o Fórum (1962), uma farsa
musical estrelado por Zero Mostel , Jack Gilford , David Burns e John
Carradine . A produção, com o livro porBurt Shevelove e Larry Gelbart , e
músicas de Stephen Sondheim, não estava funcionando. Robbins encenado
um inteiramente novo número de abertura, que explicou ao público o que viria a
seguir, eo show jogado com sucesso a partir de então. Em 1964, ele assumiu
um debatendo Funny Girl e concebeu um espetáculo que correu 1.348
performances. O musical ajudou a transformar chumbo Barbra Streisand em
um superstar.
Nesse mesmo ano, Robbins ganhou prêmios Tony por
sua direção e coreografia em Um Violinista no Telhado (1964). O show
estrelado por Zero Mostel como Tevye e correu para 3.242 performances,
estabelecendo o recorde (desde superado) para maior duração Broadway
show. A trama, sobre os judeus que vivem na Rússia perto do início do século
20, permitiu Robbins para retornar às suas raízes religiosas.

1970 e 1980
Ele continuou a coreografar e estágio produções, tanto para o Joffrey
Ballet e do New York City Ballet em 1970. Robbins tornou-se mestre de balé
do New York City Ballet , em 1972, e trabalhou quase exclusivamente em
dança clássica ao longo da próxima década, parando apenas para encenar
revivals de West Side Story (1980) e Um Violinista no Telhado (1981). Em
1981, a sua Companhia de Dança Câmara visitou a República Popular da
China.
A década de 1980 viu um aumento da presença na TV como a NBC foi
ao ar Live from Studio 8H: An Evening of Ballets Jerome Robbins ' com os
membros do New York City Ballet, e uma retrospectiva de coreografia de
Robbins foi ao ar na PBS em 1986 parcela da dança na América . Este último
levou à sua criação o show antologia Jerome Robbins 'Broadway em 1989, que
recriou os números de produção de maior sucesso de sua carreira com mais de
50 anos. Estrelado por Jason Alexander como o narrador, o show contou com
encenações de números de corte, como Irving Berlin 's Sr. Monotonia e as bem
conhecidas como o número "tradição" de Fiddler on the Roof . Ele foi premiado
com um quinto Tony Award por isso.

1990
Na sequência de um acidente de bicicleta em 1990 e cirurgia cardíaca
válvulas em 1994, em 1996 ele começou a mostrar sinais de uma forma de
doença de Parkinson, e sua audição foi rapidamente se deteriorando. Ele, no
entanto, encenado Les Noces para City Ballet, em 1998, seu último projeto.
Em 1995, Jerome Robbins instruiu os diretores de sua fundação para
estabelecer um prêmio para "uma pessoa realmente muito proeminente ou
instituição de arte. Os prêmios devem" inclinar-se para as artes da dança ...
"Os dois primeiros Prêmios Jerome Robbins foram concedidos em 2003 ,
a New York City Ballet e lighting designer Jennifer Tipton .
Robbins sofreu um derrame em julho de 1998, dois meses após a estréia de
seu re-encenação de Les Noces. Ele morreu em sua casa em Nova York, em
29 de julho de 1998. Na noite de sua morte, as luzes da Broadway foram
esmaecido por um momento no tributo. Ele foi cremado e suas cinzas foram
espalhadas no Oceano Atlântico.

Prêmios notáveis
Robbins dividiu o Melhor Diretor Oscar com Robert Wise para a versão
cinematográfica de West Side Story (1961). Robbins foi apenas o segundo
diretor a ganhar o Oscar de Melhor Diretor para uma estréia no cinema (depois
de Delbert Mann para Marty ). Nesse mesmo ano, a Academia de Artes e
Ciências Cinematográficas homenageou com um prêmio especial por suas
realizações coreográficas em filme.
Ao todo, ele foi premiado com cinco prêmios Tony, 2 Cerimónia dos
Óscares, o Kennedy Center Honors (1981), a Medalha Nacional de
Artes (1988), a Legião de Honra francesa, três doutoramentos Honoris Causa,
e um membro honorário da Academia Americana e Instituto de Artes e Letras.
Jerome Robbins foi introduzido no Teatro Municipal americano of
Fame em 1979. [9] Robbins foi introduzido no Museu Nacional de Mr. & Mrs.
Cornelius Vanderbilt Whitney Salão de Dança da Fama 10 anos depois, em
1989.

Produções da Broadway

 1939 estrelas em seus olhos - musicais - Intérprete no papel de "Cavalheiro

do Ballet"
 1939, o Chapéu de Palha Revue - revue - performer
 1941 Giselle - balé - bailarina no papel de um "camponês"
 1941 Três Virgens e uma Devil - balé ao som da música de Ottorino
Respighi , dançarino no papel de "Juventude"
 1941 Gala Performance - ballet para a música de Serge Prokofiev -
bailarina no papel de um "Attendant Cavalier"
 1944 On the Town - musical - coreógrafo e autor da idéia para o show
 1945 Common Ground - play - co-diretor
 1945 Interplay - ballet para a música de Morton Gould - coreógrafa e
dançarina
 1,945 bilhões Dollar Baby - musical - coreógrafo
 1946 Fancy Free - ballet (renascimento) - originais jogado no Metropolitan
Opera House em 1944
 1947 Shoes botão de alta - musical - coreógrafo - Tony Award de Melhor
Coreografia
 1948 Olha, Ma, estou Dancin '- musical - coreógrafo, co-diretor, eo autor da
idéia para o show
 1949 Miss Liberty - musical - coreógrafo
 1950 Call Me Madam - musical - coreógrafo
 1951 O Rei e Eu - musical - coreógrafo
 1952 da empresa dois - revue - coreógrafo
 1954 The Pajama Game - musical - co-diretor
 1954 Peter Pan - comédia musical - diretor e coreógrafo
 1956 Menina dos Telefones - musical - diretor e co-coreógrafo com Bob
Fosse - Tony co-Nominee para Melhor Coreografia
 1957 West Side Story - musical - coreógrafo, diretor - Tony Award de
Melhor Coreografia
 1958 The Concert (ou os perigos de Todos) - ballet para a música
de Frédéric Chopin - coreógrafo
 1958 Tarde de um Fauno - ballet para a música de Claude Debussy -
coreógrafo
 1958 3 x 3 - balé ao som da música de Georges Auric - coreógrafo
 1958 New York Export: Opus Jazz - ballet para a música de Robert
Príncipe , coreógrafo
 1959 Gypsy - musical - coreógrafo e diretor - Tony Award de Melhor
Direção de um Musical
 1961 Mudanças - ballet silencioso - coreógrafo
 1962 Uma coisa engraçada aconteceu no caminho para o Fórum - musical -
direção e coreografia uncredit assistente
 1963 Mãe Coragem e Seus Filhos - jogo - co-produtor e diretor - Tony
Award de Melhor Peça e Melhor Produtor de um jogo
 1963 Oh Pai, Pai Pobre, de Mamma Hung You in the Closet e eu me sinto
tão triste - play - diretor
 1964 Funny Girl - musical - supervisor de produção
 1964 Fiddler on the Roof - musical - diretor e coreógrafo - Tony Award de
Melhor Direção de um Musical e Melhor Coreografia
 1966 The Office - nunca oficialmente aberto - diretor
 1989 Jerome Robbins 'Broadway - revue - diretor e coreógrafo - Tony
Award de Melhor Direção de um Musical
 Katherine Dunham
Katherine Dunham (22 de junho de 1909 - 21 de maio de 2006) foi um
americano bailarino , coreógrafo , escritor, educador e ativista social. Dunham
teve uma das carreiras mais bem sucedidas de dança no teatro americano e
europeu do século 20, e dirigiu sua própria companhia de dança por muitos
anos. Ela tem sido chamado de "matriarca e rainha mãe de dança negra".

Durante o seu apogeu na década de 1940 e 1950, Dunham era

conhecido em toda a Europa e América Latina e foi muito popular nos Estados
Unidos, onde o Washington Post chamou de "dançarina Katherine, o
Grande". Por quase trinta anos, ela manteve aKatherine Dunham Dance
Company , a única auto-sustentado grupo de dança negra americana naquele
tempo, e ao longo de sua longa carreira, ela coreografou mais de noventa
danças individuais. [2] Dunham foi um inovador em Africano-Americano
moderno dançar , bem como um líder no campo da antropologia dança ,
ou ethnochoreology .

Primeiros anos
Katherine Dunham Mary nasceu em junho de 1909 em um hospital de
Chicago e levado como uma criança para a casa de seus pais em Glen Ellyn,
Illinois, uma aldeia a cerca de 15 milhas a oeste de Chicago. Seu pai, Albert
Millard Dunham, era descendente de escravos da África Ocidental
e Madagascar . Sua mãe, Fanny junho Dunham (née Taylor), que foi de
mista franco-canadense herança americana e Native, morreu quando Katherine
tinha três anos de idade. Após o novo casamento de seu pai, alguns anos
depois, a família mudou-se para um bairro predominantemente branco em
Joliet, Illinois, onde Dunham administrava uma empresa de limpeza a seco. [3]
Katherine tornou-se interessado na escrita e dança em uma idade
jovem. No ensino médio, ela se juntou ao terpsichorean Club e começou a
aprender uma espécie de dança moderna, baseada em idéias de Jaques-
Dalcroze e Rudolf von Laban. Com a idade de 15 anos, ela organizou a Blue
Moon Café, um cabaré de angariação de fundos para a Igreja Metodista de
Brown em Joliet, onde ela deu sua primeira apresentação pública. Enquanto
ainda era estudante do ensino médio, ela abriu uma escola de dança particular
para jovens crianças negras.

Antropólogo Acadêmico
Após completar seus estudos na Joliet Junior College , Katharine
Dunham se mudou para Chicago para se juntar a seu irmão Albert, que estava
freqüentando a Universidade de Chicago como um estudante de filosofia. Em
uma palestra de Robert Redfield , professora de antropologia, ela aprendeu
que muito da cultura negra na América moderna havia começado na África. Ela
consequentemente decidiu importante na antropologia e se concentrar em
danças da diáspora Africano . Além Redfield, ela estudou com alguns dos
grandes antropólogos do dia, incluindo AR Radcliffe-Brown , Edward Sapir ,
e Bronisław Malinowski . Sob sua tutela, ela mostrou uma grande promessa em
seus estudos etnográficos de dança. [4]
Em 1935, Dunham foi agraciado com bolsas de viagem desde a
fundação Julius Rosenwald e Guggenheim para realizar estudo etnográfico das
formas de dança do Caribe, especialmente manifestada na Vodun do Haiti, um
caminho também seguido pelo colega estudante de antropologia Zora Neale
Hurston . Ela também recebeu uma bolsa para trabalhar com o
professor Melville Herskovits da Universidade Northwestern , cujas idéias de
retenção Africano serviria como uma plataforma para a sua pesquisa no
Caribe.
Sua estadia no Caribe começou na Jamaica , onde ela passou a viver
vários meses na aldeia remota do Maroon Accompong , profundo nas
montanhas de Cockpit Country .(Mais tarde, ela escreveu um livro, Journey to
Accompong, descrevendo suas experiências lá.) Então, ela viajou para a
Martinica e Trinidad e Tobago para estadias curtas, principalmente para fazer
uma investigação de Xangô , o deus Africano que permaneceu uma importante
presença no Oeste herança indígena. No início de 1936 ela chegou finalmente
em Haiti , onde permaneceu por vários meses, a primeira de suas muitas
estadias prolongadas no país durante todo o resto de sua vida.
Enquanto no Haiti , Dunham investigado Vodun rituais e fez notas
extensas em sua pesquisa, em especial sobre os movimentos de dança dos
participantes. Anos mais tarde, após extensos estudos e iniciações, ela se
tornou um mambo na religião Vodun. Ela também se tornou amigo de, entre
outros, Dumarsais Estimé , em seguida, um político de alto nível, que se tornou
presidente do Haiti, em 1949. Um pouco mais tarde, ela ajudou-o, pelo risco
considerável para a sua vida, quando ele foi perseguido por suas políticas
progressistas e enviados em exílio para a Jamaica depois de um golpe de
Estado.
Dunham retornou a Chicago no final da primavera de 1936 e em agosto
foi premiado com um grau de bacharel, um Ph.B., bacharel em filosofia, com
seu principal área de estudo nomeado como "antropologia social". Em 1938, o
uso de materiais coletados durante sua turnê do Caribe pesquisa, Dunham
apresentou uma tese: "As Danças do Haiti: Um Estudo de seu aspecto
material, a organização, forma e função", para o Departamento de Antropologia
da Universidade de Chicago em cumprimento parcial dos requisitos para o grau
de mestre, mas nunca completou seu trabalho de curso ou levou exames para
se qualificar para o grau. Dedicado à apresentação de dança, bem como para a
pesquisa antropológica, ela percebeu que ela tinha que escolher entre
eles. Embora ela foi oferecida outra bolsa da Fundação Rockefeller para
prosseguir os seus estudos acadêmicos, ela escolheu a dança, desistiu de
seus estudos de pós-graduação, e partiu para as luzes brilhantes da Broadway
e de Hollywood . [3]
Dançarino e coreógrafo

Em 1928, quando ainda estudante, Dunham começou a estudar balé

com Ludmilla Speranzeva, um dançarino russo, que se tinha estabelecido em
Chicago, tendo vindo para os Estados Unidos com a trupe de vaudeville franco-
russa Le Théâtre de la Chauve Souris-dirigido por empresário Nikita Balieff. Ela
também estudou ballet com Mark Turbyfill e Ruth Página , que se tornou
primeira bailarina daÓpera de Chicago . Através de seus professores de balé,
ela também foi exposto a espanhola, indiana, javanesa, e as formas de dança
balinesa. Em 1931, quando tinha apenas 21 era, Dunham formaram um grupo
chamado Ballets Nègres, uma das primeiras companhias de balé negros nos
Estados Unidos. Após uma única performance, bem-recebido, em 1931, o
grupo foi dissolvido. Incentivado por Speranzeva se concentrar em dança
moderna em vez de balé, Dunham abriu sua primeira escola de dança de
verdade, em 1933, chamado de Grupo de Dança Negro. Era um local de
encontro para Dunham para ensinar jovens bailarinos negros sobre sua
herança Africano.
Em 1934-1936 Dunham realizado como artista convidado com a
companhia de balé da Ópera de Chicago. Ruth página tinha escrito um cenário
e coreografia La Guiablesse ("The Devil Woman"), baseado em um conto
popular da Martinica em Lafcadio Hearn 's dois anos nas Antilhas
Francesas. Foi inaugurado em Chicago em 1933, com um elenco de preto e
com Página dançando o papel-título. No ano seguinte, ele foi repetido com
Katherine Dunham na liderança e com estudantes de Negro Grupo de Dança
de Dunham do ensemble. Sua carreira de dança foi então interrompido por sua
pesquisa antropológica, no Caribe.
Tendo concluído seu trabalho de graduação na Universidade de Chicago
e de ter tomado a decisão de seguir uma carreira como bailarina e coreógrafa,
e não como um acadêmico, Dunham reviveu seu conjunto de dança e, em
1937, viajou com eles para Nova York para participar de "A Negro Dança Noite
", organizado pela Edna Guy na 92nd Street YMHA. A trupe realizou um
conjunto de danças das Índias Ocidentais, na primeira metade do programa e
um balé intitulado Trópico Morte, com Talley Beatty, no segundo semestre. Ao
voltar para Chicago, a empresa realizou no Teatro Goodman e no Lincoln
Center Abraão. Dunham conhecido funciona Rara Tonga e mulher com um
charuto foram criados neste momento. Com coreografia caracterizada pelo
exótico sexualidade, ambos se tornaram assinatura trabalha no repertório
Dunham. Depois de performances de sucesso de sua empresa, Dunham foi
nomeado diretor de dança do Teatro Negro Unidade de Chicago do Projeto
Federal Theater. Neste post, ela coreografou a produção de Chicago Run Li'l
Chil'lun, realizada no Teatro Goodman, e produziu vários outros trabalhos de
coreografia, incluindo o imperador Jones e Barrelhouse.
Neste momento Dunham primeiro tornou-se associado com o designer
John Pratt, com quem se casou mais tarde. Juntos, eles produziram a primeira
versão de sua composição dança L'Ag'Ya, que estreou em 27 de janeiro de
1938, como parte do Projeto Teatro Federal em Chicago. Com base em sua
pesquisa, na Martinica, este desempenho em três partes elementos de uma
dança Martinica combate integrado no ballet americano.
Em 1939, a empresa de Dunham deu mais apresentações em Chicago e
Cincinnati e, em seguida, voltou para Nova York, onde Dunham havia sido
convidado para encenar um novo número para o popular, de longa duração
revista musical Pins and Needles 1940, produzido pelo Ladies Internacional '
Garment Workers Union . Como este show continuou sua corrida no Teatro
Windsor, Dunham reservado a sua própria empresa no teatro para uma
apresentação domingo. Este concerto, anunciado como Trópicos e Le Hot
Jazz,incluía não só os seus parceiros favoritos Archie Savage e Talley Beatty,
mas seu principal baterista haitiano, Papa Augustin. Inicialmente previsto para
uma única apresentação, o show foi tão popular que a trupe repetiu por mais
dez domingos.
Esse sucesso levou a toda a empresa que está sendo envolvida na
Broadway produção Cabin in the Sky , encenado por George Balanchine e
estrelado por Ethel Waters . Com Dunham no papel sensual de mulher
sedutora Georgia Brown, o show durou 20 semanas, em Nova York antes de
se mudar para a Costa Oeste para uma corrida prolongado de performances
ali. A mostra criou uma controvérsia menor na imprensa.
Após a turnê nacional de Cabin in the Sky, a empresa Dunham ficado
em Los Angeles , onde eles apareceram na Warner Brothers curta-
metragem Carnaval do Ritmo (1941). No ano seguinte Dunham apareceu no
filme musical Paramount Star Spangled Rhythm (1942) em uma série de
especialidades, "Sharp como uma Tack", com Eddie "Rochester"
Anderson. Outros filmes que surgiram durante este período incluíram a Abbott
e Costello comédia Pardon My Sarong (1942) eo famoso break-through preto
musical Stormy Weather (1943). [5]
Mais tarde naquele ano, eles voltaram para Nova York, e em setembro
de 1943, sob a gestão do renomado empresário Sol Hurok , sua trupe abriu
em revisão Tropical no Martin Beck Theater. Com danças animadas América
Latina e Caribe, danças de plantações, e as danças sociais americanas, o
show foi um sucesso imediato. O envolvimento de duas semanas original
prorrogado por demanda popular em um prazo de três meses, após o qual a
empresa embarcou em uma extensa turnê pelos Estados Unidos e
Canadá. Em Boston, o bastião do conservadorismo, o show foi proibido em
1944, depois de apenas uma performance. Apesar de ter sido bem recebido
pelo público, os censores locais temiam que os trajes reveladores e danças
provocantes possa comprometer a moral pública. Após o passeio, em 1945, a
empresa Dunham apareceu no Holiday Azul de curta duração, no Teatro
Belasco, em Nova York, e no mais bem sucedido Carib Canção, no Teatro
Adelphi. O final do primeiro ato deste show foi Xangô, uma interpretação
encenado de um ritual Vodun que se tornaria uma parte permanente do
repertório da companhia.
Em 1946, Dunham voltou à Broadway para uma revista intitulada Bal
Nègre, que recebeu autos de brilhantes de teatro e dança críticos. No início de
1947 Dunham coreografou a peça musical Windy City, que estreou no Grande
Teatro do Norte em Chicago, e no final do ano, ela abriu um show de cabaré
em Las Vegas, que marca o primeiro ano em que a cidade se tornou um
destino de entretenimento popular. Mais tarde nesse ano ela foi com sua trupe
para o México, onde as suas performances eram tão populares que
permaneceram por mais de dois meses. Depois do México, Dunham começou
turnê na Europa, onde ela foi uma sensação imediata. Em 1948, ela abriu uma
rapsódia Caribe pela primeira vez no Prince of Wales Theatre, em Londres, em
seguida, varreu para o Théâtre des Champs-Élysées, em Paris.
Este foi o começo de mais de vinte anos de realização quase
exclusivamente fora da América. Durante estes anos, a empresa Dunham
apareceu em cerca de trinta e três países na Europa, África do Norte, América
do Sul, Austrália e Ásia Oriental. Dunham continuou a desenvolver dezenas de
novas produções durante este período, e da empresa se reuniram com platéias
entusiasmadas onde quer que fossem. Apesar desses sucessos, a empresa
muitas vezes correu em períodos de dificuldades financeiras, como Dunham foi
necessária para suportar toda a trinta a quarenta bailarinos e músicos.
Em 1948, Dunham e sua empresa apareceu no filme de
Hollywood Casbah, com Tony Martin, Yvonne de Carlo, e Peter Lorre, e no
filme italiano Botta e Risposta, produzido por Dino de Laurentiis. Também
nesse ano eles apareceram no primeiro americano de uma hora espetacular
televisionado pela NBC , quando a televisão foi o primeiro começando a se
espalhar por toda a América. Isto foi seguido por espetáculos de televisão
filmado em Londres, Buenos Aires, Toronto, Sydney e Cidade do México.
Em 1950, o Sol Hurok apresentado Katherine Dunham e sua companhia
em uma revista de dança no Teatro Broadway, em Nova York, com um
programa composto por alguns dos melhores trabalhos de Dunham. Fechou-se
depois de apenas trinta e oito performances, ea empresa logo depois
embarcou em uma turnê de locais na América do Sul, Europa e África do
Norte. Eles tiveram especial sucesso na Dinamarca e na França. Em meados
da década de 1950, Dunham e sua empresa apareceu em três
filmes: Mambo(1954), feito na Itália; Die Grosse Starparade (1954), feito na
Alemanha; e Música en la Noche (1955), feito na Cidade do México.
Turnês internacionais da companhia Dunham terminou em Viena, em
1960, quando foi preso sem dinheiro por causa de má gestão por seu
empresário. Dunham salvou o dia organizando para a empresa para aparecer
em um especial de televisão alemão, Karaibishe Rhythmen, após o que
retornou aos Estados Unidos. A última aparição de Dunham na Broadway foi
em 1962 em Bamboche!, Que incluiu alguns ex-bailarinos Dunham no elenco e
um contingente de dançarinos e percussionistas do Royal Troupe de
Marrocos.Não foi um sucesso, fechando depois de apenas oito performances.
Um dos destaques da carreira depois de Dunham foi o convite de Nova
York Metropolitan Opera para encenar danças para uma nova produção
de Aida estrelando Leontyne Price. Assim, em 1963, ela se tornou o primeiro
Africano-Americano para coreografar para o Met desde Hemsley Winfield
definir as danças de O Imperador Jones, em 1933. Os críticos reconheceram a
pesquisa histórica que ela fez sobre a dança no Egito antigo, mas
particularmente não me importo para o resultados que eles viram no palco
Met.[ carece de fontes? ] Posteriormente, Dunham empreendeu várias comissões
coreográficos em vários locais nos Estados Unidos e na Europa. Em 1967 ela
se aposentou oficialmente depois de apresentar um show final no
famoso Teatro Apollo em Harlem, Nova Iorque . Mesmo na aposentadoria
Dunham continuou a coreografar: uma de suas principais obras estava
dirigindo Scott Joplin ópera 's Treemonisha em 1972 na Morehouse College,
em Atlanta.
Em 1978, Dunham foi destaque nos PBS especiais, Rufos Divinas:
Katherine Dunham e seu povo, narradas por James Earl Jones , como parte
da dança em série América. Alvin Ailey mais tarde produziu uma homenagem
para ela em 1987-8 com a American Dance Teatro no Carnegie Hall,
intitulado The Magic of Katherine Dunham.

Educador e escritor
Em 1945, Dunham abriu e dirigiu o Dunham Escola de Dança e Teatro,
perto de Times Square, em Nova York Katherine depois de sua companhia de
dança foi fornecido com sem pagar aluguel espaço estúdio por três anos por
um admirador, Lee Shubert; tinha uma matrícula inicial de 350 alunos.
O programa incluiu cursos de dança, teatro, artes cênicas, habilidades
aplicadas, ciências humanas, estudos culturais, e pesquisas Caribe, e em
1947, foi ampliado e concedeu uma carta como a Dunham Escola de Artes
Culturais Katherine. A escola era administrada na ausência de Dunham por um
de seus dançarinos, Syvilla Fort, prosperou durante cerca de dez anos, e foi
considerado um dos melhores centros de ensino do seu tipo na época. Escolas
inspirados por ele mais tarde foi inaugurado em Estocolmo, Paris e Roma por
bailarinos formados pelo Dunham.
Seus alunos incluídos muitas celebridades futuros, como Eartha Kitt ,
que, como um adolescente, ganhou uma bolsa para sua escola e mais tarde se
tornou um de seus dançarinos antes de passar para uma carreira de cantora de
sucesso. Outros que assistiram sua escola incluiu James Dean , Gregory
Peck , José Ferrer , Jennifer Jones ,Shelley Winters , Sidney Poitier , Shirley
MacLaine , Doris Duke , Toni Cade Bambara e Warren Beatty . Marlon
Brando freqüência caiu para jogar os bongô e jazz músico Charles
Mingus realizadas sessões regulares jam com os bateristas. Conhecido por
suas muitas inovações, Dunham desenvolveu uma pedagogia da dança, mais
tarde chamado de técnica de Dunham, que ganhou aclamação internacional e
que agora é ensinada como um estilo de dança moderna em muitas escolas de
dança.
Em 1957, Dunham estava sob tensão pessoais graves que estava
afetando sua saúde, e ela decidiu morar por um ano em relativo isolamento
em Kyoto, no Japão , onde trabalhou em escrever autobiografias de sua
juventude. O primeiro trabalho, intitulado A Touch of Innocence: Memórias de
Infância, foi publicado em 1959 A continuação baseada em suas experiências
no Haiti, Ilha Possessed, foi publicado em 1969, e uma obra de ficção baseada
em suas experiências africanas, Kasamance:. Uma fantasia , foi publicado em
1974. Ao longo de sua carreira, ela artigos sobre sua pesquisa antropológica
publicada ocasionalmente (por vezes sob o pseudônimo de Kaye Dunn) e, por
vezes, uma palestra sobre temas antropológicos em universidades e
sociedades acadêmicas. [6]
Em 1964, Dunham estabeleceram em East St. Louis e assumiu o posto
de artista-em-residência na Southern Illinois University na
vizinha Edwardsville . Lá, ela foi capaz de trazer antropólogos, sociólogos,
especialistas em educação, cientistas, escritores, músicos e gente de teatro
juntos para criar um currículo de artes liberais, que seria a base para a
continuação dos trabalhos da faculdade. Um de seus colegas professores com
quem colaborou foi o arquiteto Buckminister Fuller .
No ano seguinte, 1965, o presidente Lyndon Johnson nomeado Dunham
ser técnico cultural conselheiro, isto é, uma espécie de embaixador cultural-
para o governo do Senegal, na África Ocidental. Sua missão era ajudar a
treinar o Balé Nacional do Senegal e para ajudar o presidente Leopold Senghor
com arranjos para a Primeira Pan-Africano Festival Mundial de Artes Negras
em Dakar (1965-1966). Mais tarde, ela estabeleceu uma segunda casa no
Senegal e, ocasionalmente, voltou lá para scout para músicos africanos
talentosos e dançarinos.
Em 1967, Dunham abriu o Performing Arts Training Center (PATC),
em East St. Louis como uma tentativa de usar as artes de combate à pobreza e
da agitação urbana. Serviu como uma catarse após os motins 1968, durante o
qual ela incentivou os membros de gangues no gueto para desabafar suas
frustrações com percussão e dança. O PATC baseou-se em ex-membros da
empresa de turismo de Dunham, bem como os moradores locais para o seu
pessoal docente. Ao tentar ajudar os jovens na comunidade, ela foi mesmo
presos a si mesma, fazendo manchetes internacionais que policiais locais
rapidamente vergonha de soltá-la. Ela também continuou refino e ensinar a
técnica de Dunham para transmitir esse conhecimento para sucessivas
gerações de estudantes de dança e palestras em Seminários de mestrado
anuais em St. Louis que atraiu estudantes de dança de todo o mundo a cada
verão até sua morte. Ela também estabeleceu os Centros Dunham Katherine
para Artes e Humanidades em East St. Louis para preservar os instrumentos e
artefatos de haitianos e africanos de sua própria coleção pessoal.
Em 1976 foi convidado Dunham artista-em-residência e professor de
estudos afro-americanos na Universidade da Califórnia, Berkeley . A exposição
fotográfica honrar suas realizações, intitulado "Kaiso! Katherine Dunham," foi
montado um Centro de Mulheres no campus. Em 1978, uma antologia de
escritos de e sobre ela, também intitulado Kaiso!Katherine Dunham, foi
publicado em uma edição limitada, numerada de 130 exemplares pelo Instituto
para o Estudo da Mudança Social.

O ativismo social
O Katherine Dunham Empresa excursionou pela América do Norte em
meados dos anos 1940, mesmo realizando no sul então segregados, onde
Dunham uma vez se recusou a realizar um show depois de descobrir que
moradores negros da cidade não tinha sido autorizado a comprar bilhetes para
o desempenho. Em outra ocasião, em outubro de 1944, depois de receber uma
ovação de pé empolgante em Louisville, Kentucky, ela disse ao público toda
branca que ela e sua empresa não iria voltar, porque "a sua gestão não vai
permitir que pessoas como você para se sentar ao lado de pessoas como nós
", e expressou a esperança de que o tempo e a" guerra para a tolerância e da
democracia "traria uma mudança. [7] Um historiador observou que "no decorrer
da turnê, a trupe Dunham e teve problemas recorrentes com a discriminação
racial, levando-a a uma postura de militância que foi caracterizar a sua carreira
posterior. "
Em Hollywood, Dunham se recusou a assinar um contrato com o estúdio
lucrativo quando o produtor disse que ela teria que substituir alguns de seus
membros da companhia de pele mais escura. Ela e sua empresa
freqüentemente tinham dificuldades em encontrar acomodações adequadas
durante a turnê, porque em muitas regiões do país, os negros americanos não
foram autorizados a ficar em hotéis. Este também foi verdadeiro em outras
partes do mundo.
Enquanto Dunham foi reconhecido como "extra-oficialmente",
representando a vida cultural americana em suas turnês estrangeiras, ela foi
dada muito pouca assistência de qualquer tipo pelo Departamento de Estado
dos EUA. Ela tinha incorrido no desagrado de funcionários departamentais,
quando sua empresa realizou Southland, um balé que dramatizou o
linchamento de um homem negro na racista sul-americano. Sua estreia em 9
de dezembro de 1950, no Teatro Municipal de Santiago, Chile , [8] [9] gerado
interesse público considerável nos primeiros meses de 1951. [10] O
Departamento de Estado estava consternado com a visão negativa da
sociedade americana que o balé apresentado ao público estrangeiro. Como
resultado, Dunham viria a experimentar algumas "dificuldades" diplomáticas em
seus passeios. O Departamento de Estado regularmente subsidiados outros
grupos menos conhecidos, mas sempre se recusou a apoiar a sua empresa
(mesmo quando era entreter as tropas do Exército dos EUA), embora, ao
mesmo tempo que não hesitou em levar o crédito por eles como "não-oficial
artística e representantes culturais ".

A Lei Afonso Arinos no Brasil

Em 1950, ao visitar Brasil , Dunham e seu grupo foram recusados
quartos em um hotel de primeira classe em São Paulo , o Hotel Esplanada,
freqüentado por muitos empresários americanos. Entendendo que o fato foi
devido à discriminação racial, ela se certificou de que o incidente foi
divulgado. O incidente foi amplamente discutido na imprensa brasileira e
tornou-se uma questão política quente. Em resposta, a lei Afonso Arinos foi
aprovada em 1951, que fez a discriminação racial em locais públicos um crime
no Brasil.[11] [12] [13] [14] [15] [16]

Greve de fome
Em 1992, aos 83 anos, Dunham foi em uma altamente divulgado greve
de fome para protestar contra a política externa dos EUA discriminatória
contra haitianos boat-people .Tempo informou que ", ela iniciou uma greve de
fome de 47 dias para protestar contra a repatriação forçada dos EUA do Haiti
refugiados. "Meu trabalho", disse ela, "é criar um legado útil". [17] Durante o seu
protesto, Dick Gregory levou uma vigília sem parar em sua casa, onde muitas
personalidades díspares veio para mostrar seu respeito, comoDebbie
Allen , Jonathan Demme , e Louis Farrakhan , líder da Nação do Islã .
 Esta iniciativa atraiu publicidade internacional para a situação dos
haitianos boat-people e discriminação EUA contra eles. Dunham encerrou sua
rápida presidente haitiano só depois exilado Jean-Bertrand Aristide e Jesse
Jackson veio a ela e pediu pessoalmente que ela parar de arriscar sua vida por
esta causa. Em reconhecimento a sua postura, o presidente Aristide mais tarde
concedeu-lhe uma medalha de maior honra do Haiti.

A vida privada
Dunham casou Jordis McCoo, um trabalhador postal preto, em 1931,
mas ele não compartilhava seus interesses e aos poucos eles se separaram,
finalmente se divorciar em 1938. Sobre o tempo que Dunham conheceu e
começou a trabalhar com John Thomas Pratt, um canadense que havia se
tornado um dos mais renomados do traje e conjunto teatral designers da
América. Pratt, que era branco, interesses comuns de Dunham em culturas
afro-caribenha e foi feliz em colocar seus talentos em seu serviço. Depois que
se tornou seu colaborador artístico, que se envolveu romanticamente, apesar
da diferença em suas corridas. No verão de 1941, após a turnê nacional
de Cabin in the Sky terminou, eles foram para o México, onde os casamentos
inter-raciais eram menos controverso do que nos Estados Unidos, e envolvido
em uma cerimônia de compromisso em 20 de julho, que, posteriormente,
deram como a data de seu casamento. [18] Na verdade, essa cerimônia não foi
reconhecido como um casamento legal nos Estados Unidos, uma questão de
direito que viria a perturbá-los alguns anos depois. Katherine Dunham e John
Pratt se casaram em 1949 a adotar Marie-Christine, uma de quatorze meses de
idade do bebê francês. Desde o início de sua associação, por volta de 1938,
Pratt desenhou os cenários e cada Dunham traje nunca usava. Ele continuou
como seu colaborador artístico até sua morte em 1986.
Quando ela não estava se apresentando, Dunham e Pratt, muitas vezes
visitou o Haiti para estadias prolongadas. Em uma dessas visitas durante o final
dos anos 1940, ela comprou uma grande propriedade de mais de sete hectares
em Carrefours área de subúrbio de Port-au-Prince, conhecido como Habitação
Leclerc. Dunham usado Habitação Leclerc como um retiro privado, durante
muitos anos, muitas vezes trazendo membros de sua companhia de dança
para se recuperar do stress da turnê e trabalhar no desenvolvimento de novas
produções de dança. Depois de executá-lo como um ponto turístico, com
Vodun dançando como entretenimento, no início de 1960, ela vendeu para um
empresário francês no início de 1970.
Em 1949 Dunham retornou de turnê internacional com sua empresa para
uma breve estadia nos Estados Unidos, onde ela sofreu um colapso nervoso
temporário após a morte prematura de seu amado irmão Albert. Ele tinha sido
um professor de filosofia promissor na Howard University e um protegido
de Alfred North Whitehead . Durante este tempo, ela desenvolveu uma
amizade calorosa com o famoso psicólogo e filósofo humanista Erich Fromm ,
a quem ela havia conhecido na Europa. Ele foi apenas um de uma série de
celebridades internacionais que eram amigos de Dunham. Em dezembro de
1951, a uma foto de Dunham dançando com Ismaili muçulmano líder príncipe
Ali Khan em uma festa privada que tinha hospedado por ela em Paris apareceu
em uma revista popular e alimentou rumores de que os dois estavam
romanticamente ligados. [19] Tanto Dunham eo príncipe negou a sugestão. O
príncipe foi então casada com glamourosa Hollywood atriz Rita Hayworth , e
Dunham foi, finalmente, legalmente casada com John Pratt, tendo casado ele
em uma cerimônia tranquila em Las Vegas no início do ano. [20] O casal então
adotado oficialmente sua filha adotiva, uma menina de 14 meses de idade que
tinham encontrado como uma criança em uma creche convento católico
romano em Fresnes, na França. Nomeado Marie-Christine Dunham Pratt, que
era seu único filho.
Entre amigos e colegas mais próximos de Dunham foi Julie Robinson,
um ex-ator com a Katherine Dunham Company, e seu marido, o cantor e mais
tarde ativista político Harry Belafonte . Ambos permaneceram amigos íntimos
de Dunham, durante muitos anos, até sua morte. Glória Van Scott e Jean-Léon
destinar estavam entre outros ex-bailarinos Dunham que permaneceram seus
amigos ao longo da vida. [ 21 ]

Morte
Em 21 de maio de 2006 aos 96 anos, Dunham morreu em seu sono
de causas naturais em Nova York . [ 22 ]

Legado
Anna Kisselgoff , um crítico de dança para o New York Times , chamou
Dunham "um grande pioneiro em preto dança teatral ... à frente de seu
tempo." "Ao introduzir dança-movimentos africanos autênticos de sua empresa
e as audiências, Dunham, talvez mais do que qualquer outro coreógrafo do
tempo explodiu as possibilidades de expressão moderna de dança."
Como um dos seus biógrafos, Joyce Aschenbrenner, escreveu: "Hoje, é
seguro dizer, não há nenhuma bailarina negra norte-americana que não tenha
sido influenciado pela técnica de Dunham, a menos que ele ou ela trabalha
inteiramente dentro de um gênero clássico", eo Técnica Dunham ainda é
ensinado a qualquer um que estuda dança moderna.
O altamente respeitado Dança revista fez uma reportagem de capa
reportagem sobre Dunham em agosto de 2000, intitulado "Revolução One-
mulher." Como Wendy Perron , escreveu: "dança Jazz, 'fusão', ea busca de
nossa identidade cultural têm seus antecedentes no trabalho de Dunham como
bailarino, coreógrafo e antropólogo. Ela foi a primeira dançarina americana a
apresentar formas indígenas em um palco de concertos , o primeiro a sustentar
uma companhia de dança negra .... Ela criou e executou em obras para a fase,
os clubes, e os filmes de Hollywood, ela começou uma escola e uma técnica
que continuam a florescer;. ela lutou incansavelmente pela justiça racial "
Estudioso das artes Harold Cruse escreveu em 1964: "Sua cedo e
pesquisa ao longo da vida de sentido e de valores artísticos para negros, assim
como para todos os povos, tem motivado, criou oportunidades e lançou as
carreiras para as gerações de jovens artistas negros ... dança afro-americana
era geralmente na vanguarda da dança moderna ... toda a carreira de Dunham
abrange o período do surgimento da dança afro-americana como uma arte
séria ".
Escritor Preto, Arthur Todd, descreveu-a como "um dos nossos tesouros
nacionais". No que diz respeito a ela impacto e efeito, ele escreveu: "A
ascensão da dança negro americano começou ... quando Katherine Dunham e
sua empresa dispararam no Teatro Windsor, em Nova York, de Chicago, em
1940, e fez uma marca indelével no mundo da dança .. . Senhorita Dunham
abriu as portas que possibilitaram a rápida ascensão desta dança para a
geração atual ". "O que deu Dunham dança moderna foi um léxico coerente de
estilos africanos e do Caribe de movimento um torso flexível e coluna vertebral,
pélvis articulados e isolamento dos membros, uma estratégia polirrítmico de
mover-que ela integrado com técnicas de ballet e dança moderna." "Seu
domínio sobre o movimento do corpo foi considerada 'fenomenal'. Ela foi
aclamada por sua coreografia suave e fluente e dominou o palco com o que foi
descrito como "uma força radiante unmitigating proporcionando beleza com um
toque feminino cheio de variedade e nuances".
Richard Buckle, historiador e crítico de ballet, escreveu: "Sua companhia
de bailarinos e músicos magníficos ... reuniu-se com o sucesso que tem e que
se como explorador, pensador, inventor, organizador, e bailarino deve ter
alcançado um lugar na estimativa de do mundo, fez mais de um milhão de
panfletos poderia para o serviço de seu povo ".
"O sucesso europeu de Dunham levou a imitação considerável de seu
trabalho em revistas europeus ... é seguro dizer que as perspectivas de dança
de concerto teatral na Europa foram profundamente afetados pelas
performances da trupe Dunham."
Enquanto na Europa, ela também influenciou estilos de chapéu no
continente, bem como coleções de moda primavera, com a linha de Dunham e
Caribe Rhapsody, eo Chiroteque Française fez um molde de bronze de seus
pés para um museu de personalidades importantes. "
O Katherine Dunham Companhia tornou-se uma incubadora para muitos
artistas bem conhecidos, incluindo Archie Savage, Talley Beatty , Janet Collins,
Lenwood Morris, Vanoye Aikens, Lucille Ellis, Pearl Reynolds, Camille
Yarbrough , Lavinia Williams e Tommy Gomez.
Alvin Ailey , que afirmou que ele começou a se interessar em dança
como uma carreira profissional depois de ter visto um desempenho da
Katherine Dunham Companhia como um adolescente de 14 em Los Angeles,
chamada de Técnica Dunham "a coisa mais próxima de um unificada afro-
americana dançar existente. "
Durante vários anos, de Dunham assistente pessoal e pressione
promotor foi Maya Deren , que mais tarde tornou-se também interessado
em Vodun e escreveu O Cavaleiro Divine: The Voodoo Deuses do
Haiti (1953). Deren é agora considerado um dos pioneiros do cinema
americano independente. Dunham ela mesma foi discretamente envolvido em
ambos os Voodoo e Orisa comunidades do Caribe e dos Estados Unidos, em
particular com o Lucumi tradição.
Não só Dunham lançar luz sobre o valor cultural da dança negra, mas
ela claramente contribuiu para mudar as percepções dos negros nos Estados
Unidos, mostrando a sociedade que, como uma mulher negra, ela poderia ser
um estudioso inteligente, uma bela dançarina e coreógrafa
especializada. Como Julia Foulkes apontou, "o caminho de Dunham para o
sucesso estava em fazer a grande arte nos Estados Unidos a partir de fontes
africanas e do Caribe, aproveitando uma herança de dança da diáspora
Africano, e elevando a percepção de recursos de afro-americanos". [ 23 ]

Premiações
Ao longo dos anos Katherine Dunham recebeu dezenas de prêmios
especiais, incluindo mais de uma dúzia de doutoramentos honoris causa de
várias universidades norte-americanas.

 Em 1971, ela recebeu o Prêmio Património da Associação Nacional de

Dança .
 Em 1979, no Carnegie Hall , recebeu o Prêmio de Música Albert Schweitzer
"para o trabalho de uma vida dedicada à música e dedicado para a
humanidade."
 Em 1987 ela foi recebeu o Prêmio Samuel H. Scripps americano Festival de
Dança, e também foi introduzido no Museu Nacional de Mr. & Mrs.
Cornelius Vanderbilt Whitney Hall de Dança da Fama em Saratoga Springs,
Nova Iorque .
 Em 1983, ela era um receptor de um dos maiores prêmios artísticos nos
Estados Unidos, o Kennedy Center Honors .
 Em 1986, a Associação Americana de Antropologia deu-lhe um prêmio
Distinguished Service.
 Em 1989, ela foi premiada com uma Medalha Nacional de Artes , uma
honra partilhada por apenas dois outros ex-alunos da Universidade de
Chicago, Saul Bellow e Philip Roth .
 Dunham tem sua própria estrela na St. Louis Walk of Fame . [ 24 ]
 Em 2000 ela foi nomeada um dos primeiros cem de "Irreplaceable Tesouros
de dança da América" pela herança Coalition Dança.
 Em 2002 Molefi Kete Asante incluiu-a em seu livro intitulado 100 Maiores
afro-americanos . [ 25 ]
 Em 2005, ela recebeu o prêmio "Outstanding Liderança em Pesquisa
Dance" pelo Congresso de Pesquisa em Dança .

Luigi
Eugene Louis "Luigi" Faccuito é um americano de jazz
bailarino , coreógrafo , professor e inovador que é mais conhecido por criar
um exercício jazz técnica. O Luigi Quente Técnica Up é um programa de
treinamento influente que promove o alinhamento corporal, equilíbrio, força do
núcleo, e "sentimento de dentro". [ 1 ] Ele também é usado para a
reabilitação. Este método tornou-se técnica padrão o primeiro do mundo para o
ensino de jazz e teatro musical de dança. Luigi desenvolveu a técnica, que
consiste em uma série de ballet exercícios baseados, por sua própria
reabilitação, depois de sofrer lesões paralisantes em um acidente de carro com
a idade de vinte e um. Determinado a dançar de novo, ele aprendeu a
recuperar o controle de seu corpo, que ele usa como um dos pilares de sua
técnica -. Isto é, para "alongar e esticar o corpo sem tensão" e "colocar o lado
bom para o lado ruim ' "Ele, então, focado em um caminho" para estabilizar a si
mesmo - como se estivesse pressionando um invisível (dança) barre. [ 2 ] Seus
esforços foram recompensados, pois ele passou a ter uma carreira bem
sucedida de dança, e se tornou um jazz de renome mundial professor. [ 3 ]
Talento e perseverança Luigi habilitado a trabalhar em todas as facetas
do show business , antes e depois do acidente. Seus trabalhos incluem
trabalhando em grandes bandas com Ted Lewis ; filmes de Hollywood,
com Gene Kelly , Fred Astaire , Doris Day e Cyd Charisse ; Burlesque com Lili
St. Cyr , televisão com Red Skelton e bandleader Les Brown , na Broadway,
com Ethel Merman e George Goebel e há mais de cinco décadas, ele e seus
alunos se espalharam sua técnica a nível mundial.
Desde a segunda metade do século XX, o método de Luigi tem
influenciado gerações de quem-é-quem no show business, juntamente com
uma miríade de 'dançarinos' de todas as esferas da vida. Este pioneiro cunhou
a frase "5, 6, 7, 8", que agora é usado universalmente no início de rotinas de
dança. Seu lema, "nunca parar de se mover", mudou-se linguagem de dança
passado para o mainstream. [ 4 ]

 Nascido: Eugene Louis Faccuito, em casa, 20-21 março de 1925,

Steubenville, Ohio
 Profissão: Dançarino , Coreógrafo , Professor , Innovator , cantor

Início da vida e carreira

Nascido em Steubenville, Ohio , Luigi é o oitavo de onze filhos de pais

imigrantes italianos, Nicola e Antoinette (Savoia) Faccuito. Depois que seu pai
morreu quando ele tinha cinco anos de idade, de Luigi irmão mais velho, Tony
treinou-o para cantar, dançar e usar seus contorcionista habilidades para que
ele pudesse participar de concursos de talentos locais para ganhar prémios em
dinheiro para a família. Ele era um "natural" performer e ganhou muitos
eventos. Com a idade de dez anos, Luigi tinha um agente que lhe arrumou um
emprego com entertainer Ted Lewiscomo a "sombra" de Lewis número famoso
", Me and My Shadow . Lewis admirava o talento do menino e perguntou se ele
poderia adotá-lo, mas Luigi mãe italiana alto recusei. O menino continuou em
competições de talento onde ele conseguiu mesmo ganhar o prestigiado major
Bowes ' The Original Amateur Hour na cidade vizinha
de Pittsburgh , Pensilvânia . Com a idade de treze anos, Luigi substituiu o
vocalista na Davis Orchestra Bernie, uma banda local de doze homem que
realizou em casamentos, bailes escolares e eventos especiais em toda a área
tri-state deOhio , Pensilvânia e Virgínia Ocidental , o cantor anterior era O
vizinho de Luigi, Dean Martin . [ 5 ] Ele ficou com a banda por cerca de cinco
anos.
Quando tinha dezoito anos, Luigi foi convocado para a Marinha dos
EUA durante a II Guerra Mundial . Ele serviu no Teatro do Pacífico - Nova
Guiné e Filipinas - até o final da guerra. Depois de voltar para casa com a idade
de vinte e um anos, matriculou-se na faculdade para se tornar um advogado,
mas seu irmão Tony empurrou-o para estudar em Hollywood sob a GI Bill of
Rights para prosseguir uma carreira no cinema. Luigi mudou-se
para Califórnia , matriculados em suas primeiras aulas de balé com Bronislava
Nijinska , e estudou outras formas teatrais no Falcon Studios em
Hollywood. Três meses mais tarde, em 1946, a tragédia se abateu na forma de
um acidente de carro horrível que deixou Luigi paralisado do lado direito do seu
corpo e do lado esquerdo de seu rosto e com os olhos cruzados e visão
dupla. Depois de meses mais tarde despertar de um coma , ele foi informado
pelos médicos de que ele nunca mais voltaria a andar. Ele disse para si
mesmo: "Eu não quero andar, eu vou dançar".

Nova vida, inovação e carreira em Hollywood

A terapia convencional em que o tempo não ajudou muito Luigi. [ 6 ] Para

recuperar o controle de seu corpo, ele começou a experimentar e criar suas
próprias extensões. Após nove meses de auto-terapia, voltou a Falcon Studios,
onde ele treinou diariamente em aulas ministradas por Edith Jane, Ralph
Faulkner , Adolph Bolm , Sam Mintz e artista convidado Michio Ito . Em outros
estúdios, ele aprendeu com Michel Panaieff, Eugene Loring , Carmelita
Maracci , Edward Caton, Sally Whalen, e Louis depron. Todo o tempo, Luigi
continuou a desenvolver seus próprios warm ups e combinações de dança que
mostraram-lo com o melhor de sua capacidade.
Em 1948, Luigi foi contratado por Horace Heidt , um líder popular banda
pianista e grande, para coreografar para sua turnê "Bandwagon", onde
trabalhou com talentos como Ken Berry e Dominic Frontiere . Alguns meses
mais tarde, de volta a Los Angeles, os três tornaram-se companheiros de
casa. Foi então que Luigi, com a ajuda de Frontiere, cunhado "5, 6, 7, 8" como
um lead-in para quando começar a dançar. [ 7 ] Ele começou a usar a frase em
torno de outros dançarinos.
Em 1949, um caçador de talentos descobertos Luigi em um show
beneficente e levou a Metro-Goldwyn-Mayer ( MGM ) Studios para um teste
para On the Town . Gene Kelly ficou impressionado com a dança de Luigi e
deu-lhe o trabalho, apesar de sua paralisia facial e atravessou olhos. Este
trabalho levou a uma longa amizade, durante o qual Kelly tornou-se o mentor
de Luigi e usou-o em seus outros filmes, como Singin 'In The Rain. . "Luigi"
Kelly foi responsável por dar-lhe o apelido, Luigi passou a trabalhar em outros
filmes para maiores coreógrafos durante a Idade de Ouro da Musicals - Robert
"Bob" Alton , Hermes Pan , Eugene Loring e Michael Kidd , para citar alguns
. Nos sets, Luigi aquecido usando suas próprias extensões e exercícios de
fortalecimento, e logo encontrou outros artistas segui-lo. "Alton incentivados
(Luigi) para assumir a ensinar seu estilo de evolução", então ele começou uma
classe no final da tarde no Rainbow Studios em 1951.[ 8 ] Artistas como
François e Giselle Szony, Jacques d'Amboise, Vera-Ellen , George
Chakiris , Carol Haney e Julie Newmar treinei com ele nessas e posterior
aulas. Entre os filmes, Luigi também se apresentou em musicais profissionais
no teatro grego e com os Landis Dancers Moro, principalmente no Sahara
Hotel em Las Vegas, Nevada. Enquanto Luigi estava trabalhando com Nita
Bieber em um East Indian ato de dança promovido pela MGM , o agente de
Bieber se ofereceu para representá-lo, se ele formou seu próprio ato. Ele fez, e
sua trupe, o gene Louis Dancers, Luigi trabalhou com muitos parceiros
talentosos, incluindo Mary Menzies, Sylvia Lewis , Roberta Lawn, e Betty
Utey. Uma mulher em seu coro de dançarinos foi descoberto por Alton, que
deu-lhe um papel de protagonista na Broadway , ela foi a atriz Sheree
North . Suas trupes realizado em casas noturnas, a partir de Earl Carroll 's em
Hollywood ao Chez Paree em Chicago, na televisão sobre a Colgate Comedy
Hour , e no primeiro filme musical 3-D curto com Nat "King'' Cole. Depois de ver
a sua obra boate Joan Crawford foi nos bastidores uma noite para elogiar
Luigi. Entertainer Diosa Costello e burlesco estrela Lili St. Cyr o contratou para
coreografar os seus próprios atos.
Nova York e sua carreira

Em 1956, o coreógrafo Alex Romero trouxe Luigi para Nova York para realizar
a Broadway com Ethel Merman e Fernando Lamas na caça feliz . O show
trouxe Luigi a atenção de costa leste bailarinos e coreógrafo June Taylor , que
o convidou para dar aulas na sua escola. [ 9 ] Alguns meses mais tarde, para
melhor atender sua agenda, ele começou a ensinar suas próprias
classes.Naquela época, ele atraiu muitos jovens estudantes que estavam à
procura de um emprego no show business. Estes incluíram dançarinos e
artistas como David Winters , Alvin Ailey , Valerie Harper , Lee Remick , Patrick
Adiarte , Sheila Forbes e Donna McKechnie . Luigi continuou a se apresentar
até o início dos anos 1960, e coreógrafos assistida Onna Branco e Lee Scott
em mais três shows da Broadway, Happy Town, Whoop-Up e Let It Ride . Ele
também coreografou musicais ações profissionais, incluindo Can-
Can e Brigadoon com Patrice Munsel , Robert Alda eBetty White .
Em 1961, Luigi foi um dos primeiros professores contratados para Dança
Caravan, uma convenção anual de verão dança trupe. Este trabalho trouxe
seus ensinamentos e seu novo livro técnica - com a sua filosofia e música
gravada para a classe - para dançarinos em grandes cidades em toda a
América. Ele permaneceu com a organização e tornou-se um dos professores
de longa data até seu fechamento em 2009. Além de suas aulas em Nova
York, as convenções de dança ajudou a transformar a obra de Luigi na
fundação para aulas de dança jazz em instituições acadêmicas e estúdios nos
Estados Unidos. Luigi rapidamente encontrou-se na procura de uma ampla
gama de projetos, incluindo ensino, coreografia, encenação, e em turnê. Ele
aceitou o convite da Alemanha para ensinar em um seminário internacional que
aumentou sua reputação em toda a Europa. Ele encenou números
para Gretchen Wyler , Brascia e Tybee , e Sugar Ray Robinson é para a
televisão americana The Ed Sullivan Show . Ele teve muitos de seus alunos
empregos na indústria, incluindo Elliott Gould , Kelly Bishop , Walter
Painter, Stuart Damon , Ron Rifkin , David Hartman , Zack Matalon e Goldie
Hawn . Alguns de seus assistentes, como Don Sky, Billie Mahoney, Rhett
Dennis, Lynn Simonson e Hama , partiu para diferentes locais para ensinar o
seu trabalho. Ele foi convidado para trabalhar em muitos países europeus,
incluindo a mais, Inglaterra, Itália e França, começou a dar aulas de mestrado
no Radio City Music Hall para os artistas, e juntou-se ao corpo docente da
Escola de Ballet Harkness.
Foi durante a década de 1960 que Luigi decidiu dedicar-se a
compartilhar o seu trabalho e se concentrar no ensino. As políticas e
dificuldades de coreografar produções muitas vezes o deixou frustrado. Ao
ensinar, ele sentiu que encontrou sua vocação na vida. Foi também durante
este período que os alunos carinhosamente começou a chamá-lo de "Papa
Rosa", porque, como o personagem Mama em Gypsy , exortou-os em todos os
sentidos.

Alguns dos muitos destaques

 Em 1967, Luigi coreografou um curta-metragem, Exorcismo, que ganhou o

Prêmio Cine-Águia de Ouro nos Estados Unidos e Prêmio Irish Film
Festival.
 Em 1972, Luigi ensinado em Cape Town, África do Sul, onde ele foi o
primeiro professor de dança para permitir que ambos os brancos e negros a
participar juntos nas aulas e depois, durante uma palestra pública no Nico
Milan Opera House, para realizar juntos no palco para demonstrar sua obra.
 Em 1974, ele formou Jazz Dance Company de Luigi, que excursionou
internacionalmente por dois anos. A empresa dobrado porque ele não podia
obter financiamento do governo para a forma de arte de dança jazz. No
entanto, suas peças daquela época são realizadas em locais ao redor do
mundo.
 Depois de voltar de ensino, em Tóquio, no Japão, em 1978, Luigi começou
a ensinar um segundo método que ele desenvolveu. Este trabalho
concentra-se em um conjunto de posições do braço que vão além das
básicas de cinco posições no braço de balé. Esses vinte e quatro
colocações braço adicionais dão jazz dança mais padrões, com uma
aparência unificada. Ele chamou essas posições Lurythmics braços.
 Em 1981, Gene Kelly perguntou Luigi para ajudá-lo em um espetáculo da
Broadway que ele era para dirigir e coreografar. O show, chamado
Satchmo, foi baseado na vida de Louis Armstrong. O projeto nunca entrou
em produção por causa de dificuldades financeiras, mas Luigi estava feliz
em ser convidado.
 Em 1982, Donald Saddler trouxe Valentina Koslova de Luigi para ser
treinado para sua estréia na Broadway no renascimento da On Your
Toes . O show contou com George Balanchine 'sSlaughter on Tenth
Avenue , que Luigi trabalhou com Koslova diante.
 Em 1982, o livro de técnica de Luigi foi traduzido para o japonês. [ 10 ] Além
disso, a maior empresa de fornecimento de dança japonesa, Chacott,
começou a mercado Luigi endossado sapatos de jazz, em seguida, uma
linha completa de vestuário chamado Luigi Marca Dancewear para o
público.
 Em 1987, o livro de aquecimento do Luigi foi traduzido para o italiano. [ 11 ]
 Em 1992, Luigi intensivamente treinados nos Esportes da Hungria e da
equipe de Ginástica Rítmica em Budapeste, na Hungria, há duas
semanas. Muitos dos membros da equipe passou a competir na Olimpíada .
Além do ensino em mestres da dança da América e Educadores de
dança de convenções da América, Luigi tem servido como docente convidado
para o High School of Performing Arts , City University of New York , Sarah
Lawrence College , Estágios de Renato Greco em Roma e Amalfi,
Itália, Universidade de Nova York , The Metropolitan Opera , Joffrey
Ballet Escola de Verão, de Dennis Wayne Dancers Oficina na Itália, Broadway
Theater Projeto , Estúdio Maestro Verão Oficina, travesseiro de Jacó , Festival
de Dança Youth Summit e professor da dança em Nova York.

2000

Desde 2000, Luigi coreografou e encenou números para muitos eventos

de prestações, incluindo Michael Zaslow benefícios 's para ALS (doença de
Lou Gehrig) na Broadway, a Dança Biblioteca de Israel, o Projeto Coreografia
Jazz New York, Bailarinas Mais de 40 benefícios para a Broadway Cares /
Equity Fights AIDS , a companhia de dança Grupo transcendência, eo Ailey /
Fordham Bachelor of Fine Arts Concert Solo Sênior. Atualmente, Luigi continua
a ensinar e inspirar teatro e cinema luminares como Robert Morse , Tony
Roberts , Liza Minnelli , Ben Vereen , Michele Pawk , Sarah Hyland , Charlotte
d'Amboise, Christine Baranski , John Travolta , [ 12 ] e Susan Stroman , para
nomear alguns. Ele foi atraído para suas aulas de bailarinos de dança e ballet
moderno, incluindo Twyla Tharp , [ 13 ] Margo Sappington , Janie Parker, Joseph
Duell e Maria Calegari, os dois últimos foram enviadas a ele por George
Balanchine . Ele e os professores que ele treinou também trabalhar com atletas
de classe mundial, patinadores, e medalhistas olímpicos.
Luigi, seu protegido Francis J. Roach, e sua equipe continuam a
conduzir as aulas diárias no Centro de Jazz de Luigi no Estúdio Maestro em
Nova York.
Honrarias e prêmios

Luigi foi homenageado por organizações de dança em todo o

mundo. Por mais de 50 anos, ele tem sido destaque em dança e saúde artigos
em várias línguas. Além disso, Luigi tem sido elogiado por seu trabalho de vida
por três presidentes dos EUA - Reagan, Bush e Clinton. Ele recebeu o "Fred
Astaire Award'' da Broadway Fundo de Desenvolvimento Theatre , uma
proclamação de "Luigi Day em Nova York'' do prefeito Ed Koch, foi o Grande
Marechal da Parada de dança na Broadway em 2008, e um governador de
Ohio premiado ele o "Homem do Ano", em sua cidade natal.

Produções Stage

 Anything Goes , 1948, performer, o Greek Theatre , em Los Angeles, CA.

 Lua Nova , [ desambiguação necessário ] de 1949, performer, o Greek Theatre , em
Los Angeles, CA.
 Girl Crazy , de 1949, performer, o Greek Theatre , em Los Angeles, CA.
 Annie Get Your Gun , 1951, performer, o Greek Theatre , em Los Angeles,
CA.
 Olha, que é vida, 1952, assistente do coreógrafo de Nick Castle , Las
Palmas Theater, Los Angeles, CA.
 Caça feliz 1956, performer, Broadway, New York, NY
 Whoop-Up , 1958, assistente do coreógrafo, performer, Broadway, New
York, NY
 A Happy Time , de 1959, assistente do coreógrafo, performer, Broadway,
New York, NY
 Carrossel de 1960, performer, coreógrafo, Patrimônio Teatro da Biblioteca,
New York, NY
 Can-Can de 1960, coreógrafo, Charlotte Teatro de Verão, Charlotte,
Carolina do Norte
 Brigadoon , 1960, coreógrafo, performer, Charlotte Teatro de Verão,
Charlotte, Carolina do Norte
 Let it Ride, de 1961, assistente do coreógrafo, performer, Broadway, New
York, NY

Marly Tavares
Considerada personagem do cenário da bossa nova por suas atuações,
dançando e cantando em musicais importantes, na década de 1950, participou,
como dançarina, de programas da extinta TV Tupi (RJ), como "Espetáculos
Tonelux" e "Noite de Gala". Apresentou-se nas boates Fred's e Night and Day,
no Rio de Janeiro, cantando e dançando em shows de Carlos Machado.

Em 1961, foi escolhida para o papel principal do espetáculo "Skindô",

apresentado com muito sucesso no Copacabana Palace (RJ). O show, com
direção musical e regência do maestro americano Bill Hitchcock e coreografia
da também americana Sonia Shaw, e participação de Betty Faria, seguiu para
Buenos Aires, Montevidéu e depois para Paris, sendo reapresentado, na volta
para o Brasil, no Teatro Carlos Gomes (RJ).

Ainda na década de 1960, atuou em pocket-shows do Little Club, no

Beco das Garrafas (RJ), ao lado de Elis Regina, Wilson Simonal, Marcos
Moran e do grupo Bossa Três, formado por Luís Carlos Vinhas, Octávio Bailly e
Ronie Mesquita. Lançou, pela gravadora Odeon, o compacto duplo "Eu
também canto", ao lado do Bossa Três (trio integrado por Luis Carlos Vinhas,
Otávio Bailly e Ronie Mesquita). Apresentou-se também no Porão 73 (RJ), ao
lado de Marcos Valle e do conjunto vocal Os Cariocas. Esteve nos Estados
Unidos, onde trabalhou com grupos de dança. Fez parte do elenco da comédia
musical "Alô Dolly!", protagonizada por Bibi Ferreira. Viajou em turnê de shows
pela Europa, ao lado de Sylvia Telles, Edu Lobo, Rosinha de Valença e do
Salvador Trio.
 Também nos anos 1960, morou no México, onde integrou, ao lado de
Leny Andrade, Carlos Lyra e do grupo Bossa Três, o elenco do musical "Pobre
menina rica", de Carlos Lyra e Vinicius de Moraes, com texto em espanhol
assinado por Gabriel Garcia Marquez e Francisco Cervantes. Também no
México, participou de shows ao lado de Leny Andrade e do conjunto Bossa
Três, formado por Luís Carlos Vinhas (piano), Otávio Bailly (contrabaixo) e
Ronie Mesquita (bateria). Viajou, em seguida para os Estados Unidos, onde
atuou, como convidada especial, em show de Sergio Mendes e Brasil'77, em
Las Vegas . Voltou para o Brasil em 1972, convidada por Abelardo Figueiredo
para integrar o elenco do espetáculo "Brasil Export Show", realizado no
Canecão(RJ).

Em 1974, participou, em Paris, da gravação do LP "Ronald Mesquita e

Central do Brasil". O disco foi lançado no mercado brasileiro pela Top Tape, em
1976.

Assinou coreografias para a TV Globo, com destaque para a novela

"Baila comigo" (1981), em parceria com Lennie Dale, e também para
comerciais da Caixa Econômica, Barra Shopping (com o grupo As Frenéticas)
e Rio Sul.

Fundou o Dance Center Marly Tavares, onde desenvolveu um estilo

próprio dentro do jazz. Contemporaneamente, leciona nas academias de dança
de Débora Colker e Patrícia Sauer, e na Academia Petit Dance, no Rio de
Janeiro.
 Lennie Dale
Leonardo La Ponzina,

mais conhecido como Lennie Dale (Nova Iorque, 1934 — 9 de agosto de 1994)

foi coreógrafo, dançarino, ator e cantor ítalo-americano radicado no Brasil.

Chegou ao Brasil em 1960 trazido pelo diretor de teatro de revista, Carlos

Machado, para realizar a coreografia de uma peça musical. A partir daí passou
a ficar no país por longas temporadas.
Figura de destaque nos anos 1960 e 1970 por sua atuação junto a artistas
fundadores do movimento musical urbano carioca, a bossa nova. Dirigiu
diversos espetáculos apresentados no Beco das Garrafas, reduto de boêmios
e músicos da bossa nova.
Em 1973, em plena ditadura militar no Brasil, fundou o grupo andrógino Dzi
Croquettes, que misturava dança com teatro. Por seu humor irreverente, o
grupo se tornou um símbolo da contracultura do período.
Lennie Dale viajava constantemente para os Estados Unidos, onde dirigiu
espetáculos com artistas de renome como Liza Minelli.
Foi vítima da AIDS e desde que descobriu ser portador do vírus foi para
os Estados Unidos onde teve assistência médica gratuita, aconselhado pelo
seu próprio médico particular.

Discografia

 Um show de bossa… Lennie Dale com os Bossa Três (1964) Elenco LP

 Lennie Dale e o Sambalanço Trio-Gravado no Zum Zum (1965) Elenco LP
 Berimbau/O pato Lennie Dale e o Sambalanço Trio (1965) Elenco
Compacto simples
 Lennie Dale (1965) Elenco LP
 A 3ª Dimensão de Lennie Dale Lennie Dale e Trio 3D (1967) Elenco LP
 O máximo da Bossa Vários artistas (1967) Rare Elenco LP