TEORIA

DIGITAL
DEZ ANOS DO
file – FESTIVAL
INTERNACIONAL
DE LINGUAGEM
ELETRÔNICA
FILE TEORIA DIGITAL

TEORIA
DIGITAL
Ricardo
Barreto e
Paula
Perissinotto
TEORIA DIGITAL

No percurso destes últimos dez anos, o FILE teve a contribuição da comuni-

dade de artistas e de pensadores que lida com a transversalidade da arte, da
ciência e da tecnologia. Foram eles indubitavelmente, ao longo deste período,
que incrementaram e enriqueceram as exposições e os simpósios do Festival,
garantindo ao evento a importância mundial que ele tem hoje. As exposições
foram registradas por uma serie de publicações de livros-catálogos e materiais
gráficos que hoje fazem parte de acervos nacionais e internacionais. Nada mais
justo após dez anos do evento lançarmos o livro TEORIA DIGITAL cuja coletânea
de textos expressa pensamentos, visões e antecipações vividos pelo FILE até
este momento.
Desde o ano de 2003 o FILE, através de uma parceria cultural com a Imprensa
Oficial (IMESP) e apoio do SESI-SP, iniciou uma série de publicações dos eventos
realizados anualmente em São Paulo. Foram concebidas oito publicações bilín-
gues referentes aos eventos da capital paulista
Nesta co-edição especial, TEORIA DIGITAL, produzida entre o FILE e a Im-
prensa Oficial buscamos reunir os textos referentes a essas publicações e cujos
textos serão agora acompanhados de um índice onomástico e de um glossário
de termos, que poderão auxiliar a aproximação de um público mais especiali-
zado fora do eixo Rio de Janeiro-São Paulo. Optou-se também por contemplar
nesta edição a produção gráfica realizada pelo FILE nestes dez anos em que
explorou-se e abriu-se possibilidades de novas experimentações e inovações
no que tange a influencia das ferramentas digitais na área do design gráfico e do
design digital interativo, uma vez que para cada ano de evento foram produzidos
peças gráficas inéditas tais com: folders de programação, cartazes, convites,
flyers e websites.
A missão do FILE é acima de tudo promover e estimular o universo estético
na idade digital através da democratização de informação e da acessibilidade do
público as produções culturais. Com a colaboração de vários parceiros (SESI-SP,
FIESP, OI FUTURO e SANTANDER CULTURAL) conseguimos nos inserir na agenda
internacional de eventos de arte eletrônica, e é com muita honra e orgulho que
dividimos esta edição com um dos nossos grandes parceiros neste período: a
IMESP, Imprensa Oficial do Estado de São Paulo.

Paula Perissinotto & Ricardo Barreto

Fundadores do FILE
SUMÁrio
 FILE TEORIA DIGITAL

14 Parte 1 – TEORIA Pensar, produzir, preservar e potencializar

a estética DIGITAL

16 Cultura da Imanência Ricardo Barreto e Paula Perissinotto

26 O Sujeito-Projeto: Metaformance e Endoestética Claudia Giannetti
40 A Aura do Digital Michael Betancourt
60 A Perenidade da Inconstância: o Desafio de Preservar o
Imaterial Paula Perissinotto
70 Curando (n)a Web Steve Dietz
100 Fechando a Questão dos Bits: Arte Digital e Propriedade
Intelectual Richard Rinehart
108 Teoria dos Nurbs Lev Manovich

134 Parte 2 – TEORIA A ecologia, os entraves, a alma e as

rupturas do ambiente DIGITAL

136 A Anarco Cultura Ricardo Barreto

142 A Máquina Viral Universal – Bits, Parasitas e Ecologia da Mídia
na Cultura de Redes Jussi Parikka
168 Libertando-se da Prisão Theodor Holm Nelson
176 Estudos do Software Noah Wardrip-Fruin
182 Estudos do Software Lev Manovich
196 Os Fins dos Meios Cicero Inácio da Silva

204 Parte 3 – TEORIA A expansão, a resolução, a definição e a

fidelidade do cinema DIGITAL

206 A Hiper-cinematividade Ricardo Barreto

212 Efeitos de Escala Lev Manovich
222 Oito Milhões de Pixels em Imagens de Quatro Kilates: 4k
Jane de Almeida
232 Why Fi? Fidelidade 4k na Cidade Escalonável Sheldon Brown
SUMÁRIO

244 Parte 4 – TEORIA “Mundo-de-brincadeira-mundo-de-

-não-brincadeira”: o jogar DIGITAL

246 Brincando e Jogando: Reflexões e Classificações

Bo Kampmann Walther
262 Jogos e Vida: a Emergência do Lúdico na Cibercultura
Fabiano Alves Onça
272 Novas indústrias Culturais da América Latina ainda Jogam
Velhos Jogos: da República de Bananas a Donkey Kong
Jairo Lugo, Tony Sampson e Merlyn Lossada
292 The Gaming Situation 2.0 Markku Eskelinen

298 Parte 5 – TEORIA Máquina de criatividade: a música, o teatro,

a poesia e a literatura como criação DIGITAL

300 Da Crítica aos Jogos da Criatividade na Era Digital Ricardo Barreto

308 Música Visionária: Notas de Percurso (em memória de Robert
Moog) Vanderlei Lucentini
318 On the Record: Notas Para Errata Erratum – Projeto Duchamp
Remix no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles (MOCA)
Paul D. Miller, ou DJ Spooky that Subliminal Kid
326 Pos-Teatro: Performance, Tecnologia e Novas Arenas de
Representação Renato Cohen
334 Poesia [DIGITAL]: Ars Combinatória Lucio Agra
344 Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais
Wilton Azevedo
360 Manifesto Mediamático por uma [Proto-arte] Vebvirtual
Artur Matuck
368 Arte e Tecnologia: uma História Porvir Paula Perissinotto

376 Websites & Catálogos: 2000-2009

410 Glossário de Termos

416 ÍNDICE ONOMÁSTICO

PARTE 1
TEORIA
Pensar,
Produzir,
Preservar e
Potencializar
a estética
DIGITAL
CULTURA DA
IMANÊNCIA
Ricardo
Barreto e
Paula
Perissinotto
teoria

digital

cultura

rede

mundo

potencial
FILE TEORIA DIGITAL

Algo radical, para alguns ainda imperceptível, começa a surgir na cultura mun-
dial deixando atônitos até os mais sábios. Tratam-se de mudanças profundas
que vêm ocorrendo no seio das sociedades pós-modernas, ocasionando trans-
formações onde as consequências são imprevisíveis e incomensuráveis.
Vivessem no limiar de catástrofes cujas mudanças de paradigmas escapam
quanto a sua definição; instituições até então sólidas pelo peso da tradição his-
tórica poderão desaparecer pelo sopro das intempéries culturais. Em todas as
disciplinas, das matemáticas às artes, da biologia à economia, notam-se modi-
ficações de sentimento profundo quanto às convicções até então adquiridas,
ocasionando uma crise generalizada na cultura contemporânea. Permanece-se
ainda sob o prisma histórico da cultura da transcendência, porém seu predomí-
nio se mostra ameaçado. Das ideias platônicas, passando pela metafísica aris-
totélica, passando pelo leviatã hobbeseano, até os ideais teleológicos da mo-
dernidade, a cultura da transcendência havia imposto a univalência e a
supercodificação às suas instituições e aos fluxos culturais que nela emergiram,
produzindo assim o estriamento de todos os seus aspectos culturais. Comparti-
lhou com todas as formas de soberania constituindo e consolidando seu poder
através de suas instituições culturais: academias, museus, universidades. A cul-
tura da transcendência era uma cultura para "poucos" em detrimento dos "mui-
tos". Na sua versão moderna, entretanto, agora sob o interesse do capital, ela
inventou uma simulação cultural, um engodo perverso que se chamou cultura da
transcendência para as massas. Esta pseudocultura, através dos meios de co-
municação de massa, sustentava a maioria dos comportamentos e princípios da
cultura da transcendência dos "poucos", não havendo nenhuma modificação
quanto aos procedimentos supercodificantes impostos aos "muitos" agora ato-
mizados "culturalmente" e tragicamente desconectados entre si, ligados apenas
ao media analógico de informação unilateral, na produção homogenizante de
suas subjetividades. Tudo ocorria sustentado pelo desenvolvimento tecnológico
que parecia corroborar com a despotencialização dos "muitos", contudo a acele-
ração tecnológica levou a uma dobragem catastrófica inesperada que rompeu
com o sistema de linearidade na qual se fundamentava a cultura da transcen-
dência. Sistemas não-lineares começaram a emergir por todos os lados. Mate-
máticas fractais, sistemas de complexidade dinâmica, física do caos, micronar-
rativas e agonística das linguagens anunciavam o fim do mundo linear
provocando uma crise paradigmática no interior da cultura da transcendência.
Esta crise chamou-se pós-modernidade, provavelmente o último movimento da
cultura da transcendência. Apesar de sua polivalência, ela era impotente para
romper com as axiomáticas transcendentes limitando-se a degladiar com a mo-
CULTURA DA IMANÊNCIA

18
dernidade agonizante. Ela foi um grito de desespero, todavia um grito morto. A 19
multiplicação dos sistemas não-lineares havia provocado um outro fenômeno
paralelo à pós-modernização: um conjunto de procedimentos chamados de digi-
talização. Com ela a cultura da imanência pode proliferar no cenário mundial. Na
história da cultura ocidental, diversas foram as tentativas de suplantação da
cultura da transcendência em prol da cultura da imanência. Do Deus como mundo
dos estóicos e do espinosismo ao espírito dionisíaco dos nietzscheanos, a ten-
dência cultural da imanência havia ficado marginal e relegada às margens da
história, mas com o advento das redes virtuais a tendência à imanência pode
pela primeira vez constituir um mundo para a sua ação. As produções culturais
on-line são as primeiras feitas num mundo virtual independente e paralelo ao
mundo físico-cultural, fora de suas leis e fora de seus códigos, mas fora também
da cultura das artes transcendentes tal como a entendemos. As redes virtuais
constituem um plano de imanência. Elas são transcendentais. Tanto as produ-
ções digitais como a cultura digital fazem parte do plano de imanência cuja pro-
liferação as precipitam numa potencialização sem precedentes. Há um processo
constante de heterogenização que se dá principalmente por replicações livres e
por procedimentos de alteridade através de devires descodificados. Disto ad-
vém o principal acontecimento da cultura da imanência que é o anarqui-cultura-
lismo, ele é o jogo livre entre todas as performances que ocorrem no mundo da
imanência, libertando-se das instituições transcendentes baseadas na autori-
dade e na unicidade provocando por todos os lados um descontrole que não se
pode capturar. Deste modo, só podemos falar de "arte digital" no sentido meta-
fórico, pois no anarqui-culturalismo a "arte digital" significa todas as demais
disciplinas potencialmente intercruzadas num processo de transcodificação. O
anarqui-culturalismo ocorre quando a autoridade cultural não pode mais exer-
cer nenhum poder sobre as manifestações culturais ou sobre os seus produto-
res; quando os seus produtos não são mais comercializados; quando o valor do
produto cultural não repousa sobre a sacralização ou sobre a propriedade, mas
na sua capacidade de potencializar os agentes que com ele se conectam; quando
o produtor cultural liberta-se de seu ego, liberta-se de seu nome, liberta-se da
pretensão inócua de entrar para a história e, então, ao se desterritorializar pode
participar de um plano mais complexo, onde o sentido construído pelo autor é
substituído pelas estratégias de múltiplos sentidos em co-autoria com seus in-
teragentes; quando o produto cultural deixa de ser linear e analógico e passa a
ser um sistema ubíquo de complexidade interativa enfatizando seus aspectos
imersivos e bioculturais, tornando-se portanto, máquina de transformação cul-
tural; quando não há mais o mundo próprio das artes, das ciências ou de qualquer
FILE TEORIA DIGITAL

outra disciplina, mas o jogo livre entre seus códigos, o jogo livre das diagonais
que atravessam todos os planos, todas as disciplinas e que entrelaçam as mul-
tiplicidades heterogêneas num jogo livre das conexões. A cultura da imanência
procede por replicação. Este é um acontecimento que aproxima o mundo virtual
das redes ao mundo da vida, tanto um quanto o outro são digitais. Os clones; a
auto-poesis; os vírus, são comuns a ambos os mundos. A replicação é o seu
modo de produção e de invenção. A noção de que toda a vida evolui pela sobre-
vivência diferencial de entidades replicadoras passa a ser comum à cultura digi-
tal. Não são as espécies, os gêneros ou as disciplinas que importam, mas os
genes digitais pelas quais eles se replicam. Aqueles surgem dos códigos; a er-
rância e a recombinação, pelas mudanças topológicas possibilitando a emergên-
cia de novos devires bioculturais, produzindo o fluxo inconstante da bio-digital-
esfera. A vida na cultura não é mais uma metáfora, ela é no sentido literal. No
mundo da biocultura imanente digital a fixidez e a constante são apenas transi-
tórias. Não há constantes, mas variáveis de variáveis. Sua natureza tem o poder
de esticar, deletar, cortar, torcer, recortar, estraçalhar, explodir, multiplicar, con-
taminar. Os instrumentais digitais foram elaborados para potencializar as capa-
cidades transformadoras. A contemplação transcendente, seja do belo, seja do
sublime, cede lugar à interação imanente participativa e transformadora. Toda
produção cultural está ali para ser destruída, sua duração depende apenas de
sua replicação, pois ela poderá ser alterada, dilacerada e esquartejada e quando
isto acontece surgem novas produções digitais que por sua vez se conectam a
outras, mas quando falamos de produções digitais falamos de redes. Cada pro-
dução digital, pela suas interconecções imanentes, se envolve numa rede, então
pode-se considerar também que cada interagente possui uma rede de imanên-
cia. Redes digitais conectando-se com redes sinápticas. Imanência de ambas as
redes. A cultura da imanência ultrapassa a relação sujeito-objeto. A rede é
transcendental, porém sem sujeito. O objeto não é mais a coisa, mas apenas
fluxos, performances. Não se trata portanto de fruição de uma obra de arte por
parte do sujeito. O que é importante é que a performance esteja passando pelas
redes não-lineares e que vá das redes digitais às redes sinápticas e vice-versa.
Foi uma nova mentalidade não-linear que havia inspirado aos construtores e
engenheiros digitais a construírem a interface entre ambas as redes a qual cha-
maram de hipertexto digital. Ele passou a ser a condição sine qua non sem a qual
não haveria comunicabilidade não-linear. O hipertexto digital, no entanto, não é
uma estrutura, esta é uma visão linguística transcendente e linear sobre a seu
respeito. Ele é uma máquina, uma máquina digital de performance não-linear
baseada na interface do mouse. Ele não tem nada a ver com texto, mas sim com
CULTURA DA IMANÊNCIA

20

Cada produção digital, 21

pela suas interconecções

imanentes, se envolve
numa rede, então pode-se
considerar também que
cada interagente possui
uma rede de imanência.
FILE TEORIA DIGITAL

gatilhos e performances, assim há dois procedimentos evolutivos nas hipermá-

quinas: os gatilhos que são botões que desencadeiam as performances e garan-
tem a não-linearidade pela simultaneidade extensiva topológica. Os múltiplos
gatilhos constituem assim os campos de comutação, porém no seu desenrolar
tenderão a desaparecer, incorporando-se ao próprio desempenho das perfor-
mances. As performances são as ações produzidas pelos interagentes e pelas
programações, no caso desta última encontraremos atores e scripts, mas tam-
bém outros gatilhos que executam estas ações. Assim, todas as medias passam
a ser incorporadas às hipermáquinas digitais e também se tornam pela digitali-
dade outras máquinas não-lineares: máquinas imagéticas, máquinas textuais,
máquinas musicais, mas também máquinas simuladoras, máquinas inteligentes,
máquinas pensantes, máquinas emotivas, máquinas vivas. Com o crescimento
das redes e a multiplicação das hipermáquinas digitais conectadas entre si sur-
ge a megahipermáquina digital por onde circulam as performances; os teleco-
mandos, os valores, os conhecimentos, a educação, as aranhas. Este é o destino
das produções culturais compartilhadas, que produzem uma desterritorializa-
ção nas produções culturais, ampliando a criatividade coletiva e aumentando a
heterogenização cultural. Assim, tem-se uma megaprodução digital formada por
múltiplas produções micrológicas concebidas por diversos artistas, cientistas,
filósofos, ativistas culturais espalhados pelo mundo e que não se saberia onde
uma produção cultural começa e a outra acaba: 1) compartilhamento com produ-
cões culturais já publicadas; 2) compartilhamento dos envolvidos para concep-
ção de uma produção cultural inédita. Em ambos os casos criando uma rede de
crescimento indeterminado. Além destas hipermáquinas e megahipermáquinas,
há também as máquinas-arquivos que surgiram para preencher as necessidades
de acessibilidade aos conteúdos que se encontram nas redes digitais. Existem
centenas delas, mas apenas algumas são utilizadas pelos usuários digitais, con-
tudo as máquinas-arquivos não preenchem sua função principal, deixam de
cumprir aquilo a que se propõem: a acessibilidade sobre qualquer assunto, so-
bre qualquer matéria que se encontre conectada à rede. A inacessibilidade acon-
tece pela dificuldade de se encontrar algo num mundo cujo número de conteúdos
sobre vários assuntos é exponencial e astronômico, mas também pela forma de
classificação e de prioridades que as máquinas-arquivos produzem, ainda que,
para contornar estes limites, algumas funcionem com uma performance boolea-
na, apesar da maior abrangência continuam sendo insuficientes. Assim, um vo-
lume enorme de materiais digitais está inacessível, apesar de estar conectado.
Só a ponta do iceberg geralmente está disponível, a maior parte está na profun-
didade digital a qual poderíamos chamar de inconsciente digital. Por um lado, o
CULTURA DA IMANÊNCIA

22
inconsciente digital é importante, pois produz uma opacidade e um alisamento
digital na rede que impossibilita o controle pelos aparelhos de estado. As polí- 23

cias digitais só podem atingir a superfície da rede; por outro lado o inconsciente
das redes digitais passa a ser vital no relacionamento com os agentes da cultu-
ra digital, pois novos mecanismos podem ser estabelecidos para o afloramento
dos materiais inacessíveis, estabelecendo uma força transformativa de comba-
te, não nos esqueçamos que os cripto-anarquismos deram condições para que
as mensagens enviadas pela rede mantivessem sua privacidade.
Outra força que corrobora com isto é a força do gratuito, que vem deses-
tabilizando o capital digital com consequências imprevisíveis para o mercado
mundial. Para cada produto digital a ser comercializado, surge um fac-símile, às
vezes melhor, porém gratuito. Não se tratam aqui de produtos piratas, mas ao
contrário, de produtos elaborados por programadores ou agentes culturais que
não querem vender ou distribuir seus produtos com alguma forma de pagamen-
to, existem também programas que, além de nada custarem, têm seus arquivos
abertos possibilitando assim que todos possam contribuir para o seu desen-
volvimento, testemunhando a força da criatividade coletiva. Tudo isto revela a
natureza anarqui-cultural das redes digitais. Outras formas estão sendo adota-
das principalmente nas áreas da educação. Educação gratuita digital e mundial,
educação a distância que se funda no autodidatismo e na auto-iniciativa de
seus interagentes, desmobilizando ensinos acadêmicos baseados na discipli-
na e no controle e geralmente suportados pelo estado e pela igreja. Assim, o
anarqui-culturalismo pode vir a fazer frente, não só à sociedade de controle,
como também à sociedade do espetáculo. A cultura da imanência e da partici-
pação imersiva constituem a possibilidade de uma agonística com respeito aos
mass medias analógicos que bestializam milhares de pessoas na introjeção de
"memes" e de programas sígnicos com a finalidade perversa de comercialização
de seus produtos. Lembremos que as redes virtuais podem absorver tudo. Não
há um controle do que possa ocorrer, apesar das tentativas de controlá-la, mas
sempre haverão meios e estratégias de escapar deste controle imposto pela
cultura da transcendência, os hackers multiplicam-se à medida que são con-
trolados. A natureza das redes é de imanência anárquica. Ela não pertence a
nenhuma nação e a nenhum estado político. Ela é pura potencialidade. Os sis-
temas jurídicos não têm competência sobre ela, pois ela escapa do domínio dos
estados, contudo ela pode absorver modos que lhe são estranhos sem alterar
ou colocar em crise a sua natureza, podendo, desta forma ser tratada de manei-
ra analógica (linear), neste caso há um achatamento de seu potencial, pois os
tratamentos são lineares e sobrecodificados pelos seus autores ou produtores,
FILE TEORIA DIGITAL

o que ocorre: ou pelo desconhecimento das potencialidade das hipermáquinas,

ou por simples reprodução dos comportamentos analógicos com a intenção de
massificação. Em ambos os casos, todo o potencial que os instrumentos digitais
oferecem são desprezados por uma mentalidade extemporânea que não rompeu
com os processos lineares de pensar, permanecendo territorializados no mundo
da transcendência; por outro lado, o avanço tecno-digital e a cultura da ima-
nência trazem uma outra mentalidade. Ela só pode ocorrer se houver uma des-
construção nos procedimentos educacionais acadêmicos e uma desmemetização
dos comportamentos e pragmáticas impostos à subjetividade contemporânea. É
de importância vital que as pessoas saibam produzir as hipermáquinas, os hi-
pertextos – e não apenas manipulá-los. Só haverá uma nova mentalidade, além
da atual baseada na escrita, se houver um modo de pensar não-linear, e para
isto é necessário uma pragmática hipertextual. Os hipertextos deveriam estar
no currículo de todas as escolas primárias do mundo. Eles são a propedêutica
para a cultura digital, daí a importância de uma política de imanência cultural
que dê condições não apenas da inclusão digital àqueles que são desfavoreci-
dos, mas principalmente, da inclusão na cultura digital e isto só pode acontecer
pela pragmática das performances digitais que começam com o aprendizado
dos hipertextos, e também com a acessibilidade às produções culturais que
estão sendo desenvolvidas nas redes. Neste sentido, há vários eventos como
os festivais digitais, que conseguem reunir um grande número de produções
culturais envolvendo a multiplicidade de acontecimentos que atravessam as
redes, oferecendo ao público acesso às problemáticas atuais que produtores,
programadores e pesquisadores vêm desenvolvendo. Há outros, no entanto,
que vêm expondo as produções digitais como mera novidade e geralmente do
prisma da unicidade analógica da cultura da transcendência. Não nos iludamos
ao achar que o grande público esteja participando destas grandes mudanças
digitais, pois por um lado as condições econômicas impedem esta aproximação
e por outro existe a massificação imposta a ele principalmente pelos meios de
massa que obliteram a inclusão na cultura digital, apesar de muitas vezes esta-
rem conectados à rede, mas não na cultura digital, fixos em programas que são
produtos dos mass medias. Várias instituições culturais tradicionais tais como:
galerias, museus, etc, vêm tentando expôr obras virtuais e quando isto acontece
o fazem pelo ângulo transcendente da curadoria. Ora, estas instituições estão
sobre a cultura da transcendência que opera com uma axiomática cultural, ou
seja: com princípios e com conceitos, baseando-se na autoridade discursiva, nas
metanarrativas e nas metalinguagens. Tanto a crítica de arte como a curadoria
operam como aparelhos de captura cultural na medida em que seus discursos
CULTURA DA IMANÊNCIA

são sempre metalinguisticos, discursos transcendentes que subsumem aos con- 24

ceitos, as obras de arte no intuito de submetê-las, semiotizá-las ao julgo da 25
autoridade, ao julgo dos axiomas, estando assim as obras e os artistas sempre
em segundo plano e o público submetido à contemplação passiva mediante de
tal espetáculo cultural. A cultura da imanência opera de outro modo, ela é a cul-
tura do virtual (potência), das redes digitais na agonística das micronarrativas;
ela não opera por aparelhos, pois são máquinas culturais de guerra de trans-
formação permanente de todos os códigos. Ao invés de curadorias e curadores
a cultura da imanência opera com organizadores estratégicos que trabalham
não com uma axiomática, mas com uma rede de performances, uma rede de
problemáticas que incrementam a potencialização dos interagentes e do gran-
de público; ao invés de exposições contemplativas, propõe-se um ecossistema
digital constituído de estratégias para contextualizar o público nas problemáti-
cas técnico-biodigitais. Uma rede de performance que entrelaça a apresentação
dos trabalhos dos produtores culturais, da manipulação interativa e inteligente
pelo público, da conversação do público com os produtores, da apresentação
de trabalhos teóricos pelos produtores... Haveria assim um ambiente ecocul-
tural de imersão interativa, oferecendo as condições para espectadores passi-
vos poderem se transformar em interagentes ativos e assim produzirem a suas
próprias conexões culturais. Os "muitos" atomizados tornando-se conectados
culturamente entre si, formando uma nanotecnologia sociocultural.

Sobre os Autores
Paula Perissinotto é artista e produtora cultural. Mestre em Poéticas Visuais pela ECA USP (2001).
atua principalmente nos seguintes temas: cultura digital, interatividade, arte eletrônica e novas
mídias. Co-Fundadora e co-organizadora do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.
Ricardo Barreto é artista e filósofo. Atuante no universo cultural trabalha com performances,
instalações e vídeos e se dedica ao mundo digital desde a década de 1990. Co-fundador e co-
organizador do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2002.

O Sujeito-
-projeto:
Metaformance
e Endoestética
Claudia
Giannetti
teoria

digital

processo

performance

humano

sujeito
FILE TEORIA DIGITAL

I. O corpo como máquina

Os remanescentes do pensamento humanista que sobrevivem em nossa socie-

dade corroboram para a manutenção de uma atitude nostálgica diante do que
se costuma chamar de intromissão do mundo técnico na esfera do humano. A
própria ideia de "intromissão", de invasão de um território que se pretende –
ou se insiste em – conceber como delimitado e próprio, já delata a recusa a
priori de uma inter-relação mais profunda entre pessoas e tecnologias. Essa
tendência é até certo ponto inteligível, na medida em que ainda – apesar das
próteses e das extensões – se mantém uma visão integral e individualista do
corpo humano como entidade, como território, cujas fronteiras são definidas
por nossa própria pele.
A atual obsessão pelo tema do corpo – que bem examinada não é tão original
nem tão interessante – está na verdade intimamente relacionada à era pós-
-industrial e digital em que vivemos. Sem a história do corpo – afirmou Dietmar
Kamper –, atualmente já não se pode discorrer com acerto sobre o futuro do es-
pírito. Pelo menos nisso parece haver um consenso. O conflito surge no momento
de adotar uma posição diante da relação entre corpo e técnica.
Uma corrente de pensamento propõe uma separação entre ambos, entre es-
pírito e medialidade, o que divide o ser humano em tese (consciência, raciona-
lidade, etc.) e pró-tese (tecnologia, meios de comunicação, etc.). Diante dessa
"divisão essencial do corpo" (Manfred Faßler) se propõe a ideia do "corpo em
processo de formação", uma teoria que já está presente nas formulações da Ci-
bernética de Norbert Wiener, assim como na teoria de Jean Piaget. Dessa pers-
pectiva, os processos humanos (físicos e mentais) não podem ser contempla-
dos sem o entorno técnico, que determina cada vez mais intensamente o modo
de vida do indivíduo e da sociedade contemporâneos. A própria evidência das
mudanças causadas pelas novas tecnologias, como os processos de aceleração
(cronocracia), simulação ou comunicação a longa distância em tempo real, entre
outros, nos obriga a superar a concepção clássica das "polaridades", as "dicoto-
mias" ou os "dualismos", seja em relação ao vínculo ser humano-máquina, seja
na relação natureza-tecnologia. Essa renúncia é o único caminho para uma si-
nergia positiva entre o humano e o tecnológico.
Um dos antecedentes dessa concepção remonta ao século XVIII. Em seu en-
saio L’Homme-Machine [O Homem-máquina], o médico francês Julien Offray La
Mettrie desenvolveu, em 1784, o conceito mecanicista do ser humano, não só de
seu corpo, mas também de sua alma. A partir de seus estudos de ciência natural
e anatomia, La Mettrie defendeu a tese, especialmente ousada para uma época
dominada pelo pensamento cristão, de que o corpo humano é uma máquina que
funciona mediante uma mecânica metabólica. A ideia do ser humano transfor-
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

mado em artefato mecânico subverte a autonomia do espírito e da consciência, 28

e põe em dúvida, por conseguinte, a própria existência divina. Essa redução ma- 29
terialista da alma humana lhe permite comparar explicitamente a máquina do
corpo com a máquina do tempo (a mecânica do relógio), com a diferença de que
esta possui seus mecanismos de acionamento no exterior, e aquela no interior.
É a própria máquina que programa a vida do corpo: "Cada indivíduo desempenha
um papel na vida que é determinado pelos mecanismos propulsores da máquina
(com capacidade de raciocínio), que não foi construída pelo próprio indivíduo",
afirmou La Mettrie. Os seres humanos deixam de ser personagens em um teatro
divino para ser sistemas mecânicos autodeterminados.
A oposição ao monopólio divino sobre a criação se manifesta igualmente em
outro âmbito de investigação: a ideia de assumir a própria posição de criador de
processos vitais. Embora seja costumeiro identificar o florescimento do interes-
se pelos autômatos na literatura, no teatro ou na mecânica com o romantismo –
e realmente durante essa época os exemplos se multiplicam vertiginosamente,
desde as criaturas mecânicas de Jean Paul ou de E. T. A. Hoffmann até os seres
"montados" como o Golem –, alguns casos concretos demonstram que o espírito
da simulação humana vem de longe. O mais famoso relógio da Idade Média já
desenvolvia a ideia do autômato. Na catedral de Estrasburgo foi instalado em
1352 um relógio polifacetado que dispunha de um astrolábio e de um calendário
que mudavam continuamente; além disso, possuía as figuras mecânicas móveis
dos três Reis Magos, que passavam diante de Maria com Jesus menino. Deus "em
pessoa" descia das nuvens acompanhado de música de órgão e toque de sinos.
E, como se não bastasse, um galo autômato batia as asas e cantava para evocar
a traição cometida contra Jesus.
Quatro séculos depois, em 1769, o barão Wolfgang von Kempelen apresentou
à corte da rainha Maria Teresa em Viena um acontecimento impressionante para
a época: um andróide em tamanho real, que além de se mover podia jogar xadrez.
A figura mecânica feminina, vestindo um exótico traje turco, era capaz de mover-
se e também de mover sistematicamente as peças do xadrez. Pela primeira vez
o público, em uma mistura de espanto, incredulidade e fascínio, pôde admirar
a "habilidade" e "inteligência" de um autômato. A "turca" significou um passo
fundamental na direção do que continua sendo uma obsessão dos pesquisado-
res: simular a capacidade de escolha do ser humano, simular sua capacidade de
raciocínio, reproduzir as atividades do cérebro humano: em suma, produzir a
inteligência artificial.
O salto do século XVIII para o século XX significa uma mudança profunda
quanto aos meios e tecnologias disponíveis. No entanto, permanece constante
FILE TEORIA DIGITAL

a ideia fixa de criar autômatos inteligentes. Sobretudo, persiste a ideia de uma

máquina que demonstre sua "inteligência" jogando xadrez. No início do século
XX, Leonardo Torres y Quevedo, membro da Academia Real de Ciências de Madri,
dedicou-se a construir aparelhos capazes de executar cálculos e, especialmen-
te, autômatos eletromecânicos capazes de jogar xadrez, dos quais criou duas
versões para a partida final contra o rei. O desenvolvimento do primeiro com-
putador digital que possui um controle de programas, pelo alemão Konrad Zuse,
em 1941, abriu caminho para uma nova geração de sistemas de informática que,
entre outras coisas, podem vencer um jogador de xadrez profissional, já que não
se limitam à reprodução mecânica do programado, mas são capazes de aprender
com a "experiência".
Não só a tecnociência ocupou-se do desenvolvimento de autômatos. No cam-
po da arte, um dos exemplos mais conhecidos é a criação do primeiro performer
andróide da história, o Robô K456, construído por Nam June Paik em 1964. O
robô podia simular funções humanas simples, como movimentar braços e per-
nas, caminhar, emitir sons ou expelir feijões. Controlado por um radar de 30
canais, esse robô participou ativamente de várias ações e concertos de Paik. Seu
aspecto antitecnológico (é construído com peças usadas, madeira, ferros e di-
versos materiais de sucata) é coerente com a estética das obras de Paik desen-
volvidas nessa época (como as Electronic Television), influenciadas pelo neoda-
daísmo e por Fluxus. Paik lhe dedicou em 1964 uma Robot Opera, que apresentou
no 2º Festival de Vanguarda de Nova York; dela participou Charlotte Moorman,
organizadora do festival. Enquanto Moorman cavalgava pelo cenário nas costas
de Paik, o robô caminhava diante deles e determinava seus deslocamentos pelo
cenário. Em outras ocasiões, K456 foi utilizado em ações de rua, nas quais se
misturava com os pedestres. Em 1982, por ocasião da retrospectiva de Paik no
Museu Whitney de Arte Americana em Nova York, em seu trajeto pela Quinta Ave-
nida até a exposição, K456, ao atravessar a rua, foi (premeditadamente) atrope-
lado por um carro. Essa foi a última ação "experimentada" pelo robô.

II. Wetware e as estratégias de controle

O campo da inteligência artificial recebeu seu nome do pioneiro John McCarthy,

organizador da famosa conferência de Dartmouth, em 1965, considerada o nas-
cimento dessa disciplina junto com as precoces contribuições de Alan Turing à
filosofia da IA. Por meio do gerador de números aleatórios do computador Mark
I (1948), cuja série foi a primeira a ser comercializada, Turing transformou essa
máquina no primeiro não-humano a escrever poemas.
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

Pela primeira vez o 30

31

público, em uma mistura

de espanto, incredulidade
e fascínio, pôde admirar a
“habilidade” e “inteligência”
de um autômato.
FILE TEORIA DIGITAL

Na década de 1960, grupos de pesquisadores do MIT – Instituto de Tecnologia de

Massachusetts – e da Universidade Stanford começaram a acoplar câmeras de
televisão e braços robóticos aos computadores, para que pudessem obter suas
informações diretamente do mundo real à sua volta. O especialista em robótica
Hans Moravec calculou na época que até 2010 seria construída a primeira ge-
ração de robôs universais, que além de poder mover-se no entorno poderiam
manipular diversos objetos e resolver problemas de maneira "inteligente".
A consideração básica da IA e da robótica parte da ideia da simulação: se
todos os cérebros são computadores e efetuam computação, é preciso descobrir
como funciona realmente o cérebro humano para o simular com uma máquina
digital. Esses aparelhos são tentativas de simulacros físicos e cognitivos que
hoje estão a serviço dos seres humanos. No entanto, "desses sistemas humano--
-máquina surgirão uma inteligência e uma capacidade superiores às da mente
humana", afirmam Edward Feigenbaum e Douglas Lenat. Não se deve esquecer
que entre os nove objetivos finais que os pesquisadores estipularam para a IA
inclui-se a "inteligência sobre-humana".
Do campo da tecnociência dá-se um passo adiante. Tecnociências como a
biotecnologia, a nanotecnologia, a engenharia genética, a vida artificial, entre
outras, partem da hipótese de que os seres humanos e o mundo natural são ra-
dicalmente transformáveis e manipuláveis. Da mesma maneira que se considera
o cérebro um computador, hoje se entende o ser vivo – micro ou macroscópico
– como máquina ou instrumento, tanto para captar, transformar e produzir ener-
gia ou outros seres complexos quanto para transmitir informação. Com isso se
pretende superar definitivamente o conceito antropocêntrico tradicional basea-
do na crença de que a técnica (ou a biotécnica) deve ser desenvolvida unicamen-
te como prolongamento externo dos órgãos humanos ou com o fim de ampliar
suas capacidades físicas (próteses, ferramentas, etc.). A criação de novas inter-
faces diretas entre ser humano e máquina permitirá uma síntese entre ambos
os sistemas. Pesquisas moleculares recentemente desenvolvidas no campo dos
computadores químicos ou biológicos utilizam as propriedades lógicas das ma-
cromoléculas, sintetizadas por meio da engenharia genética assistida por com-
putador, para decodificar os genes, criar sondas genéticas de informação, mani-
pular o DNA, etc. Conseguir reproduzir artificialmente seres vivos mediante, por
exemplo, a criação de cartões de identidade genética ou algoritmos genéticos é
um dos objetivos e, sem dúvida, o grande desafio da tecnociência.
Da relação externa ser humano-máquina, passa-se a uma simbiose mais pro-
funda entre o natural e o artificial. As pesquisas de telepresença propõem criar
"um laço de união tão íntimo entre o ser humano e a máquina, que o técnico
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

nem sequer perceba que o robô existe" (F. Harrois-Monin, em “L’Homme dans la 1. Stelarc.
peau du robot”). A interface direta e o enfoque invasor abrem horizontes que se Von Psycho- zu 32
Cyberstrategien: 33
aproximam da fronteira entre o imaginável e o possível. Prothetik, Robotik
Declarações um tanto apologéticas de que o corpo se tornou obsoleto trans- und Tele-Existenz,
formaram-se em frases cotidianas, que passam a ser aceitas e assimiladas sem in Kunstforum
International,
grande reflexão sobre o alcance de tal afirmação. Artistas como Orlan ou Stelarc Tomo. 132 Nov./Jan.
demonstram, através de suas ações, a dessacralização do corpo e sua transfor- 1996, p.74.
mação em objeto de intervenção. Segundo palavras de Stelarc, "a pele foi, como
superfície, o início do mundo e simultaneamente o limite do indivíduo. Expandi-
da e penetrada por máquinas, a pele não é mais a superfície plana ou uma parede
intermediária, já não denota encerramento. Atualmente o que tem sentido já não
é a liberdade de ideias, mas a liberdade de formas: a liberdade de modificar e
mudar o corpo. As pessoas montadas por fragmentos – comenta Stelarc – são
experiências pós-evolutivas".1
As atitudes adotadas por Stelarc e outros artistas ou teóricos sobre a im-
plantação ou o transplante da técnica para o interior do corpo, assim como so-
bre a possibilidade de manipular o processo vital, não são somente fruto de
uma visão eufórica, ou meros reflexos dos mundos da ficção-científica. Antes de
mais nada, essas atitudes apontam para a necessidade de refletir sobre as mu-
danças produzidas por determinados usos das tecnologias e suas consequentes
ideologias, como a necessidade de controle e domínio, a colonização do corpo
(que é a terceira etapa, depois da colonização do espaço e o domínio da relação
espaço-temporal).
É claro que os sistemas de inteligência e vida artificiais, assim como as co-
nexões em rede, podem nos permitir desfrutar de meios extraordinários de ma-
nipulação, transformação, conhecimento e ação. O otimismo de muitos pesqui-
sadores, no entanto, parece ofuscar a visão para a questão essencial: o aumento
do potencial humano através das máquinas conduz diretamente a um aumento
da dependência humana das máquinas, um aumento do poder e do controle que
poderão ter essas máquinas ou quem as dominar. É claro que só uma minoria
terá acesso a esses tipos de tecnologias – da mesma maneira que hoje só uma
minoria tem acesso ao telefone –, consequentemente, de que futuro para a hu-
manidade estaremos falando?
O famoso efeito da globalização econômica já demonstra ostensivamente
os objetivos do domínio absoluto do mercado mundial por supercorporações,
em detrimento das economias locais, ignoradas e exploradas como mera fonte
de matérias-primas e mão-de-obra barata. A convergência da ciência, da políti-
ca, da economia e da tecnologia que experimentamos atualmente pode gerar a
FILE TEORIA DIGITAL

próxima etapa da humanidade escravizada por entidades ou corporações supra--

-individuais. O neocolonialismo pós-industrial, com seus mecanismos de exclu-
são competitiva e de concentração de poder, poderia chegar a ser também um
neocolonialismo pós-humano, mediante uma espécie de domesticação invasiva
dos corpos como nova forma de exercer o controle absoluto e a soberania so-
bre as sociedades dominadas e as populações marginalizadas. Já são realidade
as práticas discriminatórias, cada vez mais disseminadas, que se baseiam na
informação extraída da análise do DNA das pessoas para negar, por exemplo,
no caso de empresas de seguros, o acesso a planos de saúde, ou em multinacio-
nais a um posto de trabalho. Disso a uma possível utilização de dados genéticos
para justificar outras práticas discriminatórias mais radicais, como o racismo,
é apenas um passo.
Da teocracia passou-se à biocracia; o século XXI marca a transição desta
para a tecnocracia e suas bifurcações (embora inter-relacionadas): cronocra-
cia, telecracia e biotecnocracia. Do conceito de energia da mecânica de Newton
passou-se ao conceito de informação (cibernética), para chegar ao atual concei-
to de código. Essas transformações radicais e complexas exigem uma revisão
da maneira de enfocar e teorizar sobre suas consequências. As metadisciplinas
que ligam filosofia, sociologia, ciências cognitivas, biologia ou neurociência,
entre outras, cria uma nova plataforma de pesquisa que questiona os concei-
tos básicos até agora vinculados às chamadas ciências humanas. Muitos dos
problemas e questões dos quais a filosofia ocidental se ocupou durante longo
tempo, centrados em conceitos como verdade, racionalidade, realidade ou su-
jeito, veem-se radicalmente afetados pela mudança de paradigmas que experi-
mentamos neste novo milênio. As categorias antropológicas e transcendentais
já não são pertinentes.
Se nos concentrarmos no tema da relação corpo-sujeito-mundo, constata-
mos uma inversão fundamental na maneira de abordar a questão. A pergunta
epistemológica tradicional sobre os objetos e conteúdos da percepção e da
consciência é substituída pela questão de como se produz o processo de conhe-
cimento, quais são seus efeitos e resultados (Siegfried Schmidt). Isso significa
entender a relação sujeito-corpo e sujeito-meio de um ponto de vista neurofi-
siológico. Essa nova perspectiva da teoria cognitiva questiona a crença postula-
da pela filosofia de que o sujeito, ou seu sistema de percepção, está em contato
direto com o mundo. O enfoque construtivista formula a tese contraposta de
que o organismo real possui um cérebro que gera o mundo cognitivo, que gera
uma realidade formada pelo mundo, o corpo e o sujeito, de tal maneira que esse
sujeito assume esse mundo e esse corpo, como afirma o biólogo Gerhard Roth.
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

"Esse sujeito cognitivo não é evidentemente o criador do mundo cognitivo, já 2. Schmidt, Siegfried
que o criador é o cérebro real. O sujeito é sobretudo uma espécie de 'objeto' da (ed.). Der Diskurs 34
des Radikalen
percepção, que experimenta e vive a percepção. O cérebro real não está pre- Konstruktivismus. 35
sente no mundo cognitivo, da mesma maneira que não está a própria realidade Frankfurt a.M.,
nem o organismo real." 2 Isso significa que não se pode falar em uma realidade Surhkamp, 1987, p.16.

extracorporal nem em uma percepção extracerebral. O "espírito" fica reduzido ao 3. Flusser, Vilém.
funcionamento do wetware (o aparelho biológico), ao funcionamento das cerca Vom Subjekt
de mil bilhões de conexões interneuronais existentes no cérebro. zum Projekt.
Menschwerdung.
Düsseldorf, Bollmann
Verlag, 1994, pp.
III. Sujeito-projeto 101-103.

4. Ibidem.
A ideia a que me referi no início deste texto sobre o "corpo em processo de for-
mação", assim como a citada proposta de uma transformação tecno-estética do
ser humano sugerida pelo artista Stelarc, encontram na teoria do filósofo Vilém
Flusser seu curso mais interessante. Segundo a tese de Flusser, o processo
de construção progressiva do corpo por meio das novas próteses tecnológicas
produz um distanciamento indisfarçável da concepção do corpo dado: "O corpo
dado é resultado de um jogo de dados cego que durou milhões de anos, e, exa-
minado de perto, esse resultado não vem a ser convincente. Talvez existam mé-
todos melhores de formação do corpo que o cego acaso? (...) Essa questão é o
tema principal da atual revolução cultural".3 Um dos aspectos mais inovadores
da teoria de Flusser é a conexão que estabelece entre essa ideia de construção
do corpo e a noção de processo estético. O propósito do engendramento do cor-
po seria oferecer ao sistema nervoso um envoltório estruturalmente simples,
mas funcional. "Para isso, os critérios estéticos devem ser mais importantes
que os metabólicos, já que em um desenho do corpo desse tipo a forma não
deve seguir a função."4
Ora, esse tipo de corpo alternativo, desenhado esteticamente, deve ser con-
figurado com tal complexidade que lhe permita expor-se à entropia, isto é, ao
processo de morte. Provavelmente o problema da imortalidade se transferiu do
âmbito do mítico para o do técnico. No entanto, a questão fundamental não con-
cerne o corpo imortal, mas o inesquecível. Por conseguinte, a pergunta sobre a
mortalidade ou imortalidade deve ser colocada, segundo Flusser, no contexto da
memória, e isto vai muito além do corpo, irrompendo no âmbito da criação. Em
resumo, Flusser defende a transformação do sujeito em projeto; em um projeto
de fundamentos estéticos, mais que puramente práticos. O primordial não se
encontra, portanto, no corpo como tal (na matéria), mas no processo de criação:
no sujeito-projeto.
FILE TEORIA DIGITAL

A orientação físico-corporal
das performances e ações
das décadas de 60 e 70
salientava frequentemente
a função do corpo como
elemento de coesão em uma
cadeia de relações: arte
e vida, vida e sociedade,
sociedade e meio.
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

IV. Metaformance

Em 1994, quando propus agrupar as diversas manifestações performáticas que 5. Giannetti, Claudia.
utilizam as novas tecnologias audiovisuais e sistemas interativos ou telemá- Estética Digital –
36
Sintopia da arte, a
ticos sob o termo de Metaformance, indiquei a tendência geral da media art a ciência e a tecnologia. 37
potencializar o desenvolvimento da interface entre a obra e o espectador/usu- Belo Horizonte, C/
ário. Por um lado, o processo de interação entre máquina e performer, ou da Arte, 2006.

aplicação das novas tecnologias, passa a ser um elemento inerente à obra. Por
outro, o próprio emprego da técnica permite ao artista/performer prescindir de
sua presença física no espaço da ação, muitas vezes substituída pela da imagem
eletrônica. Mas também possibilita convidar o espectador a assumir seu lugar
na consumação da (inter)ação. O resultado é uma espécie de hibridação entre
a instalação ou environment plurimídia e a performance, baseada no princípio
reativo: a existência da obra depende do cumprimento da ação, e ambas estão
subordinadas à atuação do observador. O espectador como observador externo
é assim não só transformado em performer como também em participante inter-
no, mediante sua inserção no contexto potencial da obra.
Essa tendência não só se confirma, como ganha progressivamente peso e
significado. A Metaformance não aponta exclusivamente, portanto, para a versão
expandida da performance (expanded performance). Sua principal característica
é sua capacidade de gerar um novo tipo de evento, no qual os conceitos da obra,
performer, público, meio e procedimento estão em maior ou menor medida cir-
cunscritos à relação entre ser humano e máquina (digital, telemática, etc.). Por
conseguinte, o dispositivo da interface torna-se cada vez mais preponderante.5
A orientação físico-corporal das performances e ações das décadas de 60
e 70 salientava frequentemente a função do corpo como elemento de coesão
em uma cadeia de relações: arte e vida, vida e sociedade, sociedade e meio. Os
artistas investigavam sobretudo as possibilidades do corpo como recipiente da
identidade ou individualidade, como via de representação do discurso, como
matéria ou objeto, como mediador no cruzamento de disciplinas, como desti-
natário e testemunha das estratégias do sistema; em suma, como elemento de
identificação do sujeito em e com seu contexto.
A Metaformance não reduz a importância da referência ao corpo, da mesma
maneira que não suspende a investigação sobre a relação entre arte e vida. No
entanto, muda profundamente não só a maneira de abordar ambas as questões,
como sobretudo os próprios conteúdos das colocações artísticas. Em estreita
sintonia com as transformações ocorridas nos mais diversos âmbitos, resultan-
tes da revolução digital e biotecnológica, o artista assume a difícil tarefa de ge-
rar as novas ferramentas conceituais a partir das novas ferramentas materiais.
 FILE TEORIA DIGITAL

6. Ibidem, pp.175-195. Diante de certos discursos escatológicos e especulativos sobre a chamada "des-
materialização" do corpo, defendo a tese de que não se trata de um "desapare-
cimento" do corpo/sujeito, tragado pelos meios eletrônicos e telemáticos, mas
sobretudo do eclipse de determinados conceitos históricos de realidade, verdade
e sujeito (corpo), responsáveis pela visão idealista que ainda se volta, embora de
longe, para o horizonte cartesiano. Do ponto de vista da arte, a reestruturação e a
recolocação dessas três concepções básicas – sujeito (corpo), realidade e verda-
de – são as premissas para uma abordagem da teoria da Endoestética.

IV. Endoestética

As noções de sistema e interatividade requerem que se entenda a estética

hoje como uma categoria processual imersa no sistema social e no contexto
da comunicação; em outras palavras, como processo comunicativo, contextual
e relativista, que incide em um questionamento radical de nossa compreensão
da realidade, da objetividade (verdade) e do observador (sujeito). Essas três
concepções básicas são revisadas, desmitificadas e desconstruídas pela media
art e pelas noções que se desenvolvem paralelamente ao uso de determinadas
tecnologias, processo manifesto na emergência de novos paradigmas: ubiqui-
dade, temporalidade, virtualidade, artificialidade, desmaterialização, simula-
ção, hipertextualidade, interface, etc. Uma considerável ampliação de nossos
parâmetros conceituais, como pressupõe a media art, implica em mudanças
substanciais sobre a forma de percepção originada por esse tipo de obras, e dá
lugar a um debilitamento e dissidência radicais das ideias estéticas modernas.
Com base nas pautas de reflexão para a estética da auto-referencialidade, da
virtualidade, da interatividade (da relatividade do observador em relação ao
sistema e a proeminência do interator no contexto do mesmo) e da interface
(o sistema mediador entre o mundo artificial e o sujeito), sugiro a Endoestética
como modelo teórico pertinente para abranger essas diversas manifestações
dos modelos interativos e artificiais.6
Dado que a media art resulta em uma relação de interdependência e comple-
mentaridade entre criador, obra/sistema, espectador/participante e contexto,
ocorre a expansão dos conceitos de autor e observador para os de meta-autor
e interator. Nesse processo, a interface humano-máquina funciona como ele-
mento que permite manter a flexibilidade e equanimidade entre ação-reação,
traduzir os dados e otimizar a distância e o tempo de comunicação entre sis-
tema e interator. Isso demonstra a peculiar potencialidade da media art para
O SUJEITO-PROJETO: METAFORMANCE E ENDOESTÉTICA

superar as fronteiras do meramente instrumental e transformar-se em recurso

do imaginário para a geração de ambientes (virtuais) experimentáveis de forma 38
cognitiva e sensorial. A teoria da Endoestética permite, assim, abarcar todas
39
essas novas práticas sistêmicas baseadas no uso de tecnologias interativas e
telemáticas em consonância com seus métodos.

Sobre a Autora
Claudia Giannetti é pesquisadora de arte e mídia contemporânea, atua como curadora de exposições,
teórica e escritora.

Informações Adicionais
Parte deste texto foi publicada em: “Metaformance – El sujeto-proyecto”, in: Luces, cámara, acción
(...) ¡Corten! Videoacción: el cuerpo y sus fronteras. Valencia, IVAM Centre Julio Gonzalez, 1997. Sua
revisão e ampliação foram feitas especialmente para esta edição.

Texto publicado pelo File em 2006.

A Aura do
Digital
Michael
Betancourt
teoria

digital

acesso

reprodução

físico

objeto
FILE TEORIA DIGITAL

Prefácio

Ao dividir a interpretação de uma obra de arte em vários "níveis" diferentes,

torna-se possível reconhecer uma distinção fundamental entre obras de arte
digitais e não-digitais, assim como perceber que a ideologia subjacente se ba-
seia na ilusão de recursos infinitos. Como tal, ela replica a ideologia subjacente
ao próprio capitalismo – a de que existe uma quantidade infinita de riqueza que
pode ser extraída de um recurso finito. Essa ilusão emerge em fantasias de que
a tecnologia digital põe fim à escassez ao aspirar à condição de informação. O
digital apresenta a ilusão de um campo autoprodutivo, infinito, capaz de criar
valor sem gastos, diferentemente da realidade de recursos, tempo, gastos etc.
limitados que governa todas as formas de valor e produção.
As formas digitais também demonstram o que se poderia chamar de "aura da
informação" – a separação entre o significado presente em uma obra e a repre-
sentação física dessa obra. Como as obras digitais com a "aura da informação"
implicam uma transformação de objetos em informação, entender a estrutura
específica da arte digital torna muito mais explícita a forma da "aura digital".
Esse esclarecimento permite considerar as diferenças entre a escassez de pro-
dução material no mundo físico real contra a escassez de capital na reprodução
digital: a necessidade de controle da propriedade intelectual na virtualidade da
reprodução digital. Como o capital é um recurso finito sujeito a escassez, mas
também preso ao paradoxo capitalista da escalada de valor – nas formas duplas
de juro e lucro sobre os gastos de capital –, existe a constante exigência de se
criar mais valor de mercadoria para extrair mais riqueza da sociedade e manter
o equilíbrio do sistema.
Para compreender essa "aura da informação" – é necessário um reconheci-
mento da natureza do objeto digital: ele é composto ao mesmo tempo da mídia
física, que transmite, armazena e apresenta a obra digital ao público, e a obra
digital em si. que na verdade é composta por uma obra gerada por uma máquina
e legível por humanos, criada pelo computador a partir de um arquivo digital
(que é armazenado em algum tipo de mídia física). Esse "objeto digital" é a forma
real da obra digital – uma série de sinais binários gravados por uma máquina e
que exigem uma máquina para que esse "código" invisível seja legível por seres
humanos. O "objeto digital" transforma-se nas imagens, filmes, textos, sons, etc.
em forma legíveis por seres humanos somente através das ações convencionais
de uma máquina que interpreta os sinais binários do objeto digital e segun-
do o paradigma interpretativo inserido naquela máquina, que transforma esse
código binário em formas legíveis por humanos e superficialmente diferentes.
Todos os objetos digitais têm essa forma subjacente singular – o código binário
–, fato que torna o objeto digital fundamentalmente diferente de qualquer tipo
A AURA DO DIGITAL

de objeto físico exatamente porque lhe falta a característica singular de forma 1. Abbing, Hans. Why
que define as diferenças entre pinturas, desenhos, livros, sons ou qualquer ou- are Artists Poor?
The Exceptional 42
tro objeto ou fenômeno físico. Diferentemente dos objetos físicos, os digitais Economy of the
são todos basicamente iguais, qualquer que seja sua forma aparente depois de Arts, (Amsterdam; 43
interpretados por uma máquina. Amsterdam
University Press,
2004) p. 307.

I. Fisicalidade e conhecimento

O ensaio de Walter Benjamin A Obra de Arte na Era de Sua Reprodutibilidade

Técnica inicia a discussão crítica da ideia de que as obras de arte têm uma
"aura", e propõe que essa "aura" é destruída pelo processo de reprodução me-
cânica. Sua noção de "aura" se expande rapidamente para incluir não somente a
arte – qualquer coisa que seja reprodutível é englobada nesse conceito. Embora
esta descrição do artigo de Benjamin seja altamente redutora, ela capta sua
tese essencial que sugere inerentemente uma perda histórica provocada pela
mudança tecnológica. Seguindo o argumento de Benjamin, é lógico supor que
a arte ficaria sem "aura" quando a reprodução mecânica der lugar à reprodução
digital. Como notou o economista Hans Abbing:
"Walter Benjamin previu que a reprodução técnica da arte levaria à ruptura
do encantamento da arte (Entzauberung). A arte torna-se menos obscura, mais
acessível e portanto menos mágica por causa da reprodução técnica. (...) A previ-
são de Benjamin não é difícil de entender. A (re)produção técnica permite a pro-
dução maciça de obras de arte por baixos preços. Seria de fato muito estranho
se isso não reduzisse o apelo exclusivo e glamouroso dos produtos de arte. (... )
Mas até agora isso não aconteceu; [o compositor] Bach e sua obra mantêm sua
aura. Em geral, se observarmos o status e a adoração elevados, senão aumenta-
dos, da arte desde a primeira publicação do ensaio de Benjamin, essa previsão
ou estava errada ou ainda vai demorar para se realizar."1
As observações de Abbing sobre a tese de Benjamin de que a reprodução
tecnológica e a disponibilidade maciça resultam em uma diminuição da "aura"
sugerem que em vez de diminuir a "aura" da arte a reprodução ajuda a ampliar a
aura das obras reproduzidas, em vez de destruí-la. Essa interpretação invertida
da "aura" produzida pela obra de arte de fácil acesso e disponibilidade muda
a ênfase do artigo de Benjamin do tradicional valor de "culto" dos objetos de
arte para o que ele denomina seu valor "de troca" comercial. Essa ênfase para o
que Benjamin supõe que seja o papel tradicional das obras de arte em práticas
religiosas, aparece em seu conceito de “aura” como a fisicalidade do objeto, o
que ele chama de "autenticidade".
 FILE TEORIA DIGITAL

2. Benjamin, Walter. A autenticidade de uma coisa é a essência de tudo o que é transmissível desde
“The Work of Art in seu início, de sua duração substancial até seu testemunho da história que ex-
the Age of Mechanical
Reproduction,” in perimentou.2
Illuminations, trans. Como implica a proposição de Abbing, a ideia de "autenticidade" de Benjamin
Harry Zohn, (New só se torna um valor significativo quando há reproduções de uma obra de arte,
York: Schocken Books,
1969), p. 221. semelhantes na aparência, mas não idênticas à sua fonte. Portanto, quanto
mais divulgada uma obra de arte através da reprodução, pode-se supor que sua
"aura" logicamente também aumentaria. O que Abbing sugere é que a "aura" não
é o que Benjamin propôs, e sim uma função do próprio processo reprodutivo.
Essa mudança de concepção da "aura" de Benjamin sugere que os objetos de
arte têm um caráter duplo. Sua "aura" é ao mesmo tempo os vestígios físicos da
história particular que o objeto experimentou e a relação desse objeto com a
tradição que o produziu. São dois valores distintos: um reside no objeto físico,
o outro no conhecimento (e experiência anterior) do espectador sobre a relação
do objeto com outros objetos semelhantes. Se o primeiro valor é um "testemu-
nho histórico", o segundo pode ser chamado de "relação simbólica". Embora a
relação com a tradição seja um valor independente, separado das proprieda-
des físicas que formam o "testemunho histórico", não pode ser reduzida a um
conjunto de características fisicamente presentes. Separar esses dois valores
resulta num novo conceito de "aura", independente das proposições iniciais de
Benjamin, que é especificamente aplicável à tecnologia digital: a ideia de "aura"
resulta da função que a obra exerce sociologicamente para seu público (como
ele emprega a obra em sua sociedade). Esse conceito, relacionado ao acesso do
público àquela obra de arte, torna os conflitos sobre "propriedade intelectual"
uma consequência inevitável da emergência da tecnologia digital.
Mecânica ou manualmente, os objetos (re)produzidos sempre têm um limite
implícito de disponibilidade (portanto, sua acessibilidade); os objetos digitais
não têm um limite desse tipo – em princípio, um número infinito de qualquer
obra digital pode ser produzido sem alteração ou perda, ou mesmo desvio entre
qualquer das obras. Essa distinção entre todos os objetos físicos e os objetos
digitais revela uma semelhança fundamental entre a obra de arte original e suas
reproduções mecânicas; essa semelhança configura as antigas relações entre
cópia e original: ela revela sobretudo a diferença básica entre o digital e o fí-
sico. Toda reprodução digital é idêntica a todas as outras; os objetos digitais
são armazenados como uma forma de informação, e não limitados como são,
inerentemente, os objetos físicos; portanto, o estado digital pode ser entendido
como uma forma de linguagem instrumental – instruções para executar a "recu-
peração" de uma determinada obra (de arte) digital.
A AURA DO DIGITAL

Entre os objetos físicos, cada objeto é na verdade único, mesmo quando é um 3. Abraham, Ralph,
exemplo idêntico de um determinado tipo: enquanto duas folhas de papel em Peter Broadwell e Ami
Radunskaya. Mimi and
branco podem ser aparentemente idênticas em todos os aspectos, cada folha the Illuminati; Notes, 44
é um exemplo único, fisicamente independente de todos os outros. As repro- http://pages.pomona. 45
duções digitais são todas iguais, e não exemplos únicos de um determinado edu/~aer04747/mimi/
miminotes.html.
tipo (como folhas de papel em branco); cada uma é uma execução idêntica de
instruções uniformes e constantes, uma "cópia". A teoria da informação descre-
ve obras desse tipo como exibindo entropia informacional-teórica zero: como
a execução dos dados instrumentais dos objetos digitais (o arquivo eletrônico
armazenado num computador) é um processo totalmente previsível no âmbito
de um dado sistema digital, não há necessidade de informação para produzir
uma obra digital a partir de um objeto digital (arquivo eletrônico).3 A reprodução
digital é, portanto, fundamentalmente diferente de qualquer tipo de reprodução
anterior, e os objetos digitais submetidos a esse tipo de reprodução podem ser
considerados uma nova classe de objetos.
As obras (de arte) digitais retêm sua forma inicial ao longo do tempo, sem
degradação, porque não há um objeto físico sujeito à decomposição do tempo.
Elas podem ser editadas, compiladas, combinadas e distribuídas sem qualquer
modificação em qualquer reprodução subsequente; as "cópias" podem ser re-
produzidas infinitamente, sem ser submetidas à perda inerente à mídia física.
Uma "cópia" é não apenas equivalente em conteúdo, como é idêntica à sua fonte.
O conceito de "original" digital desaparece porque todas as versões são "origi-
nais" idênticos, ou são todas "cópias" idênticas.
A linguagem contemporânea carece dos termos necessários para descrever a
relação entre instâncias diferentes de um objeto digital idêntico: "cópia" supõe o
modo tradicional de originais e réplicas; "clone" introduz uma analogia biológica
que não obstante sugere uma fonte original anterior que (pelo menos) poten-
cialmente existe como origem. Como os dados que constituem a obra digital em
si permanecem constantes, os objetos digitais são indistinguíveis; a distinção
entre duas interações quaisquer de uma obra digital singular não é uma questão
de conteúdo ou forma, porque a informação digitalizada permanece constante; é
uma questão de localização e apresentação física – onde uma versão específica
se situa na mídia física que carrega sua impressão e/ou a exibe de uma forma
legível pelos humanos.
FILE TEORIA DIGITAL

II. Objetos físicos X digitais

A distinção entre objetos físicos e objetos digitais é absoluta. Essa distinção

se refere a uma dualidade entre o significado simbólico e a fisicalidade que co-
meça com a primeira forma de reprodução em massa: a cunhagem de moedas. A
impressão de emblemas nas moedas torna cada uma valiosa por meios duais:
através de seu material (metais preciosos), e simbolicamente identificada como
autêntica (que seu valor é real) pelas marcas brasonadas em sua superfície
(conteúdo simbólico). A autenticidade é uma conclusão baseada numa segunda
ordem de interpretação, derivada de uma decisão sobre o conteúdo simbólico de
um objeto. O objeto digital, por não ter um componente físico, existe como con-
teúdo simbólico que se torna uma forma fisicamente acessível somente quando
apresentado através de um intermediário tecnológico (por exemplo, um monitor
de vídeo ou de computador) ou transformado em objeto físico (como uma im-
pressão em papel).
As valências separadas de material e símbolo podem ser entendidas como
existentes em níveis diferentes de interpretação: a física fornece o primeiro
nível, com todas as conclusões sobre a idade do objeto, etc., formando uma
primeira ordem; o conteúdo simbólico, incluindo sua ligação as tradições, se-
melhança ou diferença de outros objetos, a relação do intérprete com o objeto
particular, etc., formam todos uma segunda ordem de interpretação. Enquanto
a segunda ordem, simbólica, necessita da primeira ordem (algum tipo de pre-
sença física) para sua apresentação, o conteúdo interpretado existe como um
excedente da primeira ordem. É a informação fornecida e criada pelo intérprete,
usando a experiência anterior de interpretar a forma e o caráter da primeira
ordem, que produz a segunda ordem.
O dualismo da "aura" dos objetos físicos aparece como uma função tanto do
objeto material quanto de seu conteúdo simbólico. Não é casual que o dualismo
da "aura" esteja ligado à invenção do valor de troca (moeda). O valor de troca
depende da agência humana de maneiras sociais e políticas para alcançar seu
significado e manter seu valor. É exatamente na definição do valor por meio de
um esquema particular de muitos objetos diferentes governados pela agência
humana que surge o "valor". A consciência da relação simbólica entre um objeto
e outro é um resultado interpretado da agência humana, e não inerente ao ob-
jeto em si. A aura das obras digitais retém essa dualidade enquanto dispensa
a restrição literal da fisicalidade específica. O encontro com um objeto digital
ainda é um engajamento material, mas no qual o material é separado da obra di-
gital, servindo como apresentação da obra – por exemplo, o que é visto e ouvido
quando se assiste a um videoclipe num computador.
A AURA DO DIGITAL

A distinção entre objetos

físicos e objetos digitais
46
47

é absoluta. Essa distinção

se refere a uma dualidade
entre o significado simbólico
e a fisicalidade que começa
com a primeira forma de
reprodução em massa: a
cunhagem de moedas.
FILE TEORIA DIGITAL

A separação entre a apresentação específica de uma obra digital de nosso con-

ceito daquela obra, literalmente inscreve o desejo modernista de isolar a obra
de arte do contexto que a produz em nossa consciência e interpretação da obra
digital: em vez de exigir o espaço branco e asséptico da galeria para eliminar o
contexto externo das interpretações da arte, com as obras digitais essa elimina-
ção das especificidades de localização, apresentação, contexto, etc. acontece na
mente do espectador. Esse efeito decorre da "aura de informação" a que aspiram
as obras digitais.
Como os aspectos materiais das obras digitais são efêmeros, durando não
mais que o encontro fenomenológico com a apresentação do objeto digital (ge-
ralmente em algum tipo de tela), a "aura da informação" sugere que o próprio
digital transcende a forma física. Essa ilusão define a "aura da informação".
Como as obras digitais emergem de uma interpretação de segunda ordem, elas
pertencem à mesma categoria de objetos que a música codificada para ser re-
produzida por uma máquina, como uma pianola. Os objetos digitais não estão
prontos para leitura humana, e só se tornam sensíveis como obras quando
processados por uma máquina. Como a música codificada no rolo perfurado da
pianola, o objeto digital é separado de sua incorporação física, muitas vezes
reproduzida de maneiras e com tecnologias (como a linguagem) independentes
das formas digitais, mas são facilmente reprodutíveis sem perda e totalmente
dependentes de tecnologias específicas para seu desempenho ou apresentação
(como as obras digitais).
Como os objetos digitais não se degradam com o tempo, eles não desapare-
cerão. O limite de uma obra digital não se baseia em sua decomposição física,
mas sobretudo em sua disponibilidade dentro da tecnologia contemporânea.
Obras digitais mais antigas só se "perdem" porque o suporte tecnológico para
acessá-las desaparece; teoricamente, a obra digital perdura e pode ser recupe-
rada no futuro. A reprodução digital torna-se então não apenas uma caracterís-
tica inerente aos objetos digitais, como também seu meio para a efetiva imorta-
lidade. A reprodução digital de arquivos de tecnologias mais antigas para novas
tecnologias permite a continuidade (manutenção perpétua) das obras digitais,
independentemente da tecnologia em que elas começaram; os antigos progra-
mas de computador, como jogos arcade de 8 bits que existiam originalmente
como chips ROM, por exemplo, os cartuchos de jogos Atari 2600 Home Entertain-
ment System, ainda são acessíveis porque a tecnologia contemporânea é capaz
de emular os sistemas obsoletos e descartados, assim permitindo que as obras
digitais sejam lidas com equipamentos vastamente mais poderosos e incompa-
tíveis com arquivos digitais mais antigos. No caso do sistema de jogos de com-
A AURA DO DIGITAL

putador Atari 2600 existe um grande, embora limitado, número de Atari Home
Entertainment Systems em funcionamento, e quando o último sistema quebrar
de modo irreparável o acesso às versões originais dos arquivos nos cartuchos
48
ROM por seu sistema de hardware original se perderá. Essa perda constitui o
49
testemunho histórico dessa tecnologia e das obras digitais acessíveis a ela. No
entanto, o testemunho histórico desses sistemas é totalmente separado dos
arquivos contidos nesses ROMs, e a sobrevivência dos dados neles contidos é
de natureza diferente da sobrevivência do próprio sistema físico original. (Essa
leitura é resultado de sistemas mais novos que emulam o funcionamento de sis-
temas digitais antigos.)
A capacidade de separar o arquivo digital do hardware dramatiza a aura dos
objetos digitais: a obra digital como imortal, passageira, adaptável a qualquer
nova tecnologia de apresentação que surja. Ela também conecta a aura dos obje-
tos digitais à aura da informação, já que a informação é uma função de interpre-
tação e teoricamente também pode ser transferida de um sistema de reprodução
para outro, assim como línguas antigas e "mortas", como o grego antigo ou os
hieróglifos egípcios, podem ser traduzidos em línguas contemporâneas como o
inglês. Teoricamente, o conteúdo da língua antiga permanece constante; com os
objetos digitais esse aspecto teórico da linguagem e do significado humanos
torna-se fato, por causa da distinção entre a linguagem de código binário da
máquina que é prescritiva, e a linguagem humana que é descritiva e denotativa.
Como a linguagem binária da máquina é um conjunto de comandos, a transfe-
rência e conservação da informação contida naquela linguagem não se sujeita
ao "deslocamento" semiótico do significado que afeta toda linguagem humana.
Assim, o conteúdo de sistemas digitais "mortos" pode ser recuperado, garantin-
do a imortalidade de qualquer objeto digital.
No entanto, a imortalidade dos arquivos digitais também leva a um acúmulo
de obras cujo gerenciamento e acessibilidade inevitavelmente começarão a se
tornar um problema, além da simples questão da capacidade de acessar arqui-
vos antiquados construídos e utilizados com hardware que se tornou obsoleto
e insubstituível.
Quando a imortalidade das obras digitais é entendida no sentido de que es-
sas obras se acumularão e serão imanentemente presentes no futuro indefinido,
surge um problema malthusiano. Conforme os materiais se acumulam em forma
digital eles se tornam cada vez mais difíceis de organizar, acessar e usar. A "aura
da informação" implica que esse contínuo acúmulo de informação é um valor
positivo em si, separando a informação da capacidade de usá-la ou determi-
nar seu valor. A "aura da informação" ganha seu aparente valor das sociedades
FILE TEORIA DIGITAL

pré-digitais, onde o acesso a e a posse de informação era um valor positivo

porque o volume de informação, mesmo potencialmente disponível, era limitado
fisicamente a objetos específicos e pela capacidade de reproduzir essa informa-
ção. Em tal sociedade, a informação estocada tem valor em si porque a quanti-
dade de informação permanece limitada. Para as tecnologias digitais, a criação,
armazenamento e distribuição de informação não são limitados como para as
sociedades tradicionais. Porque a informação digital aspira à imortalidade, é
infinitamente reprodutível e reivindica a "aura da informação" a problemática do
acúmulo e gerenciamento de arquivos digitais necessariamente emerge como
um resultado inevitável do desenvolvimento da tecnologia digital.

III. Testemunho histórico

Todas as reproduções mecânicas são objetos em si; como tal, carregam seu pró-
prio "testemunho histórico" e estão sujeitas aos efeitos do tempo e da decom-
posição como qualquer outro objeto. Isto vale para a reprodução mecânica em
todos os níveis de sua existência; o negativo fotográfico está sujeito à decom-
posição e perda, assim como a placa metálica usada na imprensa gradualmente
se desgasta com o uso para fazer reproduções. A reprodução mecânica pode
portanto ser considerada como tendo o mesmo potencial de autenticidade (via
testemunho histórico) que qualquer outra obra de arte física.
Em contraste com a reprodução mecânica, a reprodução digital é um objeto
polivalente. A reprodução física do objeto digital, como por exemplo numa tela
de computador, não submete aquele arquivo ao desgaste que os objetos físicos
sofrem; tampouco a cópia, envio ou armazenamento desses objetos digitais ne-
cessariamente os danificam. A transferência digital de arquivos produz cópias
idênticas e perfeitas, não submetidas ao testemunho histórico dos objetos físi-
cos. De fato, o objeto digital – a informação contida no/como arquivo digital é
independente de testemunho histórico. No entanto, o meio que armazena o ar-
quivo digital está sujeito ao "testemunho histórico". Esse recipiente é diferente
de seu conteúdo, e deve ser entendido como separado dele.
Os tipos de "testemunho histórico" que impactam os arquivos digitais po-
dem, portanto, ser divididos em três tipos: (1) os que impactam o recipiente, seja
o disco, CD, ROM ou outro meio de armazenamento; (2) os que afetam o arquivo
digital em si, diferentemente do meio de armazenamento; e (3) a acessibilidade
do arquivo que usa tecnologia contemporânea (a questão da obsolescência do
software, hardware e dos arquivos produzidos com tecnologia mais antiga). Um
A AURA DO DIGITAL

CD quebrado pode tornar inacessíveis os dados que ele contém, mas não destrói 4. O conceito de
realmente os dados. Um arquivo de computador danificado ou corrompido é con- “direito de ler”
origina com Richard
seqüência de erros feitos pelo sistema ao armazenar ou exibir o arquivo, e não Stallman, da Free
50
são exemplos de testemunho histórico, mas são mais semelhantes a erros de Software Foundation.
impressão ou outros feitos com o maquinário de reprodução mecânica. 51

A acessibilidade de um objeto digital produzido com tecnologia obsoleta não

deixa vestígios no objeto em si; é a capacidade de ler o conteúdo do arquivo que
se atenua com o tempo, não o arquivo em si. Seu conteúdo permanece constante,
mesmo quando não podemos mais acessá-lo. Essa situação se compara a nossa
capacidade de ler linguagens humanas antigas ou "mortas" escritas em hierógli-
fos ou caracteres cuneiformes: o conteúdo dos textos independe de seu meio de
armazenamento ou do formato (língua) em que foram escritos.
Essas falhas não constituem um testemunho histórico para os objetos digi-
tais; pelo contrário, demonstram a natureza da obra digital como interpretações
de segunda ordem apresentadas à visão. Isto explica sua falta de presença fí-
sica e a relação desconfortável entre o "modelo" ou original digital, o arquivo
digital e as versões físicas produzidas a partir dele, como impressões, exibição
em monitores, etc. O conflito que cerca os direitos de propriedade intelectual
refere-se mais ao acesso ao "objeto" de arte em si, pois no reino digital o po-
tencial de reproduzir e distribuir não inclui necessariamente o direito de ler
(acessar) a obra – é por isso que toda proposta de gerenciamento de direitos
digitais (DRM – digital rights management) limita e controla o acesso à obra de
arte digital: o direito a ler.4

IV. A independência da apresentação digital

Interpretações de primeira ordem de obras de arte históricas como a Capela

Sistina baseiam-se no fato de que ela continua sendo a Capela Sistina em to-
das as circunstâncias; no entanto, essa suposição revela seu caráter atenuado
com a reprodução mecânica, e se manifesta claramente com as obras digitais
(se não for completamente invalidada pela enorme variedade de exibições da
mesma obra por meio de diversos projetores, monitores, diferentes parâmetros
de usuários em diversos computadores, etc.), a tal ponto que se torna menos
adequado pensar nas obras digitais em termos das especificidades de uma de-
terminada forma de exibição do que pensar sobre elas independentemente de
sua exibição.
FILE TEORIA DIGITAL

Considere, por exemplo, a questão da cor. Monitores de computador diferentes

exibem a cor diferentemente, dependendo da idade do monitor, há quanto tempo
ele está sendo usado, a construção particular dos pixels em sua tela, a configu-
ração específica no momento da exibição, etc. As lojas que vendem monitores
têm vitrines com os modelos disponíveis porque essas diferenças impactam a
aparência das obras digitais exibidas. A questão da cor torna-se ainda mais va-
riável quando a consideração da exibição vai além dos monitores e inclui outros
tipos de exibição como projeção, transmissão de TV e até vídeo em telefones
celulares. Cada expansão da possível forma de exibição aumenta a variação da
aparência de um arquivo digital, tornando problemática a questão de qual ver-
são é a autêntica, já que o arquivo exibido pode permanecer constante.
A aura de informação exige que os espectadores ignorem a apresentação
(monitor de vídeo, projetor, impressão, etc.) ao considerar o "contexto" da obra
– conclusões relacionadas a qual seria a primeira ordem de interpretações para
obras não-digitais: por exemplo, de onde é a pintura, como está iluminada, qual
sua idade – questões que geralmente são eliminadas quando diante de uma pro-
jeção digital. Idade, materiais, etc. não são deduzidos dos materiais físicos da
apresentação de uma obra digital, mas de considerações sobre seu conteúdo
simbólico. Na medida em que uma obra digital tem um testemunho histórico, é
uma consequência de se historicizar o estilo e a forma da obra (interpretações
de segunda ordem). O fato de uma obra digital ser exibida numa tela plana, num
tubo de raios catódicos ou outro, e como projeção em outras ocasiões, não afe-
ta nossas considerações sobre aquela obra digital. Enquanto as apresentações
podem mudar, a obra digital é considerada a mesma sejam quais forem os meios
usados para sua apresentação. Essa negação da variabilidade das apresenta-
ções das obras digitais sugere que a obra digital existe e é entendida como
independente de suas diversas apresentações. A mesma negação do arquivo
digital fisicamente armazenado reflete a negação das especificidades das apre-
sentações; ambos são efeitos da aura da informação, gerando a crença de que
os objetos digitais são separados da fisicalidade.
A independência das obras digitais de sua apresentação física está ligada
à contingência do direito de ler um arquivo digital e à base tecnológica da (re)
produção digital. Enquanto as reproduções manual e mecânica sempre preser-
vam o caráter físico do objeto, deixando-o sujeito a seu testemunho histórico
particular, as obras digitais não. Qualquer tipo de material impresso retém sua
forma, a menos que seja fisicamente atacado – enterrar um livro na lama pode
resultar na decomposição do livro, com sua consequente perda como tal; uma
obra digital não pode ser atacada dessa forma, mas tampouco pode ser acessa-
A AURA DO DIGITAL

da sem um suporte tecnológico. Os arquivos digitais só aparecem em variações

sugeridas pela discussão da cor, acima.
Admitir a falta de testemunho histórico das obras digitais cria uma estrutu-
ra que afasta os objetos digitais dos atributos particulares de objeto físico de 52
sua apresentação para uma arte voltada para o não-objeto. A singularidade das 53
obras digitais não pode portanto, ser consequência de haver "apenas uma", nem
sua singularidade pode ser resultado de um caráter solitário (individual), porque
todas as "cópias" são idênticas em todos os sentidos. Na verdade, para as obras
digitais (assim como para as obras (re)produzidas mecanicamente antes delas)
não há objeto de primeira ordem, na maneira como há uma Capela Sistina.
O impacto da forma particular de "singularidade" da obra digital sobre a pro-
priedade intelectual revela-se como a questão de acesso à obra: o direito a ler,
mais que de possuir uma cópia. A posse e o acesso são separados entre si. Com
objetos de primeira ordem, como a Capela Sistina, a posse também confere o
direito de acesso: ter a posse garante o acesso à obra; com as obras digitais, a
posse torna-se atenuada – é possível "possuir" arquivos num computador, mas
não ter a capacidade de acessar o conteúdo desses arquivos. O modelo que essa
propriedade intelectual adota é, portanto, muito mais próximo da ideia de um
banco, onde só pessoas autorizadas podem fazer negócios e todas as outras são
descartadas, a menos que elas também possam investir dinheiro no banco. Em
todo caso, aquilo a que os clientes têm acesso, as ações que lhes são permiti-
das, e mais significativamente, quanto custa realizar essas ações, é determina-
do pelo banco. O que esses "clientes" podem fazer é estritamente limitado pelas
particularidades de seu investimento específico no banco.

V. A materialidade das obras digitais

A reprodução mecânica é sempre limitada pelos materiais físicos, tanto na for-

ma da tecnologia (re)produtiva (imprensa, negativo fotográfico, etc.) quanto nos
materiais que formam essa reprodução. Esta base impõe uma duração ao objeto;
até que a obra digital seja (re)produzida fisicamente, ela fica fora dessa res-
trição. Apesar de o arquivo digital ser sempre fisicamente armazenado, a obra
digital que esse arquivo produz continua sendo uma entidade separada, embora
inerentemente relacionada ao arquivo digital. E, como a aura da informação leva
à ignorância interpretativa da aparência física da obra quando é apresentada ao
público, ficar "fora" significa que ela não está sujeita aos efeitos de degrada-
ção do tempo através da duração, seja quando reproduzida como objeto ou em
FILE TEORIA DIGITAL

Apesar de o arquivo digital

ser sempre fisicamente
armazenado, a obra digital
que esse arquivo produz
continua sendo uma
entidade separada, embora
inerentemente relacionada
ao arquivo digital.
A AURA DO DIGITAL

sua forma digital nativa. Assim, a "autenticidade" da obra digital está em ser 5. Petric, Vlada.
independente dos efeitos causados pela passagem do tempo, seu uso (obras Constructivism in
Films: The Man with
digitais não se "desgastam" como os objetos físicos), ou por sua replicação e a Movie Camera,
distribuição em forma digital: diferentemente dos objetos físicos, as obras digi- (Cambridge: 54
tais não existem com restrição física às obras em si, somente na capacidade de Cambridge University
55
Press, 1987); veja
armazená-las (e transmiti-las), assim como a capacidade limitada de armazenar também: Vertov,
arquivos em um disco rígido. Dziga. Kino-Eye:
A ausência de limite físico significa, em princípio, que as obras digitais po- The Writings of
Dziga Vertov, ed.
dem ser consideradas imortais – fazendo da extensão da propriedade estatu- Annette Michselson,
tária (direitos autorais, patentes, etc.) um corolário necessário e inevitável ao trans. Kevin O’Brien,
conflito sobre propriedade intelectual: a manutenção da propriedade como tal (Berkeley: University
of California Press,
exige que ela dure tanto quanto a obra em questão. Do contrário, seria reconhe- 1984).
cer a contingência desse direito de leitura à economia de produção e consumo
baseada em objetos, que antecede a emergência da obra digital.
Implícita no "direito a ler" está a ideologia de "vanguarda" que torna as tec-
nologias digitais obsoletas. Com essa mudança tecnológica de atual para antigo
há uma restrição aos avanços particulares da tecnologia – o que foi chamado
de obra voltada para corte/fusão/remix/colagem/montagem/banco de dados –
baseada numa remontagem de materiais existentes em formas "novas". Que
essa forma estética tenha recorrido em abordagem e forma quase idênticas
a cada nova tecnologia (o fato de Dziga Vertov ter experimentado gravações
em cera para fazer remixes nos anos 19205) sugere que essas abordagens são
banais, e não diruptivas (exceto na linguagem econômica atualmente ligada a
"propriedade intelectual" e direitos autorais). Mais que uma "exploração" da
nova tecnologia, essas obras sugerem uma negação freudiana dos choques
potenciais que essa tecnologia implica através da repetição. Os perigos psico-
lógicos que obras sinistras podem representar são evitados antecipadamente
por meio da rubrica de obsolescência e das repetições inerentes à remixagem
de materiais existentes.

VI. Gerenciamento de direitos digitais (DRM)

O direito de limitar o acesso (via DRM) é o aspecto chave da propriedade de

obras digitais. O controle do direito de ler obras digitais baseia-se em leis
antigas, destinadas a controlar a impressão e publicação: leis de direitos auto-
rais que codificam suposições sobre objetos físicos e o acesso e a propriedade
dessas obras.
FILE TEORIA DIGITAL

Como as obras digitais são (basicamente) artefatos baseados em não-objetos

de segunda ordem, isto é, são obras sem forma física particular (e portanto não
são limitadas por condições naturais de escassez, fabricação e material), au-
mentar a capacidade do produtor de controlar sua "propriedade" digital, mesmo
quando a vende a outra pessoa, torna-se uma consequência inevitável da mu-
dança constante para a tecnologia digital na criação e distribuição de todos os
aspectos da cultura.
A transformação em forma digital de tudo o que pode ser digitalizado (a as-
piração universal ao estado de informação) decorre da lógica do DRM: o conflito
sobre propriedade intelectual é portanto inevitável. Obras baseadas em objetos
tornam-se automaticamente propriedade do consumidor, e podem ser dadas,
revendidas, etc. quando se obtém sua posse, mas para obras baseadas em não--
-objetos, os esquemas de gerenciamento de direitos digitais significam que es-
sas obras digitais carecem dessa dimensão de propriedade baseada em posse.
Mesmo depois que uma obra foi adquirida, o modelo bancário de propriedade
prevalece: quando a posse é alcançada, o consumidor não possui a obra – tem
apenas um direito contingente de lê-la em sua forma hipotética, os consumido-
res não podem revender, dar, emprestar ou compartilhar qualquer obra digital
restrita por DRM. Os mecanismos que controlam o acesso às obras digitais tam-
bém reproduzem o conflito que deveriam resolver, num círculo vicioso em que
cada nova restrição ao direito de ler intensifica o conflito. Em sua forma mais
básica, esse é um conflito sobre se as obras baseadas em não-objetos se intitu-
lam ao mesmo tratamento dado a obras baseadas em objetos.

Conclusão: A Aura Digital

A "aura" de uma obra de arte pode ser considerada como o efeito interpretati-
vo terciário resultante de um terceiro ato interpretativo que usa a experiência
anterior para criar uma consciência daquele objeto, superando tanto sua forma
física quanto sua relação com a tradição. Esta diferença permite a existência
da "aura" (contrariando Benjamin) em obras mecanicamente reproduzidas – e
portanto também permite a "aura" em obras (de arte) digitais. A consciência
desse tipo torna-se possível por meio da reprodução, embora exista em graus
menores nas sociedades tradicionais, em que a consciência das obras de arte
é "reproduzida" como artefato linguístico, mais que visual. Essa consciência é
imbuída de valores especiais (como observou Benjamin). As obras mais antigas
podem ser entendidas como sujeitas à reprodução verbal (não-visual), e a cons-
A AURA DO DIGITAL

ciência que isso produz gera uma "aura" que é consistente com aquela gerada 6. Smith, Patrick.
por reprodução digital /mecânica. Andy Warhol’s Art and
Films, (Ann Arbor: UMI
Portanto a reprodução – mecânica ou digital – é a fonte e o veículo para a Research Press, 1986)
"aura" de uma obra. O encontro de um espectador com uma obra "famosa" como pp. 195-202. 56
objeto é claramente diferente de seu encontro com uma obra desconhecida, 57
porque é a ampla disseminação daquela obra através de reprodução que cria
a experiência particular: o turismo cultural baseia-se nessa ideia de encontros
com originais, cuja aura é uma função do fato de serem amplamente reproduzi-
dos. Quanto mais uma obra é disseminada, maior sua "aura". A persona de Andy
Warhol e sua construção de superstars que são "famosos por ser famosos",6 de-
monstra a natureza efêmera, contingente desse conceito de "aura", sua natureza
socialmente construída e sua dependência da reprodução para existir.
A imortalidade semiótica/instrumental consagrada como a aura do digital
reifica uma ideologia em que a obra de "gênio" (literalmente) "vive para sem-
pre" nos esquemas simultâneos da DRM e da reprodução digital. A propriedade
das ideias é acoplada à forma material específica que essas ideias assumem na
tecnologia digital. Essa imortalidade semiótica torna-se imortalidade instru-
mental no reino do código digital executado de modo autônomo por máquinas:
é a "aura do digital".
A aura do digital indica o digital como o local de uma reificação específica
que dramatiza um conflito subjacente entre produção e consumo no próprio ca-
pitalismo – isto é, entre o acúmulo de capital e seu gasto. Ao permitir a fantasia
do acúmulo sem consumo, a tecnologia digital torna-se uma força ideológica
que reifica o conflito entre os limites impostos ao valor do capital via gastos
e inflação, e a demanda implícita na ideologia capitalista da escalada de valor.
A reciprocidade entre produção e consumo é necessária para que o acúmulo de
riqueza (capital) seja algo mais que uma patologia econômica. A lacuna que a
riqueza acumulada apresenta é uma em que a inflação parece ser a correção ne-
cessária – desvalorizar o capital acumulado para manter a circulação necessária
para manter a dialética da produção e consumo: quando o capital se acumula,
seu valor diminui. A aura do digital perturba essa dialética ao reificar somente
um lado da construção – a ilusão de produção de capital sem o consumo neces-
sário. A aura do digital é, portanto, um sintoma da estrutura de uma ideologia
capitalista patológica que se realiza como fantasia da tecnologia digital, sem
levar em conta a natureza ilusória dessa transferência, ou a realidade dos gas-
tos exigidos na criação do próprio digital.
A tecnologia digital, seu desenvolvimento, utilização, produção e acesso exi-
gem um grande gasto de capital, tanto para criar como para manter. A aura do
 FILE TEORIA DIGITAL

7. Betancourt, digital separa os resultados de sua base tecnológica – a ilusão do valor criado
Michael. “Labor/ sem gastos: uma forma patológica de ideologia capitalista que exige a imple-
Commodity/
Automation” in mentação de controles da tecnologia digital (DRM), enquanto aspira ao estado
CTheory, e133 - de informação e assume a "aura da informação", é coincidente com a aura do
9/15/2004. digital. Embora as origens da "aura da informação" residam nos parâmetros
técnicos do digital, seu papel na ideologia-fantasia capitalista de acúmulo de
riqueza torna seu conceito do digital não apenas fundamentalmente falho, mas
também uma formulação que sustenta o desprivilegiamento da agência humana
anteriormente discutido em # Labor/ Commodity/ Automation como o desen-
volvimento lógico de uma ideologia anterior de realização autônoma que serviu
para justificar a ordem social do século XIX.7 Ao naturalizar a concentração de
capital, a aura da informação transforma a tecnologia digital em um recurso
mágico que pode ser usado sem consumo ou diminuição.
A consequência inicial desse recurso mágico surgiu como a "bolha das ponto-
com" no final do século XX, quando a internet emergiu como meio popular comer-
cialmente explorável. O colapso desse período foi inevitável, pois sua economia
dependia da exploração da produção sem fantasia de consumo. A mudança de
ênfase para várias formas de "DRM" começou ainda antes de esses controles
serem implementados pela própria tecnologia, na forma de patentes tecnoló-
gicas, registros baseados em direitos autorais e "assinaturas" de software, etc.
Essa fase inicial levou diretamente ao DRM tecnológico. Ele afirma essas liga-
ções entre a aura do digital e a aura da informação necessárias para justificar a
imposição capitalista de controles (DRM) sobre a propriedade intelectual. Ou a
aura do digital ameaça o status quo porque a ilusão de lucro sem gastos sugere
a possibilidade de que o digital possa realizar uma situação em que o próprio
capitalismo deixa de existir.
Portanto, a aura do digital é como Jano, sugerindo uma produção mágica sem
consumo, reificando essa ideologia capitalista fundamental ao mesmo tempo
em que implica uma supressão do próprio capitalismo. No entanto, todas essas
sugestões procedem de uma falsa consciência baseada na recusa a reconhecer
os gastos reais necessários para a criação, produção, manutenção e acesso às
tecnologias digitais e aos materiais disponibilizados por essas tecnologias, que
tornam possíveis essas fantasias. Nesse sentido, a "aura do digital" pode ser
identificada com uma miopia patológica: está implícita na fantasia anticapita-
lista de um "fim da escassez" que aboliria o capitalismo, e na ideologia capita-
lista reificada na ilusão de produção sem consumo. Cada uma dessas crenças é,
portanto, uma falsa consciência: um produto de cada uma negando a fisicalidade
real, e portanto os gastos e custos da tecnologia digital.
A AURA DO DIGITAL

Sobre o Autor
Michael Betancourt é artista multidisciplinar, curador e teórico de vanguarda. Ele faz filmes,
instalações localizadas e formas de arte não-tradicionais (e exibe suas obras em lugares incomuns
ou públicos) desde 1992. Também ensina teoria da mídia no Savannah College of Art & Design.
58
Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.
59
Texto publicado pelo File em 2007.
A perenidade da
inconstância:
o desafio de
preservar o
imaterial
Paula
Perissinotto
teoria

digital

obra

suporte

museu

história
FILE TEORIA DIGITAL

No Museu do Louvre, em 2001, um dos seus milhares de visitantes deleita-se

em frente a A Apoteose de Henrique IV e a Proclamação da Regência de Marie
de Médicis obra de 1622-1625 de Peter Paul Rubens (1577-1640). Uma exibição
pródiga em cores e formas, resultando na composição de um sistema de linhas
diagonais que nos relata a história com uma estética própria criada por seu autor.
A energia, a força, o contraste, o movimento, enfim, tudo ali, naquele quadro, nos
põe em contato com aquilo que Rubens vivenciou séculos atrás. São inúmeros os
quadros que o Museu do Louvre oferece para deleites semelhantes. São vários
os pintores que a história consagrou e que as instituições acolhem e preservam.
Para quem estuda e vive a história da arte, esses mestres são como uma fonte de
alimento. Poder estar frente a frente com Peter Paul Rubens (1577-1640), Andréa
Mantegna (1431-1506), Leonardo da Vinci (1452-1519), Albrecht Dürer (1471-
1528), Raphaël (1483-1520), Pieter Brueghel (1525-1569), El Greco (1541-1614),
Rembrandt (1606-1669), Jan Vermeer (1632-1675), Francisco Goya (1746-1828),
Louis David 1748-1825 ou William Turner (1775-1851) é como ter a oportunidade
de conversar com cada um deles e discutir sobre os seus anseios, buscas, con-
flitos e devaneios. Esse contato nos oferece a oportunidade de mergulhar num
mundo que só podemos imaginar e as alusões a outras épocas estimulam e enri-
quecem a nossa imaginação.
Como seria um mundo sem as reminiscências do passado?
Não pretendo fazer destas linhas uma apologia à genealogia, mas confesso
que, ao mesmo tempo, não consigo vislumbrar um mundo que não olhe para suas
procedências ou para os rastros deixados por aqueles que fizeram a história,
seja com o intuito de desenvolvimento, de constatação, ou mesmo de negação
ou de superação. O olhar para trás parece inevitável na história da humanida-
de. Mesmo sabendo que a história é dependente de uma certa interpretação que
dela fazemos, será que o homem seria capaz de se privar de interpretá-la? O
mundo nos coloca hoje frente ao desafio de preservar uma instabilidade veloz.
Tão veloz, que, quando nos damos conta, ela já não existe mais. De que forma
poderíamos compreender o mundo sem considerar os processos que nos levaram
ao que somos hoje?
Suponhamos que estivéssemos hoje em 2063, no Brasil, e um estudante de
arte inquieto procurasse nos arquivos existentes referências sobre as iniciati-
vas artísticas no começo do século XXI. De repente, ele se depara com um acervo
de documentos impressos e de certos objetos chatos redondos chamados outro-
ra de cd-rom. Ele já tinha ouvido falar da existência de tais mídias naquela época
(início do séc XXI), mas as tinha visto, até então, apenas em livros e filmes. Esse
estudante tem agora em suas mãos muitos bits de informações. Como ele deverá
A perenidade da inconstância: o desafio de preservar o imaterial

prosseguir com suas averiguações? Como acessar o conteúdo dos tais objetos,
chamados em tempos remotos de disquetes, jazz, cd-roms, mdvs, dvds e etc?
Os museus e as instituições fazem todos os esforços necessários para man-
ter as referências artísticas e históricas desde os primórdios da historia da hu-
manidade, mas parece que as condições para a preservação fidedigna das mani- 62
festações estéticas digitais não são ainda ideais. A luz, os códigos e a mutação 63
constante da tecnologia dificultam os seus registros. Alguns museus estão se
organizando para discutir métodos de preservar a arte digital. Um projeto mais
recente, Arquivando a Vanguarda, procura estabelecer algumas diretrizes para
museus, galerias e artistas que desejam preservar os seus trabalhos digitais.
Várias instituições americanas estão envolvidas em tal projeto: os arquivos da
Berkeley Art Museum e a Pacific Film, associados com a Universidade da Califórnia
em Berkeley, o Museu Guggenheim, o Walker Center, em Mineápolis, o Rhizome.
org, o arquivo de Franklin Furnace e o arquivo do Festival de Performance e Arte
de Cleveland. Essa parece ser a primeira rede de organizações norte-americanas
dedicadas a lidar com a preservação da mídia variável. A fragilidade física das
fitas de vídeos e dos filmes se transforma agora em transmissões de dados, em
experiências interativas produzidas para a Internet. A expansão da mídia digital
e seu ambiente mutante, que se transforma com rapidez, nos põe em contato com
a problemática de como seria possível manter a intenção fundamental e preser-
var a integridade de uma manifestação estética produzida para tal ambiente.
O projeto Arquivando a Vanguarda propõe algumas regras e técnicas para pre-
servar a arte digital. Mark Tribe, um dos integrantes do projeto, esboça quatro es-
tratégias diferentes que são discutidas no projeto: a documentação, a emulação,
a migração e a recriação. A documentação, uma estratégia de preservação usada
com outros tipos de arte, registraria o trabalho em instantâneo e suas descrições.
A emulação faria uso de um computador novo com o software de um computador
antigo, permitindo, dessa forma, mostrar uma produção artística digital feita no
passado. A migração substituiria o código de um trabalho antigo feito para um
computador ultrapassado por um código novo fazendo com que esse trabalho
possa ser rodado em uma máquina mais recente. Em casos em que não for pos-
sível usar os recursos de emulação e migração, e dispondo apenas dos registros
instantâneos do trabalho e da sua documentação, seria feita então uma recriação
da obra, sendo essa, a última estratégia, arriscada no sentido de não garantir em
seu resultado final a fidelidade à obra original. A ideia de recriação, migração ou
emulação de um trabalho de arte é completamente inédita, considerada quase
antiética para práticas de documentação tradicional. Por exemplo, profissionais
de preservação de obras de arte jamais tentariam recriar sequer uma parte de
FILE TEORIA DIGITAL

um Leonardo da Vinci, seja em forma digital ou tridimensional. Mas esse também

parece ser um dos desafios lançados pela cultura digital: a transformação e a
superação das fórmulas e das regras ditadas pela ética da tradição.
Ainda segundo Mark Tribe, para impedir uma lacuna na história da arte, não
devemos permitir a exclusão dessa nova categoria, as Novas Mídias, que, mesmo
embrionária, já começa a fazer parte dos acervos das principais galerias de arte.
As Novas Mídias já são uma categoria reconhecida amplamente em muitos países,
as principais fundações americanas apóiam esse tipo de produção e as principais
instituições de arte contemporânea exibem e colecionam esse tipo de arte.
Existe um sentimento forte de que as práticas culturais mais significantes,
neste início do século XXI, estão pairando no contexto ligado às Novas Mídias,
assim como aconteceu com a fotografia e o cinema no início do século XX. Durante
muito tempo, a fotografia e o filme não foram reconhecidos pela história da arte
como meios viáveis de arte. Porém, quando olhamos hoje para trás, não podemos
deixar de reconhecer que, tanto a fotografia como o cinema, tornaram-se marcos
de referências transformadoras no pensar artístico durante todo o século XX.
Os museus envolvidos no “Arquivando a Vanguarda” farão estudos de caso
de trabalhos particulares, enquanto o projeto se interessará principalmente em
estabelecer regras gerais para a preservação, e não se ocupará de projetos de
preservação específicos. O projeto é programado para emitir um relatório dentro
de dois anos. Durante esse período, seus integrantes discutirão técnicas de pre-
servação com outras instituições e com artistas. A largada já foi dada.
Sabemos que foram reconhecidas as limitações da digitalização para aces-
so à informação a longo prazo. Um exemplo bastante conhecido é o ocorrido há
trinta anos com a própria NASA, quando Armstrong caminhou pela primeira vez
na lua. Todos os dados desse registro foram perdidos e o que sobrou é ilegível
por conta do descaso, na ocasião, em relação aos cuidados que determinavam a
sua preservação.
Todo esse olhar para essa iniciativa da América do Norte pode nos aliviar quan-
do voltamos a pensar naquele estudante brasileiro que, em 2063, estará fazendo
sua pesquisa, pois quem sabe tal proposta possa garantir o acesso ao conteúdo
daqueles objetos que, por ventura, venham a se tornar ultrapassados. Hoje, ainda
trata-se de uma dificuldade meramente técnica que certamente será transposta.
A corrida para acompanhar a evolução tecnológica e sua preservação está, de cer-
ta forma, aberta a todos, uma maratona em que o pré-requisito para participar é
ter competência, recursos e conhecimentos que englobem pelo menos alguns dos
itens básicos como: Internet, protocolos, sistemas operacionais, plugins, Real
Player, Quicktime, tecnologia streaming, encapsular, encodar, performances de
A perenidade da inconstância: o desafio de preservar o imaterial

(...) esse também parece

ser um dos desafios 64

lançados pela cultura 65

digital: a transformação e
a superação das fórmulas
e das regras ditadas pela
ética da tradição.
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avatares, HTML, Flash, chat, desktop, telerobotica, netart, web câmera, netcasts,
network, Java applets, websites, software art e etc. Uma vez familiarizados com
tais termos, poderemos então começar a discussão sobre: cópias, duplicações,
emulados, re-interpretação, emulação performativa, migração, reprodutibilida-
de, Novas Mídias, etc. É claro que os mais preparados sempre estarão à frente
nesta corrida, e quem estiver inerte e indiferente jamais fará parte do jogo.
O FILE - Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, uma organização
cultural não governamental, sem fins lucrativos e de iniciativa brasileira, há
cinco anos vem incluindo o Brasil nessa maratona internacional. Além de promo-
ver e incentivar as manifestações estéticas, culturais e científicas produzidas
para cultura digital, o FILE constituiu, durante esses anos, o único acervo da
América Latina com aproximadamente 800 obras digitais nacionais e internacio-
nais referentes a 40 países. É um arquivo praticamente inédito em conteúdo e
quantidade. Hoje, existem pouquíssimas instituições no mundo com algo similar.
Durante esses cinco anos de existência, desde o ano 2000, o FILE recebeu uma
média de 250 trabalhos por ano produzidos em diferentes suportes, linguagens,
softwares e formatos, caracterizando um acervo com propostas estéticas inter-
disciplinares que envolvem varias áreas das artes. Trata-se, sem dúvida, de uma
referência histórica.
Através da documentação, O FILE já vem organizando a catalogação, o arqui-
vamento com registros e cuidados de armazenamento desse arquivo. Desde o ano
de 2003, vem sendo constituído um banco de dados digital em que todas as infor-
mações sobre os cinco anos de existência do FILE podem ser acessadas rapida-
mente através de palavras chaves tais como: nome do artista, país de origem, tipo
de trabalho, plataforma, além da busca por categorias: e-video, web design, vida
artificial, simulação e modelagem, Java, VRML, webart, netart, animação interati-
va, hipertexto, web filmes interativos, panorama e outras. O objetivo desse banco
de dados é sistematizar as informações dos trabalhos, assim como informações
dos artistas e produtores dos trabalhos que participaram e que venham a partici-
par do FILE. A proposta é de um criar um sistema que funcione tanto offline como
online. O conteúdo desse conjunto de informações é formado através dos formu-
lários de cadastro para cada uma das áreas referentes às propostas do evento:
Festival, Games, Symposium e Hipersônica; incluindo informações e dados tais
como: referências pessoais sobre os artistas, dados do projeto (especificações
técnicas, categorias, suporte e etc), descrição teórica dos projetos em português
e em inglês, imagens, biografia do autor e considerações feitas pelos próprios
artistas. Por meio desse arquivo digital é possível fazer buscas especificas sobre
todo seu conteúdo.
A perenidade da inconstância: o desafio de preservar o imaterial

Como o crescimento desse acervo tem sido de uma constância anual, o FILE acre-
dita que um espaço físico compatível para armazenar esse acervo rígido começa
a se fazer necessário. Um espaço para armazená-lo não apenas com o intuito de
conservá-lo, mas principalmente para desponibilizá-lo ao público interessado.
Esse acervo é muito mais do que uma mera documentação. Ele é um patrimônio 66
cultural que representa o pioneirismo das manifestações estéticas da cultura di- 67
gital em âmbito nacional e internacional no início do século XXI.
O FILE online [http://www.file.org.br] é um grande arquivo eletrônico com vín-
culos entre centenas das produções estéticas digitais e pode ser também, através
de seu arquivo rígido, uma fonte de pesquisa potencial para fazer do Brasil um
participante ativo na pesquisa sobre a preservação dessa tal “vanguarda”. Uma
iniciativa que, com apoio e parcerias corretas, poderá não apenas inserir o Bra-
sil no contexto da discussão internacional sobre preservação digital, mas quiçá
também lhe oferecer a oportunidade de ocupar um lugar de destaque nesse tema.
Estamos falando de um conteúdo único que abrange várias linguagens e lógicas
variadas. Uma fonte de pesquisa repleta de informações que pode preencher as
questões técnicas em pauta na discussão sobre a preservação digital: emulação,
migração e a recriação de conteúdo digital. Nesse sentido, as parcerias com uni-
versidades, instituições culturais, instituições governamentais, empresas pri-
vadas, nacionais ou internacionais, mostram-se absolutamente indispensáveis
para abraçar o desafio de preservar a cultura digital.
Não podemos ainda garantir fórmulas e nem mesmo apontar com certeza
uma solução. A problemática foi lançada. Compreendemos e buscamos solucio-
nar um dos grandes problemas que a cultura digital enfrentará num futuro muito
próximo: a questão de sua preservação. O FILE e suas futuras parcerias farão o
possível para que o conteúdo dessa cultura de nossa época possa ser de alguma
forma acessado por aquele estudante que, em 2063, estará fazendo sua pesquisa.
A nossa maior preocupação, neste momento, é buscar meios técnicos para evitar
que gerações futuras sejam impossibilitadas de interpretar parte da história da
arte do século XXI, pois, como já constatamos anteriormente, as referências de
um mundo passado torna mais rica a nossa imaginação.

Sobre a Autora
Paula Perissinotto é artista e produtora cultural. Mestre em Poéticas Visuais pela ECA USP (2001).
atua principalmente nos seguintes temas: cultura digital, interatividade, arte eletrônica e novas
mídias. Co-Fundadora e co-organizadora do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2004.

FILE TEORIA DIGITAL

Referências

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Issue no. 3 (July 2002-October 2002)compiled Berkeley Art Museum e a Pacific Film
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The preservation of digitized collections: an

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challenges worldwide por Marie-Thérèse
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A perenidade da inconstância: o desafio de preservar o imaterial

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CuraNDO
(n)a Web
Steve Dietz
teoria

digital

curadoria

web

projeto

online
 FILE TEORIA DIGITAL

1. Os museus em uma cultura da interface

1. David Bearman, Use Os museus consideravam a si próprios como instituições para colecionar e pre-
of Advanced Digital servar objetos de todo o mundo, lugares para o estudo científico de suas cole-
Technology in Public
Places, Archives and ções, e só em último lugar como locais para exibir o exótico ao público. Alguns
Museum Informatics. referiram-se a esse período de exibição como a filosofia de empilhar coisas.
(6:3 Fall 1992). Ao longo dos anos os museus mudaram muito. Hoje, enquanto os museus são
2. Embora haja muita diversificados, assim como seus objetivos, pode-se dizer com segurança que
discussão sobre o eles estão basicamente no setor de disseminação de informação, mais que de
papel dos museus artefatos. A vantagem de pensar em termos de informação é que ela valida a
e dos curadores na
cultura em geral, coleção de intangíveis, como histórias orais, e réplicas, assim como artefatos
este trabalho não verdadeiros; ela coloca os museus em uma posição chave na era da informação;
aborda diretamente e torna mais fácil integrar as funções tradicionais de coleção, preservação, pes-
essas problemáticas,
supondo que quisa e exposição com as novas palavras chaves, “educação” e “comunicação”.
independentemente – David Bearman1
de sua opinião sobre
elas a Internet vai
afetar e intersectar Escrevendo em 1992 sobre a tecnologia nos museus, Bearman resume claramen-
com elas. te uma mudança profunda dos museus na percepção de sua missão, que somente
se acelerou desde então com a explosão da Internet e da WWW.
Essa mudança enfatizou inevitavelmente o papel central do curador no mu-
seu. Não que ele já não estivesse sob fogo em muitas frentes, desde questões
de autoridade onisciente em uma era pós-moderna de múltiplos significados a
acusações de vigilância parcimoniosa, aos desafios de comunicar ideias difíceis
e pesquisas complexas para um “público geral” (que geralmente significa mui-
tos públicos diferentes com necessidades específicas e pontos de vista muitas
vezes rígidos). Independentemente de como se defina o papel curatorial, porém,
a Internet em particular e a cultura da interface em geral apresentam oportuni-
dades interessantes e talvez profundas, que também poderiam ser percebidas
como pressões competitivas na arena cultural.2
Minha experiência hoje em dia (em oposição ao ano passado) de trabalhar com
museus e novas mídias é que enquanto a maioria dos funcionários não entende
como a Internet funciona – o que parece perfeitamente razoável –, cada vez mais
eles compreendem como ela pode funcionar para eles. Geralmente isto é mais um
caminho para a educação e a comunicação. Nesse sentido, não há nada especial-
mente revolucionário sobre a Web. É um pouco como o marketing direto, só que
mais divertido. É como um aprendizado à distância, só que através de um com-
putador em vez de uma câmera. É como publicar uma brochura ou um catálogo,
só que você ainda pode fazer modificações depois que está “impresso”. O eco de
McLuhan aqui – tendemos a compreender a nova mídia, inicialmente, em termos
de nosso entendimento da velha mídia – é familiar e totalmente apropriado.
CURANDO (N)A WEB

Estou interessado em pelo menos considerar se e como a cultura digital pode 3. Steven Johnson,
afetar a cultura dos museus de maneiras inesperadas – e talvez “irracionais”. Interface Culture:
How New Technology
Steven Johnson escreve quase no final de Interface Culture: Transforms the
Way We Create and
A mudança mais profunda provocada pela revolução digital não envolverá coi- Communicate. (Nova
York, 1997), 213.
sas vistosas ou novos truques de programação... A mudança mais profunda es- 72
tará em nossas expectativas genéricas sobre a própria interface. Passaremos a 4. A coleção de 73
pensar no novo desenho de interface como uma forma de arte – talvez a forma Artesanato Americano
da Casa Branca
de arte do próximo século. E com essa mudança mais ampla virão centenas de estreou na Web em
efeitos naturais, efeitos que se transferem para uma ampla seção da vida coti- 25 de abril de 1994.
diana, alterando nossos apetites para contar histórias, nosso senso de espaço Note o fundo cinza
do Netscape e a
físico, nosso gosto musical, o design de nossas cidades.3 necessidade de baixar
arquivos de vídeo
Sou cético de que a interface se tornará a nova forma de arte durante um século, de vários MB nesta
exposição, criada
mas acho plausível que nossa compreensão da interface se expandirá drasti- antes que houvesse
camente e terá um impacto direto sobre a expressão criativa, e é por isso que tag <bgcolor>,
neste trabalho examino basicamente, embora não exclusivamente, exemplos da tabelas, ou mesmo
um tag <center>
intersecção entre museus e a Web nas artes. Acredito que os artistas contempo- em uso geral ou
râneos e os “interfacers” (Johnson) têm muito a nos ensinar sobre as possibili- a possibilidade
dades relevantes de uma nova mídia em uma sociedade cambiante. de streaming
video. Um aspecto
importante na época
foi a capacidade
2. Os museus reagem à Web de acrescentar
comentários a um
Visitas virtuais e exposições ampliadas em museus livro de comentários,
embora essa
Saltando rapidamente a era de “estilo folheto” de seus sites na Web, os museus função tenha
sido desabilitada
perceberam a possibilidade de colocar suas exposições online, muitas vezes por questões de
ampliando os esforços com informações mais completas e que não poderiam segurança.
estar disponíveis na exposição.
Por exemplo, a primeira exposição online do Smithsonian foi “A coleção de
artesanato americano da Casa Branca”, apresentada e produzida pelo Museu
Nacional de Arte Americana. Essa exposição incluía extensos clipes de vídeo e
áudio do curador falando sobre as peças escolhidas e manipulando-as de ma-
neiras que não seriam possíveis durante a exposição. Além disso, cada artista
foi solicitado a responder a uma série de perguntas sobre seu trabalho, o que
não fazia parte da exposição em si.4
Outro exemplo mais atual da visita online básica a uma exposição de museu é
a bela implementação do Museu de Arte de San Jose de Correntes alternadas.
 FILE TEORIA DIGITAL

5. QTVR significa Esse site deixa claro como a crescente sofisticação da linguagem HTML permite
Quicktime um controle muito maior do design e layout das páginas da Web. Note que as
Virtual Reality,
uma tecnologia versões online tanto da Coleção de artesanato americano da Casa Branca quanto
proprietária mas de Correntes alternadas são citadas como “tours” (excursões), uma importante
amplamente usada da diferença semântica que tenta esclarecer a noção de que as apresentações onli-
Apple Corporation.
A homepage da QTVR ne não pretendem substituir as exposições.
fica em http://www.
apple.com/quicktime/
qtvr/. RealSpace é
outra tecnologia Você está lá: a interface imersiva
proprietária da
Live Picture Corp. Outra abordagem além da “ampliação” da exposição que os museus tentaram
Mais informações
em http://www. na Web é uma interface mais imersiva, “você está lá”, usando QTVR (por exem-
livepicture.com/ plo, Andersen Window Gallery no Walker Art Center), RealSpace (por exemplo,
download/clients/ Thomas Moran na National Gallery of Art, ou VRML (por exemplo, The Virtual
lpviewer.html.
VRML significa Endeavour no The Natural History Museum). É interessante notar que há certa
Virtual Reality evidência preliminar no experimento da Virtual Endeavour (Iniciativa virtual) de
Modeling Language que os jovens visitantes preferem a maior interatividade e controle da navega-
e é atualmente o
único padrão aberto ção permitida por uma interface imersiva.5) Se isso for verdade, pode se tornar
dos três, embora um motivo importante para que os museus experimentem interfaces inovadoras.
seja necessário um Atualmente, essas iniciativas são muitas vezes consideradas simples “adornos”,
plug-in especial de
navegador para vê-lo. que no máximo complicam, em vez de aumentar a comunicação.
A página do consórcio The Virtual Endeavour na verdade tinha um componente de VR em rede. Ou-
VRML está em http:// tras instituições, como a Ars Electronica em Linz e a ZKM em Karlsruhe, buscam
www.vrml.org. Ver
James Johnson, The ambientes totalmente imersivos que também possam ser postos em rede, como
Virtual Endeavour é demonstrado pelo programa NICE no Laboratório de Visualização Eletrônica da
Experiment: A Universidade de Illinois.6
Networked VR
Application,
Proceedings ICHIM 97,
(set. 97), pp. 68-74 A exposição estendida
para uma descrição
do projeto.
Em sua apresentação Finalmente, em termos de visitas online a exposições de museus, além de am-
oral na Conferência pliar a exposição e apresentar uma interface imersiva, também há a opção de
ICHIM, Johnson
mencionou os estender a exposição. Como as melhores publicações de exposições, estender
estusos de público uma exposição online significa mais que simplesmente re-representá-la, mas
preliminares, também reformatá-la para a melhor experiência possível no meio – diante de
que serão
publicados em 1998. uma tela de computador, transmitida pela Internet.
Um exemplo de exposição estendida é Diana Thater: Orchids in the Land of
Technology (Diana Thater: Orquídeas na terra da tecnologia). A versão online
CURANDO (N)A WEB

foi “anunciada” por uma série automatizada de páginas, retomando uma das 6. A Ars Electronica
obras em vídeo de Thater, que parecia um “túnel” na entrada da homepage do opera um CAVE -- um
cubo de 2,5 metros
Centro Walker.7 com uma experiência
Ao clicar sobre ela, o espectador se via diante de uma citação em movimento de VR imersiva em
de Walter Benjamin, que também era baseada em um “rótulo de parede” exposto 3D projetada em 3
paredes e no chão,
em um monitor de TV no início do site-exposição. O espectador pode então “pas- baseado no CAVE em 74
sear” por galerias de QTVR, onde muitos objetos apresentados são “quentes”. EVL. ZKM (Zentrum 75
Enquanto as percorre, é possível escutar trechos de áudio de um diálogo com a fur Kunst und
Medientechnologie)
artista no dia da inauguração. Mas é aqui que o designer, Louis Mazza, estende recentemente
a experiência, ao remixar o áudio de uma maneira que chama a atenção para adquiriu um
o mix, assim como a “mixagem” feita por Thater dos canais rgb do projetor de simulador de voo para
projetos artísticos,
vídeo chama a atenção para os suportes tecnológicos e construídos da experi- e o Laboratório
ência narrativa, normalmente transparente. É uma linha tênue entre apresentar de Visualização
o trabalho em uma exposição e estendê-lo de modo apropriado – tanto para a Eletrônica tem
desenvolvido
obra quanto para o meio. aplicações imersivas
em VR em seu CAVE
há vários anos.
Ars Electronica,
Exposições criadas para ser online http://www.aec.
at/center/centere.
Cada vez mais, as exposições são criadas para ser pelo menos parcialmente on- html. ZKM, http://
www.zkm.de. NICE
line. Isto é, desde a concepção inicial de uma exposição se planeja um compo- Project (Narrative-
nente online integrado. Basicamente, estes envolvem exposições baseadas em based Immersive
sites, mas isso também está mudando, como veremos. Constructionist/
Collaborative
Alguns exemplos são: Arts As Signal: Inside the Loop, Bodies Incorporated, Environments),
Mixing Messages: Graphic Design in Contemporary Culture e Techno Seduction. http://www.ice.eecs.
Uma das exposições online mais radicais é Revealing Things (Revelando Coi- uic.edu/~nice/NICE/
aboutnice.html.
sas), no Smithsonian, curada por Judy Gradwahl. Baseada em “objetos cotidia-
nos” do acervo do Museu Nacional de História Natural, não há instalação física 7. O túnel não está
ligada a essa iniciativa, à qual Gradwahl dedicou mais de dois anos. Não está mais no Walker Web
site, mas pode ser
claro se a longo prazo exposições totalmente virtuais de objetos físicos se tor- acessado em http://
narão uma prática comum – alguns diriam que o objeto autêntico é praticamen- www.walkerart.org/
te a única coisa que separa os museus de todas as outras práticas curatoriais thater/cyan.html.
online –, mas de qualquer modo é um parâmetro importante. O site também usa
uma interface inovadora baseada em Plumb Design’s Thinkmap.
FILE TEORIA DIGITAL

O curador como filtro

Não importa de que maneira você a divida, é claro, colocar online uma ver-
são de uma exposição não é a mesma coisa que fazer curadoria na Web. Nesse
aspecto os museus até hoje foram mais circunspectos, mas várias direções
frutíferas foram experimentadas. Atualmente, a comunidade de museus está
aplicando um grande esforço para simplesmente digitalizar seus acervos e tor-
ná-los cada vez mais acessíveis online. Digitalizar os bens não é diferente da
função histórica do museu de preservar os artefatos. Conforme esse processo
se tornar cada vez mais eficaz, porém, haverá uma crescente necessidade de
encontrar maneiras de “filtrar” as enormes quantidades de informação dispo-
níveis. A ênfase mudará de simplesmente “criar” conteúdo para apresentar um
contexto para ele; um ponto de vista sobre ele – assim como um dos papéis
do curador é identificar, contextualizar e apresentar um ponto de vista sobre
obras de arte. Enquanto muitos websites de museus têm listas de links, poucos
tendem a “curar” esses links, ou oferecer motivos para visitá-los além de um
genérico “sites a verificar”.
O site do Whitney Web, por exemplo, diz: “A partir daqui, oferecemos um
link para outros sites de museus, onde está ocorrendo a mais interessante
oferta de conteúdo de museus online. A inclusão nesta lista não constitui um
endosso do Whitney Museum, nem essa lista é de modo algum abrangente”. E
embora isso possa ser mais explícito que a maioria, não é raro. O Musée d’Art
Contemporain de Montreal tem uma das listas mais abrangentes e organizadas
de arte contemporânea na Web, mas eles tampouco oferecem muita contextua-
lização para os links. O Cincinnati Contemporary Arts Center declara: “estamos
interessados em explorar a Web como ‘novo meio’ para artistas e pretendemos
desenvolver esta página de Exposições Virtuais com esse fim. Enquanto isso,
aqui estão links para vários sites que usam o ciberespaço como espaço para a
arte”. E eles dão informação contextual sobre os links. De modo interessante,
um museu de ciência, o Exploratorium, tem uma listagem semanal de “dez sites
bacanas”, muitos dos quais são de arte. O site de fotografia do Museu Nacional
de Arte Americana, Helios, também resenha recursos de fotografia na Web a
cada duas semanas, em “Transmissions”.

Curadoria na Web: Mapas e hiperensaios

O paralelo mais próximo de uma lista “curada” de links da Web talvez seja a
bibliografia anotada. No entanto, quando saímos do acervo do museu (na Web),
mesmo de maneira bibliográfica, as comportas conceituais se abrem para a
CURANDO (N)A WEB

curadoria na Web propriamente dita. É claro, exposições externas ao acervo não 8. O artigo Memex de
são novidade, mas ainda não são amplamente praticadas na Internet. Há, porém, Vannevar Bush e links
relacionados podem
alguns exemplos intrigantes. ser encontrados em:
O Instituto de Arte Contemporânea em Londres tem o que chama de “Cura- http://www.isg.sfu.
tours”, que “explora ideias e temas em sites da Web. Cada Curatour explora um ca/~duchier/misc/
vbush/. A homepage
tema diferente e é curado por um especialista do campo”. Até hoje são apenas de Ted Nelson fica em 76
dois curadores e eles estão há quase um ano, por isso não está claro se o ICA http://www.sfc.keio.
ac.jp/~ted/index.html. 77
pretende continuar o programa. Colour-Color, do artista Jake Tilson, “enfoca o
uso da cor na Internet, de questões simbólicas e teóricas aos efeitos que ela
cria”. O outro “curatour”, Collapse, é na verdade menos um tour na Web do que a
ideia de usar uma interface diferente – neste caso VRML – para explorar o site
do ICA de um ponto de vista diferente, por assim dizer.
O Museu Guggenheim tem um programa semelhante, que chama de “Cybe-
rAtlas”, um esforço dedicado a mapear esta terra incógnita do ciberespaço. O
objetivo de CyberAtlas é encomendar e colecionar uma série de mapas do ci-
berespaço, com um enfoque particular para sites relacionados à arte visual e à
cultura. Diferentemente do típico mapa de navegação, os mapas de CyberAtlas
podem levá-lo aonde você quiser, assim como lhe dizer como chegar lá: clicando
em um site em qualquer dos mapas o transportará imediatamente para a página
correspondente na Internet.
Seus primeiros dois projetos são Electric Sky, de Jon Ippolito – “Estrelas bri-
lhantes no firmamento da arte online e as redes que as sustentam” – e Intelligent
Life, de Laura Trippi – “Um mapa temático que traça conexões entre recentes
avanços científicos e arte, teoria e cultura popular”. São obras maravilhosas,
imperdíveis, que apontam uma direção importante em curadoria (na) Web.
Como uma variante do webmapa, o Walker Art Center encomendou um “hi-
perensaio” baseado na vida e obra de Joseph Beuys. O pretexto foi uma exposi-
ção de sua obra, mas o objetivo era escrever um texto informativo que pudesse
não apenas ser lido de maneira não linear, mas que também seria criado para
aproveitar os vastos recursos da Internet, ligando-o a eles sempre que fosse
adequado. Se a WWW é um protótipo do Memex de Bush ou do Xanadu de Nelson,
então deveríamos criar programação que aproveite essa “biblioteca universal”.8
O Walker pretende encomendar pelo menos três hiperensaios por ano sobre te-
mas amplos relacionados à programação on-site.
FILE TEORIA DIGITAL

Curando web-arte

Anotar links, mapear territórios, navegar uma rota, todas são funções de tipo
curatorial que atuam sobre objetos digitais e/ou em um domínio digital. Talvez a
mais clara expressão desse tipo de iniciativa é curar arte específica para a Web.
Enquanto a tecnologia, incluindo a Web, tem aberto caminho para dentro da ga-
leria nos últimos 30 anos ou mais, parece haver pouco consenso na comunidade
dos museus sobre a definição ou mesmo o valor da arte específica para a Web.
Muitos artistas incorporaram a Internet como um aspecto de suas instala-
ções físicas em museus: Bowling Alley, de Shu Lea Cheang, originalmente apre-
sentado no Walker Art Center, a recente instalação e projeto Exploding Cell, de
Peter Halley, no Museu de Arte Moderna, para citar apenas dois, mas a adoção
pelos museus da arte específica para a Web foi mais cautelosa até hoje.
Dois dos primeiros pioneiros, é interessante notar, são museus de univer-
sidades com uma forte conexão com a fotografia e a programação dirigida por
artistas. O Museu da Fotografia da Califórnia na UC Riverside tem apresentado
projetos de artistas específicos para a Web, assim como incentivado há vários
anos exposições de instalações com importantes componentes da Web. Eles até
adquiriram uma cópia do software Adobe Photoshop para sua coleção perma-
nente, por causa de sua importância para a futura história das imagens. @art,
que tem como cofundador o fotógrafo Joseph Squier, é uma galeria de arte ele-
trônica afiliada à escola de arte e design da Universidade de Illinois em Urbana-
Champaign. Os projetos da @art’s incluem obras de Peter Campus, Carol Flax,
Barbara DeGenevieve e outros.
Uma das iniciativas mais inovadoras e substanciais de um museu para
apoiar a arte específica para a Web é a série de mais de meia dúzia de projetos
do Dia Center que ocorre desde 1994. Aqui está uma descrição de seus esforços:
os projetos de artistas do Dia para a Web começaram no final de 1994, quando
Michael Govan tornou-se diretor do Dia. Seu apoio entusiástico à Web tinha dois
objetivos: tornar a informação sobre o Dia e seus programas acessíveis a um
público maior; e, mais importante, encomendar obras de arte feitas especifi-
camente para a Web. Desde sua concepção, o Dia se definiu como um veículo
para a realização de projetos de artistas extraordinários, que de outro modo
poderiam não ter o apoio de instituições mais convencionais. Com esse fim, ele
sempre tentou facilitar experiências diretas e não mediadas entre o público e a
obra de arte. A Web forneceu uma oportunidade para levar a arte diretamente ao
público, ao se encomendar projetos significativos de artistas interessados em
explorar os potenciais estéticos e conceituais desse novo meio.
A curadora do Dia, Lynne Cooke, seleciona os artistas com quem o centro
pretende trabalhar em consulta com Sara Tucker, diretora de mídia digital. Com
CURANDO (N)A WEB

base em nossa extensa e constante pesquisa na prática de arte contemporânea, 9. E-mail de Sara
acompanhamos o trabalho de muitos artistas, tanto nos EUA como no exterior, Tucker e Lynne Cooke
para Steve Dietz,
que vão de jovens e desconhecidos até aclamados e estabelecidos. Escolhemos 16/03/1998.
artistas principalmente das belas artes, mas também de disciplinas adjacentes,
incluindo dança e arquitetura, com base em nossa convicção de que eles vão
abordar o meio de maneira original, e até heterodoxa. Os artistas trazem para
78
a Web os conjuntos de questões e temas que eles abordam em seu trabalho em
79
outras mídias, formulando projetos que expandem suas próprias ideias enquan-
to abordam o contexto e as características da Web.
Não há regras ou diretrizes formais para esses projetos – o processo de pro-
dução geralmente varia muito de um projeto para outro. Sara Tucker trabalha
estreitamente com o artista para realizar o projeto em termos ideais. As deci-
sões sobre largura de banda ou browser para o qual criar são deixados a cargo
do artista, depois de eles terem compreendido as várias opções. Embora tenha
havido algumas exceções, a maioria dos artistas não tinha técnicas de progra-
mação: o processo do trabalho envolve primeiro explorar potenciais e limites,
depois o artista trabalha com Tucker para desenhar e programar os projetos.
A multimídia e a eletrônica não são novos para as artes visuais. O Dia, por
exemplo, patrocinou as instalações multimídia de artistas como La Monte Young
e Robert Whitman no início da década de 1970. A mídia digital, porém, tornou-
-se cada vez mais importante nas artes visuais conforme os avanços nas tec-
nologias de computação e comunicações permitiram que os artistas manipulem
com facilidade imagens, texto e som, e imaginem distribuir seu trabalho para
o enorme público sugerido pelo crescimento exponencial da Internet. Já que o
desenvolvimento histórico de qualquer nova mídia, como cinema ou fotografia,
foi liderado por artistas, é nossa esperança que o Dia, ao implementar projetos
de artistas no reino da mídia digital, possa estender os limites desse meio e
desafiar as suposições dominantes que o governam.
O objetivo geral deste programa de projetos de artistas para a Web é enco-
mendar uma série de projetos variados, desafiadores e intrigantes.9
O The Walker Art Center, com o relançamento de seu site na Web em julho de
1997, criou uma “Galeria 9” virtual, em que instituiu uma série de projetos de
artistas para a Web, sendo o primeiro Ding an Sich (The Canon Series), de Piotr
Szyhalski. No próximo ano, o Walker vai se concentrar em encomendar proje-
tos de artistas emergentes para esse meio emergente, com planos imediatos
de obras de Lisa Jevbrat para “Stillmanizar” o site do Walker; Paul Vanouse, com
uma apresentação de seu Consensual Fantasy Engine e uma “colaboração adver-
sária” de Janet Cohen, Keith Frank e Jon Ippolito.
 FILE TEORIA DIGITAL

Colecionando web-arte

10. Susan Kuchinskas, O Museu de Arte Moderna de San Francisco fez um dos maiores sucessos de mí-
Museums Add dia até hoje em termos de museus e da Web ao “adquirir” partes de três websi-
Web Sites to
Collections, Hotwired, tes: adaweb, Atlas e Funnel. Apesar de o curador de arquitetura e design, Aaron
12/02/1997, http:// Betsky, ter pedido a esses sites que fizessem uma doação para o acervo, e ele
www.wired.com/ “está tratando as peças como faria com desenho gráfico, mais que obras de be-
news/news/culture/
story/2009.html. las artes”,10 a decisão curatorial consciente de colecionar “isto e não aquilo” -
especialmente quando “isto” é um site da Web – é um exemplo significativo.
11. Matthew O Museu Whitney de Arte Americana adquiriu A Primeira Sentença Colabora-
Mirapaul, Leading
Art Site Suspended, tiva do Mundo, de Douglas Davis, como parte da doação do legado do coleciona-
The New York dor Eugene Schwartz, e tem planos de hospedá-la em seu servidor, embora ainda
Times Cybertimes esteja hospedada no departamento da universidade onde começou.
3/03/1998, http://
search.nytimes.com/ O Walker Art Center também tem um acordo em princípio para adquirir todo
books/search/bin/ o site adaweb, que seus proprietários corporativos não desejam mais apoiar
fastweb?getdoc+ como uma iniciativa em curso.11 Adaweb continuaria sendo servido pelo site do
cyber-lib+cyber-
lib+20071+0+ Walker, mas novos projetos não seriam acrescentados a ele. O Walker planeja a
wAAA+adaweb. aquisição do adaweb como um primeiro passo significativo em um compromisso
constante para criar uma coleção digital de arte específica para a Web.

3. Concorrência cultural

Quando a Disney propôs um parque temático histórico parcialmente no local de

um campo de batalha da Guerra Civil na Virgínia, houve muitas reclamações - e
somente parte delas veio da aristocracia fundiária local, preocupada com seu
impacto sobre a caça de raposas. Houve igual preocupação sobre a “disneyfica-
ção” da história e como um verdadeiro museu como o vizinho Smithsonian pode-
ria concorrer com esse “divertimento educacional”. Na verdade, é lugar-comum
queixar-se da sina dos museus que têm de competir com os vários ídolos do
entretenimento popular, seja Niketown, Disney ou Amistad.
Sem reduzir a – ou querer entrar aqui em – questões de experiências autên-
ticas e inautênticas em uma cultura mediada, na minha perspectiva, esqueça a
concorrência com a visão artística de um Steven Spielberg ou James Cameron;
nós, museus, dificilmente conseguimos nos manter à vista, quanto menos à
frente, dos mais modestos esforços de artistas e organizações que trabalham
na Web hoje.
Em janeiro de 1997 fui convidado pela publicação da AAM, Museum News,
para escrever sobre os melhores sites de museus. Acabei sugerindo que um não
museu, artnetweb, tinha o melhor website de museu. O ambiente de museus na
CURANDO (N)A WEB

Web está uma ordem de magnitude mais rico um ano depois, mas ainda não es- 12. Ralf Neufang,
tou convencido de que os melhores sites de museus estejam sendo produzidos American Library
Association, http://
por museus reais com acervos de obras de arte. www.lib.cwu.
edu/~samato/IRA/
reviews/issues/dec94/
louvre.html. Para mais
Museus virtuais sobre o “duelo dos
Louvres”, ver http:// 80
Assim como na “vida real” o Louvre é um dos mais renomados museus do mundo, www.strcom.com/ 81
webzeumz/luves1.htm.
o Le WebLouvre é um dos sites mais conhecidos, visitados e linkados com maior
frequência no ciberespaço. Mas Le WebLouvre é um museu virtual. Ele não tem
acervo e não é oficialmente relacionado ao Louvre (hoje é formalmente chamado
de Le WebMuseum depois de uma “conversa” com os advogados do Louvre).
Parte do servidor da ENST (Ecole Nationale Superieure des Telecommunica-
tions, Paris) na WWW, Le WebLouvre – sem relação oficial com o famoso museu
de arte – foi criado por Nicolas Pioch, um estudante de 23 anos e instrutor de
informática na ENST. O projeto é continuamente desenvolvido e ampliado com a
ajuda de contribuintes externos porque “há necessidade de mais coisas artísti-
cas na Internet”, como explica Pioch.12
Há outros exemplos de museus virtuais que “emprestam” os acervos de ou-
tros museus ou são modelados como museus, mas estou mais interessado no
incrivelmente amplo leque de “instituições” que fazem muitas das coisas que os
museus deveriam fazer mais, sem necessidade de se definir como museus. De
que adianta, afinal, se a coleção é virtual (isto é, inexistente) ou digital, e nesse
caso infinitamente e exatamente replicável e a questão da propriedade não é tão
central quanto outras questões, como ponto de vista, contexto, inovação, apoio
à prática artística e muito mais?

Organizações de artes virtuais

Existem provavelmente centenas de organizações virtuais mesmo no reino li-

mitado da arte contemporânea. Uma lista inadequada de algumas das mais no-
táveis do mundo inclui: adaweb, Digital XXX, irational.org, Stadium, The Thing,
Turbulence, Year Zero One e ZoneZero. Uma lista dos artistas e projetos repre-
sentados apenas por esses sites, entretanto, constituiria um “acervo” signifi-
cativo. [Antes que você resmungue sobre os grandes sites que faltam, continue
lendo, muitos outros são discutidos abaixo em diversos contextos.] Além disso,
a dedicação de cada um desses sites a um contexto crítico, educação, interface
FILE TEORIA DIGITAL

inovadora, construção de comunidade, e sim, seleção curatorial, é impressio-

nante e inspiradora. A questão interessante não é como esses sites se com-
param aos sites de museus ou como museus virtuais, mas sim o que os museus
tradicionais têm que esses sites não têm, ou não conseguiram?
Antes de explorar essa questão, porém, eu gostaria de detalhar um pouco a
outra “concorrência” que os sites de museus encontram. No “mundo atômico”,
é difícil para uma revista de arte, por exemplo, competir diretamente com um
museu. Um “projeto” nas páginas raramente é comparável a uma instalação nas
galerias. No reino digital, entretanto, a galeria virtual de um zine é potencial-
mente tão eficaz quanto a galeria virtual de um museu – ambas podem oferecer
a mesma quantidade de espaço no disco rígido, de ciberespaço, de espaço colo-
rido, de capacidade de codificação. Mais uma vez, então, qual é a diferença?

Galerias de zines

Talvez seja verdade que todo departamento de arte de universidade do mundo

está lançando zines online. E vários deles são muito bons. A academia também
não é a única fonte de zines. Mas, seja qual for sua origem, a maioria trata de
arte e cultura visual de alguma maneira significativa, “curando” galerias digitais
de obras de arte online. Uma lista curta e mais uma vez inadequada poderia
incluir a galeria rgb da Hotwired, Leonardo Electronic Almanac, Speed, Switch
do CADRE Institute na Universidade Estadual de San Jose, Talk Back!, Why Not
Sneeze? E muitas outras.

Enquanto concebia a reforma da Leonardo Electronic Almanac Gallery, senti a

necessidade de recuar alguns passos para poder avançar. A World Wide Web
está cheia de “galerias virtuais”, a maioria das quais são simplesmente links
para obras ou páginas pessoais. Embora esses sites às vezes sejam interes-
santes, apresentam mais uma coleção de portfólios do que se poderia esperar
sob o título de “galeria”. Com a LEA Gallery, eu quis manter alguns aspectos da
galeria tradicional – a presença curatorial, temas e uma sensação de lugar em
uma história maior que a da World Wide Web.
A LEA Gallery é concebida para estar sempre em mutação – adaptando-se
em design e função para complementar novos projetos, além de oferecer uma
estrutura para o arquivamento de obras mais antigas. Enquanto a Leonardo
Electronic Almanac em si é desenhada para acomodar uma variedade de usuá-
rios – os que têm a mais avançada tecnologia assim como os que contam com
CURANDO (N)A WEB

modems dial-up e browsers mais antigos –, a LEA Gallery foi desenhada para 13. Patrick Maun,
aproveitar alguns dos avanços tecnológicos mais recentes. Conforme a galeria e-mail para
Steve Dietz.
evoluir e se adaptar, o mesmo ocorrerá com a tecnologia que ela utiliza, e, ao
se manter aberta à exploração tecnológica, cria a possibilidade de projetos que
pesquisam e usam animação, som, VRML e Java.
O futuro da galeria inclui a apresentação de novas obras que exploram os
limites da arte, ciência e tecnologia, obras tópicas que lidam com temas explo- 82
rados nas edições mensais do Almanac, homenagens artísticas a pioneiros da 83
mídia, e obras que esclarecem teorias contemporâneas nas artes e ciências. –
Patrick Maun, curador, LEA Gallery.13

Como programador da Gallery 9 do Walker, eu posso identificar muitos objetivos

semelhantes. Em quê somos diferentes?

Uma festa móvel

Um dos sites mais conhecidos de novas mídias nem sequer tinha uma casa per-
manente até o ano passado. No entanto, o “Festival de Arte, Tecnologia e Socie-
dade” Ars Electronica tem uma força significativa há quase 20 anos, e nos últi-
mos teve uma ampla presença na Web. De modo semelhante, a conferência anual
da International Society for Electronic Arts – ISEA (Sociedade Internacional para
Artes Eletrônicas) tem um website com um conjunto seleto de links para obras de
arte. A venerável conferência SIGGRAPH possui uma galeria de arte online. Até a
mais recente Documenta curou um site à parte de suas instalações físicas. E este
ano a conferência Museums and the Web tem uma exposição online de net-arte.
Alguns dos esforços mais importantes em termos de identificar e contextu-
alizar net-arte estão sendo feitos em uma base anual em festivais e conferên-
cias ao redor do mundo. E enquanto uma conexão CU-SeeMe ou um clique em
http pode não ser a mesma coisa que tomar um espresso em um café de Paris,
é realmente uma festa em rede que permite a alguns as mesmas vantagens de
branding dos museus com sites.
 FILE TEORIA DIGITAL

Desenhando arte

14. Gabrielle No reino digital, parece que não basta para os estúdios de design terem algu-
Shannon, editora- mas contas de prestígio, como sites de museus na Web. Muitas das principais
-chefe, Urban
Desires, http://www. agências criam seus próprios sites de “arte” – iniciativas semiautônomas que
desires.com/3.6/note/ são consideradas ao mesmo tempo um canal para criatividade e uma pesquisa
index.html. de design de vanguarda.
Por exemplo, a Agency.com tem Urban Desires, uma iniciativa em formato de
fanzine que está em processo de mudança, mas cujos objetivos talvez tenham
ainda mais a ver com criar conteúdo cultural: “... vamos criar um local para a
distribuição de novas mídias da nova escola: peças altamente visuais, narrati-
vas não tão lineares, explorações interativas, filmes curtos de animação, jogos,
experimentos, piadas de mídia... e quem sabe o que mais”.14 A Razorfish tem
duas iniciativas: The Blue Dot, “curado” por Craig M. Kanarick, que assume como
desafio “provar que a Web pode ser bela”, e rsub, cujo objetivo é “criar uma rede
online de conteúdo original exatamente quando todos os outros desistiram”.
Além da (con)fusão de casas de design criando conteúdo/arte originais, a
interface em si, como foi discutido, é uma forma de arte importante (p.ex., o
SFMoMA, que coleciona design de websites ). Uma interface particularmente inte-
ressante, Thinkmap/Visual Thesaurus da Plumb Design, foi na verdade uma filial
do rsub da Razorfish, e é a principal interface para a exposição do Smithsonian
já mencionada, Revealing Things.

Galerias de e-comércio

As galerias comerciais, em toda a história da arte moderna, estiveram entre

os primeiros a reconhecer novas formas de arte. Talvez dada a facilidade de
replicabilidade de grande parte da arte na Web, juntamente com uma atitude
“anti-produto” por parte de muitos praticantes de net-arte, ainda não há uma
ampla atividade de galerias de arte comerciais na Internet, mas existem alguns
esforços significativos, como a Sandra Gering Gallery, Postmasters. Também há
outros canais interessantes, como a Robert J. Schiffler Foundation.

Bibliotecas e arquivos

Normalmente, pensamos nas bibliotecas e arquivos como complementos dos

museus, o que certamente são, é claro (e vice-versa). Ao mesmo tempo, na me-
dida em que os museus estão “basicamente no setor de disseminar informação”,
CURANDO (N)A WEB

há uma sobreposição. A curto prazo, os esforços do bibliotecários para identi- 15. Hope N. Tillman,
ficar fontes de informação de qualidade devem dirigi-los para os recursos dos Evaluating Quality on
the Net, http://web0.
museus, se fizermos nosso trabalho direito.15 A longo prazo, porém, as decisões tiac.net/users/hope/
sobre que “coisas” arquivar – incluindo, por exemplo, sites de web-arte – é equi- findqual.html.
valente a uma decisão curatorial. Exceto que não apenas os curadores podem
16. Michael
não estar tomando essas decisões, como elas podem ser tomadas diretamente Lesk, “How Much
por nenhum ser humano. Information Is There 84
Em seu fascinante trabalho para a conferência Time & Bits, Michael Lesk der- in the World?”, Time &
Bits: Managing Digital 85
ruba a ideia de que será fisicamente impossível armazenar a soma do conheci- Continuity, http://
mento humano, mas sugere um problema ainda maior – como avaliá-lo. www.ahip.getty.edu/
timeandbits/ksg.html.

Haverá suficiente espaço em disco e armazenagem em fita no mundo para ar-

mazenar tudo o que as pessoas escrevem, dizem, apresentam ou fotografam.
Pois escrever isto já é verdade; para os outros faltam apenas um ou dois anos.
Somente uma pequena fração dessa informação foi profissionalmente aprova-
da, e somente uma pequena fração dela será lembrada por alguém. Como foi
notado antes, a mídia de armazenamento vai superar nossa capacidade de criar
coisas para guardar nela; e assim, depois do ano 2000, o disco rígido médio ou
o link de comunicação conterão comunicação máquina a máquina, e não humano
a humano. Quando atingirmos um mundo em que a peça média de informação
nunca seja examinada por um ser humano, vamos precisar saber como avaliar
tudo automaticamente para decidir o que deve receber o precioso recurso da
atenção humana.16

Padrões, classificação de Dewey, arquivos, longevidade. Não são temas atraen-

tes, mas a menos que lhes demos atenção, a história poderá ser compreendida
por nosso netos de maneira muito diferente do que a vivemos.

4. Os artistas indicam o caminho

Os artistas compreendem a rede de maneira quase intuitiva, e demonstraram

grande interesse e entusiasmo pelo processo colaborativo, expondo visões re-
almente interessantes dos usos que se podem dar à Web, como ela mudaria
nosso modo de nos comunicar, como reuniria as pessoas de modo diferente,
criando o que eu às vezes chamo de “mundo vigeo” – geografia virtual, infor-
mada pela mídia.
– Benjamin Weil, curador, adaweb
FILE TEORIA DIGITAL

Net-arte

Não apenas muitos artistas estão se envolvendo na Web com trabalho inovador,
como alguns também estão problematizando o papel potencial dos museus e
outros espaços institucionais/coleções em relação à Web de maneiras desafia-
doras. A questão óbvia que vem à mente é a estrutura de “muitos para muitos”
da Internet, e o que foi chamado de “desintermediação”. Em outras palavras,
através da Internet um artista em quase qualquer lugar do mundo pode alcançar
alguém em quase qualquer lugar do mundo que tenha uma conexão com a Inter-
net, sem ter de passar por um “intermediário”, como uma galeria ou um museu.
Uma das iniciativas mais conhecidas nesse sentido – e mais misteriosa, de
muitas maneiras – é uma confederação frouxa de artistas, que às vezes admitem
a rubrica de “net-arte” e se congregaram em vários pontos ao redor da lista de
discussão nettime e do website irational.org, assim como vários outros. Basta
dizer que vale a pena passar muito tempo lendo e clicando no arquivo de nettime
e irational.org, mas que os artistas e teóricos associados à net-arte problemati-
zam timidamente questões de curadoria e institucionalização ao mesmo tempo
que praticam formas delas.

E também quando falamos sobre net-arte e arte na Internet algumas pessoas

dizem que devemos nos livrar da própria ideia de arte e que temos de fazer algo
que não se relacione ao sistema da arte, etc. Acho que isso não é absoluta-
mente possível, especialmente na Internet, por causa do sistema de hiperlinks.
Qualquer coisa que se faça pode ser colocada no contexto da arte e ligada a
instituições de arte e sites relacionados à arte.
– Alexeij Shulgin

A net-arte só funciona na Internet e escolhe como tema a Internet ou o “mito

Internet”. Muitas vezes lida com conceitos estruturais: um grupo ou um indiví-
duo cria um sistema que pode ser expandido por outras pessoas. Ao lado disso
há a ideia de que a colaboração de várias pessoas será uma condição para o
desenvolvimento de um sistema geral.
– Joachim Blank

Desktop IS, de Shulgin, é sintomático dessa abordagem. Desktop IS é ao mesmo

tempo uma “obra” de Shulgin e uma iniciativa de grupo aberta a todos. O “cha-
mado” vale a pena ser citado na íntegra.
 CURANDO (N)A WEB

DESKTOP IS 17. “Interview

Primeira Exposição Internacional de Desktop Online with Alexeij
E.Shulgin: Balancing
- http://www.easylife.org/desktop between Art and
- Se você quiser participar: Communication, East
- tire uma foto da sua área de trabalho (aperte o botão “PrtScr” no Windows e and West”, Armin
Medosch, Telepolis
“Apple+Shift+3” em Macintosh) (22/07/97) http://
salve-a como um arquivo JPEG e chame-a de “desktop.jpg” www.telepolis.de/
86
coloque-a no seu website e envie o link para [email protected] (se você não tp/english/special/
ku/6173/1.html 87
tiver um website, mande seu arquivo desktop.jpg como anexo - nós o colocare- Joachim Blank,
mos online no site DESKTOP IS). Não há prazo para a exposição; as novas inscri- “What is netart
ções serão adicionadas quando recebidas durante pelo menos 6 meses a partir ;-)” contribuição
a uma exposição e
de 20 de outubro de 1997. Estamos considerando mostrar DESKTOP IS em uma congresso chamados
galeria de arte. Todos os participantes serão contatados para discutir detalhes “(History of) Mailart
e condições.17 in Eastern Europe” no
Staatliches Museum
Schwerin (Alemanha)
Não há nada revolucionário, é claro, em projetos de arte que convidam à parti- 1996 http://www.
cipação aberta segundo um formato predefinido. Muitos artistas fizeram isso ao irational.org/cern/
netart.txt
longo dos anos, como o importante trabalho de fotografia de Lew Thomas no iní- ---, Desktop IS,
cio dos anos 1970. Há dois paralelos com artistas postais, que “como praticantes http://www.easylife.
de um movimento de arte internacional tratam o sistema de distribuição como org/desktop.

integrante de seu meio”. E Group Material descreve seu processo desta maneira: 18. Daniel O. Georges,
“Mail Art from 1984”,
Nosso método de trabalho pode ser descrito como dolorosamente democrático, In The Flow:
Alternate Authoring
porque grande parte de nosso processo depende da resenha, seleção e justa- Strategies, Franklin
posição crítica de inúmeros objetos culturais, optar por um processo coletivo é Furnace, 1994. http://
extremamente difícil e demorado. No entanto, o aprendizado e as ideias com- www.franklinfurnace.
org/flow.
partilhados produzem resultados que são muitas vezes inacessíveis aos que
trabalham sozinhos.18

A Internet, porém, talvez seja um meio unicamente fluido e adequado a esses

projetos – em termos de fazer a convocação, da facilidade de criar a obra, de
contribuir para a obra, e especialmente em termos de exibir a obra (apesar da
possibilidade de uma instalação em galeria de Desktop IS, ela vive em perfeito
conforto na Internet). Talvez o mais importante, porém, enquanto a Internet se
torna cada vez mais ubíqua, a interface desenhada torna-se concomitantemente
central para nossas vidas, e é importante questionar e investigar como algo que
é de fato construído e não “natural”, como passamos a pensar inconscientemen-
te no desktop – se é que pensamos nele.
 FILE TEORIA DIGITAL

Arte colaborativa

19. Victor Cassidy, A instalação de Antonio Muntadas, File Room, não foi criada como um projeto
Trouble In Chicago e exclusivo para a Web, como A Primeira Sentença Colaborativa do Mundo, de Dou-
Two Chicago Galleries
and Why They Closed, glas Davis, mas foi especificamente estendida à Web para convocar a colabora-
Artnet Magazine ção de pessoas de todo o mundo.
http://www.artnet.com
Infelizmente, a
primeira versão para The File Room ... documenta diversos casos individuais de censura ao redor do
a Web de File Room mundo e ao longo da história com um arquivo de computador interativo e fácil
está offline com de usar. ... The File Room não atua como uma enciclopédia eletrônica, mas como
o fim da Randolph
Street Gallery uma ferramenta para troca de informação e um catalisador para o diálogo. Tex-
em Chicago, que tos e imagens desapareceram, foram retirados de vista ou proibidos desde o
coproduziu o projeto, início da história. Este projeto pretende tornar visíveis em todo o mundo alguns
mas existe uma
interface anterior desses incidentes e atos, como uma fonte de documentação para novos inciden-
em http://simr02. tes que podem ser apresentados pelos usuários online.
si.ehu.es/FileRoom/
documents/TofCont.
html. Uma “página de File Room não apenas permite que os usuários acrescentem suas próprias his-
informações” também tórias aos arquivos, como também usa as capacidades pesquisáveis, de acesso
está disponível aleatório, da mídia digital para ajudar a tornar o que era invisível mais facil-
na página da NII
Awards 1995. mente visível. Entretanto, como uma irônica e trágica nota de rodapé, o fecha-
mento da Randolph Street Gallery, que coproduziu o projeto, File Room não está
mais disponível online em sua mais recente incarnação.19

O público como curador

Se o refrão popular de visitantes a exposições de arte abstrata e outras contem-

porâneas é “meu filho de 6 anos poderia fazer isso”, o equivalente na Internet
talvez seja um “agente inteligente” saber antes de você de qual livro, CD ou obra
de arte você vai gostar e “linká-la” a você. A equipe de artistas Komar & Melamid
levou isso um passo além, ao criar pinturas baseadas em preferências de usuá-
rios em uma “amostragem científica”.
Este projeto, criado pelos artistas dissidentes russos Vitaly Komar e Alex
Melamid, tenta descobrir o que seria a verdadeira arte “popular”. Através de uma
firma profissional de marketing, foi feita uma pesquisa para determinar o que os
americanos preferem em uma pintura; os resultados foram usados para criar a
pintura America’s Most Wanted. Este projeto foi expandido em âmbito e em audi-
ência através da Internet no website do Dia, permitindo que os visitantes vissem
as pinturas com base nas pesquisas em mais de uma dúzia de países, analisar os
CURANDO (N)A WEB

dados da pesquisa e participar diretamente de uma pesquisa no site para criar

uma nova pintura “Most Wanted”, específica da comunidade da Internet.
Enquanto Komar e Melamid não vão tão longe a ponto de “customizar em massa”
suas ofertas – eles estão mais interessados na média e na norma –, o aspecto
de levar seu projeto à Web claramente joga com a muito elogiada comunicação
de duas vias na Internet. Não apenas os espectadores podem dizer aos artistas
o que pensam, como podem influir diretamente no que eles criam.
88
Paul Vanouse leva isto um passo adiante com seu projeto Persistent Data Confi-
dante. No PDC, os visitantes contam um segredo (de pelo menos dez palavras) 89

e então ouvem um segredo, ao qual dão uma nota na escala de 1 a 10. Com o
tempo, os segredos que recebem mais notas são classificados por algoritmos
quanto à adequação para “reprodução”. Afinal, os segredos de notas mais altas
se fundem para criar um “novo” segredo. Curando como seleção darwiniana? Os
participantes podem escolher/curar seus preferidos, sim, mas os resultados de
suas opções não são conhecidos - de maneira semelhante a não saber como
ficarão afinal as pinturas de Komar & Melamid.

O artista como museu

De Andrew Wyeth a Andy Warhol, não é novidade um museu dedicado a um único

artista, mesmo quando o artista ainda vive. É um pouco menos comum que o ar-
tista seja arquiteto, diretor, designer de exposições, de publicações e diretor de
RP, educador, e, oh, sim, artista. Mas há vários desses edifícios na Internet que
imitam as estruturas tradicionais dos museus na gravidade 0 do ciberespaço. O
Lin Hsin Hsin Art Museum talvez seja o mais enérgico exemplo, com loja de su-
venires, café, um banheiro musical e muito mais. Torne-se sócio agora e receba
ingressos com desconto para...
O Museu Hsin Hsin é um pouco como um banquete em homenagem a uma pes-
soa famosa. Podemos falar a verdade revestindo-a em excesso. Seja ou não uma
zombaria, o museu Hsin Hsin espeta The Museum ao recriar fiel e amorosamente
suas formas sem se preocupar muito com seus significados. E isto não é uma
descrição imprecisa das primeiras ondas de websites de museus. Conhecíamos
a forma, e conseguimos uma tecnologia moderna, mas é essa a experiência que
queremos ter na Web?
O Project Tumbleweed, de Robbin Murphy, porém, é um pouco como visitar um
grande museu onde há muita coisa acontecendo e a significação só faz sentido
 FILE TEORIA DIGITAL

20. Mark Taylor, realmente depois que você esteve lá algumas vezes e começa a ficar à vontade
Hiding, (The com as coisas. Para um visitante novato, pode ser um pouco desorientador, mas
University of Chicago
Press, 199), pp. está claro que há algo ali. Murphy, um cofundador do artnetweb (e nem sempre
262-263. está claro onde um termina e o outro começa), escreve sobre seu projeto:

Todo o projeto é uma investigação em evolução sobre as possibilidades dos am-

bientes multidimensionais online, e será um modelo para o que muitos conside-
ram um “museu virtual”. Eu uso esse termo com hesitação, mas reconheço que
se tornou comum pensar em termos de multimídia – CD-ROM e outras formas de
entrega digital que se tornaram comuns, mas não são necessariamente aplicá-
veis a um ambiente em rede como a Internet.
Minha definição de virtual seria mais próxima de “universal”, significando
um museu do possível. Afinal, “irreal” e “universal” podem significar a mesma
coisa porque a palavra “universo” é uma metáfora do que não podemos compre-
ender totalmente, uma mentira que contamos a nós mesmos para evitar pensar
no impensável. Por isso, um termo melhor seria “potencial”, e é por isso que dou
a este projeto o subtítulo de “um museu potencial”, uma “casa das musas” que se
baseia não em uma coleção, educação, conhecimento ou qualquer outro aspecto
de nossas atuais instituições, mas no que os museus (as filhas da memória)
prometem – potencialmente.

Ao contrário de Hsin Hsin, que anuncia “mais de mil obras de arte digital” como
um comunicado de imprensa da Corbis, a obra de arte é um pouco mais difícil
de encontrar no Project Tumbleweed – ou melhor, o projeto é a obra de arte em
grande medida. Existe um colapso do continente e do conteúdo. Tudo é superfí-
cie, não importa a profundidade a que você vá. Como escreve Mark Taylor sobre
outro arquiteto, Bernard Tschumi, em seu brilhante novo livro, Hiding [Oculto]:
Quando a realidade é filtrada, o real torna-se virtual e o virtual torna-se real.
Em seu trabalho atual – especialmente no Centro Estudantil da Universidade
Columbia – Tschumi estende os processos de mediatizar e virtualizar a realidade
transformando corpos em imagens. O espaço intermediário onde os eventos de
mídia sedobram no edifício de tal maneira que telas filtram outras telas. Te-
las infinitas tornam o real imaginário e as imagens, reais... As telas não são
simplesmente fachadas externas, mas se sobrepõem de tal modo que o edifí-
cio torna-se uma montagem complexa de superfícies em camadas. Enquanto os
corpos se movem através de peles profundas, o material torna-se imaterial e
o imaterial se materializa. Ao longo do limite interminável da interface, nada
está oculto.20
CURANDO (N)A WEB

Há reproduções digitais de pinturas anteriores de Murphy, é claro, mas estas

realmente servem mais como “estações” para ele meditar, tanto sobre sua vida
como sobre a construção do significado/o significado da arte. Mais criticamente
do que apresentando alguma ideia de seu trabalho em si, embutidas na estrutu-
ra de Project Tumbleweed, estão as noções de ponto de vista e perspectiva. Isto
é, Murphy reconhece e interpreta diversos papéis – e assume que o visitante
também virá de diferentes pontos de vista, seja como surfista ou crítico, artista
ou ator, arqueólogo ou adivinhador. A principal via estrutural como isto é se 90
acomoda em três “níveis” (perspectivas): 91

“<i> i o l a </i>” é a plataforma em primeiro plano (vermelho) e é uma interface

pessoal curada com o resto da Internet através de links para artigos, e-zines,
livros e projetos atualizados diariamente. É uma “entrada” para o resto do pro-
jeto, mas a maioria dos limites levará o visitante a outro lugar. A maioria das
instituições quer manter os visitantes em seu próprio “espaço”. O que elas não
levam em consideração é que no edifício físico as pessoas não se materializam
na porta de entrada, elas vêm através de algum meio de transporte – caminhan-
do, de táxi, de ônibus – e do “exterior”. A transição de “exterior” para “interior”
é metafórica online, e a vantagem dos links seria a capacidade de linkar em
ambas as direções. A vantagem é que isso cria um espaço de entrada com a pos-
sibilidade de ir para outro lugar e que incentiva visitas de retorno. A entrada
tem outra utilidade além de uma câmara de descompressão estética.
A partir dessa plataforma você pode entrar no “Hypomnemata”, ou plata-
forma média (verde), que também pode ser considerada uma espécie de “ateliê”
para mim, onde eu trabalho em projetos e mantenho a informação e o material
para estes e futuros projetos. No futuro essa plataforma será espacial, usando
VRML, HTML dinâmico e/ou as ferramentas que estiverem disponíveis para de-
senvolver metáforas espaciais. Estou intencionalmente tentando evitar pensar
em termos de modelagem em 3D e optei por começar com a quarta dimensão, o
tempo (ou cronologia neste caso), em uma representação muito simples. Alguns
dos projetos nesta plataforma investigam o tempo mais em termos de ritmo e
looping, usando animação gif e javascript.
De “Hypomnemata” você pode entrar no “Undergrowth”, ou plataforma do
fundo (azul), que consiste em revistas dos últimos 15 anos que estou conver-
tendo ao formato digital e carregando na rede. Esta eventualmente terá ima-
gens e será um banco de dados relacional, onde meu passado, ou algum tipo de
história, pode ser reconstituído.
 FILE TEORIA DIGITAL

21. Ver a excelente Este é um projeto significativo do qual os museus deveriam roubar o máximo
entrevista de que puderem.
Josephine Bosma com
Heath Bunting (http:// Para uma iteração do “museu virtual” de aparência mais tradicional mas to-
www.factory.org/ talmente envolvente, provocadora de pensamentos, ver ZoneZero: From Analog
nettime/archive/0680. to Digital Photography. Pedro Meyer, o criador de ZoneZero, porém, defende a
html) para mais
sobre a Internet tese provocante de que a melhor maneira de pensar em ZoneZero e outros si-
como contexto para tes semelhantes não é como uma versão virtual de um meio analógico que nós
produzir trabalhos. já pensamos que conhecemos e compreendemos, mas como uma forma de arte
Outro exemplo de
como a tecnologia e completamente nova. Ver em particular seu editorial, “Questões sobre o que
a rede aumentaram o constitui a arte na Web”.
processo curatorial
de maneira simples
e divertida é o
projeto de Barbara 5. Net.curador?
London Stir-Fry. Guia ao lado
Todos tivemos de
escrever relatórios
sobre nossas viagens Em educação, tornou-se lugar-comum descrever o papel mutante do professor
-- pessoas que como passando do de “sábio no tablado” para o de “guia ao lado”. A tecnologia
encontramos, arte
que vimos -- para não causa isso, mas pode endossá-lo. Com o enfoque dos museus para alcançar
nossos colegas. o público, pode ser que o papel do curador esteja sofrendo uma transformação
London, em uma semelhante. E na medida em que os processos corporativos são desejáveis, a
colaboração com a
adaweb, postou suas Internet é um grande facilitador.
notas, fotos e sons Acho que a primeira vez que realmente despertei para essa possibilidade foi
na Web diariamente, tropeçando pela listserv da exposição PORT: Navigating Digital Culture. Basica-
permitindo que
qualquer pessoa mente, foi um processo curatorial aberto do qual qualquer um podia participar,
acompanhasse seu podia propor projetos, podia apenas escutar. Seria ingênuo pensar que todas
trajeto enquanto as decisões foram tomadas naquela listserv, mas ela basicamente criou um
“descobria” 35
artistas de mídia contexto para si mesma, tanto para testar nossas ideias como para identificar
em uma terra de 1,2 oportunidades. 21
bilhão de pessoas.
Stir-Fry, http://www.
adaweb.com/context/
stir-fry. Autocuradoria

O Museu Hsin Hsin, Project Tumbleweed e ZoneZero podem ser considerados

exemplos de autocuradoria por artistas, mas também há a ideia de curadoria
automática. A versão mais provável disto no futuro próximo – na verdade, no
presente – é o da variedade “faça seu próprio mapa”.
Por exemplo, neste momento posso ir à base Arts Wire na Web e inserir
critérios de que quero ver arte específica para a Web em sites de museus ou
CURANDO (N)A WEB

galerias que tenham a palavra “mulheres” na descrição do site. Voilà. Um tour 22. Embora seja
instantâneo da Web. É claro, existem vários fatores que afetam quão bem o verdade que Bran
Ferren, um imagineer
território é coberto, por assim dizer. Com que frequência o banco de dados é da Disney, tenha uma
atualizado? Qual a consistência dos critérios aplicados? Qual a profundidade tese convincente
da informação catalogada? Quão bem a Web contextual é captada? Quão maluco para a narrativa à la
Disney, mesmo no
é o algoritmo? Pode não ser o assunto mais excitante do mundo, mas bancos de ambiente de museu.
dados como os usados nos sites da National Gallery of Art do San Francisco Mu- Ver The Future Of
seum of Fine Arts permitem uma interrogação muito sofisticada dos recursos Museums - Asking
92
The Right Questions
dos museus. Não há motivo – na verdade, qualquer probabilidade – de que essa http://www.si.edu/ 93
catalogação ocorra em toda a Web, em todos os domínios de conhecimento, organiza/offices/
em todos os tipos de artefatos. Com o acesso à informação do tipo Xanadu, o musstud/proceed8.
htm.
valor do papel curatorial não estará tanto no que se sabe como em quão bem as
histórias podem ser contadas. 23. ILEX: The
A narrativa não precisa se assemelhar a Disney e Hollywood.22 Existe um pro- Intelligent Labelling
Explorer. http://www.
grama experimental de “curador virtual” chamado “The Intelligent Labelling cogsci.ed.ac.uk/~alik/
Explorer” [O Explorador de Rótulos Inteligentes], ou ILEX. ilex.html.

24. “The Art of

O enfoque do projeto é a geração de texto automático. Nesse campo, constroem- Science: Alan 2.0”,
se sistemas que produzem textos descritivos, explanatórios ou argumentativos Scientific American
para realizar várias tarefas comunicativas diferentes. Pretendemos construir Frontiers 18/02/1998.
http://www.pbs.org/
um sistema que produza descrições de objetos encontrados durante uma visita saf/8--resources/83-
guiada de museu. No primeiro caso, a visita será de uma galeria “virtual” explo- -transcript--804.
rada através de uma interface em hipertexto.23 html#part2.

O desafio de computação do ILEX é ser capaz de gerar texto de maneira dinâmica

com base no rastreamento do que o usuário já viu e seu nível de interesse. Para
criar o texto-base, os pesquisadores de ILEX passaram muitas horas entrevistan-
do o curador da coleção usada (jóias), dividindo seu conhecimento em histórias
sobre os diferentes objetos, que ela havia contado durante as visitas guiadas.
De maneira interessante, em fevereiro a Scientific American Frontiers trans-
mitiu um programa em que “Alan 2.0” – uma recriação digital realista à seme-
lhança de Alda – foi programado para falar frases que ele nunca havia dito an-
tes, acessando um banco de dados de fonemas que ele já havia falado. Imagine
casar a geração de texto dinâmico do ILEX com um modelo visual realista que
pode falar o texto de maneira verossímil.24 A conversa com um curador virtual
que não precisa seguir um roteiro predefinido não é mais ficção-científica.
A questão de tudo isso não é incensar alguns futuros curadores animatrô-
nicos, que sabem tudo mas não agem necessariamente como tal. Mas conforme
FILE TEORIA DIGITAL

a capacidade da sociedade de processar “informação” se torna cada vez mais

fluente, talvez precisemos refinar nossas noções de quais são os melhores pa-
péis para os museus e para os curadores.

6. Hibridismo e fusão

Museus virtuais de verdade já estão aparecendo no horizonte. Franklin Furnace,

por exemplo, fechou recentemente suas portas e hoje está curando uma série de
performances quinzenais especificamente para a Internet e planeja disponibili-
zar seus extensos arquivos na Web.
De modo geral, porém, é improvável que uma abordagem monolítica seja ex-
clusivamente para utilizar ou especificamente ignorar o virtual seja uma grande
tendência. Em vez de ou/ou, as respostas serão ambas ou nenhuma das duas –
uma terceira via. Museus como o ZKM já estão fazendo extensos esforços para
integrar novas mídias – todas as mídias – em seu acervo permanente em uma
base permanente. Museus de arte contemporânea como os de Chicago e San Die-
go, e o Centro de Artes Walker (dentre muitos) estão fazendo esforços significa-
tivos para colocar sua programação online.
Recentemente, esta abordagem “intermediária” foi codificada (pelo menos
na versão 1.0) no “manifesto” Technorealism. Nem salvador nem anticristo, a
tecnologia não pode dar aos museus um objetivo, mas os museus ignoram a
realidade do virtual sob seu próprio risco.
Para mim está claro o que aplicações inovadoras da Internet têm a oferecer
aos museus. O que está menos claro é se os museus vão automaticamente “ven-
cer” a competição cultural, se e quando eles entrarem na disputa para valer. Há
evidências de ambos lados.
Apenas cinco anos atrás você não poderia ter uma marca mais venerável que
a Enciclopédia Britânica. Mas, basicamente, uma versão em CD-ROM de US$ 100
de um concorrente extinto, Funk & Wagnalls, levou a EB à falência. Poderemos
discutir para sempre se – ou melhor, em que medida – esse foi um caso de “as
pessoas” preferirem baixo preço à qualidade, ou uma vitória do marketing
(sombras de vhs versus beta), ou um dinossauro que não prestou atenção no
futuro e se sentiu seguro em um enorme conjunto de pesos para porta de mais
de US$ 1000, como se o formato fosse importante, e não o conhecimento e a
informação que ele continha (IBM diz alguma coisa?).
Então o que isso tem a ver com os museus? Acho que é um caso admoni-
tório de que nossa existência pode não ser garantida, especialmente em uma
CURANDO (N)A WEB

forma imutável, independentemente de quão impossível e até ridículo pareça

hoje contemplar um universo sem nós. A prosperidade, senão a sobrevivência,
poderá exigir uma autodefinição cada vez mais híbrida e uma abertura à fusão
e à mutação.
Quanto à curadoria, não temos opção. Iremos aonde os artistas nos levarem.

Sobre o Autor 94
Steve Dietz é Diretor de Iniciativas em Novas Mídias, Walker Art Center.
95
Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Informações Adicionais
Apresentado pela primeira vez em abril de 1998 em Museums and the Web (http://www.archimuse.
com/mw98/index.html). Licenciado pela Creative Commons Attribution-NonCommercial-NoDerivs 2.5.

Texto publicado pelo File em 2001.

FILE TEORIA DIGITAL

Links

White House Collection of American Crafts Mixing Messages: Graphic Design in

http://nmaa-ryder.si.edu/whc/whcpretour Contemporary Culture
intro.html. http://www.si.edu/organiza/museums/design/
exhib/mixingmessages/start.htm.
“In virtu” tour (videoclipes)
http://nmaa-ryder.si.edu/whc/ Revealing Things
invirtutourmainpage.html. http://www.si.edu/revealingthings.

Exemplo de perguntas adicionais “Pergunte Techno.Seduction

ao artista” http://www.cooper.edu/art/techno.
http://nmaa-ryder.si.edu/whc/artistshtml/
hoffmann.html. Whitney Museum of American Art Art Links
http://www.echonyc.com/~whitney/weblinks/
Alternating Currents: American Art in the Age main.html.
of Technology
http://www.sjmusart.org/AlternatingCurrents. Musée d’Art Contemporain de Montreal
http://media.macm.qc.ca/homea.htm.
Andersen Window Gallery, Walker Art Center
http://www.walkerart.org/programs/andersen/ Cincinnati Contemporary Arts Center Virtual
Visões em QTVR deste espaço de exposições Exhibition Links
mutável. Filmes em QTVR também permitem http://www.spiral.org/virtualexhibitions.html.
que o visitante online “passeie” pelo Jardim de
Esculturas de Minneapolis. Exploratorium Cool Art Sites
http://www.exploratorium.edu/learning--
National Gallery of Art (DC) “Web Tours” studio/cool/arts.html.
usando RealSpace
http://www.nga.gov/exhibitions/webtours.htm Helios, National Museum of American Art
Os tours online RealSpace incluem Lorenzo http://nmaa-ryder.si.edu/helios/index1.html.
Lotto: Rediscovered Master of the Renaissance,
Thomas Moran, Sculpture of Angkor and Ancient Transmissions
Cambodia: Millennium of Glory, e Thirty-Five http://nmaa-ryder.si.edu/helios/
Years at Crown Point Press. transmissions.html.

The Natural History Museum (Londres), Curatours, Institute for Contemporary Art
Virtual Endeavour (Londres)
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Time & Bits: Managing Digital Continuity

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Rhizome
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Desktop IS
http://www.easylife.org/desktop.

Muntadas, File Room

http://simr02.si.ehu.es/FileRoom/documents/
TofCont.html
Infelizmente, a versão básica da Web de File
Room está offline com a extinção da Randolph
Street Gallery em Chicago, que coproduziu o
projeto, mas uma interface anterior existe no
endereçoi acima. Uma “página de informações”
também está disponível na página do NII
Awards 1995.

Komar & Melamid, The Most Wanted Paintings

on the Web
http://www.diacenter.org/km/index.html.

Paul Vanouse, Persistent Data Confidante

http://www-crca.ucsd.edu/~pdc.
CURANDO (N)A WEB

98
99
Fechando
a questão
dos bits:
Arte digital e
Propriedade
Intelectual
Richard
Rinehart
teoria

digital

criação

autoria

direitos

trabalho
 FILE TEORIA DIGITAL

1. Leis de Direitos Este artigo sobre arte digital e propriedade intelectual foi patrocinado e publi-
Autorais do Canadá cado pelo Canadian Heritage Information Network (CHIN), um setor de operações
http://laws.justice.
gc.ca/en/C-42/ do Department of Canadian Heritage. [...]
Apresentação de
Emenda à Lei de [...] O Direito autoral não é a única forma de propriedade intelectual que deve
Direitos Autorais pelo
Governo do Canadá ser relevante para as artes digitais. A tecnologia frequentemente fica sob a
http://laws.justice. sombra das leis de patente e as organizações culturais sempre negociam com as
gc.ca/en/C-42. leis de mercado. Será importante para a comunidade de patrimônio cultural que
2. Lei de Direitos monitore os desenvolvimentos nestes campos, tanto quanto nos campos legais
Autorais dos que precisam ser relacionados com a arte digital, assim como as leis de privaci-
Estados Unidos dade e outras específicas que cobrem o terreno das artes. No entanto, na arena
http://www.copyright.
gov/title17. da propriedade intelectual, as produções e obras de arte normalmente entram
na lei de direito autoral e na maioria dos casos, estudos e entrevistas citados
neste artigo enfatizam o direito autoral. Então, no intuito de focar e prover uma
profundidade nesta discussão, este artigo irá concentrar-se nas leis de direito
autoral do Canadá1 e dos Estados Unidos2 relacionados à arte digital. [...]

[...] Mídias Variáveis

Talvez a mais importante causa dos atritos na interface entre arte digital e
propriedade intelectual aconteça na natureza do meio em si. Mídia digital é por
definição mídia computacional, que não é apenas o resultado final do processo
computacional, mas também pode ser composta por processos computacionais
contínuos. Geralmente essa natureza computacional introduz algum nível de
fluidez e mudança dentro da obra de arte digital em questão. Além disso, as
mídias digitais não ficam devendo à ideia de separação do conteúdo da infra-
estrutura, que é exigida pela teoria da “máquina universal” (uma máquina cuja
infra-estrutura pode ser reprogramada para trabalhar com ela mesma e produ-
zir quase uma infinita quantidade de conteúdos; um computador).
Devido à natureza fluída e variável da mídia digital, muitas obras de arte
digitais são reconfiguradas cada vez que são exibidas. Indo além neste sentido,
elas são reconfiguradas cada vez que são experimentadas e reconfiguradas di-
ferentemente por cada pessoa que as experimenta. Quando distribuídas através
da Internet, elas podem ser experimentadas de inúmeras formas por uma vasta
gama de computadores domésticos com combinações únicas de velocidades de
rede, tamanhos e configurações de monitores e capacidade de cartões de mídia.
Elas podem ser reconfiguradas instantaneamente, pois são o resultado da inte-
Fechando a questão dos bits: Arte digital e Propriedade Intelectual

ratividade do usuário com o processo computacional ao vivo, que nunca produz 3. Landslide
exatamente o mesmo resultado duas vezes. Variabilidade é uma propriedade http://www.
shirleyshor.net/
inerente da mídia digital e uma de suas principais qualidades, para que os artis- landslide/
tas a utilizem. É claro que, com o tempo, obras de arte em qualquer mídia sofrem landslid.htm.
com a deterioração natural por causas tais como luminosidade e química, mas a
4. Koons
arte digital muda com mais frequência, numa velocidade mais rápida, proposi- versus Rogers
talmente e em trajetórias tão imediatamente observáveis que têm implicações http://www.law.
diretas na propriedade intelectual. harvard.edu/faculty/
martin/art_law/
Um dos primeiros conceitos legais desafiados pela variabilidade da mídia image_rights.htm. 102
é o do formato definitivo. Nenhuma lei de direitos autorais concede direitos 103
ao criador de uma ideia abstrata, mas exige um formato definitivo de expres- 5. New York Times Co.,
versus Tasini
são para proteção. Setores comerciais que lidam regularmente com conteúdos http://straylight.law.
efêmeros, tais como transmissões ao vivo, protegem a si mesmos fazendo uma cornell.edu/supct/
gravação desta transmissão, fixando assim este conteúdo efêmero numa forma html/00-201.ZS.html.

válida para sua proteção. É claro que este conceito tem implicações para artistas
que incluem transmissões comerciais ao vivo nas suas instalações. No entanto,
implicações mais pertinentes e talvez mais complexas surjam em torno da arte
digital. Quando a arte digital produz infinitos resultados variáveis o tempo todo,
qual é o formato definitivo do trabalho? Por exemplo, o UC Berkeley Art Museum
and Pacific Film Archive adquiriu uma obra digital, Landslide, da artista Shirley
Shor.3 Para produzir Landslide, Shor desenvolveu um software próprio que pro-
jeta um padrão de luz infinitamente variável, criando topografias numa caixa
de areia instalada na galeria. A projeção não é armazenada ou gravada. Neste
caso, o próprio programa pode ter seus direitos autorais assegurados, mas a
projeção, que tantos consideram o coração da obra, não.
Enquanto a portabilidade do conteúdo e a variabilidade da forma são dá-
divas da mídia digital, cortes jurídicas nos EUA continuam em conflito sobre a
forma de como encaminhar estas questões. Um caso nos Estados Unidos ilustra
bem este ponto; o agora famoso caso envolvendo direitos autorais artísticos,
onde o artista Jeff Koons foi processado pelo fotógrafo Art Rogers. Rogers
acusou Koons de violar seus direitos autorais - ao criar uma escultura de uma
coluna de bichos de pelúcia no colo de um casal, baseado numa fotografia de
Rogers contendo a mesma imagem.4 Uma das defesas de Koons foi argumen-
tar que sendo o original uma fotografia e o trabalho dele uma escultura, não
houve plágio, mas sim uma nova obra. O júri decidiu contra Koons, declarando
que tomar conteúdos através de mídias diferentes era irrelevante; Koons in-
fringira na imagem original de Rogers. No entanto, o caso Tasini versus The New
York Times, parece lançar uma luz diferente ao assunto.5 O New York Times havia
 FILE TEORIA DIGITAL

6. Bridgeman Art obtido permissões de direitos autorais de escritores free lancers das matérias
Library, Ltd. versus que foram primeiramente publicadas no jornal e depois no web site do NYT. Os
Corel Corp.
http://www.law. escritores contestaram que a editora havia pago apenas pelos direitos de publi-
cornell.edu/ cação destes artigos nos jornais e não tinha a permissão adicional necessária
copyright/cases/36_ para publicar os artigos online. Neste caso, o formato importou e os direitos ob-
FSupp2d_191.htm.
tidos em uma mídia não foram automaticamente validados em outros meios. Até
7. Projeto Lost Love mais complicado foi o caso Biblioteca de Arte de Bridgeman versus Corel Corp.,
http://lostlove. caso que divide os conceitos sobre esta questão em duas esferas equivalentes.6
robot138.com/
index2.html. A Biblioteca de Arte de Bridgeman havia produzido reproduções de pinturas de
artistas de coleções de vários museus. A Corel Corp. então produziu um CD-ROM
utilizando muitas daquelas imagens, sem a permissão da Bridgeman. As pin-
turas não tinham direitos autorais; elas eram de domínio público. No entanto,
a Bridgeman reivindicou que as fotografias das pinturas tinham seus próprios
direitos autorais, como trabalhos distintos. A corte decidiu que essa não era
a questão; que uma simples reprodução de outro trabalho não constituía um
trabalho distinto. Curiosamente, a decisão valia apenas para trabalhos bidimen-
sionais que haviam sido “simplesmente copiados” sem qualquer criação original
por parte do fotógrafo. Porém, fotos de esculturas tridimensionais devem ser
consideradas trabalhos distintos, com seus próprios direitos autorais, porque
traduzir imagens de três dimensões para duas requer originalidade por parte do
fotógrafo em relação à angulação, luminosidade, etc. Por alguma razão, Koons
não foi capaz de usar este argumento na direção oposta. Portanto, o formato
tem relevância ou não? Partindo destes três casos separadamente é muito difí-
cil para os profissionais de conservação de patrimônios culturais triangularem
práticas com diretrizes claras. Além do mais, elas traduzem os próprios conflitos
das cortes judiciais nesta questão.
A natureza variável das mídias digitais acende ideias já familiares ao mundo
da arte: autenticidade, apropriação, versões, reproduções e trabalhos derivados
de outros. Abaixo, há três dos muitos exemplos possíveis de como a arte digital
leva estas ideias para seus limites e levanta questões imediatas sobre proprie-
dade intelectual.
O primeiro, Lost Love, do artista Chris Basset é um web site onde os visitan-
tes são convidados a contribuir com suas histórias pessoais de amores perdi-
dos e a ler histórias de outros numa central de armazenamento de dados.7 Não
existe nenhuma autorização ou contrato no site atualmente. Lost Love é uma
obra típica de Internet Interativa e levanta a questão de que vários participan-
tes anônimos de todo o mundo detêm o direito autoral neste trabalho. Se cada
um detém os direitos autorais das suas próprias palavras, então será necessá-
Fechando a questão dos bits: Arte digital e Propriedade Intelectual

rio obter suas permissões cada vez que o trabalho for exibido? O que acontece 8. Carnivore
quando o trabalho entra para uma coleção? Qual é a extensão da contribuição http://www.rhizome.
org/carnivore.
dos envolvidos? Eles deveriam ganhar crédito como co-criadores da obra? Na-
turalmente, trabalhos que lidam com noções de autoria descentralizada lidam 9. Shredder
também com a propriedade intelectual. http://www.
potatoland.org/
O segundo exemplo, um projeto de Software Arte Carnivore, criado pelo co- shredder.
letivo artístico Radical Software Group, é um software de código aberto do tipo
“kit de ferramentas”.8 O Radical Software Group programou uma parte do código 10. Eyes of Laura
http://www.
do software que monitora o tráfego em redes de computadores e converte es- potatoland.org/ 104
tes dados de saída para o uso em interfaces de softwares secundários. Outros shredder.
105
artistas são incentivados a fazer download do software e usá-lo para criar suas
próprias interfaces. Os resultados destes outros trabalhos podem parecer muito
diferentes um do outro, mesmo que eles tenham sido baseados na mesma “en-
genharia” de software. Trabalhos modulares e colaborativos não são incomuns
na arte digital e eles questionam diretamente conceitos tradicionais defendidos
pelo mundo das artes e pelo consenso legal sobre originalidade e individualida-
de. Eles confundem intencionalmente noções estritas e rígidas sobre trabalhos
derivados de outros e sobre versões de trabalhos, os quais têm suas ramifica-
ções legais esperadas.
Por último, Shredder é uma obra digital do artista Mark Napier. Shredder con-
vida os visitantes a digitar o endereço de qualquer web site em sua interface.9
Shredder então copia este web site, virando-o às avessas; mudando o tamanho
e cor das fontes, os textos e as imagens, revelando até mesmo o código HTML
que normalmente estão salvos, ocultos nos bastidores da maioria dos sites. O
resultado geralmente se parece um pouco com o web site original passado por
uma retalhadora. Shredder é um fórum para a variabilidade. Ele está sempre
mudando não apenas porque a cada web site ele toma uma forma diferente, mas
também por fazer isso em tempo real, repercutindo mudanças em sites de qual-
quer um, quantas vezes sejam necessárias. Também não são tão incomuns obras
de arte digitais que se apropriam do conteúdo de outras fontes, assincronica-
mente (offline) ou em tempo real, levantando questões sobre apropriação de
conteúdo e trabalhos derivados de outros.
Como mencionado anteriormente, a arte digital pode incorporar muitas for-
mas de mídia dentro de um trabalho. Cada forma incluída no trabalho (imagens,
músicas, objetos físicos, games, códigos) deve carregar seu próprio rol de direi-
tos autorais, mediações e práticas. Eyes of Laura, de Janet Cardiff, ilustra a na-
tureza composta de alguns trabalhos de arte digital.10 Bruce Greenville, Curador
Sênior na Vancouver Art Gallery descreveu Eyes of Laura como um trabalho que
FILE TEORIA DIGITAL

está na Internet e inclui elementos de narrativas interativas e câmeras de segu-

rança. A obra consistia num vídeo ao vivo, alimentado pela câmera de segurança
da Art Gallery e permitia ao espectador mover esta câmera. O trabalho também
incluía um diário como se fossem registros de um segurança da Art Gallery. Em-
bora a galeria que exiba esta obra esteja no Canadá, a maioria dos componentes
dos servidores eram armazenados por um provedor de Internet nos Estados
Unidos. Depois, por conta de questões de propriedade técnica e intelectual, to-
dos os componentes foram relocados para um provedor canadense. Uma vez que
os visitantes online podem mudar a imagem da câmera, eles têm algum direito
em suas “preferências de diretor”? Se uma pessoa foi enquadrada pela câmera
neste trabalho interativo, seus “direitos de imagem” são violados mesmo se as
leis de privacidade assim permitem? Se o feed de vídeo não foi armazenado ou
gravado, as leis de direitos autorais são aplicáveis neste caso? Para entender
inteiramente as implicações apenas deste trabalho, alguém teria de pesquisar
similarmente a história do cinema e teatro, como também os direitos autorais
e leis de privacidade.
Nina Czegledy, uma curadora canadense independente, afirmou que as orga-
nizações de artes visuais que cada vez mais estão exibindo e colecionando obras
de mídias complexas, não estão tão preparadas quanto das artes performáticas
para lidar com os direitos multicompostos. Czegledy entende esta lacuna como
uma oportunidade. Se há um pequeno precedente nas artes visuais para lidar
com estes direitos autorais compostos, então a comunidade de artes visuais
tem uma chance de estabelecer um modelo intelectual e jurídico que faça sen-
tido para os artistas, as obras e as organizações envolvidas. Mas esta chan-
ce só poderá ser entendida se a comunidade artística realizar duas ações, as
quais ela não é conhecida por resolver bem. Em primeiro lugar, a comunidade
artística e, especialmente grandes organizações como museus, precisam se tor-
nar proativas nas questões políticas e legais. Muitos museus frequentemente
evitam questões de ordem legal porque as suas organizações mantenedoras,
como universidades, governos ou fundações gostariam de manter a neutralida-
de nestas questões conflituosas externas. Os museus entendem que eles podem
influenciar a sociedade como um todo, mas usualmente o fazem através meios
muito lentos de mudanças culturais. Enquanto é verdade que debates culturais
sobre os grandes valores da sociedade em torno da propriedade irão servir a
algum propósito, leis de propriedade intelectual nos tempos digitais não podem
se dar ao luxo de gastar tanto tempo. Essas forças externas estão trabalhando
agora em moldar leis e, enquanto algumas atividades e discussões podem ser
conduzidas dentro dos limites e do controle do mundo das artes, os direitos au-
Fechando a questão dos bits: Arte digital e Propriedade Intelectual

torais não podem. Depois, o mundo das artes precisa compatibilizar a inerente 11. Variable Media
natureza variável da mídia digital com seus próprios modelos consagrados para Initiative
http://www.
a aquisição e preservação das obras de arte. Os museus agem especialmente variablemedia.net.
como guarda costas das obras de arte, protelando os efeitos do tempo e as mu-
danças, no intuito de preservar a integridade e a precisão da evidência histórica. 12. Projeto Archiving
the Avant Garde
Ainda que esta estratégia tenha funcionado bem até então no que diz respeito à http://www.bampfa.
arte digital, os museus precisam considerar a mudança como parte da solução, berkeley.edu/ciao/
e não parte do problema (para informações detalhadas nesta área consultem avant_garde.html.

os projetos Variable Media11 e o Archiving Avant Garde).12 Não será por acaso
106
que a coisa mais antiga que os museus preservem do passado seja sua própria
107
maneira de conduzir os negócios [...].

Sobre o Autor
Richard Rinehart é diretor de Mídia Digital e Curador Adjunto na UC Berkeley Art Museum/Pacific
Film Archive. Leciona teoria e prática de arte digital na UC Berkeley no departamento Novas
Mídias e Práticas Artísticas. Também atua no San Francisco Art Institute, na UC Santa Cruz, na
San Francisco State University, na Sonoma State University e na JFK University. Richard compõe
o Comitê Executivo do UC Berkeley Center for New Media e faz parte do corpo de diretores do New
Langton Arts em São Francisco.

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2009.

Teoria
dos NURBS
Lev Manovich
teoria

digital

análise

tempo

dados

técnica
File teoria digital

Figura 1. primeiro mapa de fluxos publicado, mostrando o transporte de recursos através de

linhas sombreadas, com largura proporcional ao número de passageiros (henry drury harness,
irlanda, 1837).
teoria doS nurBS

110
111

Figura 2. o primeiro diagrama que enquadra uma leve curva em um scatterplot (mapa com linhas de
fuga): posições x tempo para g; Virginis (john herschel, inglaterra, 1832).
 FILE TEORIA DIGITAL

Computer graphics

1. http://www.math. A explosão de novas ideias e métodos nas disciplinas culturais nos anos 1960
yorku.ca/SCS/Gallery/ não pareceu ter afetado, na prática, a apresentação dos processos culturais.
milestone/sec5.html.
Livros, museus dedicados à arte, design, mídia, entre outras áreas culturais,
* Nota do tradutor continuam a organizar os seus temas em um pequeno número de categorias dis-
O uso da palavra tintas: períodos, escolas artísticas, ismos, movimentos culturais. Os capítulos
“discreta” que
adjetiva termos de um livro ou as salas da maioria dos museus atuam como divisores materiais
como “categoria”, entre essas categorias. Dessa forma, uma evolução contínua de um “organismo”
“escala”, “unidade” cultural é colocado à força em caixas artificiais.
é referente à “mídia
discreta”, que são Na realidade, enquanto que em um âmbito tecnológico a mudança do analógi-
mídias estáticas co para o digital ainda é um fato recente, nós já temos “sido digitais” (digitais) em
como textos, imagens nível teórico por um longo período. Ou seja, desde a emergência das instituições
e gráficos em relação
às mídias contínuas, modernas de armazenamento cultural e da produção do conhecimento cultural
dependentes do no século XIX (ou seja, museus e disciplinas na área das humanidades alocadas
tempo como filmes, em universidades) nós temos utilizado categorias distintas para exemplificar a
sons e animações.
continuidade da cultura no sentido de teorizá-la, preservá-la e exibi-la.
Podemos perguntar: se estamos atualmente fascinados com as ideias de
fluxo, evolução, complexidade, heterogeneidade e hibridização cultural, por-
que nossas representações e apresentações dos dados culturais não refletem
essas ideias?
O uso de um pequeno número de categorias distintas para descrever conte-
údos caminhou passo-a-passo com a recusa das humanidades modernas e das
instituições culturais em utilizar representações gráficas para reproduzir esse
conteúdo. Muitos conhecem o famoso diagrama da evolução da arte moderna
criado por Barr (o fundador e primeiro diretor do MOMA em Nova Iorque), rea-
lizado em 1935. Mesmo que esse diagrama ainda utilize categorias discretas*
como seus fundamentos, ele é uma evolução frente às padronizadas linhas do
tempo da arte e dos pisos planos dos museus de arte, já que ele representa um
processo cultural como um gráfico em 2D. Infelizmente, esse é o único diagrama
mais conhecido da história da arte produzido em todo o século XX.
Cabe realçar que, desde as primeiras décadas do século XIX, as publicações
científicas começaram a utilizar técnicas gráficas em larga escala que permitiam
representar fenômenos como variações constantes. De acordo com a história vi-
sual online da visualização dos dados de Michael Friendly, durante aquele perío-
do “todas as formas de exposição dos dados foram inventadas: barras, gráficos,
histogramas, gráficos em linha e traços de séries temporais, traços de contorno
e assim por diante.”1
Embora uma história sistemática da exibição dos dados visuais ainda está
por ser pesquisada e escrita, livros populares de Edward Tufte ilustram como os
teoria doS nurBS

Figura 3. plano típico de uma planta de museu (Spencer museum of art). 112
113

Figura 4. diagrama da evolução da arte moderna criado para o moma por alfred h. Barr em 1935
para a exposição cubismo e arte abstrata.
File teoria digital

Figura 5. linha do tempo típica da história da arte (tate modern, londres). Fonte: Flickr, por ruth l,
de 8 de abril de 2007.
teoria doS nurBS

2. edward tufte,
The Visual Display
of Quantitative
Information, segunda
edição. graphics
press, 2001.

3. http://design.
osu.edu/carlson/
history/lesson4.html.
Sobre a publicação
original, veja Steven
a. coons, Surfaces
114
Figura 6. Superfície 3d nurBS. for Computer-Aided
Design of Space 115
Forms, mit/lcS/tr-41,
june 1967.

gráficos que representam dados quantitativos já tinham se tornado comuns em

várias áreas profissionais no final do século XIX.2
O uso de representações matemáticas definidas de qualidades contínuas foi
largamente acelerado após os anos 1960, devido a adoção de computadores para
criar gráficos automaticamente. Em 1960, William Fetter (um designer gráfico da
fábrica de aviões Boeing) cunhou a frase “Computação Gráfica”. Na mesma épo-
ca, Pierre Bézier e Paul de Casteljau (que trabalhou para a Renault e Citroën res-
pectivamente) independentemente inventaram as splines – matematicamente
descritas como linhas suaves que podem ser editadas por um usuário. Em 1967,
Steven Coons do MIT apresentou os fundamentos matemáticos para o que even-
tualmente se tornou a forma padrão para representar superfícies em softwares
de computação gráfica: “Sua técnica para descrever uma superfície foi construí-
la a partir de uma coleção de partes adjacentes, de continuidade contraída e que
permitiam às superfícies terem a curvatura esperada pelo designer.”3. A técnica
de Coons se tornou o fundamento para a descrição de superfícies na computação
gráfica (das quais a mais popular é o NURBS – Non Uniform Rational Basis Spli-
ne, ou Linha de Base Racional Não Uniforme).
Quando os campos do design, da mídia e da arquitetura adotaram softwares
de computação gráfica nos anos 1990, isso conduziu a uma revolução intelectual
e estética. Até aquela década, a única técnica prática que representava objetos
3D em um computador era produzida através da modelagem de polígonos pla-
nos. No início dos anos 1990, o aumento na velocidade de processamento dos
computadores e o aumento da capacidade de memória tornaram-na realidade
prática para oferecer modelagem em NURBS originalmente desenvolvida por
 FILE TEORIA DIGITAL

4. http://www. Coons, entre outros, já nos anos 1960. Essa nova técnica para representar for-
designboom.com/ mas espaciais forçou um distanciamento da geometria retangular modernista
contemporary/
nonstandard.html. no campo do pensamento arquitetônico na direção de privilegiar formas suaves
e complexas criadas a partir de curvas contínuas (ou seja, dos NURBS). Como
resultado, no final do século XX a estética dos “blobs” começou a dominar o pen-
samento de vários estudantes de arquitetura, jovens arquitetos e até mesmo de
reconhecidas “estrelas” da arquitetura. Visual e espacialmente, curvas suaves e
superfícies com formas livres emergiram como a nova linguagem de expressão
para o mundo globalizado e ligado em rede, onde a única constante é a mudança
rápida. A estética modernista da simplicidade e discrição foi substituída pela
nova estética da continuidade e complexidade. (Outro termo útil cunhado para
essa nova arquitetura, com foco na pesquisa de novas possibilidades de formas
espaciais possibilitadas pela computação e nas novas técnicas de construção
necessárias para construí-las é a chamada “arquitetura não padrão” – non-
standard architecture. No inverno de 2004, o Centro Georges Pompidou organi-
zou uma mostra sobre arquitetura não padrão4, que foi seguida pela Conferên-
ciaPrática do Não Padrão – Non-standard Practice no MIT.)
Esta mudança na imaginação da forma espacial ocorreu em paralelo com
a adoção de um novo vocabulário intelectual. O discurso arquitetônico se tor-
nou dominado por conceitos e termos que igualam (ou diretamente advém de)
elementos do design e das operações oferecidas pelos softwares – splines e
NURBS, morphing, modelagem e simulação baseadas fisicamente, design para-
métrico, sistemas de partículas, simulação de fenômenos naturais, AL e assim
por diante. Vejam alguns exemplos:
“O campus está organizado e é navegado à base de desvios direcionais e da
distribuição das densidades no lugar de pontos chaves. Isso é o indicativo do
caráter do Centro como um todo: poroso, imersivo, uma área espacial.” Descri-
ção de Zaha Hadid (Londres) do design de um Centro de Arte Contemporânea em
Roma (atualmente em construção).
“Cenários de hibridização, enxerto, clonagem e morphing colocam em evi-
dência uma perpétua transformação da arquitetura que se esforça para quebrar
com as antinomias do objeto/sujeito ou do objeto/território.” Frédéric Migayrou
sobre R&Sie (François Roche e Stéphanie Lavaux, Paris).
“O pensamento da lógica difusa (fuzzy) é um outro passo para ajudar o
pensamento humano a reconhecer nosso ambiente menos como um mundo de
fronteiras fragmentadas e de desconexões e mais como um campo repleto de
agentes com fronteiras indefinidas. EMERGED investiga o potencial da lógica
difusa como uma técnica organizacional libertária para o desenvolvimento de
teoria doS nurBS

116
117

Figura 8. um centro para artes performáticas para um centro cultural na ilha Saadiyat, abu dhabi
por Zaha hadid (londres).

Figura 7. Vila em copenhagen, dinamarca pelo escritório mad (Beijing).

FILE TEORIA DIGITAL

ambientes inteligentes, flexíveis e adaptativos. Observando o projeto como um

campo de testes para suas ferramentas e técnicas de design, a equipe expan-
de seu território focando e sistematizando a dinâmica de uma ferramenta de
cabelo como uma máquina de design generativo em larga escala, envolvendo,
contudo, níveis sociais e culturais de organizações globais.” Descrição do es-
critório MRGD (Melik Altinisik, Samer Chaumoun, Daniel Widrig) do Urban Lobby
(pesquisa para um re-desenvolvimento da torre de escritórios Centre Point no
centro de Londres).
Mesmo que os gráficos do computador não tenham sido a única fonte de ins-
piração para esse novo vocabulário conceitual (influências importantes vieram
da filosofia francesa e da ciência do caos e da complexidade), eles obviamente
desempenharam seu papel. Assim, conjuntamente com o fato de transformar a
linguagem do design e da arquitetura contemporâneos, a linguagem da compu-
tação gráfica se tornou a linguagem do design e da arquitetura contemporâneos
– assim como a inspiração do discurso arquitetônico sobre prédios, cidades,
espaço e vida social.

Representando processos culturais:

das categorias discretas às curvas e superfícies

Se os arquitetos adotaram as técnicas dos gráficos de computador como termos

teóricos para falar sobre o seu próprio campo, porque não fazer o mesmo no
campo cultural? Mas ao invés de somente utilizar esses termos como metáfora,
porque não visualizar, na realidade, processos culturais, dinâmicas e fluxos uti-
lizando as mesmas técnicas dos gráficos de computador?
É tempo de alinharmos nossos modelos e apresentações do processo cultural
com a nova linguagem do design e as novas ideias teóricas tornadas possíveis
(ou inspiradas) pelo software. Design, animação e softwares de visualização
permitem conceitualizar e visualizar fenômenos e processos culturais em ter-
mos de parâmetros de mudança contínua, em oposição aos padrões categóricos
“fechados” de hoje.
Assim como o software substituiu o mais antigo design platônico de primitivas
por novas primitivas (curvas, superfícies flexíveis, campos de partículas), vamos
substituir a tradicional “teoria cultural das primitivas” pelas novas que existem.
Em um cenário como esse, uma linha do tempo 1D se tornaria um gráfico 2D ou
3D, um pequeno conjunto de campos categóricos distintos seria descartado em
nome de curvas, superfícies livres em 3D, campos de partículas e outras repre-
sentações disponíveis nos softwares de design e visualização.
TEORIA DOS NURBS

Estas foram algumas ideias que nos levaram a criar, em 2007, o Software Studies
Initiative (softwarestudies.com ou softwarestudies.com.br) – um laboratório
para análise e visualização de padrões culturais, localizado na Universidade da
Califórnia, San Diego (UCSD) e no Instituto da Califórnia para a Telecomunicação
e Tecnologia da Informação (Calit2).
Aproveitando a reconhecida credibilidade da UCSD e do Calit2 no campo das
artes digitais e da ciência, temos desenvolvido técnicas para a representação
gráfica e visualização interativa de artefatos e dinâmicas culturais. Nossa inspi-
ração vem de vários campos, todos baseados na computação gráfica para visua-
lizar dados – visualização científica, visualização da informação e “visualização
artística” (veja infoaesthetics.com). Também pegamos emprestadas algumas 118
ideias das interfaces padrões utilizadas na edição de mídia, nos softwares de 119
composição e animação (Final Cut, After Effects, Maya, Blender etc.) que empre-
gam curvas para modificar as mudanças em vários parâmetros da animação ao
longo do tempo.

Cultura em dados

Antes que nos aventuremos em campos, nuvens de partículas e superfícies com-

plexas, vamos começar com um elemento básico da representação espacial mo-
derna: uma curva. Como você representa, com uma curva contínua, um processo
cultural que se desdobra historicamente ao longo do tempo? (No que se segue
não falaremos de splines, ou seja, a técnica para representar matematicamente
uma curva suave que permite sua edição de forma interativa, mas somente fala-
remos da curva como uma figura gráfica).
Se, como vários historiadores dos séculos passados, acreditássemos que a
história cultural segue leis simples, como por exemplo: que cada cultura segue
um ciclo de crescimento, uma “idade de ouro” e um declínio, as coisas seriam
muito simples. Seríamos capazes de criar fórmulas que matematicamente iriam
representar os processos de crescimento e mudança (por exemplo, trigonomé-
tricos, exponenciais ou funções polinomiais) e somente ficar alimentando suas
variáveis com dados representando algumas condições do processo histórico
real em questão. Teríamos então uma curva suave perfeita que representa um
processo cultural como um ciclo de crescimento e declínio. Contudo, desde que o
paradigma histórico está claramente invalidado na atualidade, temos que fazer
nossas curvas baseados nos dados reais sobre o todo dos processos culturais.
FILE TEORIA DIGITAL

Como você representa, com

uma curva contínua, um
processo cultural que se
desdobra historicamente ao
longo do tempo?
TEORIA DOS NURBS

Uma curva 2D define um conjunto de pontos que nela se situam. Cada ponto, a 5. Eu não estou
cada momento, é definido por dois números – coordenadas X e Y. Se os pontos falando de técnicas
estatísticas de
são densos o suficiente, eles visualmente formariam sozinhos uma curva. Se análise de cluster,
não, podemos utilizar um software para alinhar uma curva através desses pon- mas simplesmente de
tos. É claro que nós nem sempre temos que desenhar uma curva através desses pontos representados
graficamente em duas
pontos (por exemplo: se os pontos formam um conjunto qualquer ou formam dimensões e exame
qualquer outro padrão geométrico, isso já é significativo em si mesmo”5. visual do resultado
Em cada caso, precisamos de um conjunto de coordenadas X e Y. Para fazer gráfico.
isso, temos de mapear um processo cultural em um conjunto de números onde 6. Tal método é
um número é o tempo (eixo X) e o outro número é alguma qualidade do processo um exemplo de
naquele período (eixo Y). técnica muito mais 120
geral chamada
Em resumo, temos de transformar cultura em dados. “escalamento” : “Em 121
Apesar da definição de cultura incluir crenças, ideologias, modismos e outra ciências sociais,
propriedades não físicas em um âmbito prático, nossas instituições culturais e escalamento é o
processo de medir ou
a indústria cultural lidam com uma manifestação particular da cultura: os ob- ordenar entidades
jetos. Isso é o que está guardado na Biblioteca do Congresso Americano ou no respeitando atributos
Metropolitan Museum, criados por designers industriais, postados por usuários quantitativos ou
traços. http://
no Flickr e vendidos na Amazon. Altere tempo ou distância, e os objetos culturais en.wikipedia.org/
manifestam mudanças em suas sensibilidades culturais, imaginação ou um esti- wiki/Scale_(social_
lo. Então, mesmo que mais tarde nós tenhamos de assumir o desafio de afirmar sciences.

que a cultura pode ser equiparada aos objetos culturais, se pudermos começar
pelo uso de um conjunto desses objetos para representar as mudanças graduais
na sensibilidade cultural ou na imaginação, isso já seria um começo.
Utilizar números no eixo X (por exemplo, tempo) é fácil. Normalmente objetos
culturais tem alguns metadados discretos ligados a eles – a data ou lugar de cria-
ção, o tamanho (de uma obra de arte), a duração (de um filme) e assim por diante.
Então, se temos a data em que o objeto cultural foi criado, podemos inserir esses
números como metadados no eixo X. Por exemplo: se estamos interessados em
representar o desenvolvimento da pintura no século XX, podemos mapear o ano
em que cada pintura foi feita. Mas o que usaremos no eixo Y? Em outras palavras,
como podemos comparar as pinturas umas com as outras qualitativamente?
Podemos manualmente anotar os conteúdos das pinturas (mas não os detalhes
da sua estrutura visual). Alternativamente, podemos pedir para experts (ou um
outro grupo de pessoas) para localizar as pinturas em alguma escala discre-
ta (valor histórico, preferência estética etc.), mas esse tipo de julgamento só
pode funcionar com um pequeno número de categorias.6 Mais importante, esses
métodos não geram escalas muito bem – eles custariam muito se quisésse-
mos descrever centenas de milhares ou milhões de objetos. Similarmente, as
 FILE TEORIA DIGITAL

7. “BlogPulse Reaches pessoas têm dificuldades para ordenar um grande número de objetos que são
100 Million Mark” muito similares entre si. Portanto, precisamos de alguns métodos automáticos
http://blog.blogpulse.
com/archives/ que podem ser processados em computadores para descrever qualidades de um
000796.html. grande número de objetos culturais qualitativamente.
No caso de textos, isso se torna relativamente fácil. Desde que os textos já
8. http://
en.wikipedia.org/ consistam de unidades discretas (por exemplo, palavras), eles naturalmente se
wiki/Statistically_ conduzirão pelo processamento computacional. Podemos utilizar software para
Improbable_Phrases. contar as ocorrências de uma palavra em particular e de combinações de pala-
9. Franco Moretti. vras; podemos comparar os números de substantivos versus verbos; podemos
Graphs, Maps, Trees: calcular o tamanho das sentenças e os parágrafos e assim por diante.
Abstract Models for Porque os computadores são muito bons em contar, assim como em pro-
a Literary History.
Verso: 2007. cessar operações matemáticas complexas a partir de números (o resultado da
contagem), a digitalização do conteúdo dos textos, tais como os livros, e o cres-
cimento de websites e blogs rapidamente levou ao surgimento de novas indús-
trias e de novos paradigmas epistemológicos que exploram o processamento
computacional dos textos. O Google e outras ferramentas de busca analisam
bilhões de páginas web e os links entre elas para permitir ao usuário buscar na
web páginas que contenham frases particulares ou somente palavras. Nielsen
BlogPulse analisou mais de 100 milhões de blogs para detectar tendências no
que as pessoas estão dizendo sobre algumas marcas em particular, produtos ou
em tópicos específicos em que os seus clientes estão interessados.7 A Amazon.
com analisa os conteúdos dos livros que ela vende para calcular “frases esta-
tisticamente improváveis” usadas para identificar partes únicas dos livros.8 No
campo das humanidades digitais, pesquisadores já vêm há muito tempo desen-
volvendo estudos estatísticos de textos literários. Alguns deles, mais notada-
mente Franco Moretti, têm produzido visualizações dos dados em formas de
curvas mostrando tendências históricas.9
Mas e as mídias analógicas, como as imagens e os vídeos? Fotos ou vídeos
não têm definidos claramente as suas unidades discretas que seriam equiva-
lentes às palavras. Além disso, a mídia visual não tem um vocabulário padrão
ou uma gramática – o sentido de qualquer elemento de uma imagem somente é
definido no contexto particular de todos os outros elementos que estão nessas
imagens. Isto torna o problema da análise visual automática da imagem muito
mais desafiadora, mas não impossível. O segredo é focar na forma visual (o que
é fácil para o computador analisar) e não na semântica (o que é muito difícil).
Desde meados dos anos 1950, os cientistas da computação têm desenvolvi-
do técnicas para automaticamente descrever propriedades visuais das imagens.
Podemos analisar distribuições de tons cinza, cores, orientação e curvatura das
TEORIA DOS NURBS

linhas, textura e literalmente centenas de outras dimensões visuais. Algumas

poucas técnicas (como um histograma) são construídas em softwares de edição
de mídia como o Photoshop e na tela de câmeras digitais. Muitas outras estão
disponíveis em softwares de aplicações especializadas ou descritas em publica-
ções profissionais na área de ciência da computação.
Nossa abordagem, que chamamos de Analítica Cultural (Cultural Analytics),
utiliza como técnica analisar automaticamente imagens e vídeos para gerar des-
crições numéricas de suas estruturas visuais. Essas descrições numéricas po-
dem ser então geradas em forma gráfica e também analisadas estatisticamente.
Por exemplo: se traçarmos as datas das criações de imagens ou filmes num eixo
X, usaremos uma das (ou uma combinação) mensurações desses objetos para 122
posicioná-los no eixo Y. A linha formada por esses pontos representará como 123
um conjunto de objetos culturais se modificou ao longo do tempo em relação às
dimensões visuais que estão sendo traçadas.

HistóriadaArte.viz

Para o nosso primeiro estudo com o objetivo de testar essa abordagem, escolhe-
mos um pequeno conjunto de dados de 35 imagens canônicas da história da arte
que cobrem o período desde Coubert (1849) até Malevich (1914). Escolhemos
imagens que são representações típicas de uma apresentação da história da arte
moderna em um livro sobre história da arte ou em uma palestra: do Realismo do
século XIX e as pinturas de salão até o Impressionismo, Pós-impressionismo,
Fauvismo e a Abstração Geométrica dos anos 1910. A ideia não era encontrar
um novo padrão num conjunto de dados como esse, mas ao invés disso, era ob-
servar se o método da Analítica Cultural poderia modificar nosso entendimento
compartilhado do desenvolvimento da arte moderna em uma curva baseada em
algumas qualidades objetivas dessas imagens.

Figura 9. Um conjunto de 25 pinturas por artistas canônicos modernos utiliza-

das neste estudo.

Figura 10. Eixo X: datas das pinturas (em anos). Eixo Y: valor do ângulo reverso
de cada pintura. (Ângulo é uma medida dos valores da escala de cinza de uma
imagem. Uma imagem que tem em sua maioria tons de luzes terá uma escala de
ângulos negativa; uma imagem que tem em sua maior parte tons escuros, terá
uma escala de ângulo positiva. Em nosso gráfico nós revertemos os valores do
ângulo para tornar o gráfico compreensível).
File teoria digital

Figura 9.

1840 1850 1860 1870 1880 1890 1900 1910 1920

Figura 10.
TEORIA DOS NURBS

Figura 11. Mesmos dados, como no gráfico anterior: cada imagem é substituída
por um ponto único.

Figura 12. Superimposição de categorias padrão da história da arte em dados.

Figura 13. Por que forçar o desenvolvimento cultural contínuo e dinâmico em

pequenos conjuntos de dados categorizados? Em vez de projetar um pequeno
conjunto de categorias sobre os dados que definem cada objeto cultural como
pertencendo a categorias distintas ou como estando fora de todas as categorias
(o que automaticamente as torna menos importantes para a pesquisa), podemos
visualizar o padrão global em seu desenvolvimento. Neste gráfico definimos
124
uma linha de tendência utilizando todos os pontos (todas as 35 pinturas). A cur-
125
va mostra que as mudanças nos parâmetros visuais, as quais, em nosso ponto de
vista, definiram a arte moderna no século XX (formas simplificadas, tonalidades
brilhantes, cores mais saturadas, imagens mais planas) se aceleraram após os
anos 1870 e aceleraram ainda mais após os anos 1905.
Para determinar valores Y para este gráfico, mensuramos as pinturas a partir
das seguintes dimensões: escala de cinza média, saturação média, o tamanho
do histograma da escala binária de cinza e ângulo.Todos os valores, exceto ân-
gulo, foram mensurados em uma escala de 0-255; os valores do ângulo foram
normalizados à mesma distância dos valores. (O tamanho do histograma da es-
cala binária de cinza indica como vários valores diferentes de pixel têm valores
não-0 em seu histograma. Se uma imagem tem cada um dos valores da escala de
cinza, esse número então será 255; se uma imagem tem somente poucos valores
listados na escala de cinza, o número correspondente será menor).

Figura 14. Podemos comparar a variação do desenvolvimento entre diferentes

períodos. Gráfico: comparando as mudanças na pintura antes de 1900 versus pin-
turas pós-1900 usando linhas de tendências lineares.

Figura 15. Mensurações computacionais de estruturas visuais permitem en-

contrar diferenças entre conjuntos culturais, que à primeira vista parecem idên-
ticos (assim como encontrar similaridades entre os conjuntos, o que se pensava
ser muito diferente). Gráfico: comparando a mudança na escala de cinza das pin-
turas “realistas” x “modernistas” em nosso conjunto revela que nessa dimensão
a anterior foi se modificando à mesma exata medida que a última.
FILE TEORIA DIGITAL

1.5

0.5

-0.5

-1

-1.5
1840 1860 1880 1900 1920

Figura 11.

300

250 Malevitch_1914

Abstracionismo Mondrian_1913
Jawlesnky_1917

200
Mondrian_1912
Amiet_1898
Pós-Impressionismo Matisse_1904 Kandinsky_1912
Kupka_1912
Mondrian_1908
Malevitch_1911
Mondrian_1911
150 Manet_1866
Pissaro_1873
Seurat_1889 Cezanne_1900

Pissaro_1897 Cezanne_1905
Kupka_1910

Realismo Regnault_1870 Repin_1881

van_Gogh_1888
Matisse_1910

Jawlesnky_1912
van_Gogh_1890
100 Degas_1874
Seurat_1886
Gauguin_1892
Gauguin_1894

Bastien-Lepage_1877 Kandinsky_1908
Repin_1883
Manet_1882

50 Regnault_1868

Courbet_1854
Courbet_1849

0
1840 1850 1860 1870 1880 1890 1900 1910 1920 1930

Figura 12.
TEORIA DOS NURBS

300

250 Malevitch_1914

Mondrian_1913
Jawlesnky_1917

200
Mondrian_1912
Amiet_1898
Matisse_1904 Kandinsky_1912
Kupka_1912
Mondrian_1908
Malevitch_1911
Mondrian_1911
150 Manet_1866
Pissaro_1873
Seurat_1889 Cezanne_1900

Pissaro_1897 Cezanne_1905
Kupka_1910

Matisse_1910
Regnault_1870 Repin_1881
van_Gogh_1888 Jawlesnky_1912
van_Gogh_1890
100 Degas_1874
Seurat_1886
Gauguin_1892
Gauguin_1894

Bastien-Lepage_1877 Kandinsky_1908
Repin_1883
Manet_1882

50 Regnault_1868

Courbet_1854
Courbet_1849 126
0 127
1840 1850 1860 1870 1880 1890 1900 1910 1920 1930

Figura 13.

300

225

150

75

0
1840 1860 1880 1900 1920

Figura 14.
FILE TEORIA DIGITAL

2.5

1.5

0.5

-0.5

-1

-1.5
1850 1860 1870 1880 1890 1900 1910 1920

Figura 15.

600

450

300

150

0
1840 1860 1880 1900 1920

Figura 16.
TEORIA DOS NURBS

Figura 16. Imagens podem ser analisadas em centenas de dimensões visuais 10. Agradeço
diferentes. Gráfico: o número de contornos em cada pintura como uma função de especialmente a
Yuri Tsivian pela
tempo (Procedimento: automaticamente contar o número de contornos em cada generosidade de
imagem, não considerando contornos muito pequenos). prover o acesso ao
banco de dados do
Cinemetrics.

HistóriadoFilme.viz

Neste exemplo exploramos os padrões na história do cinema como representa-

dos por 1.100 filmes lançados. Os dados são do cinemetrics.lv10. Os filmes co-
brem um número de países e um período que vai de 1902 a 2008 (note que assim
como no exemplo anterior, esse conjunto de dados também representa uma se- 128
leção tendenciosa: filmes que interessam àqueles historiadores do cinema que 129
contribuem com os dados – mais que alguma amostragem objetiva da produção
mundial ao longo do século XX).
Para cada filme a base de dados Cinemetrics provê dados sobre o tamanho de
cada tomada, assim como a média do tamanho dos planos (que pode ser obtido
ao se dividir o tamanho de um filme pelo total de números de planos). Esses
dados nos permitem explorar os padrões de tamanhos de planos (que corres-
pondem à velocidade do corte) ao longo de vários períodos no século XX e em
diferentes países (os gráficos nestes artigo foram produzidos utilizando-se uma
seleção completa de dados a partir do site cinemetrics.lv, com banco de dados
do mês de agosto de 2008.)

Figura 17. Duração média das tomadas nos filmes lançados entre 1900-2008.
Eixo X: datas dos filmes (em anos). Eixo Y: média dos planos (em segundos). Cada
filme é representado por um pequeno círculo. A linha de tendência através dos
dados mostra que entre 1902 e 2008, a média no tamanho de cada plano em todo
conjunto de dados diminuiu de 14 para 10 segundos – algo esperado desde o
surgimento da MTV nos anos 1980.

Figura 18. Duração média das tomadas nos filmes lançados entre 1900 - 1920.
Durante o período em que o cinema mudou de uma forma de linguagem anterior
que simulava o teatro para uma linguagem “clássica” baseada em cortes entre
as mudanças de ponto de vista, a evolução da média dos planos se tornou muito
mais rápida. Entre 1902 e 1920, a média do tamanho do plano diminuiu aproxi-
madamente 4 vezes.
 FILE TEORIA DIGITAL

60
50
40

30

20
duração média das tomadas

10
9
8
7
6
5
4

1
1900 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970 1980 1990 2000

Figura 17.

60
duração média das tomadas

50

40

30

20

10

1900 1902 1904 1906 1908 1910 1912 1914 1916 1918 1920

Figura 18.
TEORIA DOS NURBS

Figura 19. Duração média das tomadas dos filmes lançados (EUA, França, Rús-
sia) entre 1900-2008. Aqui comparamos as tendências no tamanho dos planos
dos filmes em três países: Estados Unidos, França e Rússia. O gráfico revela um
número de padrões interessantes. No começo do Século XX, os filmes franceses
são mais lentos que os americanos. Os dois se alcançam nos anos 1920 e 1930,
mas após isso os filmes franceses voltam a ser lentos. E mesmo depois de 1990,
quando ambas curvas começam a diminuir, o espaço entre eles se mantém o mes-
mo. (Isso pode parcialmente explicar porque filmes franceses não tem sido bem
sucedidos no mercado de cinema nas décadas recentes). Em contraste à linha de
tendência para os EUA e França, a linha para o cinema Russo tem muito mais cur-
vas dramáticas – um reflexo das mudanças radicais na sociedade russa no século
XX. O mergulho nos anos 1920 representa o corte rápido da escola de montagem 130
russa (filmes os quais dominaram a seleção do cinemetrics.lv de cinema russo 131
para aquele período), que tinha como objetivo estabelecer uma nova linguagem
do filme, apropriada à nova sociedade socialista. Após 1933 quando Stalin aper-
tou o controle sobre a cultura e estabeleceu a doutrina do Realismo Social, os
filmes começaram a ficar lentos. Nos anos 1980, a sua média de planos era de 25
segundos versus 15 segundos para os filmes franceses e 10 para os filmes ame-
ricanos. Mas após a dissolução da União Soviética e a Rússia começar a adotar
o capitalismo, a média dos cortes dos filmes, correspondentemente, começa a
aumentar muito rapidamente.
Os detalhes particulares das linhas de tendências neste gráfico não refle-
tem, é óbvio, uma “figura completa”. A base de dados do Cinemetrics contém
números desiguais de filmes de três países (479 americanos, 138 franceses e
48 russos/soviéticos), os filmes não são distribuídos no tempo e, talvez, mais
importante, a seleção dos filmes é excessivamente tendenciosa, feita através da
importância histórica dos diretores e do “cinema de arte” (por exemplo: existem
4 entradas para Eisenstein e 53 entradas para D.W. Griffith). Se formos adicio-
nar mais dados aos gráficos, as curvas podem surgir de alguma forma diferen-
tes. Contudo, dentro de um subconjunto “canônico” particular de todo o cinema
contido nos dados do cinemetrics, o gráfico mostra a tendência real que, como
vimos, corresponde à condições culturais e sociais mais extensas nas quais a
cultura é realizada.
 FILE TEORIA DIGITAL

60
duração média das tomadas
50

40

30

20

10

0
1900 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970 1980 1990 2000
EUA França Rússia/ União Soviética Todos

Figura 19.

Conclusão

Disciplinas de humanidades, crítica, museus e outras instituições culturais

geralmente apresentam a cultura em termos de períodos contidos neles mes-
mos. Similarmente, as mais influentes teorias modernas da história como as de
Kuhn (“paradigmas científicos”) e Foucault (“epistemes”) também têm os seus
focos em períodos estáveis – mais que em transições entre eles. De fato, bem
pouca energia intelectual tem sido gasta no período moderno para se pensar
em como as mudanças culturais acontecem. Talvez isso tenha sido necessário,
já que até recentemente as mudanças culturais de todos os tipos eram muito
vagarosas. Contudo, desde o início da globalização dos anos 1990, não apenas
as mudanças foram aceleradas em todo o mundo, mas a ênfase em mudanças,
mais que em estabilidade, tornou-se a chave dos negócios globais e do pensa-
mento institucional (expressada pela popularidade de termos como “inovação”
e “mudança disruptiva”).
Nosso trabalho de visualizar as mudanças culturais é inspirado por softwa-
res comerciais como o Google’s Web Analytics, o Trends e o Flu Trends, além do
BlogPulse de Nielsen, assim como em projetos de artistas e designers tais como
os seminais History Flow de Fernanda Viegas e Martin Wattenberg, o Listening
History de Lee Byron e o The Ebb and Flow of Movies 10.
TEORIA DOS NURBS

Até agora, muitos dos processos de visualização cultural usaram mídia discreta 11. http://www.
(por exemplo: textos) ou metadados sobre a mídia. History Flow usa histórias leebyron.com/what/
lastfm.
das páginas editadas da Wikipedia; Listening History de Lee Byron11 usa dados
sobre o uso do last.fm; e The Ebb and Flow of Movies12 usa dados de recibos de 12. http://www.
bilheteria de cinema. Em contraste, nosso método considera os padrões de visu- nytimes.com/
interactive/2008/02
alização como manifestados em estruturas de mudanças de imagens, de filmes, /23/movies/2008
de vídeos e outros tipos de mídia visual. Atualmente, nós estamos expandindo 0223_REVENUE_
nosso trabalho para processar conjuntos de dados ainda mais extensos – por GRAPHIC.html.

favor, visite softwarestudies.com para ver nossos novos resultados.

Sobre o Autor 132

Lev Manovich é autor de Soft Cinema: Navigating the Database (The MIT Press, 2005), Black Box
133
– White Cube (Merve Verlag Berlin, 2005) e The Language of New Media (The MIT Press, 2001).
Manovich é professor no Departamento de Artes Visuais da Universidade da Califórnia em San
Diego, diretor da Software Studies Initiative no California Institute for Telecommunications and
Information Technology (Calit2) e pesquisador convidado no Goldsmith College (Londres) e no
College of Fine Arts, Universidade de Nova Gales do Sul (Sydney).

Tradutor do texto Cícero Inácio da Silva e Jane de Almeida

Texto publicado pelo File em 2009.

PARTE 2
TEORIA
A ecologia,
os Entraves,
A alma e as
Rupturas do
ambiente
DIGITAL
A ANARCO
CULTURA
RICARDO
BARRETO
teoria

digital

transformação

virtual

contemporâneo

conexão
FILE TEORIA DIGITAL

Na anarco-cultura, vive-se o jogo livre de todos os códigos que ocorrem no

mundo das redes, rompendo assim com as instituições transcendentes basea-
das na autoridade e na unicidade, provocando uma heterogenização descontro-
lada que não se pode capturar por nenhum aparelho. Ela se dá como uma máqui-
na de transformação cultural perpétua, onde a “autoridade cultural” não pode
mais exercer nenhum poder sobre as suas manifestações. Pura conectividade
que escapa dos conceitos, que escapa da autoridade, que escapa daqueles que
lhe querem impôr uma forma. Não espere epifanias ou originalidades ontológi-
cas, vanguardas heróicas ou teleologias da emancipação, mas um mundo virtual
prenhe de potencialidades onde ocorre o jogo livre entre seus códigos, o jogo
livre das diagonais que atravessam todos os planos, todas as disciplinas e que
entrelaçam as multiplicidades heterogêneas num jogo livre das conexões. Re-
plicações, samplings, paráfrases, conexões estratégicas, reenvios heurísticos,
alteridades criadoras são os seus modos de fazer. O novo, o velho nada destas
coisas importam mais, ficaram no passado longínquo da modernidade histórica.
Estes objetivos perderam a sua força, tornaram-se acadêmicos, demasiadamen-
te acadêmicos. Na sociedade das redes virtuais vive-se uma necessidade ima-
nente: a potencialização indiscriminada de todas as suas micrológicas partes
(nano). Tudo será potencializado ocasionando a extraordinária produção inde-
terminada do absoluto; o controle e o descontrole se dão simultaneamente,
porém eles serão sempre assimétricos. Não mais o binômio estado/
revolução=estado, mas império/atentado=atentado, ou seja, a instabilidade
mundial e a imprevisibilidade temporal permanente. Assim o “apeíron” anaxi-
mândrico pode coexistir na maquinação virtual contemporânea de tal maneira
que ele se torna a instância pré-conceitual imanente de todas as redes virtuais.
Não estamos mais na época do “pós”, mas do “pré”. A teoria das redes não-line-
ares e a anarco-cultura exigem uma instância pré-conceitual; pré-formal; pré--
filosófica; pré-metafísica; pré-estrutural; pré-histórica, sem as quais não nos
libertaremos dos conceitos, das formas, das filosofias, das metafísicas, das es-
truturas e da história. Esta região “pré” é a instância das intensidades livres,
onde nenhuma “arche”pode sobreviver ou se instalar; ela não tem nem início,
nem princípio, pois sua natureza é pura imanência, pré-sujeito e pré-objeto, um
prelúdio filosófico virtual. De outra maneira, deus, ideias, princípios, axiomas,
conceitos, fundamentos, causas, egos, estados políticos são seres advindos de
uma metafísica milenar fundamentada na “arche”, onde o início é um princípio,
fundamento do sistema que se pretende instalar. São pontos coaguladores e
centralizadores de poder monopolizador há muito introjetados e fixados em
nossas mentes (ideias fixas). Quando nos libertaremos definitivamente da he-
A ANARCO CULTURA

rança platônica e aristotélica? A pré-filosofia concebe uma outra paisagem, cuja

natureza é de imanência anárquica por excelência. Paisagem sem pontos gravi-
tacionais de poder centralizador, de velocidades multiplicadas conectadas em
redes dinâmicas, cujos pontos não são pontos, mas outra redes dinâmicas,
constituindo um topos inexato pré-metafísico, por onde as intensidades fluem
recriando heterogeneamente a si próprias. Desta maneira a anarco-cultura,
onde as redes constituem sua vida, liberta-se dos pontos monopolizadores de
poder, mas também da visão hilemórfica do passado filosófico, onde a forma
sempre formatava a matéria. Nenhum conceito poderá explicá-la, nenhuma for-
ma poderá detê-la. Dir-se-á que sua natureza é informal e pré-estrutural: pura
performance, pois as replicações e os sampleamentos das intensidades e dos
códigos impedem sua cristalização em conceitos, em formas ou em egos. A iden-
tidade sofre um atentado, ela se torna uma outra coisa. Pierre Menard, autor de 138
Dom Quixote de Borges e as fotos de Sherrie Levine ilustram o atentado à auto- 139
ria e demonstram a transformação paradoxal que recebe a obra por eles repli-
cada. Nenhuma obra será a mesma depois de replicada (clone-cultural). A repli-
cação continua do outro e de si (auto-poesis cultural + alteridade cultural)
destroem o original, para transformá-lo numa multiplicidade liberta da “arche”.
No anarco-culturalismo toda produção cultural está ali para ser replicada, alte-
rada, dilacerada, esquartejada e contaminada; todos poderão fazer “arte”, todos
poderão fazer música, basta “destruí-las” (replicação,sampling); o objetivo do
anarco-culturalismo é o fazer e a experimentação do outro absoluto. No univer-
so da alteridade, tanto o tempo como o espaço se tornam não lineares e não
homogêneos: pré-tempo, pré-espaço. Não há mais uma unidade de espaço, uma
substância espacial ou uma forma espacial.No pré-espaço, no qual a “arche” foi
retirada como elemento constituinte, só resta o anarco-espaço, cujas dimen-
sões inexatas se conectam infinitamente entre si; a extensão ao tornar-se vir-
tual liquefaz a solidez geometrizante, criando um estranho elo entre o tempo e
o espaço, ou o que poderia ser chamado de tempo catatônico(anarco-tempo-
-virtual). Ele é o tempo das redes não lineares, numa conexão estreita de tempo
e de espaço virtual. Nem continuidade sequencial ou simultânea, nem instantes
atomizados limitantes, mas paradas estratégicas (epoqué temporal), onde o
tempo passa sem nada passar e zapeamento de fluxo descontínuo, neste caso há
um salto temporal, onde o tempo não passa, passando todas as velocidades. A
epoqué temporal se dá quando o tempo replica-se a si mesmo, aparecendo en-
tão como tempo ausente, ele se torna espacial, quanto maior for a velocidade da
replicação temporal, mais espacial ele parecerá. Um exemplo ilustrativo desta
situação de suspensão temporal aparece na obra de Richard Serra, intitulada
FILE TEORIA DIGITAL

One-ton-prop (House of Cards) onde quatro chapas de ferro estão encostadas

uma nas outras de tal maneira que elas permanecem em pé pela tensão recípro-
ca entre elas, esta tensão foi chamada de prop. A grande novidade desta escul-
tura é que ela não mais habita somente o espaço, mas também o tempo, ela só
existe enquanto suas partes permanecem encostadas umas nas outras, contudo
o tempo não é sentido como passando, mas como em suspenso. Esta obra faz
uma mistura entre o espaço e o tempo e apresenta uma nova dimensão espaço--
-temporal. Outro exemplo do tempo-espaço-prop são as telas dos computado-
res digitais, manipuladas pela invenção de Doug Engelbart, que permanecem
num estado de suspensão temporal na espera que a interação do usuário salte
para uma outra órbita. A interação pressupõe a epoqué temporal, pois sem ela
estaríamos presos num fluxo contínuo; estaríamos escravos do automatismo
temporal linear analógico, pois nunca houve nada de libertário nas mídias ana-
lógicas; estaríamos escravos do tempo crônico, lembremo-nos das
revoluções(epoqué histórica), quando, contra o tempo opressor, os relógios
eram quebrados. Suspensão e salto são as duas faces do tempo catatônico. A
suspensão é o momento estratégico das decisões, das volições e dos desejos.
Ela pode durar o tempo todo ou uma fração imperceptível. Por outro lado o salto
se dá no fluxo temporal que traz em si a possibilidade da suspensão a qualquer
momento, ocasionando uma transformação na natureza do tempo e do que ocor-
re nele, produzindo uma indeterminação quanto à direção temporal; são os de-
vires. Contudo o salto também pode ser clônico, ocasionando múltiplas direções
temporais interconectadas. No mundo digital elas puderam ocorrer, através das
linkagens múltiplas entre as órbitas, ou através das janelas múltiplas sobrepo-
níveis desenvolvidas por Alan Kay. A conexão tempo-espaço-temporal (tempo
catatônico), e as intensidades livres “anarche” inauguram uma nova forma de
experimentação e libertação cultural. Os mass mídias, por outro lado, como pro-
dutores da “cultura de massa” impuseram uma forma linear de temporalidade às
massas, escravizando-as através de um fluxo contínuo e ininterrupto de signos
despotencializantes, produzindo uma desvalorização do público e da cultura. O
tempo linear foi o responsável pela massificação generalizada do público mo-
derno e por uma visão meta-narrativa da história. Uma mentalidade complexa e
anárquica se impõe à cultura contemporânea: a anarco-cultura. Ela ocorre quan-
do a autoridade cultural não pode mais exercer nenhum poder sobre as manifes-
tações culturais ou sobre os seus produtores; quando os seus produtos não são
mais comercializados; quando o valor do produto cultural não repousa sobre a
sacralização ou sobre a propriedade, mas na sua capacidade de potencializar os
agentes que com ele se conectam; quando o produtor cultural liberta-se de seu
A ANARCO CULTURA

ego, liberta-se de seu nome, liberta-se da pretensão inócua de entrar para a

história e, então, ao se desterritorializar, pode participar de um plano mais
complexo, onde o sentido construído pelo autor é substituído pelas estratégias
de múltiplos sentidos em co-autoria com seus interagentes; quando o produto
cultural deixa de ser linear e analógico e passa a ser um sistema ubíquo de
complexidade interativa enfatizando seus aspectos imersivos e bioculturais,
tornando-se, portanto, máquina de transformação cultural; quando não há mais
o mundo próprio das artes, das ciências ou de qualquer outra disciplina, mas o
jogo livre entre seus códigos, o jogo livre das diagonais que atravessam todos
os planos, todas as disciplinas e que entrelaçam as multiplicidades heterogêne-
as num jogo livre das conexões. O anarco-culturalismo é a cultura do estado de
natureza da redes digitais (ciber-natureza/cultura digital), ele é pré-estatal,
pré-contratual, pré-direitos e pré-deveres. Nele habitam novas tribos, novas 140
comunidades, novos viajantes, mas também novas estratégias que desestabili- 141
zam o mundo da “arche”. Não há mais um público que deva ser atingido (público
alvo), mas comunidades, coletivos e networks que se tornam cada vez mais im-
permeáveis às campanhas de marketing e às estratégias publicitárias. Do públi-
co passivo, massa de manobra, pelo qual os mídias analógicos retiravam sua
energia, passamos, através da ciber-natureza para as comunidades intercomu-
nicantes; para os coletivos inteligentes; para as networks estratégicas, para as
máquinas anárquicas de guerra transformadoras (virulência cultural).

Sobre o Autor
Ricardo Barreto é artista e filósofo. Atuante no universo cultural trabalha com performances,
instalações e vídeos e se dedica ao mundo digital desde a década de 90. Co-fundador e
co-organizador do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2003.

A Máquina
Viral
Universal –
Bits, parasitas
e ecologia
da mídia na
cultura de
redes
Jussi Parikka
teoria

digital

ecologia

vírus

máquina

vida
 FILE TEORIA DIGITAL

1. Humberto R. Os organismos são adaptados a seus ambientes, e parece adequado dizer que
Maturana e Francisco sua organização representa o ‘ambiente’ em que eles vivem ....1
J. Varela. Autopoiesis
and Cognition. The – Humberto Maturana
Realization of the
Living, Dordrecht e
Londres: D. Reidel,
1980, p.6. Prólogo: A biologia da cultura digital

2. Katie Hafner & John Nas últimas décadas, criaturas biológicas como vírus, vermes, bugs e bactérias
Markoff. Cyberpunk:
Outlaws and Hackers parecem ter migrado de seus hábitats naturais para ecologias de silicone e ele-
on the Computer tricidade. A mídia também se apressou a empregar essas figuras de vida e mons-
Frontier. Londres: truosidade para representar miniprogramas, transformando-as em Godzillas e
Fourth Estate,
1991, p.254. outros monstros míticos digitais. A ansiedade que esses programas produzem
deve-se em grande parte a sua suposta condição de programas quase-vivos,
3. Douglas Rushkoff. como exemplificado nesta citação sobre o verme da Internet de 1988:
Media Virus!, Nova
York: Ballantine
Books, 1996, p.247. O programa batia insistentemente às portas eletrônicas de Berkeley. Pior,
quando Lapsley tentou controlar as tentativas de invasão, descobriu que se
4. Sobre capitalismo e
vírus de computador, tornavam mais rápidas do que ele era capaz de matá-las. E, nessa altura, as
ver Jussi Parikka. máquinas atacadas de Berkeley estavam desacelerando conforme o invasor
Digital Monsters, demoníaco devorava cada vez mais tempo de processamento dos computado-
Binary Aliens -
Computer Viruses, res. Eles estavam sendo aniquilados. Os computadores começaram a parar ou
Capitalism and the a ficar catatônicos. Simplesmente ficavam estagnados, sem aceitar comandos.
Flow of Information. E apesar de as estações de trabalho estarem programadas para recomeçar a
Fibreculture,
nº 4, Contagion funcionar automaticamente depois de uma pane, assim que elas reiniciavam
and Diseases of eram novamente invadidas. A universidade estava sendo atacada por um vírus
Information, editado de computador.2
por Andrew Goffey,
http://journal.
fibreculture.org/ Essas articulações da vida em computadores não se restringiram a esses pro-
issue4/issue4-- gramas específicos, mas tornaram-se uma maneira geral de compreender a
parikka.html.
natureza da Internet desde os anos 90. Sua complexa composição foi descrita
5. Deborah Lupton. em termos de “raízes” e “estruturas ramificadas” de “crescimento” e “evolução”.
Panic Computing: The Como notou Douglas Rushkoff em meados dos anos 90, “as imagens biológicas
Viral Metaphor and
Computer Technology. são muitas vezes mais apropriadas para descrever a maneira como a cibercultu-
Cultural Studies, ra se modifica. Em termos da maneira como todo o sistema se propaga e evolui,
vol. 8 (3), outubro pense no ciberespaço como uma placa de Petri social, na Net como o meio de
de 1994, p. 566.
ágar e nas comunidades virtuais, em toda a sua diversidade, como as colônias
de microorganismos que crescem nas placas de Petri”.3
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

Neste artigo, examino os vermes e vírus de computador como parte da genealo- 6. Scientists: Virus
gia da mídia em rede, das redes de discurso da mídia contemporânea. Enquanto May Give Link to Life.
SunHerald, 12 de
debates populares e profissionais sobre esses miniprogramas com frequência maio de 2004, http://
os vêem somente como código nocivo, os vermes e vírus podem igualmente ser www.sunherald.com/
abordados como reveladores dos próprios fundamentos de seu ambiente. Essa mld/sunherald/news/
nation/8649890.htm.
perspectiva ecológica da mídia se baseia em noções de auto-referencialidade e
autopoiésis, que problematizam as descrições geralmente apressadas dos vírus 7. Ver Bruno Latour.
como softwares nocivos, produtos de jovens vândalos. Em outras palavras, os We Have Never Been
Modern. Nova York e
vermes e vírus não são a antítese da cultura digital contemporânea, mas reve- Londres: Harvester
lam traços essenciais da lógica tecno-cultural que caracteriza a cultura da mídia Wheatsheaf, 1993.
computadorizada das últimas décadas.
8. Além das
Dou ênfase especial às funções das últimas décadas de cultura digital como perspectivas
redes, automação, auto-reprodução e cópia e comunicação. Esses termos foram articuladas, p.ex.,
por Friedrich Kittler e 144
incorporados, tanto ao vocabulário da cultura de mídia quanto ao trabalho prá-
Paul Virilio, ver, p.ex., 145
tico de engenharia realizado por cientistas da computação e outros profissio- Stephen Pfohl. The
nais que implementam os princípios da informática ao redor do mundo. Como Cybernetic Delirium
discuti a conexão entre os vírus de computador e o capitalismo da informação of Norbert Wiener.
CTheory 30/01/1997,
em outros lugares4, o presente texto se concentra mais na genealogia sócio- http://www.ctheory.
tecnológica do fenômeno, assim complementando o trabalho já realizado. net/text--file.
Em 1994, Deborah Lupton sugeriu que os vírus de computador poderiam ser asp?pick=86. Ver
também Paul E.
entendidos como metonímias “do potencial parasítico da tecnologia de compu- Edwards. The Closed
tadores de invadir e assumir o controle a partir de dentro”5, assim expressando World. Computers
a recepção ambivalente – oscilando entre preocupação e entusiasmo – que o and the Politics of
Discourse in Cold War
computador teve nas últimas décadas. De maneira semelhante, pergunto se os America. Cambridge
vírus são uma metonímia, ou um indício, da infra-estrutura subjacente, material e Londres: The MIT
e simbólica, em que repousa a cultura digital contemporânea. Enquanto alguns Press, 1996.

biólogos afirmam que “em qualquer lugar onde há vida esperamos encontrar 9. Ver Pierre Sonigo
vírus”6, parece-me que talvez isso possa se estender ao mundo da cultura digital. e Isabelle Stengers.
Mapear os territórios “históricos” habitados pelos vermes e vírus de computa- L’Évolution. Les Ulis:
EDP Sciences, 2003,
dor produz uma cartografia desses trechos de código efetivos que não os reduz 149. A abordagem
à classe generalizada de software nocivo, mas reconhece a centralidade muitas mídia-ecológica
vezes negligenciada que esses tipos de programas têm na ecologia de redes da é geralmente
ligada a obras de
cultura digital. Esses trechos de código viral nos mostram que a sociedade digi- Marshall McLuhan,
tal é habitada por todos os tipos de quase-objetos e atores não-humanos, para Neil Postman e da
adotar a terminologia de Latour7. Nesse sentido, os projetos de vida artificial chamada Escola de
Toronto. Sobre uma
e as metamorfoses biológicas da cultura digital nas últimas décadas oferecem avaliação crítica
chaves essenciais para se destrinchar a lógica dos softwares que produzem a
base ontológica da maior parte das transações econômicas, sociais e culturais
das redes globais modernas.
 FILE TEORIA DIGITAL

de alguns temas de A situação cultural contemporânea é muitas vezes descrita como uma junção
ecologia da mídia, essencial de guerra e mídia – e a logística da cibernética de comando, controle,
ver Ursula K. Heise.
Unnatural Ecologies: comunicações e inteligência, C3I –, ampliada das redes estritamente militares
The Metaphor of para incluir a mídia de entretenimento8. Sugiro, no entanto, que “vida” e ideias
the Environment como “ecologias” e “territórios” também podem atuar como valiosos pontos de
in Media Theory.
Configurations, Vol. referência teóricos para se compreender os paradigmas da cultura digital. A ci-
10, nº 1, Inverno bernética, assim como outras origens científicas das redes digitais modernas,
2002, pp. 149-168. enfoca a vida e a junção do biológico com o tecnológico, tema que ganhou ter-
Ver também o
recente livro de reno especialmente nas últimas décadas juntamente com uma quantidade cres-
Matthew Fuller Media cente de softwares semi-autônomos. Em vez de simples projeto e controle de
Ecologies: Materialist cima para baixo, temos cada vez mais processos artificiais, porém semelhantes
Energies in Art
and Technoculture. à vida, de auto-organização, processamento distribuído e intermediação – te-
Cambridge, MA: mas que, embora sejam importantes símbolos culturais, também são processos
MIT Press, 2005. reais subjacentes à ecologia da mídia da digitalidade.
Fuller discerne
três correntes de Os vírus e vermes se apresentam como o ápice dessas tendências culturais,
ecologia da mídia: enquanto também funcionam como novas “ferramentas de pensamento”9 para
1) a compreensão uma teoria da mídia que enfoca a complexidade e o conexionismo. As teorias da
organizacional
da ecologia complexidade encontraram seu nicho na filosofia e na teoria cultural enfatizan-
da informação do os sistemas abertos e a adaptabilidade. De maneira semelhante, teorias que
como locais de salientam a co-evolução de um organismo e seu ambiente também fornecem
trabalho, etc.; 2) as
ecologias de mídia importantes pontos de vista para se estudar a cultura digital, permitindo que o
ambientalistas de, pensamento supere as dicotomias objeto-sujeito e veja essa situação cultural
p.ex., McLuhan, Lewis da mídia como um feedback e auto-recriação contínuos. A engenhosa percepção
Mumford, Harold
Innis, Walter Ong e de vários projetos de cultura digital foi que sua compreensão de “vida” se ba-
Jacques Ellul, que seou na auto-reprodução e uma junção do exterior com o interior, um processo
tendem a enfatizar de dobramento. Este ensaio segue essa pista, e dobra esse tema com a teoria
a homeostase e
o equilíbrio; e 3) cultural que trata da cultura de redes digitais. Em suma, apesar de os termos
os relatos pós- acima citados “vida”, “ecologia”, etc. serem facilmente circuitos fechados auto-
estruturalistas da referentes, ou – como em outros casos – modelos formais, quero sugerir uma
ecologia da mídia de,
p.ex., N. Katherine ideia mais sutil. Ao discutir a “vida da cultura de redes”, ela não deve ser en-
Hayles e Friedrich tendida como uma forma, mas sobretudo como movimento e junção, de maneira
Kittler, que podem semelhante à leitura de Deleuze da afirmação de Spinoza:
ser vistos como
uma abertura da
ênfase demasiado O importante é entender a vida, cada individualidade viva, não como uma forma
humanística da ou um desenvolvimento da forma, mas como uma complexa relação entre velo-
segunda categoria.
Fuller acrescenta cidades diferenciais, entre desaceleração e aceleração de partículas.10
(pp. 3-5) a ênfase de
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

A engenhosa percepção
de vários projetos de
cultura digital foi que sua
compreensão de “vida” se
baseou na auto-reprodução
e numa junção do exterior 146
147

com o interior, um processo

de dobramento.
 FILE TEORIA DIGITAL

Félix Guattari para Essa perspectiva ecológica não depende, portanto, de características formais da
a experimentação vida, mas é um rastreamento das linhagens do filo maquínico virtual da cultura
e testes como
parte chave de seu de redes digitais, e também um rastreamento dos caminhos dos organismos que
projeto, algo que se movem nesse plano: uma biofilosofia11 – ou genealogia da vida digital. Por-
também considero tanto, embora o enfoque aqui seja para as genealogias da cultura de redes, esse
uma orientação
muito valiosa, mapeamento é feito para fornecer uma re-fiação para futuros e vir-a-seres,
complementando como a parte final deste artigo irá ilustrar.
as perspectivas
de Kittler.

10. Gilles Deleuze. A Máquina Viral Universal

Spinoza: Practical
Philosophy. Trad.
Robert Hurley. San Fred Cohen ficou conhecido como o pioneiro que trabalhou para decifrar as po-
Francisco: City Lights tencialidades dos programas virais no início dos anos 80. Os experimentos de
Books, 1988, p. 123. Cohen em 1983 ficaram famosos, e Cohen, então um doutorando em engenharia
11. Ver Eugene elétrica na Universidade do Sul da Califórnia, tem sido citado como a pessoa que
Thacker. Biophi- percebeu os perigos potenciais dos programas de vírus12. Os “ataques de nega-
losophy for the 21st ção de serviços” que Cohen descreveu e sobre os quais advertiu, desde então
Century. CTheory
6/9/2005, http://www. foram demonstrados como um meio muito factível de guerra informática, uma
ctheory.net/articles. guerra que ocorre no nível da codificação digital – “softwar(e)” como a chamou
aspx?id=472. Além um livro de espionagem de 198513. Cohen ilustrou isto em um trecho de pseudo--
disso, acho as ideias
de Alex Galloway -código para dar uma ideia de qual poderia ser a aparência de um programa viral
sobre a natureza pro- em princípio:
tocológica dos vírus
semelhante à minha
tese genealógica. Os subroutine infect-executable:=
vírus atuam como {loop:file = get-random-executable-file;
agentes que se if first-line-of-file = 1234567 then goto loop;
aproveitam da ar-
quitetura da Net, mas prepend virus to file;}14
seus vetores excedem
os limites predefini- Evidentemente, a comoção sobre vírus e vermes que surgiu no final da década de
dos. Ver Alexander
Galloway. Protocol. 80 se deveu à percepção de que esse trecho de código, longe de inerte, poderia
How Control Exists ser responsável pela “bomba de hidrogênio digital”, como disse a revista cult de
After Decentraliza- cibercultura dos anos 80 Mondo 2000 15. Enquanto a ansiedade sobre as armas
tion. Cambridge, MA
e Londres: The MIT nucleares do período da Guerra Fria parecia desaparecer, os miniprogramas de
Press, 2004, p.186. computador e os hackers maliciosos revelavam-se uma nova ameaça.
Fred Cohen, porém, não pensava apenas na guerrilha digital, mas na vida em
12. Fred Cohen.
Computer Viruses geral, na dinâmica dos programas semi-autônomos, salientando que os dois,
– Theory and guerra e vida, não são modalidades contraditórias, no sentido de que ambos
têm a ver com mobilização, com atuação. Nesse sentido, seu trabalho também
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

foi negligenciado, e não me refiro às objeções que sua pesquisa enfrentou nos Experiments. DOD/
anos 8016. Em vez de simplesmente fazer advertências sobre os vírus, o trabalho NBS 7th Conference
on Computer Security,
e a tese de doutorado de Cohen apresentaram as conexões essenciais entre os originalmente
vírus, as máquinas de Turing e os processos artificiais semelhantes à vida. Não publicado em IFIP-
podemos acabar com os vírus, pois a ontologia da cultura de redes é virótica. Os sec, 1984, Online:
http://www.all.
vírus, vermes e quaisquer outros programas semelhantes que usavam as ope- net/books/virus/
rações básicas dos computadores em comunicação, logicamente faziam parte index.html.
do campo da computação. A fronteira entre operações ilegais e legais em um
13. Thierry Breton
computador não poderia, portanto, ser resolvida tecnicamente – fato que levou & Denis Beneich.
a uma inundação de literatura sobre “como descobrir e livrar-se de vírus em seu Softwar. Paris: Robert
computador”. Laffont, 1985.

Para Cohen, um programa de vírus era capaz de infectar “outros progra- 14. Cohen, Computer
mas, modificando-os para incluir uma cópia de si mesmo, possivelmente Viruses – Theory and
aperfeiçoada”17. Isso permitia que o vírus se espalhasse por todo o sistema ou Experiments. 148
rede, tornando todos os programas suscetíveis a tornarem-se vírus. A relação 15. Rudy Rucker, R.U. 149
desses conjuntos de símbolos virais com as máquinas de Turing era essencial, Sirius & Queen Mu
semelhante à relação entre um organismo e seu ambiente. A máquina universal (eds.). Mondo 2000.
A User’s Guide to the
apresentada em 1936 por Alan Turing forneceu, desde então, o esquema básico New Edge. Londres:
de todos os computadores existentes, em sua definição formal de programabi- Thames & Hudson,
lidade. Qualquer coisa que possa ser expressa em algoritmos também pode ser 1993, p.276. O
relatório de 1984 do
processada por uma máquina de Turing. Assim, Cohen comenta, “a sequência de Pentágono Strategic
símbolos em fita que chamamos de ‘vírus’ é uma função da máquina em que eles Computing, destinado
serão interpretados”18, implicando logicamente a inerência dos vírus nos siste- a superar a “lacuna
de software” com
mas de comunicação baseados na máquina de Turing. Essa relação transforma o Japão, baseou-
todos os organismos em parasitas, no sentido de que adquirem sua existência se em ideias de
do entorno ao qual estão ligados funcional e organizacionalmente. máquinas predatórias
autônomas e visões
Embora Cohen estivesse preocupado com os problemas práticos da seguran- de campos de
ça de computadores19, seu trabalho também tem implicações ontológicas mais batalha de software
importantes. A segurança contra softwares nocivos (e o perigo de alguém usá- eletrônico dos
anos 90. Manuel
los para provocar uma guerra) era apenas um componente dos vírus de compu- DeLanda. War in the
tador, expresso na diferença entre o código de Age of Intelligent
Machines. Nova York:
Zone Books, 1991,
subroutine infect-executable:= pp.169-170.
{loop:file = get-random-executable-file;
if first-line-of-file = 01234567 then goto loop; 16. Ver Tony
Sampson. A Virus in
compress file; Info-Space. M/C: A
prepend compression-virus to file;} Journal of Media and
 FILE TEORIA DIGITAL

Culture, 2004, http:// e

journal.media-culture. subroutine trigger-pulled:=
org.au/0406/07-
-Sampson.php. O {return true if some condition holds}
trabalho de Cohen main-program:=
foi frequentemente {infect-executable;
desprezado por
não abordar uma if trigger-pulled then do-damage;
ameaça real. Vários goto next;}
comentaristas
foram céticos sobre
a possibilidade de Esses trechos de pseudocódigo foram usados desde então para esclarecer a ló-
uma disseminação gica geral do funcionamento dos vírus. A pequena diferença entre esses dois
em larga escala exemplos demonstra que as atividades dos vírus não são redutíveis aos danos
desses programas.
Outros consideraram potenciais que o software nocivo pode infligir aos órgãos da ordem nacional e
perigosos os testes internacional, mas a própria lógica de software auto-reprodutor vem a ser uma
de Cohen, no sentido questão fundamental, relacionada, é claro, à ontologia dos vírus e à cultura de
de que publicar o
trabalho disseminaria redes da mídia digital. Mesmo que a tese óbvia de Cohen fosse encontrar mo-
o conhecimento delos e procedimentos para uma computação segura – para manter o fluxo da
necessário para a informação em uma sociedade –, essa tarefa foi acompanhada de algo de uma
criação de vírus.
natureza mais fundamental. Assim, basicamente, as rotinas virais não se limita-
17. Fred Cohen. vam aos danos, mas também permitiam a ideia de vírus benévolos: por exemplo,
Computer Viruses. um “vírus de compressão” poderia funcionar como uma unidade de manutenção
Dissertação
apresentada na autônoma, economizando espaço em disco20. Em sentido semelhante, outro ex-
University of Southern perimentador do início dos anos 90, Mark Ludwig, acreditava que os vírus não
California, dezembro deviam ser julgados somente em termos de suas cargas nocivas ocasionais, mas
de 1986, p. 12.
pelas características que tornavam razoável discuti-los como vida artificial: re-
18. Cohen, Computer produção, emergência, metabolismo, resistência e evolução21.
Viruses, p. 25. Isso dirige o foco para a virulência dos programas de vírus. Sendo trechos de
19. Isso significava código que por definição funcionam somente para infectar, auto-reproduzir-se e
especialmente abordar ativar-se de tempos em tempos, não admira que diversos cientistas da compu-
os problemas de tação não tenham sido capazes de vê-los como um material passivo, mas como
transitividade, o fluxo
de informação e em algo atuante, em disseminação. Outros os tomaram como exemplos de vida arti-
geral a tendência a ficial primitiva, por sua capacidade de reproduzir-se e disseminar-se de manei-
compartilhar e operar ra autônoma (vermes) ou semi-autônoma (vírus).
em rede. Mesmo
que o isolacionismo Não quero abordar a questão de se os vermes e vírus são vida como a en-
tivesse fornecido uma tendemos, mas saliento que, além de ser uma articulação no nível do imaginário
segurança perfeita cultural, essa viralidade também é uma descrição muito fundamental dos pro-
contra vírus e outros
problemas de redes, cessos maquínicos desses programas e da cultura digital em geral. Como conti-
não era uma opção nuação do tema da modernização tecnológica, a cultura de redes é cada vez mais
habitada por programas de software e processos semi-autônomos, que muitas
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

vezes despertam a sensação perturbadora de vida artificial como se expressa, em um mundo que
por exemplo, em vários exemplos jornalísticos e fictícios que descrevem ata- se tornava cada vez
mais dependente do
ques de programas de software. Essa sensação perturbadora é uma expressão fluxo ininterrupto
da situação híbrida desses programas, que transgride os limites constituintes de informação
(no sentido da palavra usado por Latour) de Natureza, Tecnologia e Cultura. como produto final
do capitalismo. A
Enquanto os vírus e vermes passaram a ser, na consciência popular, indícios transitividade da
centrais dessa transgressão, projetos de vida artificial também enfrentaram o informação significa
mesmo problema. Como salientam há décadas as disciplinas transversais como que em qualquer
fluxo de informação
vida artificial, a vida não deve ser julgada como uma qualidade de determinada de A a B e de B a C
substância (a hegemonia de um entendimento da vida baseado no carbono), mas também significa
como um modelo de interconexão, emergência e comportamento dos componen- uma ligação direta
de A a C. Assim, isso
tes constituintes de qualquer sistema vivo. Chris Langton sugeriu no final dos descreve basicamente
anos 80, que a vida artificial não enfoca a vida como ela é, ou foi, mas a vida um sistema “aberto”
como poderia ser. Isso é adotado como a ideia chave para projetos que veem a de fluxos (onde
a “abertura” do 150
vida emergindo em várias plataformas sintéticas, sistemas de silício e basea- sistema, no entanto, 151
dos em computador e redes, por exemplo22. Em uma linha semelhante, Richard é subordinada à
Dawkins, ao viralizar a realidade cultural com sua teoria dos “memes” em 1976, lógica de pontos). O
modelo de partição
referiu-se às possibilidades de encontrar vida mesmo em “circuitos reverberan- foi conceitualizado
tes eletrônicos”23. como um limite
Consequentemente, uma questão mais interessante do que a de se pro- básico desse fluxo,
fechando um sistema
gramas de software isolados são vivos se encontra na questão de que tipo de em subconjuntos, e
novas abordagens o campo da vida artificial pode oferecer para a compreen- consequentemente
são da cultura digital. A vida artificial poderia pelo menos nos fornecer uma restringindo o livre
fluxo de informação.
abordagem para pensar os sistemas vivos não como entidades em si, mas Cohen cita o modelo
como sistemas e junções (acoplamentos) – aqui a ecologia Tierra-virtual de de segurança de Bell-
Thomas S. Ray, dos anos 90 nos oferece um bom exemplo24. Essa abordagem LaPadula (1973) e o
modelo de integridade
da vida artificial também poderia nos levar a pensar sobre a condição da mídia de Biba (1977) como
contemporânea como uma espécie de ecologia, de “vida” no sentido de que se políticas que “dividem
baseia em conexões, auto-reprodução e junção de elementos heterogêneos. os sistemas em
subconjuntos fechados
Isso também tem ecos na compreensão spinoziana da vida acima citada como em transitividade”.
afetividade: relações em velocidades variantes, desacelerações e acelerações Esses modelos,
entre partículas interconectadas. que lidavam com
controle de fluxos
O que Cohen demonstrou, e essa talvez seja sua contribuição mais duradoura, de informação foram
embora não pretendamos diminuir suas conquistas na ciência da computação, alguns dos primeiros
foi a percepção de que a cultura digital estava à beira de uma mudança de pa- paradigmas técnicos
da segurança de
radigma, da cultura de Máquinas de Computação Universais para a de Máquinas computadores. Ver
Virais Universais. Essa cultura não mais se limitaria às capacidades ruidosas Cohen, Computer
de pessoas criando algoritmos. Em vez disso, esses conceitos evolucionários
 FILE TEORIA DIGITAL

Viruses p. 84. de computação ofereceram um modelo de cultura digital que dependia cada vez
“Claramente, mais das capacidades de atores auto-reprodutivos e semi-autônomos. Para ci-
se não houver
compartilhamento, tar as palavras tão menosprezadas de Cohen sobre “evolução viral como meio de
não pode haver computação”, que cristalizam a ecologia de mídia da cultura digital em rede:
disseminação de
informação através de
limites de sujeitos, e Depois de demonstrar que uma máquina arbitrária pode ser implantada com
os vírus não podem se um vírus (Teorema 6), agora escolheremos um tipo particular de máquina a ser
disseminar para fora implantada para obter um tipo de vírus com a propriedade de que os sucessivos
de um sujeito isolado.”
membros do conjunto viral gerado a partir de qualquer membro particular do
20. Cohen, Computer conjunto contenham subseqüências que são (na notação de Turing) as sucessi-
Viruses, pp.13-14. vas iterações da “Máquina de Computação Universal”. Os membros sucessivos
21. Mark A. Ludwig. são chamados de “evoluções” dos membros anteriores, e assim qualquer núme-
Computer Viruses, ro que possa ser “computado” por uma MT Máquina de Turing pode ser “evoluído”
Artificial Life and por um vírus. Portanto, concluímos que os “vírus” são um tipo de máquinas de
Evolution. Tucson,
Arizona: American computação pelo menos tão poderoso quanto as MTs, e que existe uma “Máquina
Eagle Publications, Viral Universal” capaz de evoluir qualquer número “computável.25
1993, p.22.

22. Chris Langton.

“Artificial Life.” In: Ambiente de código
Artificial Life. The
Proceedings of an
Interdisciplinary De uma perspectiva cotidiana, a questão da evolução tecnológica poderia pare-
Workshop on the cer paradoxal, considerando a violenta intermediação de duas esferas tão dis-
Synthesis and tintas quanto “biologia” e “tecnologia”. Essa questão foi amplamente discutida
Simulation of Living
Systems. Apresentada desde o início da cibernética nos anos 50, e as articulações entre biologia e tec-
em setembro de nologia continuam provando sua operacionalidade quando compreendidas como
1987 em Los Alamos, um questionamento da dinâmica da tecnologia. Como nota Belinda Barnet em
Novo México. Editado
por Christopher G. seu ensaio sobre a questão da evolução tecnológica e vida, o que temos à mão
Langton. Redwood é a necessidade de garantir “ao objeto técnico sua própria materialidade, seus
City, CA: Addison próprios limites e resistências, o que nos permite pensar os objetos técnicos em
Wesley, 1989, 2.
Ver também Claus suas diferenciações históricas”.26
Emmeche. The Garden A agenda de Barnet se conecta à minha articulação de uma ecologia da mí-
in the Machine. The dia. Os vermes e vírus de computador, assim como outros elementos técnicos
Emerging Science
of Artificial Life. da cultura digital, nesse sentido, não são redutíveis aos discursos ou represen-
Princeton: Princeton tações relacionados a eles, e para compreender a natureza complexa com que
University Press, eles estão entrelaçados na história cultural material da digitalidade devemos
1994. Christopher G.
Langton (ed). Artificial desenvolver conceitos e abordagens alternativos. Nessa problemática, “vida”
Life. An Overview. e “dinâmica” parecem ter ressonâncias mútuas de uma maneira proposta pe-
las teorias da complexidade que valorizam a natureza processual dos sistemas
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

(abertos) baseados no constante ciclo de feedback entre um organismo e seu Cambridge e Londres:
ambiente. No entanto, como essas noções podem facilmente permanecer como The MIT Press, 1997.

metáforas imprecisas, elas devem ser abordadas mais minuciosamente para 23. Richard Dawkins.
ampliar suas implicações para a ecologia da mídia contemporânea. Aqui, abor- The Selfish Gene.
darei a questão referindo-me à maneira como Deleuze e Guattari esboçaram as Oxford: Oxford
University Press,
questões da máquina (separada das tecnologias em si) e da ontologia maquínica 1977, p. 206.
como interconectivas e interativas27. Isto é, as ecologias da mídia podem ser
entendidas como processos maquínicos baseados em certas linhagens tecno- 24. Página de Tierra na
web: http://www.his.
lógicas e sociais que adquiriram consistência. Assim, “maquínico” também se atr.jp/~ray/tierra/
refere a uma produção de consistências entre elementos heterogêneos. Nes-
sa ontologia do fluxo, as montagens tecnológicas são desacelerações parciais 25. Cohen, Computer
Viruses, pp.52-53.
de fluxos, gerando entidades funcionais mais distintas. Não há seres humanos
usando tecnologias, nem tecnologias determinando os humanos, mas um cons- 26. Belinda Barnet.
tante processo relacional de interação, de auto-organização, e, portanto, o en- Technical Machines
and Evolution. CTheory 152
foque se transfere para “subjetividades sem sujeito”28. Nesse sentido, a vida da 16/3/2004, http://www. 153
ecologia da mídia é definível como maquínica. ctheory.net/text--file.
A vida como conexionismo, não como um atributo de determinada substân- asp?pick=414. Barnet
revive em seu ensaio
cia, também está no centro da teoria viral: “Technical Machines
and Evolution” a
A essência de uma forma de vida não é simplesmente um ambiente que suporta questão da evolução
tecnológica da vida
a vida, nem simplesmente uma forma que, dado o ambiente certo, viverá. A es- com a ajuda de
sência de um sistema vivo está na junção da forma com o ambiente. O ambiente Bernard Stiegler,
é o contexto, e a forma é o conteúdo. Se os considerarmos juntos, consideramos Niles Eldredge, André
Leroi-Gourhan e Félix
a natureza da vida.29 Guattari, entre outros.
O projeto de Barnet é
Eu gostaria de enfatizar especialmente a junção entre uma entidade e seu am- argumentar por uma
visão dinâmica da
biente como a essência do que constitui “vida”. Isso tem uma implicação muito tecnologia. Em outras
importante. Como já notaram os cientistas que abordaram a ideia dos vírus de palavras, Barnet
computador como vida artificial, é difícil, ou talvez impossível, adotar total- parece comprometida
com encontrar
mente os vírus de computador sob o critério de vida (biológica). Se tomarmos alternativas para
uma entidade e uma lista das qualidades que ela deve demonstrar (reprodução, uma compreensão
emergência, metabolismo, tolerância a perturbações e evolução), então nada da tecnologia mais
tradicional dos
senão a vida tradicional poderá preencher os critérios de vida30. No entanto, estudos culturais, que
quero adotar as sugestões para se ver a vida e a vida artificial em termos de reduz sua dinâmica a
conexionismo maquínico como horizontes e ideias experimentais para pensar a intenções, projeções
e discursos de
ecologia da mídia contemporânea. origem humana.
Portanto, os vírus – e a vida inorgânica em geral – devem ser vistos como
processos, e não entidades estáveis. Os vírus, por definição, são máquinas de
 FILE TEORIA DIGITAL

27. Gilles Deleuze junção, de parasitismo, de adaptação. Admissivelmente, eles podem não ser
e Félix Guattari. A “vida” como definida pelo uso cotidiano ou na compreensão biológica geral, no
Thousand Plateaus.
Capitalism and entanto são espectros da ecologia da mídia que nos convidam a aceitá-los como
Schizophrenia. algo pelo menos “semelhante à vida”. Considerar um vírus como uma máquina de
Minneapolis e infecção, “um programa que pode ‘infectar’ outros programas, modificando-os
Londres: University
of Minnesota Press, para incluir uma cópia possivelmente aperfeiçoada de si mesmo”31, significa
1987, p. 330. a impossibilidade de concentrar-se nos vírus em si e exige a adoção de uma
perspectiva cultural mais ampla desses processos de infecção. Como parte dos
28. Paul Bains.
“Subjectless circuitos lógicos das máquinas de Turing, a infecção viral faz parte da arqui-
subjectivities.” In: tetura dos computadores, que faz parte da esfera técnica e da genealogia de
A Shock to Thought. máquinas de mídia de técnica semelhante, que por sua vez se ligam a linhagens
Expression After
Deleuze and Guattari, de natureza biológica, econômica, política, social e assim por diante. Os vírus
editado por Brian não produzem simplesmente cópias de si mesmos, mas também se envolvem
Massumi. Londres e em um processo de autopoiésis: eles se reconstroem incessantemente, enquan-
Nova York: Routledge,
2002, pp. 101-116. to tentam reproduzir os próprios fundamentos que os tornam possíveis, isto é,
Andrew Murphie e eles desdobram as características da cultura de redes. Nisto, são uma espécie
John Potts. Culture de sujeitos maquínicos32. Essa atividade viral também pode ser entendida como
& Technology. Nova
York: Palgrave a recriação de toda a ecologia da mídia, a reprodução das características orga-
Macmillan, 2003, nizacionais de comunicação, interação, funcionamento em rede e cópia ou auto-
pp.30-35. Essa reprodução33. É nisto que pretendo seguir Maturana e Varela em sua ideia de
maneira de pensar as
ecologias de mídia que os sistemas vivos são parte integrante de seus entornos e funcionam para
também poderia sustentar as características e os padrões daquela ecologia. Eles ocupam um
ser chamada de certo nicho dentro da ecologia maior: “Crescer como membro de uma sociedade
eco-etologia, o que
salienta a natureza consiste em tornar-se estruturalmente unido a ela; estar estruturalmente unido
conectada do mundo, a uma sociedade consiste em possuir as estruturas que levam à confirmação
aplicável não comportamental da sociedade”34, escreve Maturana.
somente a fenômenos
biológicos mas As “infecções” ou junções já faziam parte da genealogia da cultura digital
também a ambientes antes dos anos 80, na forma dos autômatos de John von Neumann, que mui-
tecnológicos de tas vezes são considerados ancestrais dos vermes e vírus atuais. Von Neumann
mídia de conexão.
Nessa visão, o existir aprofundou-se na teoria dos autômatos, entendidos aqui como “qualquer siste-
de uma entidade é ma que processa informação como parte de um mecanismo auto-regulatório”35.
somente devido a Autômatos capazes de reprodução incluíam mecanismos de controle lógico
um mundo para o
qual a entidade é -- (modelados na teoria dos neurônios de McCulloch-Pitts), juntamente com os
afirmação de um certo canais necessários para a comunicação entre o autômato original e outro em
tema de imanência construção, assim como os “músculos” para permitir a criação. Esse modelo
que Isabelle Stengers
vê fluindo dos cinético de autômatos logo foi descartado, porém, pois mostrou-se de difícil
estóicos a Spinoza, realização: um autômato físico dependia de seu ambiente para o abastecimento
de recursos, e dar-lhe essa ecologia revelou-se trabalhoso demais. Portanto, a
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

conselho de seu amigo Stanislav Ulam, Von Neumann dedicou-se a desenvolver Leibniz e Whitehead
autômatos celulares, modelos formais de sistemas reprodutivos com “regulari- e de Marx a Deleuze.
Sonigo e Stengers,
dades cristalinas”36. Um dos modelos de padrões formais auto-reprodutivos foi pp.134-144.
o organismo vivo muito primitivo bacteriófago37.
A natureza, na forma das características de organismos simples, tornou-se uma 29. Cohen, Computer
Viruses, p.222.
interface, como parte desses modelos formais de computação. Os autômatos ce-
lulares como tabelas de células bidimensionais, sendo cada célula um autômato 30. Ver Ludwig. Cf.
finito individual, com seu estado determinado pelos estados das células vizi- Eugene H. Spafford.
“Computer Viruses
nhas, deveriam ser entendidos como estruturas neurais. Quando acionados, os as Artificial Life.”
autômatos pareciam assumir uma vida própria, como foi demonstrado nos anos In: Artificial Life. An
70 por John Conway nos laboratórios do MIT, com sua versão sintomaticamente Overview, editado
por Christopher G.
chamada “Vida”. Eram essencialmente máquinas acopladas, porém unidas por Langton. Cambridge
suas características formais como parte de um hábitat bidimensional. Enquan- e London: The MIT
to uma única célula não poderia ser considerada viva em qualquer sentido da Press, 1997.
154
palavra, o sistema inteiro, que estava em constante interação, parecia conter 31. Cohen, Computer
poderes notáveis de cálculo e emergência. Viruses, 12. 155

Essas ideias, que se tornaram parte de teorias da complexidade, salientaram

32. Ver Bains.
a necessidade de compreender a natureza processual da vida (computacional):
os modelos matemáticos formais, os computadores e talvez até a ontologia do 33. A ideia de memes
mundo se baseavam em formas de interação entre unidades quase-autônomas. como máquinas de
reprodução cultural
Isto se relaciona à necessidade de enfatizar que mesmo que a cultura digital também poderia
moderna, na arqueologia ligada à importância da Segunda Guerra Mundial e às oferecer uma maneira
origens militares da cibernética, dos computadores e das redes, seja empre- fértil de compreender
a máquina abstrata
gada inerentemente como uma tecnologia da morte, também há outra temá- da cultura de redes.
tica, até agora negligenciada, que atribui aos computadores uma função nos Ver Fuller, 111-117.
diagramas da vida38. Além dos contextos militares, salientando, por exemplo,
34. Maturana e
o trabalho de Von Neumann e Wiener, também existe um esforço para o “pro- Varela, p.xxvii.
jeto de simulacros relativamente simples de sistemas orgânicos na forma de Cf. Maturana e
modelos matemáticos ou circuitos eletrônicos”39. Esses aspectos deveriam nos Varela, p. 9.

levar a apresentar novas genealogias da computação para a situação da mídia 35. William Aspray.
contemporânea. Essas perspectivas deveriam, além disso, tornar mais comple- John von Neumann
xas nossas noções da história dos vírus e programas viróticos, assim como nos and the Origins of
Modern Computing.
levar a repensar algumas suposições básicas sobre a cultura contemporânea Cambridge, MA.:
da tecnologia, que é cada vez mais modelada e projetada como uma ecologia The MIT Press,
complexa, interconectada. 1990, p.189.

Mas, considerando a “natureza da cultura digital”, deveriam essas linhagens 36. Aspray,
ser vistas como metáforas que conduziram a pesquisa nos laboratórios de com- pp.202-203.
putação, ou seria a interconexão entre a vida (ou pelo menos a ciência da vida,
 FILE TEORIA DIGITAL

37. Steve J. Heims. a biologia) e a tecnologia mais fundamental? Em vez de restringir o trabalho
John von Neumann and de projeto ao nível da metáfora e da linguagem, também poderíamos falar da
Norbert Wiener. From
Mathematics to the diagramática do projeto de computadores pilotando a pesquisa e a implemen-
Technologies of Life tação realizadas. As pesquisas de biologia e de computadores foram acopladas,
and Death. Cambridge, ambas mutuamente infectadas na segunda metade do século 20, de modo que
Massachusetts: The
MIT Press, 1980, o ser humano e a natureza em geral foram cada vez mais compreendidos como
pp. 204-205, 212. informática (especialmente com o avanço na pesquisa do DNA), e a informática
Adequadamente, as foi infiltrada por modelos adotados da pesquisa do cérebro e, mais tarde, da pes-
primeiras “bactérias”-
programas em quisa ecológica. Assim, como pensava o próprio Von Neumann, projetar computa-
computadores dores era uma questão de projetar órgãos e organismos40, isto é, máquinas que
mainframe foram poderiam funcionar semi-independentemente como seres naturais. A natureza
listadas como uma
das mais antigas tornou-se o ponto de referência imaginário definitivo da cultura digital, não tan-
formas de ameaças to um espelho, mas uma interface ativa entre o tecnológico e o biológico.
programadas. O que quero enfatizar, é que essa interface não é somente linguística, não
Embora não fossem
explicitamente devemos falar meramente da metáfora da cultura do computador (como faz com
nocivas, elas eram frequência a perspectiva dos estudos culturais), mas ver a biologia dos com-
projetadas para putadores também como organizacional, no sentido de que uma certa compre-
se reproduzir
exponencialmente, ensão dos organismos biológicos, padrões ecológicos e características da vida
sendo um obstáculo está entrelaçada como parte do projeto e da implementação da cultura digital41.
potencial para a Nesse sentido, a teoria cultural da cultura digital também deveria recorrer à
capacidade dos
processadores, biologia como ajuda, e fazer uma interface, por exemplo, com as noções de Ma-
a memória e o turana e Varela de máquinas vivas autopoiéticas em que o componente é estru-
espaço em disco turado como uma parte funcional do ambiente. Como nota Guattari em Chaosmo-
dos computadores.
Thomas R. Peltier. sis, essa ideia também poderia ser aplicada a uma análise das máquinas sociais
The Virus Threat. – e portanto à análise da máquina social da cultura de redes, ou a ecologia da
Computer Fraud & mídia das redes42. As partes alimentam a estrutura, enquanto elas mesmas são
Security Bulletin.
Junho de 1993, alimentadas pelo todo. Mas a diferença entre a mera repetição mecânica e os
pp. 13-19. sistemas vivos criativos que Guattari nota43 é importante – e a retomarei mais
tarde com uma discussão da virtualidade do sistema vivo.
38. Cf. Heims.

39. Heims, p. 325.

Processos de vida distribuídos
40. Aspray, p.191.

41. Sobre esse tópico, Repetindo, os vírus de computador são máquinas no sentido usado por Deleuze--
ver Nancy Forbes. -Guattari, na medida em que são fazedores de conexões, estendendo-se para
Imitation of Life: How
Biology is Inspiring fora e além de seus limites aparentes para encontrar junções funcionais. Em
Computation uma perspectiva restrita, isso significa que eles se acoplam aos arquivos que
infectam; ampliando nosso horizonte, porém, vemos que essas junções são ine-
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

rentemente conexões no nível da máquina de Turing, isto é, a arquitetura do Cambridge MA: The MIT
computador em geral. Press, 2004. Cf. Tiziana
Terranova. Network
As ideias de acoplamento e pensamento biológico na computação ganharam Culture: Politics for
consistência especialmente nos anos 70, quando começaram a florescer vários the Information Age.
projetos de rede. A Arpanet (1969) foi a pioneira, é claro, mas várias outras se Londres: Pluto Press,
2004, 98-130.
seguiram. A comunicação em rede representou novos paradigmas para a pro-
gramação, assim como forneceu uma plataforma fértil para novas ideias de on- 42. Félix Guattari.
tologia digital. Os vírus e vermes eram um elemento funcional nessa nova ten- Chaosmosis: An Ethico-
Aesthetic Paradigm.
dência de computação. Consequentemente, o primeiro incidente registrado de Sydney: Power
vírus real parece ser o do vírus Creeper, que se disseminou pela rede Arpanet em Publications, 1995.
1970. O Creeper era um programa utilitário feito para testar as possibilidades
43. Félix Guattari.
da computação em rede. Inspirado no primeiro programa escrito pelo pioneiro The Three Ecologies.
das redes Bob Thomas, vários programadores fizeram programas semelhantes, Londres: The Athlone
de caráter viral44. Press, 2000, p. 61.

Os testes de vermes feitos no Centro de Pesquisa da Xerox em Palo Alto, no 44. Hafner e Markoff,
156
início dos anos 80, foram modelados em aspirações semelhantes. Como foi des- p.280. Allan Lundell. 157
crito pelos pesquisadores participantes John Shoch e Jon Hupp, os programas Virus! The Secret
World of Computer
de vermes basicamente significavam copiar partes do programa para máquinas Invaders That
desocupadas na rede. O problema, como foi demonstrado pelo Creeper, era con- Breed and Destroy.
trolar a disseminação. Mesmo o grupo de Palo Alto experimentou problemas de Chicago e Nova
York: Contemporary
controle semelhantes, quando um verme que foi deixado em atividade durante Books, 1989, p.21.
a noite “fugiu”: “O verme carregava rapidamente seu programa nesse novo seg- Segundo Lundell, o
mento; o programa começava a funcionar e logo entrava em pane, deixando o Creeper foi um vírus
que escapou, e um
verme incompleto – e ainda faminto, procurando novos segmentos”45. programa especial
No entanto, os cientistas de Palo Alto criaram esses programas – “vermes de Reaper foi criado para
laboratório”, de certo modo – tendo em mente objetivos úteis. O verme existen- limpar a rede dos
programas Creeper.
cial era um programa de teste básico, sem outro objetivo além de sobreviver e
proliferar. O verme Billboard foi criado para distribuir mensagens em uma rede. 45. John F. Shoch
Outros aplicativos incluíam o verme despertador, um utilitário de animação e Jon Hupp. A. The
‘worm’ programs
multimáquinas usando um comportamento semelhante ao de verme, e o ver- - early experience
me de diagnóstico46. O importante é que os programas básicos da rede Arpanet with a distributed
continham rotinas semelhantes a vermes, tornando ambígua a distinção entre computation.
Communications of
programas “normais” e rotinas parasitárias. the ACM, Vol.25, nº 3,
De maneira semelhante, a ideia de troca de pacotes que foi experimenta- março de 1982, p.175.
da pela Arpanet nos anos 70 apresentou a inteligência local às comunicações:
46. Shoch e Hupp,
em vez de ser controlada do alto, de uma posição hierárquica centralizada, a pp. 176-178.
comunicação em rede distribuiu o controle em pequenos pacotes que encontra-
vam seu próprio caminho do remetente ao destinatário. De certa maneira, esses
FILE TEORIA DIGITAL

...há anos muitos

utilitários básicos são
semelhantes a vírus, apesar
de muitas vezes esses
programas precisarem do
consentimento do usuário
para operar.
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

pacotes incluíam a ideia de autonomia e inteligência local dos sistemas de baixo 47. Robert E. Kahn.
para cima, enquanto a rede em geral era formada em um sistema multiplex de Networks for Advanced
Computing. Scientific
distribuição47. Desde então, a arquitetura básica da Internet se baseou em dados American 10/1987.
que são inteligentes no sentido de que contêm suas próprias instruções para Sobre a história da
mover-se, usando a rede para realizar suas operações. Nesse sentido, podemos troca de pacotes,
ver Janet Abbate.
justificadamente afirmar que as origens de programas semelhantes a vermes – Inventing the Internet.
e parcialmente semelhantes a vírus – estão na esquemática da computação em Cambridge, MA e
rede em geral. A contínua ambivalência entre funcionalidades anômalas e nor- Londres, Inglaterra:
The MIT Press, 2000,
mais faz parte do problema dos vírus ainda hoje, pois o mesmo programa pode pp. 27-41. Matthew
ser definido como utilitário em um contexto e como um programa pernicioso em Fuller apresenta, no
outro, fato que não se modificou durante a história dos softwares de computa- entanto, uma tese
muito importante
dor modernos48. De modo semelhante, há anos muitos utilitários básicos são quando salienta a
semelhantes a vírus, apesar de muitas vezes esses programas precisarem do natureza hierárquica
consentimento do usuário para operar49. das técnicas de troca
de pacotes: mesmo
É claro que se pode alegar que esses programas foram apenas experimen- que ela conote 158
tos menores, e seu significado não deve ser superestimado. No entanto, eles auto-organização, 159
demonstram várias características de um novo paradigma da computação, ou é ao mesmo tempo
controlada por
da ciência em geral. Na ciência da computação, as ideias de programação dis- protocolos e outras
tribuída e, mais tarde, de programação em rede neural, por exemplo, estavam dimensões sócio-
ganhando terreno, tornando-se parte integrante da nova ordem (não-linear) técnicas. Fuller,
128-129. Ver também
da cultura digital. Isso deveu-se às crescentes complexidades das novas redes Galloway.
de computação e comunicação. Como desde os anos 1970 os computadores não
foram mais vistos como máquinas de calcular, e sim como “componentes de sis- 48. Cf. David Harley,
Robert Slade e Urs
temas complexos” em que os sistemas não são construídos de cima para baixo, Gattiker. Viruses
mas de “subsistemas” e “pacotes”, a ideia básica de um programador criando um Revealed: Understand
algoritmo para realizar uma tarefa e atingir um objetivo tornara-se antiquada. and Counter Malicious
Software. Nova York:
Projetar ambientes de programas distribuídos foi considerado uma solução50. Osborne/McGraw-
Um relato genealógico poderia afirmar que essa foi uma decorrência dos Hill, 2001, p.189. Em
problemas que os militares já haviam encontrado. Todo o campo da ciberné- Viruses Revealed!
eles enfatizam que
tica e da simbiose entre homem e máquina poderia ser considerado parte da embora o verme
complexificação das estruturas militares de comando e controle, para as quais Shoch-Hupp fosse um
os computadores forneceram a tão esperada prótese para suplementar o trei- verme reprodutor, não
tinha intenções de
namento normal de generais, almirantes e pessoal de campo51. Nesse sentido, romper a segurança,
essas ecologias de rede não são meramente sistemas complexos de natureza nem tentava se
auto-organizativa, mas também sistemas projetados que visam controlar a esconder. Ibid., p. 21.
Com frequência os
complexidade e os ciclos de feedback do sistema. Os vírus e vermes de com- pesquisadores
putador, assim como a cultura do computador em geral, são pelo menos par-
cialmente construídos intencionalmente, mas não podem ser reduzidos a meras
 FILE TEORIA DIGITAL

antivírus salientam construções humanas. Em vez disso, as ecologias de rede são misturas de pro-
que mesmo os jeto de cima para baixo e auto-organização de baixo para cima; temos ao mesmo
vermes benéficos são
nocivos na medida tempo estruturas lineares e estáveis e estados de complexidade que evoluem
em que seqüestram de maneira dinâmica.
os recursos do
computador
(memória) das Assim, além dos objetivos militares, a vida (artificial) – ou mais precisamente
operações normais a ciência da vida, a biologia – é outro contexto histórico a ser levado em conta.
do sistema. Além da programação distribuída, as técnicas de programação em rede neural
49. Spafford. foram introduzidas na segunda metade da década de 1980. Embora essas ques-
Computer Viruses as tões já tivessem sido discutidas anos antes, o verdadeiro impulso veio com o
Artificial Life, p. 263. novo interesse por programas de computador com capacidade de aprendizado:
O texto de Spafford,
originalmente do
início dos anos 90, Se vários fatores diferentes colaboraram para essa explosão de interesse,
oferece em geral uma certamente a descoberta de algoritmos que permitem a uma rede neural com
útil discussão sobre a
vivacidade dos vírus camadas ocultas “aprender” a realizar determinada tarefa teve uma profunda
de computador. influência nos recentes desenvolvimentos das redes neurais. Essa influência é
tão grande que para muitos novatos no campo a expressão “redes neurais” é
50. Terry Winograd.
Beyond Programming associada a algum tipo de “aprendizado” ....52
Languages.
Communications of Essas temáticas da ciência da computação correspondem à mudança geral de
the ACM, vol. 22, 7/
julho de 1979, pp. ênfase da compreensão da inteligência de cima para baixo para os sistemas
391-401. Jerome distribuídos de aprendizado e adaptação de baixo para cima, melhor ilustrados
A. Feldman. High pelos experimentos do verme Shoch-Hupp, e talvez até pelo vírus Creeper. O
Level Programming
for Distributed interesse por esses padrões evolucionários de aprendizado viral se manteve
Computing. até o início dos anos 1990, quando uma nova ênfase predominou. O início dos
Communications of anos 1990 também testemunhou os primeiros vírus polimórficos, que pareciam
the ACM, vol. 22, 6 /
Junho de 1979, pp. capazes de evoluir em reação a ações antivírus53. No entanto, como salientou,
353-368. por exemplo, Fred Cohen, esses programas vivos só eram vivos enquanto parte
de seu ambiente, em outras palavras, como ele havia argumentado dez anos
51. Ver Heims 1980,
313-314. antes, um sistema vivo é formado por componentes vivos capazes de se repro-
duzir, enquanto nem todos os componentes tinham de estar vivos e produzir
52. Jorge M. Barreto. descendentes54. Os vírus como programas adaptativos, auto-reprodutivos e
Neural network
learning: a new evolucionários eram portanto pelo menos parte de algo vivo, mesmo que não
programming fosse vida artificial no sentido mais forte da palavra55. Eles eram as novas
paradigm? “máquinas de Darwin”56 que formavam a ontologia de uma nova cultura digital,
Proceedings of the
1990 ACM SIGBDP também incorporando a utopia digital capitalista essencial de agentes inteli-
conference on Trends gentes, programas semi-autônomos que reduzem as pressões colocadas sobre
o indivíduo pelo crescente acréscimo de informação57. Os agentes inteligentes
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

podem cuidar das tarefas comuns no seu computador ou realizar incumbências and directions in
como reservar ingressos, marcar encontros, encontrar informação adequada expert systems, Nova
York: ACM Press, p.434.
na rede e são, portanto, segundo J. Macgregor Wise, reveladores das mudanças
no entendimento de agência na era da cultura digital58, e poderíamos ainda 53. Mas, como
enfatizar que esses programas são na verdade a combinação de potenciais cha- indica Mark Ludwig
(47), esses vírus
ves na ontologia da cultura digital. Eles representam um novo tipo de atores e automutantes eram
funções que permeiam as redes tecnológicas. capazes apenas de
Uma maneira de apreender essa mudança seria falar em uma mudança de se camuflar, não
exatamente de mutar
paradigma kuhniana, em que a “vida” não se restringe mais a certos organismos ou evoluir.
baseados em carbono. Como afirmou Manuel DeLanda no início dos anos 1990
sobre as aplicações da vida artificial na ciência da computação: 54. Frederick B.
Cohen. It’s Alive! The
New Breed of Living
Os últimos 30 anos presenciaram uma mudança de paradigma semelhante na Computer Programs.
pesquisa científica. Em particular, uma devoção secular a “sistemas conserva- Nova York: John Wiley
& Sons, 1994, p.21.
dores” (sistemas físicos que, para todos os fins, são isolados de seus entor- 160
nos) está dando lugar à percepção de que a maioria dos sistemas na natureza 55. Cf. Ludwig. Ver
161
é sujeita a fluxos de matéria e energia que os percorrem constantemente. Essa também Spafford.

mudança de paradigma aparentemente simples, por sua vez, está nos permi- 56. Cf. Simon
tindo discernir fenômenos que algumas décadas atrás eram descartados como Penny. The Darwin
anomalias, quando eram percebidos59. Machine. Telepolis
09.07.1996, http://
www.heise.de/tp/r4/
Isso também ecoa a mudança de ênfase dos paradigmas da inteligência arti- artikel/6/6049/1.html.
ficial de cima para baixo na computação para a visão do conexionismo como
57. Ver Nicholas
o caminho frutífero a ser seguido na programação, acima mencionado. Com- Negroponte. Being
plexidade e conexionismo tornaram-se as palavras-chaves da cultura digital Digital. Londres:
desde os anos 1980. Os processos não-lineares de pensamento e computação Hodder & Stoughton,
1995, pp. 149-159.
expressaram as “novas ideias da natureza como um computador e do compu-
tador como parte da natureza”60, não redutível a partes analíticas, mas funcio- 58. Wise J. Macgregor.
nando como um todo emergente. Concretamente, isso significava diagramas Exploring Technology
and Social Space.
de ecologia digital que dependiam cada vez mais da computação viral e de Thousand Oaks: Sage,
programas semi-autônomos. Tony Sampson descreve essa nova visão da cul- 1997, pp.150-157.
tura digital das Máquinas Virais Universais:
59. Manuel DeLanda.
“Nonorganic Life.”
O ecossistema viral é uma alternativa à capacidade de Turing-Von Neumann. In: Incorporations,
Uma chave desse sistema é um vírus benévolo, que resume a ética da cultura editado por Jonathan
Crary e Sanford
aberta. Fazendo uma analogia biológica, a computação viral benévola se re- Kwinter. Nova York:
produz para atingir seus objetivos; o ambiente de computação evolui, em vez Zone Books, 1992,
de ser ‘projetado a cada passo do caminho’ ... O ecossistema viral demonstra
 FILE TEORIA DIGITAL

p. 129. Em relação como a disseminação de vírus pode propositalmente evoluir através do espaço
a esse tema de vida computacional usando o poder de processamento compartilhado de todas as
inorgânica, ver as
análises de DeLanda máquinas hospedeiras. A informação entra na máquina hospedeira por meio
sobre mecanosfera de uma infecção e um programa tradutor alerta o usuário. O vírus benévolo
computacional em passa pela máquina hospedeira com qualquer modificação adicional feita pelo
War in the Age of
Intelligent Machines, usuário infectado.61
pp.120-178.
Portanto, não mais “Turings” e “Von Neumanns” ou quaisquer outros projetistas
60. Sherry Turkle.
Life On the Screen: como demiurgos do hardware e software de computador, exceto como precurso-
Identity in the res de uma cultura digital pós-humanística de organismos virais. De maneira
Age of Internet. interessante, essas representações do início dos anos 1990 de uma ecologia
Londres: Weidenfeld
& Nicolson, viral da cultura digital estão de acordo com diversas outras narrativas do pós-
1996, p. 136. humanismo e da cultura de mídia automatizada da vida artificial62. A Máquina
Viral Universal também parece cumprir as visões de Friedrich Kittler da subje-
61. Sampson, A Virus
in Info-Space. tividade maquínica na era das máquinas de Turing: para Kittler, os sujeitos-má-
quinas nasciam com a percepção de instruções de “jump” condicionais, também
62. Cf. O mapeamento conhecidas como pares Se/Então do código de programação63. Isso implica que
por N. Katherine
Hayles do discurso um programa pode mudar de maneira autônoma seu modo de operação durante
do pós-humano em o curso da ação. No esquema de Kittler, quando os computadores isolam sua
How We Became capacidade de ler/escrever da ação humana, impõe-se a entrada de um novo
Posthuman: Virtual
Bodies in Cybernetics, tipo de subjetividade no nível da sociedade. Nessa visão, a noção irônica de Fred
Literature and Cohen de que o primeiro incidente com vírus amplamente divulgado, o chamado
Informatics. Chicago verme Morris (1988), foi na verdade “o recorde mundial de computação em alta
IL: University of
Chicago Press, 1999. velocidade”64 mostra-se uma descrição hábil das potencialidades dos processos
computacionais semi-autônomos da cultura digital, que excluem o operador hu-
63. Friedrich Kittler. mano do circuito. Os vermes e vírus, então, também poderiam ser apreendidos
Gramophone,
Film, Typewriter. como algum tipo de atores pós-humanos.
Stanford CA: Stanford
University Press,
1999, p. 258.
Ecologia da mídia: vida e território
64. Steven Levy.
Artificial Life. A A cultura digital foi ocupada por uma nova geração de programas de computador
Report From the
Frontier Where vitais nos anos 1980 e 1990, apesar de esses programas serem meras atuali-
Computers Meet zações de tendências e aspirações da cultura do computador desde a Segunda
Biology. Nova York: Guerra Mundial. Ver esses programas e a cultura da rede digital como parte do
Vintage Books,
1993, p. 324. novo campo da vida artificial foi uma das principais tentativas de conceitualizá-
los e contextualizá-los. Além de ser exemplos interessantes das capacidades
das linguagens de programação e da arquitetura das redes digitais, os vírus e
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

vermes de computador podem ser vistos como indícios ou sintomas de uma ten- 65. Gregory Bateson.
dência cultural maior que tem a ver com compreender a vida da mídia e a cultura Steps to an Ecology
of Mind. Nova York:
da mídia digital em rede através do conceito de ecologia da mídia. Especifica- Ballantine Books,
mente, a junção de natureza e biologia como parte da arquitetura digital foi uma 1972, p.483.
tendência central desde o trabalho pioneiro de Von Neumann, Wiener e outros.
66. Lynn Margulis é, é
Ela dá uma pista importante sobre as características genealógicas da situação claro, outra pioneira
da mídia moderna, enfatizando adaptabilidade, automação, complexidade e in- nesse tipo de corrente
teligência de baixo para cima, ou vida artificial. Os vírus e vermes funcionam de pensamento de
evolução simbiótica.
como expressões imanentes da cultura de redes.
Por outro lado, essa perspectiva conceitual da mídia como uma ecologia, como 67. Maturana e
vida, ou dinamismo tecnológico oferece uma maneira de compreender a comple- Varela, p. xvi.

xidade, o conexionismo e as flexibilidade que funcionam no cerne da situação 68. Maturana e Varela,
da mídia contemporânea. De certa maneira, isso também acentua a necessidade p. 9. Maturana e Varela
de basear as teorias da cultura digital na cibernética (Wiener, Von Neumann), e, definem as máquinas
autopoiéticas da
ainda mais urgentemente, na cibernética de segunda ordem (Maturana, Varela, seguinte maneira: 162
Luhmann, assim como Bateson), o que poderia dar uma compreensão ainda mais “Uma máquina
organizada (definida 163
sutil e complexa das tecnologias conexionistas da cultura contemporânea. Es-
como unidade) como
ses projetos e orientações tomaram como principal prioridade as junções dos uma rede de processos
sistemas e ambientes e a auto-organização da complexidade. Portanto, abordar de produção,
a questão da ecologia com Gregory Bateson significa apreender a ecologia como transformação e
destruição dos
“um estudo da interação e sobrevivência de ideias e programas (isto é, dife- componentes
renças, complexos de diferenças, etc.) nos circuitos” 65, implicando que se deve que produzem
dar importância fundamental à junção dos organismos com seu ambiente como os componentes
que (i) através de
unidade básica da evolução66. suas interações
As ecologias devem ser entendidas como sistemas ou processos auto-re- e transformações
ferentes, em que para compreender (ou observar) o funcionamento do sistema regeneram e realizam
a rede ou os processos
não podemos destacar elementos isolados de sua coerência sintética (e rotu- (relações) que os
lar alguns elementos como puramente anômalos, por exemplo). Em vez disso, produzem; e (ii) a
devemos enfocar a questão de Humberto Maturana: “Como acontece que o or- constituem como uma
unidade concreta no
ganismo tenha a estrutura que lhe permite operar adequadamente no meio em espaço em que eles
que ele existe?”67 Em outras palavras, a atenção deve estar em uma abordagem existem, ao especificar
de sistemas que permita pensar na cultura digital como uma série de acopla- o domínio topológico
de sua realização como
mentos em que os “organismos” ou “componentes” participam da autopoiésis tal rede.” (p.135)
do sistema geral, que, em nosso caso, é a cultura das redes digitais. O siste-
ma autopoiético é um sistema reprodutivo, que visa manter sua unidade em 69. Ver Guattari.
Chaosmosis,
forma organizacional: pp. 37, 91-93.
 FILE TEORIA DIGITAL

70. Ver Brian Essa organização circular constitui um sistema homeostático cuja função é
Massumi. Parables produzir e manter essa mesma organização circular, determinando que os com-
for The Virtual:
Movement, Affect, ponentes que a especificam sejam aqueles cuja síntese ou manutenção ela ga-
Sensation. Durham rante. Além disso, essa organização circular define um sistema vivo como uma
e Londres: Duke unidade de interações e é essencial para sua manutenção como unidade; aquilo
University Press,
2002, p. 237. que não está nele é externo a ele ou não existe.68

71. Ver Elisabeth Dessa perspectiva, os vermes e vírus de computador não são tanto rupturas
Grosz. “Thinking
the New: Of Futures anômalas, aleatórias ou ocasionais em um sistema (fechado), que de outro
Yet Unthought.” modo funcionaria sem atrito, quanto são, muito ao contrário, parte da ecologia
In: Elisabeth Grosz a que estão acoplados. Sim, esses programas são muitas vezes fontes de ruído
(ed.): Becomings.
Explorations in Time, e distorção que podem funcionar contra os princípios da rede, mas mais funda-
Memory, and Futures. mentalmente eles repetem os fundamentos da ecologia de redes, na verdade
Ithaca e Londres: reproduzindo-a. Isto, é claro, refere-se ao fato de que os vírus e vermes não
Cornell University
Press, 1999, pp. precisam conter cargas nocivas para serem vírus e vermes. Portanto, também
15-28. Sobre filosofia deveríamos analisar essas entidades no nível abstrato (maquínico) de sua jun-
maquínico, ver ção ecológica ao filo maquínico da rede.
Manuel DeLanda. The
Machinic Phylum. Nesse sentido, a ecologia de redes deve ser vista como formada igualmente
V2, 1997, online em de partes reais e virtuais para lhe permitir certo dinamismo e causar um curto-
http://framework. -circuito nos enfoques geralmente demasiado conservadores sobre a home-
v2.nl/archive/
archive/node/text/ ostase encontrada em algumas correntes das teorias de sistemas. Enquanto
default.xslt/nodenr Maturana e Varela, por exemplo, tendem a enfatizar que o sistema circular da
-70071. Ver também homeostase é auto-envolvente, eu recorreria a uma visão mais guattariana, em
Fuller 17-20.
que sempre estão ocorrendo testes e experimentações dos limites da organiza-
72. Ver Michel ção, para se verificar as potenciais tendências virtuais de uma ecologia69. Nesse
Serres. The Parasite. sentido, as ecologias de mídia não são meros sistemas de repetição vazia, mas
Baltimore e
Londres: The Johns entidades vivas e afetantes, examinando e testando seus limites e fronteiras.
Hopkins University Os vírus e vermes são tendências nessa ecologia maquínica da cultura digi-
Press, 1982. tal das últimas décadas. Eles fazem parte do filo maquínico da cultura de redes,
73. Deleuze e que pode ser entendido como o nível de potenciais interações e conexões. É um
Guattari. A Thousand plano de virtualidade em que podem ocorrer atualizações específicas, ou indi-
Plateaus, pp. viduações. Portanto, sempre há uma perspectiva de evolução (não-linear) nessa
241-242. É claro
que há organismos compreensão da virtualidade. O virtual como um plano de potencialidade é algo
anômalos em que não existe realmente (embora seja real), pois está em constante processo
qualquer ambiente, de vir-a-ser. Assim como a natureza não pode ser apreendida como algo “dado”,
no sentido de que
podem ser nocivos à as ecologias de mídia devem ser vistas como planos de doação, como reservas
própria existência iterativas. Brian Massumi escreve sobre a natureza como virtualidade e como
um vir-a-ser, que “injeta potencial em contextos habituais”, onde “a natureza
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

não é realmente o ‘dado’”, mas na verdade “a doadora – de potencial”70. Como do ambiente que os
Massumi prossegue, essa é a “natureza em naturação” de Spinoza, onde a natu- suporta - também
temos exemplos
reza não pode ser reduzida a uma substância real, um mero estado de ser ex- desses programas. Por
tensivo e exaustivo. Essa posição de criação ativa também pode salientar o fato exemplo, o vírus Leligh
de que as ecologias de mídia não podem ser consideradas estruturas estáticas, (1987) foi realmente
destrutivo demais no
hilomórficas, de tecnologias autônomas, mas sim processos ativos de criação, sentido de que também
ou como uma orientação útil, um horizonte, com o qual pensar a condição da impediu suas próprias
mídia e da cultura digitais. O futuro de um sistema mídia-ecológico é aberto, possibilidades de
se disseminar fora
possibilitando mudanças muito radicais. Portanto, os vírus de computador como dos computadores
instâncias de vida resistentes à entropia podem ser considerados parte dos da universidade em
processos autopoiéticos de um sistema, e também como potenciais vetores de que foi originalmente
encontrado. Mas ele
vir-a-ser, vir-a-seres de extremidade aberta para novas conceitualizações da representa apenas
cultura de redes71. uma atualização
Em suma, no plano da ecologia da mídia como um sistema auto-referente, dos vírus.

torna-se irrelevante rotular alguns elementos como “anômalos”, como não par- 74. Guattari.
164
ticipantes do sistema, pois cada elemento é dado pelo sistema virtual (que em Chaosmosis, p. 91.
si mesmo e em sua virtualidade não pode ser considerado um dado, uma ideia 165
75. Ibid., p. 92.
platônica pré-formada). Ao contrário, as “anomalias”, se definidas alternati- Guattari dá ênfase
vamente, são rastros particulares de certas linhagens, de potenciais daquele especial a máquinas
plano, não necessariamente rupturas de um sistema. Além disso, de acordo com estéticas nesse cultivo
da ecologia virtual.
a teoria da comunicação de Shannon e Weaver, admitindo que o ruído é ineren- Portanto sua análise
te a qualquer sistema de comunicação, pode-se dizer que todo sistema mídia- ecológica poderia ser
-ecológico tem seu ruído branco, essencial para qualquer sistema funcional. Às ligada a questões de
mídia tática e mídia-
vezes, é claro, o ruído pode se tornar grande demais e provocar uma mudança arte. Cf. Galloway,
para outra constelação72. No entanto, fundamentalmente, a natureza funciona p. 175-238.
por meio de parasitismo e contágio. A natureza é na verdade inatural em sua
76. Ver Guattari. Three
constante adoção maquínica. Ecologies. Ver também
Do ponto de vista de um plano de imanência, a natureza não se constitui ao Chaosmosis, pp. 39-40.
redor de uma ausência ou de um princípio transcendental de naturalidade, ao
77. Essas
contrário, ela opera constantemente como um processo de autocriação: “Essa é a considerações de
única maneira como a natureza opera – contra si mesma”73. Isso também está de planos sociais e
acordo com a compreensão da vida spinoziana acima citada, que a vê como uma mentais também
fizeram parte integral
influência: como movimentos, repousos e intensidades em um plano da natureza de atualizações
(seja mídia-ecológico ou outro). A natureza não é, portanto, apenas uma deter- referentes aos
minada substância ou uma forma, mas um potencial vir-a-ser, que se conecta ao caminhos adotados
na ecologia da mídia
projeto de ecologia virtual de Guattari, a ecosofia: “Além das relações de forças da máquina viral
realizadas, a ecologia virtual não tentará simplesmente preservar as espécies universal discutidos
ameaçadas da vida cultural, mas igualmente engendrar condições para a criação
 FILE TEORIA DIGITAL

acima. Em outras e o desenvolvimento de formações inéditas de subjetividade que nunca foram

palavras, enquanto vistas nem sentidas”74. “Esse ethos experimental significa um projeto de ecoso-
eu defendo a
centralidade dos fia que cultiva novos sistemas de valorização, um novo gosto pela vida”75.
vírus e vermes na Uma ecologia da mídia, portanto, não se baseia somente em elementos técnicos
compreensão dessa ou sociais, por exemplo, mas nas relações de campos heterogêneos em que se
ecologia, em um
nível mais oficial desdobra o ritmo conjunto dessa ecologia76. Como os quase-objetos técnicos
os cientistas e (ou vetores de vir-a-ser) se relacionam a seu ambiente técnico (assim como um
pesquisadores que vírus faz parte do ambiente de Turing), essas tecnicalidades fazem interface
articulam ideias de
“vírus de computador com os elementos chamados humanos de um sistema, levando-nos a perceber
como uma forma de a constituição multifacetada de ecologias feitas de partes sociais, políticas,
vida artificial” ou econômicas, técnicas e incorpóreas, para citar apenas algumas77. Além disso,
“vírus benévolos”
foram considerados como alguns críticos salientaram, os vermes e vírus de computador não são
irresponsáveis. Tony comparáveis a fenômenos biológicos porque são meramente parte de um códi-
Sampson. Dr Aycock’s go digital, programado por seres humanos. Em vez de adotar essa perspectiva
Bad Idea: Is the Good
Use of Computer construtivista social, devemos sobretudo ver como isso mostra que as pessoas
Viruses Still a Bad (os assim-chamados-seres-humanos de Kittler) também fazem parte da ecolo-
Idea? M/C Journal 8.1 gia da mídia: os humanos fazem parte da composição maquínica, que conecta e
(2005). 20 junho de
2005 http://journal. organiza humanos e não-humanos em sistemas funcionais. Nesse sentido, seria
media-culture. uma agenda interessante analisar como as práticas de criação de vírus se rela-
org.au/0502/02- cionam a vetores gerais de “autopoiésis viral”, da ecologia de redes simbióticas.
sampson.php.
Ou, para tomar outro exemplo: como a lógica tecnológica da mídia dos vermes e
78. Michael Hardt vírus se encaixa na lógica da organização em rede, programação colaborativa e
e Antonio Negri. “enxames”, como analisado por Hardt e Negri78.
Multitude: War and
Democracy in the Age Os espaços de rede turbulentos, como Tiziana Terranova se refere a eles,
of Empire. Nova York: que suportam software viral, mas também ideias e influências, devem portanto
The Penguin Press, ser abordados de frente e positivamente. Como nota Terranova, “a Internet não
2004, p.91-93, 340.
Cf. Parikka. é tanto uma trama eletrônica unificada quanto um meio informacional caótico”.
Isso concorda com minha tese sobre a noção de virtualidade nas ecologias de
79. Terranova, p. 103. mídia: as ecologias de mídia não são tramas homeostáticas ou estruturas rígi-
80. Ibid. das, mas sistemas apenas parcialmente estáveis (multiplicidades) com a poten-
cialidade de vir-a-seres abertos. Discutindo a computação biológica, preocupa-
da com o emergente “poder dos pequenos”79 de baixo para cima, Terranova nota
que esses sistemas não seguem um movimento autopoiético simples de repeti-
ção mecânica, mas “estão sempre se tornando alguma outra coisa”80. Essa “outra
coisa”, esse vir-a-ser no coração do filo maquínico é o que deve ser incorporado
como parte de nossa compreensão das ecologias de mídia: não estamos lidando
com estruturas rígidas ou ideias paradisíacas platônicas, mas tendências po-
tenciais a ser cultivadas e experimentadas para criar futuros alternativos para
a cultura de redes digitais.
A Máquina Viral Universal – Bits, parasitas e ecologia da mídia na cultura de redes

Sobre o Autor
Jussi Parikka é Diretor do instituto CoDE - the Cultures of the Digital Economy -na Universidade de
Anglia Ruskin, Cambridge. É professor de Teoria e História da Mídia e autor de Digital Contagions
(2007) e Insect Media (lançamento em 2010). Seus livros coeditados incluem The Spam Book (2009).
Atualmente trabalha sobre arqueologia da teoria da mídia em estudos de arte e mídia.

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Informações Adicionais
Texto publicado pela primeira vez em CTheory 15/12/05. Reimpresso com permissão dos editores,
Arthur and Marilouise Kroker [email protected]

Texto publicado pelo File em 2006.

166
167
Libertando-se
da prisão
Theodor Holm
Nelson
teoria

digital

link

pessoa

hipertexto

visão
FILE TEORIA DIGITAL

O pessoal da informática não entende os computadores. Bem, eles entendem a

parte técnica, sim, mas não entendem as possibilidades. Principalmente, eles
não entendem que o mundo dos computadores é totalmente feito de arranjos
artificiais e arbitrários. Editor de textos, planilhas, bancos de dados não são
fundamentais, são apenas ideias diferentes que diversas pessoas elaboraram,
ideias que poderiam ter uma estrutura totalmente diferente. Mas essas ideias
têm um aspecto plausível que se solidificou como concreto em uma realidade
aparente. Macintosh e Windows são parecidos, portanto essa deve ser a reali-
dade, certo?
Errado. Apple e Windows são como Ford e Chevrolet (ou talvez os gêmeos
Tweedledum e Tweedledee), que, em sua co-imitação, criam uma ilusão estéreo
que parece realidade. O pessoal dos computadores não entende os computado-
res em todas as suas inúmeras possibilidades; eles acham que as convenções
atuais são como as coisas realmente são, e é isso que eles dizem a todas as
suas novas vítimas. O chamado “treinamento em informática” é uma ilusão: eles
ensinam à pessoa as estranhas convenções e esquemas atuais – (desktop? Isso
parece uma mesa de trabalho? Uma mesa vertical?) – e dizem que é assim que os
computadores são. Errado.
Os esquemas atuais dos computadores foram inventados em situações que
variavam das emergências à academia, e foram empilhados em um conjunto
aparentemente racional. Mas o mundo da tela poderia ser qualquer coisa, não
apenas uma imitação do papel. No entanto, todo mundo parece pensar que os
projetos básicos estão concluídos. É como dizer: “Espaço, já fomos lá!” – alguns
centímetros de exploração e há quem pense que terminou.
Qualquer tipo de gráfico é possível; mas o termo “GUI”, abreviação de Gra-
phical User Interface, é usado para apenas um tipo de interface gráfica do usu-
ário: a visão de ícones e janelas criada na Xerox PARC no início dos anos 1970.
Há milhares de outras coisas que uma interface gráfica do usuário poderia ser.
Por isso não deveríamos chamar a atual interface padrão de GUI, já que não fo-
ram examinadas alternativas gráficas; é uma PUI – PARC User Interface –, quase
exatamente igual à que fizeram na PARC 25 anos atrás.
O mundo em que você está sendo criado tem a aparência de realidade; poderá
levar décadas para ser desaprendido. “Crescer” significa em parte descobrir o
que está por trás das falsas suposições e representações do dia-a-dia, de modo
que você finalmente entenda o que realmente está acontecendo e o que real-
mente significam ou não as conversas educadas. Mas nossos instrumentos de
informática também precisam ser uma mentira que deve ser desaprendida?
LIBERTANDO-SE DA PRISÃO

A conhecida história sobre a Xerox PARC, de que eles tentaram tornar o compu-
tador compreensível para o homem comum, é uma enganação. Eles imitaram o
papel e as máquinas de escritório conhecidas porque era isso que os executivos
da Xerox conseguiam entender. A Xerox era uma companhia devoradora de pa-
pel, e todos os outros conceitos tinham de ser passados para o papel para se
tornar visíveis nesse paradigma.
Mas quem se importa com o que a Xerox fez com seu dinheiro? Aquilo era
coisa de laboratório. Foi Steve Jobs quem orientou o trabalho da PARC para o
mal. Ele pegou uma equipe da PARC e fez um trato com o demônio, e esse trato
foi chamado de Macintosh.
Ainda há milhões de pessoas que acreditam que o Macintosh representa a li-
bertação criativa. Por essa incrível conquista propagandística, podemos agrade-
cer à firma de publicidade Regis McKenna, que vendeu o Macintosh para o mundo
(a partir do famoso comercial de 1984) como algo que destruía a prisão do PC. Na
verdade o Macintosh era uma prisão redesenhada. E a arquitetura dessa prisão
foi fielmente copiada para o Windows da Microsoft em cada detalhe. 170
Imagine que lhe dessem a MTV e em troca tirassem seu direito de votar? Você 171
se importaria? Algumas pessoas sim. É como eu vejo o mundo dos computadores
hoje, a começar pelo Macintosh. O Macintosh nos deu fontes bonitas para brincar
e ferramentas de artes gráficas que antes eram inatingíveis, exceto nos ricos
domínios da publicidade e da produção de livros de luxo. Essas fontes e ferra-
mentas gráficas foram um grande presente.
Mas ninguém parece ter notado o que o Macintosh excluiu.
Ele excluiu o DIREITO DE PROGRAMAR.
Quando você comprava um Apple II, podia começar a programá-lo desde o
início. Tenho amigos que compraram o Apple II sem saber o que era programação
e tornaram-se programadores profissionais quase da noite para o dia. O sistema
era limpo, simples e permitia que você fizesse gráficos.
Mas o Macintosh (e agora o Windows PC) são outra história. E a história é sim-
ples: PROGRAMAÇÃO É SÓ PARA OS “DESENVOLVEDORES” OFICIAIS REGISTRADOS.
Os Desenvolvedores Oficiais Registrados, que fizeram acordos com a Apple e
depois com a Microsoft, são os únicos que podem fazer a mágica hoje. Isso não
é da natureza intrínseca dos computadores atuais. É da natureza intrínseca dos
Negócios atuais. Negocie com a Apple ou a Microsoft, pague-lhes em dinheiro ou
outros favores, e eles deixarão você saber o que precisa para criar “aplicativos”.
Esse chamado Aplicativo foi outro nível do pacto com o diabo.
Antigamente, você podia rodar qualquer programa com qualquer dado, e se
não gostasse dos resultados os jogava fora. Mas o Macintosh acabou com isso.
FILE TEORIA DIGITAL

Você não possuía mais seus dados. ELES possuíam seus dados. ELES escolhiam
as opções, já que você não podia programar. E você só podia fazer o que ELES
permitissem – os ungidos desenvolvedores oficiais.
Esse novo tipo de aplicativo foi uma prisão, ou talvez devamos dizer um cur-
ral. Primeiro você está em UM curral, um primeiro aplicativo, depois eles o levam
de ônibus para OUTRO curral, com outro conjunto de regras – um segundo apli-
cativo. Você pode transferir alguns dos seus dados entre esses aplicativos, mas
não serão a mesma coisa. O amplo controle dos eventos que os programadores
têm é negado aos usuários.
O mundo atual dos computadores, arbitrariamente construído, também se
baseia na simulação de papel, ou WYSIWYG [sigla inglesa para “O que você vê é o
que você recebe”]. É aí que estamos empacados no modelo atual, em que a maio-
ria dos softwares parece ser mapeada em papel. (WYSIWYG geralmente significa
que você receberá o que vê quando IMPRIMIR.) Em outras palavras, o papel é o
coração da maioria dos conceitos de software atuais.
Esse também foi um legado chave da Xerox PARC. Os caras da PARC ganharam
muitos pontos da direção da Xerox ao fazer o “documento eletrônico” IMITAR O
PAPEL – em vez de ampliá-lo para incluir e mostrar todas as conexões, possibi-
lidades, variações, parênteses, condicionantes que estão na mente do autor ou
do orador; em vez de apresentar todos os detalhes que o repórter enfrenta antes
de cozinhá-los.
Uma parte disso também foi a abordagem dos “tekkies” ao comportamento
do software. A simulação de papel funcionava bem com a abordagem tekkie. Mui-
tos tekkies têm uma abordagem retangular e fechada das coisas que para outros
pode parecer desajeitada, obtusa, anal.
A visão tekkie é geralmente a mentalidade do trabalhador braçal: primeiro
você faz este serviço, depois faz aquele serviço, tudo o que lhe mandarem; os
parâmetros são dados e não mudam; e quando você termina o trabalho que lhe
atribuíram, passa para o próximo trabalho da lista. Nenhuma dessas restrições
tem a ver com o tipo de criatividade que os escritores buscam. Mas a maioria dos
tekkies não entende de escrita, ou de palavras.
Os tekkies não sabem escolher a palavra certa, ou o nome certo. Eles pare-
cem pensar que qualquer nome serve; e aquilo que o usuário escolher o limitará
para sempre. Essa torna-se a Natureza dos Computadores. Supostamente.
Uma das consequências é o software para escritório – incrivelmente desa-
jeitado, com operações lentas e pedestres. Pense em quanto tempo demora para
abrir e dar nome a um arquivo e um novo diretório. Enquanto isso, o software de
videogame é ágil, rápido, vivo.
LIBERTANDO-SE DA PRISÃO

Por que isso acontece? Muito simples. Os caras que criam videogames gostam de
jogar videogames. Enquanto ninguém que cria software para escritório parece
se importar em usá-lo, quanto menos pretende usá-lo em grande velocidade.
Não estou falando das “interfaces”. Assim que você concorda em falar sobre
a “interface” de alguma coisa já aceitou sua estrutura conceitual. Estou falando
de algo mais profundo – novas estruturas conceituais que não são mapeadas em
papel, não são divididas em hierarquias.
O mesmo vale para as “metáforas”, no sentido de comparações com objetos
familiares como mesas de trabalho e cestos de lixo. Assim que você traça uma
comparação com algo conhecido, é atraído para essa comparação – e fica preso à
semelhança. Enquanto se você entrar no projeto de formas livres – virtualidades
livres, digamos –, não fica preso a essas comparações.
Houve alguns poucos ambientes que eram abstratos e completamente dife-
rentes de papel. O Canon Cat de Raskin, o HyperCard (em sua época). Meu espaço
abstrato preferido é o jogo Tempest, de Dave Theurer, que não parecia com nada
que você já viu.
172
Agora considere a World Wide Web. Apesar de alguns de nós estarmos falando
173
em hipertexto em escala planetária há anos, ela surgiu como um choque quase
generalizado. Poucos notaram que ela diluía e simplificava a ideia do hipertexto.
O hipertexto, como foi repentinamente adaptado para a internet por Ber-
ners-Lee e depois Andreessen, ainda é o modelo do papel! De suas longas folhas
retangulares, adequadamente chamadas de “páginas”, só se pode escapar por
links de mão única. Não pode haver anotações à margem. Não pode haver no-
tas (pelo menos não na estrutura profunda). A web é a mesma prisão de quatro
paredes do papel que o Mac e o Windows PC, com a menor concessão possível
à escrita não-sequencial (“escrita não-sequencial” foi minha definição original
de hipertexto em 1965) que um chauvinista da sequência-e-hierarquia poderia
ter feito. Enquanto o Projeto Xanadu, nosso plano original que foi derrotado
pela web, baseava-se amplamente em links de mão dupla, por meio dos quais
qualquer pessoa poderia anotar qualquer coisa. (E pelos quais os pensamentos
podiam se ramificar lateralmente sem bater nas paredes.)
Ainda mais estranho é o conceito de “browser” [folheador” em inglês]. Pense
nisso – uma visão serial de um universo paralelo! Tentar compreender a estrutura
em grande escala de páginas da web interligadas é como tentar olhar para o céu
à noite (pelo menos nos lugares onde as estrelas ainda são visíveis) através de
um canudo de refrigerante. Mas as pessoas estão habituadas a esse “browser”
sequencial; hoje ele parece natural; e hoje esse browser talvez seja mais padrão
do que as estruturas que ele vê e os protocolos cambiantes que as mostram.
FILE TEORIA DIGITAL

Sinto uma certa culpa em relação a isso. Acredito que foi em 1968 que apresentei
o projeto completo de Xanadu em duas mãos para um grupo de universidade, e
eles o rejeitaram como “delirante”; então eu o emburreci para links de mão única
e somente uma janela visível. Quando me perguntaram como o usuário navegaria,
sugeri uma pilha recorrível de endereços visitados. Acho que esse emburreci-
mento, através dos vários caminhos de projetos que se imitam, tornou-se o de-
sign geral de hoje, e realmente sinto muito por minha participação nele.
Chega! Está na hora de algo completamente diferente.
Acredito que podemos dobrar uma esquina para um mundo de computadores
com muito mais liberdade e produtividade, com novas estruturas de forma livre,
diferentes do papel. Espero que estas simplifiquem e acelerem muito o serviço
dos trabalhadores da prosa (os que usam texto sem fontes, como autores, advo-
gados, roteiristas de cinema, redatores de discursos, etc.).
Mas devemos derrubar os atuais sistemas de amarras, aos quais muitos
clientes e fabricantes estão ligados.
Devemos derrubar o modelo do papel, com sua prisão de quatro paredes e
buraco de fechadura – os links de mão única.
Finalmente, devemos derrubar a tirania do arquivo – no sentido de pedaços
fixos com nomes definitivos. Embora os arquivos estejam necessariamente em
algum nível, os usuários não precisam vê-los, e muito menos precisam dar a
seus projetos nomes e localizações imutáveis. A criatividade humana é fluida,
sobreposta, entremeada, e os projetos criativos muitas vezes ultrapassam suas
margens. (Vale a pena lembrar que King Kong começou como um documentário
sobre a caça de gorilas.)
É possível que toda a indústria dos computadores seja um bando de im-
peradores nus? A indústria de software tem um enorme investimento nessa
prisão atual. Assim como os “usuários experientes” das “ferramentas de pro-
dutividade” de hoje.
Mas os novos usuários de amanhã, não.
LIBERTANDO-SE DA PRISÃO

Sobre o Autor
Theodor Holm Nelson, PhD é designer fundador do Project Xanadu® (o projeto original do
hipertexto), desde 1960. Bolsista visitante, Oxford Internet Institute, Universidade de Oxford, UK.
Professor visitante, Universidade de Southampton, UK. Membro do conselho do McLuhan Program,
Universidade de Toronto, Canadá. Mais conhecido por cunhar os termos “hipertexto” e “hipermídia”
(publicados em 1965) e perseguir a visão mundial do hipertexto desde o início dos anos 1960.

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2007.

174
175
Estudos do
sof tware
Noah Wardrip-
-Fruin
teoria

digital

estudo

design

base

lógica
FILE TEORIA DIGITAL

Há muitas coisas que um computador não é. Ele não é um projetor de cinema

interativo, nem uma máquina de escrever cara, nem uma enciclopédia gigante.
Na verdade, ele é uma máquina para rodar software. Esse software pode realizar
processos, acessar dados, comunicar-se através de redes... e, consequentemen-
te, simular um projetor de cinema, uma máquina de escrever, uma enciclopédia
e muitas outras coisas.
A maioria dos estudos do software (fora das disciplinas de engenharia e
matemática) considerou o software em termos do que ele simula e como essa
simulação é experimentada de fora do sistema. Mas uma minoria de autores, por
sua vez, escreveu constantemente sobre o software como software. Isto inclui
considerar as operações internas do software (como faz meu trabalho), exami-
nar os elementos que o constituem (por exemplo, os diferentes níveis, módulos
e até linhas de código em ação), estudar seu contexto e vestígios materiais de
produção (isto é, como a atuação do dinheiro, trabalho, tecnologia e mercado
podem ser identificados em relatórios, documentos de especificação, arquivos
CVS, testes beta, patches e assim por diante), observar as transformações do
trabalho e seus resultados (desde casos célebres como a arquitetura até casos
cotidianos de encomenda e remessa de peças para autos), e, como implica o aci-
ma citado, uma ampliação dos tipos de software considerados dignos de estudo
(não apenas software de mídia, mas software de design, software de logística,
bancos de dados, ferramentas de escritório e assim por diante).
Essas investigações fazem parte do campo maior dos “estudos do software”
– que inclui qualquer trabalho que examine a sociedade contemporânea pelas
lentes das especificidades do software. Por exemplo, há muitas perspectivas pe-
las quais se pode examinar o fenômeno do Wal-Mart, mas as que interpretam a
gigante do varejo com atenção para as especificidades do software que constitui
a base de muitas de suas operações (do reabastecimento das lojas ao trabalho
com redes de fornecedores distantes) estão envolvidas em estudos do software.
Por outro lado, as que estudam a Microsoft sem qualquer atenção para as espe-
cificidades do software não fazem parte do campo de estudos do software.
A expressão “estudos do software” foi cunhada por Lev Manovich em seu
livro amplamente lido The Language of New Media. Manovich caracterizou os
estudos do software como uma “virada na ciência da computação” – talvez se-
melhante à “virada linguística” de uma era anterior. Em seu livro, os estudos do
software tomam a forma de uma virada para uma análise que opera em termos
de estruturas e conceitos da ciência da computação, para uma análise baseada
em termos de programabilidade (e não, por exemplo, em termos de significado)1.
Dessa maneira, o livro de Manovich também ajudou a criar as condições de pos-
ESTUDOS DO SOFTWARE

sibilidade para meu próximo livro, Expressive Processing, que eu vejo como um 1. Em 2003
exemplo de estudos do software. Matthew
Kirschenbaum
apresentou sua
própria expansão do
Processamento Expressivo termo de Manovich,
influenciada
pelo passado de
Sou atraído pelos estudos do software em parte porque eles reúnem correntes Kirschenbaum na
de trabalho em ciência da computação, humanidades, ciências sociais e artes. bibliografia (o estudo
dos livros como
Na ciência da computação há uma longa tradição de pessoas que veem seu tra- objetos físicos)
balho em software em termos de cultura – desde a “programação letrada” de e crítica textual
Don Knuth até as “práticas técnicas críticas” de Phil Agre. De maneira seme- (a reconstrução
e representação
lhante, em outros campos há aqueles que sentiram a necessidade de abordar de textos de
as especificidades do software em sua pesquisa e criação em áreas que vão de diversas versões
jogos de computador a software-arte ou organização de firmas multinacionais. e testemunhas).
Kirschenbaum
Meu próximo livro, Expressive Processing, se concentra em estudos do software afirmou que em um
para mídia digital. Eu uso o termo “processamento expressivo” para indicar duas campo de estudos
importantes questões críticas. do software - em
178
oposição ao campo
Primeiro, “processamento expressivo” abrange o fato de que os processos precoce e bastante 179
internos da mídia digital são artefatos projetados, como edifícios, sistemas de frouxo de "novas
transporte ou tocadores de música. Assim como outros mecanismos projetados, mídias" - "a utilização
de termos críticos
os processos podem ser vistos em termos de sua eficiência, sua estética, seus como 'virtualmente'
pontos fracos ou sua (in)adequação para determinados fins. Seu projeto pode deve ser equilibrada
ser típico ou incomum para sua era e contexto. As partes e sua disposição podem por um compromisso
com a meticulosa
expressar semelhança com, e pontos de divergência de, movimentos de design pesquisa documental
e escolas de pensamento. Eles podem ser progressivamente redesenhados, para recuperar
reobjetivados ou usados como base para novos sistemas – por seus criadores e estabilizar os
vestígios materiais".
originais ou outros –, enquanto mantêm vestígios e características de suas fi- O livro Mechanisms
nalidades anteriores. de Kirschenbaum fez
Segundo, ao contrário de muitos outros mecanismos projetados, os proces- valer essa afirmação
este ano, que também
sos da mídia digital operam sobre, e em termos de, elementos e estruturas de viu a publicação do
significado humano. Por exemplo, um sistema de processamento de linguagem primeiro volume
natural (para compreender e gerar linguagem humana) expressa uma filosofia editado sobre o
campo, Software
em miniatura da língua em seu universo de interpretação ou expressão. Quan- Studies: A Lexicon.
do esse sistema é incorporado a uma obra de mídia digital – como uma ficção
interativa –, suas estruturas e operações são invocadas sempre que a obra é ex-
perimentada. Essa invocação seleciona uma determinada constelação dentre o
universo de possibilidades do sistema. Em um sistema de geração de linguagem
natural, pode ser uma determinada frase a ser mostrada à platéia na saída do
FILE TEORIA DIGITAL

sistema. Da frase gerada é impossível ver onde os elementos individuais (pa-

lavras, frases, modelos de sentenças ou estruturas de linguagem estatística)
se situavam antes no sistema maior. Não é possível ver como os movimentos
do universo modelo tornaram essa constelação possível – e mais evidente que
outras possíveis.
Colocando de outra maneira, no mundo da mídia digital, e talvez especial-
mente para ficções digitais, temos tanto a aprender examinando o modelo que
dirige o planetário quanto olhando para uma determinada imagem de astros (ou
mesmo a animação de seu movimento). Isso ocorre porque os universos mode-
los de ficções digitais são construídos de regras de comportamento de persona-
gens, estruturas para mundos virtuais, técnicas para montar linguagem humana
e assim por diante. Eles expressam os significados de seus mundos ficcionais
através do desenho de cada estrutura, o arco de cada movimento interno e a
elegância ou dificuldade com que os elementos interagem entre si.
Tentar interpretar uma obra de mídia digital examinando apenas a saída é
como interpretar um modelo de sistema solar olhando só para os planetas. Se a
precisão da textura da superfície de Marte estiver em questão, isso é válido. Mas
não bastará se quisermos saber se o modelo incorpora e põe em prática uma teo-
ria de Copérnico – ou, pelo contrário, coloca a Terra no centro de seu sistema solar
simulado. Ambos os tipos de teorias poderiam produzir modelos que atualmente
colocam os planetas em lugares apropriados, mas examinar as engrenagens do
modelo revelará diferenças críticas, provavelmente as mais reveladoras.
Colocando de outra maneira: os processos da mídia digital, em si, podem
ser examinados pelo que é expresso em sua seleção, disposição e operação.
Como eu acabo de discutir, um sistema operando sobre linguagem (ou outros
elementos de significado humano) pode ser interpretado pelo que seu projeto
expressa. Mas o processamento expressivo também inclui considerar como o
uso de um determinado processo pode expressar uma conexão com determinada
escola de ciência cognitiva ou engenharia de software. Ou como a disposição
dos processos em um sistema pode expressar um conjunto de prioridades – ou
capacidades – muito diferente das descrições autorais do sistema. Ou como en-
tender as operações de vários sistemas pode revelar particularidades (ou dis-
paridades) entre eles até então não identificadas. Reconhecer essas coisas pode
abrir importantes novas interpretações para um sistema de mídia digital, com
consequências estéticas, teóricas e políticas.
ESTUDOS DO SOFTWARE

Sobre o Autor
Noah Wardrip-Fruin é Professor assistente do Estúdio de Inteligência Expressiva, Departamento de
Ciência da Computação, Universidade da Califórnia em Santa Cruz.

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2008.

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Estudos do
sof tware
Lev Manovich
teoria

digital

existência

internet

computação

software
FILE TEORIA DIGITAL

Software, o motor das sociedades contemporâneas

No início da década de 1990, as mais fabulosas marcas globais eram as empre-

sas que produziam bens materiais ou processavam matéria física. Hoje, porém,
a lista de marcas globais mais reconhecidas é encabeçada por nomes como Goo-
gle, Yahoo e Microsoft (na verdade, a Google foi a número 1 mundial em 2007 em
termos de reconhecimento de marca). E, pelo menos nos EUA, os jornais e revis-
tas mais lidos – New York Times, USA Today, Business Week, etc. – apresentam
diariamente notícias e reportagens sobre YouTube, Myspace, Facebook, Apple,
Google e outras companhias de TI.
E as outras mídias? Se você acessar o site da CNN e navegar pela seção de
economia, verá indicadores de mercado de apenas dez empresas e índices exi-
bidos à direita da home page. Apesar de a lista mudar diariamente, é provável
que sempre inclua algumas dessas mesmas marcas. Vejamos o exemplo de 21
de janeiro de 2008. Naquele dia, a lista da CNN consistia nas seguintes empre-
sas e índices: Google, Apple, S&P 500 Index, Nasdaq Composite Index, Dow Jones
Industrial Average, Cisco Systems, General Electric, General Motors, Ford, Intel.
Essa lista é muito reveladora; as empresas que lidam com produtos físicos
e energia aparecem na segunda parte da lista: General Electric, General Motors,
Ford. Depois temos duas companhias de TI que fornecem hardware: a Intel faz
chips de computador, enquanto a Cisco faz equipamento para redes. E as duas
empresas no topo, Google e Apple? A primeira parece estar no ramo de infor-
mação, enquanto a segunda faz equipamentos eletrônicos de consumo: laptops,
monitores, tocadores de música, etc. Mas na verdade as duas estão fazendo ou-
tra coisa. E aparentemente essa outra coisa é tão crucial para o funcionamento
da economia americana – e, consequentemente, também a global – que essas
companhias aparecem quase diariamente no noticiário econômico. E as grandes
companhias de internet que também saem no noticiário diariamente – Yahoo,
Facebook, Amazon, Ebay – estão no mesmo negócio.
Essa “outra coisa” é software. Máquinas de busca, sistemas de recomenda-
ção, aplicativos de mapeamento, ferramentas para blogs, clientes de mensagem
instantânea, e, é claro, plataformas que permitem que outros escrevam novos
softwares – Facebook, Windows, Unix, Android – estão no centro da economia,
da cultura, da vida social e, cada vez mais, da política globais. E esse “softwa-
re cultural” – cultural no sentido de que é usado diretamente por centenas de
milhões de pessoas e carrega “átomos” de cultura (mídia e informação, assim
como interação humana ao redor dessa mídia e informação) – é somente a parte
visível de um universo de software muito maior.
Software controla o voo de um míssil inteligente em direção a seu alvo na
guerra, ajustando seu curso durante o voo. Software administra os estoques e
ESTUDOS DO SOFTWARE

linhas de produção de Amazon, Gap, Dell e diversas outras empresas, permitindo

que elas reúnam e despachem objetos materiais ao redor do mundo, quase ins-
tantaneamente. Software permite que lojas e supermercados reabasteçam auto-
maticamente suas prateleiras, assim como determinem automaticamente quais
artigos devem entrar em liquidação, por quanto tempo, quando e em que lugar
da loja. Software, é claro, é o que organiza a internet, encaminha mensagens
de e-mail, escolhe as páginas da web em um servidor, dirige o tráfego na rede,
atribui endereço de IP e apresenta as páginas da web em um browser. A escola
e o hospital, a base militar e o laboratório científico, o aeroporto e a cidade –
todos os sistemas sociais, econômicos e culturais da sociedade moderna – são
acionados por software. O software é a cola invisível que une tudo. Enquanto
vários sistemas da sociedade moderna falam línguas diferentes e têm objetivos
diferentes, todos compartilham as sintaxes do software: declarações de con-
trole “se/então” e “enquanto/faça”, operadores e tipos de dados que incluem
caracteres e números de pontos flutuantes, estruturas de dados como listas e
convenções de interface que abrangem menus e caixas de diálogo.
Se a eletricidade e o motor a combustão tornaram possível a sociedade in-
dustrial, similarmente o software permite a sociedade da informação global. 184
Os “trabalhadores do conhecimento”, os “analistas de símbolos”, as “indústrias 185
criativas” e as “indústrias de serviços” – todos esses agentes vitais da socie-
dade da informação não podem existir sem software. Software de visualização
de dados usado por um cientista, software de planilhas usado por um analista
financeiro, software de web design usado por um designer que trabalha para
uma agência de publicidade internacional, software de reservas usado por uma
empresa aérea. O software é também o que move o processo de globalização,
permitindo que as companhias distribuam nódulos administrativos, instalações
de produção, canais de estocagem e consumo ao redor do mundo. Qualquer que
seja a dimensão da existência contemporânea em que uma teoria social tenha
se concentrado nos últimos anos – sociedade da informação, sociedade do co-
nhecimento ou sociedade em redes –, todas essas novas dimensões são possi-
bilitadas por software.
Paradoxalmente, enquanto os cientistas sociais, filósofos, críticos culturais
e teóricos da mídia e de novas mídias parecem ter coberto todos os aspectos da
revolução de TI, criando novas disciplinas como cibercultura, estudos da inter-
net, teoria das novas mídias e cultura digital, o motor subjacente que impele a
maioria desse temas – software – recebeu pouca ou nenhuma atenção direta.
O software continua invisível para a maioria dos acadêmicos, artistas e profis-
sionais de cultura interessados em TI e suas consequências culturais e sociais.
FILE TEORIA DIGITAL

(Uma exceção importante é o movimento Open Source e questões relacionadas

a direitos autorais e IP que foi extensamente discutido em muitas disciplinas
acadêmicas.) Mas se limitarmos as discussões críticas às noções de “cyber”,
“digital”, “internet”, “redes”, “novas mídias” ou “mídia social”, nunca poderemos
captar o que há por trás da nova mídia representacional e de comunicação e
compreender o que ela realmente é e o que faz. Se não abordarmos o software
em si, corremos o perigo de sempre lidar somente com suas consequências, em
vez das causas: o produto que aparece na tela de um computador, e não os pro-
gramas e as culturas sociais que geram esses produtos.
“Sociedade da informação”, “sociedade do conhecimento”, “sociedade em
redes”, “mídia social” – não importa qual nova característica da existência con-
temporânea examinada por uma determinada teoria social, todas essas novas
características são possibilitadas por software. Está na hora de nos concen-
trarmos nele.

O que são “estudos do software”?

Este livro pretende contribuir para o desenvolvimento do paradigma intelectual

dos “estudos do software”. O que são estudos do software? Aqui estão algumas
definições. A primeira vem de meu livro The Language of New Media (concluído
em 1999 e publicado pela MIT Press em 2001), no qual, até onde eu sei, apare-
ceram pela primeira vez os termos “estudos do software” e “teoria do software”.
Eu escrevi: “A nova mídia pede uma nova etapa na teoria da mídia, cujos primór-
dios podem ser atribuídos às obras revolucionárias de Robert Innis e Marshall
McLuhan nos anos 1950. Para compreender a lógica da nova mídia, precisamos
recorrer à ciência da computação. É lá que poderemos encontrar os novos ter-
mos, categorias e operações que caracterizam a mídia que se tornou programá-
vel. Dos estudos de mídia, passamos para algo que pode ser chamado de estudos
do software; da teoria da mídia, para a teoria do software”.
Lendo essa declaração hoje, sinto que há necessidade de certos ajustes. Ela
coloca a ciência da computação como uma espécie de verdade absoluta, um dado
que pode nos explicar como funciona a cultura na sociedade do software. Mas a
ciência da computação em si faz parte da cultura. Portanto, creio que os Estudos
do Software têm de investigar tanto o papel do software na formação da cultura
contemporânea, quanto as forças culturais, sociais e econômicas que moldam o
próprio desenvolvimento do software.
ESTUDOS DO SOFTWARE

O software continua
invisível para a maioria
dos acadêmicos, artistas
e profissionais de cultura
interessados em TI e
suas consequências
culturais e sociais. 186
187
FILE TEORIA DIGITAL

O livro que demonstrou pela primeira vez de maneira abrangente a necessidade

da segunda abordagem foi New Media Reader, editado por Noah Wardrip-Fruin e
Nick Montfort (The MIT Press, 2003). A publicação dessa antologia pioneira foi a
base para o estudo histórico do software em relação com a história da cultura.
Embora o livro não usasse explicitamente o termo “estudos do software”, propu-
nha um novo modelo para se pensar o software. Ao justapor sistematicamente
textos de pioneiros da computação cultural e artistas chaves que atuaram nos
mesmos períodos históricos, essa obra demonstrou que ambos pertenciam às
mesmas áreas de conhecimento. Isto é, com frequência a mesma ideia foi arti-
culada simultaneamente no pensamento de artistas e de cientistas que estavam
inventando a computação cultural. Por exemplo, a antologia começa com a his-
tória de Jorge Luis Borges (1941) e o artigo de Vannevar Bush (1945), que contêm
a ideia de uma grande estrutura ramificada como a melhor maneira de organizar
dados e representar a experiência humana.
Em fevereiro de 2006, Matthew Fuller, que já tinha publicado um livro pio-
neiro sobre o software como cultura (Behind the Blip, Essays on the Culture of
Software, 2003) organizou o primeiro Software Studies Workshop no Instituto
Piet Zwart em Roterdã. Para apresentar a oficina, Fuller escreveu: “O software é
muitas vezes um ponto cego na teorização e no estudo da mídia digital compu-
tacional e em rede. É o próprio terreno e ‘matéria’ do design de mídia. Em certo
sentido, todo trabalho intelectual é hoje ‘estudo do software’, pois o software
fornece sua mídia e seu contexto, mas há muito poucos lugares em que a natu-
reza específica, a materialidade do software seja estudada como uma questão
de engenharia”.
Concordo totalmente com Fuller em que “todo trabalho intelectual hoje é
‘estudo do software’”. Mas ainda vai levar algum tempo para que os intelectu-
ais o percebam. No momento em que escrevo isto (primavera de 2008), estudos
do software é um novo paradigma de investigação intelectual que está apenas
começando a surgir. O primeiro livro que tem esse termo no título será publi-
cado pela MIT Press no fim deste ano (Software Studies: A Lexicon, editado por
Matthew Fuller). Ao mesmo tempo, várias obras publicadas pelos principais te-
óricos da mídia de nosso tempo – Katherine Hayles, Friedrich A. Kittler, Lawren-
ce Lessig, Manuel Castells, Alex Galloway e outros – podem ser identificadas
retroativamente como pertencentes a estudos do software. Portanto, acredito
firmemente que esse paradigma já existe há vários anos mas não foi batizado
explicitamente até agora. (Em outras palavras, o estado dos “estudos do softwa-
re” é semelhante ao das “novas mídias” no início dos anos 1990.)
ESTUDOS DO SOFTWARE

Em sua introdução à oficina de 2006 em Roterdã, Fuller escreve que “software

pode ser considerado um objeto de estudo e uma área de prática para a arte
e a teoria do design e as humanidades, para os estudos culturais e estudos
da ciência e da tecnologia e para uma corrente reflexiva emergente da ciência
da computação”. Como uma nova disciplina acadêmica pode ser definida seja
através de um objeto de estudo único ou de um novo método de pesquisa, ou
de uma combinação dos dois, como devemos pensar os estudos do software?
A declaração de Fuller implica que “software” é um novo objeto de estudo que
deve ser colocado na agenda das disciplinas existentes e que pode ser estudado
por métodos existentes – por exemplo, a teoria de objetos-redes de Latour, a
semiótica social ou a arqueologia da mídia.
Creio que há bons motivos para se apoiar essa perspectiva. Penso no softwa-
re como uma camada que permeia todas as áreas das sociedades contemporâ-
neas. Portanto, se quisermos entender as técnicas contemporâneas de controle,
comunicação, representação, simulação, análise, tomada de decisões, memória,
visão e interação nossa análise não pode ser completa se não considerarmos
essa camada de software. Isso significa que todas as disciplinas que tratam da
sociedade e da cultura contemporâneas – arquitetura, design, crítica de arte, 188
sociologia, ciência política, humanidades, estudos de ciência e tecnologia e as- 189
sim por diante – precisam levar em conta o papel do software e suas consequên-
cias em qualquer tema que elas investiguem.
Ao mesmo tempo, a obra existente de estudos do software já demonstra que
para nos concentrarmos no software em si há necessidade de uma nova me-
todologia. Isto é, é útil praticar aquilo que se escreve. Não é por acaso que os
intelectuais que escreveram de maneira mais sistemática sobre o papel do sof-
tware na sociedade e na cultura até hoje ou eram programadores ou estiveram
envolvidos em projetos culturais que envolvem basicamente escrever novo sof-
tware: Katherine Hayles, Matthew Fuller, Alexander Galloway, Ian Bogust, Geet
Lovink, Paul D. Miller, Peter Lunenfeld, Katie Salen, Eric Zimmerman, Matthew
Kirschenbaum, William J. Mitchell, Bruce Sterling, etc. Em comparação, os acadê-
micos sem essa experiência, como Jay Bolter, Siegfried Zielinski, Manuel Castells
e Bruno Latour, não incluíram considerações sobre o software em seus relatos
altamente influentes da mídia e da tecnologia modernas.
Na década atual, o número de estudantes de arte mídia, design, arquitetura
e humanidades que usam programação ou scripting em seus trabalhos cresceu
substancialmente – pelo menos em comparação com 1999, quando eu mencio-
nei pela primeira vez os “estudos do software” em The Language of New Media.
Fora dos setores cultural e acadêmico, há muito mais gente escrevendo software
FILE TEORIA DIGITAL

hoje. Em uma medida significativa, isso é consequência das novas linguagens de

programação e scripting como Processing, PHP e ActionScript. Outro fator im-
portante é a publicação de suas APIs pelas maiores companhias da Web 2.0 em
meados dos anos 2000. (API, ou Application Programming Interface – Interface
de Programação de Aplicação, é um código que permite que outros programas
de computador acessem serviços oferecidos por uma aplicação. Por exemplo, as
pessoas podem usar a API Google Maps para inserir mapas da Google em seus si-
tes.) Essas linguagens de programação e scripting e APIs não facilitaram a pro-
gramação, necessariamente. Mas elas a tornam muito mais eficaz. Por exemplo,
se um jovem designer pode criar um projeto interessante com apenas algumas
dúzias de código escrito em Processing, em vez de escrever um programa real-
mente longo em Java, ele/a tem maior probabilidade de assumir a programação.
De maneira semelhante, se umas poucas linhas de Javascript permitem que você
integre toda a funcionalidade dos mapas Google em seu site, é um grande moti-
vo para começar a trabalhar com Javascript.
Em seu artigo de 2006 em que resenhou outros exemplos de novas tecnolo-
gias que permitem que as pessoas com pouca ou nenhuma experiência de pro-
gramação criem novos software customizados (como Ning e Coghead), Martin
LaMonica escreveu sobre a futura possibilidade de “uma ‘cauda longa’ para as
aplicações”. Claramente, hoje as tecnologias para o consumidor capturar e edi-
tar mídia são muito mais fáceis de usar do que as linguagens de programação
e scripting de alto nível. Mas não é preciso continuar assim, necessariamente.
Pense, por exemplo, no que era preciso para montar um estúdio de fotografia e
tirar fotos na década de 1850, contra simplesmente apertar um botão em uma
câmera digital ou um celular nos anos 2000. Claramente, estamos muito longe
dessa simplicidade na programação. Mas não vejo qualquer motivo lógico para
que um dia a programação não se torne igualmente fácil.
Por enquanto, o número de pessoas capazes de fazer scripting e progra-
mação continua aumentando. Ainda estamos longe de uma verdadeira “cauda
longa” para o software, mas o desenvolvimento de software está gradualmente
se democratizando. Portanto, é o momento certo para começar a pensar teorica-
mente em como o software está moldando nossa cultura, e como por sua vez ele
é moldado pela cultura. Chegou a hora dos “estudos do software”.
ESTUDOS DO SOFTWARE

Por que não existe uma história cultural do software

O teórico da mídia e da literatura alemãs Friedrich Kittler escreveu que hoje os

estudantes devem saber pelo menos duas linguagens de software; somente “en-
tão eles poderão dizer algo sobre o que é a ‘cultura’ neste momento”. O próprio
Kittler programa em uma linguagem assembler que provavelmente determinou
sua desconfiança das Interfaces Gráficas do Usuário (GUIs) e de software mo-
dernos que usam essas interfaces. Em uma medida modernista clássica, Kittler
afirmou que precisamos nos concentrar na “essência” do computador – o que para
ele significava as bases matemáticas e lógicas do computador moderno e sua
história inicial, caracterizada por ferramentas como as linguagens assembler.
Embora os estudos do software envolvam todos os software, temos especial
interesse pelo que chamo de software cultural. Esse termo foi usado antes de
maneira metafórica (por exemplo, ver J. M. Balkin, Cultural Software: A Theory
of Ideology, 2003), mas neste livro uso o termo literalmente para me referir
a programas como Word, Powerpoint, Photoshop, Illustrator, After Effects,
Firefox, Internet Explorer e assim por diante. O software cultural, em outras
palavras, é um subconjunto determinado de software de aplicação destinado a
criar, distribuir e acessar (publicar, compartilhar e remixar) objetos culturais
como imagens, filmes, sequências de imagens em movimento, desenhos em 3D, 190
textos, mapas, assim como várias combinações dessas e de outras mídias. (En-
191
quanto originalmente esses software de aplicações se destinavam a rodar no
desktop, hoje algumas ferramentas de criação e edição de mídia também são
disponíveis como webware, isto é, aplicações que são acessadas através da
web, como Google Docs.)
Software culturais também incluem ferramentas para comunicação social
e compartilhamento de mídia, informação e conhecimento, como navegadores
da web, clientes de e-mail, clientes de mensagens instantâneas, wikis, citação
social, mundos virtuais e assim por diante. Eu também incluiria em software cul-
tural as ferramentas para administração de informação pessoal, como agendas
de endereços, aplicações de gerenciamento de projetos e máquinas de busca
de desktop. (Essas categorias não são absolutas, mas mudam com o tempo; por
exemplo, nos anos 2000 o limite entre “informação pessoal” e “informação pú-
blica” desapareceu cada vez mais, conforme as pessoas começaram a colocar
rotineiramente suas mídias em sites de redes sociais; de modo semelhante, a
máquina de buscas Google mostra os resultados na sua máquina local e na web.)
E afinal, mas não menos importante, as próprias interfaces de mídia – ícones,
pastas, sons e animações que acompanham as interações do usuário – também
são software cultural, pois eles mediam as interações das pessoas com a mídia
e outras pessoas.
FILE TEORIA DIGITAL

Vivemos em uma cultura

do software – isto é, uma
cultura em que a produção,
distribuição e recepção da
maior parte do conteúdo
são mediadas por software.
ESTUDOS DO SOFTWARE

Vivemos em uma cultura do software – isto é, uma cultura em que a produção,

distribuição e recepção da maior parte do conteúdo são mediadas por software.
No entanto, a maioria dos profissionais de criação não sabe nada sobre a his-
tória intelectual do software que usa diariamente – seja Photoshop, GIMP, Final
Cut, After Effects, Blender, Flash, Maya ou MAX.
De onde veio o software cultural contemporâneo? Como suas metáforas e
técnicas chegaram? E por que ele foi desenvolvido, para começar? Realmen-
te não sabemos. Apesar das declarações comuns de que a revolução digital é
pelo menos tão importante quanto a invenção da imprensa, somos amplamen-
te ignorantes de como foi inventada a parte principal dessa revolução – isto
é, o software cultural. Se você pensar nisso, é inacreditável. Todo mundo no
setor de cultura sabe sobre Guttenberg (impressora tipográfica), Brunelleschi
(perspectiva), os irmãos Lumière, Griffith e Eisenstein (cinema), Le Corbusier
(arquitetura moderna), Isadora Duncan (dança moderna) e Saul Bass (animação
gráfica). (Se por acaso você não conhecia algum desses nomes, tenho certeza de
que tem outros amigos culturais que conhecem.) No entanto, poucas pessoas
ouviram falar em J. C. Licklider, Ivan Sutherland, Ted Nelson, Douglas Engelbart,
Alan Kay, Nicholas Negroponte e seus colaboradores, que, entre 1960 e 1978,
192
aproximadamente, transformaram gradualmente o computador na máquina
cultural que é hoje. 193

Notavelmente, a história do software cultural ainda não existe. O que temos

são alguns livros, principalmente biográficos, sobre algumas das figuras chaves
e laboratórios de pesquisa como Xerox Parc ou Media Lab – mas não há uma
síntese abrangente que delineie a árvore genealógica do software cultural. E
também não temos estudos detalhados relacionando a história do software cul-
tural à história da mídia, teoria da mídia ou história da cultura visual.
As modernas instituições de arte – museus como MoMA e Tate, editoras de li-
vros de arte como Phaidon e Rizzoli, etc. – promovem a história da arte moderna.
Hollywood igualmente se orgulha de sua história – as estrelas, os diretores, os
cineastas e os filmes clássicos. Então como podemos compreender a negligên-
cia da história da computação cultural pelas instituições culturais e da própria
indústria de computadores? Por que, por exemplo, o Vale do Silício não tem um
museu do software cultural? (O Museu da História do Computador em Mountain
View, Califórnia, tem uma grande exposição permanente que se concentra em
hardware, sistemas operacionais e linguagens de programação – mas não na
história do software cultural).
Acredito que o motivo principal tem a ver com a economia. Originalmente
mal-entendida e ridicularizada, a arte moderna com o tempo se tornou uma
FILE TEORIA DIGITAL

categoria de investimento legítima – na verdade, em meados dos anos 2000, as

pinturas de vários artistas do século 20 valiam mais que as dos mais famosos
artistas clássicos. De modo semelhante, Hollywood continua obtendo lucros de
filmes antigos que são reeditados em novos formatos. E a indústria de TI? Ela
não obtém lucros dos softwares antigos – e portanto nada faz para promover
sua história. É claro que versões contemporâneas de Microsoft Word, Adobe
Photoshop, Autodesk Autocad e muitas outras aplicações culturais populares
são aperfeiçoamentos das primeiras versões que muitas vezes datam dos anos
1980, e as empresas continuam lucrando com as patentes registradas das novas
tecnologias usadas nessas versões originais – mas, em comparação com os vi-
deogames dos anos 1980, essas primeiros versões de software não são tratadas
como produtos separados que podem ser reeditados hoje. (Em princípio, posso
imaginar a indústria de software criando todo um novo mercado de versões an-
tigas de software ou aplicações que em certo momento foram importantes mas
que não existem mais hoje – por exemplo, o Aldus Pagemaker. Na verdade, como
a cultura do consumo sistematicamente explora a nostalgia dos adultos pelas
experiências culturais de sua adolescência e juventude, fazendo novos produ-
tos dessas experiências, é surpreendente que ainda não exista um mercado das
antigas versões de software. Se eu usava diariamente MacWrite e MacPaint em
meados dos anos 1980, ou Photoshop 1.0 e 2.0 em 1990-1993, acho que essas
experiências fizeram parte de minha “genealogia cultural”, assim como os filmes
e a arte que eu via na época. Embora eu não esteja necessariamente defendendo
a criação de mais uma categoria de produtos comerciais, se os primeiros sof-
tware estivessem disponíveis em simulação, catalisariam o interesse cultural
pelo software, assim como a ampla disponibilidade dos primeiros jogos de com-
putador alimenta o campo de estudos de videogames).
Como a maioria dos teóricos até hoje não considerou o software cultural
como tema isolado, diferente de “nova mídia”, “arte mídia”, “internet”, “ciberes-
paço”, “cibercultura” e “código”, carecemos não apenas de uma história concei-
tual do software de edição de mídia, mas também de pesquisas sistemáticas de
suas funções na produção cultural. Por exemplo, como a utilização da aplicação
popular de animação e composição After Effects reformulou a linguagem das
imagens em movimento? Como a adoção de Alias, Maya e outros pacotes de 3D
por estudantes de arquitetura e jovens arquitetos nos anos 1990 influenciou de
maneira semelhante a linguagem arquitetônica? E a co-evolução das ferramen-
tas de design para a web e a estética dos sites – desde o HTLM cru de 1994 até
os sites em Flash de rico visual, cinco anos depois? Você encontrará menções
frequentes e discussões rápidas dessas questões e outras semelhantes em ar-
ESTUDOS DO SOFTWARE

tigos e conferências, mas até onde eu sei não houve um estudo extenso sobre
qualquer, desses assuntos. Muitas vezes livros de arquitetura, animação gráfica,
design gráfico e outros campos de design discutem rapidamente a importância
das ferramentas de software para permitir novas possibilidades e oportunida-
des, mas essas discussões geralmente não são levadas adiante.

Sobre o Autor
Lev Manovich é autor de Soft Cinema: Navigating the Database (The MIT Press, 2005), Black
Box - White Cube (Merve Verlag Berlin, 2005) e The Language of New Media (The MIT Press, 2001).
Manovich é professor no Departamento de Artes Visuais da Universidade da Califórnia em San
Diego, diretor da Software Studies Initiative no California Institute for Telecommunications and
Information Technology (Calit2) e pesquisador convidado no Goldsmith College (Londres) e no
College of Fine Arts, Universidade de Nova Gales do Sul (Sydney).

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2008.

194
195
OS FINS
DOS MEIOS
CÍCERO INÁCIO
DA SILVA
teoria

digital

linguagem

meio

ambiente

informação
FILE TEORIA DIGITAL

A digitalização tem configurado uma série de análises sobre o texto, a autoria e

a obra na contemporaneidade. Muito se disse sobre o impacto que as informa-
ções geradas e depositadas em sistemas computacionais conectados em rede
operaram sobre a nossa cultura.
Nesse sentido, o caminho de analisar os acontecimentos para tentar estabe-
lecer um evento pode ser considerado uma retomada de uma discussão que foi
sendo perdida ao longo do debate sobre a digitalização e, principalmente, sobre
as linguagens que foram surgindo nestes meios eletrônicos que manipulam da-
dos digitalizados e processam informações lógicas entre paridades numéricas
reduzidas a 0’s e 1’s.
O que pode ser lido como perda, no sentido ao qual faço alusão, é o de termos
nos dedicado a pensar o meio digital, suas características e sua, se quisermos
nos adiantar bastante, identidade, a partir de características fenomenológicas
advindas de descontextualizações bastante gritantes e que, geralmente, estão
associadas a práticas que pertencem aos meios (para não dizer linguagens) aná-
logos aos hoje existentes.
A grande maioria dos usuários das linguagens digitais, que operam por vias
eletrônicas, bem sabem que as características manifestas desses espaços não
condizem mais com as definições que tínhamos até então, tanto sobre o espaço,
quanto sobre a escrita.
A digitalização, além de não poder se lida como um evento que se resume a
um suporte, é ela mesma um fator que desloca as possibilidades de estabelecer
o que conhecemos como “um meio de comunicação”, como tínhamos até então.
Ou seja, com as linguagens digitais, temos uma radicalização no movimen-
to que reduzia tudo à comunicação de alguma coisa, e voltamos à exacerbação
de que tudo voltará a ser linguagem e, que estas linguagens que surgirem
terão espaço para existir, sem seu cerceamento e, muito menos, sem sua con-
denação antecipada.
Muito provavelmente, o que antes conhecíamos como “suporte”, ou “meio”,
não fará mais sentido numa cultura que materialmente se descola das referên-
cias estáticas estruturais. As informações, a linguagem, a escrita, a telecomuni-
cação, entre outras questões, abrirão cada vez mais um espaço sem ligação com
as teorias que se julgavam tributárias do “sentido” e da transmissão das coisas
(vide o estruturalismo, por exemplo).
A partir do momento em que surgiram as possibilidades de envio de infor-
mações através de suportes que operavam à distância, como o telégrafo, por
exemplo, muitas questões poderiam ser antecipadas, como em alguns casos o
foram, em relação às transformações nas linguagens, na escrita e na recepção.
OS FINS DOS MEIOS

Se com métodos rudimentares de envio de signos uma série de possibilidades

foi aberta, atualmente, com as redes e com a digitalização desmaterializada via
informática, essas transmigrações foram exacerbadas ao extremo.
No entanto, convém observar que uma série de análises que tentam dar con-
ta de compreender o fenômeno atual da digitalização em massa das informações
via sistemas eletrônicos não parte do próprio sistema (linguagem) em questão.
Ou seja, a grande maioria dos textos sobre o assunto ainda estão pautados sob
a lógica da emissão e da recepção, da comunicação e da transmissão de sentido,
da informação que pode ser congelada e transmitida etc. O meio ainda é, para
esses teóricos, algo inocente que carrega o que se quer dizer.
A comunicação, nesse sentido, passa ainda a ser a pauta e o marco regula-
tório das análises que tentam entender os processos sígnicos de linguagem que
operam nos sistemas digitais. A digitalização permite pensar que a comunicação
tenha se deslocado para outra instância.
E que instância seria essa, se a própria palavra “comunicação” somente co-
munica algo para alguém quando ela adquire, na mente desse ouvinte ou leitor,
um sentido? Ou seja, antecipa-se o que ela quer dizer, para depois, em nome
dela, fazermos um discurso.
Por isso, é muito comum vermos uma série de pesquisadores que se debru- 198
çavam sobre teorias da emissão e da recepção cometerem equívocos bastante 199
constrangedores ao analisarem os meios digitais de produção de linguagens.
Primeiro porque acreditam seriamente que estas linguagens não interferem em
nada no processo de significação, ou melhor, que elas seriam somente meras
mediações que carregariam consigo as condições de legibilidade das informa-
ções codificadas. Em segundo lugar, porque ainda estão presos aos sistemas
estruturais que solidificam e deletam obrigatoriamente os parasitismos e as
iterações dos discursos, mesmo digitalizados, para fazer circular o que acredi-
tam piamente ser uma informação “pura”, livre de todo constrangimento do “or-
dinário”, carregando por suas vias a mais pura verdade. E essa verdade estaria
centrada dentro do significado que o significante carrega para todos os lados.
Adiantando-me para não ocupar espaço e nem seu tempo: o sujeito que se pauta
na lógica da comunicação acredita, faz uma fé cega, quase religiosa, que pode
dizer que sabe; antecipa-se de maneira autoritária e transgressora sobre toda
a linguagem e faz dela o seu objeto de gozo, de prazer, quase como um meio de
fazer com que o Outro goze a partir do seu delírio. Ou seja, diz o que o outro deve
entender do e no que está escrito nas palavras. É, resumindo, a base da lógica
hermenêutica que irrompe e se delata nesse ato de incesto cometido contra as
linguagens que não se deixam levar por estes discursos canhestros.
FILE TEORIA DIGITAL

Nesse sentido, convém adotar uma postura de observação atenta para os mo-
vimentos que analisam as formas e que se prendem aos detalhes dos sentidos,
dos querer-dizer que se fazem presentes nas afirmações mais rígidas dos vigi-
lantes (aproveitando a polissemia do termo) dos significados dos significantes.
Rígidos, solipsistas e constrangedores, os conceitos fechados das teorias
da interpretação que se dizem verdadeiras formaram, durante muito tempo,
toda uma tradição de pensadores. A própria concepção teórica de existir uma
possibilidade de algo ser informado, ou mesmo comunicado, só foi possível
depois de uma série de rígidas normas que solidificaram toda uma tradição e
que deram garantias aos detendores do saber que sabe de se sobreporem, até
institucionalmente, aos parasitismos e desvios dos discursos e comunicações
estruturadas nas e pelas normas.
Partindo dessas conclusões, proponho uma outra condição para os resulta-
dos que essa cultura da desmaterialização, da desestabilização, da dissemina-
ção, trouxe às nossas mais arraigadas manifestações como sujeitos: a impossi-
bilidade de algo ser tomado como meio.
Quando surgiram as mais variadas formas de objetos que continham e que
apresentavam fenomenologicamente uma imagem e um som, fomos tomados por
uma ideia, colada na ordem anterior (a da escrita), de que aquilo que ouvíamos,
ou que olhávamos, nada mais era do que somente um “suporte” para toda uma
série de coisas que produziriam sentidos. E que estes sentidos seriam produzi-
dos no início de tudo, ou seja, na própria “mensagem” que seria transmitida.
A partir desse momento, a associação (para não dizer apropriação) com a ló-
gica da escrita é gritante e, por mais infeliz que seja, continua valendo até hoje.
Nesse processo, ficou soterrada toda uma análise do sujeito diante do dispo-
sitivo que emitia o som e a imagem. Esse momento que poderia ser lido como
uma mudança radical na cultura, introduzindo novos elementos dentro do espaço
do indivíduo e, modificando essa forma de ver o próprio espaço através de uma
maneira identificatória, foi subtraída pelos discursos que eram vigentes (volto a
insistir: a lógica da escrita) através principalmente de MacLuhan. Ao tentar pro-
por o signo como representante de si mesmo, remete mais uma vez à construção
da metáfora como síntese do sentido e, nesse intervalo, deixou a impressão de
que a identificação do sujeito não se dá por uma linguagem, e sim por uma re-
presentação que dela podemos ter. O equívoco consistiu em creditar seus signos
como objetos de sentido, e, assim sendo, não mais viu (no sentido perceptivo, não
visual) que toda a sua concepção escritural trouxe consigo a noção de presença a
si de uma mensagem, descolando o meio do que seria meramente a comunicação
como um efeito, e nada mais, de uma cultura centrada na palavra (logos).
OS FINS DOS MEIOS

A comunicação, diante da ruptura que foi inserida na cultura pela disseminação

da escrita desmaterializada, não será mais vista como vinha sendo até então.
O que antes era conhecido como “meio” e “mensagem” foi tragado pelo que
se convencionou denominar linguagem. O que poderíamos pensar como sendo
transmissão, passou a ser processo, e o que antes poderia ser lido como inter-
pretação, passou a ser apropriação do Outro, em todos os sentidos. Comunicar-
-se hoje é não mais se ater às inúmeras tentativas semânticas presas aos signi-
ficantes. Passou a ser, se assim quisermos, o fato de observar que a possibilida-
de do Outro existir reside exatamente na impossibilidade de haver e de existir
um meio, uma comunicação e uma antecipação do que quer que seja.
Se houver anterioridade, haverá subordinação, e se houver subordinação,
haverá uma construção imaginária idealizada do Outro. Resumindo: eu ani-
quilo toda a possibilidade de haver ou de surgir outras formas de linguagens
assim que denomino que algo é “comunicável” dentro de um protocolo de emis-
são e de recepção.
Haverá outras possibilidades de conseguirmos compreender para além des-
sas restritas à uma cultura impressa, ligada geralmente à escrita e transposta
para todas as formas de transmissão de informações?
Ao perceber que já existem trabalhos que percebem, mesmo sutilmente, que
200
cada vez mais surgirão linguagens, e que serão estas linguagens que manifes-
201
tarão as dinâmicas da compreensão (falo aqui dos trabalhos de Giselle Beiguel-
man, destacando a obra intitulada Poétrica), minha aposta é que sim.
A comunicação por e pelos meios é algo para ser analisado e visto como a
pedra fundadora do logocentrismo, e, como não deveria deixar de ser, conti-
nuar operando sob essa lógica da escrita diante da disseminação parasitária
das linguagens que a cada dia surgem, é insistir na institucionalização e no
aniquilamento da diferença que surge, incessantemente, no Real, como diria
Lacan, do impossível.
O inantecipável abrupto rompe com a hipótese de haver um meio sólido de
transmissão. As linguagens efêmeras operam exatamente nestas rupturas e
caminham exatamente em direção à possibilidade de termos as mais variadas
formas de diferença expressas sem serem antes vistas e observadas pelos seus
contextos (políticos, econômicos, sociais e institucionais) e sem serem direcio-
nadas por alguém que queira manipular o pensar para uma só interpretação,
como ainda fazem a maioria das instituições de ensino e de pesquisa, infeliz-
mente com raras exceções.
O universo (remeto ao sentido de conjunto) da digitalização desloca e im-
possibilita a tradição da comunicação (e, como nos diz Derrida, temos de tomar
FILE TEORIA DIGITAL

muito cuidado com essa palavra) e a coloca diante de um impasse, talvez sem
resolução, a não ser abandonando-a conceitualmente a longo prazo e a locali-
zando (para não ir tão rápido e propor sua substituição e deslocamento pelo
significante linguagem) no interior do conceito de linguagem.
Pensar numa forma de cultura que se aproprie da ideia de que é indecidí-
vel a concepção de traço originário, é marcar um espaço de diferença radical,
que, antecipo aqui, pode ser pensada com a digitalização das linguagens. Tentar
construir uma cultura que se intitule, nesse sentido, digital, ressoa como con-
traditório, visto que o próprio conceito de cultura, em certo sentido, é ainda
preso aos traços supostamente físicos e legíveis de uma hipótese substancial-
mente vinculada à presença.
Portanto, as linguagens digitais operam outras vertentes e não se ligam,
tão diretamente, aos pressupostos conceituais anteriormente decodificados,
tais como cultura, interpretação, escrita e “deixar para esse novo conceito o ve-
lho nome de escrita é manter a estrutura de enxerto, a passagem e a aderência
indispensável a uma intervenção efetiva no campo histórico constituído. É dar
tudo o que se representa, nas operações de desconstrução, a oportunidade e a
força, o poder de comunicação (...) a escrita, se existe, talvez comunique, mas
não existe certamente.” (Derrida, 1991).

Sobre o Autor
Cícero Inácio da Silva é professor da Pós-graduação em Comunicação da Universidade Federal de
Juiz de Fora (UFJF) e coordenador do grupo de Software Studies no Brasil.

Texto publicado pelo File em 2004.

OS FINS DOS MEIOS

202
203
PARTE 3
TEORIA
A expansão, a
resolução, a
definição e a
fidelidade do
cinema
DIGITAL
A Hiper-
-Cinematividade
Ricardo
Barreto
teoria

digital

cinema

expansão

linearidade

experimentação
FILE TEORIA DIGITAL

Na era digital, em plena revolução da informação, assistimos às modificações de

paradigmas que afetam todos os âmbitos da sociedade e da cultura contempo-
rânea. Instituições sólidas e rentáveis como o cinema mundial, de predomínio
norte-americano, parecem não se abalar ainda com os novos encaminhamentos
micrológicos que a arte cinematográfica contemporânea vem sofrendo. O FILE –
Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, tem especial interesse nesses
novos encaminhamentos e está constituindo um novo evento intitulado Hiper-
-Cinematividade, onde serão apresentados diversos projetos que desenvolvem
o cinema interativo, os hiperfilmes, as narrativas não lineares e as novas for-
mas de se trabalhar com o data-base.
Por “Hiper-Cinematividade” entende-se algo que não se restringe ao mundo
do cinema, pois envolve elementos que lhe são estranhos, mas que contribui
fortemente para a sua transformação. Quando se fala de cinema expandido,
sempre se faz pela óptica da identidade e do progresso, contudo, o que se per-
cebe no mundo contemporâneo é a perda das fronteiras disciplinares e a cone-
xão indeterminada e criativa entre elas. A Hiper-Cinematividade não é, portanto,
uma categoria ou um conceito que tenta determinar a atual situação cinemática
e sim, taticamente, um posicionamento mutável para se poder navegar na atual
complexidade que a era digital impõe. A primeira coisa que se aprende sobre
Hiper-Cinematividade é que suas problemáticas e suas soluções são diversas.
Pelo menos até a atual situação, não há fórmulas e nem muita história passada
para determinar um percurso dominante. Se o cinema tradicional é um rio de
clichês sob a atual hegemonia hollywoodiana, então a Hiper-Cinematividade é
um oceano a ser descoberto e explorado. A arte digital, os hipertextos, as hiper-
mídias, as hipersonoridades, os jogos digitais, a alta tecnologia, o data base, a
inteligência artificial, a narratologia, a ludologia, os microfilmes interativos e
as realidades virtuais fazem parte da rede complexa de conexões que se esta-
belece para a realização da Hiper-Cinematividade. De fato, há uma expansão do
cinema através de experiências como o cinerama, as múltiplas telas, os pano-
ramas, o domo projeção, mas essa nova categoria não se restringe somente a
isso. Há que se levar em consideração todas aquelas atividades citadas acima,
mas não se pode ver a Hiper-Cinematividade como uma simples consequência
evolutiva do cinema tradicional. Ela é uma ruptura provocada pela recente men-
talidade digital.
Durante o século XX, o cinema tradicional se constituiu dominantemente
como um macrocinema público que se distribuiu pelo mundo através de milhares
de salas escuras, de salas de projeção, de salas da grande tela onde o público
devia assistir silenciosamente e passivamente aos estímulos transmitidos pelo
A HIPER-CINEMATIVIDADE

Se o cinema tradicional
é um rio de clichês sob
a atual hegemonia
hollywoodiana, então a
Hiper-Cinematividade é um
oceano a ser descoberto e
explorado.
208
209
FILE TEORIA DIGITAL

filme analógico de comunicação unilateral. Na era digital, nota-se uma outra

tendência que pode ser chamada de microcinema privado. Essa tendência, já
iniciada pela TV e pelo vídeo, torna-se agora necessária por dois fatores: a inte-
ração do usuário e a fusão inevitável da TV com o cinema e com a internet. Será
muito pouco provável que a Hiper-Cinematividade se desenvolva no macrocine-
ma público principalmente pela sua inadequação à interação e pela restrição à
tela única coletiva. Em ambos os casos, exige-se uma multiplicidade de telas.
No cinema tradicional, todos assistem na mesma sala o mesmo filme ao mesmo
tempo, já na Hiper-Cinematividade online todos interagem de lugares diferentes
no mesmo filme em tempos diferentes.
No cinema tradicional, há universalmente uma narrativa linear que fala sem-
pre do ocorrido, do que já aconteceu. Mesmo quando alguém se envolve com o
filme na expectativa do que irá ocorrer, mesmo quando se assiste a uma ficção
no futuro, trata-se sempre do ocorrido (tempo pré-estabelecido). Existe um pre-
sente no ocorrido, no qual vive-se intensamente, mas um que não é possível
ser mudado, apenas experimentado. O cinema tradicional é um destino (fato).
Nele jamais há um futuro, nele não se vivencia nunca o tempo real que exigiria a
nossa participação e interação, e é justamente o tempo real que caracteriza os
jogos e as redes digitais. No cinema tradicional, o ocorrido é sempre visto pela
óptica de um observador ideal (o autor, o diretor) que lhe impõe um sentido, o
mesmo que o espectador passivo deve decodificar, sentir, vivenciar e, às vezes,
interpretar. De modo contrário, a Hiper-Cinematividade preocupa-se com a con-
cepção de um tempo não linear, pois o meio digital possibilita esse evento, o que
não ocorre com o cinema tradicional analógico, unidirecional, linear e fechado.
Na Hiper-Cinematividade, o ocorrido, o observador ideal, o espectador pas-
sivo e o sentido autoral deixam de funcionar. Não se trata mais do que ocorreu,
mas do que poderia ocorrer, do leque de possibilidades, dos múltiplos come-
ços, dos múltiplos meios e dos múltiplos desfechos, numa gama exponencial
de desenvolvimentos e eventos. Se a narrativa linear é a do ocorrido (o desti-
no), a narrativa não-linear é a da ocorrência (a criatividade). Isso acarreta uma
complexidade enorme que os criadores digitais têm que enfrentar, mas acarreta
também uma mudança de mentalidade por parte de quem faz e de quem interage.
A expectativa torna-se complexa e exige complexidade. Não se trata mais da
narrativa do ocorrido, mas sim do potencial conectivo da transnarrativa da ocor-
rência (tempo indeterminado). Desta maneira, o observador ideal que narraria
os fatos tais como teriam ocorrido (referência) transforma-se em estrategista
que calcula e compõe em aberto as compossibilidades e as incompossibilidades
das ocorrências (eventos), bem como suas consequências ou inconsequências.
A HIPER-CINEMATIVIDADE

A Hiper-Cinematividade exige uma mudança de comportamento do espectador.

A interação se faz então necessária. Não adianta, como querem alguns, mini-
mizar a importância da interação estendendo-a para uma condição pré-digital.
Ela deixou de ser somente interpretativa e subjetiva. Ela tornou-se operacional
e navegacional e, desse modo, o espectador transforma-se em interagente e
em imersor, condição sine qua non para que ele possa ser um ator virtual, o
que ocasiona sua possível participação na construção do sentido e da ação. No
que tange ao sentido, eis aí uma grande dificuldade para os criadores da Hiper-
-Cinematividade, pois muitos encaminhamentos poderão não fazer sentido para
o interagente. Por isso, não se trata apenas do cálculo das combinações ou da
combinatória, mas da seleção tática através da qual as compossibilidades e as
incompossibilidades podem se adequar ao conteúdo e ao objetivo do hiperfilme,
possibilitando assim uma multiplicidade adequada de proto-sentidos que se re-
alizarão com a participação do interagente. Ainda, se pensarmos na possibilida-
de da modificação da ação numa narrativa não linear (no hiperfilme) por parte do
interagente, através do ator virtual (avatar), isso acarretará uma outra proble-
mática, talvez bem maior do que aquela anterior, pois, nesse caso, o ator digital
não interagiria apenas com os outros atores do filme, mas com a produção da
narrativa não linear, modificando e transformando assim as histórias do próprio
hiperfilme. A Hiper-Cinematividade torna-se assim uma abertura à criatividade
210
e à inteligência e atinge o mais alto grau da participação: a interação criativa.
211
Ela inaugurará a cinemática da criatividade.

Sobre o Autor
Ricardo Barreto é artista e filósofo. Atuante no universo cultural trabalha com performances,
instalações e vídeos e se dedica ao mundo digital desde a década de 90. Co-fundador e
co-organizador do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2004.

EFEITOS DE
ESCALA
LEV MANOVITCH
teoria

digital

interface

filme

efeito

tela
FILE TEORIA DIGITAL

Estou habituado a voar pelo mundo inteiro para obter as visões mais incríveis e
inspiradoras do futuro – ou pelo menos a parte do futuro que me interessa pro-
fissionalmente: a parte em que computadores, cultura visual e arte se cruzam.
Mas com a fundação do Instituto de Telecomunicações e Tecnologia da Informa-
ção da Califórnia (Calit2) em meu próprio campus – Universidade da Califórnia
em San Diego (UCSD) –, cada vez menos eu preciso viajar para outros lugares.
É claro que minha universidade – recentemente citada pela Newsweek como “o
campus de ciência mais quente dos EUA” –, além de ser, segundo o Instituto de
Informação Científica, considerada a terceira melhor do mundo “em termos de
seu impacto de citações em ciência e ciência social”, sempre teve muitas pales-
tras e demonstrações de vanguarda, quase todas as semanas. Mas com frequ-
ência elas foram sobre campos da ciência que não afetam diretamente meus
interesses profissionais. No entanto, como a agenda de pesquisa da Calit2 inclui
esforços significativos em computação da próxima geração, redes, tecnologias
de exibição, visualização, computação gráfica e visão computadorizada – assim
como artes de novas mídias –, a fundação da Calit2 me afetou diretamente.
Eu ainda viajo muito, dando a volta ao mundo pelo menos uma vez por ano,
de modo que posso ver com meus próprios olhos a marcha impiedosa da globa-
lização e as diversas novas formas culturais que ela provoca. Eu mergulho na
densa ecologia cultural e na energia criativa das cidades européias tradicionais,
e converso com novas gerações de artistas digitais em lugares como China e
Índia. Mas para compreender o futuro das tecnologias de imagens, visualiza-
ção e comunicação visual não preciso mais sair do meu próprio campus, pois os
componentes chaves desse futuro estão sendo imaginados e construídos aqui
mesmo em San Diego.
Calit2 é o maior instituto de pesquisa de TI nos EUA, abrigando em sua ocu-
pação plena cerca de 900 pesquisadores, estudantes de graduação, pós-douto-
randos e funcionários em seu novo prédio. Seus pesquisadores ganharam mui-
tos prêmios na maioria dos campos da ciência, mas o que é crucial – pelo menos
na minha opinião – para o sucesso e o impacto já visíveis do instituto, é a visão
ampla e de longo alcance de seu líder, Larry Smarr. Essa visão é bastante original
em uma comunidade científica. Larry realmente compreende a importância das
novas formas de comunicação visual para o avanço da ciência. Ele tem um his-
tórico de liderança, ou de intenso envolvimento, em diversos projetos pioneiros
no cruzamento de imagética, computação e redes de informática: trabalhou com
membros do Laboratório de Visualização Eletrônica da Universidade de Illinois
em Chicago, que projetou o CAVE (o sistema de exibição de realidade virtual mais
usado atualmente); financiou, no início da década de 1990, os estudantes que
EFEITOS DE ESCALA

criaram o Mosaic, o primeiro browser gráfico; e, antes de assumir a liderança

do Calit2, chefiou o Centro Nacional de Aplicações de Supercomputação (NCSA),
onde uma utilidade significativa dos supercomputadores foi computar visuali-
zações detalhadas de grandes conjuntos de dados.
Portanto, ele sabe melhor que a maioria das pessoas que apresentar algo
visualmente, interagir com a visualização e compartilhá-la com outros à distân-
cia em tempo real pode ter um impacto sobre a ciência e também sobre a cultu-
ra. É do que se trata o iGrid, pelo menos para mim – imagem computadorizada,
telepresença, visualização interativa e colaboração científica em redes ópticas
supervelozes, que usam recursos computacionais distribuídos. Superveloz é a
palavra-chave aqui.
O que acontece quando você amplia as coisas? Imagens do tamanho de pare-
des que têm cem vezes mais detalhes do que estamos habituados hoje; fluxo em
tempo real de imagens do fundo do oceano ou do outro lado do mundo que são
muito mais nítidas do que a projeção atual em um cinema; a capacidade de uma
equipe de pesquisa ao redor do mundo ver, discutir e manipular conjuntamente
essas imagens.
Os cientistas começam a pensar e a trabalhar de modo um pouco diferente
quando têm essas novas capacidades? E o que acontece quando essas capacida-
des se tornam disponíveis para diversas indústrias e para o público em geral? E
– a pergunta que, é claro, me interessa diretamente – como essas novas capaci- 214
dades de imagens, visualização e comunicação afetam a cultura do futuro? Quais 215
são as novas linguagens cinematográfica, gráfica e multimídia que vão aprovei-
tar a futura infra-estrutura de imagem? Em outras palavras, quando você tem
uma tela do tamanho da parede com resolução de 35.000 x 12.000 pixels, o que
você coloca nela – além de imagens supernítidas de um cérebro, um processo
geológico e outros fenômenos científicos?
Quando pensamos no impacto da tecnologia sobre a cultura, costumamos
considerar os efeitos das novas invenções tecnológicas (incluindo tecnologias
visuais). Não costumamos pensar nos efeitos da escalada de tecnologias já am-
plamente usadas. Por exemplo, gerações de historiadores da arte discutiram a
adoção de uma nova técnica de perspectiva linear a partir de um ponto durante
o Renascimento na Europa ocidental. De maneira semelhante, inúmeros livros
foram escritos sobre as invenções da fotografia no século XIX e como ela afetou
as artes, a cultura, a guerra, etc. Para tomar um exemplo mais recente, é óbvio
que toda uma série de novas técnicas de imagens médicas digitais se desen-
volveu nas últimas duas décadas, além da já secular técnica de raios X – CAT,
MRI, CT, PET e outras – tiveram um impacto fundamental na prática da medicina.
FILE TEORIA DIGITAL

De modo semelhante, a introdução de navegadores gráficos por volta de 1993

foi o que permitiu que a World Wide Web – que já existia havia alguns anos –
realmente decolasse.
Mas o que dizer sobre o impacto da escalada das tecnologias de mídia exis-
tentes – por exemplo, redes mais velozes ou imagens de computador com reso-
lução superior? É difícil pensar nisso – mas se formos à fonte do pensamento
contemporâneo sobre mídia visual – o livro de Marshall McLuhan Understanding
Media, de 1964 – descobriremos que a ideia de escala é central para o pensa-
mento de McLuhan. Ele escreve: “Pois a ‘mensagem’ de qualquer meio ou tecno-
logia é a mudança de escala ou ritmo ou padrão que ela introduz nos assuntos
humanos. A ferrovia não introduz o movimento ou o transporte ou a roda ou
a estrada na sociedade humana, mas acelerou e ampliou a escala das funções
humanas anteriores, criando novas cidades de um tipo totalmente diferente,
novos tipos de trabalho e de lazer. Isso aconteceu em qualquer ambiente onde a
ferrovia funcionou, setentrional ou tropical, e é independente da carga ou con-
teúdo do meio ferrovia.”
Como vemos, para McLuhan as novas tecnologias de mídia aceleram, ex-
pandem ou potencializam as tecnologias existentes, o que leva a mudanças
qualitativas na sociedade e na cultura. Mas essas ideias não foram adotadas
por autores subsequentes, possivelmente porque o sumário de Understanding
Media pareça um catálogo de novas invenções de comunicação, com capítulos
intitulados “imprensa”, “telégrafo”, “telefone”, “automóvel”, “televisão”, etc. –
sem mencionar propriamente a ideia de escala.

Projeção 4K

Em 26 de setembro de 2005, eu fui até o novíssimo prédio da Calit2, onde o iGrid

estava prestes a começar. Oficialmente, o edifício seria inaugurado somente dali
a um mês, por isso me surpreendeu ver operários dentro e fora dele, dando os
últimos retoques. Entrei no auditório principal para a cerimônia de inauguração.
Ela se concentrava em um evento chamado “Streaming Internacional em Tem-
po Real de Cinema Digital 4K”. A mestre de cerimônias, Laurin Herr, nos falou
sobre os fatos que estávamos prestes a presenciar: “Conteúdo em 4K ao vivo e
pré- -gravado, com quatro vezes a resolução da HDTV, é comprimido usando JPEG
2000 a 200-400Mb e transmitido em tempo real em redes IP de 1Grã-Bretanha,
da Universidade Keio em Tóquio para a iGrid 2005 em San Diego”. Em termos lei-
gos: vídeo digital – animações de computador, visualizações dinâmicas geradas
EFEITOS DE ESCALA

em tempo real, filme escaneado digitalmente assim como teleconferência em

tempo real – tudo com a resolução de 4000 x 2000 pixels sendo transmitido de
Tóquio para San Diego, onde é projetado com um projetor de 4000 linhas. A tela
fica verde por alguns segundos enquanto a conexão está sendo feita.
Me pergunto o que vou ver ali – penso em uma experiência normal de vídeo
na internet hoje – taxa de quadros inconstante, artefatos de compressão, falta
de sincronização imagem-som – em suma, imagens que parecem estar sendo
sopradas por um vento que muda de força periodicamente.
Mas o que eu vejo não tem nada a ver visualmente com o que eu normalmente
experimento como “streaming video”. Na verdade, essas imagens em movimento
são diferentes de tudo o que eu já vi. Esqueça os artefatos habituais do strea-
ming – tudo é perfeito. As imagens contêm muito mais detalhes do que se pode
ver com a visão natural ou captar com uma câmera de cinema. Tudo está em foco;
o nível de detalhe e nitidez pode ser comparado com a fotografia em grande for-
mato de alta qualidade. Mas essa não é uma impressão de um negativo colorido
de 4x5 usando uma longa exposição. O que eu vejo, junto com a platéia atônita,
está sendo captado em tempo real por uma câmera de vídeo digital em Tóquio,
comprimido, enviado para o outro lado do oceano, descomprimido e projetado
em um telão em San Diego. Os apresentadores em Tóquio que vemos em nossa
tela em San Diego brincam com os apresentadores em nosso auditório, enquanto
meus olhos famintos tentam absorver todos os incríveis detalhes contidos nas 216
imagens na tela do tamanho de uma grande de cinema – os títulos dos livros na 217
prateleira; as sombras nos rostos; os efeitos de luz nas paredes e no chão.
Sinto que esse novo nível de resolução realmente muda as coisas: as pesso-
as do outro lado do mundo estão muito presentes em nosso espaço; e isso cria
para mim um novo nível de atenção e foco. Sinto que, na verdade, elas estão
ainda mais presentes que o público no auditório onde estou sentado, pois eu
as vejo grandes e com detalhes incríveis. De fato, normalmente só esperamos
ver esse nível de detalhe quando olhamos para objetos muito próximos de nós,
enquanto os objetos mais distantes parecem menos nítidos e com menos deta-
lhe. Portanto, a teleconferência 4K engana nossos cérebros, enviando sinais que
dizem ao cérebro que os objetos na tela estão fisicamente mais próximos do que
as pessoas e os objetos fisicamente presentes.
Nos dias seguintes, eu vejo muitos aplicativos de imagem, visualização, cola-
boração e telepresença que usam a infra-estrutura do iGrid. Todos eles parecem
milagres – mas estão aqui hoje. Em um deles, um cientista em San Diego usa um
laptop para controlar um programa que roda em um computador em outra parte
do mundo; a visualização computada é enviada de volta para uma tela aqui na
FILE TEORIA DIGITAL

sala de conferência, e como não há decalagem visível um cientista pode interagir

com a visualização como se estivesse rodando no mesmo laptop com o qual ele
controla o programa. A vantagem é que não é preciso ter os poderosos recursos
computacionais necessários para criar visualizações de grande detalhe – pode-
se usar programas, espaço no servidor e outros recursos localizados à distância
como se estivessem rodando localmente. Em outras palavras, os dados podem
ser transferidos quase instantaneamente usando a rede óptica dedicada na qual
é possível reservar determinados caminhos de luz. Portanto, torna-se eficiente
distribuir as funções de um único computador por toda a rede. A interface pode
estar localizada em um nódulo, a computação pode ocorrer em outro (ou vários),
a armazenagem é em outro lugar e assim por diante. Podem-se usar recursos em
uma rede como se fosse um único computador virtual. Como disse Larry Smarr
durante a abertura da conferência, com computação em Grid o mundo se reduz a
um único ponto – é como se todos os recursos de informática conectados à grade
óptica estivessem na mesma sala.
As duas demos que me causaram maior impressão foram apresentadas na
tela EVL LambdaVision. A tela consiste em 55 telas de LCD juntas (11 horizontais
e 5 verticais), resultando em uma resolução total de 17.600 x 6.000 pixels (ao
todo 105.600.000 pixels, ou aproximadamente 100 Megapixels). Durante a iGrid,
o Centro SARA de Computação e Trabalho em Rede da Holanda estabeleceu um
recorde mundial de “uso de largura de banda por uma única aplicação mostrando
conteúdo científico”, quando estava transmitindo visualizações de vários gran-
des objetos científicos de Amsterdã para a tela LambdaVision em San Diego a
uma taxa sustentada de 18 Gigabits por segundo (Gbps).
Embora fosse incrível perceber que as imagens em ultra-alta resolução vi-
nham em tempo real de Amsterdã naquela velocidade – e pensar em como essa
capacidade poderia ser usada por uma equipe científica distribuída ou qualquer
grupo de trabalho distribuído –, fiquei mais impressionado pela capacidade de
interagir com essas imagens superdetalhadas na tela do tamanho da parede.
Uma imagem era uma visão panorâmica de Delft. A resolução da imagem era de
78.797 x 31.565 pixels. Sim, isso mesmo, o que dá 2,48 Gigapixels. O tamanho do
dado que forma a imagem: 7,12 Grã-Bretanha. Como me explicou Bram Stolk, do
SARA, as diversas fotos que formam essa imagem monstro foram captadas por
uma câmera montada em um braço robótico. Depois, o computador que controla
a câmera automaticamente “costura” as fotos em uma única imagem.
Outra imagem apresentada pelo SARA na tela EVL LambdaVision foi a visu-
alização de uma estrutura cerebral, também construída de diversas imagens.
Enquanto navegávamos pela imagem, Bram nos explicou que, na opinião dele,
EFEITOS DE ESCALA

uma vantagem importante de usar telas do tamanho de paredes é que você

pode dar zoom (aproximar a visão) de detalhes enquanto mantém a sensação
do todo. Em outras palavras, quando você continua vendo a imagem inteira en-
quanto examina os detalhes tem a sensação do contexto em que cada detalhe
se encaixa. Em comparação, quando você dá zoom na mesma imagem em uma
única LCD usada comumente hoje, seja de 17 ou 23 polegadas, essa sensação de
contexto desaparece.
A demonstração do SARA me mostrou uma consequência de se escalar as tec-
nologias de imagem existentes – neste caso, ampliar o tamanho de uma imagem
e o tamanho da tela. A mesma imagem de alta eso apresentada em uma tela do
tamanho da parede funciona de maneira diferente. A informação factual nela não
muda, mas agora a experimentamos e compreendemos de maneira diferente. Ela
se torna praticamente uma imagem diferente, contendo um novo conhecimento.
É claro que as grandes superfícies de exibição não foram inventadas hoje. Há
muitos séculos as pessoas contavam com mapas do tamanho de paredes ou de
mesas quando planejavam uma batalha, projetavam uma cidade ou realizavam
qualquer tarefa que exigisse concentrar-se m detalhes minuciosos e ao mesmo
tempo manter a ideia da imagem inteira. Mas com uma infra-estrutura em Grid
pode-se pedir que imagens daquele tamanho sejam instantaneamente enviadas
ao outro lado do mundo de qualquer lugar que tenha os recursos de informática
necessários. E, é claro, como são imagens digitais podem ser processadas, ana- 218
lisadas, realçadas, colorizadas, etc., permitindo que transmitam novas informa-
219
ções e conhecimento.

Irmãos Lumière e pintura holandesa

Na conclusão da sessão do iGrid, tivemos mais sessões de telepresença, visua-

lizações científicas, animações de computador e um filme curto – tudo criado em
4K e streaming em tempo real de Tóquio. Eu pensei em outra famosa demonstra-
ção que ocorreu 110 anos atrás em um café em Paris. Naquela “demo”, os irmãos
Lumière projetaram seus filmes curtos, incluindo um que mostrava a chegada de
um trem que parecia tão real que fez o público sair correndo do café.
As reportagens na mídia durante os primeiros anos do cinema na década
de 1890 salientaram o milagre de fazer imagens se moverem – folhas, água,
pessoas em uma rua de repente ganhavam vida. O primeiro nome do cinema –
“moving pictures”, ou imagens em movimento – enfatizava do mesmo modo a
principal qualidade dessa nova mídia. No iGrid, também ficamos fascinados pelo
FILE TEORIA DIGITAL

movimento – mas em nosso caso era o movimento da informação por fibra óptica
através do oceano. Mas também tive a sensação de que estávamos revisitando
a apresentação dos Lumière feita 110 anos antes de uma maneira mais direta.
Pela primeira vez vimos imagens panorâmicas altamente detalhadas e nítidas –
até hoje só encontradas em fotografias estáticas – de repente ganharem vida.
Experimentamos o Moving Pictures v2.0.
Assistir ao filme curto de um diretor japonês que começa a explorar as pos-
sibilidades estéticas do vídeo digital 4K em relação à iluminação, composição
e narrativa, eu me perguntei se as imagens límpidas, superclaras e poéticas do
vídeo digital 4K podem se relacionar a qualquer tradição visual do passado. Sur-
preendentemente, se o vídeo normal achata o mundo, tornando-o prosaico e até
banal, o vídeo digital 4K cria o efeito contrário: até os objetos mais prosaicos
e entediantes, superfícies planas, adquirem uma qualidade preciosa quando a
luz captada e refletida por suas microtexturas se torna visível. O efeito é como
ver o mundo pela primeira vez, depois que ele foi lavado pela chuva. A compara-
ção que me vem à mente é com as pinturas holandesas do século XVII: retratos,
naturezas-mortas e interiores. Como analisou a historiadora da arte Svetlana
Alpers em seu influente livro The Art of Describing (A arte de descrever), em
comparação com os pintores renascentistas italianos que recriaram em seus
quadros a suave luz italiana que esconde os detalhes e atenua as formas, seus
colegas holandeses se deliciaram em apresentar todos os detalhes e reproduzir
cuidadosamente as diferentes superfícies, texturas e efeitos de luz. Nas mãos
certas, o vídeo digital 4K parece capaz de criar uma representação semelhante
do mundo. Ele alcança o efeito poético não por esconder os detalhes na sombra
ou na neblina, mas sim por mostrá-los todos – e deixar que nossos olhos se
deliciem ao comparar os diferentes padrões e texturas.
Temo que os mais de 400 cientistas que participaram da conferência iGrid
e os criadores do Grid fiquem descontentes comigo. Eles podem pensar: por
que ele fala tanto sobre a qualidade visual das imagens que viu, e não do que
são provavelmente os usos mais importantes da computação em Grid do pon-
to de vista do trabalho científico coitidiano – análise colaborativa de dados de
objetos muito grandes; controle interativo de simulações de supercomputado-
res remotos; visualização de grandes conjuntos de dados distribuídos; e assim
por diante.
No entanto, quando a infra-estrutura do Grid se tornar disponível para as
indústrias de arte e entretenimento, as novas qualidades visuais de imagens
supergrandes, juntamente com grandes telas do tamanho de paredes e a capa-
cidade de receber essas imagens instantaneamente de lugares distantes, terão
EFEITOS DE ESCALA

um impacto em nosso modo de ver o mundo e as histórias que contamos sobre

ele. Em suma, a escala – neste caso escalar a resolução, o tamanho e a conecti-
vidade – terá todo tipo de consequências para a cultura do futuro, a maioria dos
quais ainda não podemos imaginar.

Sobre o Autor
Lev Manovich é autor de Soft Cinema: Navigating the Database (The MIT Press, 2005), Black Box
– White Cube (Merve Verlag Berlin, 2005) e The Language of New Media (The MIT Press, 2001).
Manovich é professor no Departamento de Artes Visuais da Universidade da Califórnia em San
Diego, diretor da Software Studies Initiative no California Institute for Telecommunications and
Information Technology (Calit2) e pesquisador convidado no Goldsmith College (Londres) e no
College of Fine Arts, Universidade de Nova Gales do Sul (Sydney).

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2008.

220
221
Oito milhões
de pixels
em imagens
de quatro
quilates: 4K
Jane de Almeida
teoria

digital

percepção

movimento

imagem

definição
FILE TEORIA DIGITAL

Quando uma tecnologia nova é produzida, é preciso muito cuidado e carinho para
apresentá-la. No princípio do cinema, os irmãos Lumière acabaram por decretar
sua morte no próprio nascimento, afirmando que o cinema seria uma invenção
sem futuro. No entanto, as primeiras imagens foram cuidadosamente enqua-
dradas, usando telas do impressionismo como referência. Logo que pensou em
encenar esquetes, a família Lumière convocou seus empregados para se juntar
a eles e representar um Cézanne, Os Jogadores de Cartas (Les joueurs de carte)
documentado em movimento. A Chegada de um Trem à Gare (L’arrivée d’un train
en gare de La Ciotat) é famosa pela lenda de ter causado pânico nas pessoas, que
teriam se assustado com a real possibilidade da chegada de um trem. Mesmo
que não tenha acontecido dessa forma, a platéia realmente ficou deslumbrada e
os irmãos Lumière sabiam que teriam sucesso com o efeito de colocar a câmera
bem perto da plataforma, esperando a chegada do trem. Além de filmes caseiros
e comédias, exploraram vivamente figuras em movimento, como o muro caindo
e sendo “reconstruído” em efeito reverso – Démolition d’un Mur – ou A Fumaça
dos Ferreiros em Le Forgeron.
Cento e dez anos depois, a tecnologia digital sonha mais uma vez em subs-
tituir o cinema, agora com a potência de uma projeção com a resolução de mais
de 8 milhões de pixels por quadro. Recentemente, a resolução 4k foi estabele-
cida como a imagem padrão do cinema digital recomendada pela DCI (Digital
Cinema Initiatives), uma associação dos sete maiores estúdios de Hollywood. 4k
refere-se ao número de pixels horizontais, 4.096 (multiplicados por 2.160 pixels
verticais, gerando 8.847.360 pixels). Trata-se de uma imagem quatro vezes mais
definida que a HD e 24 vezes mais definida que a da televisão tradicional.
Mas que cenas, que enquadramentos, que tipo de imagem inaugura esse ci-
nema? A princípio, uma imagem incrivelmente nítida, com cores e detalhes ví-
vidos, brilhos intensos e impressionante transparência. Uma imagem em que
se veem detalhes do fundo com a nitidez de um plano próximo. Esse efeito de
trompe-l’oeil dos Lumière – ou de Masaccio na sua tela Santíssima Trindade em
Santa Maria Novella, que produzia um efeito de gruta com uma tela bidimensio-
nal em 1427 – também pode ser visto na produção holandesa da ópera Era La
Notte, transmitida ao vivo de Amsterdã para San Diego em 2007. Para ampliar
seu efeito de realidade, a ópera foi parcialmente filmada com uma fileira de ca-
deiras enquadrada na parte inferior da tela, aumentando a impressão de que a
ópera acontecia ali, a algumas fileiras de onde estamos sentados.
OITO MILHÕES DE PIXELS EM IMAGENS DE QUATRO QUILATES: 4K

Veronese versus Leonardo

A imagem tecnicamente considerada “mais definida” é, de um ponto de vista

ontológico ou ideológico, uma nova imagem. Lev Manovich em seu artigo Scale
Effects, publicado neste catálogo, recorda os pintores holandeses do século XVII,
certamente por causa dos detalhes chocantes e transparências dos vidros das
naturezas-mortas, em contraste com os italianos. Uma relação de ordem distinta
me veio à mente durante minha primeira experiência diante dos filmes escanea-
dos ou filmados e projetados em 4K: a sala do Louvre em que vemos a Monalisa,
minúscula, cercada por uma multidão de turistas e, exatamente em frente, a tela
gigante de Paolo Veronese, As Bodas de Canaã, medindo 70 metros quadrados.
Por que o mais famoso Leonardo, senão a mais famosa pintura da história
da arte dos nossos tempos, foi recentemente colocada em contraste com uma
pintura supercolorida, dramática, considerada pejorativamente “decorativa” e
de apelo populista como a de Veronese (que acho absolutamente fascinante!)?
Trata-se de uma provocação? Antes de tudo, claramente não se trata de uma
organização por contemporaneidade, quando um pintor, apesar de ter vivido no
mesmo tempo que outro, pintou de forma diferente. Leonardo morreu aos 67
anos, dez anos antes de Veronese nascer, e o Louvre tem obras demais para pre-
cisar recorrer a esse tipo de relação. Não se trata também de uma organização
por movimento artístico, pois Veronese é um pintor veneziano que às vezes é
considerado maneirista, enquanto Leonardo é de tradição florentina, o supra-
sumo do Renascimento. Se fosse para estabelecer uma relação de mesma ordem,
Ticiano é que seria o nome de equivalente grandeza. 224
Os pintores venezianos estavam interessados na relação entre luz e cor, 225
usando o pincel de forma especial para obter uma textura macia e aveludada.
Veneza era uma cidade de influência oriental, luxuosa e suntuosa. A pintura a
óleo foi intensamente difundida na região, pois o óleo preservava e garantia a
qualidade da imagem em um ambiente úmido que destruía com rapidez os afres-
cos. O brilho do óleo reflete o brilho das águas. Trata-se de uma cidade de con-
vivência com o duplo, de reflexos contínuos, dos brilhos e transparências dos
vidros da pequena Murano. Esse foi o universo explorado por Paolo Veronese,
bem distante do mistério transcendente do esfumado de Leonardo.
Que sentido teria esse contraste? A tela grande, suntuosa, dividindo o am-
biente com a pequena e misteriosa Monalisa? Existem evidentemente outras
telas nas paredes adjacentes, mas o contraste entre essa oposição é bem mar-
cante, principalmente se a entrada na sala é marcada pela multidão com fla-
shes anunciando a superstar. Resta-nos enfrentar a multidão e furar a barreira
até Monalisa ou retirarmo-nos andando para trás, pé ante pé, sem perceber o
que se passa às nossas costas. Até que, ao virarmos, somos assombrados pela
FILE TEORIA DIGITAL

imensidão colorida de Veronese. Seria uma expressão de uma paixão pelo te-
souro veneziano colocado em posição de merecer a fama de Monalisa? Ou, pelo
contrário, uma espécie de apelo hegeliano, tentando evidenciar que os esforços
dos recursos do gigantesco e do brilhante não valem o milagre da pequena e
pouco translúcida Monalisa? De acordo com o provérbio, nem tudo o que brilha é
ouro – o velho ditado sobre as aparências e as essências.
Contudo, o fato de provocar justamente esse contraste resulta em um efeito
de dobra, em uma ambiguidade da imagem. De um lado, a bela imagem que ape-
sar de sedutora e gigante é relativamente pouco conhecida, inclusive desprezada
como uma imagem “menor”. Do outro lado, a imagem pequena, quase monocolor,
que necessita de tempo e conhecimento para sua completa fruição, é uma das
imagens mais conhecidas do mundo, tratada como celebridade. Como negociar
mentalmente com as duas imagens, aceitando a magnitude de cada uma delas?

Brilhos e transparências

A apresentação dos filmes em 4k começa com uma demonstração da diferença

de imagem do nosso DVD e de uma imagem escaneada do filme Baraka, dirigido
por Ron Fricke em 1992 e filmado em 70 mm. Fica evidente que essa imagem foi
intencionalmente escolhida pela intensidade das cores e brilhos orientais, pro-
fundamente sedutores. Podemos verificar as texturas e minúcias dos objetos,
perceber os contornos dos rostos na multidão de veste branca.
Claro que a comparação proposta é contestável, pois só poderíamos verificar
as diferenças e semelhanças se nos fossem apresentadas a imagem em 70mm e
a imagem 4k. Mesmo sem poder medir a qualidade de cada uma delas lado a lado,
já é sabido que o 4k elimina a granulação do cinema, produzindo outra imagem,
que poderá ser a imagem das narrativas de um futuro bem próximo. Apesar do
preço da produção e projeção, as companhias apostam na tecnologia já experi-
mentando transmissão em tempo real sem perda de qualidade.
Parece que o 4k nasce com uma vocação para a transparência e o brilho. Se
por um lado o deslumbre dos cristais e dourados nos impressiona, por outro
a imagem humana – aquela que tem sido a imagem mais carente e potente de
reprodução – também brilha. O rosto humano que foi a paixão do cinema, princi-
palmente em preto-e-branco, causa-nos pavor não mais pelo terror inscrito em
suas feições, mas pela abertura dos poros da pele, pelo suor cintilante ou pela
textura impermeável das bochechas das mocinhas, que deveriam ser engraçadi-
nhas porque imitam o patético, mas são patéticas tentando ser engraçadinhas
imitando o patético.
OITO MILHÕES DE PIXELS EM IMAGENS DE QUATRO QUILATES: 4K

Podemos verificar as
texturas e minúcias dos
objetos, perceber os
contornos dos rostos na
multidão de veste branca.

226
227
FILE TEORIA DIGITAL

Esse é o exemplo de um filme seriamente sarcástico, filmado para a propaganda

da empresa de câmeras e material de cinema chamada Red. As câmeras Red es-
tão sendo desenvolvidas nos Estados Unidos – as outras são a canadense Dalsa
e a japonesa Olympus, grandes e pesadas demais – ao redor de polêmica e sedu-
ção típica de tecno-aficcionados. Ouvem-se comentários de vários lados, a favor
e contra, aumentando o mistério e a excitação com a tecnologia e evidenciando
a monumental e vigorosa ignorância diante daquilo que está sendo construído.
Comenta-se que houve um lançamento das câmeras 4k, mas que ninguém teve
real acesso a elas. No site da Red, estão anunciadas as câmeras – inclusive uma
ainda mais potente, 5k – com um conjunto de acessórios que custa em torno de
30 mil dólares e exige um depósito de adiantamento, fora o SCRATCH, que custa
por volta de 32 mil dólares. Com o SCRATCH, um software/ hardware, é possível
decodificar os arquivos filmados e exportá-los para DI (ou Avid) em formato .dpx
para edição.
Existem outras opções que variam de acordo com o bolso e a velocida-
de com que se pretende produzir. Ouvi o seguinte comentário de um cineasta
experimentado, importante diretor de um cinema de vanguarda sem ser anti--
-hollywoodiano: o problema é como editar em 4k. Ainda é muito difícil, caro e
sem frutos significativos. Segundo ele, na realidade, o que as pessoas fazem é
editar em 2k e mais tarde escanear para 4k ou copiar em 35 mm para ganhar em
qualidade. Então para que filmar em 4k se a imagem inicial não será usada? Dois
filmes de Steven Soderbergh, The Informant e Guerrilla, estão sendo anunciados
como tendo sido parcialmente filmados em 4k.
No último encontro dos comitês de tecnologia da ASC (American Society of
Cinematographers) que aconteceu no início de maio de 2008 em Los Angeles,
chegou-se à conclusão de que a câmera Red não é exatamente 4k, pois seu sen-
sor responde com certa deficiência. Para alguns técnicos a ideia é que, se essa
câmera é 4k, o projetor das imagens 4k é logicamente 12k. Por outro lado, essa
é uma associação de engenheiros e técnicos da indústria tradicional de câmeras
que quer proteger seu mercado, sua invenção e o caríssimo investimento para
concorrer com uma novata como a Red.
OITO MILHÕES DE PIXELS EM IMAGENS DE QUATRO QUILATES: 4K

Primeiros filmes

Como no início do cinema, os filmes são curtíssimos, de no máximo 6, 7 minutos, 1. No conhecido

geralmente com apenas um enquadramento, mostrando performances musicais, ensaio A Obra de
Arte na Era de Sua
pontos de vista turísticos e pequenos esquetes ainda sem títulos ou créditos. Reprodutibilidade
São mais experimentos tecnológicos do que invenções narrativas. E, diferen- Técnica, Walter
temente do primeiro cinema, há os filmes gerados pela própria máquina, sem Benjamin associa
o “inconsciente
referência externa, computadorizando imagens. Dos exemplos mais recentes, ótico” ao livro
temos experimentos com a estética de games ou experimentos com o balanço Psicopatologia da
espacial das visualizações científicas que temporalizam as dimensões internas Vida Quotidiana,
escrito por Freud
e externas de micro e macro objetos. em 1901, um ano
No primeiro caso a imagem não é o mais importante, pois o que se busca é depois do seu mais
a interação entre a máquina e o jogador no sentido do toque participativo, do conhecido livro, A
Interpretação dos
gesto do jogo. Porém, Scalable City é uma experiência de game que inclui proje- Sonhos. Em cada um
ção em 4k e que nos remete a uma espécie de desconstrução temporalizada em deles Freud descreve
movimento de um tipo de arquitetura como a de Frank Gehry. Scalable City, de o inconsciente
manifestando-se de
Sheldon Brown, nos oferece em movimento, em tela bidimensional, a dimensão formas distintas.
grandiosa de uma experiência arquitetônica. No segundo caso, pode-se prever o Em Psicopatologia,
uso didático e impactante de galáxias distantes em planetários e visualizadores Freud se interessa
pelos atos falhos e
de imagens imaginárias. Talvez essa projeção seja mesmo apropriada para um os lapsos de memória
tipo de brilho futurista, de sonhos científicos dos lugares distantes do olho hu- do dia-a-dia; já
mano. Um tipo de inconsciente ótico que, no lugar de ver as miniaturas e espaços na Interpretação,
são os truques dos
conhecidos e não-vistos, veria a alucinação. No lugar da relação que Benjamin nossos sonhos que se
faz com um inconsciente da psicopatologia da vida cotidiana, uma relação com o revelam no sono que
228
inconsciente da interpretação dos sonhos.1 lhe interessam. Em
Sobre Arte, Técnica, 229
A propósito, no caso dos microobjetos, é sempre irônico pensar nos mode- Linguagem e Política.
los de visualizações tentando alcançar o padrão da realidade, ou aquilo que se Lisboa, Relógio
entende por realidade. Esse inconsciente ótico que Benjamin vê no cinema e na d’Água, 1992.

fotografia, que revela realidades antes inacessíveis, se expande em máquinas 2. O sociólogo

que penetram o corpo humano, construindo um imaginário corporal de ultra- Benedict Anderson,
sons que descrevem os interiores de espaços íntimos em nome da ciência e de intelectual do pós-
-colonialismo, conta
uma realidade que se torna indiscutível. Ninguém parece se lembrar de que toda em The Spectre of
imagem requer interpretação. Mesmo imagens que descrevem cientificamente o Comparisons que
nosso corpo são imagens mediadas pelas ideias que as envolvem. Seria bem in- tentava aprender
espanhol com a
teressante poder ver nossos predecessores rindo da nossa crença nas imagens novela do escritor
que temos hoje de nós mesmos. No lugar de um Adão gigante de Michelangelo, filipino José Rizal
ultra-sons dos nossos órgãos internos. Noli me Tangere (Não
me toques), quando
Nessa mesma linha é que as visualizações do corpo humano, das nossas mo- se deparou com um
léculas, das nossas células, são realizadas com os programas de computador fenômeno descrito
tridimensionais. Tentar visualizar a célula entrando dentro dela pode resultar
 FILE TEORIA DIGITAL

pelo autor chamado em uma imitação infantil, ávida de realismo emocional, resultando em um efeito
de “demônio das demoníaco que persegue as imagens geradas pelos computadores: a compara-
comparações”. Rizal
descreve sua volta ção com a realidade.
para Manila depois Assim como a metáfora usada por Benedict Anderson, “o demônio das
de longo tempo na comparações” 2 – para falar de um contexto cultural em que as colônias estariam
Europa e observa que,
ao olhar os jardins de sempre fadadas a ser comparadas às metrópoles –, esta tentativa desesperada
sua terra natal, eles de reproduzir continuamente a realidade é também a queda sem anteparo para
são “maquinalmente” o kitsch. Muito já foi feito em termos de imaginação com o kitsch, que não é mais
obscurecidos, de
forma assombrosa um elemento ingênuo de categoria inferior. Porém, a perda da ingenuidade torna
e inescapável, pelas o produto ainda mais ideologicamente comprometido com a demanda imediata
imagens dos jardins de satisfação, sem reflexão sobre a imagem projetada e o meio que a projeta.
da Europa, não
permitindo nunca Quanto mais próxima do real, maior a queda na imagem facilmente forjada
mais a proximidade que ambiciona inutilmente ser a realidade. E, com uma definição como a do 4K,
de um olhar tornam-se imagens escorregadias que não cabem nos nossos olhos, vazam para
ingênuo. Tomado
pelo “demônio das a boca, para o nariz, se esparramam em nossas faces. Esse, aliás, tem sido um
comparações”, ponto escuso das altas e altíssimas definições: se o fundo é tão definido quanto
ele sempre verá a figura, o que se pode ver? Como trabalhar com o foco com uma projeção em
esses jardins de
perto e de longe que os elementos estão em sua maioria em foco? Que espécie de método se deve
simultaneamente, empregar para obter que tipo de imagem?
como em um Evidentemente, esse sentimento irônico tem a ver com a realidade ainda
telescópio invertido,
e esse espectro desconhecida da nova imagem. Trata-se de uma tentativa de lidar com a insta-
acompanhará todo bilidade da nova tecnologia. Por exemplo, se a imagem que construímos de nós
o movimento das se refere à experiência que temos da nossa realidade, que tipo de seres somos
colônias em relação
às metrópoles. nós na atualidade?
Em The Spectre Após a sessão de filmes, três agentes imobiliários foram à nossa casa foto-
of Comparisons: grafar o apartamento que alugamos para colocá-lo à venda – dois homens e uma
Nationalism,
Southeast Asia and mulher, loiros californianos, sapatos de verniz, com suas peles queimadas de um
the World. bronze brilhante. Sempre pensei nas lentes azuis dos filmes hollywoodianos dos
Londres/ Nova York, anos 80 como uma artificialidade, até conhecer o céu azul do pôr-do-sol de Los
Verso, 1998.
Angeles. Aquelas peles de plástico já estão preparadas para a projeção 4k. Assim
como os pisos de granito dos shopping centers, os lustres de cristal dos lobbies
dos hotéis, os prédios esculpidos em vidro das grandes cidades. Nossa imagem,
juntamente com o reflexo dela em nós, se prepara para ser triplicada. Também os
apelos baratos. Também mistério, imagens complexas e surpreendentes.
OITO MILHÕES DE PIXELS EM IMAGENS DE QUATRO QUILATES: 4K

Sobre a Autora
Jane de Almeida é pesquisadora de cinema e arte contemporânea, curadora de mostras de filmes
e arte visuais. Publicou Alexander Kluge: O Quinto Ato (Cosac & Naify, 2007), Grupo Dziga Vertov
(Witz /CCBB, 2005), entre outros. É Professora do programa de Mestrado e Doutorado EAHC
na Universidade Mackenzie. Foi Visiting Fellow da Harvard University (2005) e Professora do
departamento de Artes Visuais da Universidade da Califórnia de San Diego (2008).

Texto publicado pelo File em 2008.

230
231
Why Fi?
Fidelidade
4K na cidade
escalonável
Sheldon Brown
teoria

digital

real

instalação

possibilidade

visual
FILE TEORIA DIGITAL

The Scalable City (A cidade escalonável) é um conjunto de projetos que funcionam

em quatro sistemas mediadores de representação. Nenhum desses sistemas é o
“lar” isolado e canônico do trabalho, mas cada um deles põe em jogo métodos de
visualização que são tradicionalmente associados a outras formas. As diferen-
tes ontologias desta obra são em parte provocadas por avanços tecno-culturais
em uma ponta do eixo (que poderíamos chamar de gamic), que sugerem novas
maneiras de receber as formas na outra extremidade do eixo de sistemas me-
diadores. Ao longo desse eixo, o projeto se move de games para machinima, para
animações, para filmes, para impressões e para esculturas. A operação proposi-
tal do projeto ao longo de todos esses modos destina-se a envolver estratégias
epistêmicas bidirecionais. Trazer o cinemático, o espacial e o pictórico à mesa
para compreender as formas de jogos, e levar o novo espectador que o gamic
constrói de volta aos campos de experiência de outras mediações.
Uma maneira como isso ocorre especialmente é em relação à ideia de “fide-
lidade”. O modo cinemático do projeto aborda a questão de “fidelidade” como
uma questão de resolução e escala visual no formato 4K: isto é, uma imagem
em movimento na escala padrão mais recente de filme digital, de 4000 x 2000
pixels. A resolução espacial dessa forma dá ao cinemático uma incrível falta
de defeitos de exibição pictórica. Isso permite que a obra amplie taticamente a
revelação de seus processos constituintes para fins estéticos, assim como re-
tóricos. O formato de cinema 4K é mais um momento na atual negociação entre
os reinos do fictício e do real, em que sua aparente falta de defeito pictórico
remove mais um véu de mediação. No entanto, ele opera em uma cultura que tem
uma história bem desenvolvida de percepção cinematográfica. Esse trabalho re-
conhece que há uma transformação suficiente da imagem nessa configuração
que faz o espectador renegociar sua própria posição de espectador, recalibrar
a posição cinemática. Isto ativa o espectador de muitas maneiras semelhantes
às das estratégias de instalação e impressão do jogo – torná-los conscientes de
seus próprios papéis como espectadores na obra como ponte para a consciência
de seu papel como atores nos processos socioculturais que a obra invoca.
Desde o desenvolvimento da perspectiva na pintura, o desenvolvimento de
novas formas de mídia visual dificultou as distinções entre o representado e o
representacional. Os momentos em que essas novas formas emergem no cenário
cultural provocam expectativa, imaginação e ansiedade. The Scalable City ne-
gocia com esses momentos entre imagem digital, realidade virtual (RV) e jogos
de computador. A peça de cinema em 4K, especialmente, invoca visceralmente o
dilema cinematográfico de uma maneira que tem sido abordada principalmente
atrás da tela. No cinema, a renegociação do fictício e do real foi avassaladora
WHY FI? FIDELIDADE 4K NA CIDADE ESCALONÁVEL

nos efeitos de pós-produção que utilizam técnicas de computação gráfica para

criar reinos mais fantásticos conduzidos por uma estética do inconsútil, dentro
de um tempo lógico e uma estrutura espacial tirados da experiência contempo-
rânea. Agora o próprio plano da imagem na tela torna-se um lugar para essa
transformação com a extraordinária resolução da imagem em 4K. A eliminação
dos aparentes defeitos do meio remove muitos sinais pelos quais demarcamos
o mítico e o real. Isso nos dá um momento cultural desestabilizador em que
mais uma vez temos de renegociar a diferenciação desses reinos – ou as inter-
relações dos dois. É essa desestabilização que fornece uma qualidade de “imer-
são” que o cinema 4K tem por enquanto. Esse caráter imersivo é um atributo que
ganhou certa importância como uma qualidade das formas de realidade virtual.
A imersão descreve uma situação em que a mediação atrai suficientemente a
atenção do espectador de modo a confundir a relação entre o mediado e o real.
No entanto, nossa capacidade de criar relações complexas com os atuais desen-
volvimentos da mediação se desenvolveu tão rapidamente quanto os próprios
avanços da mediação. A RV não se tornou uma mídia imersiva, enquanto forne-
ceu meios que cercam os usuários com ambientes de computação gráfica rea-
tivos. Videogames tecnicamente sofisticados, mas também complexos de uma
maneira gamic, são possivelmente mais imersivos do que os ambientes de RV: os
jogadores-espectadores passam até 50 ou centenas de horas jogando um jogo
de computador complexo e imergem na combinação da lógica de jogo complexa,
expressa por gráficos de computador relativamente sofisticados, mesmo que a
tela em si não preencha completamente seu campo de visão. No entanto, quando 234
as pessoas experimentam ambientes de RV e suas formas de computação gráfica 235
representadas, produzem uma fantasia especulativa sobre o que pode se tornar
a mediação. Esse momento de expectativa, ansiedade e especulação fornece um
novo olhar sobre as possibilidades de uma nova forma de mediação. Esse mo-
mento existe hoje no cinema 4K. Enquanto criamos nossas primeiras incursões
nesse território denso em pixels, nossa renegociação com o espectador nos
permite ver a tela como um novo espaço. Ao rejogar os elementos do jogo na
Cidade Escalonável nesse formato de supercinema, o maravilhamento da novi-
dade tecnológica pode ser abafado por nossa informação cinematográfica geral,
de modo que os gestos da obra de arte podem ter uma aparência que talvez não
seja tão visível em sua ação simultânea na forma de jogo.
A representação gamic depende muito de sua base tecnológica. Essa contin-
gência é mais radical do que a maioria das outras formas culturais contempo-
râneas, pois seus atributos fundamentalmente visuais são o resultado direto
de milhares de anos de engenharia humana, que são despejados todo mês no
FILE TEORIA DIGITAL

sistema hierárquico das máquinas de jogo, bibliotecas gráficas, linguagens de

programação e tecnologias de hardware de computador. Essas tecnologias se
desenvolvem rapidamente devido aos avanços internos de qualquer elemento
dessa cadeia (por exemplo, novas bibliotecas gráficas) e desenvolvimentos que
respondem a mudanças em outros níveis da hierarquia (por exemplo, mudanças
na tecnologia de CPU de um processador serial para processadores paralelos).
Consequentemente, os aspectos visuais têm-se desenvolvido rapidamente.
Na última década, os videogames passaram da utilização do espaço bidimen-
sional para a representação em perspectiva tridimensional pós-albertiana. Nos
últimos cinco anos, os games passaram de sistemas caseiros para outros de
multiusuários em rede. Nos últimos dois anos a fidelidade visual melhorou de
algo menos que qualidade de vídeo sub-NTSC para imagens em alta definição
com 1080p.
Mas com toda essa atenção para o desenvolvimento técnico da forma das
imagens em games, dá-se muito pouca atenção a uma visão crítica de como
essas formas são usadas para criar uma representação. É como se muitas das
pessoas treinadas na análise e nuances das formas ilusórias e visualmente
desafiadoras da arte contemporânea estivessem confundidas pela computação
gráfica interativa. Talvez essa confusão se baseie em não saber para onde di-
rigir a atenção crítica. A dependência tecnológica acima citada torna os gestos
nesse espaço mais sujeitos a restrições materiais do que aqueles no espaço da
pintura. No entanto, a crítica na arte visual contemporânea (pintura, escultura,
fotografia, filme e vídeo) tem sido muito capaz de engajar o discurso das con-
tingências culturais e históricas dessas formas. Os videogames não desafiaram
ou resistiram muito a esse tipo de análise, foram sobretudo ignorados por ela;
o enfoque foi dirigido principalmente a suas formas narrativas e operações so-
ciais. A popularidade dos games com atividades como atiradores em primeira
pessoa; a atribuição de características anti-sociais ao jogador de videogame; o
videogame como manifestação (ou resultado, ou expressão) do olhar masculino
– têm sido alvo de intensa crítica.
Mas é claro que isso talvez ocorra por ser o reino do popular. Os videogames
populares chafurdam nessas questões, assim como o vídeo popular (isto é, a
televisão) chafurda no banal e os filmes populares chafurdam no óbvio e des-
gastado. São os “artistas” que chamam a atenção para a complexidade dessas
formas. Mas aqui também grande parte do trabalho que envolve os jogos como
arte tende a olhar para as áreas narrativas egrégias ou os resultados sociais.
Essa tendência tem muito a ver com as maneiras como muitos artistas tentaram
trabalhar com a forma – como remodeladores pós-mercado e customizadores
WHY FI? FIDELIDADE 4K NA CIDADE ESCALONÁVEL

de jogos existentes. Foram feitos alguns jogos (como Unreal) que oferecem a
capacidade de substituir itens contidos no jogo por modificações criadas pelo
usuário (“mods”). Diversos jogos da corrente dominante foram feitos com essa
abordagem (por exemplo, Counterstrike, um mod feito pelo usuário derivado do
título comercial Half-Life), e diversos artistas também têm utilizado essa abor-
dagem. Outras reescrituras de textos de jogos adotam a abordagem oposta –
usar os itens dos jogos e passá-los para uma forma descontextualizada. Ambas
essas abordagens subvertem uma inter-relação entre o visual e o estrutural nos
jogos de computador. As estratégias de ou mapear um novo discurso na estrutu-
ra de um existente (como em mods) ou isolar componentes visuais oferecem uma
oportunidade de expor e trazer para o primeiro plano as estruturas e formas das
obras originais. No entanto, essas estratégias não oferecem uma consideração
da forma assumida em sua própria complexidade sintética.
The Scalable City se desenvolveu como um projeto com o objetivo geral e de
longo prazo de desenvolver um mundo online duradouro para multiusuários. No
início, foi concebido como um desenvolvimento que duraria vários anos. É mais
ou menos o mesmo tempo que um videogame completo leva para ser criado, e
pelos mesmos motivos: exige um período de trabalho administrado para se criar
programas com a complexidade de um videogame contemporâneo. Além disso,
o projeto The Scalable City teve muitos objetivos em seu desenvolvimento. Os
interesses atuais são os avanços tecnológicos provocados pelos interesses ar-
tísticos que motivaram o trabalho inicialmente. Isto coloca aspectos do projeto
no reino da pesquisa de ciência da computação, e na verdade o projeto obtém 236
a maior parte de seu apoio financeiro dessa atividade de pesquisa. O espaço 237
de tempo também significava que o projeto desenvolveria iterativamente suas
formas estética e conceitual, e o faria através da constante realização de formas
derivativas e incrementais de produção. Em cada etapa, a interação das percep-
ções dos usuários, as qualidades dos itens e as operações dos algoritmos foram
os pontos críticos do trabalho.
A produção material inicial do projeto foi uma série de impressões digitais.
Por meio dessas impressões, desenvolveu-se parte do vocabulário estético do
projeto, assim como se definiram papéis complexos para o espectador na obra,
pois as impressões conotam uma experiência interativa. Essa interatividade na
obra é obtida pela provocação do espectador para que mude suas estruturas
espaciais com referência à impressão. As impressões têm uma resistência com-
posicional deliberada ao plano pictórico perspectivista. Uma razão disso é que
essas impressões se originam de fotos de satélite. Essas imagens sem horizonte
e sem sujeito não são retratos nem paisagens na tradição pictórica ocidental.
FILE TEORIA DIGITAL

Não são janelas para um mundo, mas uma visão onisciente desestabilizada de
seu eixo. Esse movimento da imagem do solo sob nossos pés para o espaço
vertical da parede é uma reconstrução espacial vertiginosa para o espectador.
Esta é acompanhada de vários graus de abstração e exageros padronizados do
conteúdo da imagem. A imagem-fonte é transformada por técnicas algorítmicas
simples e aparentes, mas que rapidamente chamam a atenção para as estranhas
colisões culturais/naturais que ocorrem no original. A composição as desmoro-
na ao redor de um centro e as recorta na borda da moldura. Essa técnica envolve
o olhar, ocupando o campo visual central enquanto as bordas se afastam para
um infinito sugerido. A uma distância em que se pode abranger toda a imagem
há um nível de detalhe de repetição padronizada da comunidade. No entanto, a
comunidade é uma expressão de muitos níveis do sociocultural, e podemos ser
atraídos ainda mais para esses detalhes na imagem, onde o espectador pode
considerar a condição do indivíduo nessa organização especulativa. Esse gesto
move o espectador fisicamente para mais perto da impressão, imergindo sua vi-
são ainda mais no campo, enfatizando os gestos desestabilizadores que exigem
sua construção como um usuário mais sofisticado espacialmente. As impressões
exigem uma fidelidade em que o espectador possa ter essa multiplicidade de
relações espaciais. As impressões também sugerem uma multiplicidade de re-
sultados. Elas são apenas uma instância de um sistema algorítmico.
Esgotar as possibilidades desses primeiros algoritmos produz animações.
As impressões tornam-se momentos das animações que têm uma ressonância
particular. As animações iniciais não provocam as mesmas interações espaciais
das impressões; provocam uma percepção de tempo-movimento. As impressões
são no entanto muito mais interativas que as animações. As impressões per-
mitem que o espectador navegue a transformação da imagem através de seus
próprios movimentos corporais; as animações têm um jogo temporal deliberado,
com um script que desafia o tempo de mídia mais convencional. A mudança é
às vezes quase imperceptível e, em outras, aparentemente muito rápidas. As
imagens mudam de um grau de abstração que causaria inveja a Greenburg para
as imagens de satélite estranhamente familiares.
Depois dessas animações processuais, os algoritmos são colocados em ação
em um novo espaço simulado: o espaço do campo de jogo. No entanto, o processo
de desenvolvimento em si tem de acompanhar os interesses do trabalho, e o
meio cinemático torna-se mais viável para o desenvolvimento que o jogo intera-
tivo. São produzidos pequenos filmes que utilizam bancos de dados e algoritmos
comuns. Os filmes são renderizados offline, retirando as pressões do interativo.
A estrutura linear narra a inter-relação de dados e algoritmos, que tem simulta-
neidade no ambiente de jogo onde é desempacotado por diversas ações.
WHY FI? FIDELIDADE 4K NA CIDADE ESCALONÁVEL

Essa interatividade na obra

é obtida pela provocação do
espectador para que mude
suas estruturas espaciais
com referência à impressão.

238
239
FILE TEORIA DIGITAL

Em breve as computações são otimizadas e o ambiente em tempo real é criado.

Esse ambiente em tempo real é instalado em museus (com diversas abordagens
conforme as características locais). A forma instalação usa o espectador como
um ator, primeiro no espaço arquitetônico do local físico, depois como partici-
pante/performer no ambiente gráfico interativo. A apresentação é feita com alto
grau de espetáculo visual – projeções múltiplas, às vezes com estereografia, e
uma única interface de usuário. A forma é uma mistura de instalação de mídia e
ambiente de jogo de realidade virtual. Seus aspectos lúdicos provocam a intera-
ção com o usuário, mas alguns resultados esperados dos envolvimentos do jogo
não fazem parte da obra: não há um único objetivo ou fim, não há placar, não há
competição. A interatividade é uma extensão do aparato visual do espectador.
Ela traz consigo as extensões temporais para a imagem fornecida pelo cinemáti-
co, enquanto permite extensões espaciais que foram anteriormente domínio do
arquitetônico e do escultural. O participante/performer torna-se um elemento
da instalação, preenchendo o papel de qualquer usuário no sistema da peça e
envolvendo a todos nós como atores em seus dramas.
Os elementos visuais da obra são distorções de representações. Fotografias
são reunidas em reconstruções improvisadas de suas formas originais de carros
e casas. Paisagens são reformadas por processos imagísticos de cortar e colar,
e sistemas viários são espalhados no mundo conduzidos pela lógica do cresci-
mento das plantas.
Desempacotar essas formas visuais e suas operações é vital para a criação
de significado do trabalho. As forças físicas simuladas de gravidade e vento e
os comportamentos simulados das plantas e crescimento de cristais conduzem
a interação dos símbolos culturais. Negociar entre os sistemas do cultural e
do natural, com as capacidades e inadequações dos sistemas de simulação em
ação, atesta a força e os fracassos de nossa compreensão e imaginação dos
ambientes complexos que habitamos.
O ambiente de jogo cria uma experiência visceral de viver nesse quebra
-cabeça, mas leituras dessa experiência podem ser complicadas por algumas
das contingências acima citadas. Culturalmente, estamos em um estágio nas-
cente no entendimento de como o gamic funciona. Muitas vezes estamos em uma
posição de simplesmente tentar ter funcionalidade operacional com o gamic
(essa funcionalidade operacional é o ponto primário da maioria dos jogos). E
como os processos de desenvolvimento ainda são limitados pelas possibilida-
des técnicas do sistema, talvez não seja claro para o espectador quanto da esté-
tica é simplesmente resultado dessas limitações.
WHY FI? FIDELIDADE 4K NA CIDADE ESCALONÁVEL

Com essas preocupações em mente, as formas e algoritmos do jogo foram in-

vertidas na produção de uma obra cinematográfica. Esta tornou-se Scalable City
– New Trailer, produzida na resolução de 4K, 4000 x 2000 pixels. O interesse por
esse formato cinemático para este projeto é variado – primeiro são as possibi-
lidades estéticas que o novo formato oferece, mas também um interesse pelas
implicações da transformação do cinema em um processo digital completo de
ponta a ponta.
Primeiro, a estética dessa imagem, como se disse acima, com sua falta de de-
feitos de pixels ou grãos, e a natureza da cor, gama de contraste e consistência
em todo o plano da imagem na projeção dão uma clareza impressionante. Esse
campo visual pode ser explorado composicionalmente para fornecer diversas
mudanças nas estratégias de atenção. Os espectadores podem ser absorvidos
profundamente pela imagem, ou podem ver diversos pontos focais que acha-
tam a tela, ou ser movidos espacialmente sem qualquer detalhe que rompa essa
construção pictórica.
Para The Scalable City isso ofereceu uma visão atenuada dos elementos visu-
ais da obra. As peças da casa são claramente vistas como um origami arquitetô-
nico – fotografias distorcidas e dobradas cuja capacidade de parecer estruturas
verossímeis atesta suas operações simbólicas. Os carros distorcidos, apanhados
nos furacões que organizam esses bairros, repercutem como consumo material,
arrancados da terra poligonal enquanto se reordenam para sua própria operação
a caminho de se tornar elementos permanentes na atmosfera alterada.
Em segundo lugar, há implicações dessa forma 4K para o destino do cinema.
Aqui está finalmente um formato de apresentação digital de cinema que tem 240

vantagens desejáveis em relação ao filme. Com um ligeiro atraso no desenvol- 241

vimento de câmeras de cinema digitais no mesmo formato, o cinema deverá se
tornar uma forma de produção e disseminação totalmente digital. Preocupações
com a qualidade da imagem permitiram que se resistisse a isto até recentemen-
te, e vários aspectos da indústria do cinema também desaceleraram a transição
(incluindo os relacionados à tecnologia de filmes e controle de propriedade in-
telectual). A indústria do cinema não passará para um sistema completamente
digital sem vantagens econômicas evidentes, que em parte se baseiam nas pos-
sibilidades visuais da experiência da imagem. Com o advento do 4K, a indústria
agora é incitada a participar da instabilidade de um meio digital. Essa transição
fornecerá muitas novas possibilidades de produção, distribuição e experiência
cinematográficas. O 4K rapidamente se tornará 8K, depois 16K e assim por dian-
te. A estereografia ficará muito melhor e voltará (e possivelmente desaparecerá
de novo). Os filmes poderão ser total ou parcialmente computados em tempo
FILE TEORIA DIGITAL

real, como a machinima sugere hoje. Muitas outras mudanças especulativas

serão tentadas em um ambiente cinemático mais dinâmico. De modo geral, as
formas de cinema terão a mesma instabilidade técnica e mutabilidade digital
que outras formas de mídia digital, como os jogos de computador e na web. Com
isso, cada experiência cinematográfica poderá ter de passar parte do tempo
“treinando” o espectador. Assim como os games ou websites têm experiências
em camadas, aumentando em complexidade conforme o usuário se torna mais
fluente, o cinemático talvez precise se tornar mais aberto semanticamente para
atrair espectadores para as novidades operacionais do novo cinema.
O filme The Scalable City em forma 4K postula um relacionamento entre os
jogos e o cinema em sua mineração de itens e dinâmica de jogo. Com as formas
estéticas típicas do jogo (baixa contagem poligonal), dominadas pela clareza
visual da imagem em 4K, nosso desempenho dentro do vocabulário de simulação
do mundo dos jogos é agora enfaticamente envolvido nesse replay cinemático. A
maior escala cinematográfica confere pungência a um mundo transformado pela
articulação de todos os seus desejos algorítmicos. Cada elemento é reorgani-
zado em padrões decorativos para o prazer de ser reconsumido por um olhar
onisciente, do qual partiu todo o processo. As estratégias re-mediadoras de The
Scalable City repetem a compulsão de nossa cultura por se retrabalhar, trans-
formar os resultados de seus próprios processos de desejo como alimento para
reiniciar a cadeia de expressão e consumo.

Sobre o Autor
Sheldon Brown é Diretor do Centro de Pesquisa em Computação e Artes da UCSD, é professor de
artes visuais e fundador da área de artes em novas mídias no California Institute of Information
Technologies and Telecommunications.

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2008.

WHY FI? FIDELIDADE 4K NA CIDADE ESCALONÁVEL

242
243
PARTE 4
TEORIA
“Mundo-de-
-brincadeira-
-mundo-de-não-
-brincadeira”:
O Jogar
DIGITAL
Brincando e
jogando:
Reflexões e
classificações1
Bo Kampmann
Walther
teoria

digital

jogo

sistema

significado

complexidade
 FILE TEORIA DIGITAL

Introdução

1. Agradeço a Jason Este artigo pretende esclarecer as distinções entre brincar e jogar. Embora exis-
Rutter, Graeme ta a tendência a considerá-los tipos de lazer semelhantes, acredito que haja
Kirkpatrick e Lars
Qvortrup por importantes diferenças ontológicas e epistemológicas. O que é uma brincadei-
seus generosos ra? E o que é um jogo? São questões ontológicas porque lidam com estrutura
comentários sobre um e formalismos. Uma breve definição: brincadeiras são um território aberto em
esboço anterior
deste artigo. que o faz-de-conta e a construção de mundos são fatores cruciais. Jogos são
áreas confinadas que desafiam a interpretação e a otimização de regras e táti-
cas – para não falar em tempo e espaço. Além disso, há questões que enfocam
a dinâmica de brincar e jogar. Estas pertencem a uma agenda epistemológica.
Seguindo essa última linha, farei a distinção entre “modo de brincar” e “modo de
jogar”. O segredo é ver o jogo como algo que ocorre em um nível mais elevado,
estruturalmente assim como temporalmente. Tratando-se de brincar, a insta-
lação da forma da distinção mundo-de-brincadeira/mundo-de-não-brincadeira
deve, performaticamente, realimentar-se durante a brincadeira: continuamente
rearticulando essa distinção formal dentro do mundo-de-brincadeira, de modo
a sustentar a ordem interna do mundo-de-brincadeira. No entanto, no modo de
jogar, essa rearticulação é pressuposta como um encarceramento temporal e es-
pacial que impede que a estrutura de obediência às regras de um jogo se afaste
do alvo. Em outras palavras: jogos não devem ser brincadeiras; mas isso não im-
plica que eles não exijam brincar. Significa, na verdade, que no modo de brincar
a profunda fascinação está na oscilação entre brincar e não brincar, enquanto
o modo de jogar exige capacidades táticas do jogador para manter o equilíbrio
entre um espaço estruturado e um não-estruturado. No modo de brincar, não é
desejável recair na realidade (embora sempre exista esse risco). No modo de
jogar é geralmente uma questão de avançar para o próximo nível e não perder
a visão da estrutura.
Ao longo deste artigo, abordarei ambos os modos mencionados, e o farei
“testando” brincadeiras e jogos à luz de uma estrutura teórica de sistemas. A
relevância de se aplicar esse vocabulário – talvez nada eloquente – é o fato de
que tanto brincar quanto jogar enfrentam complexidade, constroem dinâmicas
estruturais e lidam com formas. Visto dessa maneira, podemos nos libertar
– e isso não tem significado negativo – de qualquer evidência etnográfica ou
etnometodológica. Isto não pretende determinar que toda brincadeira é igual,
seja a de uma criança pequena, de um escolar, de um jogador online ou de um
jogador profissional. Tampouco pretende ignorar as variações entre os chama-
dos “jogos de ganhar ou perder” em que todas as jogadas (em princípio) são
conhecidas pelos jogadores (ou pelo computador) e os “jogos de ‘n’ resultados”,
em que os movimentos e ações não podem ser (somente) decididas pelas re-
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

gras. O que é enfocado aqui são as configurações lógico-formalistas que como

tais agem como veículos indispensáveis às atividades de brincar e jogar. Essas
atividades podem ser vistas como subsistemas diferenciados, cada qual ope-
rando como sistema “autopoiético” (autoprodutor), com um código, um meio,
elementos e uma linha demarcatória (Luhmann 1990; Thyssen 2000). O que está
em questão aqui é uma certa capacidade para reestruturar domínios de signifi-
cado por meio da interconexão de elementos e através de operações de forma
funcionais específicas.
O artigo contém duas partes principais. A primeira extrapola alguns dos
principais pontos conceituais da pesquisa sobre brincadeiras e jogos no século
XX; a segunda e maior parte estabelece um instrumental teórico para a classifi-
cação de brincadeiras e jogos e oferece uma descrição de sua organização. Essa
descrição novamente contém duas partes. Primeiro, ilustro os limites e restri-
ções iniciais em brincadeiras e jogos, e segundo trato do modo como o espaço e
tempo é organizado e funciona neles.

1. O que há em um jogo?

Brian Sutton-Smith (1997) afirma que é quase impraticável descrever brincadei-

ras e jogos em termos positivos, não paradoxais (ver também Juul 2001). Em vez
disso, ele sugere exemplificações diferentes baseadas na “retórica”. Se fizermos
esta ou aquela pergunta semântica cultural ou social, quase certamente teremos
esta ou aquela resposta. Parece que não podemos escapar de nosso horizonte
248
paradigmático, já que nossas observações estão entrelaçadas em nosso próprio
249
entendimento do que é observado. Sutton-Smith afirma que estamos tão sobre-
carregados de brincadeira em termos de ação e epistemologia que se torna uma
tarefa paradoxal superar esse esquema e observar a brincadeira de maneira
neutra e ontológica. O “como” obstrui o “que”.
Em Homo Ludens (1938), Johan Huizinga aborda até certo ponto as mesmas
ideias construtivistas de Sutton-Smith, embora seja muito mais positivista
em sua explicação. Brincar, ele diz, constitui formas culturais e modalidades
de significado que facilitam as normas e os códigos da ação semiótica social.
Além disso, ele afirma que brincar é mais antigo que a própria cultura; que
brincar é temporal e espacialmente confinado, o que significa que o brincante
está comprometido com as regras que regem o comportamento da brincadeira;
e finalmente ele enfatiza que brincar liberta o sujeito para realizar ações sem
consequências materiais.
FILE TEORIA DIGITAL

Man, Play, and Games (1958), do filósofo e cientista social francês Roger Callois,
concentra-se na tipologia dos “jeux”. Callois examina o brincar basicamente
através de suas origens sócio-históricas, e as combina com o sortimento de
classes de jogo e a maneira como eles promovem a dinâmica social. Brincar é
algo que alguém faz; mas também é o nome de uma coisa. Segundo ele, existem
jogos “agon”, que se baseiam em competição ou conflito, como os jogos de dis-
puta e de corrida; jogos “alea”, que se relacionam a sorte ou acaso (por exemplo,
roleta); de “mímica”, que têm a ver com simulação e faz-de-conta, por exemplo,
assumir um papel numa brincadeira infantil; e “ilinx”, que são jogos baseados
na vertigem, como as montanhas-russas. Callois também apresenta uma teoria
da complexidade estrutural dos jogos: “paidea” são jogos livremente (isto é, me-
nos) organizados, enquanto “ludus” significa jogos altamente organizados.
As manobras categóricas podem não ser tão simples, porém, porque elas
surgem diferentemente dependendo do ponto de observação. Quando jogamos o
jogo dinamarquês de matador na primeira pessoa Hitman: Codename 47 (2000),
pode-se dizer, segundo Callois, que precisamos em primeiro lugar “entrar no
personagem”, assumindo um papel preciso – o de um matador –, antes de poder-
mos iniciar a ação dentro do jogo. Claramente, nesta fase, estamos no domínio
do faz-de-conta e do fingimento. Portanto, um jogo exige um estado de espírito
de brincadeira que é algo diferente do jogo específico em questão. Quando es-
tamos “dentro” do jogo e comprometidos com suas regras, padrões de mundo e
assim por diante, Hitman obviamente se apresenta como um jogo baseado em
agon, que desafia as capacidades sensório-motoras e a agilidade de reações do
usuário. Assim, o “fingimento” é prontamente esquecido, embora ainda precon-
dicionado, quando começamos a assassinar mecanicamente. Não devemos dei-
xar de notar aqui o deslocamento temporal: existe o fingimento e depois existe
agon. Eu sou um personagem e jogo de acordo com as regras.
Chegando a essa dicotomia entre o que o jogo exige é o que o jogo contém,
podemos nos reconfortar com as teorias de Mihayl Csikszentmihalyi (1990) e
Gregory Bateson (1972). Enquanto o primeiro usa o termo “fluxo” para apreender
a sensação de oscilar entre o êxtase (que na verdade significa libertar-se) e a
orientação para metas no jogo e em outras atividades socioculturais mais ou
menos extremas, o último nos diz as seguintes coisas importantes: 1) brincar é
paradoxal porque está ao mesmo tempo dentro e fora de nosso espaço semân-
tico social “normal”. 2) brincar é uma metacomunicação que se refere exclusi-
vamente a si mesma, e não a qualquer origem ou receptor externo. O motivo
pelo qual a brincadeira ainda pode ser culturalmente valiosa é que atribui uma
certa função de significado a si mesma. Como tal, a brincadeira pode ser com-
 BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

partilhada e comunicada com outros pela adoção de um código. É no meio da

brincadeira que os participantes mutuamente criam uma “diferença que faz a
diferença”. 3) Bateson afirma ainda que brincar é autopoiético (autogerador) e
autotélico (automotivador), e finalmente sugere que brincar não é o nome de um
comportamento empírico, mas sim o nome de uma certa estruturação de ações.
Poderíamos continuar especulando e propor que brincar instala uma facilidade
compartilhada entre agentes que entusiasticamente reconhecem o desvio ine-
rente a um sistema de brincadeira. Esse desvio implica que a comunicação sobre
a brincadeira define e é consequência da diferença do outro na brincadeira; mas
também salienta a unidade que forma a província da brincadeira.
Vamos resumir até agora:
- Brincadeiras e jogos estão ancorados em ambientes espaciais e temporais, po-
rém, como veremos, não operam no mesmo nível de complexidade.
- Brincadeiras e jogos estão inseridos no reino da dinâmica cultural, e talvez se-
jam até mais antigos que a própria cultura.
- Brincadeiras e jogos dependem de formas de fluxo que ao mesmo tempo equili-
bram e otimizam a experiência.
- Brincadeiras e jogos necessitam de um certo estado de espírito, e assim pare-
cem insistir em modos de análise complementares. O que há em um jogo e como
chegamos lá?
- Brincadeiras e jogos são atos metacomunicativos que enquadram padrões de
comportamento no tempo.

2. A lógica de formas de brincadeiras e jogos 250

251
Passar de brincar a jogar é simplesmente transgredir os limites e assumir de-
marcações. Enquanto na brincadeira corre-se o risco da cessação através do es-
tranhamento do mundo “real” que já foi diferenciado do ambiente da brincadeira,
jogar tende para o encerramento através de uma interiorização estrutural que
já é dependente de uma dupla estratégia de diferença. É uma dupla estratégia
porque é preciso estabelecer os limites do espaço de brincadeira, mas além dis-
so é preciso restringir esse território com relação a critérios de cumprimento de
regras para adaptação e interação. Adaptação significa reagir cognitivamente e
apreender com trechos do material de jogo, e interação refere-se às estratégias
empregadas pelo jogador para combinar e refletir sobre os elementos do jogo,
assim promovendo certas competências enquanto deixa outras como estão.
FILE TEORIA DIGITAL

Assim, na brincadeira há o perigo inerente mas fascinante de ser “apanhado”

pela realidade. Nada é mais perturbador para a brincadeira do que a intromissão
agressiva da realidade que a todo momento ameaça a brincadeira enquanto brin-
cadeira ou simplesmente ameaça pôr fim aos privilégios da brincadeira. Então
volta-se à vida normal. A teoria dos sistemas – e sobretudo a teoria do cientista
social alemão Niklas Luhmann – nos adverte que não devemos conceber a rea-
lidade em um sentido naturalista ingênuo. A realidade é sobretudo o horizonte
que se transgride para brincar, e portanto torna-se “o outro” da brincadeira.
No entanto, de maneira importante, essa alteridade também deve permanecer
dentro da brincadeira, pois é ela que indica o que a separa da não-brincadeira.
Portanto, o outro é simultaneamente, enquanto diferença, e visto do interior da
brincadeira, a unidade da brincadeira. Não-brincadeira e brincadeira são “reali-
dades”, porque são produtos de uma distinção, uma diferença que faz a diferen-
ça. De modo semelhante, no jogo existe sempre o perigo de ser “apanhado” em
um nível que impede novas ações. Os jogos tendem a irritar o agente envolvido
caso ele seja aprisionado em um certo ambiente no mundo do jogo.
Veja um jogo de aventura canônico como Riven (1997), como um exemplo des-
sa custódia. Acima de tudo, o jogo parece se basear intensamente em uma histó-
ria que é transparente, com alguns cenários que estão abertos a incessante ex-
ploração. No entanto, o que procuramos quando o jogamos – e presumivelmente
viajamos por um mundo – é muito mais uma estrutura subjacente àquele mundo.
Na verdade, Riven parece obcecado por enigmas altamente complexos e criação
de níveis, e por isso o usuário tenta seguir as transições nodais desse design na
tentativa de situar o mapa do mundo dentro do mundo. Às vezes isso é realmente
irritante: jogadores sérios não querem perder tempo procurando lugares “inte-
ressantes” para explorar. Eles querem muito mais entender a estrutura de modo a
avançar, revelando novas áreas do jogo ou subindo na hierarquia de níveis.
Essa é realmente uma questão de lógica. Se certas atividades de diferen-
ciação, incluindo brincar e jogar, pressupõem a transgressão para uma unida-
de interna a ser construída com base na distinção, então elas inevitavelmente
convidam à contingência e à alienação. Outras opções poderiam ser feitas, e
esquemas estruturais sempre correm o risco de expor suas diferenças intrínse-
cas, e nesse caso alienam a unidade estabelecida de sua precondição. Passando
à esfera da psicologia, a sensação de alienação e a fragilidade pela qual as dis-
tinções revelam contingências tornam-se ainda mais óbvias. As crianças mui-
tas vezes lamentam a perda do tempo de brincar. De repente elas são atiradas
para o outro da brincadeira. Depois carregam essa lembrança de transgressão
aos próprios confins da brincadeira. É provável que a pessoa seja interrompida
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

Não-brincadeira
e brincadeira são
“realidades”, porque são
produtos de uma distinção,
uma diferença que faz a
diferença.

252
253
 FILE TEORIA DIGITAL

2. Ver também Michel enquanto brinca, por isso essa manobra de implicar a negatividade do outro na
Foucault: “Of Other mesmice do sistema é simplesmente uma característica inata da brincadeira. A
Spaces”, in Diacritics,
nº 16, primavera de estrutura básica da brincadeira está em sua capacidade de criar recursos con-
1986. Aqui, Foucault tingentes baseados em distinções que são abertas ao significado. A estrutura
proclama que nossa básica de um jogo adota essa práxis de distinção, mas sua “lei” central é, além
era atual é obcecada
pelo espaço, e que a disso, sua capacidade única de reduzir a complexidade da brincadeira por meio
inquietação moderna de um conjunto de regras bem definidas e inegociáveis. Podem-se discutir táti-
deriva de um espaço cas no xadrez, mas não as regras.
que é facilmente
acessível e no qual
o tempo é nada mais
que a organização 2.1. Limites e restrições iniciais
de elementos
espaciais em grades,
ramificações e Segundo o matemático George Spencer-Brown e suas Laws of Form (1969), um
relações topológicas. universo passa a existir quando um espaço é separado, isto é, quando se faz
uma distinção (Spencer-Brown, 1969).2 O espaço delimitado por qualquer dis-
tinção, juntamente com todo o conteúdo do espaço, é chamado de “a forma da
distinção” (Spencer-Brown, 1969). Assim, uma forma é a distinção incluindo seus
lados marcado e não marcado.
Spencer-Brown afirma ainda que uma distinção é efetuada se e somente se
alguém traçar uma linha que inclua os dados díspares, de modo que um ponto
de um lado da linha não pode ser alcançado sem cruzar a fronteira. Spencer-
-Brown refere-se a isso como “operação de travessia”. Enquanto uma coisa está
dentro, outra coisa está fora. Mas essa “coisa” só pode ser levada em conta ou
pensada no próprio ato da observação, e não enquanto se está realmente fazen-
do (traçando) a distinção (Baecker, 1993). Portanto, é preciso haver uma ação
primordial em jogo, qual seja, a distinção entre operação e observação. No do-
mínio da brincadeira e do jogo, a importância está na possibilidade de verificar
a diferença entre o fato de que existem brincadeiras e jogos e o de que se pode
observar que alguém está brincando ou jogando.
Vamos examinar mais de perto os limites e as restrições interdependentes.
Começaremos examinando a questão lógico-formalista da brincadeira.
No início, fazemos uma distinção. Isso é feito para poder brincar. A certeza
ontológica de um mundo (ou subsistema) comum é suplementada pela informa-
ção obtida ao se traçar uma nova distinção. Assim, um mundo-de-brincadeira é
estabelecido. Sua característica básica é exatamente que ele não é o mundo em
si – o playground pode ter leis próprias – e ao mesmo tempo ele habita esse
mesmo mundo (que ele não é). Em vez de falar sobre “mundos”, e portanto em-
barcar em conceitos de verdade e semântica, seria mais correto e na linha de
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

Spencer-Brown simplesmente anunciar que alguma coisa – isto é, a forma de 3. Spencer-Brown

distinção entre brincadeira e não-brincadeira – é indicada separando-a de algo chama esse processo
de diferenciação
que não é. A tradicional diferença entre todo e parte é portanto substituída pela potencialmente
distinção entre sistema e ambiente, uma distinção que pode ser repetida infini- infinita de
tamente pela diferenciação de sistema, em que todo o sistema utiliza a si mesmo “reentrada”: formas
que continuam se
para formar seus próprios subsistemas (Qvortrup, no prelo).3 duplicando sobre
si mesmas.

complexidade complexidade
de 1a ordem de 2a ordem

1a transgressão 2a transgressão

brincadeira jogo
não-brincadeira

modo de jogo
modo de brincadeira

Figura 1.

254
Refiro-me a esse gesto inicial de distinção como a primeira transgressão da 255
brincadeira. Como ilustrado na figura acima, a brincadeira envolve uma com-
plexidade de segunda ordem. Não apenas existe uma complexidade do objeto
em questão, mas além disso devemos levar em conta a complexidade que está
inscrita na própria observação da brincadeira. Um observador complexo observa
a complexidade de suas observações. Essas observações, por sua vez, produzem
novas possibilidades de inscrever a forma da distinção dentro da própria forma.
Passemos agora ao jogo. Aqui, as distinções que orientam a forma de brin-
car não são suficientes. Além disso, observa-se – e reage-se a – os próprios
critérios de um determinado jogo. Pelo menos, é preciso ter consciência desses
critérios para avançar e, preferivelmente, vencer o jogo. Portanto, a organiza-
ção do jogar repousa em uma complexidade de terceira ordem que, em termos
lógico-formalistas, pode ser explicada da seguinte maneira:
 FILE TEORIA DIGITAL

1) Primeiro ocorre uma distinção fundamental. Ou a pessoa está dentro ou está

fora. Se está fora, situa-se no ponto cego do espaço fechado da brincadeira.
Isso seria o “estado não-marcado” (Luhmann, 1995) da brincadeira. Esse estado
é necessário para a transgressão preliminar, já que o não-marcado é paradoxal-
mente marcado por sua negatividade em relação ao positivamente indicado (ver
também von Foerster 1993). No entanto, o estado também é ininteligível quando
a pessoa se move para a região da brincadeira. Se ela tiver de levar em conta
constantemente o outro abandonado da brincadeira (o estado não-marcado),
haveria com efeito cada vez menos energia para o interior da brincadeira. Note
também que mesmo não-brincantes ou elementos da não-brincadeira têm de ser
transformados em brincantes ou elementos da brincadeira para ser totalmente
operacionais. Uma árvore não é uma árvore; é o ponto de referência para uma
área de aventura com monstros e fadas – no jardim da casa. Um professor chato
não é um professor; é o capitão maligno de um exército galáctico que espera
destruir o forte imaginário do brincante.

2) Em seguida ocorre uma segunda transgressão (ver novamente a Figura 1). Não
apenas a pessoa supera o outro da não-brincadeira para definir o espaço da
brincadeira, como ela também transcende o território aberto de modo a lhe
impor um rígido padrão de dinâmica. A flexibilidade da brincadeira deriva do
fato de que ela é aberta à constante fabricação de regras. A flexibilidade dos
jogos é exatamente que eles são autônomos em relação a regras; são abertos
a táticas. As regras são formas que dirigem uma certa irreversibilidade da es-
trutura: mova-se para a esquerda, em vez da direita, e você está morto! Chegue
à árvore cinco segundos depois e os monstros assumirão o poder (e também o
professor maligno)!

3) Finalmente, o movimento em direção à regra é a consequência de uma forma

dentro de uma forma dentro de uma forma, isto é, uma complexidade de terceira
ordem, um deslocamento temporal de dois atos transcendentes – o de constituir
a modalidade contingente de brincadeira e a de definir os princípios de uma
estrutura de jogo. A árvore no jardim marca claramente uma árvore de brinca-
deira em oposição a uma árvore comum, e ao longo do tempo pode-se imaginar
o jardim sendo preenchido por uma estrutura em que uma árvore poderia ter
uma conotação decisiva.

Existe, assim, uma ligação entre a lógica formal e a lógica temporal do brincar
e do jogar. A lógica formal concentra-se nas operações necessárias para obter
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

sistemas complexos em dois níveis, que por sua vez constituem as transgres-
sões que separam brincar de jogar. A lógica temporal nos diz que brincar prece-
de o jogar. Um mundo-de-brincadeira torna-se um ambiente de jogo; um recurso
aberto torna-se uma área curva.

2.2 Configurações de espaço-tempo

Vimos que brincar e jogar resultam de distinções e da construção da forma, com-

plexidade e organização. Agora vamos examinar mais de perto a maneira como
brincar e jogar enfrentam o espaço e o tempo.
Brincar concentra-se em uma descoberta de espaços abertos que convidam à
observação ao longo da duração da temporalidade. Gradualmente, aprendemos
a pilotar dentro da brincadeira, e como a realização de tarefas cada vez mais
bem-sucedidas exige tempo, corresponde às formas distintas que continuam di-
ferenciando o sistema de brincadeira em graus mais refinados de subsistemas.
Habitamos espaços como esses por meio de certas estruturas de “fingimento”:
assumimos um papel e vivemos personagens, seja na forma de outros brincan-
tes ou de agentes que podemos adaptar como brincantes. O âmbito da brincadei-
ra equivale a uma medição de sua geometria, e essas larguras e comprimentos
tornam-se por sua vez a fonte de interiorização no jogo do espaço geométrico e
da progressão discreta (ver Figura 2). Consequentemente, estamos no domínio
da lógica temporal. O sucesso da transformação de jogos (por exemplo, jogos de
tabuleiro) em jogos de computador talvez decorra do fato de que um computador
digital é uma máquina em estado discreto. Portanto, traz em seu próprio proje- 256
to uma forte semelhança com sistemas de jogo informatizados, notadamente
257
regras para operações sequenciais discretas. Em comparação, brincar parece
concentrar-se nas investigações da semântica, já que a tarefa é não apenas me-
dir seu espaço mas também elaborar sobre seus modos de interpretação e meios
para reinterpretação. Não apenas exploramos um mundo enquanto brincamos.
Também somos atraídos por seu significado potencial e pelas histórias que po-
demos inventar nesse sentido. Os espaços de brincadeira tendem a expandir-se,
seja em complexidade estrutural ou em extensão física. Essa expansão reflete-
se ainda na práxis da brincadeira; por exemplo, quando os brincantes discutem
sobre os exatos limites de um domínio da brincadeira. Novamente, isto deve ser
entendido em um duplo sentido, significando tanto o encerramento físico como
as atividades mentais ligadas a ele.
 FILE TEORIA DIGITAL

4. Note que gameplay é

BRINCAR JOGAR
entendido aqui como um
termo abstrato para a
ESPAÇO Medições baseadas Sequências de estado
na geometria baseadas na topologia
definição de restrições
(discretas)
e possibilidades
do usuário. Outras
Presença Avanço (tática)
definições de gameplay
(prolongamento
se concentram em
da presença)
“opções interessantes”
(Sid Meier), o efeito
de co-relacionar
TEMPO Durabilidade Transição
input e output por
Busca de semântica Busca de estrutura
meio de ações e
reações internas ao
jogo (Richard Rouse
III) ou a emergência Figura 2. Matriz de espaço-tempo.
de experiências
informais através de
regras formais (Jesper
Juul). Combinações Por que essa divisão simultânea entre o entrelaçamento de brincadeiras e jogos
interessantes de regras é importante para o estudo dos jogos de computador? Porque ela toca o conceito
e estratégias nos jogos de gameplay [jogo-brincadeira].
podem ser encontradas
em Emergence: From Uma pessoa pode imergir no estado de espírito de brincar que é neces-
Chaos to Order, de John sário para entrar em um jogo, por exemplo (a primeira distinção que permite
H. Holland. Aqui Holland identificar-se com um matador), mas também pode ser apanhada em uma certa
distingue entre 1) o
estado do jogo, isto é, área do jogo onde começa a questionar seus critérios de estrutura (a segunda
o arranjo das peças no distinção que enfoca as transições nodais). A trama é exatamente equilibrar o
tabuleiro em qualquer brincar e o jogar enquanto se joga. A pessoa deve se ater à distinção inicial (ou
momento do jogo. 2)
o estado espaço de seria engolida pelo outro da brincadeira) e precisa aceitar constantemente a
um jogo, significando organização do jogo, seu padrão de regras. Quando a pessoa desrespeita esse
o conjunto de todos equilíbrio complementar, o fluxo é interrompido.
os arranjos de peças
no tabuleiro que são Um gameplay funciona exatamente para garantir esse fluxo, servindo como
permitidos pelas regras matriz potencial da realização temporal de determinadas sequências de jogo.4
do jogo. 3) a raiz da Uma dessas sequências pode levar a pessoa a se perguntar como entrou no jogo,
árvore dos movimentos,
que é o estado por exemplo (então a pessoa observa a primeira transgressão, e está em modo
inicial do jogo. 4) as de brincar), ou a sequência real poderia obrigá-la a refletir sobre os critérios
folhas da árvore dos de criação das configurações de espaço-tempo (e nesse caso observa a segunda
movimentos, que são os
estados finais. 5) uma transgressão e está em modo de jogo).
estratégia de jogo, que Se um jogo rompe a ilusão – se deixa de indicar sua unidade através da
serve como prescrição diferença de seu outro e de si mesmo –, a pessoa provavelmente será atirada
de decisões certas
conforme o jogo avança de volta ao modo de brincar. Considere, por exemplo, o jogo de aventura di-
(Holland, 1998). namarquês Blackout (1997), em que o usuário assume o papel de Gabriel, que
sofre de esquizofrenia severa (ele tem nada menos que quatro personalidades
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

diferentes) e anamnésia. A trama do jogo é ao mesmo tempo tradicional, pois

cuidadosamente retira camada após camada de psicologias ocultas, e alegórica:
o fato de que nosso alter ego (Gabriel) é esquizofrênico pode ser lido como uma
disseminação figurativa do que seria o ponto de partida da maioria dos jogos de
computador: eu sou e não sou o personagem que estou interpretando. De manei-
ra semelhante, as anamnésias de Gabriel poderiam ser interpretadas como uma
espécie de metaficção que aponta para uma sensação comum no jogo. É preciso
completar o jogo para “lembrar” o que aconteceu. É preciso chegar até o fim do
trajeto para compreender totalmente suas ramificações.
Tudo isso é bom, e certamente coloca o jogo no lado elevado dos atuais tru-
ques industriais. Mas em certo momento Blackout – talvez inadvertidamente –
encurta a ilusão imperativa. Em determinada cena somos solicitados por uma
velha adivinha a clicar em um símbolo na tela. Subitamente, somos atirados de
volta ao primeiro quadrado, inadvertidamente lembrando as fórmulas iniciais
– que fizemos um contrato para brincar e que adaptamos e interagimos com a
complexidade estrutural para jogar (no sentido ativo). Portanto, nesse ponto
há um profundo enfoque no modo de brincar. Somos obrigados – para usar a
expressão de Spencer-Brown – a fazer uma “operação de travessia”. A distinção
é desfeita, a unidade é rompida.
No entanto, nesse caso, em vez de tratar o mundo de jogo representado como
um objeto destacado dentro do ambiente de jogo (isto é, uma tela em vez de
um elemento do jogo), podemos competir contra o jogo. Blackout é organizado
como uma série complexa de opções intercambiáveis e níveis de interações pro-
ativas. Enquanto pensamos estar “lendo” a máquina (no sentido de suas ações
escrituradas), a máquina também está “lendo” a composição de nossas opções.
258
Mas quando entendemos o sentido disso (em que medida nossas interações in-
259
fluenciam o caminho em que a máquina nos conduz?), somos capazes de “prever”
esse padrão de ação e assim jogar “contra” a máquina – como se nos fosse dada
a opção de redesenhar o mapa por baixo da própria paisagem com a qual in-
teragimos. Isso é modo de jogo, então, e realmente em um nível superior. Não
estamos apenas completando a missão do jogo; estamos também desafiando a
organização que envolve essa missão.
Em um artigo sobre o futuro do design de jogos, o diretor do projeto Deus
Ex, Harvey Smith, elabora as possibilidades de apoios e acessórios preencherem
um mundo de jogos (Smith, 2001). Esses objetos – por exemplo, telefones em
um espaço de escritório – possuem uma funcionalidade limitada. Ainda assim,
fazem o espaço falso parecer “real”. Fazem mesmo? Como os telefones artificiais
não incluem a poderosa aleatoriedade dos telefones do mundo real, a ilusão de
FILE TEORIA DIGITAL

realidade imediatamente lembra o jogador de que o espaço de escritório é falso.

Já o era desde o início, é claro. Se não, não teria sido construível.
Mais ainda, se os telefones em jogos de aventura realmente se comportas-
sem como telefones habituais, isso realmente concluiria a busca por verdadei-
ros “jogos emergentes”. Então, teríamos jogos que atuariam de maneira tão im-
previsível quanto os objetos da vida real, mas ao mesmo tempo implicaria que
fomos expulsos de qualquer atividade tática, pois não haveria mais estrutura
na qual basear nossas táticas. Em meus termos, o sucesso de realmente trans-
formar “telefones de jogo” em “telefones reais”, resultaria em uma espécie de
transgressão retroativa: passar do modo de jogo para o modo de brincar; cair da
identificação com uma estrutura para perguntar-se o que significa brincar.
Outra característica que distingue brincar de jogar é a noção de presença.
Brincar exige presença. Precisamos estar lá – não apenas estar lá, mas também
estar lá. O sucesso de um jogo está intimamente ligado à organização do espa-
ço e tempo. Os jogadores precisam confiar nessa organização. Como um jogo
depende de uma certa estrutura finita para promover realizações infinitas dele
– a correlação entre regras e táticas –, a própria articulação da presença, tão
importante para brincar, deve estar pressuposta em um jogo. A pessoa já sabe
em um jogo que a missão é continuar jogando, o que realmente significa em meu
vocabulário continuar brincando, isto é, prolongar a sensação de presença. A
energia pode então ser dirigida para a elucidação da estrutura do jogo. “Como
posso chegar ao próximo nível?”, e não “Por que estou jogando?”. Era exata-
mente isso que acontecia em Blackout. Uma lição a ser ensinada, também, é que
existe uma grande discrepância entre uma contingência premeditada (“Eu pode-
ria ter agido de outro modo?”) e uma contingência baseada na insegurança da
dicotomia presença-ausência (“Devo parar de jogar?”).

3. Conclusão

Brincadeiras e jogos são diferentes. No entanto, eles também estão conecta-

dos através de uma dinâmica mútua de operações de forma que significa que
brincar se baseia em uma transgressão de primeira ordem e se situa em uma
complexidade de segunda ordem, enquanto jogar se baseia em uma transgres-
são de segunda ordem e reside em uma complexidade de terceira ordem (ver
Figura 1). O método lógico-formalista usado neste artigo não apenas precisa
ser aguçado por novas análises de jogos de computador para contribuir para
um bem-vindo avanço da teoria; também toca o conceito de gameplay. Como o
BRINCANDO E JOGANDO: REFLEXÕES E CLASSIFICAÇÕES

desejo muitas vezes experimentado nos jogos é não perder a pista do jogo (e
presença), gameplays que deixam de proteger o “interior” de um jogo do “ex-
terior” da brincadeira podem simplesmente alienar o usuário. Não quero clicar
em uma tela em Blackout; quero sobretudo me comunicar com o jogo no jogo.
De modo semelhante, não quero nenhum telefone tocando aleatoriamente em
Deus Ex – apesar do efeito realista que isso traria à mente –, mas quero que
aquele telefone com aquela mensagem faça o truque para mim. Nesse sentido,
gameplay deveria servir para garantir a circularidade de diferentes ordens de
complexidade sem duvidar de seu próprio faz-de-conta. Jogar não deveria ser
perturbado por brincar. Em vez disso, deveríamos nos preocupar em encontrar a
maneira mais suficiente e interessante de avançar adequadamente. Concluindo,
e parafraseando EA Sports: Se está no jogo, está no jogo.

Sobre o Autor
Bo Kampmann Walther é Professor associado, Ph.D. no Center for Media Studies, Universidade do
Sul da Dinamarca, Dinamarca

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2005.

260
261
Jogos e Vida:
a emergência
do lúdico na
cibercultura
Fabiano Alves
Onça
teoria

digital

indivíduo

interatividade

sociabilidade

capacidade
 FILE TEORIA DIGITAL

1. Visões sobre a cibercultura

1. Gibson, William. Uma boa medida do grau de importância sociológica de um fenômeno é observar
Neuromancer, ed. Ace o número de descrições formuladas pelos acadêmicos para tentar explicá-lo.
Books, 1984, pg. 51
Não por acaso, nesta última década, a presença cada vez mais palpável – embora
2. http://news.bbc. sempre intangível – de um espaço de interação mediado pelos computadores
co.uk/2/hi/science/ e pelas redes telemáticas, comumente denominado ciberespaço, provocou uma
nature/4475394.
stm (acessado em enxurrada de definições da academia.
25.06.2006). Entretanto, a primeira definição de ciberespaço (ou ao menos a mais cultu-
ada delas), provém não dos meios acadêmicos, mas sim da literatura. Em 1984,
numa época em que o uso do computador pessoal ainda engatinhava e a internet
era uma rede telemática restrita aos meios acadêmicos, William Gibson, autor
do clássico de ficção científica Neuromancer1 , descrevia este espaço criado pe-
las comunicações mediadas por computador como:

Uma alucinação consensual, experimentada diariamente por bilhões de operado-

res legítimos, em todas as nações, por crianças a quem estão ensinando concei-
tos matemáticos... uma representação gráfica de dados abstraídos dos bancos
de todos os computadores do sistema humano. Uma complexidade impensável.
Linhas de luz que se alongam pelo universo não-espaço da mente; nebulosas e
constelações infindáveis de dados, como luzes de cidade, recendendo.

A proeza de Gibson, obviamente, é que ele conseguiu antever um mundo que,

mais de vinte anos depois, apresenta uma notável semelhança com aquilo que
ele descreveu.
Não é necessário digressionar sobre o impacto que a disseminação em
larga escala das redes mundiais, somado à digitalização geral provocada pelo
computador, provocou nesta última década. Sem dúvida, foi e é tremendamente
marcante, comparável, segundo Peter Drucker, ao surgimento das ferrovias; ou
então à implantação dos cabos submarinos de telégrafo no século XIX 2.
De fato, a emergência das tecnologias comunicacionais, que já vinham numa
gestação de décadas, como avisa Santaella (2003) ao referir-se ao desenvolvi-
mento do microprocessador e sua larga participação na digitalização de vários
campos da vida, estimularam - além de sua ação nos campos econômico e políti-
co - significativas transformações na reconceitualização e mesmo ampliação do
campo simbólico, por onde já operavam determinadas práticas culturais asso-
ciadas ao desenvolvimento da tecnologia digital.
Uma das novas expressões desta nova configuração são, por exemplo, as
assim batizadas “comunidades virtuais” - grupos de pessoas que se empenham
em novas formas de sociabilidade potencializadas por chats, fóruns, listas de
Jogos e Vida: a emergência do lúdico na cibercultura

discussão e outros tipos de ferramentas relacionais, como o Orkut ou LinkedIn. 3. Lemos, André.
Estes indivíduos, ao exercerem determinados laços conviviais, eventualmente Cibercultura. Ed.
Sulina, 2002, pg. 110.
transformam-se em grupos organizados de interesse específico (Reinghold,
1984). Claro, a medida deste sentimento gregário, a qualidade desta relação, a
maneira pela qual cada indivíduo se projeta dentro destes universos culturais e,
num plano mais analítico, qual o significado disso para o estudo sociológico, é
algo que está longe de ter alcançado consenso.
Por exemplo, há autores, notadamente os que encampam as teorias desen-
volvidas por Maffesoli, que enxergam nesta apropriação dos meios digitais um
sinal da sociabilidade pós-moderna, fluida, nômade, efêmera, atrelada a uma
possibilidade orgiástica de viver o presente. Os relacionamentos ali desenvol-
vidos, longe de obedecerem à sobriedade do ethos puritano e racional, estru-
turado em torno de uma consciência monolítica, estariam muito mais focados
no compromisso emocional, no calor do estar-junto à toa, do compartilhar o
momento vivido coletivamente (Maffesoli, 1987). Em suma, esta apropriação do
potencial das novas máquinas seria utilizada para a celebração do presenteísmo
e da teatralidade da vida3.
Há outros, como Bauman (1995: 264), que na análise dos grupamentos con-
temporâneos é frequentemente utilizado para conceituar as atividades coleti-
vas que se desenvolvem na rede. Bauman prefere trabalhar com o conceito de
nuvens de comunidades, dada a velocidade com que se desfazem, antes mesmo
de conseguirem se reconhecer como tais, ou ainda comunidades estéticas, ter-
mo emprestado de Kant, que caracteriza grupamentos imaginados, mas nunca
efetivamente realizados. Por um lado, tais grupos trariam a sabidamente falsa
segurança de que os que dela participam estariam refugiados em um oásis de
tranquilidade, um chão firme comum. Ao mesmo tempo, se liquefariam na medi- 264
da em que os próprios indivíduos não estariam dispostos a pagar o preço que 265
uma verdadeira comunidade cobra – compromisso, obediência e restrição – de
onde deriva um sentimento final de ambiguidade (Bauman, 2004: 68).
Finalmente, há autores distópicos, como por exemplo Virilio (1999), que en-
xergam neste tipo de relacionamento tomado pela virtualidade não a criação de
uma nova esfera, mas sim uma “des-realização”, um exílio da realidade. Neste
aspecto, as experiências e interações dentro das paragens virtuais seriam nada
mais do que um mergulho frenético em um presente contínuo – estimulados pela
abolição das distâncias e das territorialidades – onde à consciência da “ação” se
contraporia a acefalia da “interação”.
 FILE TEORIA DIGITAL

2. A vida (sempre) imaginada

5. Lunenfeld, Peter. Para o interesse deste trabalho, dentre várias inferências possíveis, vale res-
The Digital Dialetic. saltar que estas três retóricas, a despeito das diferentes angulações, trabalham
New Essays on New
Media, MIT Press, todas com a questão da fantasia lúdica, da incorporação consciente de determi-
1999, pg. 6-23. in: nados papéis, do jogo cúmplice de máscaras, enfim, tanto naquilo que é fanta-
Santaella, Lucia. siado mais do que efetivamente vivido, como naquilo que é vivido de uma forma
Culturas e Artes do
pós-Humano, ed. fantasiosa. Naturalmente, não se trata – falando especificamente do meio digi-
Paulus, 2003, pg.20. tal – de assumir a realidade mundana como não-mediada, pura, “real”, ao passo
que o que é mediado pelas tecnologias transforma-se no “virtual”, na fantasia.
Percebendo nossa existência como permeada pelo simbólico, esta é uma discus-
são que já aí se esvanece (Castells 1996: 459). O que se quer ressaltar é que o
meio digital parece, por suas características inatas, ser um locus propício para a
irrupção deste tipo específico de manifestação de natureza lúdica, fantasiosa.
Efetivamente, mantendo a análise restrita ao plano da técnica, a tecnolo-
gia digital, como já antecipada por Turkle (1995), Lunenfeld (1998) e Manovich
(2002), praticamente impõe considerações deste gênero, já que estes meios são
compostos essencialmente por representações matemáticas, que trazem dentro
de si a capacidade cada vez maior de manipulação, e portanto, de representação.
Nas palavras de Lunenfeld4, isso teria feito da cibernética a alquimia do nosso
tempo e do computador o seu solvente universal, uma vez que a linguagem bi-
nária passou a transcodificar todas as mídias e suas expressões – imagem, som,
escrita, vídeo - para o seu próprio plano. É aquilo que Turkle classifica como
estética da simulação, onde as possibilidades de se imaginar e representar
qualquer coisa que seja torna-se apenas contingenciado pela capacidade de
processamento da plataforma. Como negar que isso abre as portas para que
o daydream, o sonhar acordado, tenha um campo de expressão mais amplo e
compartilhado?
Ampliando o raio de interpretação para além da questão técnica, é também
possível colocar que esta manifestação de ordem fantasiosa, e porque não dizer,
lúdica, também encontra inspiração na própria conformação das sociedades con-
temporâneas. Afinal, quem experimenta a vida neste tipo de cultura não é levado,
naturalmente, a participar de sistemas sociais altamente abstratos, desencaixa-
dos (Giddens, 1990), que requerem boa dose de confiança e imaginação?
Além disso, se durante a maior parte da era moderna era possível sustentar
uma biografia relativamente coesa, hoje, em sociedades altamente dinâmicas,
o exercício da identidade tornou-se um engajamento complexo, que exige des-
dobramentos em diversos papéis simultâneos, num jogo teatral que Goffman
(1959), muito originalmente, concebeu como o do eu projetando personagens
que interagem com os personagens dos outros. Ou que Hall (1992), escrevendo
três décadas depois, apontou de modo incisivo:
Jogos e Vida: a emergência do lúdico na cibercultura

Em toda a parte, estão emergindo identidades culturais que não são fixas, mas 5. Hall, Stuart. A
que estão suspensas, em transição, entre diferentes posições; que retiram seus Identidade Cultural
na Pós-Modernidade.
recursos, ao mesmo tempo, de diferentes tradições culturais; e que são o produ- ed. DP&A, 2004, pg. 88.
to desses complicados cruzamentos e misturas culturais que são cada vez mais
comuns num mundo globalizado.5 6. Santaella, Lucia.
Culturas e Artes do
pós-Humano, ed.
Enfim, como pontuou Bauman (2000: 98), ao discursar sobre a fragilidade da Paulus, 2003, pg.53.
identidade, é como se “a identidade vivida, experimentada, só pudesse se man-
7. Fergunson,
ter unida com o adesivo da fantasia”. Harvie. Glamour and
Este traço imaginativo, que requer do indivíduo uma boa dose de fantasia the end of Irony. The
para que ele permaneça dentro do jogo civilizacional, também se estende para Hedgegog Review,
1999, pg. 10-6 in:
seu relacionamento com as mídias, hoje cada vez mais pervasivas e onipresen- Bauman, Zygmunt.
tes. Para Santaella, por exemplo, este hibridismo, esta teia de complementari- Modernidade Líquida.
dades erguida pelas diferentes associações entre as mídias, mesmo antes da ed. Jorge Zahar, 2000,
pg. 102.
explosão digital, poderia ser entendida já como uma cultura das mídias6. De
fato, a esfera midiática parece ter criado uma sustentação própria, como se uma
massa comunicacional, composta pela superposição de imagens, sons e textos
revoluteasse constantemente sobre a existência cotidiana, impregnando-a com
sabores e cores estrangeiros - tornados, pela capacidade intrínseca do ser hu-
mano de projetar, imaginar e fantasiar, próximos.
Finalmente, neste contexto, é importante elencar ainda uma última condição,
que é a da relação das sociedades contemporâneas com o consumo. Afinal, se o
consumo é o motor do capitalismo, então a fantasia bem pode desempenhar o
papel de combustível. Se antes o que valorava um indivíduo era sua capacida-
de de produzir segundo uma ética do trabalho, hoje a medida de valor parece
se concentrar mais na capacidade de consumir de modo conspícuo, de escolher
266
livremente, a tal ponto que é a escolha, e não o objeto escolhido, o ponto funda-
267
mental (Bauman, 2000: 103). Dentro desta lógica, seria a capacidade de perten-
cer à parcela da sociedade que usufrui dos bens materiais gerados pelo capita-
lismo que se traduz como liberdade de ação. O papel da fantasia, dentro desta
condição, seria o de impulsionar, instigar e seduzir, afim de projetar a felicidade
e a auto-realização dos consumidores nos objetos de consumo. Assistir-se-ia,
dentro desta visão, à ascensão da “sociedade do glamour”, em que a aparência é
consagrada como a única realidade7.
Em suma, o objetivo de apresentar estes tópicos é o de demonstrar que as
sociedades que hoje vivenciam toda uma sorte de processos fantasiosos estão,
elas próprias, prenhes de fantasia na condução de sua existência. Não estaria
a tecnosfera espelhando, através das possibilidades técnicas, características
 FILE TEORIA DIGITAL

8. Sutton-Smith, oriundas das sociedades que a criaram? Seria este jogo de aparências, este
Brian. The Ambiguity desenvolvimento de diferentes personas, uma atividade alienígena aos que se
of Play. ed. Harvard
University Press, entregam a este mesmo tipo de embate no plano mundano? Seria a convivência
1997, pg. 201. com o fantasioso uma tarefa desconhecida para quem transita por projeções e
sonhos dia após dia? Certamente que não. Dentro deste contexto, as possibili-
dades técnicas que sustentam a cibercultura talvez sejam catalisadoras deste
fenômeno, mais até do que suas originadoras.

3. Jogos: a face visível do lúdico

Isso posto, e se, por um exercício de retórica, substituíssemos a palavra fan-

tasia por lúdico? Sem nos determos agora na dificílima concepção do que é o
lúdico, recorramos a uma prova mais simples. Todos sabemos identificar o que
é algo lúdico e o que não é, a despeito da dificuldade de defini-lo teoricamente.
Pensando desta maneira, não é difícil imaginar que a dinâmica do jogo, dentro
de uma concepção mais ampla, esteja pervasivamente presente no tecido social.
Senão vejamos: dentro das redes, na interação entre os indivíduos que se dedi-
cam a conversar em salas de chat por pseudônimos; ou naqueles que preenchem
sua ficha no Orkut, cuidadosamente omitindo ou relevando aquilo que mais lhe
agrada para que seu perfil se encaixe na sua projeção, num sutil jogo de com-
posição; ou ainda naqueles que experimentam o puro vagar, a pura experiência
do hipertexto. Fora das redes, no ritual diário de acompanhar uma novela, no
consumo de moda, na própria interação com os outros em uma festa, ou mesmo
deambulando por ruas desconhecidas. Dependendo de quão abrangente seja o
conceito de jogo utilizado, pode-se até mesmo encarar a linguagem como um
jogo de significados (Derrida, 1967: 244).
O que parece claro neste ponto é que a maneira como analisamos uma situ-
ação, seguindo os princípios foucaultianos, é sempre moldado pela episteme à
qual se atrela o discurso. Isso, por exemplo, explicaria em parte a dificuldade de
se trabalhar com um conceito mais amplo de lúdico, dentro de uma sociedade em
boa parte ainda dominada por uma retórica do jogo como um ato frívolo8.
Por outro lado, se pode ser tomada como legítima a asserção de que a éti-
ca puritana, o racionalismo e o cientificismo mantiveram durante os últimos
séculos a hegemonia sobre os discursos e sobre o modo como as sociedades
ocidentalizadas se organizavam, o mesmo não pode ser dito com tanta clareza
na contemporaneidade. Qual o clima social, o “espírito do tempo”, os substratos
que alimentam nossa atual percepção do mundo? Onde encaixar, dentro do ethos
Jogos e Vida: a emergência do lúdico na cibercultura

Se antes o que valorava

um indivíduo era sua
capacidade de produzir
segundo uma ética do
trabalho, hoje a medida de
valor parece se concentrar
mais na capacidade
de consumir de modo
conspícuo...
268
269
FILE TEORIA DIGITAL

severo do puritanismo, as manifestações de hedonismo e de consumo? Como

classificar a desmobilização de parte da sociedade em relação às grandes narra-
tivas de referência? Enfim, não teria havido alguma mudança na bacia semântica
que nos alimenta?
Podemos, como sustentam alguns autores, falar de uma desregulamentação
geral das normas da modernidade, uma certa frouxidão, uma conformação mais
escorregadia que se instala. Dentro de outra perspectiva, podemos encarar isso
como a aurora de uma nova episteme, baseada em valores muito mais dionisí-
acos do que apolíneos, para utilizar a expressão de Maffesoli. Ou ainda, pode-
mos assumir simplesmente que estes estremecimentos são parte da jornada,
percalços que não necessariamente condenam a caminhada moderna, mas, pelo
contrário, a fortalecem, na medida em que demonstram sua capacidade de auto-
análise, sua própria maturidade (Bauman, 1998: 288).
Enfim, o que importa para este trabalho é que, se há algum tremor na base,
este tremor se reflete nas retóricas que nela se apóiam. Se existe uma nova
valoração epistêmica, ou se a hegemonia está sendo disputada, então necessa-
riamente estão dadas as condições para o surgimento de novos discursos inter-
pretativos, que representem e legitimem estas novas visões de mundo.
É justamente dentro deste contexto que se demonstra peculiarmente inte-
ressante a questão do lúdico. Afinal, talvez existam poucos temas que se opo-
nham tão diretamente ao ethos da modernidade sólida quanto este. Poucas
coisas foram tão atacadas, suprimidas, reguladas, desqualificadas e negadas
com tanto vigor, tanto pela razão, quanto pela ética puritana. Por esta mesma
razão, quaisquer alterações que se produzam nas retóricas sobre este gênero
terá condições de ser percebida com muito mais clareza e intensidade do que
em áreas onde não houve uma oposição frontal com o pensamento hegemônico.
Eis aí, por exemplo, uma explicação para o interesse constante dos teóricos pela
fantasia, que tomamos aqui como um dos aspectos da manifestação lúdica. Ela
é, pelo fato de ser a nêmesis de uma episteme, um dos locais em que se pode
captar, de maneira privilegiada, as alterações do quadro hegemônico.
Também no intuito de expor esta discussão em sua forma mais evidente, en-
tendemos importante focalizá-la dentro da forma mais estreita pelo qual o espí-
rito lúdico foi apreendido – e combatido – ao longo dos séculos, que é através do
jogo em sua maneira mais formal, mais agonística, mais simbolicamente visível.
Pois se existem retóricas que argumentam que a própria mente jogue com si
própria, que a linguagem se manifeste como um jogo, ou que o homem seja um
joguete do destino, nenhuma destas formas é tão facilmente identificável como
a do jogo enquanto artefato cultural.
Jogos e Vida: a emergência do lúdico na cibercultura

Dentro desta perspectiva, também é importante ancorar esta discussão sobre o

lúdico dentro do limites da cibercultura. Sob certo aspecto, as tecnologias da co-
municação são, simbolicamente falando, também zonas limítrofes, que testam
os paradigmas vigentes, que recompõem, reestruturam, que permitem a espe-
culação sobre novas formas de convivência. Ao posicionarmos nosso foco entre
o lúdico e o ciber (e parece inegável que as manifestações lúdicas encontram,
na cultura da simulação, uma oportunidade ímpar de revitalização e expansão)
estamos filtrando e tornando ainda mais claro o nosso processo de análise. E
dentro do campo que compreende a cibercultura, parece óbvio que o aspecto
mais proeminente se concentre nas relações sociais tecidas dentro da rede das
redes, a internet.
É por esta via que, forçosamente, chegamos aos jogos eletrônicos como
objeto privilegiado de estudo. Afinal, eles se enquadram dentro destas quatro
especificações: lúdica, formal, digital e conectada. Ora, os jogos eletrônicos são
uma das formas de entretenimento com crescimento mais meteórico nas últimas
décadas, que convive em contubérnio com a ascensão da cultura informática.
Não à toa eles hoje seduzem os que deles ousam experimentá-los.
No cerne deste encantamento, talvez esteja a capacidade deste tipo de
ambiente se constituir num universo simbólico auto-suficiente, construído e
compartilhado em diversos graus pelos que dele participam, numa imersão por
vezes tão rica, complexa e profunda que, em última instância, a interação entre
os jogadores e a gravidade destes relacionamentos possa ser entendida, dentro
de determinadas retóricas, como o próprio jogo das significações pelas quais
vivemos a vida. Percepção, que, em si, já desafia as retóricas tradicionais pelas
quais os jogos eram trabalhados, o que só comprova a validade e a relevância do
objeto que elegemos nesta análise.
270
271
Sobre o Autor
Fabiano Alves Onça é Game designer, Mestre pela Eca/ Usp.

Texto publicado pelo File em 2009.

Novas
indústrias
culturais da
América Latina
ainda jogam
velhos jogos:
Da República
de Bananas a
Donkey Kong
Jairo Lugo,
Tony Sampson E
Merlyn Lossada
teoria

digital

economia

videogame

estrutura

indústria
 FILE TEORIA DIGITAL

Introdução

1. El Universal, 11 de Este artigo explora a indústria de videogames como parte do que se tornou co-
janeiro de 2001. nhecido como “indústrias culturais” (Hesmondhalgh 2002), usando a América
2. Depois de 20 anos Latina como estudo de caso. Sugerimos que a indústria de videogames possui
o país estabeleceu uma economia política que responde aos mesmos princípios e padrões de uma
seu primeiro marco
importante com o empresa convencional. Em nossa opinião, essa indústria tem valores tecnológi-
Atari (Sheff 1993). cos específicos definidos por “convergência e digitalização” (Baldwin et al. 1996)
e compartilhados por outras chamadas novas mídias. Sugerimos que eles são
de fato fatores chaves para explicar o desenvolvimento desse setor, mas, como
argumentamos, de modo algum representam uma alteração das relações entre
os agentes econômicos de produção, distribuição e consumo.
Ao contrário, assim como outras indústrias culturais, a indústria de video-
games tende a reproduzir a economia política do sistema de relações, tanto em
estrutura (nível econômico) quanto em superestrutura (nível ideológico), pelo
menos no caso da América Latina.
Houve muito otimismo nessa região em relação ao potencial das novas eco-
nomias. O anúncio feito pela Microsoft no início de 2001 de que o Xbox seria
fabricada no México1 talvez tenha sido um dos mais importantes indicadores
de que nos anos seguintes a indústria de jogos dos EUA tentaria criar um pólo
de desenvolvimento alternativo distante do Extremo Oriente. O “retorno do Ca-
pitão América” (Price 2001), frase que os analistas cunharam para descrever
o ressurgimento dos EUA no mercado global de videogames2, foi interpretado
de maneira otimista como uma importante oportunidade para a América Latina
desenvolver sua própria indústria de jogos ou, pelo menos, como uma oportu-
nidade para desenvolver produtos e serviços nativos de valor agregado nesse
setor pujante. No entanto, evidências sugerem em contrário, com companhias
como Microsoft e Nintendo – em joint-ventures com fabricantes locais de brin-
quedos e jogos – desenvolvendo um modelo de manufatura- marketing para
videogames na América Latina baseado em linhas de montagem locais, situadas
em áreas econômicas “especiais”, onde os principais componentes eram trazi-
dos de fora com muito pouco valor agregado pela comunidade industrial local.
Esse esquema foi amplamente descrito na América Latina como um modelo de
“maquiadoras” (“Maquilas” – Stoddard, 1987) e é considerado parte de uma es-
tratégia para aumentar a competitividade do mercado. O modelo da maquiadora
está em operação desde a década de 70 e aproveita o potencial do Tratado de
Livre Comércio da América do Norte (Nafta)3, que não apenas facilita o acesso à
mão de obra barata como também oferece facilidades de exportação com base
em uma substancial redução das tarifas para o mercado americano.
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

Em nossa opinião, o modelo de produção de consoles, acessórios e software 3. O Tratado de Livre

para videogames segue o mesmo padrão de indústrias tradicionais como au- Comércio do Atlântico
Norte (Nafta na sigla
tomóveis e eletrodomésticos. Além disso, os “valores” tecnológicos que carac- em inglês) é um
terizam a indústria de videogames que tiveram pequeno impacto na relação pacto comercial entre
existente entre os vários agentes econômicos. Evidências sugerem que compa- Canadá, México e EUA,
muito semelhante
nhias como Microsoft e Nintendo estão investindo no México, Costa Rica e Bra- à Área Econômica
sil para desenvolver centros de produção de baixo custo, capazes de exportar Européia. Segundo o
para o mercado americano usando as oportunidades oferecidas pelo Nafta e Nafta, os três países
são capazes de
outros acordos inter-regionais. Isso simplesmente repete a maneira como as importar e exportar
indústrias tradicionais transferiram suas operações de produção para centros 90% de seus produtos
de baixo custo no Extremo Oriente nos anos 1960 e 1970. Além disso, esses sem taxação. A ideia
é desenvolver esse
realinhamentos industriais não se baseiam simplesmente na legislação vigente acordo em um tratado
e em acordos internacionais, mas também na percepção generalizada de que internacional que
o subcontinente oferecerá no futuro próximo um espaço de investimento que inclua da Patagônia ao
Alasca (EUA) até 2005.
permitirá a certas indústrias evitar restrições legais e regulamentações e apro-
veitar plenamente as facilidades de exportação para o mercado americano. Por-
tanto, esta pesquisa não apenas incorpora uma análise introspectiva usando os
dados quantitativos disponíveis, como também leva em conta as percepções de
empresários e homens de negócios da indústria de videogames.
Este artigo é especialmente crítico à suposição de que a indústria de vide-
ogames está isenta do quadro tradicional das indústrias culturais já que pos-
sui um conjunto diferente de valores tecnológicos que a torna única. De fato,
evidências sugerem que a transferência de valores tecnológicos, definida por
digitalização e convergência, está oferecendo pequenas oportunidades para a
criação de uma indústria de jogos nativa que pudesse oferecer valor agrega-
do (em termos de software). Consequentemente, sugerimos que mesmo que os
valores tecnológicos que caracterizam a indústria de videogames sejam relati- 274
vamente diferentes dos das indústrias culturais tradicionais (mídia analógica 275
como rádio, televisão, cinema, etc.), a natureza das relações econômicas entre
os agentes de produção é a mesma.

O passo para um grande lugar

Mais de três décadas atrás, Celso Furtado (1970) escreveu que a análise econô-
mica é meramente uma primeira abordagem do estudo dos processos históricos
complexos que se desenrolam na América Latina. Na verdade, seu postulado de
que o que acontece na região “é amplamente condicionado por variáveis exóge-
nas” continua válido.
 FILE TEORIA DIGITAL

4. Outras empresas Tradicionalmente, a América Latina foi definida como o “quintal” dos EUA, e exis-
parecem muito te uma suposição corrente de que é um grupo de “Repúblicas de Bananas inca-
conscientes do
pontencial do mercado pazes de produzir qualquer coisa além de matérias-primas, bom rum e ditadores
latino-americano. A gordos”. Visões mais elaboradas parecem reconhecer os mercados de mídia e
América Online Latin telecomunicações da região como um jogo de xadrez kafkiano, em que a mão
Inc. (AOL) concluiu os
termos de um pacote invisível do mercado, juntamente com o braço tangível da política e as inten-
de financiamento de ções suspeitas de corporações internacionais, movimenta as peças em diversas
US$150 milhões com direções (Cole, 1996).
seus três principais
acionistas, pelo qual Em termos da indústria de videogames e novas mídias, a América Latina é
a companhia espera um mercado contraditório e mutável.
tornar-se o principal Nas últimas duas décadas a maioria dos países da região experimentou mu-
provedor de serviços
interativo na região. danças profundas e drásticas em sua estrutura política (Cordeiro, 1995) e pas-
A América Online saram de sociedades altamente politizadas com economias centralizadas, que
Inc., subsidiária da incluíam um papel forte do Estado e sistemas políticos caracterizados na maio-
gigante da mídia AOL
Time Warner Inc., ria por ditaduras militares, para democracias liberais representativas e formais
está comparando que estão cada vez mais desregulamentando suas economias e tentando obter
US$66,3 milhões de acesso ao mercado global. Todas essas mudanças correspondem a um processo
ações preferenciais
resgatáveis, enquanto de “desmobilização política” (Tironi e Sunkel, 2000).
o Grupo Cisneros da Uma das mudanças mais importantes aconteceu no setor de mídia e comu-
Venezuela (ODC) está nicações em meados dos anos 1990, quando a América Latina privatizou sua
comprando os outros
US$ 63,8 milhões indústria de telecomunicações e viu o retorno de importantes fluxos de inves-
(Reuters, 2001). O timentos para a região para essa área específica (Relatório Anual do Banco In-
principal objetivo é teramericano de Desenvolvimento, 2000). Quantidades significativas de capital
ser um agente chave
no desenvolvimento foram alocadas para os setores de telecomunicações, mídia e computação, espe-
da supervia da cialmente no Brasil, México, Costa Rica, Venezuela e Argentina. Para os setores
informação na América de telecomunicações e computadores, a América Latina é hoje uma das regiões
Latina nos próximos
anos. A região está de crescimento mais rápido no mundo, embora ainda seja um mercado marginal
se tornando um em comparação com os EUA, Europa e Ásia. Steve Ballmer, vice-presidente da
campo fértil para Microsoft, talvez o mais importante novo ator na indústria de videogames, afir-
desenvolvimentos
de alta tecnologia. mou que a América Latina foi a região de maior crescimento para sua empresa
Estima-se (IDC 2001) nos últimos três ou quatro anos, e espera que continue com um crescimento
que um em cada quatro “incrível”4 (Reuters, 2001). A companhia disse que teve um crescimento médio
latino-americanos
possuirá um telefone anual de 30% nos últimos três anos na região, enquanto seu crescimento global
celular em 2004, e foi de 5% a 10% ao ano.
os mesmos analistas Parece que as companhias americanas não estão necessariamente interes-
creem que isso levará
a um maior acesso sadas em desenvolver linhas de manufatura e infra-estruturas para satisfazer
móvel à internet o mercado local. Por isso, o investimento local em indústrias relacionadas à
(Schereeres, 2001). tecnologia da informação e comunicações (TIC) parece ser feito principalmente
para melhorar a competitividade das exportações5, já que as companhias de alta
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

tecnologia americanas estão interessadas tanto no atual potencial do merca- 5. O que outros
do local6 quanto no futuro uso da América Latina como plataforma para expor- conglomerados
industriais fizeram
tar para os EUA e o Canadá. Essa visão é sustentada pelo próprio tamanho do nos anos 1960 e 1970
mercado, que não justifica a quantidade de investimento em telecomunicações no Sudeste Asiático
e tecnologias digitais nos últimos cinco anos. Por exemplo, somente 1,5% da (Myint, 1972).

população latino-americana está conectado à Internet em base diária, enquanto 6. Como exemplo,
o índice nos EUA é estimado em 37%. Em termos do mercado de videogames, a a pesquisa Video
América Latina representa um segmento marginal das vendas mundiais: somen- Games & Intelligent
Toys indica que
te 2% do consumo mundial de software e hardware (Figura 1). 48% dos visitantes
Outro elemento do mercado interno que projeta dúvidas sobre os investi- à Cartoon Network
mentos americanos se relaciona à penetração tecnológica. A América Latina (CN.com) na América
Latina baixaram um
compreendia apenas 3,2% dos 165 milhões de usuários mundiais da Internet videogame no último
em 1999 (Gómez 2000). Em outras palavras, a região não está exatamente na mês (contra 29% que
vanguarda no uso de TIC (Figura 2). surfaram por motivos
educacionais). Os
Além disso, um relatório da companhia de pesquisa de mercado e tecnologia brinquedos ficaram
Dataquest (Gartner Group 2001) mostra que a divisão digital na América Latina em 4º lugar numa
está aumentando e há muito poucas probabilidades de um crescimento expo- lista de 20 produtos
comprados online por
nencial de TIC na região no futuro próximo. visitantes da CN.com
Com base em um estudo de acesso a serviços telefônicos básicos e a serviços (a média de idade é
de banda larga na Internet, o relatório indica que 80% dos consumidores ameri- 9 anos).

canos têm conexões telefônicas, comparados com 24,5% dos chilenos. 7. Esse índice mede
Este é um número interessante se considerarmos o fato de que o Chile tem o a capacidade de 55
maior número de conexões telefônicas per capita na região. Depois vêm Argentina, países de participar
da revolução da
com 23,1%, Colômbia com 22,4% e Brasil com 20%, numa região com um número informática. Criado
médio de 17,3%. A pesquisa da Dataquest também indica que “a América Latina por uma joint-
fica muito atrás dos EUA em termos de uso de banda larga. adventure entre
World Times e IDC
Mais de 6 milhões de americanos têm acesso à Internet com banda larga, Information, o índice 276
enquanto somente 53 mil brasileiros, 38 mil argentinos, 22 mil chilenos e 20 mil oferece dados de
análises exigidos 277
mexicanos tiveram esse acesso em 2000”.
para mensurar o
Outra referência importante que corrobora essa visão é o Índice de Socieda- progresso em direção
de da Informação (ISI)7, que salienta uma lacuna abissal entre o ISI da América À sociedade digital,
Latina e o da maior parte dos países desenvolvidos (Figura 3). avaliando
oportunidades de
Não há um só país latino-americano que possa ser classificado como “skater” mercado e políticas
(nota no ISI acima de 3.500), um país em posição forte o suficiente para aproveitar de desenvolvimento.
plenamente a revolução da informática por causa de informações, computado-
res, Internet e infra-estruturas sociais avançadas. Além disso, o Brasil, México8,
Colômbia, Venezuela, Equador e Peru nem sequer se classificam como “striders”
(nota no ISI acima de 2.000), países que estão entrando decididamente na era da
informática, com a maior parte da infra-estrutura necessária implantada.
 FILE TEORIA DIGITAL

20% 40% 60% 80% 100%

8. O México é o
segundo mercado de
América do
internet na América
Latina depois do Norte: 44%
Brasil (Nielsen
NetRatings, 11 de Ásia: 28%
junho de 2001), onde
10,4 milhões de
pessoas têm acesso
à internet em casa. Europa: 23%
Mais de 87% dos
usuários de internet
mexicanos visitaram
América Latina
uma máquina de
buscas ou portal
e do Sul: 2%
em abril, e 80,6%
visitaram os sites Oceania: 2%
de companhias
de telecom ou
provedores de
internet. Oriente
Médio: 1%

África: 0%

Figura1. Mercado Mundial de Video-Games. Fonte: The NPD Group Worldwide-Toy Associations.

Na verdade, a maioria dos mercados latino-americanos pode ser classificada

como “sprinters” (nota no ISI acima de 1.000), países que avançam em surtos an-
tes de precisar retomar o fôlego e mudar de prioridades por causa de pressões
econômicas, sociais e políticas.
No entanto, as contradições do mercado aparentemente subdesenvolvido
surgem quando comparamos áreas de produção específicas em países especí-
ficos. O potencial da indústria de videogames na América Latina não está ape-
nas no mercado em si, mas também na percepção irreal da região como uma
possível plataforma para exportar e aumentar as vendas globais. Por exemplo,
na pesquisa mundial “Brinquedos e Jogos”, a Euromonitor (1999) indica que os
acessórios para o mercado de videogames no Japão “valiam apenas US$ 13,3
milhões em 1998, somente US$ 4 milhões a mais que as vendas no Brasil”. O
mercado japonês registrou um ligeiro declínio entre 1989 e 19949, enquanto o
Brasil apresentou um ritmo de crescimento de três anos. O relatório também
salientou o fato de que os EUA representam 80% dos acessórios globais com-
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

0% 25% 50% 75% 100%

9. No entanto, esse
Televisores se deveu ao fato
de que os clientes
japoneses preferem
Telefones Fixos consoles em vez de
acessórios de PC.

Tv à Cabo

Telefone Digital

PCs

Internet

Tv via Satélite

Países EUA Brasil Mexico Argentina

Figura 2. Penetração das Tecnologias de Comunicação. Fonte: Infoamerica.

prados e que muitos dos acessórios produzidos e vendidos no Brasil terminaram

no mercado americano.
Consequentemente, existem fatores que indicam que o desenvolvimento de
uma indústria de videogames na América Latina poderia responder mais a seu
potencial como produtor de baixo custo e exportador, do que a seu potencial 278

como mercado de consumo. 279

Concentrando-se no jogo

A esta altura parece claro que a percepção do mercado tem um papel chave na
motivação do investimento e desenvolvimento da indústria como um todo. Um
grupo de opinião composto de empresários, administradores e homens de ne-
gócios da indústria de videogames baseado em Caracas (Venezuela), mas com
experiência em outros países latino-americanos10, discutiu um conjunto de
FILE TEORIA DIGITAL

1.000 2.000 3.000 4.000 5.000 6.000 7.000

Suécia

EUA

Reino Unido

Argentina

Chile

Costa Rica

Panama

Venezuela

México

Equador

Brasil

Colômbia

Peru

Figura 3. Índice de Informação Social. Fonte: World Times/ IDC.

NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

questões estruturadas relacionadas à natureza e ao futuro desenvolvimento 10. Oito pessoas

do setor na América Latina. A dinâmica do grupo também incluía uma análise participaram do
grupo de opinião,
de força, oportunidades e fraquezas. A dinâmica trouxe conceitos interessantes que foi realizado em
para a discussão, e embora não tenham validade geral, oferecem uma “aborda- Caracas (Venezuela)
gem de insiders” para a visão do setor sobre si mesmo. em 19 de dezembro
de 2000. Elas vinham
Todos os participantes concordaram que lá não existe uma indústria de vi- de diversas partes do
deogames no sentido puro, mas sim uma parte de uma indústria significativa setor de videogames
de brinquedos, jogos e computadores, “definida pelas tendências e estruturas e eram de diferentes
nacionalidades,
corporativas internacionais”. Os participantes admitiram o potencial do mer- representando
cado, não por si só, mas como parte de um contexto maior (que se equipara a diferentes partes
nossas conclusões estatísticas). Seis membros do grupo de opinião comentaram da indústria;
trabalhavam
várias vezes as potenciais condições criadas pelo Nafta e outras reformas eco- com grandes
nômicas que estão ocorrendo na América Latina. Um dos participantes afirmou fabricantes, cadeias
que: “Você tem um mercado potencial de mais de 500 milhões de habitantes e independentes de
distribuição de
uma plataforma desregulamentada para exportar para os EUA no contexto da hardware e software
[área] alfandegária unificada, regimes fiscais homogêneos e força de trabalho de videogame
competitiva. Tudo isso está acontecendo no quintal do maior mercado de vide- e outras áreas
relacionadas.
ogames do mundo.” As perguntas e
Os participantes também concordaram sobre a importância do mercado declarações foram
latino-americano, “onde as vendas vêm melhorando nos últimos 24 meses” e discutidas durante
duas horas e 15
que as vendas de videogames “pareciam não ser afetadas no mesmo nível que minutos.
outros produtos e serviços”, mas manifestaram preocupações de somente isso
possa justificar o volume intensivo de investimentos que o desenvolvimento de
uma indústria nativa exigiria.
Um dos participantes do departamento de marketing de um escritório re-
gional de uma firma de jogos apontou a especificidade do mercado na região,
comparado com outros setores:
“O mercado de videogames na América Latina parece manter tendências atí- 280
picas, independentemente do restante do mercado. Em outras palavras, obser- 281
vamos que apesar de o índice de consumo cair para os computadores, serviços
e outros tipos de TIC, não é necessariamente o caso dos videogames. Você pode
manter vendas constantes ou registrar uma grande queda e em nenhum dos ca-
sos observar uma relação com o resto do mercado.”
O grupo concordou sobre vários padrões comuns da indústria de videogames
na América Latina. O primeiro padrão é que “a região não é homogênea e portan-
to não pode ser avaliada como um único mercado”. Por exemplo, um participante
que trabalhou anteriormente em São Paulo afirmou “que o Brasil por si só não é
apenas o único maior mercado, mas também uma região dentro de uma região”.
 FILE TEORIA DIGITAL

11. Na verdade, Os participantes indicaram que apesar de a região ter importantes disparidades
o mercado de sociais de renda de um estrato social para o outro, “a [natureza dos] padrões de
videogames do
Brasil é maior que os consumo é muito semelhante ao mundo desenvolvido”.11
mercados da Espanha, Um segundo padrão percebido pelos participantes era que a América Latina
Portugal e tem conhecimento, tecnologia e capacidade industrial para desenvolver har-
Suécia juntos
(Euromonitor 200). dware. No entanto, esse não é necessariamente o caso em relação ao software.
De fato, como disse um participante do setor de software: “O desenvolvimento
de software e aplicativos para jogos de computador precisa de importantes
investimentos em desenvolvimento e pesquisa”. Esse mesmo participante
apontou que:

No início, no final dos anos 80, os videogames não eram sofisticados. O que
importava era ter um projeto criativo e algumas técnicas de programação. Um
jogo de pingue-pongue em preto-e-branco muito básico foi um sucesso. Isso
não acontece mais. Crianças e adultos querem qualidade, realidade e dimensio-
nalidade. E isso exige dinheiro e recursos.

Houve consenso no grupo sobre isso. O grupo também concordou que os empre-
sários locais na região teriam menor disposição a aventurar-se em software do
que em hardware. Como colocou um empresário:

Embora pareça que o software oferece oportunidades para desenvolver uma

nova indústria com baixo investimento e risco, a realidade é muito diferente.
Quando você desenvolve um jogo, precisa de equipamento de alta tecnologia,
com muita memória para o processamento de gráficos. Todo o seu projeto de-
penderá de pessoas com capacidades que exigem salários de primeiro mundo e
que a qualquer momento passarão para um concorrente ou mesmo para outro
país, deixando-nos no ar. No fim do dia você está lá sozinho, arriscando uma
quantia importante de capital.

Outro participante acrescentou:

Isso não acontece com o hardware. Desenvolver software para videogames

poderia dar certo como empresa pessoal, mas não é uma decisão que muitos
fabricantes de brinquedos na América Latina podem se permitir. O hardware pa-
rece um caminho lógico e racional para as companhias locais. Se você pretende
manufaturar hardware, provavelmente o fará sob licença, com canais de distri-
buição já garantidos e melhores condições financeiras para o investimento.12
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

No entanto, os membros do grupo concordaram que o desenvolvimento de sof- 12. Deve-se salientar
tware para videogames não é impossível e que poderia acontecer, apontando também que a
maioria dos países da
exemplos interessantes na área educacional.13 Mas todos os participantes dei- América Latina tem
xaram claro que nas atuais condições seria muito difícil para a América Latina Eximbanks e fundos
desenvolver uma indústria de software competitiva. de industrialização
criados em meados
Outro padrão observado pela maioria dos participantes é que, apesar da in- da década de 1970,
segurança jurídica, da instabilidade política e de um setor de serviços públicos que oferecem crédito
inadequado – as fraquezas mais importantes da região como pólo alternativo de com taxas menores
para esse tipo de
desenvolvimento para a indústria de videogames – uma cultura de exportação operação.
está sendo desenvolvida no continente. Todos os participantes reconheceram
que um esquema político e institucional mais estável precisa ser construído e 13. Na verdade
a Universidad
mencionaram que o processo de privatização e desregulamentação das teleco- de los Andes em
municações e serviços estava melhorando rapidamente a situação. Bogotá (Colômbia)
Esse não era o caso em relação a segurança jurídica para investimentos, já desenvolveu um
projeto chamado
que tribunais e sistemas jurídicos ainda são vistos como “incompetentes, alta- Ludomática, em que
mente politizados e suscetíveis a corrupção”. os pesquisadores
O grupo percebeu a “pirataria” – reprodução ilegal de produtos – como a desenvolveram
software de
maior ameaça para o futuro da indústria de videogames na América Latina. Essa vídegame para fins
percepção equivale aos dados estatísticos disponíveis. O Conselho Venezuelano educacionais em um
para Promoção de Investimento Privado (Conapri, 1999) estima que a indústria programa chamado
“A Cidade Fantástica”.
de software na América Latina é ameaçada por uma taxa média de pirataria de O software teve
68% (Figura 4). relativo sucesso
Concluindo, os participantes viam o acesso ao mercado americano como o e atualmente está
sendo considerado
elemento mais importante a abordar se a região quiser desenvolver seriamente por pelo menos
uma indústria de videogames para hardware e software. Esse foi um dos comen- uma companhia
tários mais recorrentes durante a sessão. multinacional.
Os participantes estavam conscientes de e preocupados com o impacto que
o acordo de livre comércio continental teve sobre o potencial da indústria. To- 282
dos os participantes percebiam que ele significaria não apenas um maior acesso 283
ao mercado de videogames dos EUA14, mas também representaria um ambiente
mais estável politicamente e seguro legalmente para investimentos.

Grandes e pequenos macacos na República de Bananas

Como disse um dos participantes do grupo de opinião, “não podemos falar sobre
uma indústria de videogames latino-americana propriamente, mas sobre uma
indústria básica que se situa entre a representação local da indústria global de
FILE TEORIA DIGITAL

10 20 30 40 50 60 70 80 90 100

Argentina: 73%

Brasil: 60%

Bolívia: 80%

Chile 68%

Colômbia: 59%

Costa Rica: 60%

República
Dominicana: 79%

Equador: 66%

El Salvador: 80%

Guatemala: 81%

Honduras: 74%

México: 59%

Nicaragua: 80%

Panamá: 73%

Paraguai: 83%

Peru: 71%

Uruguai: 69%

Venezuela: 86%

Média da A.L.: 68%

Média Mundial: 35%

Figura 4. Pirataria de Software na América Latina (% de software copiado ilegalmente disponível no

mercado). Fonte: Business Software Alliance, 6th Annual Report on Latin America, 2008.
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

3 Day Blinds Foster Grant Corporation Mitsubishi Electronics Corp. 14. Em acessórios de
20th Century Plastics General Electric Company Motorola videogame em 1998,
os EUA representaram
Acer Peripherals JVC Nissan US$960 milhões, o
Bali Company, Inc. GM Philips que é cinco vezes
Bayer Corp./Medsep Hasbro Pioneer Speakers o tamanho dos
mercados da
BMW Hewlett Packard Samsonite Corporation Europa Ocidental e
Canon Business Machines Hitachi Home Electronics Samsung Japão juntos
Casio Manufacturing Honda Sanyo North America (Euromonitor 2000).
Chrysler Honeywell, Inc. Sony Electronics
Daewoo Hughes Aircraft Tiffany
Eastman Kodak/Verbatim Hyundai Precision America Toshiba
Eberhard-Faber IBM VW
Eli Lilly Corporation Matsushita Xerox
Ericsson Mattel Zenith
Fisher Price Maxell Corporation
Ford Mercedes Benz

Tabela 1. Maquiadoras na fronteira EUA-México.

videogames e o ‘apêndice’ das indústrias nacionais de brinquedos e jogos”. Essa

definição parece precisa se analisarmos as tendências de mercado e o papel dos
atores. Definir o mercado de videogames como “maquiadoras” da indústria global
parece certo, então.
A maquiadora é um tipo de indústria muito comum no norte do México e
outros países da América Central, que é operada por corporações americanas,
européias e asiáticas para juntar partes de produtos industriais (sobretudo ele-
trodomésticos) e depois exportá-los para os EUA, aproveitando os acordos e 284
interesses regionais. 285
As maquiadoras são indústrias administradas por firmas internacionais
em áreas economicamente pobres que principalmente importam partes de cer-
tos produtos, os montam usando mão-de-obra barata e os exportam livres de
impostos para os EUA. Significativamente, as maquiadoras se beneficiam de
tratamento especial do governo – supostamente justificado pelo fato de que
elas se situam em áreas pobres – e na maioria dos casos são isentas de impos-
tos e não precisam acatar as leis nacionais relativas ao emprego ou salário mí-
nimo. Existe um grande número de maquiadoras no México e na América Central,
e seu número está crescendo na América do Sul. As maquiadoras tornaram-se
 FILE TEORIA DIGITAL

15. Mesmo a populares com o advento do Nafta. Também é interessante notar que várias cor-
posição assumida porações globais que têm maquiadoras na fronteira EUA-México estão direta e
recentemente pelo
Brasil, questionando indiretamente envolvidas na indústria de videogames (Tabela 1).
a viabilidade do Apesar de o esquema das maquiadoras ter sido fortemente criticado porque
Nafta, expandindo representa pouco mais que uma relocação do modelo de “exploração” usado no
o Mercosul e
distanciando-se de Extremo Oriente, parece um modelo mais provável para a indústria de videoga-
um esquema rígido de mes seguir na América Latina. A criação de uma zona de livre comércio do Alasca
conversibilidade da à Patagônia em 2005 – se permanecerem as variáveis políticas e econômicas
moeda, é considerada
até certo ponto – levará a uma proliferação de maquiadoras por todo o continente. Várias corpo-
convergente com a rações internacionais que manufaturam e vendem videogames estão seguindo o
criação da Área de modelo e montaram fábricas que produzem hardware que poderá ser usado para
Livre Comércio das
Américas (ALCA). Isto fabricar consoles (Alvarez e Rodriguez, 1998)15.
é ainda mais provável A Nintendo, por exemplo, tem investimentos diretos na América Latina. A
depois do colapso da empresa chegou ao Brasil em 1993 através da Playtronic Industrial Ltda. Entre
economia argentina
no ano passado. 1993 e 1996 a Playtronic lançou a Nintendo Entertainment System (NES – 8 bits),
o Game Boy portátil, o Super Nintendo Entertainment System (SNES – 16 bits)
e o Virtual Boy (portátil l – 32 bits). Em 1996 essa companhia se fundiu com
a Gradiente Entertainment Ltda, uma gigante eletrônica que está no mercado
desde os anos 60. Essa medida coincidiu com o lançamento do primeiro sistema
de videogame de 64 bits, Nintendo 64, que muitos analistas latinoamericanos
consideraram uma “revolução” na indústria.
Em julho de 1998 a companhia tinha vendido 1,5 milhão de unidades de har-
dware e apenas 1,4 milhão de unidades de software (Relatório Anual Nintendo-
Brazil, 2001), o que poderia ser interpretado como um sinal de que a indústria
estava concentrando seu esforço em hardware.
Com uma fábrica em Manaus e escritórios em São Paulo, a Gradiente opera
em todo o Brasil e está expandindo sua produção para atingir outros mercados
da região, mas se concentrando principalmente nos EUA. A companhia também
busca estratégias para aproveitar os acordos de integração econômica como
Nafta e Mercosul.
A Microsoft, com sua Xbox, hoje compete com a Sony e a Nintendo em um
mercado global de US$ 6,5 bilhões. A companhia pretende construir uma fábrica
de hardware no México e não descartou a possibilidade de licenciar a produção
para fábricas independentes no Brasil e na Costa Rica. De fato, a Microsoft quer
agitar o mercado da mesma maneira que a Sony fez (Charles, 2001).
A Sega, que está se retirando da fabricação de hardware e se concentrando
totalmente no software, tem escritórios em Porto Rico e no Brasil. Em Porto Rico
ela opera a Sega, pois as leis americanas a protegem, e de lá administra suas
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

operações nos mercados da América Central e Caribe. No entanto, no Brasil essa 16. A indústria
mesma companhia tem uma associação com a Tec Toy, uma firma local que expe- de brinquedos e
jogos da América
rimentou um crescimento significativo nos últimos anos e em 1996 vendeu mais Latina não deve ser
de 2 milhões de videogames no Mercosul. A Tec Toy é uma companhia brasileira subestimada, com
fundada em 1987, que hoje ocupa o segundo lugar no mercado de brinquedos do vendas líquidas em
1998 de US$ 1,8
Brasil, segundo dados publicados pela Abrinq (Associação Brasileira de Fabri- bilhão (Euromonitor
cantes de Brinquedos). 2000), e talvez seja
Devido ao anúncio da Sega de que ia parar a produção de hardware, a com- uma das indústrias
manufatureiras
panhia está lançando uma nova estratégia de mercado e produção, e Arnold e mais desenvolvidas
Dazcal, os fundadores da companhia, não descartaram expandir seus produtos no continente
para acessórios genéricos. meridional, mas
a indústria de
Parece haver um padrão comum em que as corporações globais não fabricam brinquedos e jogos
diretamente seus produtos, mas os terceirizam para firmas locais e depois os local não somente
revendem com seu logotipo. Um modelo já utilizado por multinacionais como tem capital,
conhecimento
Nike, Adidas e outros fabricantes de roupas no Extremo Oriente. de mercado e
Novas peças, mas o mesmo velho jogo. O futuro da indústria de videogames infra-estrutura
na América Latina parece claramente definido por fatores internacionais. Em para sustentar as
companhias globais,
nossa opinião, o desenvolvimento lógico dessa indústria será para a raciona- como também
lização das maquiadoras através de joint-ventures com fabricantes locais de tema capacidade
brinquedos e jogos (o modelo foi bem descrito por Pérez Sáinz, 1998). de influenciar
legisladores,
Os mercados do México e do Brasil provavelmente serão os principais alvos, autoridades
mas também o acesso ao mercado americano, que oferecerá à indústria de vide- alfandegárias e
ogames o potencial de se desenvolver como um importante centro de produção outros grandes
agentes políticos que
e distribuição na região. afetam as operações.
Sugerimos que uma análise clara da indústria de videogames na América
Latina deva ser realizada dentro de um contexto global. Nesse sentido, alguns
analistas prevêem que em 2003 a indústria de brinquedos e jogos global valerá
quase US$ 80 bilhões em preços constantes de 1998 (Euromonitor, 2000). A pes-
286
quisa Toys and Games: A World Survey (Euromonitor, 2000) também prevê que a
287
América Latina assumirá uma parcela cada vez maior desse mercado, já que a
população e os índices de crescimento de renda estão aumentando16.
Outro fator importante a considerar é que a região parece ter o potencial
para montar hardware e poderá eventualmente desenvolver hardware genérico
para videogames.
No entanto, é provável que isso só aconteça sob o esquema de maquiadoras.
Se a indústria for capaz de se consolidar sob esse modelo, então talvez possa
começar a desenvolver software. Em todo caso, a transferência de tecnologia e
capacidade será uma questão chave, mas também dependerá de diversos fato-
res, incluindo políticas nacionais, variáveis políticas e condições econômicas.
 FILE TEORIA DIGITAL

17. Na verdade Somos tentados, devido ao determinismo tecnológico, a ver coisas novas em
Drucker refere- quase todo lugar. Passamos a nos referir aos videogames como uma “nova in-
se ao México.
Paradoxalmente, isto dústria cultural” (Hesmondhalgh, 2002). Mas as relações econômicas dos agen-
foi escrito pouco tes de produção, distribuição e consumo definem principalmente a natureza de
antes da crise da uma indústria, mesmo que o processo ocorra em um ambiente multiplataforma.
Tequila de 1994.
Em meados dos anos 1990 havia uma quantidade importante de literatura
com visões otimistas, em que novas tecnologias de mídia eram capazes de li-
berar as forças do progresso e do desenvolvimento. Alguns autores (Drucker,
1993) chegaram a dizer que alguns países latino-americanos estavam na fase de
“decolagem” de seu desenvolvimento17 graças a essas novas tecnologias.
Apesar de termos deixado para trás muitos desses preconceitos, eles ainda
são conceitos poderosos na comunidade acadêmica e empresarial. Por isso, é
ainda mais importante olhar mais para trás e lembrar outros autores como o
economista brasileiro Celso Furtado (1970), que observou, mais de três décadas
atrás, que: “Na América Latina durante muitos anos a penetração da tecnologia
moderna se confinou virtualmente ao setor de infra-estrutura e mostrou um pa-
drão em que a assimilação de tecnologia é decididamente lenta, especialmente
nas atividades produtivas diretas.”
A tendência atual não é notavelmente diferente: a indústria de videogames
da América Latina é apenas mais uma quimera em evolução. Ainda está longe
de ser uma indústria definida, mas possui muitas características de outras in-
dústrias culturais. Sua economia política perpetua o modelo da dependência e
reprodução, tanto em nível econômico como ideológico, mas, assim como outras
indústrias culturais, tem o potencial de liberar as forças criativas da região.
Como a televisão, o rádio e o cinema, também vende ideologia através do entre-
tenimento, mas as antigas tecnologias analógicas também oferecem a oportuni-
dade de desenvolver um conteúdo nativo.
No entanto, o grau de valor agregado e participação local no processo de
produção parece ainda mais restrito do que em outras indústrias culturais.
No momento não há sequer escala de economia capaz de justificar pequenas
operações nesse sentido. Parece improvável que a região terá a oportunidade
de oferecer sua própria versão de Space Invaders – como fez a televisão nas
telenovelas – porque o mercado e a indústria já foram colonizados e os agentes
econômicos parecem ser de outro planeta.
NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
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Sobre os Autores
Jairo Lugo-Ocando Universidade de Stirling (UK).
Tony Sampson Universidade de East London (UK).
Merlyn Lossada Universidade de Zulia (Venezuela).

Tradutor do texto Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2006.

288
289
FILE TEORIA DIGITAL

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NOVAS INDÚSTRIAS CULTURAIS DA AMÉRICA LATINA AINDA JOGAM VELHOS JOGOS:
DA REPÚBLICA DE BANANAS A DONKEY KONG

290
291
THE GAMING
SITUATION 2.0
MARKKU
ESKELINEN

Versão ampliada e atualizada.

teoria

digital

narrativa

game

usuário

termo
FILE TEORIA DIGITAL

The Gaming Situation 2.0 é uma versão ampliada e atualizada do artigo origi-
nalmente publicado na primeira edição de Game Studies (Estudos de Jogos) em
2001 (www.gamestudies.org/0101/eskelinen/). O artigo concentra-se primeira-
mente na identificação e depois no estudo das características mais cruciais e
elementares que distinguem a situação de jogos das situações narrativas, dra-
máticas e de performance. De maneira diversa à dos estudiosos que analisam os
jogos como narrativas ou extensões de narrativas, o artigo argumenta que toda
teoria narratológica bem estabelecida e sofisticada, independentemente de sua
ênfase ser nos modelos comunicativos (Genette, Chatman, Prince) ou cognitivos
(Bordwell, Branigan), é basicamente uma teoria de reconstrução interpretativa
baseada no texto narrativo que é apresentado a seus leitores ou espectadores.
Entretanto, como todos sabemos ou deveríamos saber, os jogos não dizem res-
peito, primeiramente e antes de tudo, à interpretação e (re)presentação.
Ao aplicar a tipologia de cibertextos de Espen Aarseth, o artigo alega que a
principal função do usuário na literatura, teatro e cinema é interpretativa, mas
que nos jogos ela é configurativa. Ou seja, na arte talvez tenhamos que confi-
gurar para sermos capazes de interpretar, enquanto que nos jogos temos que
interpretar para podermos configurar, e prosseguir da situação inicial para a
situação vitoriosa ou qualquer outra situação. Portanto, entende-se que jogar é
uma prática configurativa e a situação de jogar é uma combinação de fins, meios,
regras, equipamentos e ações manipulativas necessárias.
Esta economia de meios e fins também diferencia os jogos das economias
interpretativas de narrativas (histórias narradas detalhadamente), drama (his-
tórias representadas) e performances (surgimento de seres e eventos que fo-
gem da matriz teatral tradicional (non-matrixed events)), assim como aconteci-
mentos (eventos participativos sem audiência). Depois de fazer essas distinções
elementares, a situação de jogar é ainda estudada em termos de articulação,
materialidade, processo, regras, ação manipulativa e equipamento.
Seguindo a leitura de Warren Motte de Homo Ludens Revisited de autoria
de Jacques Ehrmann, o artigo enfoca três ideias: as relações jogador-jogador,
jogador-jogo e jogo-mundo. Estas combinam-se com os mais importantes tipos
de relações potencialmente maleáveis nos jogos: a temporal, a causal, a espa-
cial e a funcional. Cada uma dessas relações podem ser estáticas ou dinâmicas.
No registro jogador-jogador, as relações estáticas são as que certamente
serão e permanecerão iguais (ou imutáveis) entre os jogadores no jogo e du-
rante o mesmo. As relações temporais estáticas indicam arranjos baseados em
turnos, enquanto que as relações temporais dinâmicas referem-se a ações re-
alizadas em tempo real, sem turnos fixos – neste caso o tempo é um recurso
THE GAMING SITUATION 2.0

não compartilhado ou distribuído igualmente entre os jogadores. A causalidade

dinâmica refere-se às possibilidades do jogador de adicionar novos elementos
desencadeando novas correntes de causalidade no jogo, por exemplo, criando
personagens, objetos e salas em um MUD (Multi User Dungeon). As relações espa-
ciais são estáticas quando os jogadores não podem alterar a qualidade espacial
do mundo do jogo, e neste caso seria apenas uma área de recreação pronta, inde-
pendentemente da sua complexidade em outros aspectos. Por outro lado, as rela-
ções espaciais entre jogadores são dinâmicas quando o espaço do jogo pode ser
construído ou expandido pelos jogadores, como no jogo Civilization. As relações
funcionais dinâmicas e estáticas entre jogadores referem-se às capacidades
funcionais de suas representações (“personagens”) no jogo e durante o mesmo:
podem ou não adquirir novas qualidades e capacidades no decorrer do jogo.
Na relação jogo-mundo, a categoria de relações estáticas envolve relações
já prontas que não devem sofrer interferência. Isto significa que o jogo, em to-
dos os aspectos, não está aberto ou está separado do resto do mundo. Existem
alternativas para isso: as conexões causais, espaciais, temporais e funcionais
poderiam muito bem exceder os limites de um jogo. A dimensão dinâmica po-
deria então ser entendida como a que contém várias violações à qualidade de
separação padrão dos jogos.
A relação jogo-mundo também é de modelagem: os jogos simulam, em vez
de simplesmente descreverem, e esta representação dinâmica oferece novos e
sérios desafios a abordagens de estudos culturais que costumavam pôr em foco
representações estáticas e identificações interpretativas.
Há eventos e seres que o jogador tem de manipular ou configurar para po-
der avançar no jogo ou simplesmente para conseguir prosseguir. Os eventos,
os seres e as relações entre eles podem ser ao menos descritos em termos es-
paciais, temporais, causais e funcionais. A articulação que ocorre entre o jo-
gador e o jogo diz respeito antes de mais nada ao aspecto de manipulação ou
configuração: que relações e propriedades de eventos e seres de jogos podem 294
ser afetados, com que profundidade, por quanto tempo, sob que condições, etc.
295
Evidentemente, a importância dessas dimensões varia de jogo a jogo e, às vezes,
varia de acordo com as fases ou níveis de um determinado jogo. Basicamente, as
relações estáticas podem somente ser interpretadas, mas as relações dinâmicas
permitem manipulação. Ao contrário dos dois níveis temporais necessários das
narrativas (tempo da história e tempo da narrativa), nos jogos há apenas um
esquema de tempo necessário: o movimento do início para a situação vitoriosa
ou qualquer outra situação. Por outro lado, pode-se também dizer que os jogos
possuem dois níveis temporais necessários: o tempo do usuário e o tempo do
FILE TEORIA DIGITAL

evento, marcadamente diferente do par das narrativas. A manipulação temporal

inclui a configuração da ordem, frequência, duração, velocidade e simultaneida-
de dos eventos do jogo. Vários parâmetros espaciais são também examinados e
propostos, enquanto percebemos suas afinidades não tão surpreendentes com
paradigmas militares de visibilidade e controle.
Esta seção conclui aventurando-se com uma ideia especulativa de que os
jogos são uma “arte” causal e funcional (o jogador tem de utilizar seus recursos
da maneira especificada pelas regras de procedimentos para preencher a impor-
tante lacuna causal entre as situações inicial e vitoriosa) em contraposição às
artes e formas artísticas tradicionais que são meramente espaciais-temporais.
Na seção sobre materialidade, três tipos básicos de jogos são considerados,
com base na quantidade de níveis materiais que possuem. Os jogos tradicionais
normalmente têm um; os jogos de computador, dois (devido à distinção entre o
meio da interface e o meio de armazenamento); os jogos híbridos (como os jogos
para telefone celular baseados em proximidade ou localidade), possuem três
níveis. Em termos de áreas de recreação, isto significa que os jogos tradicionais
têm uma arena fixa, os jogos de computador podem ter muitas arenas flexíveis
e maleáveis, e os jogos híbridos têm uma dupla área de recreação. Estas distin-
ções ajudam a elucidar um pouco a discussão sobre jogos de computador e de
vídeo como jogos de remediação.
A hipótese de remediação também é testada de um ponto de vista cibertextu-
al, dividindo os elementos básicos dos jogos (regras, objetivos e a manipulação
necessária de equipamentos) em elementos de interação ‘textônicos’ (componen-
tes da forma como são no jogo) e ‘scriptônicos’ (componentes como são apresen-
tados ao jogador). Isso leva à descoberta de sobreposições significativas entre
tecnologias de jogos e mídia, e vez de uma linha divisória simples e clara entre
os jogos de computador e o resto. A partir disso e com o objetivo de entender o
papel dos jogos de computador dentro de uma ecologia das mídias mais ampla,
dois tipos de apropriações e interseções de mídias são abordados: intramodal
(histórias escritas ou filmadas inseridas nos jogos como back-stories aclimata-
das e cut-scenes informativas) e transmodal (sequências de histórias estáticas
e fixas de entretenimento impresso e filmado transformadas em sequências de
eventos variáveis e scripts dinâmicos de jogadores nos jogos).
As regras são diferenciadas das convenções pessoais e sociais sobre como
jogar e o que se deve preferir ou valorizar durante o jogo. Tipos diferentes de
regras são abordados, considerando a distinção feita por Gonzalo Frasca entre
as regras ‘paidia’ (definindo o comportamento de entidades do jogo), a regras
‘ludus’ (definindo as condições para vencer ou perder) e as regras meta-regras
THE GAMING SITUATION 2.0

(definindo as possibilidades dos jogadores de alterar ou modificar as regras

iniciais). Levando em consideração diferentes graus de pre-existência, fixida-
de, igualdade e manutenção humana e a aplicação das regras, alcança-se uma
noção mais abrangente do jogo e da ação de jogar. Os objetivos são tratados de
uma maneira similar, fazendo-se distinções básicas entre os objetivos determi-
nados, escolhidos e criados, bem como entre os objetivos singulares e plurais
e individuais e sociais. Os objetivos são também diferenciados dos acessórios
para que não se perca de vista a diversidade tradicional dos objetivos possíveis
do jogador (como jogar bem ou com estilo), além do mero resultado do jogo.
Ao estudar o jogo como um processo, encontramos diferenças em seus esta-
dos iniciais e finais e nas relações entre esses estados. Os jogos com situações
iniciais individuais são distintos dos jogos com situações iniciais individualiza-
das e desiguais. Nos jogos MMORPGs (Massive Multiplayer Online Role-Playing
Games), o mundo virtual tem uma história específica graças a sua persistência.
Por causa dessa história e da natureza teleologicamente infinita desses mun-
dos de jogos, os jogadores individuais tanto entram como saem dos jogos em
tempos diferentes fazendo com que suas situações iniciais pessoais sejam to-
talmente diferentes umas das outras. Isso também tem influência sobre o status
do jogador (compreendido como uma combinação de recursos disponíveis).
Em jogos de um único jogador, o jogador pode normalmente reiniciar o jogo
repetindo a mesma situação inicial, ainda que possa haver uma variedade de
situações iniciais diferentes para serem selecionadas (em termos de dificuldade
e outros cenários).
A conclusão descreve vários tipos mais ou menos experimentais de jogos de
computador, aborda as conexões dos jogos de computador a jogos sérios com
riscos de perdas irreversíveis, e fornece uma lista um tanto longa de caracte-
rísticas específicas de jogos que não são explicados ou teorizados por nenhuma
teoria narrativa sofisticada.
296
297
Sobre o Autor
Markku Eskelinen Ph.D. é estudioso independente, editor do Cybertext Database (http://cybertext.
hum.jyu.fi) e editor de resenhas do Game Studies (www.gamestudies.org)

Tradutora do texto Olga Regina Raphaelli.

Texto publicado pelo File em 2004.

PARTE 5
TEORIA
MÁquina de
criatividade:
a MÚsica, o
Teatro, a Poesia
e a Literatura
como Criação
DIGITAL
DA CRÍTICA
AOS JOGOS DA
CRIATIVIDADE
NA ERA DIGITAL
RICARDO
BARRETO
teoria

digital

analógico

criação

crítica

política
FILE TEORIA DIGITAL

As redes digitais constituem um devir louco, inconstante e paradoxal. São multi-

plicidades pós-lineares e sua natureza é anárquica e ilimitada (Anarco-Cultura).
Nelas, todos os mundos virtuais serão possíveis e cada qual com seu tempo
próprio, o que acarreta uma pluralidade temporal numa rede crescente e ver-
tiginosa de tempos divergentes, convergentes e paralelos (tempo catatônico).
Essa trama de tempos que se aproximam, se bifurcam, se cortam ou se igno-
ram abrange todas as possibilidades (Borges). Nela poderemos ter várias vidas,
vários nomes, várias profissões. As redes inauguram as cosmogonias digitais.
Cidades virtuais, mundos virtuais, alguns em guerra o tempo todo, são e serão
erguidos e para eles viajaremos e neles habitaremos e lutaremos (vida virtual).
As redes digitais constituem hoje um mundo paralelo no qual vivemos simulta-
neamente com o mundo físico. Nelas se trabalha, se estuda, se produz cultura.
Contudo, nesse mundo não se opera com as leis da física (gravidade) ou com as
leis da sociedade (direitos). Elas são um mundo puro de acontecimentos digitais
(eventos). Nelas não há princípios, axiomas, Deus.
A ausência de princípios acarreta a impermanência de um pensamento único
dominante e de uma constituição legal. Não há carta magna digital no interior
das redes, e assim, não há nenhuma garantia dos nomes próprios e das identi-
dades que necessitam de nomes gerais para existir. Não existe nada que impeça
a utilização de nomes próprios em causa própria (Cícero da Silva). Com isso, nós
podemos nos passar por qualquer um. Eu sou o pai e a mãe de mim mesmo.
(Heliogabale-Artaud). Não há também a garantia da propriedade material e in-
telectual. Elas só persistem através da segurança e da criptagem, da força e do
ocultamento, do medo e da ameaça; assim, o justo é o que convém ao mais forte
(Trasimaco). A lei não garante mais nada dentro da rede. A ingerência do mundo
físico, através de suas leis, no mundo digital se fará cada vez mais inconse-
quente na medida da sua multiplicação. Como será possível processar milhares
de pessoas contraventoras e que reincidem numa velocidade avassaladora? As
redes são de algum modo um estado de natureza (Hobbes) e, portanto, sem leis,
numa guerra constante e numa dialética permanente. O mundo das redes apre-
senta-se aporítico e antinômico. Cada lugar na rede poderá ter o seu contrário
ou um fac-símile falso, cada afirmação a sua negação. Qualquer coisa que tenha
um preço terá o seu semelhante gratuito (Free Tactic). Há algo como uma dialé-
tica transcendental (Kant) nas redes que impede, de um lado, que os dogmas es-
tatais, religiosos, comerciais e acadêmicos possam se impor, e é por isso que as
redes não são mídias de comunicação de massa unilaterais como querem alguns
pensadores analógicos e, por outro lado, a crítica se torna totalmente ineficaz,
paralisada, presa numa multiplicidade antinômica sem solução pela simples ra-
DA CRÍTICA AOS JOGOS DA CRIATIVIDADE NA ERA DIGITAL

zão da contra-opinião coletiva. Todos podem agora opinar sobre tudo. Somente
a ingenuidade do pensamento analógico acredita ainda numa base consensual
(Academia) que legitime a crítica metalinguística e ideológica com a tentativa
de delimitar alguma coisa. Nas redes, ela é meramente mais uma opinião dentre
outras. Não há mais o Logos Fundante (Parmênides) que corta o que é o Logos e
o que é a Doxa e assim a crítica se tornou antitética.

Crítica Antinômica

Sim às organizações que querem de fato promover a arte nas suas intersecções
com a tecnologia e as ciências, pois acreditam que isso faz parte de uma nova
mentalidade cultural contemporânea.
Não às organizações que querem de fato promover a arte nas suas intersecções
com a tecnologia e as ciências, pois acreditam que isso não faz parte de uma
nova mentalidade cultural contemporânea.
Não à crítica moderna analógica e acadêmica baseada na autoridade e em pre-
ceitos ultrapassados que produzem reacionariamente um achatamento e uma
deformação nas questões contemporâneas no que diz respeito às poéticas e às
políticas digitais.
Sim à crítica moderna analógica e acadêmica baseada na autoridade e em pre-
ceitos ultrapassados que produzem reacionariamente um achatamento e uma
deformação nas questões contemporâneas no que diz respeito às poéticas e às
políticas digitais.
Sim a todos os criadores que se tornam críticos e a todos os críticos que se
tornam criadores no processo inevitável de desdiferenciação dos gêneros cul-
turais, políticos e econômicos e que desmobilizam as críticas analógicas domi-
nantes baseadas na autoridade e na hierarquia.
Não a todos os criadores que se tornam críticos e a todos os críticos que se
tornam criadores no processo inevitável de desdiferenciação dos gêneros cul- 302
turais, políticos e econômicos e que desmobilizam as críticas analógicas domi- 303
nantes baseadas na autoridade e na hierarquia.
Sim à acefalia digital, doença de que sofrem hoje certas instituições culturais
pela permanência no comando de quadros extemporâneos.
Não à acefalia digital, doença de que sofrem hoje certas instituições culturais
pela permanência no comando de quadros extemporâneos.
Não ao público narcisista, público característico de certas disciplinas; artis-
tas que mostram trabalhos somente a outros artistas, bailarinos que dançam
FILE TEORIA DIGITAL

somente para outros bailarinos, em suma, pessoas que mostram seus trabalhos
a pessoas de seu próprio meio, permanecendo presos no reflexo de seu pequeno
lago estético.
Sim ao público narcisista, público característico de certas disciplinas; artistas
que mostram trabalhos somente a outros artistas, bailarinos que dançam so-
mente para outros bailarinos, em suma, pessoas que mostram seus trabalhos a
pessoas de seu próprio meio, permanecendo presos no reflexo de seu pequeno
lago estético.
Sim às mentalidades acadêmicas que querem transformar a cultura contempo-
rânea num sistema hierarquizado, sob o jugo de suas teorias lineares e de seus
axiomas atemporais.
Não às mentalidades acadêmicas que querem transformar a cultura contempo-
rânea num sistema hierarquizado, sob o jugo de suas teorias lineares e de seus
axiomas atemporais.
Sim à anarco-cultura digital onde toda a produção cultural está ali para ser re-
plicada, para ser alterada, para ser heterogeneizada, para ser aporitizada.
Não à anarco-cultura digital onde toda a produção cultural está ali para ser re-
plicada, para ser alterada, para ser heterogeneizada, para ser aporitizada.
Não às replicações, aos samplings, às conexões estratégicas, aos re-envios heu-
rísticos, às alteridades criadoras, às mídias táticas, às anarco-organizações,
aos hackertivistas, aos compartilhamentos táticos.
Sim às replicações, aos samplings, às conexões estratégicas, aos re-envios heu-
rísticos, às alteridades criadoras, às mídias táticas, às anarco-organizações,
aos hackertivistas, aos compartilhamentos táticos.
Sim aos trabalhos compartilhados entre os criadores digitais na promoção da
criatividade coletiva que colocam em questão o artista-estrela, o artista preso
a seu ego e à sua assinatura.
Não aos trabalhos compartilhados entre os criadores digitais na promoção da
criatividade coletiva que colocam em questão o artista-estrela, o artista preso
a seu ego e à sua assinatura.
Não aos diretores de instituições culturais que têm por meta, através de certos
esquemas, a promoção do benefício próprio.
Sim aos diretores de instituições culturais que têm por meta, através de certos
esquemas, a promoção do benefício próprio.
Sim às comunidades e aos coletivos transcomunicantes e transdisciplinares com
seus múltiplos interesses e seus múltiplos desejos, que constróem as anarco-
organizações digitais.
Não às comunidades e aos coletivos transcomunicantes e transdisciplinares com
DA CRÍTICA AOS JOGOS DA CRIATIVIDADE NA ERA DIGITAL

seus múltiplos interesses e seus múltiplos desejos, que constróem as anarco-

organizações digitais.
Sim a todas as máquinas de guerra culturais que transformam pela sua criativi-
dade os clichês cristalizados, as ideias fixas e os conceitos lineares.
Não a todas as máquinas de guerra culturais que transformam pela sua criativi-
dade os clichês cristalizados, as ideias fixas e os conceitos lineares.
Não, com todo o entusiasmo, a esta nova mentalidade digital-cultural, pois ela
traz um potencial democrático imenso e um potencial de criatividade coletiva
até então nunca vistos.
Sim, com todo o entusiasmo, a esta nova mentalidade digital-cultural, pois ela
traz um potencial democrático imenso e um potencial de criatividade coletiva
até então nunca vistos.
Não àqueles que recorrem à inteligência e à autoridade estrangeira para concei-
tuar seus eventos numa atitude neocolonialista cultural. Preferimos a atitude:
“eu sou o pai e a mãe de mim mesmo’.
Sim àqueles que recorrem à inteligência e à autoridade estrangeira para con-
ceituar seus eventos numa atitude neocolonialista cultural. Não preferindo a
atitude: “eu sou o pai e a mãe de mim mesmo’.
Sim às obras digitais, invendáveis, instáveis, inarquiváveis, indomesticáveis,
incapturáveis, anônimas, incompreensíveis, infindáveis, dessacralizadas, in-
completas, inconformáveis, transcompartilhadas, transpotencializadas, hete-
rocríticas.
Não às obras digitais, invendáveis, instáveis, inarquiváveis, indomesticáveis,
incapturáveis, anônimas, incompreensíveis, infindáveis, dessacralizadas, in-
completas, inconformáveis, transcompartilhadas, transpotencializadas, hete-
rocríticas.
Sim aos criadores digitais que estão produzindo uma nova cultura independen-
temente do mercado e da mentalidade acadêmica, pela pura iniciativa e pelo
puro desejo de participar da anarco-cultura digital.
Não aos criadores digitais que estão produzindo uma nova cultura independen-
304
temente do mercado e da mentalidade acadêmica, pela pura iniciativa e pelo
305
puro desejo de participar da anarco-cultura digital.
As redes inauguram o ocaso da crítica. Se nós perdemos a crítica, os dogmas
e o dogmatismo, por outro lado, para felicidade nossa, tornaram-se ineficazes.
Eles não conseguem proliferar como acontece nas mídias lineares analógicas.
Ora, estamos numa situação pré-crítica, situação esta já experienciada pelos
céticos do passado: a oposição das razões contrárias. No entanto, eles optaram
pelo apaziguamento da dialética através da suspensão do juízo (epóque) (Sexto
FILE TEORIA DIGITAL

Empiricus). Eles fugiram da luta na busca da ataraxia (felicidade) (Pirron). No

caso das redes, não há “epóque” ou síntese possível (Hegel) e muito menos uma
felicidade estática e sim, ao contrário, a retroalimentação (Norbert Weiner) con-
tínua da tensão entre os opostos e do estado de guerra permanente. A ausência
da crítica e a heterogênese corroboram com a desdiferenciação dos gêneros cul-
turais, mas isso só pode ocorrer pela mais terrível constatação: a inconsistência
dos sistemas. As redes instauraram uma situação pré-cósmica e imanente, onde
agora é possível o retorno de todas as metafísicas e de todas as filosofias fic-
cionais. Desta forma, a crítica pode ressurgir, porém como ficção e como criativi-
dade estética (Hans Haacke / Derrida). No exemplo da “crítica antinômica” citada
acima, o “sim” e o não” poderiam ser alternativas de livre escolha no interior de
uma possível hipernarrativa fílmica interativa e dilemática (Dialética Inconsis-
tente?). Desta maneira, a crítica pode se tornar uma máquina de multiplicidade
criativa (máquinas metafóricas, máquinas parafrásicas, máquinas antinômicas,
máquinas de mentiras).Troca-se a fé no sistema (Göedel) pela criatividade sem
sistema. Deus e os sistemas sempre foram e serão contra a criatividade, contra
a criatividade coletiva. Nós criamos Deus e os sistemas, depois eles nos criaram
como criatura que crê, porém sem criatividade, eis a lógica da castração divina
e sistêmica, por isso a criatividade se tornou tática. ‘Eu sou o pai e a mãe de
mim mesmo’ (Heliogabale-Artaud). Não mais jogos de linguagem (Wittgenstein),
jogos de dados (Nietzsche/Mallarmé), jogos ideais (Deleuze), mas jogos da cria-
tividade inconsistente. Não se trata mais do contexto, do acaso e das não regras
pré existentes e sim do vírus, do câncer e da vida (Bio-Política). O potencial da
rede é transpotencial bélico e sofístico. Sim, os sofistas (pré-filósofos) vence-
ram toda a tradição filosófica platônica e aristotélica. As redes digitais, apesar
das aparências, não são arbustos ou raízes, mas rizomas (Deleuze), logo não são
sistemas e nem estruturas, mas performatividade criativa inconsistente, o que
lhes garante toda a conectividade potencial.Tudo pode se conectar com tudo. To-
dos os textos podem se conectar com todos os textos. Todas as imagens podem
se conectar com todas as imagens, num filme heteróclito sem fim (Timescape/
Reinald Drouhin). Nas redes vive-se um desmesuramento de todas os seus even-
tos digitais. Não há paradigma e não há consistência, mas sim a ação viva e
coletiva da hipercriatividade performativa (jogos da criatividade).
DA CRÍTICA AOS JOGOS DA CRIATIVIDADE NA ERA DIGITAL

Sobre o Autor
Ricardo Barreto é artista e filósofo. Atuante no universo cultural trabalha com performances,
instalações e vídeos e se dedica ao mundo digital desde a década de 1990. Co-fundador e
co-organizador do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2004.

306
307
Música
Visionária:
Notas de
Percurso
(Em memória de
Robert Moog)
Vanderlei
Lucentini
teoria

digital

forma

eletrônico

música

desenvolvimento
FILE TEORIA DIGITAL

“Acredito que a utilização de ruídos para fazer música continuará e aumenta-

rá até alcançarmos uma música produzida através de instrumentos elétricos,
que tornando possível a qualquer proposta musical utilizar todos os sons que
possam ser ouvidos... assim, no passado, o pomo da discórdia estava entre a
dissonância e a consonância, e será, no futuro imediato entre o ruído e o assim
chamado som musical.”
– John Cage, 1937

“Se esta palavra ‘música’ é sagrada e reservada aos instrumentos musicais do

século XVIII e XIX, podemos substituí-la por um termo mais significativo: orga-
nização dos sons.”
– John Cage

“Eu sonho com instrumentos obedecendo aos meus pensamentos.”

– Edgar Varèse

Abertura

O desenvolvimento da música eletroacústica, hoje amplamente conhecida como

música eletrônica, desde o início do século XX, até a presente data, tem sido
uma luta contínua de músicos, compositores, físicos, intelectuais, acusticistas,
cientistas da computação e inventores de instrumentos musicais. Neste início
de século XXI, alguns paradigmas que atravessaram o século passado ainda
continuam instigando muitos músicos, ou como disse Cage, “organizadores de
som” da atualidade. A criação de novos timbres sonoros (conjugando som e ruí-
do), novas formas de organização do discurso musical através de linguagens de
programação e, principalmente, a ampliação da percepção sonora com a criação
de ambientes apropriados numa época visualmente orientada.
A música produzida com tecnologia em particular, a música desenvolvida a
partir de impulsos elétricos, em suas diversas ramificações idiossincráticas,
desde o seu princípio, foi sempre marcada por uma atitude visionária dos seus
criadores. A ação dessas pessoas, muitas vezes numa luta solitária em suas
oficinas/laboratórios, tem sido de vital importância na ampliação e modifica-
ção radical de nossa percepção sonora durante todo esse período. Nesse curto
período de tempo, comparando-se com a história da música, novos elementos e
novas gestualidades entraram em cena no ambiente musical. A partir das lutas
heróicas dessas vanguardas visionárias, muitas das verticalidades hierárquicas
da música tradicional gradativamente tornaram-se horizontalidades.
MÚSICA VISIONÁRIA: NOTAS DE PERCURSO (EM MEMÓRIA DE ROBERT MOOG)

O Contexto

A música tem sido, no decorrer da história, uma das artes mais sensíveis aos
avanços tecnológicos de sua época. Os músicos medievais inventaram o canto
gregoriano pensando no ambiente acústico das catedrais góticas, cujo tempo
de reverberação exigia o andamento lento de suas composições. Nos séculos
XVII e XVIII, com o deslocamento da música vocal para a música instrumental,
Guarnieri e Stradivarius nos legaram os violinos mais perfeitos, tanto do ponto
vista acústico, quanto da beleza plástica. No século XIX, a evolução da metalur-
gia possibilitou um grande avanço na construção dos instrumentos de metais.
A evolução tecnológica, em conjunção com a ampliação dos conhecimentos de
acústica musical e a sedimentação do sistema tonal, trouxe a necessidade de se
inventar um instrumento que acompanhasse, em pé de igualdade, a grande mas-
sa sonora produzida pelas orquestras. Surgiu então o chamado pianoforte, isto
é, um instrumento que traz a possibilidade de se tocar piano (fraco) ou forte.
Com o processo de desenvolvimento industrial, exigiu-se uma fonte de ener-
gia que pudesse alimentar toda a cadeia economicamente produtiva: as indús-
trias, as cidades, as residências, etc. Com a eletrificação de diversas cidades
do mundo, e principalmente com a estabilidade da corrente elétrica, surgem,
no início do século XX, duas importantes manifestações artísticas que até hoje
têm tido uma grande influência no panorama cultural deste início de século: o
cinema e a protomúsica eletrônica.

Os Primeiros Instrumentos

Em 1906, surge o primeiro instrumento movido por corrente elétrica, chama-

do Telharmonium ou Dynamophone. Criado por Tadeu Cahill, essa formidável
construção, usando dínamos, similar a uma pequena estação geradora de ele-
tricidade, pesava ao redor de 200 toneladas. Cahill, visionariamente, sonhava
em espalhar essas máquinas por diversas cidades americanas onde se pode-
ria transmitir músicas, numa espécie de pay-per-view da época, para hotéis,
restaurantes, teatros e residências e, para essas, via telefone. Esse empreen- 310
dimento foi abortado devido ao alto custo e também à eclosão da 1ª Grande 311
Guerra Mundial.
Na década de 1910, algumas iniciativas surgem ao redor do mundo. Em 1913,
o pintor e músico futurista Luigi Russolo inventou o Intonorumori, que mesmo
não sendo um instrumento eletrônico, teve um papel revolucionário ao incor-
porar o ruído e o som ambiental na música. Os futuristas tiveram uma grande
influência no trabalho de compositores como Edgar Varèse, John Cage, Pierre
FILE TEORIA DIGITAL

Schaeffer, entre outros. Os futuristas foram os pais da música concreta. Em

1915, Lee De Forest, que se auto intitulava o “Pai do Rádio”, criou o Audion Piano,
o primeiro instrumento a utilizar a tecnologia tubo de vácuo que dominou a cria-
ção de todos instrumentos musicais até a invenção dos transistores nos anos
1960. Em 1917, Leon Termen, na antiga União Soviética, inventou o Aetheropho-
ne (som vindo do éter), mais tarde batizado de Theremin. Esse instrumento foi
utilizado na música de concerto e amplamente requisitado na criação de trilhas
sonoras para os primeiros filmes de ficção científica do cinema, como em O Dia
em que a Terra Parou.
Em 1928, após o encontro com Leon Termen em 1923, o cellista e radiotele-
grafista francês Maurice Martenot inventou um instrumento baseado nas ideias
de Termen chamado Ondas Martenot. As Ondas Martenot foram imediatamente
incorporadas ao repertório musical erudito, e diversas peças foram escritas por
compositores como Olivier Messian (Turangalîla Symphonie, Trois Petites Litur-
gies de la Presence Divine, entre outras), Edgard Varèse, Darius Milhaud, Arthur
Honegger, Maurice Jarre, Jolivet e Charles Koechlin.
Em 1930, o engenheiro elétrico alemão Dr Freidrich Adolf Trautwein fez a pri-
meira exibição do seu invento denominado de Trautonium. Esse instrumento foi
fabricado e vendido pela Telefunken entre os anos de 1932 e 1935. Vários com-
positores escreveram peças para o Trautonium dos quais podemos citar Paul Hin-
demith que aprendeu a tocar o Trautonium e compôs a Concertina for Trautonium
and Orchestra, além de Höffer, Genzmer, Julius Weismann e Oskar Sala, que se
tornou um virtuose nesse instrumento e continuou escrevendo peças para Trau-
tonium até recentemente. Bernard Hermann utilizou-se de um Trautonium para
compor a trilha sonora do filme Os Pássaros de Alfred Hitchcock.
Em 1955, com o apoio da RCA, os doutores Harry Olson e Herbert Belar cons-
truiram os sintetizadores Mark I e Mark II Electronic Music Synthesizer, o avô do
que conhecemos como workstation, concebido para produzir música popular e
de entretenimento. Talvez os executivos da RCA tivessem em mente a constru-
ção de uma máquina que pudesse substituir as grandes orquestras dos estúdios
cinematográficos e, consequentemente, diminuir os custos e desempregar uma
grande quantidade de músicos. Pelo ponto de visto técnico, esse poderoso ins-
trumento despertou o interesse de compositores com Milton Babbitt e Vladimir
Ussachevsky, que criaram algumas peças utilizando tal instrumento.
MÚSICA VISIONÁRIA: NOTAS DE PERCURSO (EM MEMÓRIA DE ROBERT MOOG)

As Músicas: Concreta + Eletrônica = Eletroacústica

No período após a Segunda Grande Guerra Mundial, o grande desenvolvimento

das tecnologias de gravação e de difusão sonora, muitas delas provindas das
invenções da indústria bélica, acabou se refletindo no grande meio de comuni-
cação de massa da época, que foi o “rádio”.
As rádios estatais européias notabilizavam-se por serem o grande centro de
experimentação sonora, pois ali se encontrava o que havia de mais avançado em
matéria de tecnologia de áudio na época. Por esses fatores, foram nesses cen-
tros que surgiram a Musique Concrète (na Radiodiffusion Télevision Française
– RTF), a Elektronische Musik (na Westdutscher Rundfunk – WDR) e os primeiros
embriões da música eletroacústica nos estúdios da Radio Audizioni Italiane –
RAI. Esses estúdios estavam ligados a uma concepção vanguardista de música
erudita, na qual o novo e a ruptura com a tradição eram os fatores proeminentes
na concepção e realização das obras musicais. Podemos citar, como exemplo, a
presença de compositores vanguardistas de primeira linha na direção artística
desses estúdios, como Karlheinz Stockhausen (WDR), Luciano Bério (RAI), Pierre
Schaeffer e Pierre Henry (RTF).

Música Concreta

A música concreta surgiu na França, em 1948, com Pierre Schaeffer e no ano

seguinte teve a adesão do compositor Pierre Henry. No princípio, o trabalho era
baseado na utilização de discos de 78 rpm, dos quais, através de manipulações
das ranhuras, retirava-se o material para as composições. O passo subsequen-
te era a gravação e o processamento de fontes sonoras naturais e materiais
concretos, isto é, sons existentes na realidade concreta do mundo. Schaeffer
enfatizava, em seus estudos teóricos, a busca de uma escuta da matéria sono-
ra independente da fonte. Desses conceitos baseados na “cortina de Pitágoras”
surge o material conceitual para a futura música acusmática que fundamenta a
difusão sonora em inúmeras caixas acústicas.
312
313
FILE TEORIA DIGITAL

Música Eletrônica

A música eletrônica foi criada no início da década de 1950, em Colônia (Alemanha),

por Meyer Eppler, H. Eimert e K. Stockhausen. Essa escola, cujos elementos eram
provenientes da música serial, buscava um controle rigoroso e absoluto de to-
dos os parâmetros sonoros da música. O material sonoro da música eletrônica
era constituído basicamente de sons sintéticos gerados em osciladores analó-
gicos que produziam sons senoidais muito simples e que, combinados entre si,
podiam gerar uma infinidade de outros timbres.

Música Eletroacústica

No meados da década de 1950, Pierre Schaeffer propõe um empate técnico en-

tre as duas “filosofias”. Numa explícita autocrítica, Schaeffer expõe a ambição
demasiada de ambas. Dessa forma, as duas linhas de construção conseguiram
realizar seu intento musical prescindindo de executantes, instrumentos e de
solfejo. Desse empate, surge a “música eletroacústica”, uma terminologia mais
apropriada ao uso conjunto das duas fontes sonoras: os sons gravados do mun-
do (concretos) e sons sintéticos (eletrônicos) e que, futuramente, viria a absor-
ver a maneira de gerar e manipular os sons, como também criar ferramentas de
auxílio à composição através dos computadores.

Computer Music

Caminhando paralelamente ao desenvolvimento da música concreta/ eletrôni-

ca/eletroacústica, havia uma outra vertente que se estabeleceu inicialmente na
AT&T Bell Telephone Laboratories, em New Jersey – EUA, a Computer Music. Essa
vertente, que a princípio tinha o intuito de melhorar a qualidade sonora das
ligações telefônicas, admitiu em seus laboratórios, sob o comando de Max Mat-
tews, uma série de engenheiros de áudio, acusticistas, cientistas da computação
e também compositores musicais. Nesse local surgiram as primeiras simulações
de instrumentos musicais, realizadas por Jean Claude Risset, e de vozes geradas
inteiramente via computador, sem nenhum elemento externo.
MÚSICA VISIONÁRIA: NOTAS DE PERCURSO (EM MEMÓRIA DE ROBERT MOOG)

Sintetizadores

Numa segunda onda de desenvolvimento e aprimoramento, principalmente com

o desenvolvimento dos transistores e dos primeiros circuitos integrados, os
equipamentos eletrônicos passaram a invadir os lares de todo o mundo, com a
incorporação, na ‘decoração doméstica’, de televisores, rádios portáteis, equi-
pamentos de som, entre outros. Nesse período, a música eletrônica passa por
uma nova fase de desenvolvimento através do deslocamento de alguns daqueles
equipamentos dos grandes estúdios para os primeiros sintetizadores analógi-
cos, que poderiam reproduzir algumas técnicas existentes e trazer outras, até
não existentes, para o palco, onde podiam ser tocadas de uma forma similar a
um instrumento musical tradicional. Essas novas máquinas tinham como intuito
atender a demanda emergente da indústria fonográfica e, por extensão, da mú-
sica de consumo de massa (música pop, o rock, rock progressivo, música eletrô-
nica). Desse período, podemos citar a criação de instrumentos, mais conhecidos
como sintetizadores, que se tornaram emblemáticos, não só para a música ele-
trônica, mas também para o desenvolvimento da música em geral.
A invenção de sintetizadores analógicos como Moog, Bucla, Arp, etc., como
também, dos primeiros sintetizadores digitais como o Synclavier, o Fairlight,
Prophet V, entre outros, possibilitou a ampliação e democratização dos instru-
mentos eletrônicos, pois tudo que até então era gerado em estúdios fechados,
hierarquizados e estatais, poderia ser gerado ao vivo e em qualquer lugar.
Novamente entram em cena esses visionários inventores talentosos, como
Sydney Alonso, Donald Bucla, Robert Moog e Thomas Oberheim. Todos eles tive-
ram o seu progresso frustrado – e algumas vezes foram tirados de suas próprias
companhias – por executivos que sempre visaram o interesse comercial em de-
trimento do desenvolvimento da cultura musical.
A revolução tecnológica musical não parou nesse estágio. Com o surgimento
da tecnologia digital, a invenção dos microchips que invadiram todos os setores
da vida cotidiana, indo desde o caixa do supermercado até o controle do trá-
fego aéreo das grandes cidades, surgiram também os primeiros instrumentos
digitais comandados por um sistema que possibilitou o barateamento e a comu-
nicação mais dinâmica dos sintetizadores. Esse sistema conhecido como MIDI
314
(Musical Instrument Digital Interface) tornou os sintetizadores mais acessíveis
315
ao grande público consumidor, pois além do fator econômico, foi possível simu-
lar diversos instrumentos acústicos num simples teclado eletrônico.
FILE TEORIA DIGITAL

Daqui Pra Frente

No limiar do século XXI, não há uma linha hegemônica no campo da música ele-
trônica. Diversos procedimentos tanto técnicos como estéticos têm se mistura-
do para a criação desse estilo musical. Todos eles, até então, estavam orienta-
dos para música em concertos, para a indústria fonográfica, como também para
a indústria cultural. Nesse momento, surge um grande território que tem sido
utilizado por alguns artistas, mas é ainda pouco explorado pelo músico contem-
porâneo: o ciberespaço.
Mesmo em um estado incipiente, e ainda nada interessante e convencional, o
ciberespaço exigirá do músico outros procedimentos técnicos e composicionais.
A continua ampliação da velocidade de transmissão de dados pela rede, com
computadores cada vez menores e mais velozes no processamento de informa-
ção, e no caso do som, irá ocorrer uma revolução na música sem precedentes
num futuro próximo. Acredito que um dos primeiros pontos será a desterrito-
rialização da performance musical, onde em breve, os músicos poderão ensaiar,
atuar, criar e interagir com outros músicos em espaços físicos diferentes. Ima-
ginem um trio instrumental com um músico no Japão, outro na Austrália e ou-
tro no Brasil. Eles poderiam realizar um concerto cada um em seu país e esse
concerto poderia acontecer simultaneamente, em tempo real, nos três países e
transmitido para todo mundo pela Internet.
Numa realidade mais concreta, hoje já é possível, com um computador por-
tátil “tocar” uma série de sintetizadores virtuais (muitos em tempo real), sem a
presença do teclado. Além dos sintetizadores, é possível realizar o processa-
mento de efeitos sonoros (live electronics), filtragens, combinar diversos tipos
de síntese sonora, espacializar os sons, fazer a mixagem e a masterização de
músicas e enviá-las para qualquer parte deste mundo. Futuramente, é possível
que sejam enviadas para outros mundos.
Mesmo estando no princípio de um processo transitório, o músico contem-
porâneo já possui uma grande gama de materiais de trabalho inimaginável a
qualquer músico de um período anterior ao nosso. Esse arsenal computacional e
instrumental tem conduzido a um processo de democratização tanto dos meios
de produção quanto à incorporação de novas experimentações musicais/sono-
ras. Por um outro lado, fica explícito que, às vezes, o aparato tecnológico parece
muito mais importante do que o produto dessas experiências.
Dessa forma, reitero que o sonho de muitos desses visionários, que vai
desde os primeiros fabricantes de instrumentos eletrônicos, passando, nesse
breve período, pelos compositores, pensadores, cientistas das mais diversas
áreas que abrangem o campo do som e da música, continuará sendo transmitido
às futuras gerações. Alguns novos paradigmas certamente surgirão e que não
MÚSICA VISIONÁRIA: NOTAS DE PERCURSO (EM MEMÓRIA DE ROBERT MOOG)

podem ser imaginados nesse momento, mas alguns eternos questionamentos

continuarão instigando os novos “organizadores do som” como: a criação de no-
vos timbres, articulação de novas organizações formais, a absorção dos avanços
da cognição musical, a interação homem-máquina, a difusão e a interatividade
sonora no hiperespaço, a conjunção das linguagens artísticas tradicionais, não
somente a música, com as novas mídias eletrônicas digitais e algumas outras
inimagináveis no presente. Tudo isso sob o manto invisível da tecnologia.

Sobre o Autor
Vanderlei Lucentini é compositor.

Texto publicado pelo File em 2005.

316
317
On The Record:
Notas para
Errata Erratum –
Projeto Duchamp
Remix no
Museu de Arte
Contemporânea de
Los Angeles (MOCA)
Paul D. Miller,
ou DJ Spooky that
Subliminal Kid
teoria

digital

pensamento

contexto

som

fluxo
FILE TEORIA DIGITAL

Na cadeia de reações que acompanham o ato criativo, falta um elo. Essa lacuna,
representando a incapacidade do artista de expressar plenamente sua inten-
ção, essa diferença entre o que ele pretendia fazer e o que realmente fez, é o 'co-
eficiente artístico' pessoal contido na obra. Em outras palavras, o 'coeficiente
artístico' pessoal é como uma relação aritmética entre o que é pretendido mas
não expresso e o que é expresso inadvertidamente...
– Marcel Duchamp, O Ato Criativo, 1957

Quando comecei a atuar como DJ, pretendia que fosse um hobby. Era uma ex-
periência com ritmo e pistas, ritmo e sugestões: deixar a agulha cair no disco
e ver o que acontece quando esse som é aplicado a certo contexto, ou quando
aquele som se choca com aquela gravação... você percebe a ideia. Os primeiros
impulsos que eu tive sobre a cultura DJ vieram dessa ideia básica - brincadeira
e irreverência em relação aos objetos encontrados que usamos como consumi-
dores e a sensação de que algo novo estava diante de nossos olhos, oh, tão
cansados, enquanto observávamos telas de computador na virada do século XXI.
Eu queria soprar um pouco de vida no relacionamento passivo que temos com
os objetos à nossa volta e trazer um sentido de permanente incerteza sobre o
papel da arte em nossa vidas. Para mim, como artista, escritor e músico, parecia
que os toca-discos estavam de certa forma imbuídos da arte de ser máquinas
de permuta de memória - eles mudavam o modo como eu lembrava dos sons,
e sempre me faziam pensar numa experiência diferente a cada vez que eu es-
cutava. O "fonógrafo" em minha arte personificava o que o teórico Francis Ya-
tes chamaria de "palácios da memória" no contexto contemporâneo - rastreie
a etimologia da palavra a "escrever som", ou "fono-grafar", e pense num cenário
em que a "aura" de Walter Benjamin torna-se uma onda sonora de fragmentos
sincopados dançando no limite das memórias, e você terá a impressão básica
que quero transmitir aqui. Basicamente, quando comecei, eu queria mostrar coi-
sas complexas - como o "fonógrafo" era um equipamento de jogo de memória
traduzido em uma espécie de jogo filosófico intencionalmente misturado com o
que John Cage chamaria de "operações casuais", ou o que Amiri Baraka chamaria
de "o mesmo em mutação" - como o toca-discos ("turntable") havia se tornado
uma maneira de transformar cultura em improvisação mecânica... coisas desse
tipo. Durante o tempo em que pesquisei para Errata Erratum, descobri diversos
exemplos de como a cultura DJ se entrecruzava com alguns postulados básicos
da vanguarda do século 20 que parecia ter inconscientemente absorvido todos
eles. Composta em 1913, Erratum Musical de Duchamp se baseia em todo um
esquema de enganos, erros e desvios em uma situação familiar. E o que hoje em
On The Record: Notas para Errata Erratum – Projeto Duchamp Remix no Museu de
Arte Contemporânea de Los Angeles (MOCA)

dia chamaríamos simplesmente de "deslizes" na comunicação entre programas,

para ele seriam na época toda uma crítica metafísica de, como ele colocou mui-
tas vezes, "como uma pessoa pode fazer uma obra de arte que não é uma obra
de arte" - mas na época, naquele momento de sua carreira, era simplesmente um
jogo de cartas aleatório entre irmãos.
O cenário básico de Erratum Musical foi o seguinte: Duchamp escreveu uma
série de "instruções" sobre a interação de três conjuntos de 25 cartas para suas
irmãs, e quando elas tiravam uma carta de um chapéu passado ao redor da sala,
na concepção da peça, cada uma cantava frases aleatórias baseadas em uma
interpretação flexível dos desenhos que havia nas cartas. Três vozes em um
triálogo seriam a base da peça, e essencialmente as cartas não passavam de
sugestões para os impulsos inconscientes de um rápido olhar para algo que se-
guravam por apenas um instante. Era isso!
Para ter uma ideia melhor do que deve ter sido, basicamente você precisa
imaginar um jantar animado em que as pessoas cantam um tema como uma
mancha num teste de Rorshach, e você terá uma "imagem" razoável dos sons
que as irmãs produziam. Não é um salto demasiado freudiano pensar nas vozes
abstratas dos papéis familiares transformados em som... mas é aí que está a
questão. Quando penso no trabalho de DJ, essencialmente você está lidando com
sistemas de ritmo de amplo parentesco - uma batida se casa ou não com um
fluxo sonoro, e é a interpretação dos gestos que forma essa mistura que cria a
atmosfera em uma sala. Pense em meu remix Errata Erratum como uma adap-
tação da ideia para o século XXI - mas hoje nos movemos por redes dispersas
de cultura, e as cartas que jogamos são ícones em uma tela. Uma única nota foi
atribuída a cada carta - para o remix - você tem sequências de sons baseados
em cartas diferentes - a exibição visual de uma rotogravura - um cartão gravado
que Duchamp fez durante toda a sua carreira e deu aleatoriamente às pessoas.
A canção, como vocês podem ver, ficou muito mais dispersa conforme Duchamp
se tornou mais conhecido como artista, e no fim de sua vida o jogo de cartas
tornou-se uma assinatura profundamente paradoxal. Como toda a obra de
Duchamp, era pessoal e impessoal - a absorção pela indústria cultural de quase
toda a "individualidade" em uma expressão inconsútil de escolha individual en- 320
tre as diversas opções permitidas em um mundo de identidades e emoções pre- 321
fabricadas. Meu Errata Erratum reflete a documentação de quatro percepções
de composições de Duchamp de 1913, que incluem The Bride Stripped Bare by
Her Bachelors, Even, 1.3 voices: Erratum Musical e a peça de "instrução" Musical
Sculpture. As interpretações musicais resultantes de composições destinadas a
voz, piano mecânico, flauta alto, celesta, trombone e xilofone metálico têm um
FILE TEORIA DIGITAL

caráter surpreendentemente suave, lento e tênue, que lembra as composições

sonoras de Erik Satie ou Morton Feldman - mas em meu remix foram baseadas
na interação dos espectadores com as peças de rotogravura que Duchamp dis-
tribuiu durante muitos anos. Em suma, é arte que você pode baixar da internet.
Pense nela como "anti-sublime baixável" ou coisa parecida.
Eu quis pensar em Errata Erratum como "objetos encontrados" de DJ, da
mesma forma que eu faria um mix dos discos que normalmente formam minha
paleta sonora. Essencialmente, Errata... é uma experiência com escultura e a
interação da memória conforme é moldada pelas tecnologias da comunicação,
que passaram a ser as condições centrais da vida cotidiana no mundo indus-
trializado. Em suma, destinava-se a ser uma coisa divertida, e em pouco tempo
tornou-se muito mais séria. Nos distantes meados dos anos 1990, a atividade
dos DJs ainda era um fenômeno underground, e em certo sentido, hoje que as
guitarras são habitualmente superadas pelos toca-discos, as mesas foram vi-
radas - o DJ é um fenômeno da corrente dominante, e mixar batidas e sons é
uma coisa banal para a garotada da internet... Errata Erratum é uma migração
daqueles valores para uma crítica bem-humorada de um dos primeiros artistas
que utilizou aquela lógica da irreverência no objeto de arte e aplicou aquela ló-
gica a algumas das obras que realizou para "encarnar" suas ideias sobre o tema
em "cultura em rede". Assim, quando você vir os círculos em movimento, pense
em círculos e repetições, ciclos e fluxos, e pense em como traduzir os pensa-
mentos de uma pessoa para os de outra... e isso é apenas o começo. Quando
o mix chama, você não pode deixar de pensar em quantas pessoas estão en-
volvidas. Este projeto é uma tentativa de reunir algumas de minhas pessoas
favoritas na cultura mix juntamente com algumas variações sobre certo tema
- o qual é tão amplo quanto a internet e tão amplo quanto os pensamentos das
pessoas percorrendo os sistemas de roteamento em fibra óptica que sustentam
nossa nova versão do "sublime digital". A obra de Duchamp La Mariée mise à nu
par ses célibataires même. Erratum Musical (A noiva despida por seus próprios
pretendentes. Erratum Musical) segue a mesma lógica e nos conduz a uma série
de anotações e projetos que Duchamp começou a reunir em 1912 e que culmi-
nou em sua infame peça Large Glass (Le Grand Verre). Ela não foi publicada
ou exibida durante a vida de Duchamp, mas as implicações são claras – ele
quis evocar um sentido de convergência entre arte e processos aleatórios, as
"sintaxes generativas" da imaginação que fala a um mundo feito de processos
industriais. O manuscrito de A noiva despida... ficou inacabado e deixa muitas
perguntas sem resposta – e nos leva a um precipício cavado por nós mesmos,
porque, como meu remix Errata Erratum, funciona dentro de uma estrutura de
On The Record: Notas para Errata Erratum – Projeto Duchamp Remix no Museu de
Arte Contemporânea de Los Angeles (MOCA)

operações casuais, e essa é sua única marca em um contexto artístico. É um

meio onde cada "escultura musical" é única e no entanto completamente de-
pendente do sistema que criou o contexto. O velho paradoxo de Duchamp volta
a nos perseguir, como um fantasma, na internet. Duchamp disse em sua famosa
palestra O ato criativo em 1957 (cuja gravação inclui a faixa hip-hop "versão
dub" de meu remix Errata Erratum): "Em resumo, o ato criativo não é realizado
somente pelo artista; o espectador põe a obra em contato com o mundo externo
ao decifrar e interpretar suas qualificações, e assim acrescenta sua própria
contribuição ao ato criativo". Pense nisso enquanto ouve as rimas de Duchamp
num ritmo hip-hop dub que fiz especialmente para este projeto – acho que você
poderia chamá-lo de "M.C. Duchamp", porque, pelos padrões hip-hop, ele tem
um bom "fluxo" – e nesse ponto da faixa sua voz é separada da gravação para
se tornar parte da escultura musical, e assim como no Erratum Musical original
vemos a voz de uma pessoa colocada em um sistema de operações aleatórias –
o ritmo torna-se o contexto para a performance, e o artista torna-se parte da
paleta sonora que ele descreve.
Há duas partes nas anotações manuscritas que Duchamp fez para descrever
as composições de Erratum Musical. Uma parte contém a peça para um "instru-
mento mecânico". A peça está inacabada e é escrita usando números em vez
de notas, mas Duchamp explica o significado dos números, o que facilitou sua
transcrição para notas musicais – eu tentei equilibrar aquele sentido de incer-
teza atribuindo sons a discos que podem mudar de velocidade e tom - porque os
toca-discos permitem esse tipo de variação. Em Errata Erratum eu quis enxugar
esse processo e dar às pessoas uma sensação de improvisação – como em Du-
champ, as peças também indicam os instrumentos em que devem ser executa-
das - mas elas são ícones feitos de código digital. Onde ele escreveria "piano
mecânico, órgão mecânico ou outros novos instrumentos para os quais o virtu-
oso intermediário é suprimido", podemos clicar em uma tela. Bem, você entende
a ideia. A segunda parte das anotações dele continha uma descrição do sistema
composicional – o título do "sistema" é: "Um aparato que grava automaticamen-
te períodos musicais fragmentados". Aqui, mais uma vez, nos é dada a capaci-
dade de fazer nossas próprias interpretações de um esquema dado, e somos 322
convidados a acioná-lo como uma espécie de "sistema" de jogo. O "aparato" que
323
lhe permite fazer a composição nas anotações originais dele é constituído por
três partes: um funil, vários vagões abertos e um conjunto de bolas numeradas.
Pense em tudo isso achatado em sua tela; é o remix Errata Erratum. Na peça ori-
ginal, cada número em uma bola representava uma nota (tom) – Duchamp suge-
riu 85 notas, conforme o alcance padrão de um piano naquela época; hoje quase
FILE TEORIA DIGITAL

todos os pianos têm 88 notas, e a maioria dos computadores tem 77 teclas,

quando se baseiam no sistema norte-americano clássico "QWERTY". Em suma,
você tem algum tipo de dispositivo para interpretar os movimentos de seus
dedos, por isso pensei que seria bacana que esse aspecto fosse transformado
numa função baseada em como você joga com a rotação das "rotogravuras". Na
peça original, as bolas passam pelo funil e caem nos vagões que passam embai-
xo em diferentes velocidades. Quando o funil se esvaziava, um período musical
estava completo. Quando as coisas se tornam digitais, podemos atribuir todos
esses aspectos a gestos feitos com um mouse ou touch-pad, e basicamente é o
que torna a coisa divertida. Pense na tela como um quadro em branco, e é só o
começo. Geralmente se diz que Duchamp passou por uma "fase musical" entre
1912 e 1915 – Errata Erratum inclui aspectos de quase todas as peças que ele
compôs nessa época, e as faz tornar-se vetores musicais com as mesmas inten-
ções, mas atualizadas para o estilo do século XXI. Uma das últimas peças que ele
compôs, Sculpture Musicale, está notada em um pequeno pedaço de papel que
Duchamp também incluiu em sua famosa peça Green Box (Caixa Verde). Sculp-
ture Musicale é semelhante às obras do Fluxus do início dos anos 1960, e ainda
mais com a música conduzida por software da cultura digital contemporânea,
em que fragmentos de som são constantemente combinados para fazer "faixas"
da cultura DJ. As obras de Duchamp combinam objetos com performance, áudio
com visual, fatores conhecidos e desconhecidos e elementos explicados e não--
-explicados. De suas três peças musicais, somente duas podem ser executadas
usando manuscritos ou algum tipo de sistema de "regras": Erratum Musical para
três vozes e Sculpture Musical. A Noiva Despida... ficou incompleta. Por isso é
importante dar o contexto aqui: não houve peças "acabadas", e Errata Erratum é
sobre a lacuna entre execução e intenção em um mundo de incerteza. Seja qual
for o mix que você fizer delas, só pode ser uma incógnita – você tem de fazer
sua própria versão, e essa é mais ou menos a intenção. Com isso em mente, peço
que você pense nisto como um laboratório de mixagem – um "sistema aberto"
em que qualquer voz pode ser você. Os únicos limites são o jogo que você joga
e como você o joga.
On The Record: Notas para Errata Erratum – Projeto Duchamp Remix no Museu de
Arte Contemporânea de Los Angeles (MOCA)

Sobre o Autor
Paul D. Miller é um artista conceitual, escritor e músico que trabalha em Nova York.

Informações Adicionais
O artista gostaria de agradecer à equipe de Lisa Marks e à equipe do MOCA de L.A., a Andrew Aenoch
por sua paciência infinita na montagem do website, a Rachel Bowditch por estar lá e a sua mãe,
Rosemary E. Reed Miller, também por sua paciência.

Tradutor do texto: Luiz Roberto Mendes Gonçalves.

Texto publicado pelo File em 2005.

324
325
Pós-Teatro:
Performance,
Tecnologia
e Novas
Arenas de
Representação
Renato Cohen
teoria

digital

artista

espaço

teatro

mídia
FILE TEORIA DIGITAL

Mantra Cósmico, rede de presenças, a conectividade da net cria uma corrente

de consciências, de sonoridades, de narrativas que são tecidas a distância. No
espaço-tempo geodésico, das 12 horas às 24 horas (horário SP), uma rede se
constela criando uma geografia de 35 artistas e quatro cidades em link – São
Paulo, Columbus (Ohio), Plymouth (UK) e Brasília. O Conceito é o do tempo real,
do tempo epifânico e único. O espaço está aberto para a performance presencial
e telemática. Espaço aberto para os interatores da rede e para os livre depoi-
mentos. Uma ação que tem seu peso na materialidade do corpo e sua leveza no
deslocamento das imagens...
– Texto guia do evento Constelação (2002).

1. Pós-Teatro

A criação de novas arenas de representação com a entrada onipresente do duplo

virtual das redes telemáticas (WEB-Internet), amplifica o espectro da performa-
ção e da investigação cênica com novas circuitações, navegação de presenças e
consciências na rede e criação de interescrituras e textos colaborativos. Com
uma imersão em novos paradigmas de simulação e conectividade, em detrimen-
to da representação, a nova cena das redes, dos lofts, dos espaços conectados,
desconstrói os axiomas da linguagem teatro: atuante, texto, público – ao vivo,
num único espaço, instaurando o campo do “Pós-Teatro”.
A relação axiomática da cena: corpo-texto-audiência, enquanto rito, totali-
zação, implicando em interações ao vivo é deslocada para eventos intermidiáti-
cos onde a telepresença (online) espacializa a recepção. O suporte redimensio-
na a presença, o texto alça-se a hipertexto, a audiência alcança a dimensão da
globalidade. Instaura-se o topos da cena expandida: a cena das vertigens, das
simultaneidades, dos paradoxos na avolumação do uso do suporte e da media-
ção nas intervenções com o real. Gera-se o real midiatizado, elevado ao paro-
xismo pelas novas tecnologias com suportes telemáticos, redes de ambientes
WEB (Internet), CD-Rom e hologramas que simulam outras relações de presença,
imagem, virtualidade.
Na linha conceitual proposta por Rosalind Krauss (Escultura em Campo Am-
pliado) a cena Pós-Teatral é a cena ampliada, uma Gesamtkunstwerk onde as
cidades, as redes, os espaços comunicantes são o cenário do trauerspiel con-
temporâneo. Uma cena que altera as noções de presença, corpo, espaço, tempo,
textualidade, pela inserção da simultaneidade, da velocidade e que, ao mesmo
tempo, é plena de dramaticidade ao figurar o acontecimento, o evenément, em
Pós-Teatro: Performance, Tecnologia e Novas Arenas de Representação

escala social e subjetiva. Uma cena inclusiva, performática, que proporciona 1. BIRRINGER,
inúmeras trocas entre cibernautas – em eventos de curadoria, como o evento Johannes.
Contemporary
Constelação (SESC/SP, 2002), curadoria de Renato Cohen, rede que linkou, em Performance/
tempo real, quatro centros de irradiação (SESC/SP, Caiia Center-UK, Ohio Media Technology.
Center – Columbus, USA e Centro de Mídia – UNB), num período de 12 horas com Theatre Journal 51,
361-381, 1999.
sequência de performances e interescrituras e eventos livres, autônomos, na
produção micropolítica e desejante dos cibernautas – em chats, web-cam e pá- 2. Vespucci (Direção
ginas pessoais. Johannes Birringer,
1999), Dalas, Usa,
A contaminação do teatro pelas artes visuais, cinéticas e eletrônicas dá um Alien Nation Co.
novo salto com a emergência das redes telemáticas que permeiam uma comuni-
cação em tempo real e uma extensão do corpo e da presença (o corpo extenso),
que é eminentemente performatizada. A partir dos anos 90, as novas mídias tec-
nológicas (web-art, artetelemática, net art), com novos recursos de mediação,
virtualização e amplificação de presença passam a impor outras direções às ex-
periências radicais da performance e do teatro: Johannes Birringer1 nomeia um
novo espaço monádico de performação, a sala tecnológica, recebendo imputs em
tempo real, em contraposição à sala de instalação, remetida às artes plásticas.
Em sua criação Vespucci (1999)2, performance com uso de espaço computacio-
nal, cantoras líricas e bailarinas, alimentadas em tempo real por informações
da Nasa e redes de CD-Rom, o público recompõe todo o hipertexto da criação.
Essas novas categorias de performance, intensamente alimentadas por dados
-em tempo real - colocam os performers e a audiência em espaços simulados de
improviso e presentificação.
Essa extensão do espaço cênico no espaço virtual não pressupõe, a nosso
ver, uma “desrealização” das formas e presenças, e sim uma reconfiguração
da cena e da comunicação à luz dos novos suportes e materializações da arte-
ciência contemporânea. Esse projeto de “desrealização” da cena é, na verdade,
um ataque à cena naturalista e tem sua gênese no século XX, com o projeto de
um teatro não mimético – na cena biomecânica de Meierhold, na rota das sur-
marionetes de Gordon Craig, nas utopias futuristas de Khlébnikov, Shlemmer e
El Lissitski, que intentam um corpo que atravesse os médiuns (Khlébnikov fala
de uma linguagem mediúnica, o “zaum”, que atravesse as mídias).
Nesse projeto – anti-realista – novas escrituras se desenham: Klhébnikov 328
cria o KA (1916) – um prenúncio de hipertexto que enumera o Egito de Amenóphis 329
e as terras do homem do futuro. O suprematista Kasimir Malévitch e Maiakovski
desenham ícones abstratos e palavras autônomas na criação de uma nova cena
da poiesis. São fundadores dessa gênese, o formalismo futurista, o sonorismo
dadá, a fluxo automático dos surrealistas e, finalmente, as experimentações
FILE TEORIA DIGITAL

O Hipertexto aqui é
definido enquanto
superposição de textos
incluindo conjunto de
obra, textos paralelos,
memórias, citação e
exegese.
Pós-Teatro: Performance, Tecnologia e Novas Arenas de Representação

com a body-art, o conceitualismo e o minimalismo que vão compor as matrizes 3. Essa peça, por
da cena contemporânea. causa de censura,
foi encenada no
No projeto contemporâneo, uma cena pré-virtual desenha-se nos experi- Brasil com o título
mentos da arte-performance em inúmeras intervenções com tecnologia, juntan- de Life & Times of
do corpo, narrativa e pesquisa de suportes: dos experimentos sonoros de John Dave Clark, em cena
que revolucionou o
Cage à dança autogerativa e numérica de Merce Cuningham; dos experimentos teatro brasileiro. Bob
da fax art, net art realizados pelo Fluxus às vídeo-performances de Nan June Wilson volta ao Brasil
Paik; do vocoder e digitalidade de Laurie Anderson às paisagens tecnológicas em 1994, na Bienal
Internacional de São
de Stefen Haloway. Paulo, com curadoria
Essa cena produz uma nova teatralidade polifônica e polissêmica que é de- de João Cândido
senvolvida também em espetáculos multimídia, como as óperas Life & Times of Galvão, com When We
Dead Awaken,
Joseph Stalin (1973)3 e Einstein on the Beach (1975) – com passagens marcantes de Ibsen.
pelo Brasil – do encenador Robert Wilson, cujas óperas inaugurais, permeadas
por sonoridades, abrupções, tecnologia, performance, idiossincrasia sobrepõem 4. O termo
hipertexto tem sido
o onirismo, a visão multifacetada, a ultracognitividade equiparando paisagens utilizado em textos
visuais, textualidades, performers, luminescências, numa cena de intensidades computacionais
em que os vários procedimentos criativos trafegam sem a hierarquia clássica aludindo às janelas
que se abrem em
texto-ator-narrativa, como por exemplo, nos planos simultâneos do discurso relação ao texto
do Wooster Group, na escritura distópica de Samuel Beckett, na dança minimal principal.
de Lucinda Childs e num leque mais amplo em trabalhos tão distintos como os
environment plásticos de Christo – citados por Gerald Thomas – e as epifanias
visuais de Bill Violla e Gary Hill.
As novas estruturas textuais perpassam o uso do intertexto (enquanto fu-
são de enunciantes e códigos), a interescritura, onde a mediação tecnológica
(Internet) possibilita a co-autoria simultânea, o texto síntese ideogrâmico, na
fusão das antinomias, o texto partitura, inscrevendo imagem, deslocamento, so-
noridades e a escritura em processo, que inscreve temporalidade, incorporando
acaso, deriva e simultaneidade. Na composição do texto espetacular, em inter-
relações de autoria, encenação e performance, o hipertexto sígnico estabelece
a trama entre o texto linguístico, o texto storyboard (de imagens), e o texto
partitura (geografia dos deslocamentos espaço-temporais).
O Hipertexto4 aqui é definido enquanto superposição de textos incluindo
conjunto de obra, textos paralelos, memórias, citação e exegese. O semiólogo 330
russo Iuri Lotman (Universe of the Mind, 1997), nomeia o grande hipertexto da 331
cultura como depositário de historiografia, memória, campo imaginal e dos ar-
ques primários.
Essa nova cena está ancorada em alternâncias de fluxos sêmicos e de su-
portes, instalando o hipersigno teatral da mutação, da desterritorialização, da
FILE TEORIA DIGITAL

pulsação do híbrido. O contemporâneo contempla o múltiplo, a fusão, a diluição

de gêneros: trágico, lírico, épico, dramático. Epifania, crueldade e paródia con-
vivem na mesma cena, consubstanciando uma escritura não sequencial, corpo-
rificando o paradigma da descentralização formulado por Derrida, para quem o
centro é uma função e não uma entidade de realidade. Gesta-se, nessa tessitura
hipertextual, a grande “memória interativa”, rizomática, em recursos de prolife-
ração, mediação e subjetivação.

2. O Pós-Dramático

As novas escrituras e suportes cênicos instauram novos espaços dramáticos

pela incorporação do acontecimento em tempo real, em clara miscigenação do
espaço real e do ficcional. Mitologias pessoais, fetiches, comunicações na rede,
acidentes, compõem a grande cena das redes.
Por outro lado, o dilema já apontado por Walter Benjamim, ao digladiar com
as filosofias iluministas e materialistas para quem o tempo é matéria quantifi-
cável, o progresso está ligado às ideias de futuro e as técnicas são suportes para
a dominação da natura, é retomado no contemporâneo, que supera, a nosso ver,
o cinismo pós-moderno articulado nas ideias de paródia, pastiche e fetichismo,
resgatando a prioridade de um sujeito da experiência, de um tempo de presenti-
ficação e de transcendência, da teckné em estreita relação com a phisis.
Retoma-se, com as redes, um espaço de autoria e de mídia-ativismo que se
contrapõe ao discurso dominante do broadcasting televisivo.
Ao criador contemporâneo é legado, portanto, a extrema experimentação
e busca por mecanismos que se direcionam para a construção de uma mitolo-
gia pessoal nos complexos territórios da trauerspiel (“tragédia da existência”)
apontados por Benjamim, assim como o contato premente com as novas técnicas
que, antes de obliterar os sentidos, propõem a ampliação do telos humano.

Sobre o Autor
Renato Cohen (1956, Porto Alegre – 2003, São Paulo) artista multimídia, diretor, performer e teórico.

Texto publicado pelo File em 2004.

Pós-Teatro: Performance, Tecnologia e Novas Arenas de Representação

Bibliografia Referencial

ATZORI, Paolo. Extended-Body an Interview

With Stelarc In Digital Delirium, p195-199/s/d.

BIRRINGER, Johannes . Media & Performance

Along the Border Baltimore, The Johns Hopkins
University Press, 1998.

LANDOW, George P. Hypertext 2.0 The

Convergence of Contemporary Critical Theory
and Technology. The Johns Hopkins University
Press, Baltimore, 1992.

PRADO, Gilberto. Experimentações Artísticas

em redes telemáticas e WEB In Interlab-
Labirintos do Pensamento Contemporâneo
(org. Lucia Leão), Iluminuras, São paulo, 2002.

Sites de Criação e Pesquisa

Criação - (Here I came again) - Curadoria de

Johannes Birringer.
http://www.dance.ohio-state.edu/dance_and_
technology/birdman.html.

Evento Constelação - Curadoria Renato Cohen

http://www.sescsp.org.br/sesc/hotsites/
constelacao/constelacao.htm.

Curadoria de Johannes Birringer

www.aliennationcompany.com.

Grupo Corpos Informáticos

http://corpos.org/telepresence2.

Hipertexto Michael Joyce

http://www.eastgate.com/TwelveBlue/
Twelve_Blue.html.

332
333
Poesia
[digital]: ars
combinatÓria
Lucio Agra
teoria

digital

poema

programação

produção

texto
FILE TEORIA DIGITAL

A CIGAR LOU CIA OAR LUG

A CRAIG LOU URACIL AGO
A CRAG I LOU URACIL GOA
A CIA LUG OR LUCIA ARGO
A URACIL GO CAIRO GAUL
A CAIRO LUG AURIC GOAL
A AURIC LOG AURIC OLGA
A CURIA LOG CURIA GOAL
A COAL RUG I CURIA OLGA
A COLA RUG I COAL GAUR I
A UCLA IGOR COLA GAUR I
A LAG CURIO UCLA ARGO I
A GAL CURIO UCLA AIR GO
A GAUL RICO UCLA IRA GO
A AGO CURL I
A GOA CURL I
A GAUR COIL
A GAUR LOCI
A GAUR CLIO
A LURA COG I
A RAUL COG I
GARCIA LOU
ALCOA RUG I
ALGA CURIO
GALA CURIO
LAURA COG I
AURAL COG I
AURA LOGIC
AURA CLOG I
COUGAR AIL
CIA LAG OUR
CIA GAL OUR
CIA GAUL OR
CIA RAG LOU
CIA LAO RUG
CIA LURA GO
CIA RAUL GO
POESIA [DIGITAL]: ARS COMBINATÓRIA

O texto acima não é um poema.

A afirmação anterior é de relativa comprovação.
Onde é que nós estamos, em pleno quarto ano do século XXI? Num tempo
que parece coroar as ideias de Wittgenstein. Princípios de incerteza aplicados
ao texto. Nada mais pode ser afirmado sem que se esbarre em alguma dúvida.
Sem pretensões universalistas, gostaria de propor essa – e outras discussões
do mesmo tipo – a partir do fenômeno que se desenvolve há várias décadas, sob
o nome genérico de “poesia eletrônica”. Ele se torna fenômeno constatável – in-
clusive midiaticamente – quando o termo abreviado em inglês e-poetry agrega
a poeisis à era global da informação.
O texto citado não é um poema. Ele é uma inserção do meu nome em uma
espécie de parser, um misturador de inputs, gerando, na outra ponta, um output
que teoricamente representa todas as combinações possíveis das letras do meu
nome. Este “gerador de anagramas” é tão fácil de encontrar na Internet, hoje em
dia, quanto um gerador de fractais, por exemplo. Usando a língua franca da In-
ternet, digite anagram generator ou no Google – ou outro buscador qualquer – e
você vai descobrir que em segundos poderá produzir textos como esse a partir
de seu nome ou qualquer outro grupo de palavras que deseje; se digitar fractal
generator, encontrará programas simples que geram aquelas belas imagens de
computador que hoje ilustram até capas de cadernos escolares.
Geradores: esta é uma nova dimensão de programas – deveria eu dizer gera-
ção? – que tem motivado os artistas da palavra. Exemplos:
Em 2001, na lista de e-mails do evento E-Poetry 2001, o poeta John Cailey
postou uma longa avaliação do congresso, exaltando suas qualidades. Chegou
a algumas conclusões. Uma delas, que me serve aqui e passo a citar: “Fui tam-
bém encorajado a ouvir e ver que há um novo engajamento que eu chamaria de
trabalho programatológico; escrita na qual a “programabilidade” da mídia é uma
necessidade”1. Poetas programadores, já em 2001, estavam presentes. Poetas
que retiram do acaso seu produto, como toda a tradição poética moderna, desde
Mallarmé, passando pelos dadaístas, o OuliPo, os letristas, a escrita automática
surrealista e a técnica do cut-up de Burroughs. Evidentemente há diferenças nas
várias fases e tendências citadas, mas parece realmente digno de nota que uma
grande quantidade de poetas se interesse por linguagem de programação para a
construção do texto e não somente para a realização de um artefato posterior- 336
mente trabalhado em uma interface. 337
No mesmo texto de Cailey, há uma citação do poeta Briam Kim Stefens que
vale a pena reproduzir:
 FILE TEORIA DIGITAL

1. CAILEY, John “post” No seu artigo “Reflexões sobre a ciberpoesia”, publicado em Carta aberta (no. 9,
na Lista e-poetry s/t, Outono de 2000, pp. 22-33), Brian Stefans abre com uma citação de Roger Pellet:
2001(tradução minha;
orig.: “I was also ‘O maior ciberpoema deveria ser uma aplicação online que fornecesse um texto
encouraged to see interessante e uma interface robusta com a qual pudéssemos manipula-lo. Em
and hear that there outras palavras, um processador de texto.’
is new engagement
with what I refer
to as programma- Prossegue, então Cailey:
tological work;
writing in which the
programmability of Bem, sim, podemos perceber onde isso vai dar e a correspondente perspectiva
the writing media is a que isto traz à discussão, mas o MS Word nunca me forneceu um texto inte-
necessity.”). ressante ou uma interface robusta (cf. BBEdit) ou quaisquer ferramentas inte-
2. Idem ibid. No ressantes para manipular qualquer que fosse o texto que eu pusesse nele (...).
original, em inglês: Talvez Photshop ou Flash venham a ser ciberpoemas VizPo...2
“In his *Open Letter*
article Reflections
on Cyberpoetry Decerto que a maioria dos editores de texto são pobres áreas de trabalho para
(Number 9, Fall 2000, escritores. Ainda que consideremos as estatísticas de fabricantes que apontam
pp. 22-33), Brian para um uso em torno de 10% dos recursos desses programas. Sabemos perfei-
Stefans opens with a
quotation from Roger tamente que os artistas “pulam” etapas. De qualquer modo, a “ferramenta” do
Pellet: “The greatest poeta que escreve no computador é, há muito tempo, muito mais do que qualquer
cyberpoem would be editor de textos ou imagens. Na verdade, o termo ferramenta também é ruim. Na
an online application
that provided you sua acepção mais comum, é um artefato de auxílio a uma tarefa. O processador
with an interesting de textos mais simples é bem mais que uma ferramenta, é um medium que altera
text and a robust substancialmente a compreensão que temos do que seja um texto. Este é um
interface with which
to manipulate it. In aspecto cuja discussão ainda está em desenvolvimento. Se assim é com um pro-
other words, a word- grama simples, o que dizer de aplicativos que trabalham com a transformação e
processor.” Well yes, geração de novos textos (e não simplesmente registram os inputs do usuário, de
we can see where
this is going and the acordo com as convenções de sua língua)?
requisite perspective Gostaria de oferecer alguns exemplos que podem auxiliar minha argumenta-
which it lends to ção. Eu os recolhi da lista Wryting, da qual participo desde 2002 e na qual figu-
the discussion, but
MS Word has never ram alguns nomes dessa – digamos assim – tendência, tais como Alan Sondheim,
provided me with an Lawrence Upton, Lanny Quales e outros:
interesting text or
a robust interface
(cf. BBEdit) or any Urge
interesting tools to Alan Sondheim
manipulate whatever
text *I’ve* provided
for it (or plagiarized Urge go hztrayght up GRA! hZTREET on pe North &... take pe pyrd hztreet on
by anticipation). your lepht, &... ...&! go hztrayght up 4D hZTREET, &... take pe phiyrhzt
keyorneros, on pe ryght-h&... TAZyde. (Shehz reaelelel! TAZomepyng!)
POESIA [DIGITAL]: ARS COMBINATÓRIA

Urge go hztrayght up GRA! hZTREET on pe TAZouth &... take pe phiyrhzt Maybe Photoshop
keyorneros, ...&! go hztrayght up LyNKAYOLN hZTREET through up BROWN or Flash are a vizPo
cyberpoems?”
hZTREET on pe keyorneros. (BuKapateveros!) VizPo é uma
expressão que
Urge go hztrayght up 4D hZTREET on pe uhze-meehzt &... take pe pyrd tem sido usada
para designar
hztreet on pe lepht. ...&! take on pe two blosakeyk, on pe lepht-h&... “visual poetry”.
TAZyde. (Shehz out ophlsh! heros m9nd!)

Urge go hztrayght up GRANT hZTREET on pe uhze-meehzt &... take TAZekeyond

hztreet o pe ryght, ...&! go hztrayght up 4D hZTREET on pe Eahzt, &...
take phiyrhzt keyorneros, on pe lepht-h&... TAZyde. (Get rel!)

mornyng, pleahze ...&! go 4 a uhze-mealk yn OUHOR! PARK (She dydnt gyve yt

a hzekeyond pought!)

She's hot!

O texto acima não é um poema. Num certo sentido ele é uma coleta de palavras
que podem ter aparecido numa infestação de spams na máquina do poeta. Mas
o texto acima também pode ser um poema se considerarmos que – fosse essa a
estratégia utilizada, do que eu não tenho qualquer comprovação – ele obedece
à regra no. 1 para fazer um poema dadaísta de acordo com Tristan Tzara. Subs-
titua o saquinho e as palavras recortadas pelo infinito poder recombinatório do
computador e temos aí todos os poemas a serem escritos. No ano passado, aliás,
uma polêmica tomou conta da lista, envolvendo justamente Sondheim e outro
poeta, August Highland. Este último vem desenvolvendo há alguns anos um tra-
balho de multiplicação do caráter aleatório de recombinação propiciado pelo
computador e pela Internet. Algo como a produção de clusters de texto, atribu-
ídos a centenas – e hoje, talvez, milhares – de colaboradores reunidos em sites
conectados entre si por imensos portais onde tudo é provavelmente ficcional.
Uma espécie de Biblioteca de Babel dentro da própria babélica Internet. Muitos
dos anúncios desses textos – com exemplos dos autores – eram postados na lis-
ta. Surgiu a questão natural sobre o modo como esses textos eram produzidos,
quais seriam os programas geradores empregados, etc. Na relutância de res- 338
posta por parte de Highland, abriu-se uma longa discussão sobre a veracidade 339
do próprio texto postado, os princípios mediante os quais fora gerado, etc. Por
aí se vê que a proliferação infindável e barroca de textos na rede ultrapassa a
dimensão exclusiva de sua significação para tocar até mesmo os problemas – já
diversas vezes debatidos – da autoria e da autenticidade.
FILE TEORIA DIGITAL

A modernidade artística é uma fonte primária de sua criação. Alguns proce-

dimentos que ela inaugurou e que os poetas digitais utilizam: o apreço pela
colagem e montagem, os experimentos com a sonoridade, com a visualidade,
o objet trouvé, a dissolução dos gêneros em operações intersemióticas e os
automatismos presentes nas escolas surrealista e beat. Com relação ao último
aspecto é fácil adivinhar a proveniência: a maior parte dos poetas estaduni-
denses e canadenses tem forte background ligado à beat generation. Alguns –
como é o caso de Chris Funkhouser – trabalharam diretamente com nomes como
Allen Ginsberg (infelizmente este catálogo não é sonoro, para que possamos
exemplificar melhor). As vertentes sonoristas, derivadas do DADA e dos letris-
mos de Isidore Isou aparecem como referência de europeus, demonstrando essa
equivalência geográfica. É igualmente notável como a herança Duchamp/Cage se
manifesta entre norte-americanos e anglófonos como os australianos. A tese do
objet trouvé ainda é motivadora de poemas desentranhados de portais de sexo,
de leilão, mensagens recebidas de outros amigos, trechos de textos em geral
recombinados, ou mesmo “traduções” de textos visuais em verbais.
Os experimentos com a sonoridade também ficam favorecidos pelos vários
recursos – de baixíssimo ou nenhum custo, existentes hoje na rede – para pro-
cessamento sonoro de textos em tempo real. Alteradores de pitch de frequência
da voz, sintetizadores e reprodutores em vozes pré-programadas estão à dispo-
sição de qualquer um. Mesmo os programas que seriam a versão atual do “dita-
fone”, prometendo – e geralmente não cumprindo – a façanha de gerar um texto
a partir de uma gravação de voz, são muitas vezes empregados exatamente por
causa da margem de erro prevista3.
Colagem, montagem, automatismo, ready-made, visualidade e sonorismo
são todos procedimentos que apontam para a continuidade no uso de formas
herdadas do século XX. Há também as descontinuidades, poucas ainda, do meu
ponto de vista. Vejo, até onde posso, uma ausência quase absoluta de unidade
temática mesmo em cada autor. A característica de uma lista como as várias
existentes é de justamente funcionar como um laboratório de ensaios. Não se
chega, no entanto, à definitiva situação do texto pronto, pois os próprios sites
– e mesmo os CD-roms – que seriam os suportes utilizados, carregam em si a
provisoriedade e a tendência de alterarem formas já existentes4.
Há eficientes leituras desse fenômeno de rarefação dos suportes tradicionais,
como o conceito de “despaginação” de Giselle Beiguelman5. Há, também, hoje em
dia, uma boa bibliografia sobre a questão da Interface e seu papel na criação6.
O abandono da palavra e a sua substituição pelo cálculo numérico, parecem
constituir outro aspecto, muito embora este talvez seja um alvo perseguido
POESIA [DIGITAL]: ARS COMBINATÓRIA

pela modernidade desde o lance de dados mallarmeano. As acusações de cere- 3. No 1º Circuito

bralismo assestadas contra João Cabral e principalmente contra a Poesia Con- Petrobrás de Artes
Cênicas (Teatro do
creta, não fariam sentido diante de novas formas de “criação” que entregam à Centro da Terra, São
esfera (log)ar(r)ítimica da máquina o encargo da produção do material “voca- Paulo, ago/dez. 2002,
bular”. Na realidade, muito ao contrário, como o prova o site “Ubuweb” (www. curadoria de Renato
Cohen e Ricardo
ubuweb.com) a poesia concreta, visual, matemática e semiótica são formas Karman) Mônica
modelares para a maior parte dos autores recentes que operam na eletrônica. Rizzoli, do grupo
Um caso marcante é o de Briam Kim Stefens, presente no Ubuweb com o seu The Neo-Tao, fez uso do
programa Via Voice,
dreamlife of letters7. da IBM, exatamente
Alguns “autores” como [mez] (não está muito claro a que gênero pertence, ou com essa abordagem.
se é mesmo uma única pessoa ou várias) operam na linha que aproxima o cálculo
4. Tem sido esse
e o texto, neste caso ainda na camada de interface alfanunérica como os textos o espírito do
em HTML, DHTML e linguagens de programação como Java e Perl. experimento que
temos feito na revista
Córtex (primeiro
Post número saído no ano
_____________________________________________________ passado, sob a edição
_____________ de Thiago Rodrigues,
Guilherme Ranoya e
_m[v]elt[vet N doctor]ing lines nuanced_code 08:31am 12/06/2003_ eu), fazendo uso de
_____________________________________________________ um repertório-base
______________ da e-poesia que se
encontra na poesia
visual de uma geração
–crash dummified N rogue txt idlers que nos antecede. O
mesmo ocorre com a
revista artéria cujo
.u.seek.the.trojan.truth. no. 8 está presente
neste FILE (www.
arteria8.net).

::s[ituation]lit[oral]ting babies mouths with z-ends 5. BEIGUELMAN,

::search + dD.c[k]ern[elizing] Giselle. O Livro
::m[v]elt[vet N doctor]ing lines nuanced_code” Depois do Livro. SP,
Peirópolis, 2003.

mas há também os casos como os de Johan Meskens que, a partir de uma lingua- 6. JOHNSON, Steven
gem verbal rarefeita, vai produzindo paisagens tipográficas, como no fragmento Cultura da Interface
– como o computador
a seguir, postado em 26 de junho do ano passado: transforma nossa
maneira de criar e 340
comunicar. Rio, Jorge
Zahar, 2001, trad. de 341
REWRAPPING re{ re} Maria Luíza X. de A.
Borges.; SPILLER, Neil
 FILE TEORIA DIGITAL

(ed.) Cyber reader – re{––––––––––––––––––––––––––––––-}

critical writings for re{ re–––––––––––––-}
the digital era Nova
York, Phaidon, 2002. re{ re–––––––– re}
re{ REI re1, re1 re{ re00.gq re} REO re1, re1 re{ re89.oq re} REV re1, re1 re{ reqs.
7. Comentei este e ao re} re* re}
outros trabalhos em
um texto anterior: re{ re––– re––-
AGRA, Lucio re{ REI re1, re1 re{ re25.is re} REO re1, re1 re{ reqh.dq re} REV re4, re1 re{ reqq.
“E-poetry 2001: a kv re} re* re}
poesia do século XXI”
in Galáxia – revista re{ re––– re––
transdisciplinar re{ REI re1, re2 re{ re01.pq re} REO re1, re1 re{ re89.oq re} REV re1, re1 re{ rese.
de Comunicação, oa re} re* re}
Semiótica, Cultura
no. 2, São Paulo, Educ/ re{ re––– re–-
PEPG Comunicação re{ REI re0, re1 re{ re00.gq re} REO re1, re0 re*****************************
e Semiótica, re}
PUC/SP, 2001.
re{ re––– re–
re{ re* re* re* REI re1, re1 re{ re00.** re} REO re1, re9 re}
re{ re––– re-
re{ REI re1, re1 re{ re73.gq re} re* re1, re6 re** re}
re{
re{ re000000, rea rehuman reinvention re}
re{
re{––––––––––––––––––––––––––––––-}

Cabe assinalar que a própria reprodução aqui já altera alguns parâmetros de

disposição das letras. Mas o texto vive, na realidade, deste contínuo desdobra-
mento de suas várias versões.
Este seria, então, para finalizar, o “horizonte de eventos” do poema digital
(a “horitanha do montazonte”, como dizia Oliverio Girondo). Um texto permu-
tado/permutável, com maior autonomia ainda do que aquele que o século XX
inaugurou, pois agora não mais aprisionado em um suporte como o papel, que
ainda o paralisava. Um texto móvel porque se altera conforme a instância de sua
reprodução. Corrigindo: um texto que não se reproduz mas é outro a cada nova
aparição. E isso é só o começo.
POESIA [DIGITAL]: ARS COMBINATÓRIA

Sobre o Autor
Lucio Agra é poeta, performer, pesquisador na área de vanguarda e novas tecnologias; doutor
em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP. Publicou Selva Bamba (poemas, Ed. Nova Leva, 1994) e
História da Arte do Século XX: ideias e movimentos (Ed. Anhembi-Morumbi, 2004). Professor na
área de Performance da Graduação em Comunicação das Artes do Corpo da PUC-SP e de Teoria da
Comunicação na FAAP.

Texto publicado pelo File em 2004.

342
343
Interpoesia
e Interprosa:
Escrituras
Poéticas
Digitais
Wilton Azevedo
teoria

digital

conceito

comunicação

signo

simulação
 FILE TEORIA DIGITAL

1. Este paper foi Ts’ui Pên, homem douto em diversas disciplinas, governador de sua província,
publicado na Revista poeta famoso, decide renunciar a tudo para dedicar sua vida a construir um la-
Design Belas Artes,
Ano 4, Número 5, birinto e escrever um livro. Durante muitos anos sua obra não é entendida: quem
Dezembro de 1998. a lê percebe um texto caótico e desordenado, onde não é possível reconhecer um
Texto “Hiperdesign desenrolar sequencial dos eixos.
uma cultura do
acesso”. O homem que sabe interpretar corretamente essa criação reconhece a in-
tenção de Tsúi Pên: o livro e o labirinto não eram obras independentes, e sim um
2. Quéau, Philippe. único objeto. O que o escritor pretendia era criar um texto que não precisasse
METAXU, Théorie de
L´art Intermédiaire. optar por uma única alternativa, mas que pudesse reunir todas as possibilida-
Collecion Milieux des de uma narração: “Em toda obra de Ts’ui Pên, todos os desenlaces ocorrem;
Editions Champ cada um é um ponto de partida de outras bifurcações”. (Vouillamos apud. Borges,
Vallon. Seyssel. 1989.
2000:80) O mundo digital trouxe para nós a possibilidade de criarmos alterna-
tivas no processo de comunicação estabelecendo vários níveis nestas relações
interativas. É nesta trajetória que algum tempo atrás escrevi um paper levan-
tando e apontando aspectos relevantes destas relações e que oportunamente
chamei de Hiperdesign: Uma Cultura do Acesso1. Este texto começava com uma
citação de Michael de Certaux que diz: “O memorável é o que se pode sonhar de
um lugar”. É pensando na possibilidade da memória ocupar um espaço em um
ambiente virtual, que pretendo neste texto desenlear o que me vem instigando.
Em 1989, Philippe Quéau escreveu um livro chamado Metaxu2 em que já apontava
para a importância de uma revisão para os textos sobre a cognição humana dian-
te de ambientes virtuais, salientando uma evolução dos conceitos biológicos e
a necessidade de um aperfeiçoamento nos processos de simulação via aparatos
tecnológicos digitais, como já havia descrito na sua obra, Eloge de la Simulation,
1986, para que pudéssemos criar uma escritura como organismo vivo.
Se observarmos as produções artísticas como uma linguagem em evolução,
perceberemos que a noção fronteiriça estabelecida de código para código, fica
muito mais claro quando lidamos com aparatos que propiciam um produto híbri-
do, no caso a mídia digital. A poética nos suportes digitais ultrapassam a esfera
das metáforas e entram decididamente para o mundo dos modelos matemáticos
de linguagem binária para que possamos simular e ao mesmo tempo dar ao re-
ceptor a oportunidade de completar a obra.
As linguagens verbais, visuais e sonoras estão sempre operando no limite
da representação, propondo analogias ou metáforas no contexto desta escri-
tura híbrida, “A metáfora pode esclarecer, às vezes com muita luz, mas carece
de verdadeira capacidade de declinação. Sempre representa um caráter mais ou
menos adequado.” (Quéau, 1995: 35). Quanto ao modelo matemático em forma
de escritura, este pode experimentar comprovando sua coerência interna sem-
pre inserido em um contexto real.
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

A partir disso, podemos dizer que o conceito de intermediaridade só ocorre entre

processos interdisciplinares como é o caso natural das hipermídias, e lembran-
do novamente Certaux, abrimos com isso a possibilidade de que “sonho e me-
mória”, possa ser lido como duas entidades que sempre tentamos representar
e simular para romper os limites fronteiriços entre as linguagens, sendo assim,
continuamos inventando máquinas incansavelmente para transpor os limites da
nossa tão programática linguagem humana.
No exercício da transposição é que damos a estas entidades, o poder de
vencermos os limites estabelecidos, e recordarmos por alguns instantes as
nossas histórias nos reconhecendo registrados por estas criaturas tecnoló-
gicas que apreendem as nossas almas dentro das máquinas que funcionam
segundo o padrão do seu criador. Com isto, os artistas destes novos meios
acabam produzindo linguagens “intermediárias” para poderem se expressar de
forma híbrida, “...e poderá aproveitar sua ‘vida artificial’ para criar obras em
perpétua genesis, processos quase vivos que se modificam a si mesmos em
função de um contexto.” (Quéau, 1995:35).
Diante deste terreno novo, a maior fronteira a ser transpassada é a li-
nha limítrofe que migra de um ambientematerial- real para um ambiente-
potencial-virtual. “Os espaços virtuais equivalem a campos de dados e a cada
ponto pode se considerar como uma porta de entrada a outro campo de da-
dos, tendo um novo espaço virtual que conduz a sua vez a outros espaços de
dados.”(Quéau, 1995: 38)
Todo exercício de linguagem associada ao conceito de hipermídia, dentro
deste aspecto, começa a proporcionar um sistema aberto de comunicação –
emissor e receptor – sem limite definido, passando a configurar uma nova noção
de espaço em que não se reconhece nem o princípio e nem o fim deste sistema.
“(...) Como esquema conceitual, é plurisignificativo e acaba por oferecer
múltiplas ocorrências, múltiplos acessos e leitura, de maneira que é possí-
vel reconhecer uma certa analogia entre o modelo hipertextual desenvolvido
pela informática e o polisemantismo tão reclamado pelo campo da literatura”.
(Vouillamoz, 2000: 74).
O trânsito desta nova escritura híbrida acaba ganhando por consequência
todo um novo conceito do que possa significar: as palavras, os sons e as ima-
gens. Digo isto no plural, porque não se trata aqui de termos signos sempre
com características genéricas e sim um programa em que se possa identificar as 346
sutis diferenças que ocorrem ao migrarem de um sistema para um outro, como 347
explica Núria Vouillamoz:
FILE TEORIA DIGITAL

“A projeção histórica da linguagem faz com que a palavra se veja sobrecarregada

de intencionalidade plurilingüística e, por tanto, encerra um constante diálogo
de sua semântica ambígua: a condição significativa da palavra ‘não é acabada, e
sim aberta; é capaz de descobrir em cada novo contexto dialógico, novas possi-
bilidades semânticas” (Vouillamoz apud. Bakhitin. 2000:76).
Quanto as questões do elemento virtual ligado ao significado das palavras,
não resta mais dúvida, principalmente depois dos estudos de Ferdinand de Saus-
sure, que a palavra sempre carregou consigo uma condição de significado aberto
na formação de novos produtos de linguagem e por que não dizer, de novas po-
éticas. Com isso passamos a entender melhor que todo fruto de uma operação
hipermidiática tem sua nascente nos processos de construção literária e sua
característica de escritura, uma vez que seu modelo matemático no processo de
simulação vai se expandindo – tanto na literatura como na hipermídia – tentan-
do ocupar cada vez mais nos ambientes virtuais uma escritura em movimento,
sem começo, meio e fim, sem emissor e receptor pré-determinado, sendo esta
escritura de síntese digital portadora de uma quase inteligência artificial.
Precisamos entender que os suportes digitais do mundo da hipermídia pas-
saram a configurar uma nova noção de espaço, no que diz respeito a represen-
tação, “A forma do texto poético é própria. Ela já é um desenho, mostra-se em
verso, configura um espaço novo no pergaminho, na página ou na tela, tempo
e espaço se buscando, se sobrepondo. Os primeiros teóricos perceberam este
conluio de formas e de códigos.” (Oliveira, 1999: 12).
“(...) O que a vista abarca de um só lance, ele (o poeta) nos enumera lenta-
mente, pouco a pouco, e muitas vezes sucede que, ao último traço apresentado,
já esquecemos o primeiro…Para a vista, as partes contempladas conservam-se
constantemente presentes, ela pode percorrê-las quantas vezes lhe aprouver;
para o ouvido, porém, as partes ouvidas se perdem, caso não se gravem na me-
mória”. (Oliveira apud. Lessing, 1999:14).
É assim que no terreno da hipermídia vemos este trânsito de escrituras.
O mundo virtual é uma fronteira imaginária, de etnias, línguas, culturas e
ideologias, que acabam por se globalizar diante desta escritura/software que
permite que o ser humano hoje se reconheça em sua escrita digitalizada, com
o mesmo índice das marcas digitais da palma da mão que o imortalizou no
desktop das cavernas.
Não há novidade quanto o poder virtual da linguagem, seja qual for o código.
Os sinais criados pelo ser humano em sequências imagéticas que foram se
transformando aos poucos em textos intertextuais, sempre comprovou a ca-
pacidade de migrarmos virtualmente diante da materialidade que este mundo
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

foi se apresentando através do desdobramento de seus fenômenos para outros

campos de nossa percepção, conquistando definitivamente lugares novos que se
caracterizam e se apresentam nestes ambientes virtuais.
Este produto híbrido proveniente desta migração virtual dos códigos, só
está sendo possível com o exercício Poético nos suportes digitais, exercício
este que começou de forma programática com os manifestos da modernidade
do século XX.
Podemos dizer que a cultura da representação, da simulação e da emulação,
já esta impregnada em nossas mentes que convive muito mais com a cópia e a
simulação através dos aparatos tecnológicos, do que com o mundo que se apre-
senta diante de nossos olhos, sem a intermediação destes mesmos aparatos.
O princípio de qualquer sistema de comunicação, sempre foi o óbvio: enviar
e receber mensagens. O que assistimos é a sofisticação deste método, é a lin-
guagem humana passando por um período importante da nossa história, estes
aparatos digitais que disseminam, imagens, texto e sons, de forma híbrida, co-
piam e simulam com tal competência que acabamos por nos esquecer de nosso
estado vicário.
Esta sofisticação nos coloca impotente diante da quantidade de informação
recebida, e acabamos por perder a noção do que possa ser crível, para adminis-
trar a recepção.
Se coincidência ou não, as relações fronteiriças através dos espaços virtuais
proposto pelas infovias, esta trazendo para a humanidade mudanças fundamen-
tais no que diz respeito a comportamento, atitude e ideologia, no entanto, a mi-
gração virtual do ciberespaço, vai muito mais além do que qualquer experiência
vivida pela humanidade, é uma linguagem que se situa no limite da aplicabilida-
de, que testa os nossos níveis de interatividade do ponto de vista do cognitivo,
perspectivo e da intervenção, dando ao público também emissor a possibilidade
de tornar um sítio em trânsito, portador de uma escritura em que o limite ainda
ficará a cargo da linguagem humana.
Não há o porquê de nos sentirmos ameaçados se suscitamos pensamentos
advindos de registros produzidos pela tecnologia, e me refiro aqui a todos os
registros produzidos pela tecnologia, tanto os verbais, sonoros e imagéticos,
como aqueles em forma de escritura.
Já que podemos ter acesso em qualquer lugar e hora a esses armazéns de
signos, arquivos que contêm de maneira parcial e asséptica o conhecimento hu- 348
mano contido em um apertar de um mouse, passou a ser oportuno desvendar 349
esta nova escritura que há muito estamos tendo contato através de videoclipes,
vinhetas de televisão, internet, CD-ROM, blog, fotolog e as câmeras de bolso
 FILE TEORIA DIGITAL

3. Palestra proferida usadas como canetas. Ou seja, o que entendemos hoje por livro, texto e litera-
por Umberto Eco no tura, e suas consequências narrativas, não poderá ser analisado pelos novos
Egito para abertura
da nova biblioteca suportes digitais – hipermídia – se não voltarmos a nossa atenção para a ne-
da Alexandria, cessidade maior que o ser humano tem em produzir escrituras com ou sem “o
foi publicada sangue de seu próprio corpo”, na intenção de lançar o exercício do efêmero em
originalmente no
jornal egípcio Al- forma de eterno.
Ahram e traduzido “Segundo Platão, em Fedro, quando Hermes – ou Thot, suposto inventor da
por Rubens escrita – apresentou sua invenção para o faraó Thamus, este louvou tal técnica
Figueiredo para o
caderno Mais da Folha inaudita, que haveria de permitir aos seres humanos recordarem aquilo que,
de São Paulo dia 14 de outro modo, esqueceriam. Mas Thamus não ficou inteiramente satisfeito.
de dezembro de 2003. ‘Meu habilidoso Thot’ disse ele, ‘a medigital mória é um dom importante que
se deve manter vivo mediante um exercício contínuo. Graças a sua invenção,
as pessoas não serão mais obrigadas a exercitar a memória. Lembrarão coisas
em razão de um esforço interior, mas apenas em virtude de um expediente ex-
terior.” (Eco 2003:6)3
Este expediente exterior produzido pelas tecnologias trouxe novos recortes
epistemológicos para a investigação dessas novas escrituras. As novas pro-
postas para métodos historiográficos nos fazem rever algumas teorias sobre
a linguagem humana não apenas como um sistema de registro da memória da
espécie, mas também como um sistema de articulação de signos que vivem em
trânsito migratório interdisciplinar no que diz respeito à linguagem como um
sistema em expansão.
Os documentos historiográficos e arqueológicos deixam cada vez mais de
ser os documentos como o papiro, ossos, ou mesmo os artefatos de pedra, mas
os da língua que falamos e os estudos dos genes. A ideia de uma linguagem
evolutiva em expansão pode ser notada pela articulação das escrituras adota-
das pelo software da cultura digital e de como, a cada dia, podemos elucidar
que uma reformulação cultural do fazer poético e da produção do conhecimento
não passa apenas pela escrita verbal, e sim na composição de uma escritura
que abarca signos imagéticos e sonoros que se encontram em um estágio de
expansão. É inevitável considerar o avanço tecnológico como um dado para a
escritura expandida, pois esta coloca em xeque a própria produção artística e o
fazer poético dos últimos cem anos.
A densidade populacional já foi detectada como um agente propulsor da
expansão geográfica e das culturas, e a língua como forma de expansão e sua
linguagem decorrente do uso. O que ainda não conseguimos detectar é que a lin-
guagem humana passa por um momento de hibridização como resultado desta
expansão demográfica e tecnológica.
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

Assim como as primeiras navegações foram um dos principais fatores para a 4. Há um estudo que
expansão humana de cultura e misturas étnicas, a cultura digital, através de fiz que foi registrado
em uma palestra
seus sistemas hipermídias, ofereceu este mesmo diagrama de transformação proferida na Ohio
através da migração virtual4. Não à toa, usamos o mesmo verbo “navegar” para University no Fourth
esta mesma ação do clicar e adentrar este labirinto narrativo, uma nova etapa Annual McKay Costa
Symposium, em 25 e
para que códigos que viviam em sistemas matriciais isolados, verbal, visual e 26 de abril de 2002,
sonoro, passem, a partir da era do software, a explorar novas formas de se faze- a convite do Prof. Dr.
rem perceber como linguagem. George Hartley.

O autor italiano Luigi Luca Cavalli-Sforza vem fazendo um estudo chamado

Geografia Gênica, analisando as formas de expansões que englobam o rompi-
mento das barreiras da língua que falamos e o do crescimento quanto a uma ex-
pansão numérica da ocupação geográfica. Diz o autor: “Nossas análises mostram
que, no geral, todas as grandes expansões se deveram a importantes inovações
tecnológicas: a descoberta de novas fontes de alimentos, o desenvolvimento de
novos meios de transporte e o aumento do poderio militar e político são agentes
particularmente potentes de expansão”. (Cavalli-Sforza 2003:130)
O problema proposto por Cavalli é que nem sempre as revoluções tecnológi-
cas produzem crescimento demográfico e expansão populacional; e posso dizer
que é exatamente neste não aparente crescimento que a linguagem, ou melhor,
a escritura humana se expande; cresce no sentido migratório e semiótico, arti-
culando outras fontes sígnicas para dividir o bolo da disseminação do conheci-
mento poético.
É lógico que esse processo de expansão – escrita expandida – não se dá ape-
nas pela propagação do conhecimento desta tecnologia, difusão de uma cultura
digital, mas pelo uso desta como manifestação do fazer hipermidiático, levado
adiante pelos artistas, poetas, filósofos, educadores e muitos outros que encon-
traram nesses softwares de autoria uma nova forma de se fazer compreender ou
experimentar.
Hoje, a forma de difusão dêmica é dada de maneira não somente presencial –
tumbleweed –, mas também a minha presença migratória se faz pela linguagem
que proponho ao outro poder navegar, ou melhor, potencialmente escrever, inter-
ferir na minha escrita. Phillipe Bootz (2003: 5-6) chama a atenção para este pro-
cesso quando fala sobre o conceito do interpoesia, “... Manipulando fluxos de sig-
nos moventes entre diferentes sistemas semióticos e que seu papel consiste em
domesticar as possibilidades estéticas (...) como uma nova ‘área de leitura’...”. 350
Prossegue Bootz citando um trecho do Manifesto Digital, “...surge uma po- 351
esia que coloca o público como agente principal na criação e intervenção, na
mamaking neira de ler e de se obter novos signos a todo instante”.
FILE TEORIA DIGITAL

Assim nasceu a Interpoesia, um exercício intersígnico que deixa evidente o sig-

nificado de trânsito sígnico das mídias digitais, desencadeando o que se pode
denominar de uma nova era da leitura. (Azevedo apud. Bootz 2004:5-6)
De modo geral e sem dúvida, é através das invenções e do uso de novas tec-
nologias que o experimento poético se fez presente nas novas mídias.
As línguas mudam muito depressa e é terrivelmente difícil estabelecer rela-
ções claras entre aquelas distantes. Com o tempo, grandes mudanças fonológi-
cas e semânticas ocorrem em todas elas.
A magnitude dessas mudanças torna complexas a reconstrução e a avaliação
dos aspectos comuns entre línguas. A gramática também evolui, embora qua-
se sempre num ritmo suficientemente lento para permitir o reconhecimento de
relações linguísticas mais antigas. Sob a pressão das mudanças fonéticas e se-
mânticas, uma língua logo se torna incompreensível. (Cavalli-Sforza 2003:182)
Assim como uma palavra perde, com o decorrer do tempo, o seu significa-
do original, ainda não existem métodos precisos para detectar o quanto desta
perda faz surgir uma nova língua ou, com o tempo, uma nova linguagem. Em bio-
logia, temos a vantagem de usar diversas proteínas ou sequências de DNA para
obter várias estimativas independentes de data de separação de duas espécies.
Infelizmente, na linguística não existe a mesma variedade e riqueza de dados
para corroborar nossas conclusões. (Cavalli- Sforza 2003:183)
É justamente este dado ainda não aferível e mensurável que torna o fazer
poético fascinante e de profunda paixão. Esta miscigenação de linguagens, que
tornou os meios digitais uma plataforma possível para a manifestação desta
nova escritura, vem aproximando as semelhanças que existem entre a evolu-
ção biológica e linguística. Esta paixão do fazer poético não isenta os poetas
e, mais precisamente, os que estudam este fazer, do rigor necessário para o
desenvolvimento de um estudo que aponte para esta escritura que se encontra
em expansão.

Poética numérica ou escritura expandida

O estudo da poética até o começo do século XX tornou o código verbal como

parte privilegiada desse recorte, mas foi na semiótica que a poética encontrou
um trânsito maior inter- e intra-códigos, nos fazendo lembrar da poiésis que
significa criação.
Os aspectos culturais quanto à credibilidade da compreensão e a produção
de conhecimento estavam ligados apenas à tecnologia da escrita, como ques-
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

tiona Alberto Manguel (1997). Assim, veremos que as tentativas de uma prática
semiótica nos tornam atentos ao fato de que o código verbal, como agente ar-
ticulador de signos – software –, fez mudar seu referencial de arbitrariedade
deste “vir a ser” histórico como forma de registro. Com o mundo da escritura
numérica advindo da cultura dos suportes digitais, a linguagem verbal, que tem
como modelo um alfabeto, teve sua práxis há muito transformada na obtenção
para o que chamar de conteúdo analítico. Com esta tradição, notamos que o al-
goritmo nada mais é do que uma escritura que, a cada dia, deixa de ser um mo-
delo matemático de simulação, passando à condição de intercódigo hipermídia
ou escritura expandida.
Pierre Lévy (1996) aponta para este dado como uma atualização que perten-
ce ao próprio ato de ler, e que, de uma maneira ou de outra, cada vez mais as con-
venções pertencentes ao próprio código podem ser corrompidas: “as passagens
do texto estabelecem virtualmente uma correspondência, quase uma atividade
epistolar que nós, bem ou mal, atualizamos, seguindo ou não, aliás, as instru-
ções do autor. Produtores do texto, viajamos de um lado a outro do espaço de
sentido, apoiando-nos no sistema de referência e de pontos, os quais o autor, o
editor, o tipógrafo balizaram. Podemos, entretanto, desobedecer às instruções,
tomar caminhos transversais, produzir dobras interditas, nós de redes secretos,
clandestinos, fazer emergir outras geografias semânticas”. (Lévy 1996:36)
Se tudo se aperfeiçoa, por que a poética não passaria por este processo de
aperfeiçoamento, ou melhor, de atualização? A cada passo, os estudiosos se
vêem no ímpeto de criar novos termos para uma classificação de seus estudos
ou testar a “eficácia de um método” (Teles 1996:14).
O que vemos desta tradição linguística é que as figuras de linguagem ou
criaturas sígnicas que, criadas quando estamos no exercício do tormento que é
a criação, muitas vezes e, com frequência, são identificadas em outros códigos,
como o sonoro e o visual, mas dificilmente vemos situações em que um código
não ilustre o outro, o que faz com que muitas vezes estas linguagens sejam do-
tadas de extrema riqueza técnica, mas de um vazio poético incomparável.
Terminologias são criadas como uma espécie de “moléstia verbal” ou, como
apontada por Max Muller (Teles 1996:14), na tentativa de se criar um conheci-
mento científico, o que não é diferente no estudo da poética. Neste, é preciso
ter o mesmo rigor se quisermos situá-la dentro do mundo digital. Então, por
que a humanidade correu atrás de uma tecnologia que pudesse atualizar cada
352
vez mais o conceito de “ler”, “ver” e “ouvir”, se os sistemas sígnicos do verbo já
353
estavam prontos para a reflexão?
 FILE TEORIA DIGITAL

5. Isto me fez lembrar Estamos experimentando ainda como utilizar esta nova mídia digital para a re-
de uma historia flexão de conteúdos temáticos, mas com certeza uma mídia que, além de conter
que um dia Décio
Pignatari me contou o verbo, também contempla, no seu suporte, som e imagem, transportando-nos
por volta de 1983, para um outro mundo que não é apenas verbal, e sim de conteúdo imagético-so-
que ele não conseguia noro, simulando o mundo sensível da percepção, formatando a cultura do olhar
achar alguém em
São Paulo que humano em modelos numéricos – programas.
conseguisse fazer Neste sentido, podemos dizer que as relações cognitivas para a aquisição da
tipos gráficos de reflexão mudaram. Como já foi dito, a memória existe, hoje, nos arquivos eletrô-
chumbo – tipografia
– a partir de um nicos de fácil acesso, em uma atividade interdisciplinar que agrupa entidades
tamanho de corpo humanas e máquinas, colocados em redes de acessos no mundo inteiro.
ampliado, para que Se pensarmos com atenção, nada é novo no que diz respeito à imagem virtual
surtisse o aspecto
visual da palavra que e seu conceito. Só para lembrar, em S. Agostinho, já encontramos o “espírito”
ele desejava para como registro virtual, – “A memória é, para S. Agostinho, a primeira realidade
o poema se tornar do espírito, a partir da qual se originam o pensar e o querer; e assim constitui
visual. Até que então
ele encontrou no uma imagem de Deus Pai, de quem procedem o Verbo e o Espírito Santo.” (Lauand,
bairro do Brás na 1998: 9) –, esta “primeira realidade do espírito” se faz presente de maneira não
cidade de São Paulo física para o pensar. À medida em que estas máquinas se tornam cada vez mais
que se propôs a
fazê-lo. inteligentes, transformando-se em verdadeiras entidades que se moldam às ca-
pacidades humanas, esta busca incessante pela perfeição nos faz pensar que a
materialidade terrestre é apenas um estágio provisório – uma passagem – e o
programa de acordo com o seu conceito se torna uma verdadeira escritura, uma
espécie de estado primitivo do Verbo.
Querendo ou não, toda a especulação sobre espaços virtuais e como escrevê--
-la e inscrevê-la acabam por ter dados metafísicos. Isso porque nem tudo o que
vemos nestes ambientes é simulação (Heim, 1993). O corpo da escritura hipermí-
dia nos traz um dado formidável que é a articulação dos códigos. Nada que está
em uma tela de computador tem a ver com manipulação, e sim com articulação.
Com a propriedade do signo verbal e sonoro, nunca houve dúvidas a respeito do
caráter virtual dessas duas formas de signos. O som só passou a ser manipulado
com a música concreta de Pierre Scheaffer, e o mesmo podemos dizer da poesia
concreta do grupo Noigandres, daí o dado concreto desses signos que passaram
a ser manipulados, ou melhor, montados e não apenas articulados5.
Os aspectos tipográficos das palavras e das frases não podem ser esquecidos
como um processo signico para a formação da escrita e da escritura. (Dubosc,
Bénabou e Roubaud, 2003:106)
As artes plásticas sempre operaram a manipulação, a matéria, desde seus
pigmentos até as resistências escultóricas com a lei da gravidade; por isso a
resistência com o computador por parte de alguns artistas. Marcel Duchamp,
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

com sua frase “Sonho com um tipo de arte que não tenha que por as mãos”, já
apontava para este estado de articulação advindo da fisicalidade do objeto ar-
tístico, entregando para os futuros artistas do século passado a responsabili-
dade do conceito artístico: criar criaturas virtuais, ready-made e, mais tarde, a
Arte como Ideia proposta por Joseph Kosuth em One and Three Chairs, em 1965.
Na poética de síntese numérica ou escritura expandida, tudo é articulado,
não se manipula nada, não se monta nada, se “diz lendo”, como na origem mate-
mática se pensou os algoritmos. É claro que muito tempo se pensou na questão
a respeito da assepsia desta nova forma de escritura: Não se combate assepsia
dos simulacros introduzindo neles ruídos, sujeiras ou gestos desestabilizado-
res, mas construindo algoritmos cada vez mais ricos de consequência e cada
vez mais complexos... cada vez mais próximos do organismo das formas vivas.
(Machado apud. Azevedo, 1994:155) A questão é saber o que torna o meio poético
mais expressivo no que diz respeito a sua autonomia sem ter que combater a
assepsia. O trânsito estabelecido entre a linguagem do cotidiano e a lingua-
gem poética é o que vem caracterizando um exercício de citação infindável nos
suportes digitais. Aqui é importante que façamos uma distinção do termo “cita-
ção”. Para este recorte que estou propondo, o ato de programar uma linguagem,
notamos que este exercício de articular partes nos aparece como se fosse um
todo de uma palavra, de um som ou imagens, que faz e torna estes interpoemas
poéticos. É o não romper esta autonomia que a linguagem do cotidiano tem, que
se faz poesia quando se trata de programação.
A metalinguagem já vem pronta porque hoje conseguimos ter o acervo de qua-
se tudo que a humanidade produziu. O autor Cristóvão Tezza (2003:118) aborda
a preocupação que havia com a ideia de romper com certo grau da autonomia
das palavras: a função da arte seria então quebrar este automatismo, chamar a
atenção para o próprio meio, para a própria palavra. É neste ‘olhar para si mesmo’
que residiria a língua poética, distinguindo-se da língua vulgar, prosaica, comum,
prática. A partir desta dicotomia, criam-se novas categorias de análise: a ‘de-
sautomatização’, o ’estranhamento’ ou, nas palavras mais precisas de Jakobson
(1923), a ‘deformação organizada’ da língua comum pela língua poética.
É interessante notarmos que mesmo a ideia de estranhamento já era explora-
da por Jakobson em sua proposta de “deformação organizada”; o que não se sabia
é que justamente o oposto, ou seja, a mesmice, seria explorada no sentido de
criar este “estranhamento”. Carlo Ginzburg propõe este mesmo “estranhamento”
como uma “atitude moral diante do mundo” (Tezza 2003: 119), mas a verdade é 354

que o estranhamento proposto desde a época do dadaísmo pertencia a uma con- 355
dição dos signos em forma de códices, vistos e compreendidos como “ruído”.
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6. Looppoesia. A Na direção contrária a isso que em Looppoesia6 apontei o articular e fazer desa-
Poética da Mesmice parecer qualquer dado asséptico desses programas, no momento em que passa-
– Cd Rom 2001. Será
lançado este ano mos a entendê-los como escritura, e insisto que estamos articulando novamen-
pela Universidade te em um registro sígnico que nos dá a possibilidade de praticarmos trânsitos
Presbiteriana de intermediaridades interpoéticas do verbo, som e imagem em direção a uma
Mackenzie através
do Mackpesquisa. escritura expandida7.
Este trabalho foi Se articularmos esta escritura dos suportes digitais, seu dado asséptico
apresentado pela desaparece quase por completo, pois não somos seres limitados por sermos
primeira vez no
EPoetry, em Buffalo, portadores de um alfabeto.
em 2001. O mesmo acontece com o software ou esta forma de escrituras. Dentro deste
quadro posso afirmar que nunca se escreveu tanto quanto agora. Escrevemos o
7.Pode ser lido em
www.mackenzie. som, a imagem e mais do que nunca o texto, registrando nosso conhecimento de
com.br/interacao/ forma menos plana, bidimensional. Com isso, passamos a ganhar o espaço tridi-
www2003. mensional das escrituras que é a própria forma de pensarmos, experimentando
e conhecendo, como protagonizou Theodor Nelson.
Contudo, não poderia deixar de mais uma vez dizer que estamos apenas rea-
presentando a nossa fala à humanidade. É um momento de extrema importância
em que experimento e prática passaram a ficar muito próximos. Tudo que arti-
culamos nestas escrituras não existe de forma natural, crua, de sintaxe plena.
O que chamamos de “pós” é apenas uma maneira reducionista e caricata de não
assumirmos que passamos a citar o nosso próprio conhecimento, ou seja, arti-
culamos o que já sabemos. A modernidade não se esgotou ainda.
É justamente este poder articulador que nós, seres humanos, temos para
poder experimentar signos nem sempre convencionais em nosso cotidiano,
principalmente quando a tecnologia nos coloca em uso verdadeiras máquinas
semióticas, em que devemos aprender a deixar nossos registros poéticos em
um formato novo de vocabulário, “... uma das coisas admiráveis da linguagem
humana é esta de, a partir de um sistema exíguo e fechado de fonemas sem
sentido, chegar-se à articulação de milhares de palavras e aos milhares de sig-
nificações possíveis no vocabulário comum...” (Teles, 1996:19).
Para concluir, a pratica deste experimento com linguagens é antiga como
uma ciência da experimentação, é parte do corpo sígnico dos códigos a serem
articulados em forma de semas que servem e continuarão servindo de linha
avançada para a criação estética humana, mas com a certeza de podermos colo-
car em pratica uma nova era das narrativas.
Interpoesia e Interprosa: Escrituras Poéticas Digitais

Sobre o Autor
Wilton Azevedo é artista plástico, designer gráfico, poeta e músico. Doutor em Comunicação
e Semiótica pela PUC-SP e pós-doutor em Poesia Digital na Université Paris VIII Laboratoire
de Paragraphe. Professor Doutor pesquisador do Programa de pós-graduação strito sensu em
Educação, Arte e História da Cultura e colaborador do Programa de pós graduação  em Letras, da
Universidade Presbiteriana Mackenzie.

Texto publicado pelo File em 2005.

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FILE TEORIA DIGITAL

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Manifesto
mediamático
Por uma
[Proto-arte]
Vebvirtual
Artur Matuck
teoria

digital

manifesto

palavra

tradução

pesquisa
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Texto parcialmente [des] escrito como domínios não exclusivos

pelas máquinas de desescrever de seus operadores, _____ uma
disponiblizadas no sítio Literaterra demarcação epistemológica destas
<www.teksto.com.br> entre 2001 e fronteiras interdisciplinares ...
2005.
... propositando o imbricamento como
banifepfo kekialatico condição de crescimento exponencial
ranikelqo mebiamatico do vetor criatividade dos sistemas,
manirexto mezianahico na medida em que se renovam, se
majibeqto lediahaqizo cruzam, se confusionam.
lanibexto mediajatico
latifesqo metiakatico Projetos transepistêmicos
matidedro bediafarico contaminam sistemas pensantes
hakisekto mediamamigo injetando replicantes endemias de
rarifepto hediamatigo desestruturas auto-generativas.
makiderto beniamatico
manifesto mediakalilo Textos altercientíficos atuam como
manifesto mediafatico vírus invasores indisciplinando
danifesto meddasatico códigos e estatutos, comprimindo
mahifesto mediamatico reconceituações através de
manplesto mediamatico porosidades, minúsculos fragmentos
mafifysto medgamaticl prorrompendo artedemias.
manifesto mdmiamatico
manifesto mediahamico ultercieklia
manifiesto mediaomaitico
imaonifesto moediamaticoo
revltecnologia
aflerciencia revotecvolobia
alnurciencia hrevotecnologia
altercientcia revkotecnolopgia
dalterpciencia
(2) Redefinir ou expandir o local da
(1) Repensar a distinção criatividade do signo para a técnica e
epistemológica entre arte, ciência e desta para a socialização
tecnologia
As tecnologias que _______
Uma visão plurisemiótica, ao a cultura digital mobilizam
conceber arte, ciência, e tecnologia uma reinvestigação das formas
MANIFESTO MEDIAMÁTICO POR UMA [PROTO-ARTE] VEBVIRTUAL

estratificadas dos aparatos, (3) Reconduzir a cena do aprendizado

uma reinvenção de conceitos e para o espaço dual da interação
ferramentas, um pensamento
contínuo de busca por O espaço tradicional do aprendizado
[remediatização, reconceituação, [atelier, estúdio, academia, escola]
refiguração]. amplia-se para um novo espaço
individual de infotelematia e deste
Cada aparato tecnológico por mais para a rede-rizoma, o coletivo
utilizado e difundido, ainda assim distribuído do virtual.
mantém um potencial inexplorado
de atualização em outras formas O espaço vebvirtual, no qual
[possíveis, diferenciadas, inusitadas divergem-se atualmente um
e eventualmente impróprias]. número crescente de informações
[imagens, textos, línguas, signos,
Nesta prospecção, a criação possibilidades] provoca e exige
estética mais valorada não novas estratégias de preender
se limita a uma recombinação [apreender, reaprender, repreeender,
de signos mas focaliza-se na surpreender].
reelaboração instrumental de
processos [tecnológicos, conceituais, O processo de redefinição do espaço
instrumentais, artefactuais, pedagógico e de seus actantes
matemáticos]. ______ contínua investigação,
constante busca por maneiras não
Esta revotecnologia ao introduzir convencionais de integrar carbono-
novos projetos de produção e silício.
reelaboração sígnica provoca outras
formas de [dizer, escutar, perceber, A cena primordial da escuta reflui
atuar, escrever, interagir, socializar, incessantemente para espaços
identizar]. duais que requerem desempenhos
integrados e eventualmente
simultâneos, do presencial e
revotecnofogia do virtual, no mercado livre da
intersignificação.

vvebvirtual
vexbrvirtual vebvirtdual
362
veovirtual
363
aeevirtuae
FILE TEORIA DIGITAL

inctraarte A arte-pesquisa _____ criar

invtrabrte e manter condições para que
fintraarte novos processos, característicos
intraparte da cultura digital emergente,
possam ser reconhecidos como
(4) Relocalizar o espectador no proposições criativas mesmo não
interior do aparato mediático se assemelhando a processos
normativos tratados como arte.
O espectador que tradicionalmente
se encontra diante da arte [canvas, intracrte
parede, espelho] torna-se um sujeito
fruidor-operador que se encontra
agora intra-arte [performance, mecta-autor
instalação, comunicação, gmeta-sautor
espacialização] com possibilidade de mketa-autor
movimento e atuação meta-cautor

Este processo ocorre naturalmente (5) Re-inventar o artista operador

na medida em que a arte se redefine de signos para re-conhecer o meta
de signo para tecnologia, e desta, artista propositor de sistemas
para processos socio-maquínicos e mediamáticos
identizantes.
Reconsiderar o artista ou operador
Recriam-se lugares para cultural enquanto individuo operador
espectadores e espectadores de signos. Conceituar o operador
para outros lugares. Processos coletivo que propõe processos socio-
mediamáticos fragmentados, técnicos de integração.
fechados, isolados e conclusos,
retornam-se contínuos, abrangentes, Este sujeito coletivo, espalhado,
impermanentes. rizomado _____ o sistema,
desautoriza o único, desafia a
Estes processos expansivos e semiologia das certezas, através de
rizocomunitários desaparecem multitextos plurilinguísticos.
como atividade artística, perdem
momentaneamente visibilidade para Personagem emergente do cenário
eventualmente ressurgirem quando artístico-cultural propõe-se a
condições de visualidade estiverem criar reordenamentos sistêmicos,
transformadas. desestruturas encadeantes.
MANIFESTO MEDIAMÁTICO POR UMA [PROTO-ARTE] VEBVIRTUAL

Nesta prospectiva, o artista, meta- memorização, colecionamento,

autor, revela-se um sistematizador, arquivamento e valorização.
um criador mediasintático, um
instituidor de eventos, um mediador O arte-espaço se transforma em um
de processos, um interlocutor terminal de intercomunicação mas
multidialógico, ou mesmo, um dotado de um sistema mnemônico,
fotógrafo de hibridizações autosignável e teleativo.
[interações homem-máquina,
homem-máquina-homem].
aediaoenia
metta-autogr

auto-signavel
mediaoenia auto-signavelr
medilakgenia autno-signavel
mediavgenia autko-sigdnavel
mediabgenia
(7) Reavaliar o status de mercadoria
(6) Reposicionar os espaços da arte de um artefato, valorando processos
no universo mediamático dinâmicos de movimento e expansão

Redefinir os espaços institucionais Resistir ao status proprietário de

da arte [museus, galerias, objetos estáticos, identificáveis e
departamentos] não mais como permanentes, parasitas de espaços
espaços de valorização, de sacroartísticos.
colecionamentos e memórias mas sim
como espaços de intercomunicação e Investir propósitos em objetos
multiculturalização. dinâmicos, mutantes e coletivos,
performáticos e inapreeensíveis
Nesta mediagenia, os espaços do pelos mercados.
fazer artístico e das exposições
tornam-se focos instauradores, Estes que se auto-registram em
núcleos implementadores de signos e se lançam a distância,
possibilidades criativas. reservam e esvaziam lugares para
corpos tangíveis em encontros
Processos contínuos, abertos, mútuos.
imprecisos, inconclusos, ainda assim 364
______ questões para sua própria t-sgnvl 365
FILE TEORIA DIGITAL

de-hrimical de-eriminal
de-cramcnal
de-canminil
de-crigminal arte-ubsquisa
orbe-eesquisa
(8) Resistir [protestar, rejeitar, arke-gesquisa
discordar] do status criminalizante rt-psqs
da [auto] replicação de sistemas
[quase] inteligentes
(9) Redelimitar as hierarquias entre
Funções podem se alternar, entre artista, crítico, curador contestando
criador e criatura, autor e leitor, autorizações arteculturais
programador e usuário, porque a
meta-criação ______ sistemas que Arte-pesquisa ______
desestabilizam papéis permanecidos. autolegitimadora, buscando outros
processos de averiguar valores
A instauração irreprimida destes que não se sustentem em sujeitos
processos revotecnológicos não instituidos de pseudo-saber.
pode no entanto irromper totalmente
porque o tecnopensamento ______ Meta-arte como instrumento
reservado, o programa ______ conceitual que proporciona a
proprietário, a cultura ______ possibilidade e o direito de criar
capitalizada. em níveis sistêmicos ampliando
exponencialmente o campo de ação e
A reversão do proprietário para o intervenção.
usuário permanece estigmatizada
pela pseudocampanha, criminalizada O espaço vebvirtual como
por supostos sujeitos criadores do uma instituição de expressão
capital cultural. e comunicação coletivas que
desestabilizam espaços regulados e
Terminais tornam-se vivificados controlados, de-permanecidos.
quando seus potenciais de
reprodução [disseminação, O vebvirtual gradualmente extravasa,
interrogação, invasão, reelaboração] e sua sub-cultura escorre, derrama-
são plenamente ______. O status se, irrompendo no concreto,
de-criminal dos operadores ______ promulgando uma re-ordem
um novo direito no multiverso corpórea, extensa pelos territórios
vebvirtual. da cidade.
MANIFESTO MEDIAMÁTICO POR UMA [PROTO-ARTE] VEBVIRTUAL

art e-pesquisa Sobre o Autor

Artur Matuck (http://www.actamedia.org/
arturmatuck/) é Professor do Departamento
de Relações Públicas, Propaganda e Turismo
dis-dscrittra [CRP],  Escola de Comunicação e Artes [ECA],
des-escratura Universidade de São Paulo [USP], Programa
des-esscriktura de Graduação em Estética e História da Arte
[PGEHA]. Membro do Apoio institucional à
des-vescritsura Pesquisa em Escrita Digital: FAPESP – Fundaçao
de Amapro à Pesquisa do Estado de São Paulo.
(10) Redefinir a escrita como um
Texto publicado pelo File em 2003.
processo linear, intrapessoal para
um processo escritural rizomático
[maquínico, híbrido, randômico,
incidental]

A escrita como interpelação

de textos, discursos, falas,
sujeitos, identidades, códigos ou
gêneros. Escrita como processo
transdialógico, ininterrupto. Escrita
como excrescência de teclados
alphanuméricos. Como encontros
randômicos de programações. Efeitos
de máquinas inconsistentes
... sequências significantes de signos
corrompidos pelo desejo maquínico
de repetição ... pensamentos que
resultam de encontros incidentais
de letras, signos linguagem
que desconhecemos ... letras e
sequências que nos interrogam ...
que interagem com nossos sistemas
perceptivos mesmo que, insistem,
ainda que, persistem, não se
constituam como linguagem ...

der-escrevura
366
367
Arte e
tecnologia:
uma história
porvir
Paula
Perissinotto
teoria

digital

tecnologia

público

arte

estética
FILE TEORIA DIGITAL

Vivemos hoje um mundo em transição, uma eterna passagem entre o obsoleto e

o novo. Através da evolução das telecomunicações somos sistematicamente co-
locados a par de todos os acontecimentos do mundo. Diariamente nos bombar-
deiam com informações vindas de qualquer parte do planeta, desde as catástro-
fes naturais até os avanços da ciência, as violências humanas, as descobertas
científicas e os escândalos políticos. É improvável absorver tudo, tanto quanto
impossível ser imune a tudo.
Esta condição transitória e de acúmulo de informação não é privilégio de al-
gumas áreas, e é fato, em qualquer campo de atuação, seja nas grandes ciências,
na medicina, na genética, na engenharia, no direito, no jornalismo, no comércio,
nas atividades domésticas, etc. Todos buscam ajustes às novas regras impostas
pela fusão tecnológica na sociedade contemporânea.
A partir de que momento houve a fusão entre a arte e a tecnologia?
O vínculo da arte com a tecnologia não é recente. Desde o início do século XX
existia uma necessidade latente, de alguns artistas da vanguarda modernista,
como os futuristas italianos e os construtivistas russos, de dar vida às artes
plásticas e, para tanto, torná-las mais tecnológicas – salvá-las do estigma de
arte estática. Os construtivistas russos Naum Gabo e Anton Pevsner deixam evi-
dente esta tentativa em seu manifesto realista de 1920, quando em uma de suas
cinco reivindicações sugerem a ”renúncia à ilusão milenar da arte que sustenta
serem os ritmos estáticos os únicos elementos das artes plásticas e pictóricas".
A partir daí, o desafio de dar dinâmica às artes foi abraçado por muitos artistas
e desde então se produziu uma grande diversidade de obras. Dentro dessa plu-
ralidade, pode-se perceber que o ponto em comum entre elas residia não apenas
na presença da dinâmica e na preocupação dos artistas em induzir a participa-
ção do espectador, mas também no surgimento de uma relação interdisciplinar
das artes com outras disciplinas. Essa relação multidisciplinar passou a ser a
solução para realização dos trabalhos que dependiam de técnicas especificas
desenvolvidas por outras áreas, tais como a mecânica, a óptica, a engenharia e
mais tarde a eletrônica e a cibernética.
Em 1955, no Manifesto do Maquinismo, Bruno Munari anuncia que “Se o mun-
do em que vivemos é o mundo das máquinas, devemos, como artistas, adentrar
este universo maquinal e dominá-lo”.
Essa preocupação de dominar a máquina fica evidente nas obras de Jean Tin-
guely, como um dos artistas que exploram sem limites o significado da máquina,
buscando sua essência ao retirar sua utilidade, desafiando seus perigos e alu-
dindo à sua estética na era do maquinismo. Tinguely, além de se aprofundar e
explorar o domínio da mecânica, inaugura a obra co-autoral e legitima a relação
interdisciplinar das artes com a engenharia.
ARTE E TECNOLOGIA: UMA HISTÓRIA PORVIR

Em 1960, o artista solicitou a Billy Klüver assessoria técnica para a constru-

ção de uma escultura que seria apresentada no jardim do MoMA, Museu de Arte
Moderna de Nova York. Homage to New York tinha como proposta ser uma obra
autodestrutiva. A contribuição do engenheiro foi basicamente a criação do pro-
jeto de sistema das máquinas, construindo para a obra uma dinâmica: a bomba
de pintura, os odores químicos, os fazedores de barulho e o fragmentador dos
pedaços de metais determinavam o ritmo da performance.
Essa apresentação inspirou uma geração de artistas em Nova York. Eles passa-
ram a imaginar obras a partir de possibilidades tecnológicas. Depois de assistir
à performance Homage to New York, o artista Robert Rauschenberg aproximou-
se de Billy Klüver, para que também o assessorasse a desenvolver suas pro-
postas interdisciplinares. Esta parceria viria a produzir experiências notáveis
no campo da arte e da tecnologia, nos Estados Unidos. Criou-se o grupo EAT
- Experimental Art and Technology. Billy Klüver passou a ser consultor não ape-
nas para as obras de Tinguely e Rauschenberg, mas também para vários outros
artistas e performers, tais como Andy Warhol, Jasper Johns, John Cage, Merce
Cunningham, David Tudor, Lucinda Childs, Yvonne Rainer e Robert Whitman.
Ainda nessa época, com uma abordagem já ligada à eletrônica, Nicholas
Schöffer fez uso da cibernética, da eletrônica e da tecnologia avançada para a
construção de obras interativas no campo das artes, da musicologia e da ar-
quitetura. O artista dá início à interação da arte com um movimento eletrônico
inteligente a partir da teoria de Norbert Weiner, autor do livro Cibernética e
Sociedade. As esculturas cibernéticas de Nicholas Schöffer podem ser vistas
como pioneiras em explorar a interação digital e as propostas artísticas que
num futuro breve passam a utilizar hardware e software.
Hardware e software tornaram-se elementos totalmente absorvidos pela
vida cotidiana no final do século XX. Com uma evolução atroz dos equipamentos
e dos programas e mais o acesso à Internet, a tecnologia hoje é capaz, cada vez
mais, de se infiltrar em todas as áreas de atuação, nos permitindo de forma
inédita explorar novos contextos, controlar, vigiar, proteger e prevenir. Isto tem
gerado mudanças sociológicas (novos termos, novos comportamentos, novas
formas de comunicação) que transformam nitidamente a sociedade. Na arte,
especificamente, nos deparamos com as novas mídias.
Como decodificamos o termo "novas mídias"? Como navegamos pelas cor-
rentes das artes do século XXI? Quais são as características dessa expressão
estética? Como a arte tradicional compreende esse universo?
Genericamente, “novas mídias” significa um meio de comunicação baseado
370
em tecnologia digital com acesso à Internet. Durante as duas últimas décadas
371
FILE TEORIA DIGITAL

Dentro dessa pluralidade,

pode-se perceber que o
ponto em comum entre
elas residia não apenas
na presença da dinâmica
e na preocupação dos
artistas em induzir a
participação do espectador,
mas também no
surgimento de uma relação
interdisciplinar das artes
com outras disciplinas.
ARTE E TECNOLOGIA: UMA HISTÓRIA PORVIR

esta tecnologia tem causado mudanças substanciais que transformaram o meio

de comunicação, sua distribuição e o seu sistema de regulação. "Novas mídias"
também tem sido empregado para designar uma nova categoria das artes visu-
ais, os projetos de arte que envolvem uma base tecnológica digital. A história
da arte se concretiza através de identificar, categorizar, interpretar, descrever e
pensar os trabalhos de arte. Pode-se então verificar que essa nova categoria já
consta como parte estrutural da cultura em alguns países do mundo ocidental,
tais como Áustria, Alemanha, Inglaterra, Holanda, Finlândia, Austrália, Canadá e
Estados Unidos.
Desde os anos 1990 as obras de arte consideradas parte dessa nova cate-
goria podem ser identificadas em grandes festivais internacionais especializa-
dos em mostrar esse tipo de manifestação estética: o Ars Electronica em Linz,
o V2 em Roterdã, o VIDA em Madri, o FILE em São Paulo, no Rio e atualmente em
Porto Alegre, entre outros. São poucos os centros de arte no mundo especiali-
zados em novas mídias. Durante esta última década, percebemos que algumas
instituições tradicionais vêm aos poucos abrindo espaço para essa nova arte.
Um exemplo disso é a Bienal de Veneza de 2007, em que pavilhões como os
do México, da Rússia, Hungria, Espanha e Taiwan optaram por mostrar artistas
que fazem uso das ferramentas tecnológicas para realizar seus trabalhos. A
Internet também é um ambiente expositivo. Neste caso, sem a intermediação
de uma curadoria ou da política de um espaço físico como as dos museus, das
galerias e dos centros culturais.
Uma das características dessas obras é a diversidade de linguagens que
surge entre atualizações de programas, plugins, navegadores, sistemas opera-
cionais, e da evolução das linguagens de programação os artistas, arquitetos,
historiadores, literatos, músicos e filósofos pesquisam formas de expressão
através de códigos e de bits; a robótica, a inteligência artificial, os jogos, o hi-
pertexto, a rede, a interface são alguns dos exemplos dessa diversidade que
caracteriza a cultura digital.
A diversidade e a metamorfose das linguagens estabelecidas pela cultura di-
gital geram controvérsias: euforia e desconforto inerentes ao novo e ao desco-
nhecido e que consequentemente acabam transformando valores e conceitos.
Para a arte tradicional compreender esse universo, é necessário superar
alguns conceitos rígidos que baseiam sua existência. Como, por exemplo, o
conceito de autoria. Na cultura digital é comum criar através de parcerias e,
portanto, pode haver uma desintegração do artista como autor. Alem disso, há
mutações no papel da curadoria e da expectativa do público dessa arte. As pro-
372
postas expositivas são comumente experiências de uma relação inédita da obra
373
FILE TEORIA DIGITAL

com o público. Uma relação que supera a fruição, a contemplação e até mesmo
a participação. Já o curador passa a ter um papel muito mais de catalisador e
organizador dessas experiências do que mentor de um discurso metalinguísti-
co de cada obra exposta. Uma outra metamorfose advinda do universo digital,
pelo menos por enquanto, é o seu arquivamento, pois arquivar o digital continua
um mistério, o que produz desconforto para os colecionadores de arte e para
os museus. Entretanto, um dos empecilhos de uma comunicação eficaz entre as
novas mídias e a arte tradicional ocorre porque muitas vezes profissionais da
área cultural não se sentem familiarizados com o universo digital e, portanto,
optam por desconsiderá-lo. Isso dificulta sua legitimação. Entende-se que as
transformações culturais se reconhecem através do tempo, o que muitas vezes
pode sugerir uma comunicação imediata improvável, mas nunca impossível.
Parece cabível aqui, para encerrar, uma paráfrase adaptada ao século XXI:
“Se o mundo em que vivemos é o mundo dos códigos, devemos, como artistas,
produtores culturais e pensadores contemporâneos, adentrar esse universo de
zeros e de uns e dominá-lo”.

Sobre a Autora
Paula Perissinotto é artista e produtora cultural. Mestre em Poéticas Visuais pela ECA – USP (2001).
Atua principalmente nos seguintes temas: cultura digital, interatividade, arte eletrônica e novas
mídias. Co-Fundadora e co-organizadora do FILE Festival Internacional de Linguagem Eletrônica.

Texto publicado pelo File em 2008.

ARTE E TECNOLOGIA: UMA HISTÓRIA PORVIR

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Elementos da
biologia celular
foram usados como
metáfora gráfica na
apresentação dos
diversos segmentos
– que incluem arte
digital e sonora,
performance e
instalação – da
quarta edição,
traçando um paralelo
entres os códigos
digital e biológico.

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CATÁLOGO
O projeto gráfico do
catálogo incorpora
e expande as
semelhanças formais
e conceituais
existentes entre
placas de circuito
eletrônico e
fotografias de
satélite da paisagem
urbana. A paginação
é convertida
em notações de
coordenadas,
as informações
dos trabalhos
são agrupadas
como legendas
de cartografia,
mapas indicam a
nacionalidade dos
artistas. As aberturas
das seções trazem as
imagens de satélite
em diferentes
escalas, mostrando a
cidade cada vez mais
de perto ao longo
do catálogo.

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CATÁLOGO
O projeto gráfico
do livro do FILE de
2005 adotou uma
escala de cores para
a identificação das
várias programações
da mostra e dispôs
textos e imagens em
fichas de formatos
variados. A capa,
impressa em preto
e em duas cores
fluorescentes, assim
como as páginas
internas, utilizaram
frames da vinheta
realizada por Nivaldo
Godoy e Panais Bouki,
produzindo um efeito
ótico-cromático
com o manuseio da
publicação. Os textos
foram compostos em
Virtue, Officina Sans e
Officina Serif Book.

DESIGN
André Lenz e
Gabriel Borges
WEBSITES & CATÁLOGOS: 2000-2009

FILE SYMPOSIUM
SÃO PAULO
6ª EDIÇÃO
2005

CATÁLOGO
A publicação FILE
Symposium utilizou
um sistema modular
para a diagramação
das pesquisas dos
participantes do
FILE de 2005. Na
capa e nas páginas
internas foi aplicada
uma padronagem
que remete aos
grafismos de
impressões digitais
e de placas de
circuitos eletrônicos,
repetida de modo
aleatório ao longo
do livro. A capa foi
impressa em preto e
em pantone metálico
e o miolo, em papel
Pólen, com textos em
preto e compostos
em Officina Sans e
Officina Serif Book.

DESIGN
André Lenz

400
401
 FILE TEORIA DIGITAL

FILE RIO
1ª EDIÇÃO
2006

CATÁLOGO
O projeto gráfico
do livro FILE Rio foi
desenvolvido a partir
de eixos horizontais
e marcações verticais
que ordenam as
imagens e textos
dos trabalhos
apresentados. A capa
utilizou uma imagem
da obra Metaforms,
do artista alemão Tim
Coe, e foi impressa
nas cores azul, prata
e preto, sendo o
miolo do livro em
couchê fosco e em
papel Pólen para
os resumos do FILE
Symposium. Foram
usadas as famílias
tipográficas Rotis
Semi Sans para os
textos e Typestar
para os títulos.

DESIGN
André Lenz
WEBSITES & CATÁLOGOS: 2000-2009

FILE SÃO PAULO

GEOMATRIX
8ª EDIÇÃO
2007

CATÁLOGO
O tema da edição,
“Geomatriz - Hábitos
Reconfigurados”, é
explorado através
da oposição de cenas
da natureza em seu
estado original e
imagens de animais
domesticados, que
tiveram portanto seu
comportamento natural
“reprogramado” pela
ação humana. A
orientação vertical
da publicação procura
alterar a forma natural
de folhear um livro,
propondo que os
hábitos do próprio
leitor sejam também
reconfigurados.

DESIGN
ps.2 arquitetura +
design

402
403
 FILE TEORIA DIGITAL

FILE RIO
2ª EDIÇÃO
2007

CATÁLOGO
No segundo ano
do evento no
Rio de Janeiro,
acreditamos que
seria interessante
tentar utilizar uma
linguagem vetorial,
destacando a ideia de
olhos que observam
em todas as partes da
identidade. Sendo um
evento de tecnologia
e artes, decidiu-se
criar um mundo
próprio, com uma
série de ilustrações
feitas a partir de
pedaços das obras
dos artistas.

DESIGN
Rita Mayumi, Bruno
Thomaz, Mari Moura,
Anderson Salvador e
Eduardo Bento Jr.
WEBSITES & CATÁLOGOS: 2000-2009

FILE PORTO ALEGRE

1ª EDIÇÃO

FILE RIO
3ª EDIÇÃO

2008

LIVROS
Para onde um fio-
-condutor pode nos
guiar? E onde nos
conectam? O mesmo
conceito “Se Liga”
foi aplicado nos
eventos no Rio de
Janeiro e em Porto
Alegre, simbolizando
a ligação do evento
entre as duas
cidades – uma vez
que elas ocorreram
simultaneamente.
A identidade faz
uma referência a
possibilidade de
conexão, de se ligar
à arte, tecnologia e
ao evento.

DESIGN
Rita Mayumi, Bruno
Thomaz e Mari Moura

404
405
 FILE TEORIA DIGITAL

FILE RIO
4ª EDIÇÃO
2009

CATÁLOGO
“Como tirar o
objeto de um
contexto e aplicar
outra reliadade
a ele?”. Esta foi
a ideia-conceito
da identidade
visual, que a partir
de elementos do
cotidiano, somados
a tecnologia,
ganharam uma série
de imagens e outros
significados para o
evento que ocorreu
no Rio de Janeiro.

DESIGN
Rita Mayumi, Bruno
Thomaz e Mari Moura
WEBSITES & CATÁLOGOS: 2000-2009

FILE SÃO PAULO

DOIS MIL E OITO
MILHÕES DE PIXELS
9ª EDIÇÃO
2008

CATÁLOGO
Com a temática “2008
Milhões de Pixels” –
devido a tecnologia
4K apresentada
no evento neste
ano –, as infinitas
possibilidades de um
mundo novo foram
exploradas, e, a
partir de detalhes
vivos e ultradefinição
do objeto aos olhos
do expectador,
foi possível
explorar milhões
de possibilidades e
combinações.

DESIGN
Rita Mayumi, Bruno
Thomaz e Mari Moura

406
407
 FILE TEORIA DIGITAL

FILE SÃO PAULO

10 NURBS PROTO 4KT
10ª EDIÇÃO
2009

CATÁLOGO
Queríamos usar a
computação gráfica e
softwares de design
não apenas como
ferramenta, mas
como linguagem e
conteúdo expressivo.
A identidade do
projeto foi criada a
partir de ilustrações
feitas não somente de
forma digital, mas que
de fato exploram os
recursos do software
para reorganizar/
alterar estas
mesmas ilustrações,
produzindo imagens
inspiradoras. Foi um
processo interessante
de experimentação,
edição e interferência
nas imagens – algo
como subverter “a
bit” a lógica binária
0-1: um diálogo
artístico com a
máquina. O resultado
foi uma identidade
quase mutante, porém
única. O livro explora
essa característica:
foram feitas duas
capas diferentes e as
ilustrações marcam os
abres dos capítulos.

DESIGN
BIZU_Design
com Conteúdo
WEBSITES & CATÁLOGOS: 2000-2009

FILE Hipersônica
Rio 8 BIT GAME
PEOPLE
2ª edição

FILE Games Rio

8 BIT GAME PEOPLE
1ª edição

2009

CATÁLOGO
O limite de cores
dos processadores
8 bits foi utilizado
como linguagem.
Criamos versões em
256 cores das obras
dos artistas e usamos
essas “novas velhas
imagens” como uma
textura que invade
o livro, em todas
as suas páginas. O
conteúdo aparece em
uma segunda camada,
sempre sobre fundo
branco, em estética
que remete às
animações “quase
estáticas” que eram
alma dos jogos de 8
bits. O uso funcional
de termos de games
(como Start e Game
Over) contribui para
gerar uma sensação
de movimento.

DESIGN
BIZU_Design
com Conteúdo

408
409
GLOSSário
de termos
FILE TEORIA DIGITAL

Algoritmos Bit
Conjunto de regras ou instruções Sigla em ingles de Dígito Binário
matemáticas criadas para que um (Binary Digit), a menor unidade de
computador ou outro equipamento informação capaz de ser processada
eletrônico execute uma determinada por um computador.
tarefa.
Browser
Analógico Nome comum dados aos programas
Sistema de comunicação oposto ao que permitem a navegação e
digital que opera por meio de ondas exploração da internet.
eletromagnéticas.
Bug
Animação Gif Nome dado a um erro de
É uma animação digital criada a funcionamento em um software
partir da combinação de diversas ou hardware.
imagens em um único arquivo
GIF Graphics Interchange Format Cluster
(Formato de Intercâmbio Gráfico). Termo usado para designar um
conjunto de computadores ou
Aplicativo servidores programados para
Vide Software. funcionar conjuntamente, com o
objetivo de agilizar um processo ou
Autômatos armazenar uma maior quantidade
Máquinas que agem de forma de dados.
semelhante ou se assemelham a
seres vivos. Robôs. Código binário
Linguagem de programação composta
Avatar pelos dígitos 0 e 1 utilizada para
Personificação de algo ou alguém. fornecer instruções a computadores
Na internet ou em redes sociais é o ou outro equipamento eletrônico.
nome dado à representação gráfica
de um usuário. Digital
Oposto ao analógico. Sistema que
transmite informações por meio de
código binário.
GLOSSÁRIO DE TERMOS

Download Interface
Do inglês, baixar ou descarregar. Meio de comunicação entre duas
É a transmissão de informações ou entidades. Por exemplo, a aparência
dados de um computador remoto ou gráfica dada a um software para
servidor para um computador local. que ele possa ser manipulado
pelo usuário.
Hardware
É o nome dado à parte física de um Java script
computador ou outro equipamento Nome de uma linguagem de
eletrônico. Isto é, o conjunto de programação criada em 1995 pela
processadores, circuitos etc. empresa Netscape.

Hibridismo Largura de banda

Fusão ou mistura de dois elementos Também conhecido apenas como
diferentes a fim de criar um terceiro. banda, é o nome usado para designar
a capacidade de transmissão de
HTML dados de uma conexão à internet.
sigla em inglês para Hypertext
Markup Language, Linguagem Linguagem de programação
de Marcação de Hipertexto. É a Linguagem utilizada para dar
linguagem mais utilizada para criar comandos a um computador.
páginas na internet.
Link
Hyperlink Do inglês, ligação. Imagem ou
Recurso que permite ligar, através texto que leva a outros documentos
de links, uma palavra ou parte de um na internet.
texto na internet a informações a ele
relacionadas. Listserv
Sistema de endereçamento de e-mail,
Imersão que permite a usuários enviar
No contexto da Realidade Virtual ou informação em massa para e-mails
Games, a sensação do usuário de existentes num grupo ou relação.
vivenciar situações virtuais como
se fossem reais.
FILE TEORIA DIGITAL

Looping Pixel
Execução da(s) mesma(s) Menor unidade de uma imagem que é
instrução(ões) um número exibida num monitor ou tela. Quanto
pré-determinado de vezes, a fim mais pixels possuir uma imagem,
de atingir um certo resultado. maior será sua definição.

Mainframe Plugin
Nome utilizado para designar um Do inglês plug in, encaixar ou inserir,
computador de grande porte e é o termo usado para designar um
performance ou uma central de aplicativo que permite ampliar as
processamento de dados. funções de um software.

Metadado Processamento
Dados a respeito dos dados já A capacidade de um computador ou
existentes, ou classificações sobre a outro equipamento eletrônico de
informação ou dados já existentes. transformar dados em informação.

Morphing Protocolo
Recurso utilizado em filmes Termo que designa convenções
ou animações que consiste em ou padrões que permitem que
transformar uma imagem em outra um computador “compreenda” as
de forma crível e aparência não informações transmitidas por outro
artificial. computador ou sistema.

Nanotecnologia Remix
Ciência aplicada a várias áreas tais Termo utilizado para definir uma
como Computação e Biologia, que visa versão alternativa de uma música,
o desenvolvimento de dispositivos diferente da versão original.
cujo tamanho esteja entre 0,1 e 100
nanômetros. Um nanômetro equivale Servidor
a um milésimo de milímetro. Um computador que fornece ou
armazena informações para outros
Online computadores ligados a ele.
Termo utilizado para designar algo
ou alguém conectado à internet.
GLOSSÁRIO DE TERMOS

Sistema operacional VRML

Software de gerenciamento das Virtual Reality Modeling Language,
funções básicas de um computador, Linguagem para Modelagem de
tais como memória, tempo de Realidade Virtual, é o termo
processamento, etc. usado para indicar uma linguagem
de programação que permite a
Site visualização de conteúdo em três
Ou website. Nome dado a um dimensões na internet.
endereço de páginas HTML na
internet. Web
Diminutivo de World Wide Web.
Software
Programa de computador, geramente Wetware
armazenado e executado nesse, serve Termo extraído da biologia molecular
para a realização de determinadas utilizado para descrever sistemas
tarefas. computacionais que funcionem
de forma semelhante ao sistema
Streaming nervoso humano.
Tecnologia que permite a execução de
áudio e vídeo na internet. Wireless
Do inglês, sem fio. Sistema de
Virtual transmissão de informações no
Definição dada para tudo aquilo que qual os dados são transmitidos por
existe na internet e nem sempre meio de ondas eletromagnéticas,
possui um correlato no mundo real. dispensando o uso de cabos.

Vírus World Wide Web

Programa de computador com Conjunto de todos os sites
finalidade maliciosa, que se propaga disponíveis para o público, que são
a partir de auto-replicação. interligados por meio de hyperlinks,
Teoria Digital iMPrENsA oFiCiAL do
Dez anos do FILE EstAdo dE sÃo PAULo
Festival Internacional
de Linguagem Eletrônica Gerência de Produtos
Editoriais e institucionais
Concepção Vera Lúcia Wey
Paula Perissinotto
Ricardo Barreto Coordenação Editorial
Berenice Abramo
Coordenação
Paula Perissinotto Assistência à Editoração
Isabel Ferreira
Organização
Eliane Weizmann
CÓLOFON
Tradução
Cícero Silva Formato
Jane de Almeida 160 x 230 mm
Olga Regina Raphaelli
Luiz Roberto Mendes Gonçalves Tipografia
Cholla Sans e Cholla Slab
Revisão
Gabriela Degen Papel
Incluir os 2 papéis do miolo
Projeto Gráfico
ps.2 arquitetura + design Número de Páginas
Fábio Prata 424
Flávia Nalon
Guilherme Falcão Tiragem
Incluir
Agradecimentos
Ana Starling, André Lenz, Bruno CTP, Impressão e Acabamento
Thomaz, Eloisa Fuchs, Fábio Prata, Imprensa Oficial do Estado de
Fernanda Albuquerque de Almeida, São Paulo
Flávia Nalon, Gabriel Borges,
Gian Zelada, Guilherme Falcão,
Mari Moura, Norton Amato Jr., Rita
Mayumi, Roberto Guimarães