Manauais de Cinema, I-Roteiros - Laboratório de Guionismo

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Luís Nogueira
Manuais de Cinema I
Laboratório de Guionismo
LabCom Books 2010
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Livros LabCom
www.livroslabcom.ubi.pt
Série: Estudos em Comunicação
Direcção: António Fidalgo
Design da Capa: Madalena Sena
Paginação: Marco Oliveira
Covilhã, 2010
ISBN: 978-989-654-041-8
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Índice
Introdução . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1
A Técnica 5
Método . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5
Função . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8
Forma . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10
Paginação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
Sinopse . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26
Nota de intenções . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32
Caracterização das personagens . . . . . . . . . . . . . . . . . 34
O Processo Criativo 39
Ideia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 39
Autor . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41
Estratégia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 43
Público . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 45
Formato . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 47
Género . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 48
Experimentação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 50
Estilo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 51
Mensagem . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 53
Tema . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 54
Intertextualidade . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 56
Moldura . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 57
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Auto-reflexividade . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 60
A Narrativa 63
Definição . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 63
Teoria . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 69
Clássica/moderna/contemporânea . . . . . . . . . . . . . . . 76
História/enredo/descrição . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 91
Cena/sequência/acto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 100
Conflito . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 104
Peripécia . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 107
Desfecho . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 109
Personagem . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 111
Diálogos . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 123
Encenação . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 131
Narrador/focalização . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 132
Tempo . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 134
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Introdução
Comecemos por uma curta introdução que apresente, justifique e expli-
que este livro. A faculdade e a competência narrativas são ancestrais
e universais. Em todos os tempos e em todos os lugares o ser humano
contou e conta histórias. A narrativa, fictícia ou factual, é uma das
formas fundamentais de atribuição de sentido à existência e a cada um
dos seus momentos. Daí o seu apelo imediato e o seu sucesso popular:
todos somos capazes de partilhar uma narrativa, de a relatar ou mesmo
de a inventar.
Ao longo da história do cinema, a sua propensão narrativa tornou-
se progressiva e fatalmente dominante. A grande notoriedade que o
cinema conseguiu ao longo do século XX, quer enquanto arte quer –
e sobretudo – enquanto indústria, em muito se deve a esse privilégio
formal e temático da narrativa. Tal sucede ao ponto de quase podermos
dizer que para o espectador comum, genericamente, cinema e cinema
narrativo se confundem.
Quer do ponto de vista do puro entretenimento, quer de uma pers-
pectiva artística mais erudita e ambiciosa, a narrativa abre inúmeras
possibilidades – ela pode divertir, emocionar, problematizar, reflectir,
educar, entre outras funções simultaneamente desempenhadas ou não.
Num contexto mediático e cultural como o actual, em que a narrativa
está em constante questionamento e redefinição, em função da metamor-
fose tecnológica dos media a que se tem assistido e das formas inéditas
que esta origina, a sua relevância no discurso cinematográfico permanece
intacta.
Se começamos esta introdução ao guionismo a sublinhar a impor-
tância da narrativa na criação cinematográfica é porque esta realmente
detém aí um papel primordial. O guião cinematográfico funciona, sobre-
tudo, como um instrumento de organização da informação narrativa e de
partilha de uma história entre os diferentes participantes na concretiza-
ção de uma ficção cinematográfica. Importa notar que se nos referimos
à ficção, é porque este género constitui o nosso objecto – não nos debru-
çaremos aqui sobre o guião para documentário ou outros géneros.
Esta relevância do guião na produção cinematográfica é, contudo,
bastante desigual, existindo variadas perspectivas, métodos e aborda-
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2 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo
gens. Nem todos os autores dão igual importância a esta ferramenta.

Por exemplo, o cinema experimental, uma vez que recusa a narrativa,
recusa igualmente o guião. Já no documentário, o guião, apesar de
obedecer a uma metodologia e a uma forma diferente – mais flexíveis e
abertas –, tende a ser visto como um bom auxiliar do processo criativo.
É, porém, na produção da indústria cinematográfica, fortemente assente
na ficção, que o guião (assim como as demais ferramentas de planifica-
ção) ganha especial relevo, mas nunca homogéneo. Realizadores como
Alfred Hitchcock, Orson Welles ou Stanley Kubrick são conhecidos pela
minúcia com que preparavam os seus filmes. Já Elia Kazan, Sergio Leone
ou John Cassavetes preferiam deixar um maior espaço ao improviso.
Como se comprova, não existe uma fórmula ou um método únicos.
Ainda assim, importa compreender as vantagens criativas e produtivas
do guionismo. A aquisição de competências na escrita de guiões, tendo
em atenção as suas especificidades formais e estilísticas, pode ser, acredi-
tamos, um factor de incremento tanto da criatividade como da disciplina
narrativas – sendo que uma e outra se complementam e condicionam.
Tal parece indesmentível, mesmo se cada um encontrará a sua própria
forma de trabalhar e mesmo se o domínio exaustivo dos procedimen-
tos e técnicas adequados ao guionismo deve ser sempre complementado
com uma atenção e uma curiosidade permanentes ao mundo, à arte e às
pessoas, bem como um empenho reiterado. Aqui, tudo o que nos pro-
pomos fazer é fornecer um conjunto suficientemente vasto e interessante
de sugestões e questões que cada qual desenvolverá, aperfeiçoará ou –
se assim o entender – ignorará, por conta própria.
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A Técnica
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Método
Começamos então por uma sugestão metodológica, porque, apesar de
a capacidade narrativa ser universal – pois todos nós nos arriscamos
ou comprazemos a contar histórias, respondendo a uma necessidade hu-
mana de partilha, entretenimento ou aprendizagem –, todos concorda-
mos que existem modos mais elegantes e cativantes de o fazer do que
outros. Entre o momento inicial em que surge o ímpeto ou a necessi-
dade de contar uma história e a forma final que esta há-de adquirir,
são várias as fases que ela atravessará. A metodologia que se sugere
não passa disso mesmo, de uma sugestão, prévia e sumária, que visa
acrescentar, dentro do possível, alguma sustentação metodológica à ca-
pacidade – inata ou adquirida – de cada um para a narração. Eis então
algumas das preocupações e operações a ponderar desde logo.
Quando imaginamos uma história, começamos por vislumbrá-la na

sua globalidade. Mas uma história é constituída por diversas partes e
elementos que se interligam de modos mais ou menos complexos. Daí
ser necessário, como princípio metodológico, detalhar cada uma des-
sas partes de modo a verificar a sua consistência autónoma. No caso
da narrativa cinematográfica, essa operação passa por dar atenção a
cada cena na sua especificidade; depois, ao modo como essas cenas se
integram em sequências mais vastas; e, por fim, avaliar a forma como
essas sequências se articulam nos actos. Cada uma destas partes (actos,
sequências e cenas) deve obedecer a uma progressão dramática na sua
lógica interna, semelhante à progressão que caracteriza uma boa narra-
tiva na sua globalidade. Do mesmo modo, as personagens, outro dos
elementos fundamentais de uma narrativa, vêem a sua existência mar-
cada igualmente por uma progressão que as modifica entre o início e o
fim da história.
Cada autor tenderá a tomar uma posição ou assumir um ponto de

vista distinto sobre um determinado tema. Não é criativamente muito
virtuoso contar uma história do mesmo modo que outros já contaram ou
abordar um tema sob um ângulo já explorado. É preciso perspectivar,
o que significa ‘ver através de’. Vemos através de um enquadramento,
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de uma certa maneira. A perspectiva deve por isso ser necessariamente

singular, única, inovadora. Para além deste preceito geral, vale a pena
referir, ainda, que o autor poderá adoptar duas atitudes fundamentais e
divergentes. Por um lado, uma atitude de maior distanciamento, como
se revelasse um maior pudor em relação aos acontecimentos e às persona-
gens que integram a narrativa – tal acontece, por exemplo, nas narrativas
relatadas na terceira pessoa ou nas sátiras. Por outro lado, uma atitude
de maior intimidade, como sucede nas narrativas na primeira pessoa ou
nas (auto)biografias, em que a perspectiva do narrador e a perspectiva
do autor tendem a confundir-se. Em ambos os casos devemos conhecer
os motivos e as implicações de uma ou de outra perspectiva, e tomá-los
como os critérios da nossa escolha.
Quando uma narrativa toma como pretexto e aborda questões e

temas de natureza e com relevância social, política, histórica ou cientí-
fica, todo um processo de investigação se torna aconselhável ou mesmo
imprescindível. Conhecer o tema que a nossa narrativa aborda é funda-
mental para a solidez da mesma. Por isso, investigar, mais aturada ou
mais escassamente, é fundamental: ninguém sabe tudo sobre algo – e
muitas vezes nem se sabe o indispensável. Mas, para além de conhecer
profunda e abrangentemente o tema, é igualmente importante dominar
as convenções e estudar a tradição narrativa – por exemplo, os géne-
ros consolidados ao longo do tempo ou as tendências dominantes num
determinado período. Por fim, uma vez que as narrativas se centram
e giram em torno de personagens e das suas vidas, é importante igual-
mente conhecer as personagens. Para tal, a observação de pessoas no
quotidiano ou o estudo de figuras típicas pode ser fundamental.
Como qualquer outro tipo de obra ou forma discursiva, uma das

características mais exigidas à narrativa cinematográfica é a solidez.
Solidificar é essencialmente encontrar o modo correcto (idealmente:
perfeito, harmonioso, original) de articular os diversos elementos e par-
tes entre si e com o todo. Duas formas de avaliar essa articulação são:
por um lado, a causalidade dos acontecimentos, isto é, as relações de
causa e efeito que entre os eventos se estabelecem; por outro, a moti-
vação das personagens, isto é, o modo como os motivos que as movem
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e as intenções que perseguem se relacionam. Além da articulação das

partes, a solidez pode e deve ser igualmente atingida através de uma
exploração em profundidade das situações apresentadas e da densidade
da caracterização das personagens. Obviamente, a sabotagem pode ser
igualmente uma estratégia deliberada – neste caso, a solidez torna-se um
alvo de desconstrução ou irrisão e já não um valor em si, como sucede
em muitas (anti)narrativas modernistas.
Entre o momento embrionário e o momento acabado de uma narra-

tiva, ela sofre inúmeras metamorfoses. Embora seja necessário atingir –
por vezes em prazos impostos – um ponto final no seu desenvolvimento,
não devemos ter medo de a modificar tanto quanto necessário, até à
hipotética perfeição e acabamento. Acreditar que alguma ideia pode
surgir na sua forma plena por força de uma inspiração momentânea re-
vela uma ingenuidade que pode estar longe de ser inofensiva. Criar é
um acto de perseverança tanto ou mais do que um gesto de talento. E
não existe talento sem perseverança. O acto criativo é uma atitude de
confronto permanente entre o autor e a obra. Um confronto que pode
levar à eliminação de certas partes (todas aquelas que sejam sacrificáveis
sem prejuízo da obra), à correcção de outras (os detalhes são muitas ve-
zes fundamentais) ou ao acrescento (para assegurar maior profundidade,
densidade ou solidez). Em todo o caso, qualquer uma destas operações
deve ser exercida sem receio. E contra um sentimento de posse que se
pode revelar pernicioso: não destruir porque é nosso. . .
Se num momento inicial, o guionista deve detalhar a sua obra nas

diversas partes que a integram e lhe dão corpo, no final, ele deve ser
igualmente capaz de sintetizar a sua ideia em fórmulas mínimas. Deste
modo, ele comprovará que a sua obra é sólida se (e porque), tanto na sua
globalidade como nas suas partes, ela pode ser abstraída num conceito
ou numa frase. Assim, idealmente, tudo deve poder ser resumido numa
frase: uma situação, uma cena, uma sequência ou um acto, sendo que
cada parte maior deve conter as partes menores. A narrativa na sua
globalidade deve ser resumida num parágrafo, que será a sinopse. E a
história deve poder ser abstraída numa palavra, o tema. Se tal acontecer,
podemos verificar que existe clareza, concisão e solidez tanto em cada
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uma destas partes como no todo. Estamos em crer que esta lógica de
integração ajudará a perceber melhor em que medida uma narrativa
deve ser entendida como um sistema em que o todo é superior à soma
das suas partes.
Função
Um guião é um texto com uma função muito evidente: guiar o processo
de execução de algo. No cinema não é diferente. Ele serve para que
os diversos intervenientes saibam o que lhes é pedido, em que direcção
vai o projecto e quais as metas a atingir. Existem diversos tipos de
guiões – por exemplo, podemos falar do guião de uma entrevista, de
uma reunião, de um jogo, etc. O guião é, portanto, um instrumento
de concepção e planificação recorrentemente utilizado nas mais diversas
actividades, e que assume as mais diversas formas. No entanto, é no
guião cinematográfico que encontramos a mais consistente e estável das
suas manifestações, quer ao nível morfológico quer ao nível teleológico.
O formato de guião que aqui se apresenta é o utilizado convencional-
mente na indústria audiovisual e cinematográfica americana, o qual, com
algumas mais ou menos significativas variações, é utilizado um pouco por
toda a parte, nos mais diversos contextos produtivos. É designado sim-
plesmente por guião, por guião americano ou por guião literário (neste
último caso, para o distinguir do guião técnico, o qual abordaremos mais
adiante). Este tipo de guião é utilizado não só no cinema de ficção, mas
também noutras obras audiovisuais (telenovelas, séries televisivas ou
sit-coms, por exemplo).
Há alguns aspectos que devem ser tidos em conta, de uma forma
genérica, quando redigimos um guião e é a eles que nos referiremos
de seguida – não esquecendo, contudo, que a importância atribuída ao
guião é variável e depende sobretudo das metodologias criativas dos au-
tores e dos procedimentos próprios de cada sistema de produção. Assim,
naquilo que genericamente se designa por cinema de autor, são conhe-
cidos diversos casos de renúncia a um guião exaustivo ou mesmo de
recusa da sua utilização, ao passo que em regimes de produção indus-
trial e comercialmente estruturados, o guião se revela um instrumento
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de trabalho imprescindível (como acontece, por exemplo, mas não só,

em Hollywood). Ainda assim, devemos ter em atenção que, por norma,
um filme se constrói com base num texto, que é o guião (sobretudo no
cinema narrativo, a forma de cinema dominante).
Em função dos materiais (um simples programa de processamento
de texto, hoje em dia) e dos recursos utilizados (o trabalho intelectual
e criativo do guionista) o guião apresenta desde logo uma vantagem
económica. Assim, o guião permite:
• evidentes ganhos ao nível dos custos (uma vez que é possível corri-
gir a história antes do dispendioso processo de filmagem começar);
• uma significativa clareza na exposição das ideias para todos os

intervenientes no processo de produção (já que o guião assenta em
preceitos formais bem definidos e depurados);
• antecipar a duração aproximada do filme (já que, em princípio,

uma página de guião corresponderá sensivelmente a um minuto
de filme);
• uma contínua maturação das ideias (já que é possível fazer e refazer
alterações até à forma final desejada);
• dar uma primeira forma palpável às ideias (concretizando através

da escrita os pensamentos que habitam a imaginação do autor).
Em suma, o guião cumpre uma função precária, mas fundamental:

deve servir de texto-base para todos aqueles que hão-de contribuir cri-
ativamente para a criação do filme, desde o produtor e o realizador ao
director de fotografia ou ao director de som, passando pelo aderecista
ou pelo montador, pelo actor ou pelo cenógrafo. De um modo mais ou
menos directo, o trabalho de todos estes intervenientes será ditado pelo
texto do guionista. Daí que se revele conveniente que a forma deste
texto obedeça a um modelo fácil e universalmente partilhável.
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Forma
Apesar de se tratar de um tipo de escrita com uma forma sujeita a diver-
sos constrangimentos, não é, de todo, impossível trazer para o guionismo
certos elementos e procedimentos estilísticos que acrescentem valor ao
texto. Será sempre importante, porém, entender esses constrangimentos
formais como decisivos e imprescindíveis – já que o guião deve ser de fá-
cil consulta e interpretação e não motivo de deleite estético. E entender
também que qualquer desvio ou ousadia estilística só ganhará sentido e
valor dentro dessas imposições.
Não sendo uma obra final, isto é, não possuindo um fim em si mesmo,
o guião é um texto transitório, um esboço; logo pode sofrer alterações
pontuais ou transformações radicais (determinadas pelo produtor, rea-
lizador, actores, etc.) entre o momento da redacção e o filme final a que
dará origem. Porém, a natureza transitória do guião não diminui ou
elimina, de forma alguma, a sua importância enquanto ferramenta de
trabalho em equipa, sobretudo no cinema narrativo.
Em que consiste propriamente um guião? Consiste na utilização
da linguagem escrita para exprimir, sugerir, evocar ou mostrar ideias
cuja concretização definitiva se efectuará através de imagens e sons. O
processo criativo global de um filme consiste, portanto, numa espécie de
dupla transformação criativa: em primeiro lugar, existe uma passagem
das ideias da imaginação do guionista para as palavras no texto do guião,
e depois, das ideias expressas no texto do guião para o seu registo e
manipulação em qualquer suporte cinematográfico. O guião é, portanto,
uma espécie de veículo, de ponte, de local de passagem:
Ideias → Guião → Imagens
Ainda que de uma forma aproximada e não inteiramente coincidente,

o conteúdo das palavras e o conteúdo das imagens acabam, em última
instância, por se assemelhar – só assim se explica o processo de adap-
tação de textos literários em filmes, tão comum no cinema. É essa
capacidade das palavras para descrever acções, pessoas ou objectos, e,
desse modo, evocar imagens, que o guionista deve explorar.
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Assim sendo, o guionista é, normalmente, o primeiro interveniente

no processo criativo cinematográfico e o primeiro a abandoná-lo. Con-
tudo, porque o seu trabalho servirá de base à produção de uma obra
cinematográfica, o guião servirá como referência e orientação de todos
os participantes (daqueles que constituem a equipa técnica e daqueles
que constituem a equipa artística).
Sendo o guionista, normalmente, o primeiro elemento criativo a
abandonar o projecto, a responsabilidade sobre a posterior concreti-
zação do texto em imagens é assegurada pelo realizador (em princípio
uma vez que o produtor tem também, normalmente, um papel de grande
relevo), o qual assumirá as decisões criativas mais importantes durante
o processo que há-de conduzir à obra final.
Podemos então identificar, desde logo, uma separação de competên-
cias que terá influência na forma que o guião deve assumir: ao guionista
cabe descrever o que filmar e não como filmar – a forma como as ideias
contidas no guião serão visualmente apresentadas é da responsabilidade
do realizador. Sucintamente, podemos afirmar: a função do guionista é
escrever o guião, a função do realizador é filmá-lo.
Guionista Realizador
O que filmar Como filmar
Apesar destes constrangimentos, o guionista possui, contudo, ferra-

mentas criativas bastante poderosas: ele pode e deve socorrer-se das
(vastas) potencialidades expressivas da linguagem escrita para sugerir
aquela que entende como a melhor forma de filmar a acção. Note-se que
aquilo que é um dos aspectos fundamentais do trabalho do realizador,
a escolha dos planos com que a acção será mostrada, pode ser sugerida
parcialmente através da linguagem escrita. Por exemplo:
• ao chamar a atenção para elementos particulares

(o que visualmente equivaleria a um plano de pormenor)
• ao descrever ambientes gerais

(o que equivaleria a um plano geral)
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• ao descrever sequências de acções de forma elíptica e ritmada

(o que equivaleria à montagem)
• ao evidenciar reacções de personagens

(o que implicaria hipotéticos grandes planos)
• ao indicar movimentos perceptivos

(o que sugeriria o movimento da câmara)
Através destes procedimentos, o guionista pode, desde logo, insinuar

modos de visualização, como sucede nos exemplos seguintes.
Guião Filme
Uma gota de suor brilha na sua face (. . . ) Plano de pormenor
A vasta planície acorda suavemente (. . . ) Plano Geral
Um tiro. . . um grito. . . um cadáver. . . uma rua Montagem
em silêncio (. . . )
A sua face é puro medo (. . . ) Grande plano
Acompanhamos X ao longo da rua (. . . ) Travelling horizontal
Aproximamo-nos cada vez mais do corpo no chão Travellling à frente
(. . . )
Através do olhar de X, vemos todo o cenário de- Plano subjectivo
vastado (. . . )
Abre a porta de casa e. . . entra no carro (. . . ) Raccord
O objectivo do guionista deverá consistir sempre em propor – neces-

sariamente sem referir qualquer tipo de plano ou movimento de câmara
– uma hipótese de planificação prévia que o realizador depois respeitará
ou não. Deste modo, o guionista pode antecipar soluções de realização
e de montagem sem se imiscuir nas competências dos intervenientes que
lhe sucederão no processo criativo. Ele deve, através da descrição que
faz dos acontecimentos em cada cena, fazer uma apresentação tão pre-
cisa quanto possível das suas ideias sem invadir o território criativo dos
restantes participantes na concretização do filme.
Sendo a planificação (ou seja, a decomposição da acção descrita pelo
guionista em planos; aquilo que se pode chamar também guião técnico
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ou découpage) da responsabilidade do realizador, o guionista deve res-

peitar o âmbito criativo deste, evitando ao máximo fornecer indicações
de filmagem específicas. Exceptuam-se casos esporádicos de imperativa
necessidade (como a referência a um plano subjectivo fundamental para
um determinado modo de se contar a história, por exemplo). O guio-
nista não deve esquecer que – como sabemos de séculos de literatura –
a linguagem escrita permite sugerir ou reproduzir visualmente com bas-
tante acuidade os acontecimentos, as reacções ou os comportamentos
das personagens, com diversos tipos de ênfase dramática e hierarquias
de atenção.
Um dos princípios estilísticos fundamentais do guião é a visualização.
Podemos mesmo dizer que o guião cinematográfico é, devido à função
que há-de servir, o mais visual dos tipos de escrita. Aliás, um dos
critérios mais adequados para avaliar a qualidade de um guião ou o
talento de um guionista consiste precisamente em averiguar a precisão e
a vivacidade das imagens que consegue criar na sua própria imaginação,
transpor para o papel e provocar na mente do leitor (que, no fundo,
assume o papel de espectador).
Por isso mesmo, apesar de se tratar de um texto escrito, num guião
aquilo que está em jogo não é apenas – nem sobretudo – a questão da
leitura (ainda que a qualidade da escrita não deva ser, de modo algum,
desprezada), mas antes a questão da visualização. Isto significa que,
como é fácil de compreender, ao consultar um guião, não se trata tanto
de ler um texto, mas mais de – metaforicamente, com certeza – ver um
filme. Quer isto dizer que, quando se lê uma cena ou quando se acaba
de ler o guião, deve-se ter a sensação de ter visto o filme.
Ler o guião = ver o filme
É nisto que, em parte, o talento do guionista é determinante. A

escrita deve ser fascinante sem sacrificar a objectividade; surpreendente
sem eliminar a inteligibilidade; clara sem destruir o mistério. Mas se
para atingir estes propósitos o talento é fundamental, a disciplina nar-
rativa não o é menos. É da conjugação entre competência e criatividade
que pode surgir a perícia narrativa. Saber contar uma história não é
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necessariamente um dom, nem apenas uma inspiração, nem meramente

uma intuição. É uma conjugação de empenho e perspicácia.
A este propósito, cabe referir que, ainda que a influência da narra-
tiva literária na narrativa cinematográfica seja por todos reconhecida, é
necessário ter em conta que o guião não pretende ser literatura. Ele será
sempre um texto preliminar de um filme e deve, por isso, respeitar a sua
função decisiva, mas transitória: servir uma narrativa visual e sonora.
Ainda assim, a literatura é, seguramente, uma fonte de inspiração e de
influência que não deve ser descurada. Escrever de forma interessante e
arrebatadora, mas simultaneamente simples e clara, é o objectivo.
A utilização de uma linguagem clara que permita uma visualização
tão completa quanto necessário e tão sedutora quanto possível é funda-
mental: deve escrever-se (e ler-se) o guião como se se estivesse a ver o
filme. Para o conseguir, o que as personagens fazem e dizem deve ser
inteligível e cativante.
Em suma, não devemos esquecer que a base do cinema é a imagem
em movimento e a da literatura é a própria palavra escrita – um texto
literário vale por si mesmo, um guião, como o próprio termo sugere,
serve simplesmente para guiar na realização de uma obra que não ele
mesmo.
Na escrita do guião, um dos aspectos fulcrais a ter em atenção é o
tempo verbal. Um guião escreve-se necessariamente no presente. Toda
a descrição da acção, mesmo nas analepses (também designadas por
flashbacks) ou nas prolepses (também chamadas flashforwards), é feita
no presente, uma vez que a acção é sempre visualizada pelo espectador
como estando a acontecer no momento. Frente ao ecrã, vemos a acção
a decorrer e é essa acção, tal e qual a visualizaremos nas imagens do
filme, que se deve procurar descrever no guião de uma forma tão precisa
quanto necessário e tão económica quanto possível. Como se referiu, ao
ler o guião deve estar a ver-se o filme.
Assim, não deve existir nem escassez nem excesso de informação: por
um lado, deve ser fornecida ao espectador a informação necessária para
visualizar convenientemente a acção; por outro, não devemos fornecer
informação exagerada – ao vermos um filme apenas prestamos atenção
a parte da informação, aquela que é relevante ou indispensável para
identificar e caracterizar as personagens, para compreender as acções e
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para nos localizarmos no espaço e no tempo. No guião deve acontecer o

mesmo: apenas essa informação crucial deve ser fornecida, exactamente
como se estivéssemos a relatar por escrito o que estaríamos a ver no
filme – no nosso caso, o que estamos a imaginar.
As frases breves devem ser a norma, de modo a demarcar cada acção
ou elemento de forma clara. Por vezes, uma única palavra pode bastar
para descrever um acontecimento ou um aspecto relevante deste. Do
mesmo modo, estas frases devem integrar-se em parágrafos curtos, com
menos de quatro ou cinco linhas. Ao fazer corresponder uma acção a
uma frase e uma situação a um parágrafo, o guionista sugere já, de
algum modo, uma hipótese prévia de planificação e montagem do filme,
sem qualquer referência a tipos de plano ou a movimentos de câmara.
Se as frases devem ser curtas e com uma linguagem clara, é igual-
mente conveniente o uso de palavras simples, pertinentes e rigorosas, que
sugiram imagens concretas e facilmente inteligíveis. Uma vez que o gui-
onismo trata sobretudo de descrever acontecimentos, devem utilizar-se
verbos que exprimam acções e, como dissemos, necessariamente no pre-
sente. Para caracterizar locais, personagens ou ocorrências, os adjectivos
e os advérbios podem ser preciosos, ainda que não se deva exagerar no
seu recurso – eles devem ser usados quando apropriado, e de uma forma
judiciosa e precisa.
A descrição dos cenários, ou seja, o espaço da acção, não se pre-
tende nem deve ser excessivamente minuciosa – deve sim, de um modo
adequado (isto é, fornecendo os elementos suficientes e pertinentes), pro-
porcionar uma visualização geral do lugar no qual decorre a acção da
cena. A descrição de um lugar só é feita da primeira vez que ele aparece,
excepto quando alguma alteração ocorrida é relevante para a narrativa
(um adereço ou cenário que é ocultado, deslocado, destruído, etc.).
Quanto às indicações (que são escritas entre parêntesis), fornecidas
com o objectivo de precisar o tom do diálogo ou o ânimo da personagem,
elas devem ser restringidas a situações de evidente necessidade. Este
preceito encontra duas justificações: por um lado, a conjugação de um
diálogo bem escrito com uma adequada descrição da acção sugerem,
habitualmente, o tom ou o estado anímico da personagem; por outro
lado, tanto o realizador como o actor assumem para si parte da decisão
sobre a dramatização da cena e a caracterização da personagem.
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Por se tratar de uma forma recorrente de aliar som e imagem, suge-

rindo esta através daquele, o recurso a onomatopeias com o objectivo de
permitir uma melhor visualização ou percepção rítmica da acção é uma
possibilidade. Ainda assim, a sua utilização exagerada pode revelar-se
contraproducente, o que faz com que o uso deste recurso estilístico não
seja consensual
Porque a escrita de guiões cinematográficos exibe um carácter nitida-
mente técnico e formalmente rígido, há muitos factores a favor e outros
tantos contra que devem ser tidos em conta. Ainda assim, não existem
fórmulas inamovíveis ou regras invioláveis. Mas existe uma obrigação do
guionista: que qualquer ruptura ou violação das regras signifique uma
vantagem que a justifique. O inventário que se apresenta de seguida visa,
antes de mais, apresentar de modo resumido um conjunto de premissas
e sugestões que podem disciplinar a escrita de guiões de um ponto de
vista formal, de modo a beneficiar o conteúdo da narrativa.
Podemos então dizer, resumidamente, que o guião deve:
• intrigar em vez de irritar (colocar questões interessantes e não

impertinentes)
• revelar erudição sem manifestar presunção
• evitar as perífrases (usar muitas palavras quando poucas bastam)
• ser conciso
• evitar a redundância (repetir ideias sem que isso acrescente novo

valor ou sentido)
• evitar a minúcia excessiva e apostar em elementos ou objectos

fortemente emblemáticos
• ser objectivo e não vago, ambíguo ou indecifrável
Uma norma geral da escrita de guiões poderá, então, ser assim resu-
mida: todo o conteúdo deve ser narrativamente significativo (isto é, pos-
suir um significado e uma justificação no contexto da história contada,
para o seu desenrolar e o seu desfecho) e expressivamente fascinante
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(isto é, cativar visual, temática e dramaticamente o leitor). Embora na

descrição das acções se deva ser conciso (no sentido de assegurar um
agradável ritmo de leitura) e objectivo (encontrar a forma mais ade-
quada para evocar na mente do leitor as imagens pretendidas), deve
fornecer-se a informação suficiente para o leitor poder construir uma
imagem inequívoca da cena, ou seja, dos eventos e das personagens que
nela intervêm e do espaço e do tempo em que ela decorre, assim como
sentir as suas implicações dramáticas.
O guião faz alusão a todos os elementos que constituem a história
que se pretende contar: os eventos dramatizados, a caracterização das
personagens, os cenários, os sons, os diálogos, etc. Assim, a exposição
de todos os aspectos da narrativa deve ser suficientemente clara, deta-
lhada e estruturada, e os elementos descritos e identificados no guião
(personagens, acções, lugares, sons, etc.) devem ser fáceis de localizar
e de interpretar. Sendo um instrumento de trabalho em equipa, e con-
tendo toda a informação narrativa fundamental, o guião deve possuir,
por isso, uma correcta apresentação formal.
No sentido de assegurar dinamismo à descrição dos acontecimentos,
deve usar-se, por princípio, a voz activa (ex: “Manuel corre a persiana”) e
não a voz passiva (ex: “A persiana é corrida por Manuel”). Através desta
modalidade do discurso, estamos a direccionar a atenção do espectador
para o agente, para quem faz as coisas acontecerem, e não para o objecto
da acção. A relação entre causa e efeito obedece, neste caso, ao seu
processo natural: aquela antes deste. Trata-se de um modo de tornar a
descrição dos eventos mais objectiva e incisiva.
Pela dificuldade existente na sua tradução visual, não se devem des-
crever em demasia pensamentos, sentimentos, recordações ou outros es-
tados anímicos das personagens que dificilmente encontrem uma expres-
são visual adequada – tudo o que as personagens sentem ou pensam deve
ser transmitido privilegiadamente ao espectador através das suas acções
ou diálogos. É através das acções e dos diálogos que o espectador to-
mará conhecimento das emoções ou dos motivos das personagens. Mas
é possível, igualmente, acrescentar algo de particularmente relevante à
caracterização de uma personagem através de elementos fortemente sim-
bólicos ou de ambientes devidamente criados.
Por tudo o que temos dito, existe na escrita de guiões a necessi-
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dade de conciliar as normas imperativas com o desejo de criatividade

que sempre nos move. A existência de uma distinção entre literatura e
guionismo ajudará a entender alguns dos preceitos que se enunciam de
seguida. Antes de mais, as figuras de estilo e de pensamento tão caras
à retórica e à poesia, por exemplo, devem ser submetidas no guionismo
a um princípio essencial: elas devem servir, sempre, para fortalecer o
carácter visual do texto. A criatividade do guionista terá sempre como
contexto e como limite as normas próprias do guião. Porém, ainda que,
como preceito, o guionista deva obedecer às exigências de objectividade
e clareza do seu texto, nada o pode impedir de recorrer a qualquer ferra-
menta que ajude ao dinamismo da acção, ao dramatismo das situações,
ao ritmo das descrições ou à envolvência das personagens.
A utilização de figuras de estilo deve encontrar sempre uma justifi-
cação expressiva e cumprir o objectivo de reforçar a dimensão visual do
texto. Assim, nada impede (a não ser a adequação) o guionista de re-
correr a figuras de estilo e de pensamento como a metáfora, a hipérbole,
a elipse, a metonímia ou a ironia. Aliás, desde que respeite as exigên-
cias enunciadas, deve mesmo fazê-lo, tendo em conta que, por norma,
a preocupação será que à elegância da forma corresponda a facilidade
de descodificação do conteúdo. Em grande medida, por outro lado, as
figuras de estilo podem ajudar a uma das características mais impor-
tantes da narrativa: um bom subtexto, isto é, um conjunto de ideias
que se insinuam e que convidam o espectador a fazer diferentes leituras
da história que é contada. O eufemismo e a ambiguidade são sempre
recursos a considerar.
A pontuação é, de igual modo, um utensílio formal vital para o guio-
nista. Para além do rigor que necessariamente se exige na sua utilização
enquanto auxiliar da leitura, a pontuação pode e deve ser igualmente uti-
lizada para enriquecer estilisticamente o texto. Vírgulas, pontos finais e
travessões, por exemplo, correspondem a ritmos específicos de leitura de
um texto, e essa dinâmica deve ser igualmente aproveitada para aquilo
que se designa por visualização. Em grande medida, pode-se estabelecer
uma espécie de equivalência entre a pontuação na linguagem escrita e
os cortes e raccords na montagem cinematográfica – e sabe-se o quanto
a montagem é fundamental no cinema.
Resumidamente, podemos afirmar que é indispensável que o guio-
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nista seja imaginativo e sedutor na história, sem ignorar as exigências

de clareza do guião. Dito isto, importa estabelecer uma distinção entre
uma parte técnica (o guião propriamente dito) e uma parte criativa (a
história que o guião relata). Se tivermos em conta que um guião é ape-
nas uma das formas possíveis de contar e redigir uma história, podemos
constatar que a qualidade técnica de um guião pode não corresponder à
qualidade criativa de uma história. E o contrário também é verdade. O
propósito do guionista deve ser conciliar a simplicidade formal do guião
com a complexidade temática da história, a homogeneidade e singula-
ridade do estilo com a consistência estrutural. Não é por um guião ser
claro que a história deixará de ser misteriosa ou intrigante.
Paginação
No que respeita à paginação do guião, deve ser fácil distinguir, numa
percepção imediata, meramente através da mancha gráfica do texto, en-
tre os diálogos e as acções. Este é um dos aspectos fundamentais da
paginação, uma vez que permite uma rápida localização dos respectivos
conteúdos. Esta e outras normas gráficas devem ser tidas necessaria-
mente em conta, sobretudo se pensarmos que um guião será objecto de
consulta recorrente, utilizado por variadíssimas pessoas e que tem fre-
quentemente mais de uma centena de páginas. A depuração formal a
que durante décadas o texto do guião foi sujeito encontra a sua justi-
ficação na funcionalidade do mesmo: fácil leitura e fácil consulta pelos
técnicos e artistas.
Refira-se ainda que, do ponto de vista técnico, é possível estabele-
cer uma relação entre a extensão do texto e a duração do filme: uma
página de texto corresponde, aproximadamente, a um minuto de filme.
O tamanho médio de um guião cinematográfico de longa-metragem é
de 100 a 120 páginas. Todas estas equivalências são apenas possíveis
mediante uma forma de paginação específica do texto, cujos requisitos
se enunciam de seguida e que é ilustrada com diversos exemplos.
A função de fácil leitura e consulta a que o guião deve obedecer levou
à homogeneização de uma série de aspectos da sua apresentação como as
margens, o espaçamento, os alinhamentos e o tipo de letra. Em termos
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gráficos as referências convencionais e fundamentais de paginação de um

guião são as seguintes:
Margens:
(nota: os valores indicados têm como referência a margem da caixa
de texto)
• Descrição da acção: 0,5 cm até 15 cm
• Blocos de diálogo: 4 cm até 12,5 cm
• Nome da personagem: 7 cm até fim da página
• Indicações (entre parêntesis): 6 cm até 10 cm
• Cabeçalhos: 0,5 cm até fim da página
Alinhamento:
• Diálogos, indicações e descrição da acção são alinhados à esquerda.
Espaçamento:
• uma linha entre cabeçalho e descrição da acção;
• uma linha entre parágrafos da descrição da acção;
• uma linha entre descrição da acção e diálogos;
• duas linhas para um novo cabeçalho;
• sem espaço entre nome do personagem e diálogo;
• sem espaço entre diálogo e indicações.
Numeração da página:
• ao cimo, à direita
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Letra:
• Tipo: courier new
• Tamanho: 12
Quanto ao cabeçalho, ele é um dos factores fundamentais para conse-

guir uma organização simples da informação e uma localização imediata
dos conteúdos. Daí que quando se faz a divisão da acção em cenas,
isto é, em unidades de acção, de espaço e de tempo, abrimos uma nova
cena com um novo cabeçalho. Este escreve-se sempre em maiúsculas e
é formatado do seguinte modo: dois espaços entre o tipo de localização
e a identificação do local; um espaço, seguido de hífen, seguido de um
espaço entre a identificação do local e o período do dia. Importante:
sempre que nos referimos ao mesmo local mantemos a designação.
Exemplo:
Quanto àquilo que poderíamos designar por espaços integrados, se a

acção decorre num espaço mais específico, mas incluído no espaço prin-
cipal, aquilo que poderíamos designar por espaços integrados, mantemos
a referência ao local principal e, seguido de vírgula (,), identificamos o
local mais específico.
Exemplo:
Alternativamente, podemos adoptar um modelo mais económico que

consiste em indicar o espaço geral apenas da primeira vez que surge e
assinalar de seguida somente a localização dos espaços específicos sem
abrir novo cabeçalho completo. A identificação desse espaço específico
deve ser, contudo, escrita em maiúsculas e separada da descrição da ac-
ção por uma linha antes e outra depois. Importante: esta solução apenas
se aplica a espaços contíguos e integrados num espaço mais amplo, pelo
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que quando existe mudança da tipologia do local (de INT. para EXT.
ou vice-versa) deixa de ser válida.
Exemplo:
Quanto à forma de sinalizar a passagem de tempo, age-se da seguinte

forma: se há uma mudança de cena devido a uma significativa passa-
gem de tempo (o que significa a existência de uma elipse), mas a acção
decorre no mesmo espaço, mantemos a indicação do espaço e indicamos
a passagem do tempo (MOMENTOS DEPOIS; MAIS TARDE; etc.)
Exemplo:
Quanto aos diálogos, o nome da personagem é escrito sempre em maiús-
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culas. Se o diálogo é ouvido em voz off, indicamos (V.O.) a seguir ao

nome da personagem.
Exemplo:
Se a fala é de um personagem que participa na acção, mas não está no

enquadramento indicamos (O.S.).
Exemplo:
Não é necessário usar (continua) no fim dos diálogos nem no fim de uma
página, mesmo que a cena continue na página seguinte.
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Quanto às maiúsculas, elas utilizam-se em várias situações. Assim,

da primeira vez que a personagem é apresentada no guião, o nome é
escrito integralmente em maiúsculas (excepto se essa referência ocorre
num diálogo); nas referências seguintes é escrito normalmente.
Também os sons ou a música que aparecem na descrição da acção e
que não são produzidos pelo desenrolar da mesma são assinalados com
maiúsculas.
Exemplo:
Certos elementos, acções ou ritmos significativos da acção podem tam-

bém ser assinalados com maiúsculas, sublinhando assim a sua impor-
tância dramática.
Exemplo:
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Quanto às legendas escrevem-se em maiúsculas.

Exemplo:
Por fim:
• Não se deve numerar as cenas.
• Não se deve usar sublinhado, bold ou itálico.
• Pode-se indicar o lugar do genérico, mas normalmente não se faz.
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Sinopse
Uma narrativa, como qualquer texto, de qualquer tipo, reivindica aquilo
que poderíamos definir como uma espécie de retórica, isto é, uma com-
petência técnica e estilística própria. No que respeita à narrativa, uma
sinopse pode ser mais ou menos extensa, mas permitirá sempre uma per-
cepção bastante precisa dos elementos e momentos fundamentais de uma
história. Assim sendo, em função de formatos e desígnios determinados,
é sempre possível utilizar a sinopse como modo de reflexão e maturação
de uma obra e de ponderação das suas opções formais. O guionismo
cinematográfico não costuma dispensar a sinopse, precisamente na me-
dida em que esta serve como primeira abordagem à matéria narrativa
que deverá moldar. A sinopse é um esboço que indicia escolhas e avalia
o potencial de uma história.
No que respeita ao guionismo, a forma convencional de tornar a
tarefa narrativa bem sucedida consiste numa boa definição e estrutura-
ção do enredo, ou seja, no modo como se conta uma história – aquilo
que muitas vezes se designa também por intriga ou, em linguagem anglo-
saxónica, plot. Enredar o espectador numa teia de emoções ou intrigá-lo
com uma espécie de desafio intelectual são duas estratégias comuns de
comprovada eficiência.
Assim, toda a narrativa deve suscitar emoções intensas ou lançar
reptos fascinantes ao espectador – por isso, toda a boa história é sus-
tentada num conflito que, independentemente do seu tipo, provoca no
espectador, por um lado, sentimentos de empatia, de simpatia ou de
antipatia, e, por outro, o lança numa espécie de inquietação intelectual
através dos desafios e questões que lhe coloca. De algum modo, pode-
mos afirmar que nenhuma história sobrevive crítica e criativamente se
não provocar envolvência afectiva ou empenho intelectual – de algum
modo, estes seriam os critérios de uma narrativa ideal. Daí que a indife-
rença ou desinteresse perante uma história seja o primeiro sinal da sua
fragilidade.
A ideia de conflito torna-se, então, determinante: tanto emocional
como intelectualmente, a adesão do espectador é uma consequência da
forma como o conflito é narrado, isto é, como surge, como é desvelado
e como se resolve – é nesse percurso que tudo se joga do ponto de vista
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Narrativa ideal
Envolvência emocional
(enredar)
Empenho intelectual
(intrigar)
dramático (isto é, da intensidade emocional que os acontecimentos pro-

vocam sobre as personagens – e, consequentemente, sobre o espectador)
e narrativo (ou seja, do modo como o autor cria expectativa no especta-
dor sobre os acontecimentos que resultam das acções das personagens).
Embora se deva estar sempre atento ao perigo das fórmulas e dos
modelos padronizados, é inevitável que o design narrativo estabilize al-
guns formatos ou géneros facilmente reconhecíveis e manipuláveis. Ao
nível dos formatos temos, por exemplo, as curtas-metragens, as longas-
metragens ou as trilogias. Ao nível dos géneros, temos a comédia, o
drama, o melodrama, o thriller, o western, o terror, a ficção científica.
Cada um destes formatos ou géneros comporta abordagens e estratégias
narrativas específicas. Porém, independentemente do formato ou do gé-
nero, no que toca à estrutura narrativa, existe um modo mais ou menos
canónico de organizar um relato, e que consiste no seguinte: alguém,
ou seja, um protagonista, tem um objectivo (isto é, quer ou precisa de
alguma coisa) e para o conseguir tem de ultrapassar um conjunto mais
ou menos alargado de obstáculos. É aí que reside o conflito.
Identificar o objectivo do protagonista é um passo fundamental do
processo criativo. É em função dele que a história será construída, é ele
que dá consistência à ideia central da mesma e é ele que funcionará como
fio condutor do todo. Por isso, criar obstáculos ao protagonista é outro
momento fundamental. É em função deles que a intensidade dramática
cresce, que o objectivo perseguido é valorizado e que a história ganha
progressão e relevância narrativa. Sem um objectivo perseguido, a his-
tória corre o risco de se tornar difusa ou mesmo confusa; sem obstáculos
a ultrapassar, corre o risco de se tornar dramaticamente incipiente ou
mesmo fastidiosa.
Porque permite disciplinar uma narrativa na sua lógica mais ele-
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Conflito
protagonista+objectivo ↔ antagonista+obstáculos
mentar e oferece ao guionista uma espécie de fundamento da sua com-

petência, esta estrutura tornou-se convencional e dominante. Porque se
tornou convencional e dominante, ela corre o risco de se revelar banal
e tende, por isso, a ser constantemente desafiada. Conhecer as conven-
ções narrativas e as expectativas dos espectadores permite-nos avaliar o
potencial criativo de uma ideia ou de uma história – no fundo, avaliar
qual o seu valor e qual a melhor forma de a contar.
Não há uma forma definitiva e universal da sinopse. Existem di-
versas modalidades. Ainda assim, para muitos, uma boa história, não
obstante a sua complexidade ou profundidade, deve poder ser resumida
numa frase ou num parágrafo. Obviamente, nem todas as histórias se
prestam do mesmo modo a este procedimento. Contudo, esta lição de
síntese pode ser extremamente útil para se averiguar da solidez, da ob-
jectividade e da maturidade de uma ideia. Se conseguirmos resumir
uma história num número mínimo de linhas e, mesmo assim, ela man-
tiver o seu fascínio, mistério ou sedução, isso constitui necessariamente
um sinal de que o material sobre o qual estamos a trabalhar justifica
o investimento que nele será feito seguidamente. Depois de encontrada
e depurada a ideia, é então o momento de cumprir uma nova etapa no
processo criativo: redigir a sinopse. Aqui propomos uma distinção: en-
tre uma sinopse narrativa e uma sinopse criativa, a primeira cingindo-se
mais à história que é contada, ao conteúdo, e a segunda à maneira como
é contada, à forma.
A sinopse narrativa ocupa-se da história. Como a etimologia do
termo indica (do grego syn: em conjunto + ópsis: visão), a sinopse é
um texto ou um relato que nos permite ter uma visão de conjunto da
história, ou seja, é um resumo, uma síntese, da qual constam (e apenas)
os elementos fundamentais daquela. Usa-se também com frequência e
sinonimamente a expressão anglófona story line, o que não deixa de ser
correcto, uma vez que os elementos essenciais da história devem assumir
uma direcção clara e o conflito narrado deve poder ser expresso resumida
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e integralmente em poucas linhas. Formulando a visão de conjunto da

obra através da linha da história, conseguimos uma descrição precisa e
sucinta da mesma, isto é, uma percepção global, selectiva e económica.
Sinopse = visão de conjunto
Quais são, então, os elementos fundamentais contidos na sinopse?

Uma vez que toda a história se situa no tempo e no espaço, a sinopse
deve responder às questões: quando e onde decorre? Ela deve também
identificar a personagem principal, ou seja, o protagonista, o agente
em redor do qual se desenrola a acção, e o que ele pretende, o que o
faz agir – desse modo, a sinopse deve responder também às questões:
quem é o protagonista e qual o seu objectivo? Essa acção encetada
pelo protagonista concretiza-se no conflito que o coloca em confronto
com o antagonista, aquele que com ele disputa o objectivo – a sinopse
deve então responder às seguintes questões: qual é o conflito, quem o
vive e quais as causas que estão na sua origem? Uma vez que todo o
conflito deve possuir um desfecho, a sinopse deve (ou pode) fornecer a
informação sobre o desenlace: o protagonista é bem sucedido ou não?
Respondendo a estas questões, a sinopse fornece-nos uma perspectiva
da história na sua totalidade: o princípio, o meio e o fim. A sinopse
serve, portanto, para descrever, com um mínimo de palavras ou frases,
uma história, tendo em conta o seu conflito central: a sua apresentação,
o seu desenvolvimento e a sua conclusão, ou seja, os três momentos da
narrativa tradicional: exposição, conflito e desenlace.
Descrevemos resumidamente o que entendemos por sinopse narra-
tiva, ou seja, uma sinopse que resume a história. Mas podemos igual-
mente falar de uma sinopse criativa, a qual englobaria juntamente com a
história todo um conjunto de informações que a envolvem e a transcen-
dem: o género do filme, o currículo dos autores, o palmarés dos actores
ou as opiniões críticas acerca da obra, por exemplo. Assim, podemos
dizer que se a sinopse narrativa efectua um resumo da história, a sinopse
criativa faz um resumo da obra.
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Sinopse narrativa
Protagonista
Objectivo
Antagonista
Conflito
Tempo
Espaço
Desenlace
Princípio + meio + fim
Podemos ainda dizer que se a sinopse narrativa serve essencialmente

o processo de produção, a sinopse criativa funciona muito frequente-
mente como instrumento de promoção. (Ainda no que respeita à pro-
moção, verificamos muitas vezes que, neste caso, uma série de informa-
ções são ocultadas, muito especialmente o final. Normalmente, de um
ponto de vista narrativo, as sinopses de promoção fornecem apenas a
premissa narrativa do filme, ou seja, os factos iniciais de uma história.
Seja como for, do ponto de vista do guionista, é fundamental que este te-
nha uma ideia extremamente precisa do desenvolvimento e do desenlace
da história, isto é, do modo como a história decorre e acaba.)
Como dissemos antes, numa história o conflito que se desenvolve
entre as personagens principais é fundamental para atribuir força dra-
mática e interesse à narrativa. Arranjar um conflito intenso, complexo
e/ou singular é fundamental para a solidez e interesse de uma história,
sendo que existem três tipos de conflito que a personagem pode enfren-
tar e que podem estar na base da história: com uma força humana; com
forças não humanas; ou consigo próprio. Esta discriminação dos tipos
de conflito não significa, obviamente, uma compartimentação estanque,
pois eles, como sucede frequentemente, coexistem numa mesma história.
Além do conflito é ainda importante que o autor saiba qual o tema da
história. Ainda que tema e história não se confundam, eles condicionam-
se mutuamente: podemos partir de um tema e a partir dele construir
a história, ou podemos partir da história para explorar um tema. O
guionista deverá ter sempre em mente: qual é a história? Que tema a
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sustenta? De igual modo, para além do tema, o género, o estilo, os acto-

res ou o formato são elementos que podem ajudar a descrever, explicar
ou classificar uma narrativa e a sua narração. Assim, na sinopse criativa
podem surgir igualmente referências a cada um destes aspectos, ainda
que a sinopse se cinja habitualmente ao resumo dos acontecimentos da
história, independentemente da forma que a sua narração assume.
Sinopse criativa
História
Tema
Género
Actores
Realizador
Por fim, no que respeita à sinopse, e de um ponto de vista formal,

existem algumas normas que devem ser tidas em conta na sua redacção,
quer esta resuma a história ou a obra: a sinopse é escrita no presente; a
sua extensão, apesar de variável, deve cingir-se a um reduzido número
de linhas (não mais que cinco ou seis, ou, no máximo, uma página
A4); deve ser clara (bem redigida e estruturada), objectiva (resumir
fielmente a história), concisa (cingir-se ao essencial) e apelativa (criar
expectativa).
Sinopse
Clara + objectiva + concisa + apelativa
Produção vs. Promoção
História vs. Obra
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Nota de intenções
A sinopse não esgota uma história ou uma obra. A nota de intenções
pode ser uma ferramenta fundamental para se pensar e criar um filme.
Como a designação indica, pretende-se que a nota de intenções seja um
texto que dê conta das intenções que sustentam e movem um projecto
cinematográfico. A nota de intenções pode referir-se a qualquer uma
das fases ou das áreas criativas: guião e narrativa, realização, direcção
de fotografia, ou a todos em simultâneo. O mais importante é que esse
texto permita compreender de forma tão profunda quanto possível ou
desejável os propósitos, os métodos e os motivos dos autores.
Da nota de intenções do guionista podem constar todos os tópicos
eventualmente relevantes no seu processo criativo: o género, o tema, a
mensagem, as personagens, o tom, o estilo, entre outros. Mas alguns
outros aspectos podem ser igualmente objecto de atenção neste texto
em que se explicam ou justificam as opções criativas de um ponto de
vista narrativo: compreender as intenções subjacentes ao projecto em
mãos pode ser uma forma de definir, amadurecer e clarificar as ideias à
medida que o processo criativo vai decorrendo.
De seguida apresenta-se uma lista, necessariamente não exaustiva,
de alguns aspectos que uma nota de intenções pode abordar. Ponderar
esta lista haverá de ajudar-nos a suprir duas dificuldades de partida:
evitar o óbvio e o convencional, colocando hipóteses e alternativas, e
averiguar a relevância da ideia, deslindando para ela uma mensagem
forte.
• Escolha, justificação e abordagem do tema;
• Ponderação do potencial e enquadramento dramático e narrativo

do tema ;
• Escolha do género da história e efeitos pretendidos sobre o espec-

tador;
• Apresentação e caracterização das personagens;
• Escolha dos cenários e suas características dramáticas: ambientes,

atmosferas, etc.
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• Caracterização da temporalidade da história: contínua, elíptica ou

anacrónica, etc.
• Descrição da situação de partida (premissa narrativa);
• Descrição das peripécias principais e picos da acção;
• Descrição e justificação do clímax e do epílogo;
• Avaliação da progressão dramática;
• Caracterização da perspectiva criativa: ironia, realismo, estiliza-

ção, etc.
• Descrição do estilo: clássico, moderno, pós-moderno, etc.
A ponderação de cada um destes tópicos, apesar de exigente e labori-

osa, contribui garantidamente para o desenvolvimento de ideias sólidas e
obras bem construídas. E revela-se o único modo, parece-nos, de respon-
der satisfatoriamente às questões com que todo o autor inevitavelmente
se confronta: quais as ideias que justificam o investimento? Onde as
procurar? Como as melhorar?
O tamanho e a forma da nota de intenções são variáveis em função do
tipo de obra a que se destine (longa-metragem, curta-metragem, etc).
Em todo o caso, é um texto que serve para fazer uma apresentação
do projecto e aferir a sua viabilidade. Deve, por isso, ser um texto
claro, fluido e sólido. Pode incidir mais intensamente sobre alguns dos
aspectos referidos do que sobre outros, já que se, quase sempre, eles
operam em conjunto, tornando-se interdependentes e complementares,
por vezes alguns tomam prioridade sobre outros.
Esta complementaridade pode ser atestada e resumida naquilo que
seria uma espécie de fórmula ideal da nota de intenções: um tema ou
uma história são submetidos a uma hipótese, desenvolvidos em função de
um formato, tratados segundo um determinado género, privilegiando a
acção ou a personagem, comportando uma certa mensagem, visando de-
terminados efeitos, tendo em conta as relações de intertextualidade que
estabelece com outras obras e configurando-se segundo uma determi-
nada moldura. Estes aspectos revelam-se critérios que podem constituir
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uma boa grelha de avaliação das ideias em termos de potencial artístico

ou de exequibilidade prática. Voltaremos a eles na segunda parte.
Caracterização das personagens

Um dos factores fundamentais de uma boa história é seguramente a
qualidade de quem a vive. Daí que a caracterização das personagens
seja outro elemento criativo decisivo. É a forma como estas reagem aos
acontecimentos e sofrem as suas consequências que determina o grau
de empatia ou antipatia por parte do espectador. Também aqui não
existe uma forma canónica para caracterizar uma personagem. Uma
forma clássica de o fazer consiste na sua descrição tendo em conta três
dimensões fundamentais: os atributos físicos, as qualidades psicológicas
e a existência social. Deste modo, fazemos um retrato resumido dos
aspectos mais relevantes de alguém, talvez demasiado esquemático.
De qualquer modo, e independentemente do modo como apresente-
mos e caracterizemos as nossas personagens, é importante que tenhamos
destas um profundo conhecimento e uma perspectiva clara perante as
mesmas: no limite, as personagens das nossas histórias devem ser nos-
sas íntimas – é isso que lhes dá espessura, que as transforma em quase-
pessoas; e devemos compreendê-las suficientemente, ou seja, perceber
os motivos dos seus comportamentos e ter sobre estes uma determinada
perspectiva. Conhecer uma personagem significa, então, conhecer a sua
biografia e o seu presente, ou seja, entender as razões passadas que ex-
plicam e justificam os seus comportamentos actuais e que determinam
o seu destino futuro.
A caracterização da personagem deve, então, responder a algumas
questões. Qual o seu tipo? Qual o seu traço fundamental? Que relações
sociais e familiares estabelece? Quais os momentos marcantes da sua
existência? Quais as suas intenções, circunstâncias e motivos? Quais as
suas aspirações? Quais as suas necessidades? Quais os seus desejos?
Assim, por princípio, devemos saber acerca de uma personagem
tanto o que ela quer, como o que ela tem, o que ela sabe ou o que
ela pode fazer. É em função destes aspectos que a personagem sofrerá
alguma espécie de transformação. A motivação e a transformação de
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uma personagem serão, então, os dois critérios fundamentais de julga-

mento da qualidade da mesma: porque age de uma determinada maneira
e que efeitos têm os acontecimentos sobre ela.
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O Processo Criativo
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Se todos estamos de acordo que toda a criação exige um determi-

nado processo, não é possível, porém, descrevê-lo ou faseá-lo de modo
definitivo e universal. Cada autor escolherá o seu método e encontrará
o seu trajecto na criação de uma obra. Entre a extrema flexibilidade e
a extrema rigidez, múltiplas são as vias possíveis do processo criativo.
No entanto, todos estaremos de acordo que se tratará sempre de
um processo moroso, progressivo e muitas vezes árduo. Raramente, ou
nunca, as ideias surgem na sua forma acabada. Existe todo um traba-
lho, mais ou menos extenso e intenso, que é necessário ser efectuado.
Assim, se é certo que não existe uma fórmula universalmente aplicável,
é possível, contudo, identificar e utilizar alguns dispositivos que nos aju-
dem a dar consistência a uma ideia e, eventualmente, a explorar todo o
potencial nela contido.
O que se propõe de seguida é apenas um conjunto de alguns desses
dispositivos – os quais podem servir para o cinema como para outras
formas artísticas, para o cinema de ficção como para qualquer outro
género, para o momento inicial de concepção de um filme ou para os
seus acabamentos finais. Nem todos estes dispositivos são adequados
sempre nem para todos – depende em muito das circunstâncias em que
se trabalha, dos objectivos que se perseguem e do carácter de cada cria-
dor, entre outros factores. Porém, parece-nos que, tanto numa primeira
abordagem ao processo criativo como ao longo do seu decurso, vale a
pena ponderar a sua propriedade e utilização – mesmo que seja para,
a qualquer momento, concluirmos pela sua inutilidade e pela sua re-
cusa. Para um guionista, estes são alguns aspectos que podem ajudar a
contextualizar ou enquadrar a sua tarefa.
Ideia
Tanto na génese do processo criativo como no seu decurso, uma ideia
pode assumir uma pluralidade enorme de formas, seja do ponto de vista
da expressão, seja do ponto de vista do conteúdo. Revela-se difícil, por
isso, saber exactamente o que é uma ideia, a sua origem, a sua causa,
a sua forma. Ainda assim, todos nós, de forma mais humilde ou mais
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assoberbada, mais despojada ou mais abnegada, mais inconsequente ou

mais crítica temos ideias – de valor desigual, é certo.
Uma ideia pode ser expressa numa simples palavra ou numa frase.
Ou pode necessitar de uma longa dissertação ou de um inequívoco mani-
festo. Ainda assim, alguns atributos são consensualmente aconselhados
e, julgamos, fiáveis. A ideia é, assim, tão mais valiosa quanto seja mais:
clara
simples
intrigante
consistente
original
irreverente
complexa
madura
Torna-se fácil intuir que dificilmente uma ideia consegue congregar

todos estes atributos. E que, frequentemente, quando se ganha numa
característica acaba por se perder noutra: podemos sacrificar a clareza
em função da complexidade ou acentuar a irreverência em detrimento
da consistência, por exemplo, sem, ainda assim, inviabilizar o valor da
ideia.
O que se nos afigura sempre como prioritário e arriscado é, porém,
conseguir julgar o potencial contido na ideia, a viabilidade do seu desen-
volvimento e, dentro do possível, as consequências da sua concretização.
Só desse modo podemos justificar o investimento (seja ele pessoal, fi-
nanceiro ou outro) que nela fazemos.
Uma ideia é, ao longo da sua existência, objecto de avaliação cons-
tante. O criador tanto a pode votar ao abandono prematuro e irres-
ponsável como dedicar-lhe uma insistência cega e inconsequente. Em
ambos os casos, o problema pode estar, desde logo, na premissa, isto é,
no ponto de partida da ideia, na sua formulação originária. Daí que,
desde o primeiro momento, seja imprescindível sujeitar as ideias a uma
avaliação relativamente rigorosa – e relativizamos este passo precisa-
mente porque nada impede que uma premissa aparentemente frágil não
possa, a qualquer momento, revelar um potencial insuspeito ou que uma
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premissa supostamente sólida não se venha a revelar um logro. No que

respeita às ideias, nenhuma fórmula é infalível nem nenhuma grelha de
análise suficientemente densa.
Avaliar o valor de uma ideia não se revela, sobretudo no seu início,
uma tarefa simples. Daí que precisemos de lhe garantir duas caracte-
rísticas: organização e perspectiva. Organizar as ideias implica dar-lhes
uma forma – e nada é mais difícil de julgar do que um objecto ou um
pensamento informe. Quanto à perspectiva, ela deve servir ao autor so-
bretudo para assegurar um distanciamento em relação ao seu trabalho
– desse modo será mais provável identificar vícios e virtudes.
Se anteriormente enunciámos alguns dos atributos que uma ideia va-
liosa deve conter, colocamos agora algumas questões que podem ajudar
a dissecar essa mesma ideia. São questões que se colocarão ao longo de
toda a sua existência: antes, durante e depois da obra, da sua concep-
ção à sua análise ou crítica, passando pela sua execução. Entre a génese
e a crítica de uma obra abre-se e fecha-se um arco que, em princípio,
deve ligar todas essas questões, as quais serão colocadas, ainda que com
justificações diferentes, pelo autor e pelo crítico: Qual o propósito da
obra? Qual a motivação criativa? Qual o assunto que aborda? Que
expectativas cria? Como gere o interesse ou a atenção do destinatário?
Qual a sua ambição formal: uma ruptura inovadora ou uma diligência
classicista? Quais as suas implicações sociais, culturais ou políticas?
Estes são apenas alguns exemplos, mínimos e sumários, de um conjunto
abrangente, e virtualmente inesgotável, de questões que uma obra co-
loca, as quais, no fundo, gravitam em torno da ideia estruturante que a
sustenta e para ela reenviam.
Autor
Se há figura indispensável no processo criativo ela é seguramente a do
autor, assuma este qualquer uma das múltiplas formas em que se pode
manifestar (e entendemos aqui por autor todo aquele que, de algum
modo, contribui para o surgimento e desenvolvimento de uma ideia ou
para a concretização de uma obra). Ainda assim, parece-nos que um
aspecto não pode ser, de modo algum, deixado de ter em conta no que
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respeita ao trabalho do autor: a sua intenção. Não que todo o autor

deva ter absoluta consciência – nem prévia nem última – dos motivos
mais profundos ou das consequências mais vastas do seu trabalho; mas
em algum momento, mesmo que transitoriamente, ele questionar-se-á
sobre as causas e os objectivos do mesmo.
Cada autor pode, e eventualmente deve, reservar para si as razões
ou pulsões que o movem – em certa medida é esse secretismo ou essa
privacidade criativa que muitos autores, com inteira legitimidade, de-
fendem, recusando-se a explicar, interpretar ou sequer comentar as suas
obras. Mas essas pulsões ou razões podem ser igualmente objecto de
deliberada avaliação, seja logo no primeiro impulso criativo seja depois,
após a obra concluída.
Nada perde um autor em conhecer os seus intentos com a profun-
didade e a abrangência adequada. Esse conhecimento pode ajudar a
iluminar o caminho ou a sinalizar a meta que pretende atingir. Para
tal, ele acabará por se confrontar com/em diversas instâncias. Eis algu-
mas delas:
a tradição: nenhum autor consegue operar no exterior de uma qual-

quer tradição que o antecede. Conhecer essa tradição artística há-
de revelar-se importante em, pelo menos, dois aspectos: por um
lado, ao reconhecer procedimentos e convenções já anteriormente
testados, facilitando aquilo que se designa de aprendizagem por
imitação; por outro, ao reconhecer os valores estéticos instituídos
e confrontar-se com eles.
a atitude: conhecer a tradição acabará por determinar, em grande me-

dida, a atitude criativa do autor. E a amplitude é, neste aspecto,
enorme: assumir influências e prestar homenagem ou experimen-
tar um distanciamento irónico ou abrupto; afrontar ou seduzir o
público; adoptar ou romper convenções; procurar a profundidade
ou fruir o lúdico; jogar com as expectativas ou subvertê-las.
o futuro: esta pluralidade de atitudes terá sempre como horizonte o

futuro. Ainda que a tradição possa e deva fornecer a matéria-
prima de que todas as ideias se alimentam, é apontando ao fu-
turo que toda a criação se desenrola, e de diversas formas: acres-
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Luís Nogueira 43
centando, ultrapassando, superando, surpreendendo. A lógica do

novo torna-se um imperativo, mesmo nas homenagens, mesmo no
academismo. Visionário é o epíteto sempre ansiado, por qualquer
autor.
Esta aparente dialéctica entre a ordem e o caos é infinitamente com-

plexa no trabalho criativo, mas, sem passar por ela, seja de modo deli-
berado e consciente ou não, dificilmente um autor estará em condições
de intuir ou sintetizar uma ideia digna de um aturado e reiterado in-
vestimento. Se falamos em intuir e em sintetizar é porque, realmente,
entre estes dois pólos nos parece jogar-se o essencial dos intentos de um
autor: ou, por um lado, saber e poder esperar uma revelação fortuita,
mas inatacável; ou, por outro, investigar e estudar exaustivamente uma
ideia até à sua presumida perfeição. Seguramente, nenhum método é
infalível.
Estratégia
Toda a obra está dependente dos recursos disponíveis e dos propósitos
perseguidos. E estes serão os dois factores fundamentais a determinar a
estratégia criativa adoptada. Temos, portanto, meios e fins. E podemos
adequar uns a outros tendo em atenção estratégias de amplitude global
ou estratégias de incidência pontual, de natureza comercial ou de natu-
reza artística. Em todos os casos, trata-se de conseguir um determinado
efeito e, mais que isso, compreender como se pode atingi-lo.
É manifesto que qualquer obra possui um propósito e um efeito do-
minante. Nuns casos, trata-se de ensinar, revelando a obra um intento
didáctico muito claramente assumido – ensinar a distinguir o bem e o
mal, por exemplo, seja num conto infantil seja numa obra de denúncia.
Noutros trata-se de persuadir, isto é, de inculcar valores, de incentivar
atitudes, de influenciar decisões, de reforçar crenças. É possível também
procurar o escândalo ou o choque, colocando uma obra em confronto
com os valores éticos ou artísticos vigentes. De igual modo, existe em
muitas obras uma propensão para a exploração do pathos do espectador,
seja, frequentemente, para provocar a comoção, seja para promover o
entretenimento.
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Além destes propósitos de ordem global, existe ainda a possibili-

dade de avaliar e delinear estrategicamente efeitos pontuais em momen-
tos ou partes de uma obra. A gestão da atenção, das expectativas,
dos sentimentos, das emoções, dos valores, das crenças do espectador é
um processo recorrente e permanente ao longo de um filme – situações
dramáticas, tensas, cómicas, aterrorizantes, intrigantes, inquietantes ou
provocatórias são construídas e colocadas em momentos ou partes espe-
cíficos e com propósitos bem calculados.
No contexto da criação cinematográfica é ainda possível fazer uma
distinção muito clara entre efeitos e estratégias notadamente artísticos
e vincadamente comerciais. Grosso modo, podemos fazer corresponder,
ainda que com as devidas cautelas e excepções, esta diferença à dicoto-
mia entre cinema de autor e cinema de género ou entre a cinematografia
europeia e a cinematografia americana. Num caso, constatamos que
a estratégia visa a originalidade e a singularidade criativa e a ruptura
com convenções, não atendendo ao sucesso de público ou comercial; no
outro, trata-se de um entendimento da produção cinematográfica como
mais um sector de actividade económica, em que os ditames do mercado
e do lucro tendem a servir-se dos, mais do que a servir, os objectivos
artísticos. Oponíveis em muitas situações, estas duas estratégias estão,
porém, longe de ser inconciliáveis.
Importa ainda referir que se é certo que uma estratégia tende a de-
senhar claramente um método para atingir um fim, a verdade é que esse
método tende a assumir a forma de um cálculo, por vezes minucioso e
implacável. E como está bom de ver, o calculismo facilmente se pode
tornar um obstáculo criativo pela neutralização do risco, do acaso, do
imprevisto que comporta. No limite, este calculismo pode ter o efeito
pernicioso ou mesmo fatal de esterilizar toda a aventura criativa, con-
duzindo à banalização e ao cliché, saturando o espectador através do
lugar-comum.
Também aqui não existe uma fórmula que resolva este dilema cria-
tivo. O cálculo e a estratégia estão longe de ser desprezíveis no processo
criativo. Mas a salvaguarda da espontaneidade e da irreverência (da
vanguarda) não pode também ser descurada. A única forma de sair in-
cólume desta dialéctica apenas poderá passar por um suficiente conheci-
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mento dos propósitos de uma obra e dos regimes de criação e produção

em que se está a operar.
Público
A relação do cinema com o público é, seguramente, uma das mais proble-
máticas e controversas, atravessando a história do cinema e prolongando-
se na actualidade. Em grande medida, tal facto prende-se com a dificul-
dade em qualificar, estrita e inapelavelmente, o cinema enquanto arte
ou enquanto entretenimento. Para esta problemática muito contribui o
facto de o cinema viver um dilema constante: por um lado, esta forma
de expressão sempre se destinou às massas (desde os tempos dos nicke-
lodeon até aos modernos multiplexes, passando pelos magníficos movie
palaces das décadas de ouro do cinema); por outro, ao longo de toda
a história do cinema, sempre existiram autores, críticos e teóricos que
defenderam para o cinema uma ambição criativa que lhe assegurasse um
lugar de pleno direito no sistema das artes (sendo que esta busca da arte
cinematográfica em toda a sua nobreza não poderia deixar de implicar
um afastamento do espectador médio e um rumo ao elitismo).
As concepções do cinema como arte ou do cinema como indústria
acabariam por determinar igualmente a relação entre autor e público.
Não é raro encontrarmos autores cuja preocupação última é a vastidão
do seu público ou que assumem perante ele uma atitude de indiferença
ou mesmo de desdém – de alguma forma, esta atitude assenta no pressu-
posto de que a arte não tem de ser universalmente acessível e que deve
seguir o seu caminho de especulação formal sem pudores públicos. Em
sentido divergente, não é raro encontrarmos produtores cinematográficos
capazes de sacrificar a autonomia criativa dos realizadores em nome da
máxima audiência e – consequência mais desejada – do máximo lucro.
Da relevância do público e das lutas criativas, teóricas e económicas que
este originou são inúmeros os exemplos históricos.
No entanto, uma análise mais atenta do público cinematográfico ha-
verá de mostrar-nos que não estamos perante uma dupla, mas sim uma
múltipla tipologia dos públicos: não encontramos apenas um público
cinéfilo e elitista, embrenhado na discussão das mais infímas ou mais
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críticas questões criativas, e um público popular e descomprometido,

capaz de fazer da experiência cinematográfica um ritual de celebração
colectiva e um fenómeno de partilha planetária. Encontramos sim uma
quase infinidade de públicos que, por exemplo, o sistema dos géneros
com as suas legiões de fanáticos específicos facilmente demonstra.
Falando em géneros: é, em larga medida, através dos géneros que os
espectadores, em muitas circunstâncias, constituem a sua cultura cine-
matográfica, gerem as suas expectativas e fazem as suas escolhas. Os
géneros asseguram ao espectador um elevado grau de certeza sobre o
que esperar e permitem aos produtores um conhecimento (suficiente-
mente) rigoroso dos padrões de comportamento do público. Por outro
lado, os géneros integram-se, podemos dizê-lo, em estratégias de marke-
ting avassaladoras que o sistema de produção industrial frequentemente
implementa no sentido de efectuar uma promoção planetária dos seus
produtos/filmes e, desse modo, de conseguir chegar ao mais vasto e di-
versificado público possível.
A forma de financiamento de uma obra cinematográfica acabará,
igualmente, por determinar a relação com o público. A busca de um
público virtualmente global justifica-se pela lógica industrial subjacente
à produção dos grandes blockbusters. Já o cinema de autor, frequen-
temente subsidiado, ou o cinema experimental, muitas vezes amador,
enfrentam com relativa indiferença esta contabilidade das audiências.
Frequentemente, não lhes interessa tanto o público imediato, como su-
cede no cinema comercial, mas mais os públicos futuros que, num tempo
indefinido, haverão de tomar contacto com a obra.
Dois outros aspectos que se prendem com esta questão, e que recor-
rentemente são objecto de discussão e polémica, prendem-se, por um
lado, com o divórcio entre o cinema e o seu público, de que um exemplo
seria o caso português, ainda que longe de ser o único, e, por outro,
com a morte do cinema, isto é, com um decréscimo de popularidade da
sétima arte ou com uma impotência para liderar a vanguarda artística.
Num e noutro caso, a visão catastrofista tem sido desmentida, ainda
que, em ambas as situações, os diagnósticos feitos estejam longe de ser
irrelevantes.
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Formato
Qualquer ideia é desde logo condicionada por um constrangimento: o
formato em que vai ser trabalhada. Ainda que, virtualmente, qualquer
ideia possa ser concretizada em qualquer formato – expandindo ou res-
tringindo a abrangência e a profundidade da abordagem –, a verdade é
que o formato escolhido acabará por ter implicações quer ao nível esté-
tico quer ao nível técnico. Assim, a escolha apropriada do formato é,
muitas vezes, a primeira preocupação de um autor. Abordaremos aqui
resumidamente as duas modalidades mais relevantes na criação cinema-
tográfica: a longa e a curta-metragem.
O que distingue a curta-metragem é a condensação e depuração dos
temas ou dos eventos. Daí que, no que respeita à ficção, tanto a ca-
racterização das personagens como os eventos apresentados se cinjam
aos seus aspectos essenciais ou aos seus momentos decisivos. Assim,
os acontecimentos tendem a ser dramaticamente fortes e ricos de signi-
ficado, e as personagens brevemente delineadas, incisivas e fortemente
simbólicas. A curta-metragem tende, por isso, a centrar-se numa ou em
muito poucas personagens, cingir-se a uma ou poucas situações, com
uma linha narrativa muito clara. Se se trata de uma curta-metragem
experimental ou documental, por seu lado, procura-se explorar de forma
concisa uma ideia ou um tema.
Quanto à longa-metragem (e demais formatos longos, como séries
e sequelas), trata-se de um formato que permite necessariamente uma
maior densidade e minúcia na caracterização das personagens, na des-
crição dos acontecimentos ou na abordagem de um tema ou exploração
de uma ideia. As relações entre personagens tendem a ser mais detalha-
das e profundas e o número de personagens é também maior – embora
exista um protagonista claro ou um núcleo de personagens principais.
No que respeita aos eventos, a cadeia de acontecimentos que constitui a
história tende a ganhar complexidade, podendo mesmo estender-se infi-
nitamente – como se constata pelas narrativas-mosaico, pelas prequelas
e sequelas tão recorrentes na actualidade ou pelos serials de outras déca-
das, bastando para tal introduzir novas personagens e novos núcleos da
acção ou retrocedendo e avançando na cronologia dos acontecimentos.
Podemos, portanto, constatar que, ao nível da ficção, o formato é
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causa e consequência do número de peripécias incluídas (ou seja, dos

momentos decisivos para a progressão da história), bem como da quan-
tidade de personagens ou de linhas narrativas. Assim, quanto mais longo
o formato, maior a extensão e densidade dos acontecimentos. No que
respeita à ficção cinematográfica, podemos constatar que ao longo do
tempo acabariam por se impor como predominantes determinadas du-
rações. No caso da longa-metragem, ela tende a durar entre 90 e 120
minutos. No que toca à curta-metragem, entre os 7 e os 12 minutos. Tal
não significa, porém, que em certas circunstâncias e em certas épocas
não se possam encontrar desvios a estes padrões: por exemplo, os épicos
tendem, usualmente, a ter uma duração bem mais extensa; nos anos
1970 verificou-se uma tendência para filmes com cerca de três horas; as
curtas-metragens podem chegar a mais de meia hora ou resumir-se a
menos de um minuto.
Convém ter sempre em atenção, igualmente, que, por mais curta ou
longa que seja a narrativa, ela deve necessariamente configurar uma to-
talidade em que as partes se integram no conjunto de forma harmoniosa
e necessária. Um outro aspecto a salientar deve ser o seguinte: a estru-
tura narrativa ou conceptual da longa e da curta-metragem, apesar da
grande diferença de duração, tende a ser homóloga, ou seja, a ter uma
morfologia idêntica, correspondendo-se proporcionalmente.
Quanto ao documentário, vale a pena referir que este tende a ser
relativamente mais curto do que a longa-metragem de ficção, entre 60
e 80 minutos. Mas o género onde as convenções dos formatos são mais
decisivamente desafiadas é no cinema experimental. Neste caso, pode-
mos encontrar uma tremenda pluralidade de durações que podem ir dos
pouquíssimos frames a obras com oito ou doze horas.
Género
Para sabermos sobre o que é um filme e o que esperar dele (aquando
da sua realização e aquando do seu visionamento), podemos também
socorrer-nos da tradição dos géneros. O género permite, sobretudo,
identificar padrões recorrentes da organização formal de uma obra: qual
a estrutura narrativa, que tipo de personagens, que tipo de mensagem,
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Luís Nogueira 49
que situações narrativas, que ideias, que valores, que locais. Os géneros
constituem, portanto, uma espécie de grelha classificativa dos filmes.
Sabemos de antemão que um mesmo tema pode ser abordado se-
gundo diversas convenções narrativas, dando origem a diferentes en-
redos, com diferentes mensagens – no fundo, a diversos géneros. Os
géneros permitem ao autor trabalhar uma ideia dentro de moldes fa-
miliares e ao espectador construir expectativas bastante aproximadas
relativamente ao que vai encontrar numa obra: tipo de situações, tipo
de personagens, tipo de emoções, etc.
No que respeita aos géneros, importa efectuar dois sublinhados:
• em primeiro lugar, os géneros, apesar de apresentarem convenções

formais reconhecíveis, não são imperativamente normativos – há
um grande espaço para a variação;
• em segundo lugar, os géneros podem misturar-se e contaminar-se

– uma mesma obra pode apresentar traços de vários géneros.
Assim sendo, a relevância do género no processo criativo torna-se evi-

dente: eleger um género específico para tratar uma ideia implica uma
escolha de determinados preceitos morfológicos que tornam a obra ime-
diatamente familiar para o autor.
Assim, mais do que um constrangimento, as convenções de género
devem ser entendidas como possíveis moldes que, contudo, permitem as
mais diversas variações. Se nos aproximarmos da etimologia da palavra
género, podemos verificar que ela remete para a ideia de génese ou de
origem de uma ideia ou de uma obra. Pertencendo a um género, uma
ideia ou uma obra acarreta, então, estruturas, figuras, temas ou valores
familiares. Porém, se é certo que os géneros tendem para a repetição de
formas, não deixa de ser igualmente verdade que eles facultam a priori
uma organização clara das ideias.
Por fim, importa ainda dizer que, para além dos géneros mais comuns
e clássicos, como o drama e a comédia, o thriller e a ficção científica,
por exemplo, podemos encontrar outras formulações genéricas, com as
mais diversas proveniências, capazes de dar um sentido e um design
muito claros a uma obra ou uma ideia: o diário, as memórias ou o re-
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trato, provenientes da literatura e da pintura, são, por exemplo, óptimas

formas de dar vida a uma personagem.
Experimentação
Como todas as artes, também o cinema tende a cristalizar as suas for-
mas em convenções mais ou menos partilhadas e respeitadas. Daí que
uma exigência e um ímpeto de experimentação sejam constantemente
reafirmados. O que se procura é, neste caso, fugir à repetição tanto
de formas como de conteúdos. Existe como que um imperativo para a
ousadia, a originalidade e a diferença – no fundo trata-se de buscar cons-
tantemente o novo e o insólito, a distinção que acrescente algum valor
estético. Ainda assim, devemos sublinhar que nada disto é possível sem
um sólido conhecimento das convenções e da tradição.
A melhor e talvez a única forma de fugir ao vulgar ou ao comum será
a colocação de hipóteses. Ao colocarmos uma hipótese estamos a espe-
cular criativamente. As hipóteses apenas são limitadas pela imaginação
do criador e pela consistência da sua lógica. Se bem que nem todas as
hipóteses se transformam em excelentes ideias ou possuem a qualidade
necessária para originar uma obra de referência, dificilmente o processo
criativo pode deixar de passar por essa fase e essa estratégia. Assim,
o procedimento a adoptar neste caso é colocar a questão “E se. . . ?”. A
partir daqui tudo é possível; mas nem tudo é desejável – daí que se
deva avaliar o potencial da hipótese submetendo-a à questão: “Valerá
a pena?”. Quando a resposta é positiva, estamos em vias de encontrar
uma ideia central forte para trabalhar.
As hipóteses podem remeter para os mais diversos aspectos: um
tema, uma situação, uma personagem, um estilo, um género, por exem-
plo. Em todo o caso, ter-se-á sempre um objectivo em mente: apresentar
novas abordagens sobre um determinado assunto e avaliar o potencial
criativo do mesmo.
A colocação de hipóteses é, como referimos, extremamente abran-
gente e livre. Tudo podemos questionar ou subverter. Partindo de situ-
ações, temas ou ideias familiares, e levando-as ao limite da estranheza,
podemos encontrar nelas um potencial de que não se suspeitava previ-
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amente. E podemos fazê-lo através de diversas estratégias que podem

ir de uma sincera homenagem à ironia ou à sátira, provocando efeitos
como a surpresa ou o choque, por exemplo.
A experimentação pode incidir sobre qualquer das facetas da obra
cinematográfica: a estética, a técnica ou a narrativa, por exemplo. E
pode mesmo ser assumida como um valor artístico em si, procurando
sempre o inaudito e a radicalidade. Neste último caso estamos perante
aquilo que, genericamente, se designa por cinema experimental – neste
âmbito a experimentação mais profunda constitui uma espécie de pre-
missa criativa indispensável.
Ao longo da sua história, o cinema foi constantemente submetido a
um intenso labor de experimentação, mesmo no âmbito do que se deno-
mina usualmente por cinema mainstream, ou seja, um cinema industrial
e popular. Cruzar ficção e documentário, misturar home-movies com
blockbusters, citar as artes plásticas ou adaptar bandas desenhadas são
apenas alguns exemplos de uma experimentação que se pode constatar
a qualquer momento. Noutros casos a experimentação assumiu quase
a forma de um manifesto de intenções, como sucede com a nouvelle
vague, o neo-realismo ou o Dogma 95. E noutros ainda, a experimenta-
ção pode transformar-se em provocação ou quimera, como sucede com
cineastas como Stanley Kubrick, Andrey Tarkovsky, Peter Greenaway,
David Fincher ou Bazz Luhrmann.
A experimentação revela-se, portanto, uma realidade criativa de múl-
tiplas formas e com diversas incidências – qualquer que seja o aspecto
que assuma ou sobre que incida, todos lhe reconhecemos uma importân-
cia crucial no processo criativo.
Estilo
Se tendencialmente um género, seja ele cinematográfico ou outro, se
revela uma forma extremamente eficiente para descortinar semelhanças
entre diversas obras e desse modo arrumá-las em função de um conjunto
de características partilhadas que acabarão por instituir um cânone, o
estilo acaba por funcionar em sentido aparentemente oposto: é através
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do estilo que, por princípio, reconhecemos as singularidades de uma obra

ou de um autor.
O estilo remete para algo como uma maneira própria de fazer, de ver
ou de imaginar. Todos os grandes autores em todas as artes acabaram
por encontrar o reconhecimento e a posteridade pela forma única como
concretizaram e apresentaram as suas ideias, pelo seu estilo. Quando se
fala de originalidade, é essencialmente a uma questão de estilo que nos
referimos – seja no documentário ou na ficção, na animação ou no cinema
experimental, mesmo no home-movie ou no filme de escola, dificilmente
uma obra ou um autor se tornam referenciais sem um estilo marcante e
único.
O estilo não só tende a sublinhar as singularidades de uma obra,
as quais permitem identificar a marca de um autor, como tende a ser
essencialmente individual – corresponde a um conjunto de decisões esté-
ticas muito pessoais e a uma espécie de visão do mundo intransmissível.
Ainda assim, importa fazer dois comentários a este respeito. Em pri-
meiro lugar, apesar de um estilo corresponder usualmente a perspectivas
e procedimentos pessoais, ele pode, porém, ser colectivamente partilhado
– a imitação, a homenagem ou o pastiche são disso exemplo. Em se-
gundo lugar, importa fazer uma observação a respeito da particularidade
criativa do cinema: longe de ser uma arte individual, o cinema obedece
a um processo criativo colectivo (excepção feita aos filmes domésticos ou
a alguns filmes experimentais). Sendo um processo criativo partilhado e
coordenado, o estilo de um filme é, por isso, muitas vezes, a consequên-
cia de diversos contributos individuais. Ainda assim, algo de singular
terá de ser identificado numa obra para justificar a sua valia estilística.
Posto isto, podemos afirmar, em resumo, que no cinema, como em
qualquer outra arte, um estilo singular deve ser perseguido. E pode sê-lo
em qualquer fase ou circunstância: na escrita, na filmagem, na fotogra-
fia, na montagem, na música. Como se torna facilmente constatável, as
grandes obras fílmicas são aquelas que arriscaram numa, em várias ou
em todas estas áreas e acabaram por superar ou depurar as convenções
estabelecidas.
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Luís Nogueira 53
Mensagem
Um hábito comum do espectador, que corresponde, no fundo, a uma
preocupação manifesta ou latente do autor, é frequentemente formulado
na questão: qual é a mensagem? E se o espectador revela insistente-
mente essa preocupação, o autor não poderá deixar de, também ele,
ainda que de maneira distinta, ter esse aspecto em questão. Como pri-
meira e fundamental consideração, devemos referir que, como veremos
de seguida, a mensagem pode assumir as mais diversas formas e propó-
sitos. E dificilmente uma obra se reduz a uma única mensagem – aliás,
quando tal acontece, tal deve ser motivo de apreensão.
A mensagem é, no fundo, o sentido ou os sentidos que a obra pretende
transmitir ou sugerir, instaurando um horizonte de interpretação mais
ou menos vasto e provável. Ela pode ser mais aberta ou mais fechada,
mais implícita ou mais explícita, mais superficial ou mais profunda.
Em princípio, a mensagem de uma obra divide-se entre dois pólos, um
que tem a ver com os valores estéticos, em que a mensagem se prende
essencialmente com a própria obra enquanto tal, isto é, com a forma
como lida com a assumpção ou a ruptura de um conjunto de preceitos
estéticos que lhe estão subjacentes, um outro que poderíamos designar
por arte comprometida, ou seja, uma perspectiva da arte que assume
esta como um veículo para a disseminação de ideias que extravasam
claramente o âmbito da estética, assumindo preocupações éticas, sociais
ou políticas, por exemplo, na sua concretização. Sob o primeiro tipo
podemos encontrar, como manifestação mais radical, o chamado cinema
experimental; sob o segundo, encontramos muito do cinema documental.
Em todo caso, nunca estas distinções são absolutamente estanques.
A mensagem pode ser, ainda, explicitamente formulada – acontece
nas obras de denúncia, de propaganda, de intervenção cívica ou política,
por exemplo. Ou pode ser implícita: mesmo quando a mensagem não é
explicitamente formulada, há algo que uma obra nos diz, uma posição
que toma e de que nos faz comungar ou condenar. Esta polaridade entre
uma mensagem explícita e uma mensagem implícita faz-nos regressar à
questão inicial da relação entre a obra e o seu público. Assim, a respon-
sabilidade pela mensagem de uma obra é necessariamente partilhada: o
autor terá, em maior ou menor medida, a preocupação de que a mensa-
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gem seja inteligível ou clara para o espectador, mas este terá igualmente
a obrigação de se empenhar na decifração dessa mesma mensagem.
Uma obra que exponha imediata e cabalmente a sua mensagem ten-
derá a esgotar o seu interesse de modo breve. Daí que algum grau de
mistério ou especulação deva ser deixado em aberto para o espectador.
Quanto maior o mistério e a abertura da mensagem, maior a interpe-
lação ao espectador. Quando se sublinha a importância do subtexto,
da conotação, da alegoria ou da metáfora é disso que falamos. Importa
ainda referir que uma mensagem pode assumir um carácter mais deli-
berado – em que se percebe exactamente qual o propósito do autor –
ou assumir a forma de uma revelação involuntária, querendo com isto
dizer-se que a mensagem e o sentido das obras mudam consoante as
circunstâncias, ou seja, em função da época, do local, do espectador.
Assim, se a mensagem é uma espécie de juízo acerca de um facto ou
de uma ideia ou uma espécie de ensinamento que se retira acerca dos
mesmos, determinando de algum modo a interpretação de uma obra,
a verdade é que, dependendo dos propósitos desta, a mensagem pode
ser, por exemplo, mais evidente, mais constrangedora, mais difusa ou
mais polémica. Em todo o caso, a mensagem deve ser suficientemente
clara (isto é, que permita uma expectativa de interpretação da obra, por
mais desviante que esta possa parecer) e aberta (isto é, que impeça o
esgotamento repentino ou retarde a esterilidade hermenêutica).
Tema
O tema de uma obra pode ser resumido, na sua forma mais densa e
decisiva, num substantivo: a verdade, a morte, o amor, a beleza. Desta
forma, podemos dizer que o tema remete sempre para um ideal abs-
tracto e absoluto que é abordado em obras (narrativas, por exemplo)
concretas. O tema será, portanto, o cerne substantivo de algo e cor-
responde, no fundo, à ideia fundamental de uma obra. Ele sumariza,
unifica, centraliza, agrega e guia as ideias que se criam em volta de um
determinado assunto.
Estas características do tema ajudam-nos a compreender melhor a
sua relevância: na medida em que sumariza, ele permite ter uma pers-
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Luís Nogueira 55
pectiva de conjunto sobre o que uma obra trata e sobre a própria obra;
na medida em que unifica, ele ajuda a dar uma sensação de totalidade
a uma obra; na medida em que centraliza, ele tende a criar uma ordem
hierárquica para as partes da/na obra; na medida em que agrega, ele
tende a estancar a dispersão criativa ou semântica que ameaça todas
as obras; na medida em que guia, ele permite tanto ao autor como ao
espectador orientar-se na planificação, na execução e na interpretação
de uma obra. Conhecer o tema de forma sólida, profunda e abrangente
torna-se determinante. Sem um correcto reconhecimento do tema, cor-
remos o risco de perder objectividade e critério na avaliação de uma
ideia ou de uma obra.
Se o tema de uma obra tende a ser visto como algo absoluto, ele pode
ser igualmente tratado de forma contextual ou circunstancial. Assim,
podemos abordar os temas da verdade, da morte ou do amor em contex-
tos extremamente distintos: em tempos de paz ou em tempos de guerra,
em termos políticos ou sociais, por exemplo. Por outro lado, existem
diversos tipos de tema, que podemos descrever do seguinte modo: o
tema central, a que já aludimos; os temas laterais, que se relacionam de
algum modo com o anterior, mas se lhe submetem em termos de impor-
tância; os temas transversais, que remetem e atravessam conjuntos mais
ou menos vastos de obras.
Deste modo, se é certo que elegemos sempre um tema central na
criação ou na interpretação de uma obra, não deixa de ser igualmente
verdade que temas diversos podem conviver numa obra e variar ao longo
desta. Assim sendo, uma obra pode ilustrar vários temas e um mesmo
tema pode ser tratado em obras muito diversas. Contudo, está bom
de ver, é o tema central de uma obra que deverá ter, necessariamente,
uma atenção privilegiada. E se umas vezes partimos de um tema e
construímos uma obra que o ilustre ou problematize, noutros casos é
apenas à medida que uma obra vai ganhando forma que desvendamos o
seu tema nuclear.
Além de dever ser uma ideia, um conceito ou um assunto nuclear
numa obra, um tema deve ser igualmente relevante numa ou em várias
destas dimensões: social, estética, política, ética ou cultural. Como sa-
bemos, desde a mitologia clássica ou das escrituras bíblicas que podemos
verificar a recorrência de temas que sustentam, ainda e sempre, a maior
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parte das narrativas dos nossos dias: amor, morte, vingança, opressão,
assassínio, solidão, soberba, etc. A persistência dessas obras (e desses
temas) prende-se exactamente com o facto de elegerem como tema forte
e central questões sólidas, universais e abstractas, e ao mesmo tempo
decisivas em termos civilizacionais – ou seja, no âmbito da cultura, da
política, da ética ou da arte.
Intertextualidade
Num regime criativo como o contemporâneo, em que a mistura e cru-
zamento de procedimentos, materiais, temas e estilos se tornou uma
evidência incontornável e frequentemente aplaudida, o conceito de in-
tertextualidade ganha uma pertinência assinalável. Como sabemos da
tradição das mais diversas artes, uma obra nunca existe isolada. Um
texto encontra-se sempre numa rede com outros textos que o comen-
tam, o citam, o refazem, o recuperam, o analisam. No que respeita
ao cinema, essa relação plural, diversa e inesgotável dos textos entre si
assume um papel fundamental no processo criativo.
Enunciamos brevemente algumas das modalidades em que estas re-
lações – que podem ocorrer entre o cinema e as outras artes ou entre
diferentes filmes – podem ser identificadas. As adaptações cinemato-
gráficas são uma forma frequente e um dos dispositivos fundamentais
do processo criativo. Se no início do cinema predominavam as adapta-
ções de peças teatrais ou de textos literários, com o decurso do tempo
as fontes de inspiração tornar-se-iam as mais diversas: séries televisi-
vas, bandas desenhadas, videojogos ou simples brinquedos tornaram-se
objecto de constante adaptação. Algo semelhantes, mas ocorrendo no
âmbito estrito do cinema, são os remakes. Neste caso trata-se de tomar
em mãos uma obra cinematográfica que, por algum motivo, mantém o
seu potencial e apelo ao longo do tempo, actualizando-a num novo con-
texto. Tanto em relação às adaptações como ao remake, importa referir
que a estratégia de releitura de uma obra pode obedecer a diversos pa-
râmetros: literal (quando se faz uma transposição quase automática da
obra de partida); fiel (quando as alterações em relação à obra de origem
são mínimas e inofensivas); parcial (quando existe alusão aos elementos
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fundamentais da obra original, mas com grande flexibilidade criativa);

livre (quando muitos dos elementos fundamentais são claramente modi-
ficados). As modificações entre a obra de origem e a nova obra podem
incidir ao nível do estilo, do tema, das personagens, dos acontecimentos,
do espaço ou do tempo e podem assumir grandes diferenças de grau e
de nível.
Se a adaptação e o remake assentam numa transformação de uma
obra na sua integridade, mantendo inalterada a sua estrutura, existem
outras formas de intertextualidade de cariz mais pontual que devem ser
tidas em conta. Temos assim a paródia, uma das modalidades mais
comuns que tende a alterar o tom, o propósito ou o género de uma
obra através de uma releitura dos seus pressupostos estéticos (tornar
um drama numa comédia, por exemplo). As citações (que consistem na
inclusão explícita de uma parte de um texto alheio numa nova obra) e
alusões (que consiste em integrar elementos reconhecíveis, mas altera-
dos, de uma obra numa outra) são igualmente modos de colocar obras
em relação, muitas vezes permitindo identificar as influências ou a tra-
dição em que se inscreve e se define um filme. Por fim, a mistura ou
hibridação de géneros, temas, formatos ou estilos é outra das modalida-
des de intertextualidade recorrente fazendo conviver numa mesma obra
formas discursivas heterogéneas.
Como se pode verificar, muitas das estratégias criativas das últimas
décadas têm passado pela intertextualidade, ao mesmo tempo que a
ideia de que é impossível criar algo ex nihilo, ou seja, a partir do nada
ganhava cada vez mais evidência axiomática. Tanto os movimentos
modernistas como, sobretudo, as tendências pós-modernistas tiveram a
este respeito um papel decisivo, pela ruptura e subversão dos códigos
e convenções que permitiram (aos quais não pode deixar de se juntar
a evolução tecnológica, pela facilidade e potencial de manipulação que
trouxe).
Moldura
Quando falamos de dar uma moldura a um filme, estamos naturalmente
a transpor esta definição da pintura de uma forma metafórica. À seme-
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lhança do que acontece na pintura, também no cinema a ideia metafórica

da moldura serve, sobretudo, para delimitar e direccionar a atenção do
espectador para os elementos fundamentais de uma obra. Ainda assim,
havemos de notar que a ideia de moldura assume, quando aplicada ao
cinema, uma muito maior vastidão de formas.
As molduras seriam então modos de enquadrar, facilitando o re-
conhecimento de uma obra e ajudando a dar-lhe sentido. Podem ser
molduras mais convencionais ou mais informes, mas servem, todas elas,
um duplo intuito: contribuir para a disciplina criativa de um autor e
facultar uma interpretação mais precisa de uma obra. No fundo, trata-
se de assegurar algumas premissas morfológicas ao design de um filme.
Temos assim um vasto conjunto de molduras possíveis que passamos a
descrever.
A lista: inventariar é uma prática comum e disseminada entre os hu-
manos, podendo ir da lista aleatória de objectos ou de tarefas às listas
de preferências – os conhecidos tops, através dos quais se hierarquizam
obras ou autores, por exemplo. Não sendo um dispositivo muito propício
à narração, uma vez que não organiza os elementos em função da cau-
salidade, mas sim da contiguidade ou da hierarquia, é contudo bastante
adequado à descrição.
A rede: apesar de se tratar de uma forma de compreensão ances-
tral dos fenómenos e da sua dinâmica, a ideia de rede ganhou em anos
recentes, sobretudo devido à Internet, uma preponderância enorme na
descrição de acontecimentos e processos. Podemos mesmo dizer que,
de algum modo, o cinema reconheceu, também ele, a influência dessa
morfologia, como se vê pelos filmes que procuram apresentar os acon-
tecimentos como uma espécie de rede de acções e agentes unidos por
múltiplas ligações – uma espécie de hipertexto, que as narrativas-puzzle
ou as narrativas-mosaico ilustram.
O inquérito: não sendo comum a sua utilização no cinema narrativo
mais convencional, uma sua variação pode ser encontrada nos chamados
filmes policiais, sobretudo nos denominados whodunnit, em que o detec-
tive procura averiguar as causas e os responsáveis de um determinado
crime. A sua utilização no documentário é mais frequente.
O livro: é possível estabelecer uma série de analogias entre o filme
e o livro na sua organização estrutural. A homologia entre palavras
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e imagens, frases e planos, capítulos e sequências é notória, ainda que

existam diferenças substanciais entre estas duas formas de expressão. Os
romances epistolares, os álbuns de recordações ou os diários são alguns
dos moldes em que as formas literárias e as formas cinematográficas
confluem frequentemente.
O jogo: trata-se de lançar um repto a um espectador, em que os
graus de dificuldade podem ser muito variáveis, de modo a fomentar
ou preservar a sua atenção e interesse. Os puzzles e os enigmas são
óptimas formas de desafiar o espectador. Uma vez que o espectador é
deliberadamente interpelado, ele sentir-se-á também mais envolvido e
participante na obra.
A canção: à música podemos ir buscar modos auxiliares de organi-
zação da matéria fílmica. Basta pensarmos como muitas canções – ou a
ópera, por exemplo – funcionam ou se assumem como moldes narrativos,
temáticos ou estilísticos.
O palco: o próprio cenário torna-se, muitas vezes, uma parte deci-
siva da obra fílmica, seja de um modo mais evidente como sucede nos
épicos ou nos kammerspiel, ou de um modo mais latente e abstracto
como sucede em alguns filmes experimentais. Em todo o caso, pensar
insistentemente o espaço de um filme pode ser decisivo no seu processo
criativo.
A mise-en-abyme: por vezes acontece integrarmos uma obra dentro
de outra obra – por exemplo, quando existe uma citação, quando uma
pintura ou uma peça de teatro surge no filme. Esta presença de uma
obra dentro de outra obra designa-se por mise-en-abyme. O próprio
cinema coloca-se frequentemente a si mesmo como matéria de estudo:
os meta-filmes ou filmes dentro dos filmes são um tema recorrente em
toda a história do cinema. Neste caso, o próprio filme serve de moldura
para outro filme.
Ter uma moldura onde enquadrar uma história poderá ser não ape-
nas um meio para mais facilmente organizar o seu conteúdo, mas igual-
mente para o espectador reconhecer o seu enredo. E, contudo, como
sempre, elas existem mais para serem desafiadas ou subvertidas do que
como preceitos formais imprescindíveis.
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Auto-reflexividade
O cinema, como, aliás, as demais artes, desde sempre se tomou a si
mesmo como objecto de questionamento estético e intelectual. É como
se o cinema precisasse de se investigar a si próprio para se compreender
e definir. Dos sofisticados inquéritos e inquietações de Jean-Luc Godard
ou Peter Greenaway aos mais singelos making-of ou aos documentários
mais didácticos e informativos, uma longa tradição de auto-reflexividade
pode ser constatada na história e na actualidade do cinema.
Este fascínio auto-direccionado quase se torna, em certas circuns-
tâncias, um fetichismo desmedido. No fundo, trata-se aqui de tentar
compreender o cinema ora como um meio ora como um fim. Num caso,
trata-se de compreender o próprio processo criativo e as possibilidades
que esta arte oferece para transmitir ideias extra-cinematográficas. No
outro, trata-se de explorar as potencialidades do cinema em si mesmo,
não escondendo e mesmo, por vezes, sublinhando que estamos perante
um filme, portanto, perante uma obra construída e não perante uma
inofensiva representação da realidade.
Em certa medida, podemos dizer que este tema da auto-reflexividade
do cinema se prende a uma dupla questão: por um lado, a da consciência
do meio, ou seja, a assumpção de que tudo o que vemos no cinema é uma
mediação incontornável; por outro lado, o meio enquanto consciência,
ou seja, uma vontade e uma faculdade de tomar o meio como uma forma
de construção de uma obra, procurando compreender todo o potencial
criativo da sua aparelhagem técnica e do seu património artístico e o
modo como replica a mente criadora do sujeito.
Podemos assim dizer que o cinema se assume, nestes casos, como es-
pelho de si mesmo. Em paralelo com esta estratégia de auto-referência
podemos encontrar uma outra que remete já não para o meio, mas para
o autor que dele se socorre. Estamos aqui a falar dos elementos au-
tobiográficos que, de modo insistente e incisivo nuns casos e de modo
mais pontual e discreto noutros, acabam sempre por perpassar um filme.
Neste aspecto e nestes casos, o cinema será uma forma de auto-retrato
– e não será o processo criativo sempre isso mesmo, de algum modo?
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A Narrativa
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Definição
O termo ‘narrativa’ (que etimologicamente significa conhecer ou dar a
conhecer – do sânscrito gnarus) constitui uma daquelas designações que,
pela sua polissemia, dificilmente se presta a uma definição inequívoca.
Umas vezes é utilizada para designar o próprio acto da narração; outras,
pode remeter para o conteúdo desse acto; é ainda entendida, muitas ve-
zes, como modo do discurso (ao lado da lírica e do drama, categorização
nem sempre estável e clara, proveniente da Antiguidade).
Assim sendo, importa clarificar o modo como aqui entendemos esta
terminologia:
• a narração é o próprio acto de contar uma história;
• a história em si será o conjunto dos acontecimentos narrados;
• o enredo referir-se-á à forma como a história é narrada
Portanto, por narrativa entendemos, sobretudo, o conjunto formado

essencialmente pela história e pelo enredo, ao qual se poderá juntar a
própria narração.
A distinção entre o que se conta e o modo como se conta – funda-
mental para o entendimento dos principais níveis do discurso narrativo
– provém já de Aristóteles, que falava do logos (o assunto ou conteúdo
da narrativa, o que se narra) e do mythos (a intriga ou o enredo, isto
é, a forma como se narra). Esta duplicidade é retomada e reforçada, no
início do século XX, pelos formalistas russos, para quem a fabula é o con-
junto dos acontecimentos cronologicamente apresentados e causalmente
inteligíveis, ou seja, a história, a qual se contrapõe à intriga (sujzet,
na terminologia formalista), que consiste no arranjo ou tratamento dos
acontecimentos. Em certa medida, esta distinção recobre igualmente,
como se constata, a oposição clássica entre conteúdo e forma.
O que se narra e a forma como se narra são, portanto, distintos: cada
um destes aspectos constitui um nível diferente, o da história narrada e
o do discurso através do qual esta é narrada. Um e outro articulam-se
no acto da narração, momento em que submetemos uma certa história
a determinados dispositivos (oralidade, escrita, audiovisual, etc.) que a
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reconfiguram aquando da sua apresentação – é então que surge a nar-

rativa enquanto junção dos dois aspectos: o quê (história) e o como
(enredo).
Apesar desta distinção entre o nível do que se conta e do modo como
se conta ser relativamente consensual e facilmente inteligível, o certo é
que a definição de narrativa habita um campo semântico relativamente
vasto e frequentemente volátil. Daí que encontremos um conjunto alar-
gado de definições que se cruzam, se relacionam, convergem, concorrem,
permutam e mesmo se substituem: narrativa, narração, história, enredo,
intriga, trama, plot, acção, discurso, relato, conto ou diegese são disso
exemplo. No entanto, reiteramos que a distinção entre história e enredo
será a mais determinante – do cruzamento destes dois níveis surge, como
se refere, a narrativa.
Na medida em que foi possível estabelecer e estabilizar (provisori-
amente) a nossa definição, passemos agora à caracterização da narra-
tiva. Ela é uma das formas fundamentais de conhecimento da realidade
humana (de dar a conhecer e de tomar conhecimento, como vimos an-
teriormente), isto é, de tornar a existência inteligível. É a condição
praxeológica da humanidade – o conjunto de agentes e eventos, com as
suas causas e efeitos, propósitos e consequências, motivações e inten-
ções – que dá forma ao devir humano e é este que se torna o objecto da
narrativa. O acto de narrar é, portanto, pertença de todas as épocas e
todas as sociedades. Por narratividade entendemos então o conjunto de
propriedades específicas dos enunciados e textos narrativos. De seguida,
faremos alusão a alguns aspectos que nos poderão ajudar a compreender
e a caracterizá-los.
Começamos desde logo por uma distinção geral que se pode estabe-
lecer em função do modo como a narrativa se relaciona com aquilo que
em semiótica se designa por referente, isto é, com o assunto que aborda
ou com a realidade que apresenta. Podemos assim falar de narrativa
factual e de narrativa ficcional. Ainda que se trate de uma distinção
problemática e de fronteiras nem sempre evidentes, podemos dizer que
um certo tom ou um certo propósito surgem constantemente a classifi-
car uma narrativa dentro de uma ou outra daquelas categorias, através
de mecanismos de identificação estilística e temática. Não nos ocupare-
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mos aqui com a devida profundidade desta questão. A sua enunciação

serve, porém, para referir que tanto o tom como o propósito de uma
obra podem, por um lado, aproximá-la mais de uma estratégia factual,
tendo como referente um facto histórico ou social e uma abordagem que
tende para a objectividade, como, por outro lado, aproximá-la de uma
estratégia ficcional, construindo os seus referentes no interior do próprio
discurso e das suas inesgotáveis possibilidades inventivas.
Assumindo que a narrativa cinematográfica se vincula geralmente a
um registo ficcional, ela aposta frequentemente no artifício deliberado
para conseguir os seus objectivos. Queremos com isto dizer que todo o
engenho é colocado ao serviço de um propósito de sedução e de invenção:
estimular, aumentar, suspender ou satisfazer a curiosidade e o interesse
do espectador é o seu desígnio fundamental. Daí que tanto a ideia de
enredo como a de intriga sejam decisivas: enredar, intrigar ou tramar
o espectador são operações que nos dão bem a dimensão de construção
estratégica inerente à ficção narrativa, como se o autor (ou a sua figura
textual, o narrador) não fizesse mais do que conspirar para manter o
espectador emocionado com as personagens, embrenhado no mistério
dos acontecimentos, inquieto na dúvida do seu desenrolar e, idealmente,
espantado com a surpresa da sua revelação e desfecho final.
Contudo, como bem o comprovam momentos e movimentos funda-
mentais da história do cinema, não devemos deixar de referir que muito
frequentemente a ficção cinematográfica se socorre de sinais estilísticos
ou de pressupostos temáticos que a aproximam de um registo documen-
tal, realista, naturalista – do cinema neo-realista ao cinema indepen-
dente, passando pela nouvelle vague, podemos disso mesmo encontrar
múltiplos exemplos.
Estereotipada ou inédita, factual ou ficcional, toda a narrativa con-

tém uma propriedade fundamental: a transformação dos aconteci-
mentos entre um estado inicial de coisas e um outro final. Esquemati-
camente, podemos descrever a dinâmica e o arco narrativo do seguinte
modo: há um estado de equilíbrio, segue-se uma perturbação desse equi-
líbrio que origina uma complicação ou conflito, dando-se depois a pro-
cura de uma resolução desse conflito, e, por fim, o regresso a um estado
de equilíbrio. É possível, portanto, identificar todo o processo narrativo
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através das noções de semelhança e diferença – podemos dizer que numa

narrativa nada volta a ser como dantes, mesmo se por vezes tudo parece
mudar para ficar na mesma.
Existe, portanto, um percurso que é cumprido enquanto transfor-
mação de um estado num outro. A amplitude dessa transformação é,
naturalmente, variável e pode ir de um simples gesto ou comportamento
ao conjunto da evolução humana ou cósmica. O equilíbrio inicial e o
equilíbrio final, apesar de semelhantes, comportam uma alteração mais
ou menos acentuada: em grande parte, é na medida em que acreditamos
que essa mudança é significativa – ou seja, que a gravidade do conflito
é relevante – que valorizamos uma história.
Importa notar também que toda a narrativa comporta uma certa

temporalidade: quer os acontecimentos narrados (a história) quer o
processo narrativo (o discurso) se dão no tempo. A temporalidade é,
portanto, quer no que respeita à história (o que se conta) quer ao enredo
(o modo como se conta), um aspecto fundamental.
São as formas diversas como estes dois níveis se relacionam que dão
origem à pluralidade das estruturas narrativas. A ordem (recurso a
analepses e prolepses), a frequência (quantas vezes é narrado um mesmo
evento numa história) e a duração (respeito ou manipulação do tempo
real da acção) são parâmetros que permitem trabalhar temporalmente
uma narrativa.
Por outro lado, importa referir que, geralmente, entendemos a nar-
rativa como um conjunto de eventos interligados que se dirigem para um
desenlace, isto é, que culminam no desfecho. Assim, os eventos seriam
as unidades mínimas da narrativa. Podemos ver um evento como um
processo (seja uma cena ou uma sequência de uma história) que com-
porta um estado de equilíbrio, uma complicação e uma resolução, no
qual participam um agente e um paciente, e que decorre no tempo. No
fundo, o evento é uma pequena narrativa. O encadeamento dos even-
tos dá origem à história e esta é trabalhada através do enredo (arranjo
do conjunto de eventos, tendo em conta as suas causas e efeitos, mas
sobretudo a ordem e a perspectiva como são apresentados).
Nem todos os eventos de uma história, ou seja, nem todas as uni-
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dades mínimas, possuem a mesma importância narrativa: há eventos

que podem ser suprimidos sem afectar o entendimento lógico da narra-
tiva (é por isso que podemos resumir uma história). Trata-se, aqui, dos
episódios, isto é, dos acontecimentos que não provocam alterações sig-
nificativas na causalidade e inteligibilidade da história. Os eventos
cuja supressão afecta esse entendimento são as denominadas peripécias
– este tipo de eventos constitui os núcleos narrativos fundamentais, os
quais não podem ser suprimidos sem colocar em risco a inteligibilidade
da história, precisamente na medida em que eles significam uma alte-
ração substancial na causalidade dos acontecimentos. Daí que sejam
fundamentais para ligar causas e efeitos.
Inteligibilidade e causalidade estão, portanto, absolutamente interli-
gadas: é na medida em que compreendemos causas e efeitos que podemos
entender uma narrativa. A unidade mínima de uma história pode ser
descrita numa frase. Existe, portanto, uma homologia entre as caracte-
rísticas da língua e as características da narrativa. Na frase, há duas uni-
dades inferiores que correspondem às partes fundamentais do discurso:
os nomes (que designam o sujeito) e os verbos (que correspondem ao
predicado), os quais nos permitem descrever uma acção. Os verbos pos-
suem uma característica semântica comum: designam uma acção, um
processo de modificação de uma situação, ou seja, uma transformação
segundo uma lógica de causa e efeito provocada pela intervenção de um
agente.
Essas unidades mínimas, as frases (ou, no cinema, os planos), po-
dem integrar-se em enredos de complexidade crescente. Assim, torna-se
evidente a pluralidade de formas, modelos ou estruturas narrativas. E
assim se constata também que não há uma narrativa-modelo primitiva,
natural, ancestral, arquetípica ou fundadora e que toda a narrativa é
uma escolha e uma construção – não uma mera série de acontecimen-
tos sucessivos, mas uma organização discursiva dos mesmos. Ou seja:
uma narrativa é um conjunto de unidades mínimas (os eventos) que se
integram num todo, segundo diversas formas, e onde a causalidade dos
acontecimentos assegura a inteligibilidade do relato.
A dinâmica é um dos aspectos fundamentais da narrativa. Existe

um movimento em toda a narrativa, seja ele mais acentuado ou mais
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discreto: as coisas movem-se, entre o início e o fim. A dinâmica que

aqui nos interessa é tanto emocional como intelectual. E resulta da
forma como a galeria de personagens, o conjunto de situações ou o leque
de temas de uma narrativa são inter-relacionados. A dinâmica de uma
narrativa poderá, e eventualmente deverá, apresentar algumas caracte-
rísticas essenciais: um desafio, ou seja, uma questão em forma de repto
que estimule a participação intelectual por parte do espectador; um en-
volvimento, que faça o espectador tomar partido e julgar as atitudes,
decisões e motivos das personagens; uma gratificação, que retribua ao
espectador o seu esforço hermenêutico ou a sua adesão afectiva.
De algum modo, podemos abstrair algumas características dessa di-
nâmica narrativa num conjunto de processos e momentos que hão-de
ajudar a dar sentido, propósito e harmonia à narrativa.
Num primeiro momento, a toda a narrativa convém a criação de um
grau mínimo de mistério. É aí que o espectador se prenderá à narrativa.
Daí resultará uma (maior ou menor) angústia derivada da incerteza
sobre o que vai acontecer em seguida. Ele quererá saber mais acerca
dos acontecimentos. Necessariamente, o nível de mistério diverge muito
de género para género, sendo que o designado whodunit, ou narrativa de
mistério, tende a valorizar ao máximo esta característica da narrativa.
Num segundo momento, o mistério originará a dúvida. Esta dúvida
sobre o decurso dos acontecimentos deve ser instaurada, preservada e
aumentada. Como prossegue e como acaba uma história – estas são
as inquietações fundamentais. Eventualmente, a angústia da incerteza
começará a ser substituída pela celeridade da ansiedade, ou seja, por
um desejo de que as respostas sejam rapidamente dadas.
Num terceiro momento, esta ansiedade deverá culminar num alívio
da tensão que se foi acumulando e adensando. É então que a história
se encaminha para o desfecho, onde se conclui. A angústia e o mistério,
a dúvida e a ansiedade cessam. Idealmente, a história conclui-se de
uma forma surpreendente, mesmo se a probabilidade de um determinado
desfecho (a vitória do herói sobre o vilão, a reconciliação de um casal
desavindo, etc.) é frequentemente antecipada pelo espectador.
As operações que acabamos de descrever aplicam-se sobretudo à nar-
rativa classicamente organizada, com um princípio, um meio e um fim
muito claros. A ordem em que estas partes se apresentam pode, con-
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tudo, ser variada. Na antiguidade clássica, o dispositivo do in media

res, ou seja, do começo da narrativa a meio dos acontecimentos, deno-
tava já a elasticidade com que uma narrativa pode fazer um relato dos
acontecimentos. Em tempos mais recentes, esta operação tornar-se-ia
uma das marcas narrativas de um género cinematográfico clássico, o film
noir, através do flashback que, no fundo, lhe corresponde.
Se o dispositivo do flashback demonstra a elasticidade da narrativa,
sobretudo no que respeita ao seu início, não nos devemos esquecer que o
momento fundamental de uma narrativa tenderá a ser o seu final, bem
como o final de cada parte da narrativa. Um relato pode concluir em
qualquer momento, sendo mais fechado ou mais aberto, mais surpreen-
dente ou mais intrigante. Nas ‘Mil e uma noites’ podemos encontrar
um dos exemplos paradigmáticos da relevância do desfecho de uma nar-
rativa: através da suspensão da narrativa no momento certo, Xerazade
consegue adiar, a cada noite, a morte a que está condenada, incutindo
no vizir a vontade de saber mais sobre a história que lhe é contada no
dia seguinte. Em tempos recentes, o cinema, bem como a ficção televi-
siva, têm reiterado a importância desta suspensão da curiosidade, com
aquilo que se designa por cliffhanger.
Se o cliffhanger e o flashback são procedimentos que a narrativa
clássica dominante adoptou para si própria, entrando no seu conjunto
de códigos e convenções e garantindo desse modo a inteligibilidade da
mesma, a verdade é que a narrativa ao longo dos tempos foi minando
as suas convenções de modo mais ou menos deliberado – das ousadias
formais de Laurence Sterne em “A Vida e Opiniões de Tristam Shandy” à
corrente de consciência como técnica narrativa, que podemos encontrar
nesse extraordinário edifício de experimentação que é “Ulisses”, de James
Joyce, passando pelas rupturas e delírios do cinema experimental ou da
nouvelle vague, são múltiplos os exemplos de uma narrativa e de uma
narração em constante transgressão dos seus limites e convenções.
Teoria
A teorização acerca da narrativa possui uma extensa e variada história,
nem sempre pacífica e constantemente inconclusiva. Desde a antigui-
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dade até ao presente é extensíssimo, naturalmente, o conjunto de obras

que tocaram estes temas. Aqui apresentaremos, de forma muito breve,
alguns dos contributos teóricos mais relevantes para o estudo da narra-
tiva.
A “Poética”, de Artistóteles, é consensualmente aceite como a obra
fundadora dos estudos da narrativa e dos géneros literários em geral.
Aqui salientaremos alguns dos conceitos fundamentais do seu pensa-
mento: totalidade, necessidade, peripécia e episódio.
Na narrativa, as acções são submetidas a uma selecção e combinação
(operações fundamentais para o design do enredo), de modo que pode-
mos identificar quer unidades mínimas (os eventos) quer uma unidade
global, um todo (o enredo). Podemos avaliar uma obra como um todo
se entendermos que a dimensão da mesma deve permitir uma percepção
do conjunto a partir de qualquer uma das suas partes, ou seja, se puder-
mos perceber o seu princípio e o seu fim (como supomos que começou
e como prevemos que acabará). Daí que a divisão em princípio, meio e
fim seja um dos axiomas da narrativa segundo Aristóteles.
Uma vez que as acções de uma história não possuem todas, como
vimos, a mesma importância, ela pode ser sempre resumida, mantendo-
se, contudo, como um todo. Nesse resumo, o que fazemos é inventariar
e conectar os seus eventos fundamentais, ou seja, identificar e ligar os
acontecimentos necessários e/ou suficientes para o seu entendimento e
valorização, sem perda da percepção da sua globalidade. Assim, ainda
que o conceito de totalidade se revele flexível e possa variar em termos
de extensão, ele mantém sempre uma organicidade clara, isto é, uma
integração das partes num todo, numa unidade. Esta ligação entre as
partes ou entre os eventos obedece a uma lógica de necessidade, ou seja,
de relações de causa e efeito inteligíveis.
Esses eventos, que constituem uma história, são divididos por Aris-
tóteles em dois tipos: os episódios, que constituem uma unidade em
si mesma, fechando-se enquanto um todo narrativo e orientando-se por
uma lógica de sucessão e de previsibilidade; as peripécias, que consti-
tuem os mais relevantes dos eventos, pela imprevisibilidade que introdu-
zem no rumo da história, já que invertem ou alteram significativamente
o sentido do seu decurso (transformando a fortuna em infortúnio, como
refere Aristóteles).
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Um conceito igualmente importante na análise da narrativa é o de

diegese. Na origem (do grego diègèsis, que significa narrativa), a diegese
opõe-se, de algum modo, à mimesis (que se pode traduzir por imita-
ção). Segundo Platão, que com estes termos se referia especificamente
ao teatro – devemos referir que estes conceitos foram, contudo, progres-
sivamente transpostos para a análise de outros meios e formatos como
a literatura ou o cinema –, a distinção entre estas formas do discurso
consistia no seguinte: na diegese, a história é contada por um narrador,
ao passo que na mimese a voz é dada às próprias personagens. Ainda
que o cinema combine ambos os modos (a imitação e a narração), dare-
mos aqui, contudo, especial atenção ao conceito de diegese pela ligação
estreita que estabelece com os procedimentos narrativos.
A ideia de diegese pode assumir dois sentidos distintos: ou desig-
nar o universo dos acontecimentos representados; ou designar o próprio
processo da narração. Por uma questão de clarificação terminológica, a
definição que adoptaremos aqui é a primeira, aquela em que a diegese
se refere ao conjunto de acontecimentos que formam a história, ou seja,
ao universo diegético propriamente dito. Aplicamos o termo diegético,
portanto, a tudo o que tem a ver com o mundo da história.
Tendo em conta as considerações de Platão, podemos dizer que o
processo de mediação que todo o texto narrativo implica se torna mais
evidente na diegese, isto é, quando uma figura ou instância (o narra-
dor) se torna presente, do que na mimese, em que os acontecimentos são
apresentados segundo uma presumida transparência (mesmo se, inevita-
velmente, alguma instância narrativa, um narrador, estará também aqui
presente). A narrativa cinematográfica tende, na sua formulação mais
comum, a privilegiar o princípio da transparência, apesar de, frequen-
temente, um narrador se apresentar explicitamente como mediador do
relato (por exemplo através da voz off na primeira pessoa). O processo
narrativo significa sempre, portanto, um certo grau de distanciamento
assumido pelo narrador em relação aos acontecimentos que são objecto
do relato, seja de maior neutralidade ou de maior implicação (se, por
exemplo, participa ou não na acção, é mais sumário ou mais exaustivo,
mais impassível ou mais intrusivo).
No início do século XX, a União Soviética revelou-se um lugar de
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intensa reflexão e teorização acerca das artes em geral e também da nar-

rativa. O contributo dos formalistas russos para o estudo da narrativa
tornou-se ao longo das décadas seguintes absolutamente fundamental,
influenciando sobretudo os estruturalistas dos anos 1960. Da grande
diversidade de nomes que integraram este movimento, destacamos aqui
três dos mais importantes.
Um dos autores que reflectiu acerca das questões da narrativa foi
Victor Shklovsky. Em 1921, num texto de análise da obra de Laurence
Sterne, “A Vida e Opiniões de Tristam Shandy”, afirmava ele que “a ideia
de enredo é frequentemente confundida com a descrição de eventos – com
aquilo que provisoriamente proponho designar por história. A história
é, de facto, apenas material para a formulação do enredo”. Por aqui se
nota, desde logo, a preocupação em distinguir entre os acontecimentos
e a narrativa a que são submetidos.
De Shklovsky devemos ainda sublinhar o conceito de estranheza (‘os-
tranenie’) que, a nosso ver, ajuda a explicar muitas das transgressões
narrativas que acabariam por marcar o cinema mais experimental bem
como muito do cinema de autor, e que consiste em retirar elementos
de uma obra do seu contexto original, enxertando-os numa nova obra.
De Eisentein a Godard, podemos ver frequentemente esta operação em
funcionamento.
Mas as questões mais imediatas do enredo e da história foram igual-
mente abordadas por Boris Tomashevsky. Referia este estudioso que “a
história requer não apenas indicações de tempo, mas também indicações
de causalidade”. Estas duas características da narrativa são incontorná-
veis. E acrescenta: “o enredo é diferente da história. Ambos incluem
os mesmos eventos, mas no enredo os eventos são arranjados e ligados
de acordo com a ordem em que surgirão na obra”. Assim, se a história
pode resultar de uma simples observação de acontecimentos, “o enredo”,
por seu lado, “é integralmente uma criação artística”. Por aqui podemos
constatar que mais importante do que o que se conta, é a forma como
se conta que faz toda a diferença – deste modo se compreende um dos
motivos porque uma mesma história tanto pode originar um bom como
um mau filme.
De entre os formalistas russos, Vladimir Propp acabaria por se afir-
mar como o mais decisivo teórico da narrativa, sobretudo com a obra
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de referência “Morfologia do Conto”. É neste estudo de 1928 que a

ideia de estrutura narrativa se impõe como fundamental e imprescindí-
vel para a compreensão da organização e da dinâmica narrativas. Propp
revelar-se-ia então como o principal precursor dos estruturalistas. Na
obra referida, ele propõe-se fazer uma morfologia do conto, isto é, “uma
descrição dos contos segundo as suas partes constitutivas, as relações
destas partes entre si e com o conjunto”. Conclui então, ao analisar um
vasto conjunto de contos, que as personagens mudam muito, mas que
se mantêm as acções (que ele chama funções). Diz ele que as primeiras
são muito numerosas, ao passo que as segundas são em número limi-
tado. E salienta, por outro lado, que a sucessão das funções é sempre
idêntica. “Todos os contos maravilhosos pertencem ao mesmo tipo no
que respeita à estrutura”, afirma. As constantes da estrutura narrativa
estavam, assim, determinadas e atestadas.
De alguma forma, podemos ver os estruturalistas como herdeiros

dos formalistas russos do início do século, prosseguindo e aprofundando
os seus esforços de abstracção nos estudos da narrativa e a identificação
dos seus princípios fundamentais.
Nos anos 1960, A. J. Greimas e Claude Bremond contribuem, cada
um a seu modo, para um exaustivo e aprofundado estudo das estruturas
narrativas. O primeiro legou-nos o seu modelo actancial que integrava,
numa série de eixos, categorias como o sujeito e o objecto, o adjuvante
e o oponente, o destinador e o destinatário. Um exemplo de aplicação
prática: um herói que salva a cidade a pedido do rei, recorrendo a
um objecto poderoso que teve que procurar com a ajuda de alguns
companheiros, enfrentando uma série de obstáculos e adversários.
O segundo legou-nos um esquema mínimo para a compreensão de
qualquer acção. Para Bremond, uma acção existe enquanto virtualidade.
Por exemplo, uma tarefa que deve ser cumprida; essa acção pode ou não
ser actualizada – a tarefa é levada a cabo ou não. Caso seja actualizada
ela pode ser completada ou não – neste nível joga-se o acabamento ou
não da acção, ou seja, o sucesso ou insucesso de um desempenho.
Outro autor fundamental para a compreensão da narrativa na sua
dimensão estrutural é Tzvetan Todorov. Segundo este autor, “uma nar-
rativa ideal começa por uma situação estável que uma determinada força
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vem perturbar. Daí resulta um estado de desequilíbrio; pela acção de

uma força dirigida em sentido inverso, o equilíbrio é restabelecido; o se-
gundo estado de equilíbrio é semelhante ao primeiro, mas nunca igual”.
Por aqui se percebe, desde logo, que existe um aspecto fundamental
na narrativa: a transformação. No seu texto “Princípios da narrativa”,
ele refere que “toda a mudança constitui um novo elo da narrativa” e
estabelece a transformação como um dos princípios desta.
A transformação enquanto princípio da narrativa é igualmente o ob-
jecto do esquema quinário proposto por Paul Larivaille, no seu estudo
“L'Analyse morphologique du récit”, publicado na revista Poétique, em
1974. Tal esquema dividia a sequência narrativa em: situação inicial,
complicação, acção, resolução e situação final. Tanto o esquema de La-
rivaille como o modelo de narrativa proposto por Todorov permitem-nos
deslindar não apenas semelhanças com a estrutura dos três actos que
Syd Field propõe na sua obra “Screenwriting”, como recupera o cânone
que Aristóteles houvera já enunciado na sua “Poética”: princípio, meio
e fim.
Roland Barthes, por fim, resume todo o programa estruturalista
que, segundo ele, consiste em reunir e analisar um corpus de narrativas
para extrair delas uma estrutura, uma gramática, com a qual todas as
narrativas se confrontem. Assim, Barthes propõe a análise estrutural
como uma alternativa à análise textual. Diz ele que a análise estrutural
da narrativa não se preocupa com um texto, mas com todos os textos.
E. M. Foster, ensaista inglês, retomava em 1963, na sua obra “As-
pects of the novel”, a diferença entre história e enredo. Na sua pers-
pectiva, “uma história é uma narrativa de eventos organizados na sua
sequência temporal”. Por seu lado, “um enredo é uma narrativa de even-
tos organizados em função da sua causalidade”. O seu exemplo de uma
história é: o rei morre e depois morre a rainha. O seu exemplo de um
enredo: o rei morre e depois a rainha morre de desgosto. Assim, ele
sintetiza de forma muito clara as questões que nos colocamos em cada
caso. Numa história dizemos: E depois? Num enredo perguntamos:
porquê? Idealmente, uma narrativa conciliará estas duas inquietações.
Em 1984, Peter Brooks adicionou mais nuances à clássica ideia de
enredo na sua obra “Reading for the plot”. Segundo este autor, o “enredo
é a lógica e a dinâmica da narrativa. A própria narrativa é uma forma
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de explanação e de compreensão”. Assim, “os enredos não são apenas

estruturas organizativas; são também estruturas intencionais, teleolo-
gicamente orientadas e progressivas”. Enredar seria então trabalhar o
aspecto dinâmico da narrativa, integrando nesta a própria dinâmica da
memória (que sustenta a inteligibilidade, diríamos nós) e do desejo (que
sustenta a curiosidade).
Em 1985, Mieke Bal publicava uma obra de análise narrativa justa-
mente intitulada “Narratologia”, na qual as questões ancestrais relacio-
nadas com o modo de contar uma história são igualmente abordadas.
Para Bal, “um texto narrativo é um texto no qual um agente relata uma
narrativa. Uma história é uma fábula apresentada de uma certa maneira.
Uma fábula é uma série de eventos ligados lógica e cronologicamente”.
Como se pode notar, existe uma tríade conceptual que recorrentemente
é relançada, em perspectivas mais ou menos convergentes e com aborda-
gens mais ou menos minuciosas: neste caso, narrativa, história e fábula.
Os estudos da narrativa baseados disciplinarmente no cognitivismo
propõem uma abordagem substancialmente distinta. Na sua obra “Nar-
ration in fiction and film”, de 1985, David Bordwell destaca o trabalho
desenvolvido pelo espectador a partir de um conjunto de ‘dicas’ que lhe
sugerem ou exigem um leque de operações que ele deve realizar. Par-
tindo do princípio que o espectador procura num momento primeiro e
fundamental a inteligibilidade da história, Bordwell defende que ele usa
esquemas e executa operações diversas: infere, supõe, ordena, antecipa
e revê, procurando através de laços de causalidade um sentido e uma
unidade narrativos. A participação do espectador é, então, múltipla
e insistente: ele preenche, extrapola, ajusta, sumariza os acontecimen-
tos. Faz assumpções e coloca hipóteses, de diverso alcance. A isso é
convidado pelos efeitos de retardamento, inversão ou engano com que a
narrativa é trabalhada. Segundo Bordwell, “a arte narrativa explora sem
escrúpulos a natureza probabilística da actividade mental”. A grande
virtude desta perspectiva teórica advém naturalmente da minúcia com
que discrimina as diversas operações do espectador.
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Clássica/moderna/contemporânea
Apesar da arbitrariedade que qualquer delimitação histórica ou tipoló-
gica implica, propomos aqui uma divisão da narrativa cinematográfica
em três momentos: clássica, moderna e contemporânea, sendo que um
conjunto de ligações, sobreposições e mesmo contradições pode ser en-
contrado no interior de cada período ou na linha que os entrelaça.
Apesar de reconhecermos a existência de um molde narrativo clara-
mente dominante na história do cinema, cujo apogeu se poderá encon-
trar no período clássico do cinema americano, entre os anos 1930 e 1950,
facilmente verificamos que, em paralelo ou em conflito com este, mui-
tas outras abordagens foram sendo experimentadas ao longo do tempo.
Faremos de seguida uma caracterização relativamente detalhada da es-
trutura narrativa clássica e procederemos depois à caracterização de
algumas das variações com que esta se foi confrontando, foi confrontada
ou se confronta.
A acção, aquilo que acontece, possui uma importância determinante
na narrativa, uma vez que uma história se constrói, habitualmente, em
função das acções efectuadas por um protagonista no sentido de atingir
um determinado objectivo, ou seja, genericamente, da resolução de um
problema. Assim sendo, há alguém (o protagonista) que age com vista
à prossecução de um fim, um propósito. Neste modelo de narrativa, que
podemos chamar de narrativa clássica, e na qual assenta grande parte
do cinema de ficção, está sempre implícita uma teleologia (um objectivo
perseguido) que origina um desenlace (um fecho da história). A acção,
ou história, é entendida como uma totalidade composta por diversos
eventos interligados de uma forma causal, sendo que esta causalidade
atribui coerência ao decurso dos acontecimentos e permite encontrar no
momento do desfecho a resposta a todas as questões.
Um dos ensinamentos fundamentais da competência narrativa, refe-
rido já por Aristóteles na “Poética”, consiste na reivindicação dos atri-
butos de unidade e totalidade para a acção narrada. As suas diversas
partes constituem um todo, uma peça única. Essa totalidade é assegu-
rada pela existência de um princípio, um meio e um fim que se ligam de
uma forma consequente. Cada uma destas partes constitui aquilo que
se designa por um acto. Assim, podemos dizer que a estrutura narra-
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tiva clássica se divide em três actos, cada um dos quais, por seu lado,
possui um princípio, um meio e um fim, bem como propósitos formal e
funcionalmente bem precisos.
Embora o nome de cada um desses actos possa variar, a organização
da história é geralmente a seguinte: o primeiro acto constitui a exposi-
ção, muitas vezes também designada por introdução ou preparação da
acção; no segundo acto dá-se o desenvolvimento da acção – este acto
pode ser também designado por conflito ou complicação; por fim, o ter-
ceiro acto consiste na resolução, desfecho ou desenlace e é o momento
em que a história se conclui. A passagem entre cada um destes actos é
feita através de uma peripécia relevante, também chamada plot point.
A peripécia no fim do primeiro acto e a peripécia no fim do segundo
acto acabam por se espelhar e reverter, estando, por isso, intimamente
ligadas e constituindo os pilares da narrativa. Existe, portanto, uma
progressão, um crescendo e um desfecho que orientam toda a narrativa.
Designamos este molde formal por estrutura dos três actos, a mais con-
vencional forma de relato narrativo cinematográfico. Cada um destes
actos é caracterizado em seguida de modo resumido.
O primeiro acto permite criar e apresentar o contexto da história.
É nesta parte que o guionista apresenta as circunstâncias de espaço e
tempo dos acontecimentos, e caracteriza o protagonista e as suas relações
com as demais personagens. No fundo, toda a situação de equilíbrio
inicial é descrita. É neste momento que se estabelece o tom geral do
filme e se indica o objectivo do protagonista, o qual é uma consequência
do incidente perturbador que vem romper o equilíbrio vigente e originar
o conflito. De alguma forma, podemos designar esta parte como um
prólogo da história, uma introdução.
Quer dramática quer estilisticamente, estas sequências iniciais são
importantes para convencer não só o público do interesse do filme, mas
também os possíveis produtores. Assim, deve ter-se cuidado com a pri-
meira impressão que se dá, pois esta, como em tudo, tem tendência a
marcar e permanecer. Deste modo, deve procurar-se, desde logo, cativar
a atenção e o interesse do espectador. Por isso, frequentemente, e uma
vez que a descrição tende a predominar nesta parte, recorre-se a uma
peripécia, um acontecimento invulgar, espectacular ou intrigante apre-
sentado logo no início da história para despertar o interesse e prender
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a atenção do espectador de modo imediato. Em terminologia anglófona

este evento é designado por hook.
Nesta primeira parte, deve também despertar-se no espectador a
vontade de saber mais. Daí que exista informação que pode e deve ser
ocultada (de modo a criar mistério, incerteza ou expectativa), com a
ressalva, no entanto, de que ela venha a ser fornecida quando se revelar
necessária, e outra que deve ser necessariamente facultada – o tipo de
história e a forma do enredo determinarão o que se revela e o que se
esconde.
A caracterização das personagens é outro dos aspectos a ter em conta
neste primeiro acto. Por um lado, é de toda a conveniência para a
inteligibilidade da narrativa saber sobre quem é a história e o que se
pretende de cada personagem. Por outro lado, a caracterização das
personagens pode ou deve levar-nos, desde o início, a tomar uma posição
em relação às mesmas – seja de empatia, de antipatia ou de simpatia –
mesmo que essa posição venha a modificar-se no futuro. É em função do
juízo que fazemos das personagens que interpretaremos os seus motivos,
intenções, decisões, propósitos e atitudes ao longo da narrativa.
Estruturalmente, este primeiro acto finaliza com uma alteração na
direcção da história através de uma peripécia (como chamava Aristó-
teles, também conhecida por plot point), um evento mais ou menos
inesperado que contraria as expectativas e surpreende o protagonista.
Este momento de inflexão indica qual o assunto principal da história,
lança as questões fundamentais que serão respondidas no final da mesma
e leva o protagonista a dar o primeiro passo para atingir os seus objec-
tivos. É aqui que, podemos dizer, verdadeiramente a história começa.
Esta peripécia abre um vasto leque de possibilidades para o decurso
posterior dos acontecimentos, tornando este decurso, de algum modo,
misterioso. Ao despoletar o conflito e ao incitar o protagonista à acção,
este evento determinará o nível de tensão dramática do segundo acto.
É, de algum modo, o momento em que as dificuldades verdadeiramente
começam e em que algo é colocado em risco para o protagonista. (Nas
longas-metragens, este primeiro acto ocupa cerca de 30 páginas.)
O segundo acto, como referimos, corresponde ao conflito ou confron-
tação. É a fase em que o protagonista enfrenta obstáculos sucessivos
(colocados sobretudo pelo antagonista) que o impedem de atingir o seu
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objectivo, de suprir a sua necessidade. É nesta parte que a persona-

gem vive a maior parte do conflito – não nos devemos, pois, esquecer
que sem conflito não existe personagem, e sem personagem não existe
acção; sem acção não há história, digamos assim. Durante este acto, a
situação do protagonista complica-se (daí que esta parte seja igualmente
conhecida por complicação), este leva a acção ao extremo e acabará por
se encontrar num momento de aparente fatalidade, em que o êxito pa-
rece impossível, em que o risco do insucesso se manifesta de forma mais
evidente – podemos chamar esta peripécia de momento de crise.
O segredo deste acto está em manter uma progressão dramática cres-
cente, a qual se prolongará até ao clímax, no terceiro acto, perto do final
do filme. É a parte da narrativa de maior duração e de grande importân-
cia, uma vez que a curiosidade sobre o que vai acontecer a seguir deve
ser constantemente renovada mediante a ocorrência de peripécias ines-
peradas. Os obstáculos devem crescer à medida que o enredo progride
– se a parte mais importante e excitante ocorre extemporaneamente,
todo o resto da história se desenrola como um anti-clímax, ou seja, com
expectativas e tensão cada vez mais reduzidas para o espectador. A
eliminação de obstáculos com um grau de dificuldade crescente asse-
gura uma escalada de tensão dramática – daí que a superação de uma
adversidade possa conduzir a um obstáculo ainda maior.
Por outro lado, em cada obstáculo deve existir a dúvida sobre se
o protagonista será bem ou mal sucedido, uma vez que as dificuldades
do protagonista são os momentos decisivos em que a história avança,
criando-se desse modo aquilo que, geralmente, se designa por momentos
de suspense. Neles, existem forças que se opõem: alguém procura atingir
algo, alguém se opõe, dá-se uma luta. A confrontação implica, natural-
mente, objectivos incompatíveis, polaridades dificilmente conciliáveis.
O momento de maior confronto e tensão neste acto será o momento de
crise, em que a fatalidade da derrota parece irremediável.
Neste acto, ao lado do enredo principal podem desenvolver-se en-
redos secundários, com conflitos específicos, vividos por personagens
secundárias, os quais se devem, contudo, relacionar e integrar na linha
central da acção. Como em todo o filme, nesta parte deve ter-se uma
percepção orgânica da história: cada acção deve ligar-se logicamente
com as que a precederam e as que lhe sucedem.
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O segundo acto serve também para conduzir a trama para o cha-

mado “momento da verdade” (o clímax que encerra a história, no fim
do terceiro acto), para preparar esse momento em que se saberá se o
protagonista é bem ou mal sucedido no seu propósito. Tal consegue-se
através, no final deste segundo acto, de uma peripécia que redirecciona
a história, encaminhando-a para o desfecho, isto é, indiciando o modo
como a história se resolverá – ou seja, como se vai decidir o conflito. De-
pois de uma mais ou menos vasta e longa superação de obstáculos, esta
peripécia começa, de certa maneira, a estreitar o leque de possibilidades
para o desenrolar posterior dos acontecimentos, aproximando o prota-
gonista do rumo adequado aos seus objectivos. (Numa longa-metragem,
este acto possui aproximadamente 60 páginas.)
E chegamos ao terceiro acto. Se a peripécia no fim do primeiro acto
abre possibilidades múltiplas para o decurso da história, e se a peripécia
no fim do segundo estreita essas mesmas possibilidades, a peripécia final,
o clímax, encerra – por princípio – essas mesmas possibilidades, dando
um final concreto à progressão dos acontecimentos.
É, portanto, nesta parte que acontece a decisão do conflito: o pro-
tagonista, no momento do clímax, o momento mais aguardado pelo es-
pectador, é bem ou mal sucedido quanto ao seu objectivo. O clímax é
fundamental em dois sentidos: na medida em que culmina toda a tensão
dramática acumulada ao longo da história, ele é vivido pelo espectador
com grande intensidade afectiva; simultaneamente, na medida em que
responde às questões fundamentais que acompanham o espectador desde
o primeiro acto, ele surge como uma espécie de chave cognitiva e inter-
pretativa.
O clímax é, portanto, o confronto final das diversas forças e per-
sonagens em oposição; por isso é especialmente antecipado e desejado
pelo espectador. Daí que deva ser objecto de especial investimento por
parte do guionista – trata-se do grande final, e uma narrativa é muitas
vezes avaliada pelo modo como acaba; podemos mesmo dizer que sem
um bom final, não existe uma boa história.
A seguir ao clímax, há uma situação de equilíbrio que é restabele-
cida: trata-se do epílogo. De certa forma, este consiste no retorno a
uma situação de harmonia semelhante àquela de que se partiu no iní-
cio da narrativa, ainda que as circunstâncias se tenham alterado. O
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epílogo é um momento de distensão emocional que sucede a um clímax

intenso. Quando a questão sobre o sucesso ou insucesso do protagonista
é respondida, o filme, digamos assim, acaba; por isso, o epílogo deve
ser rápido, uma vez que a sua intensidade dramática é inferior à do
clímax, não conseguindo, desse modo, aguentar o interesse na história
durante muito tempo. (Numa longa-metragem este acto possui cerca de
30 páginas e situa-se entre a pág. 90 e o fim do guião.)
Em relação à estrutura narrativa clássica aqui apresentada, importa
fazer algumas considerações quer de conteúdo quer de estilo. Em pri-
meiro lugar, deve saber-se desde o início do processo criativo qual o
final que vai existir, pois este vai influenciar a direcção da acção e a
intensidade do conflito. Esse final pode ser fechado, fornecendo todas
as respostas às questões que se foram colocando ao longo da narrativa
em função de um objectivo claramente enunciado, ou aberto, deixando
certas perguntas sem resposta e diferentes possibilidades de interpreta-
ção, permitindo uma espécie de progressão indefinida da história, sem,
contudo, sacrificar a inteligibilidade da mesma.
Por outro lado, podemos dizer que há narrativas nas quais o final e
o início de certo modo coincidem, começando e acabando num mesmo
elemento: lugar, personagem, objecto, etc. De qualquer forma, mesmo
nestas narrativas, que designamos de circulares, importa referir que uma
história apresenta sempre um ciclo de transformações das personagens e
dos acontecimentos – no fundo, tudo muda mesmo quando tudo parece
permanecer igual.
Importa sublinhar também que se devem evitar dois erros graves:
falta de informação inicial (ao nível da caracterização das personagens
e das circunstâncias dos acontecimentos, por exemplo) e má solução do
final (quando a resolução não deriva de uma lógica de causalidade ou
não obedece aos critérios de verosimilhança).
Construir um enredo é contar uma história de forma consistente e
responder às questões que o espectador coloca acerca das personagens
(quem e como são) e das suas acções (o que elas fazem e porquê). Qual-
quer que seja o tipo de enredo adoptado, o espectador colocará sempre
estas perguntas e buscará as respectivas respostas. A narrativa deve
fornecê-las de uma forma verosímil, pelo que a sua construção exige um
esforço minucioso para não se deixarem vazios de informação (ou seja,
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causas suspeitas ou efeitos implausíveis). Reiteramos: é muito impor-

tante que todos os eventos se rejam e liguem por uma lógica de causa
e efeito (ou, como dizia Aristóteles, por necessidade), respeitando desse
modo os requisitos de verosimilhança e credibilidade.
Se o enredo ou estrutura narrativa é a forma como se conta uma his-
tória, é importante saber o quê, o quem, o quando e o onde. Desse modo,
antes de se iniciar a escrita da narrativa devem conhecer-se uma série
de elementos da acção principal: circunstâncias do estado de equilíbrio;
surgimento do conflito; objectivo do protagonista; acções por ele ence-
tadas para atingir esse objectivo; obstáculos que provocam o conflito;
resolução do conflito.
Como se constata, acções e personagens estão estreitamente ligadas.
As acções pontuais das personagens só são compreensíveis no conjunto
da história e a história só se entende em função das acções das perso-
nagens. Daí que devamos relevar a enorme importância quer da tensão
dramática quer da expectativa narrativa: a tensão dramática surge a
partir das consequências dos acontecimentos sobre as personagens – isto
é, do modo como aqueles transformam estas; a expectativa narrativa
surge em função das consequências das acções das personagens sobre os
acontecimentos da história – isto é, do modo como aquelas transformam
esta. Portanto, aquilo que as personagens fazem permite que a história
avance e os acontecimentos de uma história permitem caracterizar as
personagens.
Para a progressão dramática da narrativa, alguns momentos se afigu-
ram como fundamentais – designamo-los aqui por momentos de inflexão,
que correspondem às peripécias. É nesses momentos que a história tende
a mudar de rumo, desse modo suscitando, preservando ou reforçando o
interesse do espectador. O grau de inflexão pode ser variado, indo de
pequenas, mas relevantes, alterações a situações de brusca ruptura ou
crise – em qualquer caso, é nesses instantes que, habitualmente, algo ou
alguém é colocado em perigo ou revela a sua vulnerabilidade. São a vul-
nerabilidade ou o perigo que se verificam nesses momentos que permitem
dar valor aos acontecimentos, em função do risco que correm as perso-
nagens, o que elas possuem ou o que elas procuram. Nesses momentos,
alguma ameaça de colapso tende a manifestar-se para a personagem,
podendo assumir as mais diversas dimensões (indo da perda pessoal ao
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apocalipse global) ou intensidades (dando origem a uma angústia perpé-

tua, quando a solução dos problemas parece constantemente adiada, ou
a uma ansiedade fulminante, quando a solução dos problemas se revela
urgente).
Devemos ainda referir que apesar de a estrutura dos três actos con-
figurar uma espécie de padrão ou convenção da narrativa dominante,
ao guionista cabe sempre a decisão sobre a forma como organiza o seu
enredo. Estes códigos formais são constantemente objecto de desdém
ou mesmo de recusa liminar. Dizia Godard sobre os seus próprios filmes
que eles tinham um princípio, um meio e um fim. . . mas não necessari-
amente por esta ordem. Tal estrutura não deve ser, portanto, entendida
como normativa, mas antes como sugestiva: a liberdade do autor es-
tará sempre acima de qualquer premissa ou convenção criativa. Porém,
importa reconhecer o seu potencial e compreender a sua lógica.
Por outro lado, esta estrutura dos três actos pode ser eventualmente
dividida em partes menores. Assim, se dividirmos o segundo acto em
função do momento de crise passaremos a ter quatro actos suficiente-
mente demarcados e não apenas três. Por outro lado, também o primeiro
e o terceiro acto podem ser sujeitos a uma divisão mais detalhada: no
primeiro acto, podemos identificar como momento decisivo o sinal que
prenuncia a ruptura do estado de equilíbrio vigente; no terceiro acto,
podemos identificar como momento crítico o instante em que a última
decisão é tomada pelo protagonista que o levará a resolver o conflito.
Teríamos assim, quatro, cinco ou seis actos e não apenas três. Mais do
que esta divisão mais ou menos abstracta, importa sobretudo ter em
atenção a forma harmoniosa que cada uma destas partes deve demons-
trar em relação às restantes, sendo possível quase encontrar aqui uma
proporção perfeita (golden ratio) entre elas, em que a parte menor (a
cena, a sequência) integra e espelha proporcionalmente a parte maior (a
sequência, o acto).
Por fim, importa referir que, para além desta estrutura recorrente
que caracteriza a narrativa clássica, é possível igualmente identificar
uma série de situações mais ou menos convencionais. Chamemos-lhes
estereótipos, clichés ou lugares-comuns, o certo é que dificilmente eles
podem ser recusados de forma liminar. Alguns exemplos: o prenúncio
ameaçador que coloca todos em alerta; a ironia reveladora que surpre-
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ende o espectador; o rito de passagem que marca a transformação e

crescimento de uma personagem; o momento de conciliação supremo
que se concretiza no beijo final; o happy ending que tudo pacifica; o
crescendo dramático que agudiza a tensão; o reconhecimento chocante
que revela uma identidade escondida; o derradeiro esforço que permite
a maior conquista; o reverso da fortuna que catastroficamente se abate
sobre a personagem; o momento de ruptura que destrói a amizade ou o
romance; a eliminação progressiva de personagens até à exclusiva sobre-
vivência do herói; o beijo fatal que esconde a traição; o feliz acaso que
salva inadvertidamente uma personagem (espécie de deus ex-machina
clássico); a hora H em que tudo se decide; o ano-zero em que tudo
recomeça; o último adeus ou o fim do mundo em que tudo acaba (indi-
vidual ou colectivamente); as falsas aparências em que o mal se esconde;
o sentimentalismo, o bucolismo ou a nostalgia de certos ambientes; o
sonho dentro do sonho como multiplicação de realidades; a viagem de
descoberta interior ou de conquista territorial. O cinema clássico, onde
esta estrutura narrativa é recorrente, está repleto de exemplos destas
situações.
Estas são algumas das considerações que a narrativa clássica nos

merece. Falemos agora da narrativa moderna. No cinema (como
na literatura, aliás), encontramos muitas vezes uma espécie de discurso
anti-narrativo, o qual contesta voluntariamente a narrativa e as conven-
ções que esta propõe e que acabamos de referir. O objectivo é, neste
caso, evidenciar que qualquer narrativa (mesmo, ou sobretudo, a clás-
sica) comporta algo de arbitrário (algum tipo de selecção e arranjo),
logo que se presta facilmente à simplificação ou manipulação da com-
plexidade dos acontecimentos que relata.
No caso do cinema, podemos fazer remontar esta contestação das
convenções narrativas aos anos de 1920. É então que, sob uma clara
influência dos movimentos modernistas como o cubismo, o dadaísmo,
o futurismo ou o surrealismo, a narrativa cinematográfica é colocada
sob um ataque muitas vezes cerrado. A narrativa é despedaçada, es-
tilhaçada, rompida, distorcida nos seus princípios de inteligibilidade e
causalidade.
Se estas primeiras décadas da história do cinema colocam desde logo
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em questão os esquemas narrativos mais convencionais, herdados da li-

teratura e do teatro, a verdade é que a narrativa clássica haveria de
perseverar, denotando uma forte resiliência, nunca perdendo o seu lugar
de molde dominante no discurso cinematográfico. Ainda assim, depois
do classicismo que podemos associar à idade de ouro de Hollywood,
podemos constatar que o cinema narrativo se veria cada vez mais desa-
fiado desde os anos 1950. Trata-se daquilo que designaremos aqui por
narrativa cinematográfica moderna. Para o surgimento desta eventual
modernidade será possível deslindar uma série de factores e contributos.
Para além da influência precursora dos movimentos artísticos das
primeiras décadas do século XX e do cinema experimental realizado
nesse contexto, é possível encontrar outras motivações para a mutação
narrativa a que se assistirá, com grande intensidade, até aos anos 1980.
O neo-realismo acabaria por se revelar o primeiro momento de ruptura
com as convenções de uma narrativa (a clássica) artificiosamente traba-
lhada em busca da maior perfeição formal e apelo popular. O cinema
documental haveria de se tornar igualmente uma influência revigorante
e desafiante para a ficção cinematográfica, como o comprovam o cinema-
verité e o cinema directo. Uma outra forma distintiva de contar histórias
pode ser encontrada no cinema independente americano, com a sua ex-
trema atenção ao quotidiano emocional. Mas seriam talvez a nouvelle
vague francesa e o cinema de autor internacional, que a partir dos anos
1950 se impõe a nível mundial, a determinarem a modernidade narrativa
no cinema: de Dreyer a Godard, de Kurosawa a Fellini, de Antonioni
a Tarkovsky, de Leone a Bergman, são inúmeros os exemplos de uma
renovada forma de contar histórias.
Essas estratégias de desafio ou resistência às convenções narrativas
operaram contra um conjunto de ideias fundamentais: rompendo a au-
tonomia do universo diegético, denunciando o artifício da transparência
enunciativa, desmontando a unidade coerente da história e recusando a
linearidade do discurso narrativo. Como? Através de uma série de dis-
positivos muito variados que aqui inventariamos de modo muito breve:
criando incongruências na identificação das personagens (o mesmo actor
ou o mesmo nome para personagens diferentes) ou descontinuidade nas
acções ou nos diálogos (rompendo o vínculo entre causa e efeito); pro-
vocando o hermetismo das interpretações; assumindo a casualidade dos
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eventos; fazendo da mise en abyme (uma narrativa dentro de outra nar-

rativa) um dispositivo de espelhamento e fuga na representação; adop-
tando a auto-reflexividade, ou seja, virando o cinema para si mesmo; di-
luindo a distinção clássica, mas sempre controversa, entre ficção e docu-
mentário (de que o neo-realismo italiano é óptimo exemplo); misturando
diferentes géneros ou recusando-os; conjugando materiais heterogéneos,
sem particular atenção à harmonia e à congruência canónicas; introdu-
zindo comentários sobre o próprio processo narrativo; tomando a própria
narrativa como tema e confrontando-a com a própria narração; mistu-
rando temas, discursos, matérias e linhas narrativas variadas; propondo,
ao lado do filme narrativo, o filme-ensaio e o filme-descrição, mais dados
à reflexão e à contemplação do que ao entretenimento; provocando as
intrusões do narrador, criando um efeito de distanciamento que denun-
cia o artifício narrativo; desafiando as convenções e os valores clássicos
ao nível do tom, do tema, da estratégia ou da ética de uma obra; valori-
zando os interregnos, as pausas, os silêncios, a inércia e o vazio; diluindo
a teleologia da acção das personagens; assumindo a eventual indetermi-
nação das elipses; declinando o desfecho conclusivo, redentor para as
personagens e gratificante para o espectador; enviesando as referências
de espaço e tempo; criando situações-limite inauditas e narrativamente
auto-suficientes.
Entre as grandes obras do cinema mundial que se confirmaram como
referência pelos desafios narrativos que propuseram contam-se títulos
como ‘Roma, Cidade Aberta’, de Roberto Rossellini, ‘Rashomon’, de
Akira Kusosawa, ‘A Palavra’, de Carl Dreyer, ‘Hiroshima, Meu Amor’
e ‘O Último Ano em Marienbad’, de Alain Resnais, ‘Shadows’, de John
Cassavetes, ‘A Aventura’ e ‘O eclipse’, de Michelangelo Antonioni, ‘À
Bout de Souffle’ ou ‘Pierrot le Fou’, de Jean-Luc Godard, ‘Os 400 Gol-
pes’, de François Truffaut, ‘8 ½’, de Federico Fellini, ‘Persona’, de Ingmar
Bergman, ‘O Evangelho segundo São Mateus’ e ‘Saló’, de Pier-Paolo Pa-
solini, ‘2001, Odisseia no Espaço’, de Stanley Kubrick ou ‘O Espelho’,
de Andrei Tarkovski.
De algum modo, podemos dizer que a narrativa assume duas influên-
cias fundamentais durante este período: por um lado, a assumpção clara
de uma pulsão experimental que procura muitas vezes um cinema con-
ceptualmente sem clausura, um fluxo de ideias incessante, uma torrente
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descontínua de eventos, daqui resultando uma dificuldade frequente em

resumir, fechar e compreender a narrativa. Por outro lado, uma imbri-
cação do cinema com a própria vida, uma espécie de pulsão documental
que atravessa tanto o neo-realismo italiano como o free cinema inglês, a
novelle vague francesa ou o cinema independente americano, para além
do modesto e doméstico home-movie. Este cinema da vida assume uma
narrativa que recusa a clausura e a inteligibilidade da narrativa clás-
sica, com a sua selectividade abstracta e estilizada, e as suas molduras
facilmente reconhecíveis.
De alguma forma podemos reconhecer aqui certas linhas de mudança
que a narrativa exibe ao longo desse tempo: uma passagem do formal ao
informal, um desvio do ficcional para o quotidiano, uma substituição do
artificial pelo espontâneo, um acrescento do verídico ao verosímil, uma
confrontação entre conteúdo e forma, uma transferência do estúdio para
a rua, uma sobreposição da reflexão à narração, uma inquietação da
crença através do comentário. É neste período que a narrativa cinema-
tográfica se vê mais intensamente confrontada com as suas convenções
e procura ultrapassar e desafiar os seus limites, cruzando e problemati-
zando, frequentemente, o nível da história com o nível da narração e da
própria autoria.
De um ponto de vista teórico, realçamos aqui os contributos de dois
estudiosos que, em épocas distintas e com pressupostos diferentes, po-
dem ajudar a compreender a modernidade narrativa cinematográfica.
Por um lado, devemos retornar aos anos de 1920 e às propostas de Ber-
tolt Brecht de uma “dramática não-aristotélica, que não se funda na
empatia”, mas sim num afastamento do espectador em relação à histó-
ria e aos acontecimentos que esta retrata, assegurando-lhe uma atitude
analítica e crítica que, supostamente, o levaria a contrariar a ilusão e a
alienação de uma representação artificiosa. Uma das formas como tal
seria conseguido no teatro seria com o fim da ‘quarta parede’, essa pelí-
cula imaginária que separaria o espectador do palco. Transposta para o
cinema, esta lógica tornaria evidente algo que a narrativa clássica impla-
cavelmente se esforçou por escamotear: o próprio acto de mostrar/narrar
e os respectivos procedimentos, dispositivos e materiais.
Esta desestabilização da narrativa clássica e a ruptura das suas pre-
missas canónicas podem ser encontradas também, de algum modo, na
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proposta teórica de Jacques Derrida quando este defende um constante

diferimento (differènce) dos sentidos de um texto, ou seja, de desvios,
resíduos e incertezas que este não pode recusar ou esconder. Assim,
em seu entender, não haveria um sentido único para um determinado
texto, um sentido original e universal, infalível e irrecusável, mas sim
uma pluralidade extraordinária de interpretações. Estas interpretações
divergentes podem ser encontradas no próprio texto, tanto nas contra-
dições internas que não pode evitar como nas linhas de leitura plurais
que permite.
Entre os anos 1950 e 1980, o cinema de autor afirma-se inquestio-

navelmente como um dos lugares de frequentes experimentações narra-
tivas. A declinação das convenções clássicas torna-se um procedimento
constante. Mesmo nos EUA, lugar do cânone narrativo, naquilo que se
designou por Nova Hollywood, assistimos a uma onda de propostas irre-
verentes, fortemente influenciadas pelo cinema de autor europeu, entre
a segunda metade da década de 60 e o início da década de 80. É por
esta altura (décadas de 70 e 80) que marcamos o início da narrativa ci-
nematográfica contemporânea. No seguimento dos sucessos de ‘Tu-
barão’, de Steven Spielberg e de ‘Star Wars’, de George Lucas, a década
de 1980 haveria de assistir a um regresso ao cinema de grande público
nos EUA, com uma avassaladora exportação para o resto do mundo. A
narrativa clássica retomava o seu poder na indústria cinematográfica.
Para tal muito contribuiu um novo género, o action-movie, que tomava
elementos de diversos géneros e subgéneros anteriores (como o filme de
aventuras, o filme de guerra, o policial ou o épico) para, acrescentando
momentos de forte e intensa acção física, oferecer um espectáculo de
sedução imediata às (vastas) audiências. A época dos blockbusters avas-
saladores atingia a sua maturidade e estes tornavam-se planetariamente
preponderantes.
Não é apenas o action-movie que serve de base ao blockbuster e à
retoma do predomínio do cinema narrativo a partir de meados dos anos
80 e durante os anos 1990 até à actualidade. Uma reconfiguração no sis-
tema dos géneros que vinha já acontecendo em décadas anteriores ocor-
ria agora: alguns géneros clássicos tornavam-se meramente vestigiais na
produção cinematográfica como o musical, o film-noir ou o western, ao
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passo que géneros relativamente menorizados como a ficção científica,

o thriller ou o filme de terror se tornavam em matéria de forte investi-
mento criativo, narrativo e industrial. Muita acção e muita violência,
muito romance e mesmo algum erotismo tornam-se a receita de sucesso.
Feitos de convenções constantemente reiteradas e de desvios discretos
e momentâneos, estes filmes assumem a narrativa clássica como a sua
matéria-prima essencial.
Mas os anos 1990 veriam, lado a lado com esta retoma pungente
da narrativa clássica, o surgimento de importantes mutações nas formas
de contar histórias. Alguns dos aspectos que vale a pena salientar são
os seguintes: no seguimento do que desde sempre sucedeu, mas de um
modo que parece cada vez mais reiterado, verificamos a existência de
operações narrativas cada vez mais fundadas na hibridez e na heteroge-
neidade – tudo parece cada vez mais ligar-se, conjugar-se ou integrar-se
com tudo. É o apogeu, ou quem sabe a superação, da pós-modernidade
cinematográfica. É o momento em que a homenagem ou o pastiche se
tornam frequentes – o respeito pelos grandes mestres e a valorização das
tradições acontecem a cada passo. Reconverter, reler, refazer são proce-
dimentos comuns. Porém, ao mesmo tempo, assistimos a atitudes bem
menos reverenciais: um certo cinismo, uma grande iconoclastia, uma
pose blasé tornam-se também frequentes. Alta e baixa cultura quase
se tornam indistintas. As grandes narrativas parecem, para muitos, ter
chegado irremediavelmente ao fim. Um gesto de ironia ou de paródia
manifesta-se com maior ou menor intensidade – Mel Brooks, os Monty
Python ou Woody Allen são disso exemplo. A narrativa adquire um
lado lúdico irrecusável e, ao mesmo tempo, uma elevada consciência dos
seus mecanismos.
Por outro lado, a narrativa torna-se cada vez mais desordenada, frag-
mentada, recortada. Os fragmentos da narrativa e a narrativa fragmen-
tada aparecem nos videoclips, nos trailers, nos best of, na publicidade, no
yotube. A narrativa torna-se multiforme. Torna-se um jogo, de lineari-
dade múltipla ou negada, feita de becos sem saída e de indeterminações,
de precariedades de sentido e de recontextualizações permanentes. As
configurações do puzzle ou do mosaico substituem a linha clara e directa
que tradicionalmente servira para descrever o processo e a dinâmica nar-
rativos. O hipertexto e a Internet vieram criar novas formas de perceber
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e processar informação, incluindo a informação narrativa. Se falarmos

de uma heteronarrativa, feita de diversos materiais, de hiper narrativa,
feita de ligações e esquemas, de transnarrativa, disseminada por diversos
meios, de exonarrativa, aquela que existe fora de si própria, como po-
tencial ou como apontamento, quem sabe estaremos em vias de perceber
a enorme diversidade de configurações, relações e paradigmas narrati-
vos da contemporaneidade. Os domínios e os níveis em que a narrativa
se tem vindo a fazer e refazer nos últimos anos são em grau e género
extraordinários: do low-budget dos home-movies aos sumptuosos e mili-
onários orçamentos dos blockbusters, uma amplitude de modos e meios
de produção se abre em grande extensão.
Recorrente e determinante neste estado de coisas é ainda a intertex-
tualidade, esse diálogo vasto que as obras estabelecem entre si. Ao teatro
e, em menor medida à literatura, vem substituir-se agora a relação do
cinema com a banda desenhada, com a televisão e com os videojogos. A
rede de influências mútuas afigura-se interminável. Do diário íntimo ao
delírio paródico, do desafio lúdico à especulação morfológica, do zapping
ao loop, do final aberto ao twist ou à recusa de um final, são infindas as
modalidades da experimentação narrativa na actualidade.
A narrativa contemporânea enche-se de tipologias e de versões. Um
filme multiplica-se em variações: a ultimate version, o director’s cut e
a special edition; as sequelas, as prequelas e os remakes; o mash-up, o
cross-over e o spin-off – onde acaba o jogo das metamorfoses narra-
tivas? Qual é o texto original, podemos perguntar? Onde começa e
onde acaba uma história? Encontramos um delírio inédito na produção
narrativa. Enquanto isso, um regresso aos valores primordiais, mínimos,
minimalistas, austeros, parece sempre em vias de ocorrer: Gus Van Sant,
Albert Serra ou Carlos Reygadas são disso exemplo – poucos actores,
poucos artifícios narrativos, um tom de intimismo e uma quase metafí-
sica cinematográfica, muito no seguimento de mestres como Tarkovski,
Antonioni ou Bresson.
Enquanto e apesar disso, a narrativa clássica insiste na sua resili-
ência, inultrapassável no seu pragmatismo, inquebrável no seu fascínio,
imbatível na sua inteligibilidade. O cinema não a abandonou e a te-
levisão não a recusou: Steven Spielberg ou Clint Eastwood fizeram do
storytelling o seu molde criativo e o seu triunfo artístico; as séries de
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ficção televisiva conquistaram público e crítica como nunca antes acon-

tecera (‘X-Files’, ‘Lost’, ‘House’, ‘Weeds’, ‘24’, ‘Desperate Housewives’
– cada uma à sua maneira burilou ou superou convenções, mantendo-se
dentro de um classicismo inquestionável nas suas premissas fundamen-
tais).
Ainda assim, podemos constatar que, lado a lado com os géneros –
convencionais, clássicos ou recentes que sejam –, encontramos um es-
forço de experimentação narrativa que prolonga o trabalho efectuado no
âmbito do cinema de autor dos anos 1950 e 1960, jogando com a ordem
dos acontecimentos, a perspectiva da sua apresentação, a plausibilidade
das suas justificações de um modo muitas vezes no limite da inteligibi-
lidade. Das narrativas mosaico de ‘Shortcuts’, ‘Magnólia’, ‘Crash’ ou
‘Babel’ ao puzzling cronológico de ‘Memento’ ou ‘Irreversível’, passando
pelo labirinto de ‘Lost Highway’, ‘Mulholand Drive’ ou ‘Inland Empire’,
de David Lynch, pelo jogo de repetições de ‘Groundhog Day’ e ‘Run
Lola Run’, pelos delírios identitários de ‘Fight Club’ ou ‘I’m not There’,
pelo abstraccionismo de ‘Dogville’ e pelo patchwork de ‘Kill Bill’, te-
mos exemplos incontáveis de reinvenção da narrativa cinematográfica.
Porém, não deixa de ser curioso que, mesmo nesses casos, em que as
premissas e convenções mais arreigadas da narrativa são colocadas em
questão, permaneçam sempre vestígios de uma narratividade latente que
o espectador procura decifrar, eventual porto de abrigo de uma inteligi-
bilidade diegética ou cognitiva que não pode recusar.
História/enredo/descrição
Quando podemos dizer que temos uma história? Em princípio, quando
um conjunto de acontecimentos se ligam por relações de causalidade cla-
ras, sofrendo uma certa transformação que os há-de conduzir para um
desfecho, de forma progressiva e dramaticamente crescente. Mas uma
história pode existir sem um, algum ou todos estes aspectos: ela pode,
ao contrário do que usualmente acontece, ser mais episódica do que en-
cadeada ou mais centrada na personagem do que nos acontecimentos.
Porém, dois elementos são fundamentais: os acontecimentos e as perso-
nagens.
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Uma narrativa pode ser vista como uma espécie de sistema, de modo
que a eliminação ou alteração de uma das partes significa a mudança do
todo. Ao construir o enredo, o objectivo será encontrar a forma mais
criativa, harmoniosa e emocionante de contar a história. Deste modo,
uma boa estrutura (ou seja, a relação das partes entre si e das partes
com o todo) é, naturalmente, um dos pontos-chave na construção de um
bom guião.
De algum modo, podemos dizer que uma narrativa se decompõe e re-
compõe num conjunto de unidades parcelares, os eventos, que podemos
enunciar segundo uma ordem crescente de complexidade e abrangência:
o gesto, a atitude, a situação, a cena, a sequência, o acto, a história. Po-
demos, portanto, fragmentar a história em unidades cada vez menores
ou podemos integrar as unidades parcelares até constituir a globalidade
da história. Assim, partindo do princípio que existe sempre uma relação
causal ou temática a reger a ligação dos diversos elementos, podemos
afirmar que um conjunto de gestos configura uma atitude, que um con-
junto de atitudes origina uma situação, que um conjunto de situações
origina uma cena, que um conjunto de cenas origina uma sequência,
que um conjunto de sequências se integra num acto, e que o conjunto
dos actos origina a história. A criação, selecção e ordenação de cada
uma destas unidades num enredo revelar-se-á fundamental para que se
obtenha o máximo de tensão dramática e de expectativa narrativa.
A ordem em que as acções são apresentadas pode ou não coincidir
com a sua sequência cronológica e nem todas as acções de uma histó-
ria possuem o mesmo valor dramático ou narrativo. Daí que a história
seja refeita através do enredo: por exemplo, os acontecimentos podem
ser apresentados anacronicamente, através de analepses e prolepses; al-
guns deles podem ser suprimidos, sem que se perca a inteligibilidade da
história, através de elipses; outros são estendidos, através de paráfra-
ses; outros são enfatizados através de hipérboles; outros são atenuados,
através de eufemismos. O enredo ganha grande parte da sua relevância,
portanto, em função da ordem e da perspectiva em que se apresentam os
acontecimentos, desse modo dando-lhes um valor estratégico. Ordena-
ção, perspectiva e valoração dos eventos são operações feitas, assim, em
função dos objectivos fundamentais do enredo: apresentar a acção, des-
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pertar a curiosidade, manter o interesse, aumentar a tensão e desenlaçar

a trama.
O propósito último é, então, criar para o espectador aquilo que po-
deríamos designar por um ideal narrativo: insinuar o mistério, fomentar
a dúvida e revelar a surpresa. Atingir este ideal narrativo garante vários
resultados: que o desafio intelectual é estimulante, que o envolvimento
afectivo é premente e que a intensidade dramática é elevada. No fundo,
trata-se de manter, renovar ou aumentar o interesse pela questão fun-
damental que qualquer narrativa coloca: o que vai acontecer a seguir?
É consensual: não há uma forma canónica ou ideal da narrativa.

O enredo pode ser muito diverso nas suas formas. Ele pode assumir
uma morfologia virtualmente inesgotável e em constante mutação, a
qual pode ir, em termos de formato, de uma simples anedota à mais
ambiciosa epopeia ou cosmogonia, do trailer cinematográfico ao filme
publicitário, da curta-metragem à série televisiva. A par, e de algum
modo relacionados, com esta pluralidade de formatos, temos os diversos
tipos de enredo (ou, se quisermos, de narrativa).
Importa referir que em todos os casos que iremos referir, a ideia
de conflito se revela determinante, segundo duas modalidades distintas:
por um lado, qualquer história tende a sustentar-se num conflito dra-
mático de algum género, vivido pelas personagens; por outro, o próprio
espectador vive, ao acompanhar e interpretar a narrativa, alguma forma
de conflito hermenêutico, mais ou menos acentuado, sob a forma de um
repto lúdico ou cognitivo que lhe é lançado.
Deve ser igualmente realçado que os diversos tipos de enredo podem
coexistir numa mesma narrativa e que uma mesma história pode ser
tratada segundo enredos distintos. A seguir descrevem-se algumas das
modalidades de enredo mais comuns, as quais podem ser encontradas
nos mais diversos formatos. As designações adoptadas são em alguns
casos consequência de uma aceitação convencional, noutros tomam de
empréstimo certas metáforas que ajudam a compreender a sua configu-
ração.
O enredo principal é aquele a que normalmente nos referimos ao
contar uma história. Centra-se no conflito ou na linha principal da
história, a qual apresenta, desenvolve e conclui. Acompanha o percurso
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do protagonista na superação de obstáculos que o hão-de conduzir ao

seu objectivo. A sua manifestação mínima corresponde normalmente à
sinopse de uma história.
O enredo secundário consiste em pequenas narrativas que se desen-
volvem simultaneamente com o enredo principal e que nela se integram
harmoniosa e organicamente, servindo frequentemente para dar consis-
tência e contexto à trama principal ou à caracterização das personagens.
São exemplo deste tipo de enredo situações como hobbies, velhos amores,
amizades ou encontros casuais das personagens.
Nos enredos-mosaico não existe um enredo principal, uma linha cen-
tral da narrativa, mas sim diversas histórias que se vão apresentando
com relativa autonomia e que acabam por se cruzar num momento deci-
sivo. Não existe um protagonista, uma vez que as personagens tendem
a assumir uma relevância narrativa e dramática equivalente. De algum
modo, este tipo de enredo apresenta uma perspectiva omnisciente sobre
os acontecimentos e as relações entre eles. Alguns exemplos deste tipo
de enredo premiados e prestigiados em tempos recentes são ‘Magnolia’,
‘Crash’ ou ‘Amores Perros’.
Podemos falar de um enredo temático quando se contam duas ou
mais histórias, que se desenrolam paralela ou sucessivamente sem per-
tencerem ao mesmo universo diegético, mas apresentando alguma es-
pécie de semelhança ou contraste temáticos. Alguns exemplos, muito
diferentes entre si e pertencentes a diversas épocas do cinema: ‘Intole-
rance’, ‘Sympathy for the Devil’ ou ‘Run Lola Run’.
No enredo em forma de demanda narra-se a jornada do protagonista
que sai do seu universo quotidiano em busca (a quest, a que se referiu
Joseph Campbell em “The hero with a thousand faces”) de algum objecto
ou objectivo, seja ele de ordem material ou simbólica. Ao longo desse
périplo, o protagonista enfrentará os mais diversos obstáculos, podendo
ou não regressar ao local de partida. Originalmente característico das
narrativas mitológicas, é possível encontrar similaridades nas narrativas
contemporâneas, podendo ser identificada como uma das suas variações
o road-movie. Alguns exemplos podem ser ‘The Wizard Oz’, ‘Star wars’
ou ‘Sideways’.
No puzzle, o enredo apresenta-se como uma espécie de desafio inte-
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lectual, muitas vezes insolúvel, ou seja, em que certas causas ou certos

efeitos se mantêm à margem de qualquer explicação lógica, permane-
cendo, por isso, como enigmas. Mais do que o conteúdo da narrativa,
importa frequentemente o próprio processo narrativo e a sua descons-
trução. Trata-se de uma espécie de jogo, em que a inquietação e o
estímulo visam mais o empenho cognitivo do que a envolvência emoci-
onal. Exemplos clássicos e fascinantes: ‘O Último Ano em Marienbad’,
‘Lost Highway’ ou ‘Memento’.
A narrativa ou enredo de mistério distingue-se, sobretudo, pelo facto
de o relato da história apresentar uma inversão das suas premissas es-
truturais. Se habitualmente os eventos se vão sucedendo partindo das
causas para os efeitos, neste caso, a narrativa constrói-se partindo de
um determinado efeito para encontrar a causa correspondente, indo do
enigma ou da ignorância para a evidência e a explicação. O móbil da
sua dinâmica narrativa é a curiosidade. Alguns casos em que a curio-
sidade do espectador é desafiada e estimulada: ‘Rashomon’, ‘Big Sleep’
ou ‘Usual Suspects’.
Aquilo que singulariza o enredo minimal prende-se precisamente com
a redução do número de elementos da história (personagens, acções, ce-
nários ou duração) ao mínimo necessário. No fundo, trata-se de uma mo-
dalidade narrativa que se contrapõe às convenções mais comuns, basea-
das na espectacularidade da acção ou na complexidade narrativa. Nos
anos 1920 deu origem a um género específico, o kammerspiel, ou filme
de câmara. Exemplos bastante diferentes deste tipo de enredo muito
peculiar são ‘O Último Homem’, ‘Persona’ ou ‘The Straight Story’.
A narrativa épica coloca-se, de algum modo, no extremo oposto ao
minimal. Neste caso, todos os elementos adquirem como valor funda-
mental a grandiosidade, seja das personagens seja dos acontecimentos
ou dos próprios cenários. No fundo, procura-se enaltecer o heroísmo das
personagens e sublinhar a espectacularidade dos eventos, conduzindo a
história para um desfecho em forma de êxtase e de superação. Exemplos
de grande popularidade são ‘Os Dez Mandamentos’, ‘Ben Hur’ ou ‘Lord
of the Rings’.
Como a designação indicia, o enredo documental procura evidenciar
as características realistas de uma história. De algum modo, podemos
identificar este tipo de enredo partindo de uma tensão clássica e pe-
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rene entre dois valores fundamentais da narrativa: a verosimilhança e a

veracidade. No primeiro caso, trata-se de criar a crença num universo
fictício, no segundo, trata-se de sublinhar a fidelidade discursiva a uma
realidade prosaica. As premissas estilísticas e temáticas do documen-
tário adquirem neste caso particular relevância. Exemplos importantes
são ‘Roma Cidade Aberta’, ‘Shadows’ ou ‘Rosetta’.
O mash-up caracteriza-se pelo cruzamento, justaposição ou sobre-
posição que efectua de elementos originariamente heterogéneos. Este
cruzamento pode suceder ao nível dos materiais (ficção com documen-
tário ou animação com ficção, por exemplo) ou das personagens, quando
se cruzam numa mesma história personagens de obras à partida diferen-
tes. Neste caso podemos falar de cross-over. Pela singularidade com que
procura tratar cada obra, o cinema de autor será mais avesso ao mash-up
e seus derivados, apesar do trabalho exemplar de Godard neste aspecto.
Exemplos interessantes: ‘Roger Rabbit’, ‘Natural Born Killers’ ou ‘Liga
de cavalheiros extraordinários’.
O filme-ensaio caracteriza-se por submeter uma (eventual) história
a uma reflexão temática ou a uma experimentação estilística. A história
não é aqui o mais importante, mas sim a construção de um discurso
acerca de um tema ou de um fenómeno, procurando levar o cinema nar-
rativo a questionar ou mesmo renunciar às suas premissas e convenções.
Exemplos muito distintos e notáveis são ‘Pierrot le Fou’, ‘La Jetée’ ou
‘O Espelho’.
O filme-manifesto será um enredo claramente marcado por uma men-
sagem explícita, seja esta de cariz mais ético, estético, político ou filo-
sófico. Existe um conjunto de intenções muito claro que o filme deve
cumprir. Desde os filmes soviéticos dos anos 1920 e os filmes de propa-
ganda alemães da década de 1930 que podemos reconhecer uma grande
tradição de filmes-manifesto. Nas últimas décadas o caso mais reconhe-
cido é o do chamado Dogma95 que preconizava claramente um conjunto
de mandamentos a que as obras deviam obedecer. Outros exemplos a
ter em atenção: ‘Roma, Cidade aberta’, ‘Terra em Transe’ ou ‘Network’.
O retrato tende a privilegiar a caracterização da personagem em
detrimento da acção. Corresponderá, por isso, àquilo que usualmente se
designa por filme de personagem. É a vida interior desta que se torna
relevante, os seus motivos e atitudes, os seus sentimentos e pensamentos,
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a sua relação com as outras personagens e com o mundo que habita. É

uma espécie de perfil ou biografia de uma personagem. O biopic será a
sua forma mais institucionalizada. Exemplos: ‘Persona’, ‘Amarcord’ ou
‘Kontrol’.
Para concluir: o enredo pode assumir formas extremamente variadas,
indo da micro-narrativa que se resolve em alguns segundos ao infinito
virtual das séries, passando pelas sequelas, prequelas, trilogias ou qua-
drilogias. Pode ser mais fragmentário e aforístico ou mais minucioso e
metafórico. Pode ser uma saga ou uma cronologia. Pode ser episódico.
Pode privilegiar o tempo real ou a omnisciência. Pode jogar com o cál-
culo de probabilidades ou afrontar as expectativas do espectador. Pode
dar uma perspectiva mais fidedigna e detalhada dos acontecimentos ou
mais elíptica e sumária. Cada história reivindicará o seu enredo.
Podemos ver a narração como uma descrição da acção. Mas a des-

crição (de um objecto, personagem, cenário) pode valer por si mesma
enquanto dispositivo narrativo. Onde a narração privilegia os aconte-
cimentos, a descrição privilegia os seres e as circunstâncias. Assim, se
uma narrativa tende a privilegiar os acontecimentos, ou seja, as acções
que fazem avançar a história, não devemos esquecer-nos que essas acções
decorrem em certos contextos e são efectuadas por certos agentes que é
preciso conhecer. A descrição das personagens e dos espaços são, nesse
sentido, fundamentais.
A descrição tende a incidir sobre os elementos estáticos de uma histó-
ria: a caracterização das personagens ou dos espaços. Identificamos en-
tão uma espécie de contraposição entre descrição e narração, ocupando-
se esta do relato dos acontecimentos e aquela da inventariação dos seus
elementos. No entanto, poderemos igualmente afirmar que a narração
consiste numa descrição de eventos e que a descrição assume muitas ve-
zes a forma de uma narração de atributos. Descrição e narração estão,
portanto, intimamente ligadas ou podem mesmo, como é desejável, coin-
cidir: descrever elementos à medida que se sucedem os acontecimentos.
Na descrição, no seu sentido estrito, devemos encontrar um estilo
equilibrado: não ser exaustivo ao ponto de criar uma amálgama de
redundância ou indiferença entre os elementos, nem ser negligente ao
ponto de criar um vazio de referências ou hierarquias para os mesmos.
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Todos os atributos ou elementos que possam enriquecer o significado

de uma personagem ou de um espaço devem ser referidos de forma si-
multaneamente selectiva e pertinente. A descrição é fundamental para
contextualizar a acção e para caracterizar os seus agentes.
No que respeita à narrativa cinematográfica, é possível encontrar
uma certa tendência para o privilégio da descrição em alguns realiza-
dores cujo estilo parece mais preocupado com o modo como se observa
do que com aquilo que acontece. De algum modo poderíamos designar
estes praticantes de um cinema em larga medida contemplativo como ci-
neastas da descrição. Entre os seus exemplos contar-se-iam algumas das
obras fundamentais de Michelangelo Antonioni, de Andrei Tarkovski, de
Michael Haneke, de Gus Van Sant, de Albert Serra, de Bela Tarr ou,
num registo mais puramente experimental, de Michael Snow ou Andy
Warhol. Nestes casos, não se revela tão decisivo o relato do que acon-
tece, mas, antes, a descrição do que acontece. Importa mais o ambiente
e a atmosfera do que o evento.
Mas se podemos encontrar esta estilística em paralelo com a nar-
rativa no sentido mais clássico, o certo é que no interior desta pode-
mos igualmente identificar certas partes onde a descrição se revela ful-
cral. São disso exemplo o preâmbulo, a coda, o prólogo, o epílogo e as
sequências e cenas de transição ou exposição. Estas são partes em que
a descrição predomina sobre a narração.
Usualmente, uma narrativa começa com um preâmbulo, isto é, com
uma sequência introdutória que de algum modo ajuda a contextualizar
os acontecimentos que se vão narrar. O preâmbulo permite resumir
num mínimo de informação factos cujo desconhecimento poderia inibir
a desejável inteligibilidade da história. O início da saga ‘Star Wars’ é
um bom exemplo.
Aquilo que aqui designamos por coda funciona num sentido inverso:
este dispositivo permite efectuar um resumo daquilo que aconteceu às
personagens ou do modo como os eventos conduziram à situação final.
Pode funcionar como um momento de reavaliação da história. ‘Donnie
Darko’ fecha a sua narrativa desta forma.
Em termos de estrutura narrativa, o preâmbulo e a coda são uma es-
pécie de sumários que reduzem o relato de certos acontecimentos ao seu
mínimo, através da selecção e apresentação dos seus momentos críticos,
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desse modo permitindo condensar grandes quantidades de informação

num curto espaço de tempo. Distinguem-se do prólogo e do epílogo pre-
cisamente por assumirem a forma de resumo, embora se possam integrar
naqueles.
A narrativa clássica tende a procurar um equilíbrio estrutural ao
longo do seu decurso, buscando de alguma maneira uma harmonia for-
mal irrepreensível. Nesse sentido, os momentos que abrem e fecham a
narrativa são especialmente importantes: no início, o prólogo facilita-nos
a entrada na história, funcionando como uma espécie de convite para
a contemplação ou incitando à expectativa; no fim, o epílogo constitui
uma espécie de porta de saída e funciona de algum modo como uma
despedida, convidando à crítica e à retrospecção. O prólogo antecede
o incidente que prenuncia a ruptura do estado de equilíbrio, momento
em que os acontecimentos começam a tomar prioridade na dinâmica da
narrativa. O epílogo sucede ao clímax, ou seja, à resolução definitiva do
conflito.
Quando o prólogo e o epílogo juntam a este propósito formal um va-
lor simbólico ou hermenêutico suplementar, podemos falar de narrativa
circular. Tal acontece quando um mesmo elemento (objecto, persona-
gem, cenário) surge no início e no final da história. Esse objecto tende
a revelar ou a adquirir um especial valor simbólico que, de algum modo,
enquadra ou resume o tema da história e o significado das transforma-
ções ocorridas ao longo da mesma.
As cenas de exposição e de transição, por seu lado, são aquelas que
servem essencialmente para fornecer informação ao espectador que o
ajude a compreender ou interpretar os acontecimentos: expõem os mo-
tivos das personagens ou as causas dos acontecimentos, revêem o pas-
sado ou prefiguram o futuro. Sem elas, a inteligibilidade da história é
muitas vezes posta em causa. Estas cenas, pela sua natureza descritiva,
tendem a ser dramática e narrativamente mais frágeis, já que retardam
inevitavelmente o decurso dos acontecimentos.
A descrição pode incidir sobre personagens, espaços e objectos, casos

em que o exibicionismo (por parte do realizador) e o voyeurismo (por
parte do espectador) acabam por se conjugar; pode incidir sobre a vida
mental de uma personagem, situação em que a corrente de consciên-
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cia ou o monólogo interior se afiguram como dispositivos fundamentais;

pode ser omnisciente, quando o narrador descreve todos os eventos, ele-
mentos ou seres que lhe pareçam pertinentes; ou pode estar liminarmente
ausente, como sucede na elipse ou no fora-de-campo que excluem total
ou parcialmente certas informações.
Cena/sequência/acto
A cena é a unidade nuclear no guionismo e na arte narrativa em geral.
A cena designa no teatro grego antigo a construção em madeira (skêné,
que significa ‘barraca’) existente no local da representação e que servia
como pano de fundo ou como sustentáculo dos cenários. Depois, por
extensão, passou a designar o palco e seguidamente um qualquer lugar
imaginário onde decorre a acção. Posteriormente, passou a referir uma
parte unitária da acção, ou seja, uma acção (ou situação) completa em
si mesma. Com a noção de cena está intimamente ligada a ideia de
encenação (mise en scène, expressão proveniente da prática teatral) e
que no fundo é o que guionista faz ao escrever o guião: encenar acções
no espaço e no tempo.
Na escrita de um guião, a cena é o elemento fulcral, onde algo espe-
cífico acontece. É uma unidade de acção, de espaço e de tempo. Existe
uma cena quando a acção decorre num mesmo lugar e num tempo con-
tínuo. É através das cenas que contamos visualmente a história, aquilo
que acontece. A cena é, digamos, a unidade mínima do guião.
Em cada cena tem lugar um evento que, no guião, é transmitido
através da descrição dos lugares, dos objectos, dos sons, das acções das
personagens e dos diálogos. São as cenas que fazem o filme e muitas
vezes é através de cenas específicas que os filmes são recordados. É
através delas que o desenrolar da narrativa se processa. Por isso, a
forma das cenas afecta naturalmente a forma do filme.
A divisão da estrutura narrativa em actos (conjunto de sequências),
sequências (conjunto de cenas) e cenas (conjunto de acções) permite
ter uma perspectiva dupla sobre o enredo: por um lado, uma perspec-
tiva conjunta que engloba todas as partes; por outro, uma perspectiva
detalhada que permite analisar cada acção isoladamente. A conjuga-
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ção destas duas perspectivas (global e local) possibilita a identificação e

compreensão das relações entre cada uma das partes, bem como a sua
disposição no todo.
Ao construir cada cena, o guionista tem sempre em conta a sequência
em que ela se inclui, bem como a sua importância para a estrutura
geral da história e o lugar que nela deve ocupar. Para encontrar o
lugar da cena numa sequência, deve-se ter em atenção que a sequência
é constituída por um princípio, um meio e um fim e a cena deve aí
encontrar o seu objectivo e a sua razão de ser.
Tanto as cenas como as sequências devem criar expectativa no es-
pectador, isto é, suscitar a questão fundamental duma narrativa: o que
vai acontecer a seguir? Para tal, é importante saber qual o objectivo da
história, da cena ou da sequência: onde devem começar e acabar? Que
efeito se pretende ter no espectador? O que se deve mostrar ou escon-
der? Qual o ritmo adequado? Qual o propósito da cena? E, sobretudo,
deve haver uma lógica causal a ligar um evento aos que lhe sucedem ou
os antecedem.
A cena é uma unidade de espaço e de tempo. Além disso, possui
princípio, meio e fim, ainda que a sua apresentação seja normalmente
parcial – depende sempre da economia da narrativa e do interesse dra-
mático da cena para o conjunto da história. Assim, uma cena raramente
é mostrada na sua integridade, uma vez que, frequentemente, certas par-
tes da acção correspondem a tempos mortos e sem significado dramático,
podendo (ou devendo) proceder-se à sua eliminação através de elipses.
A dimensão da cena é extremamente variável (pode, por exemplo,
ser uma extensa cena de diálogo ou um simples gesto). Duas coisas, no
entanto, existem sempre numa cena: o tempo e o espaço em que decorre.
Todas as cenas decorrem num lugar específico, num tempo específico.
Daí uma norma muito importante: sempre que se altera o espaço ou o
tempo, muda-se de cena.
A informação sobre o lugar onde a cena decorre pode ser fornecida
logo no início através de uma descrição geral do cenário – o leitor quer
e precisa saber onde se desenrola a acção e qual a relação desse espaço
com as personagens. O uso de descrições gerais no início das cenas (da
primeira vez que um espaço aparece) deve ser feito ponderadamente
para não aborrecer o leitor com descrições minuciosas e dispensáveis.
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Uma estratégia alternativa, usada frequentemente, consiste em começar

a cena em plena acção e fornecer a informação sobre o lugar à medida
que a acção decorre.
Quanto ao tempo da cena, não só se deve ter em atenção a duração
das cenas, que pode ser integral ou elíptica, mas também o tempo entre
as cenas, ou seja, o tempo não visualizado. Se o tempo que passa e
não é visualizado é importante para a narrativa, ele deve ser indicado,
ou seja, uma cena deve fornecer informação sobre a cena seguinte ou a
cena seguinte fazer a ligação com a anterior. Vários recursos são pos-
síveis para assinalar a passagem ou os saltos no tempo: caracterização
das personagens (crescimento da barba ou envelhecimento, por exem-
plo), relógios, calendários, mudanças de luz (dia/noite), etc. Ou então
nos diálogos (“até logo”, “às sete, não te esqueças!”, “vemo-nos para a
semana”, etc.).
A cena é também, ou sobretudo, uma unidade de acção. O seu
desenho e a sua função dependem dessa característica. Em relação à
função primordial que uma cena deve cumprir, podemos dizer que ela
deve fornecer pelo menos um elemento de informação novo e necessário
para o desenrolar da história. Essa informação é o que constitui o núcleo
ou propósito da cena, o que justifica a sua existência.
Ao construir uma cena deve ter-se – sempre – em atenção os seguin-
tes critérios de avaliação da mesma: qual o seu propósito, para que serve;
qual o seu auge, isto é, o seu momento decisivo; qual a sua relevância
para o desenrolar da história; que lugar ocupa na hierarquia das cenas;
qual a acção, o que os personagens fazem nessa cena; qual a relação da
acção com a acção doutras cenas. Uma vez que cada cena deve fazer
avançar a história introduzindo complexidade no conflito ou adiantando
informação para a resolução deste, estes critérios permitem certificar o
interesse ou a necessidade da mesma – e se uma cena não cumprir estes
requisitos deve ser suprimida. Cada cena deve, portanto, contribuir de
algum modo para a progressão da narrativa e possuir influência dramá-
tica nesta, ou seja, no seu final alguma espécie de alteração no estado
dos acontecimentos ou na existência das personagens deve manifestar-se.
Por outro lado, toda a cena deve procurar um crescendo da tensão
dramática que a conduzirá ao seu clímax. Mesmo se a intensidade e o
ritmo de uma cena dependem do conflito que nela se descreve, do que
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acontece nela e com que propósito (por exemplo, uma perseguição ou um

momento de introspecção, o grande final ou uma peripécia imprevista,
uma cena da exposição ou uma cena do epílogo são tratados de formas
diversas), a intensidade dramática deve ser crescente: o clímax da cena
acontece no seu final – a cena acaba no momento de maior intensidade
dramática e preponderância narrativa. Não esqueçamos, porém, que as
cenas podem e, por vezes, devem ser interrompidas no meio da acção,
deixando subentendido o que sucede nos momentos omitidos ou criando
expectativa sobre o que sucederá a seguir.
Há cenas cuja componente visual é mais importante (uma cena de
acção) e cenas em que o diálogo é o elemento mais privilegiado; muitas
cenas conjugam, naturalmente, os dois aspectos. Há também cenas
nucleares (contêm elementos fundamentais para o desenrolar da intriga
e integram eventos nevrálgicos da história – as chamadas peripécias)
e cenas de transição (a sua função é ligar as cenas nucleares e podem
ser suprimidas sem que a estrutura da narrativa claudique – são os
chamados episódios, muitas vezes de natureza explicativa ou descritiva).
Da mesma forma que a ordenação das cenas na estrutura narrativa do
filme deve ser feita em função do crescendo da acção dramática na sua
globalidade, também uma cena deve ser organizada internamente tendo
em vista um crescendo progressivo da sua intensidade dramática. Uma
cena deve, portanto, ser vista como uma narrativa mínima.
Dentre os dispositivos narrativos, a sequência é um dos mais impor-

tantes. Uma sequência é um conjunto de cenas unidas por uma mesma
ideia ou tema (uma perseguição, um casamento, um funeral, um assalto,
uma reunião, um encontro, a fome, a tristeza, etc.), dessa forma cons-
tituindo uma unidade narrativa em si mesma, ou seja, uma narrativa
dentro da narrativa global que é o filme. Um filme é um conjunto de
sequências unidas que narram a história. Tal como a cena e tal como a
história, toda a sequência tem um princípio, um meio e um fim.
Naturalmente, não existe um número específico de sequências para
um guião – depende da história que se conta e do enredo que se constrói.
Ao contrário da cena, a sequência pode desenrolar-se num ou vários
espaços e ser temporalmente contínua ou descontínua.
A sequência é importante para a estrutura do guião porque – sendo
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as sequências as partes constituintes dos actos, e, simultaneamente, um

conjunto de cenas – é um ponto intermédio entre as unidades mínimas
e a estrutura global da narrativa. Num guião, são as cenas que es-
tão devidamente identificadas e não as sequências ou os actos; porém,
a percepção da organização, no guião, das cenas em sequências e des-
tas em actos é importante para a compreensão e acompanhamento da
história/narrativa na sua unidade e totalidade.
Do mesmo modo que a cena, a sequência deve possuir um propó-
sito, uma progressão dramática crescente e introduzir alguma espécie de
alteração no rumo dos acontecimentos ou na caracterização das perso-
nagens – se não cumprir estes preceitos formais e funcionais, ela deve
ser repensada ou, eventualmente, eliminada.
Um acto constitui uma parte abrangente e fundamental da história.

É no seu interior que se constrói o ritmo da história, permitindo delimitar
claramente vastas unidades de progressão dos acontecimentos. Como
a cena e a sequência, também o acto deve possuir uma intensidade
dramática crescente, a qual culminará numa peripécia fundamental que
provocará uma inflexão ou desvio no rumo da história. De algum modo,
podemos então delimitar cada acto em função das alterações notórias e
marcantes que ocorrem nos acontecimentos.
Conflito
O conflito pode ser visto como o princípio fundamental que explica e jus-
tifica a dinâmica de uma história. O tipo de enredo adoptado para uma
narrativa determinará a hierarquização dos conflitos. Assim, na estru-
tura narrativa convencional, embora as diferentes personagens de uma
história vivam conflitos próprios, e mesmo cada personagem viva diferen-
tes conflitos em simultâneo, com diversos motivos e distintas intenções,
é necessário eleger um conflito de entre eles, o qual irá constituir a linha
de acção principal para ser desenrolada por completo, obedecendo ao
sentido de unidade e totalidade próprios da estrutura narrativa.
O conflito principal da história determina e é determinado pelo ob-
jectivo do protagonista. Convencionalmente, todas as acções paralelas e
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secundárias são importantes – até porque atribuem consistência e com-

plexidade à história contada e dão profundidade às personagens –, mas
o seu tratamento deve ser cuidadosamente operado para que o seu in-
teresse não se sobreponha à história principal. Em contraste, no caso
das narrativas-mosaico, por exemplo, a relevância dos conflitos vividos
por cada uma das personagens tende a encontrar alguma equivalência
de grau em termos narrativos e alguma semelhança de tom em termos
dramáticos.
De qualquer modo, ter-se-á sempre em atenção que um conflito atra-
vessa diversas fases em que as relações de poder entre protagonista e
antagonista se vão alterando: as possibilidades de êxito do protagonista
tendem a diminuir no momento da perturbação, a ser praticamente nu-
las no momento de crise e a recuperar no momento da resolução. Por
outro lado, importa sublinhar que se o conflito se estabelece usualmente
entre herói e vilão, entre bem e mal, a existência de conflitos entre diver-
sas personagens com boas intenções poderá ser benéfico, uma vez que se
torna mais difícil tomar partido, evitando-se desse modo o maniqueísmo
mais simplista.
Em função da existência de um conflito estruturante, diremos que
toda a narrativa comporta algum tipo de tensão para o espectador, seja
ela de natureza emocional ou intelectual. A ideia de tensão dramática
crescente corresponde, no fundo, a uma espécie de ideal narrativo que há-
de criar no espectador um envolvimento emocional progressivo e exigir-
lhe um investimento intelectual reforçado à medida que a história vai
sendo desenrolada.
Portanto, entre o momento em que surge o problema que o protago-
nista deve solucionar e o momento em que sabemos se ele atinge ou não
esse objectivo, enfrentando nesse percurso um conjunto mais ou menos
vasto e extremado de dificuldades, a tensão dramática deve aumentar
progressivamente. Tal consegue-se se cada obstáculo, que constitui um
momento em que se decide o destino da personagem, apresentar um
grau de dificuldade crescente em relação ao anterior. O valor da vitória
ou da derrota final do protagonista advém dessa escala de dificuldades,
e a tensão criada pode advir da oposição de forças de diversa natureza
(políticas, sociais, pessoais, éticas, naturais, psicológicas, etc.).
Esse aumento progressivo da tensão pode, por seu lado, assumir di-
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versas modalidades: as adversidades podem revelar-se incessantes (res-

surgindo a cada momento), ubíquas (provenientes de todo o lado), afliti-
vas (vincando uma vulnerabilidade crescente), esmagadoras (impedindo
qualquer espécie de réplica), insólitas (inviabilizando qualquer previsão),
enigmáticas (ocultando qualquer causa).
Duas categorias psicológicas nos parecem especialmente importantes
para descrever aquilo que designamos por tensão, e que resultam, para
o espectador, da identificação que este faz com a personagem: por um
lado, a ansiedade, isto é, um desejo urgente de ver os problemas resolvi-
dos e as adversidades ultrapassadas, ou seja, de encontrar rapidamente
um desfecho satisfatório para uma acção; por outro lado, a angústia, isto
é, o receio de que a solução dos problemas esteja muito longínqua ou seja
mesmo inalcançável, parecendo impedir a vitória sobre as adversidades.
A angústia parece afastar-nos do desfecho, dilatando o tempo e invi-
abilizando a certeza da decisão por parte do protagonista. A ansiedade
parece compelir-nos para o desfecho, comprimindo o tempo e exigindo
a precisão da execução por parte do protagonista. Daí que a angústia
tenda a prevalecer no início de uma história e que a ansiedade tenda a
prevalecer nos seus momentos finais – precisamente porque no início não
sabemos para onde a história vai e esse rumo depende das decisões das
personagens e no final temos pressa de que tudo se resolva e para isso é
preciso fazer as coisas depressa e bem.
Assim, se a progressiva escassez de tempo (um tempo cada vez mais
valioso) tende a provocar ansiedade, o tédio (um tempo cada vez mais
monótono) tende a provocar angústia. Do mesmo modo, em relação
ao espaço enquanto obstáculo, podemos dizer que a clausura tende a
provocar ansiedade, ao passo que a deriva tende a provocar angústia.
Angústia e ansiedade podem, no entanto, metamorfosear-se recipro-
camente: se o desfecho ansiado se vai tornando mais distante do que o
previsto, o anseio vai-se transformando em angústia – como acontece,
por exemplo, nos filmes de terror, em que o monstro ou o assassino tei-
mam em não morrer. Se o desfecho se vai tornando mais próximo que o
previsto, a angústia vai-se transformando em ansiedade – como sucede
no thriller, em que o momento decisivo se parece precipitar compulsiva-
mente.
Podemos então dizer que se a escassez de recursos, bem como a cla-
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reza e urgência do objectivo de uma acção tendem a testar a capacidade

de execução da personagem e a gerar ansiedade, o excesso de recursos,
bem como a opacidade e o distanciamento do objectivo tendem a testar
a capacidade de decisão e a gerar angústia. Ansiedade e angústia, sob a
forma do anseio e do receio, são respostas a algum tipo de adversidade
e funcionam, de algum modo, como índices de tensão. E a tensão é um
dos valores fundamentais de uma narrativa.
Peripécia
A peripécia (designada em linguagem anglófona por plot point) é o tipo
de acontecimento ou evento mais relevante e decisivo numa história.
Trata-se de um evento mais ou menos imprevisto que provoca uma al-
teração brusca ou uma inflexão substancial na direcção da acção. Por
vezes, a peripécia faz mesmo a história seguir um rumo completamente
oposto ao percorrido até então. Ao longo da narrativa podem ocorrer
várias peripécias. A sua força dramática e as suas consequências no
desenrolar da história podem ser maiores ou menores, mas a progressão
da narrativa nunca lhe é indiferente.
Quando se escreve um guião ou se narra qualquer história é neces-
sário saber o sentido dessa história, ou seja, é necessário que exista uma
linha condutora dos eventos em direcção à resolução. Aquilo que faz o
enredo progredir, o que faz com que a história avance, são as peripécias,
os eventos dramática e narrativamente críticos que fazem a acção tomar
uma ou outra direcção.
Pela elevada intensidade com que interferem no rumo da história,
as peripécias causam uma notável tensão dramática e expectativa nar-
rativa: mistério, dúvida e surpresa são alguns dos efeitos da peripécia,
ajudando desse modo a manter ou a relançar o interesse do espectador
pela história.
Quando se localizam no início de uma história, as peripécias abrem
possibilidades para o destino da personagem e da história, exibindo uma
tendência para a incerteza acerca do decurso e do desfecho dos aconte-
cimentos. Pelo contrário, as peripécias que surgem mais tardiamente
na narrativa ajudam a definir o destino da personagem e da história,
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conduzindo o conflito para a sua resolução final e manifestando, desse

modo, uma tendência para a previsibilidade.
Propomos agora uma grelha de modalidades da peripécia. Sendo que
uma história pode apresentar um número indeterminado delas, existem
algumas que são especialmente importantes pois funcionam de algum
modo como pilares da narrativa, sustentando a sua estrutura. Passamos
a descrevê-las.
De modo a despertar o interesse e cativar a atenção do espectador
desde cedo, uma narrativa começa muitas vezes com um evento especta-
cular ou enigmático que, de alguma maneira, nos faz entrar na história,
ainda que a sua ocorrência possa ser irrelevante para o prosseguimento
da mesma. Chamaremos a esta peripécia hook, segundo a terminologia
anglófona.
A peripécia seguinte mais relevante acontece no final do primeiro
acto e instaura uma espécie de desvio em relação à previsibilidade e
à normalidade, desestabilizando a situação de equilíbrio vigente e reve-
lando muitas vezes uma perda de poder por parte do protagonista (início
das adversidades). Esta peripécia corresponde à perturbação.
Também o chamado momento de crise, localizado sensivelmente a
meio do segundo acto e a meio da história, consiste numa peripécia,
especialmente vincada, já que é nesse ponto que o protagonista se en-
contra num momento de maior afastamento em relação ao objectivo que
persegue. Chamaremos esta peripécia de complicação.
No final do segundo acto, a peripécia prenuncia uma espécie de re-
torno à normalidade, de recuperação do poder do protagonista ou de
tendência para o equilíbrio. Verificamos, deste modo, que a narrativa
tende a dirigir o espectador da dúvida para a certeza, mesmo se essa
certeza se adquire de forma surpreendente. Esta peripécia corresponde
à resolução.
O clímax é igualmente uma peripécia, e a mais decisiva de entre
todas, uma vez que se revela o derradeiro e definitivo momento de al-
teração na história. O estado de coisas muda de forma definitiva, para
bem ou para mal do protagonista.
Vale a pena referir ainda duas outras modalidades da peripécia que
pela sua especificidade na dinâmica narrativa podem ser determinantes.
O twist e o mcGuffin. O twist (que, em português, podemos traduzir por
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reviravolta) é uma peripécia surpreendente com implicações extremas

no rumo da narrativa e de elevada intensidade dramática. Por ser tão
incisiva, constitui um trunfo narrativo importantíssimo, pois ninguém
resiste a um golpe de teatro inesperado ou a um final completamente
imprevisível.
Neste tipo de peripécias, baseamo-nos naquilo que o público está
à espera e apresentamos algo substancialmente diferente: a reviravolta
está intimamente relacionada com aquilo que é provável ou não acontecer
e pressupõe a criação de uma expectativa e a subversão da mesma. Pode
ser usada cada vez que a personagem procura vencer um obstáculo, mas
deve ser guardada para momentos importantes da narrativa, sobretudo
o clímax, de modo a salvaguardar o seu impacto máximo.
O mcGuffin, por seu lado, é um elemento com uma função narrativa-
mente surpreendente e dramaticamente frustrante. Surpreendente por-
que aquilo que, a dado momento, parecia narrativamente relevante, ins-
taurando alguma expectativa suplementar, acaba por, posteriormente,
se revelar inútil. Frustrante porque aquilo que insinuava grandes impli-
cações dramáticas e se afigurava um motivo de tensão acrescida acaba
por se revelar insignificante. Serve como uma espécie de engodo para
o espectador, provocando a sua atenção, acabando por se revelar cho-
cantemente irrelevante. De alguma forma, trata-se de um enigma ou de
uma distracção.
Desfecho
O desfecho (também designado por clímax ou desenlace) é um evento
ou um conjunto de eventos que, na fase final da narrativa, dá resposta
às questões colocadas ou permite a resolução dos conflitos que se desen-
rolaram ao longo da mesma. É neste momento que as expectativas são
finalmente confirmadas ou contrariadas e a tensão é finalmente aliviada.
O desfecho é um dos dispositivos fundamentais da competência e da
estratégia narrativa: a ordenação dos eventos e a gestão da informação
é feita com o propósito de a tensão dramática ser a mais elevada neste
ponto e de a expectativa ser mantida até aí. Há um enigma, uma ques-
tão, uma dúvida, um mistério ou um desejo que são consecutivamente
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contrariados ao longo da narrativa e apenas neste momento satisfeitos.

É em função deste momento que toda a expectativa e toda a tensão do
espectador são geridas. Este é levado (por ínvios caminhos, muitas ve-
zes) a seguir a narrativa em busca de uma recompensa: a supressão da
dúvida, a confirmação das suas hipóteses ou a satisfação dos seus desejos
(estes são os requisitos fundamentais do mais comum dos desfechos, o
happy end ).
Até ao desfecho, o espectador vai juntando, descodificando, interpre-
tando, inferindo informação (ou seja, fazendo uso da sua competência
narrativa) no sentido de confirmar ou refazer as suas hipóteses e desejos.
Porque é uma espécie de fechamento da narrativa, funciona como uma
delimitação da mesma, uma baliza para onde se aponta ou uma meta
que se persegue. Colocado no final da narrativa, ele constitui, além do
mais, um intenso pico dramático, o grande final, uma espécie de súmula
e culminação do decurso dos acontecimentos, sendo facilmente memori-
zado. Por dever ser o apogeu dramático da narrativa, o desfecho será
objecto de especial atenção criativa – sem um bom final, não existe uma
boa narrativa. E por se tratar do apogeu dramático, o segmento nar-
rativo que se lhe segue, o epílogo, tenderá sempre a exibir um interesse
mais débil e será, intrinsecamente, mais curto.
Refira-se também que o desfecho provoca uma espécie de pressão
sobre a história e sobre o espectador. É ele que propulsiona os acon-
tecimentos, fazendo-os avançar. E é ele que provoca uma sensação de
urgência no espectador, o qual possui uma forte vontade de saber como
tudo vai acabar – este desejo de conhecimento narrativo corresponde-se
com um desejo de apaziguamento, de alívio da tensão dramática. Por
todos estes motivos, o final de uma história adquire um elevado valor
simbólico. Daí a aposta frequente num final em grande estilo, de que a
apoteose, culminando o crescendo dramático, é a mais celebratória das
modalidades e o twist a manifestação da maior singularidade e ousadia
criativa. Daí também alguns clichés aparentemente incontornáveis para
o final de uma história, como o duelo final ou beijo romântico.
Quando o espectador deixa de se preocupar com o que acontece às
histórias e às personagens depois do desfecho, temos um final fechado,
em que cessam todas as inquietações. Mas o final pode ser também re-
cusado enquanto tal. O desfecho de uma história pode deixar questões
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por responder. Podemos ter um final em aberto, propor finais alternati-

vos, deixar um enigma ou simplesmente renunciar a um final. Ele pode
ser também um alívio ou uma decepção para o espectador, dependendo
se confirma ou contraria os desejos e as expectativas deste.
Se, por outro lado, a narrativa que construímos se aproxima daquilo
que poderíamos designar por cinema da vida, de feição mais realista
e quotidiana, a narrativa tenderá a ser menos selectiva, estilizada, abs-
tracta ou moldada do que na pura ficção, e o desfecho a exibir um menor
grau de clausura. No caso de uma narrativa mais experimental, acon-
tece o mesmo: as ideias parecem sempre poder ser retomadas, num fluxo
ou numa torrente que torna a história difícil de resumir, delimitar ou
mesmo compreender.
Ainda assim, o final será sempre um momento crítico e marcante
(tal como o início, aliás, como se pode constatar pelo Génesis e pelo
Apocalipse que abrem e fecham os textos bíblicos). Ao longo da his-
tória do cinema são inúmeros os filmes que se celebrizaram, também,
pelos seus finais. Alguns exemplos: ‘Citizen Kane’, ‘White Heat’, ‘Ca-
sablanca’, ‘The Searchers’, ‘Sunset Boulevard’, ‘Spellbound’, ‘Dama de
Xangai’, ‘Os 400 golpes’, ‘Pickpocket’, ‘A Palavra’, ‘A Aventura’, ‘The
Fog’, ‘Breaking the Waves’, ‘Usual Suspects’, ‘Seven’, ‘Truman Show’,
‘Sexto Sentido’, ‘The Others’, ‘Thomas Crown Affair’, ‘25th hour’ ou
‘Luz Silenciosa’.
Personagem
A personagem é o elemento narrativo em torno do qual gira a acção.
Quer isto dizer que qualquer evento é sempre consequência da acção de
(ou sobre) uma personagem (seja enquanto agente ou enquanto paci-
ente). Por isso é muito importante reter que é aquilo que acontece às
personagens que dá espessura dramática e tensão emocional à narrativa.
Ao conjunto de dimensões, aspectos e outras características da per-
sonagem podemos chamar perfil. O perfil seria então, na sua versão mais
resumida, a descrição dos traços fundamentais da personagem e deve re-
flectir tanto a sua história, isto é, as suas origens, as suas mudanças e o
seu destino, como o seu tipo, isto é, a sua caracterização em relação a
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si próprio, às outras personagens da história e às personagens de outras

histórias. Podemos deste modo dizer que se o tema permite, de algum
modo, resumir o cerne conceptual de uma história, o perfil permite, de
modo semelhante, resumir o carácter nuclear de uma personagem.
Na estrutura narrativa clássica podemos identificar uma série de ele-
mentos que ajudam a melhor compreender a relevância de uma perso-
nagem. Assim, por um lado, a personagem clássica, e de forma mais
vincada o protagonista, possui um objectivo, o que dá à narrativa uma
organização teleológica que contribui para a sua inteligibilidade. Por
outro lado, a personagem está constantemente em risco: ou de perder
aquilo que possui ou de não alcançar aquilo que procura. Esse risco co-
loca a personagem em conflito e o conflito coloca-a em perigo – perigo,
conflito e risco são alguns dos factores fundamentais de identificação do
espectador com a personagem. O objectivo e as dificuldades que a per-
sonagem deve vencer para o alcançar obrigam-na a fazer escolhas em
função de certos valores e a tomar as correspondentes atitudes. As suas
escolhas e decisões denotam a sua perspectiva sobre o universo onde age
e permite ao espectador construir uma visão crítica sobre a persona-
gem. O objectivo, o conflito e as escolhas, por seu lado, resultam na
transformação da personagem ao longo da história, uma das premissas
dramáticas mais influentes na caracterização da mesma.
As personagens podem ser compreendidas em diversas dimensões,
com as quais podemos construir uma espécie de grelha de caracterização
bastante abrangente das mesmas. As dimensões que aqui identificamos
como fundamentais são as seguintes: o querer – as personagens, por
norma, perseguem algum objectivo que as faz agir, o que remete para
uma outra dimensão: o fazer; mas só faz ou age quem detém o poder da
acção; o poder, contudo, não se esgota em si mesmo – pelo contrário,
ele implica um saber; esse saber, por seu lado, é uma consequência do
que uma personagem sente, mas também do que pensa a respeito dos
acontecimentos e personagens que constituem a história. O conjunto
de saber, poder, querer, fazer, pensar e sentir desenham a grelha de
caracterização das personagens, isto é, aquilo que elas são e aquilo que
elas têm – ser e ter são, assim, as dimensões que completam esta grelha
de caracterização.
Necessariamente, esta apresentação esquemática das diversas dimen-
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sões das personagens revelar-se-á, por si mesma, bastante estéril se servir

de mera fórmula de composição daquelas. No entanto, questionar uma
personagem nestes diversos níveis, privilegiando as dimensões mais con-
venientes caso a caso, pode revelar-se um procedimento vantajoso no seu
design, o qual constitui um dos aspectos fundamentais da competência
narrativa. É nestas diversas dimensões que podem ser enquadrados e
compreendidos alguns dos aspectos fundamentais das personagens: os
motivos e as intenções, as causas e os efeitos, os propósitos e as con-
sequências, as decisões e as atitudes, os valores e as escolhas que em
cada acção ou situação estão envolvidos.
É do cruzamento, contraste e avaliação destas diversas dimensões

que resulta o traço fundamental de uma personagem, o que nos per-
mite sumarizar o seu perfil num conceito ou numa característica: por
exemplo, excêntrico ou típico, em função do grau de familiaridade e reco-
nhecimento que exibe; diletante ou diligente, em função do modo como
procede na abordagem às questões e dificuldades que se lhe colocam;
cândido ou cáustico, em função das suas atitudes ou posicionamento
crítico; ambicioso ou indigente, em função das posses e aspirações; pon-
derado ou temerário, em função das decisões e consequências das mes-
mas.
Mais: toda a personagem exibe um determinado percurso, uma his-
tória, da qual frequentemente resulta, no final, uma nítida alteração
na sua caracterização. São os eventos que motivam essa alteração que
se tornam relevantes para a narrativa. Se nada muda para a perso-
nagem, dificilmente um acontecimento encontra justificação dramática
numa história. A personagem de uma história tende a mudar, seja em
relação a si mesma seja em relação às outras personagens. Cada histó-
ria constitui, no fundo, uma espécie de jornada na vida da personagem.
Uma jornada que poderá ter múltiplas e decisivas consequências que se
manifestam dos mais diversos modos. Uma história pode constituir, por
exemplo: um processo de maturação, isto é, uma aprendizagem e conso-
lidação crítica e analítica sobre o universo em que a personagem existe;
uma oportunidade de redenção, ou seja, a correcção de um erro prévio;
uma necessidade de sacrifício, colocando o próprio destino ao serviço
de valores superiores; uma decadência inevitável, quando os aconteci-
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mentos levam à queda na indigência ou na perdição; uma conquista de

afecto, quando a carência emocional é colmatada; um teste de carác-
ter, quando a abnegação se torna imprescindível para o sucesso de um
empreendimento. É aquilo que a personagem faz que nos revela o que
ela é. Ser e fazer são as duas dimensões fundamentais tanto da história
como da personagem.
Como está bom de ver, o sucesso de uma personagem significa muitas
vezes o insucesso de outra, na medida em que todo o conflito resulta
da disputa por um mesmo objectivo. De qualquer forma, a ideia a
reter é que toda a personagem sofre algum tipo de transformação e
que o nível ou o género dessa transformação funcionam como critérios
de avaliação da intensidade dramática de uma narrativa. No fundo, é a
transformação de uma personagem que nos permite falar da sua história,
isto é, do modo como muda em relação aos acontecimentos e em relação
a si mesma.
O tipo da personagem é muito variado e motivado de muitas formas.

Toda a personagem possui relações (e conflitos) consigo própria e com
outras personagens. Em relação a si própria, na medida em que muitas
vezes a própria personalidade pode ser motivo de conflito. Frustrações
e carências em relação a si própria são muitas vezes assumidas como
motivos dramáticos de uma história. A busca da harmonia consigo
própria é frequentemente o objectivo perseguido pela personagem.
Mas a personagem estabelece igualmente relações com outras perso-
nagens. É desse contraste que resulta a identificação do seu tipo. Ela
pode assemelhar-se ou diferenciar-se daquelas. Através da identificação
dos traços que partilha com outras personagens podemos determinar a
sua pertença a um tipo. Através das diferenças que exibe, podemos
identificar o seu traço dominante, isto é, o que a singulariza e em que
medida. Podemos então falar de contraste e de consistência como dois
valores fundamentais da caracterização da personagem: por um lado,
o contraste assegura-lhe uma identidade própria, uma autonomia que a
distingue das outras; por outro, a consistência permite o seu reconhe-
cimento, coerência e credibilidade. Se a consistência contribuirá para
assegurar a sua verosimilhança, isto é, para a crença do espectador nas
suas acções enquanto logicamente motivadas e causadas, o contraste há-
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de contribuir para e indiciar a sua originalidade, isto é, para a expansão

da sua riqueza semântica.
A consistência e o contraste de uma personagem podem ser aferidos
não só através das relações da personagem consigo própria e com as
outras personagens da história em que existe, mas igualmente com per-
sonagens de outras histórias. É em função das semelhanças e diferenças
que exibe com elas que podemos identificar o seu tipo e os desvios que
exibe em relação a este.
O tipo e a história da personagem resultam em muito das escolhas

que ela efectua em função de um sistema de valores da mais diversa
ordem. Toda a personagem existe numa rede de múltiplas implicações:
históricas, políticas, sociais, culturais, religiosas ou éticas. Compreen-
der estas diversas implicações e enquadrar nelas a personagem ajuda
a dar-lhe espessura e profundidade. Os valores inerentes a cada uma
destas áreas constituem-se como referência na avaliação das escolhas da
personagem.
As escolhas efectuadas, ou seja, a adesão ou renúncia de certos valo-
res é o que permite comparar as personagens e sustentar a sua caracte-
rização. É em função dos valores instituídos que se efectua a clivagem
fundamental entre o bem e o mal. Esta clivagem conduz à distinção
primordial no contexto da narrativa, entre herói e vilão, a qual se cor-
responde normalmente com a distinção entre protagonista e antagonista.
Esta distinção entre bem e mal, herói e vilão, permite, por seu lado, que
o espectador se coloque no lugar da personagem – aquilo que se designa
por empatia – e a partir desse lugar tome uma posição de simpatia ou
antipatia por ela, isto é, favorável ou contrária às suas escolhas e acções.
Os valores representados pelas personagens e os valores defendidos
pelos espectadores entram assim em confronto e é a partir desse con-
fronto que uma narrativa é, em grande medida, interpretada, contra-
pondo as personagens entre si e contrapondo as personagens com o es-
pectador. Assim, as convicções políticas, as referências sociais, as tra-
dições culturais, as expressões pessoais, as tendências morais das perso-
nagens devem ser elementos fundamentais da sua caracterização, já que
a relação destas com o espectador passa inevitavelmente por aí.
Laços íntimos e afectivos, contexto familiar e profissional, gostos e
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humores, aparência e posses são elementos que ajudam a construir a

personagem. É através deles que as personagens podem ser colocadas
em perspectiva pelo espectador e comparadas com outras personagens.
É em função deles que desenhamos o perfil da personagem, indo da
aparência física às suas posses (idade, bens materiais, beleza, postura);
da existência social (militância política, vida familiar, nível educacio-
nal, habilitações profissionais) ao retrato psicológico (anseios secretos,
frustrações dolorosas, gostos extravagantes, decisões comprometedoras).
A classificação das personagens pode ser efectuada segundo dife-

rentes critérios, o que origina diversas categorias, cuja designação nem
sempre é coincidente. A classificação que aqui propomos assenta nos
seguintes critérios: relevância, motivação, densidade e configuração.
A relevância prende-se, sobretudo, com o nível de intervenção que a
personagem tem no decurso da narrativa. Assim, encontramos no topo
da hierarquia o personagem principal ou protagonista da história – ele
assume particular importância e é o meio fundamental para o espectador
se envolver na história, fazendo-o através da identificação com os seus
dilemas, dificuldades, desejos, carências, objectivos, etc. Na estrutura
narrativa clássica, o protagonista está no centro da acção e é rodeado
por personagens secundárias. É no protagonista que normalmente se
sustenta o enredo. As mudanças que sofre são um aspecto fundamental
da sua caracterização e essas modificações são causa e consequência
da transformação que sucede na própria história que protagoniza e é
narrada.
Nessa espécie de hierarquia dramática das personagens, encontra-
mos, num nível bastante similar, ainda que com função dramática oposta
é o antagonista. Porque é com ele que o protagonista deve medir forças
e disputar objectivos, o antagonista deve possuir uma força dramática
equivalente, ao ponto de, ocasionalmente, acabar por suplantar o pro-
tagonista.
Em seguida surgem as personagens secundárias – estas alinham-se
de modo cúmplice ao lado do protagonista e do antagonista, ajudando
muitas vezes na sua caracterização ou na prossecução dos seus objecti-
vos, ao mesmo tempo que servem de termo comparativo e sublinhado
da sua importância dramática e narrativa.
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Por fim, encontramos os figurantes, cuja relevância narrativa é mí-

nima, na medida em que a sua intervenção no decurso dos acontecimen-
tos é meramente pontual e que a sua eliminação não possui implicações
críticas na inteligibilidade ou na intensidade dramática da história. Ser-
vem sobretudo para ajudar a criar ambiente e contexto.
A motivação dramática, por seu lado, relaciona-se não com o nível de
intervenção da personagem na narrativa, mas com o género de actuação
que detém na história e no decurso dos seus acontecimentos. Em alguns
aspectos, esta categorização encontra paralelo com a anterior, uma vez
que ao protagonista fazemos normalmente corresponder o herói e ao
antagonista fazemos corresponder o vilão.
Herói e vilão são, então, as duas figuras fundamentais da motivação
dramática numa história. O herói será aquele que se coloca do lado
do bem e o vilão aquele que se coloca do lado do mal. Daí que, no
seu comportamento, o herói exiba atributos de nobreza, de grandeza,
de sobriedade, de ponderação, de justiça e de beleza, ao passo que o
vilão exibe todos os atributos opostos. O herói tende a ser apresentado,
na sua definição clássica, como um ideal humanista, carregado de toda
uma simbologia ética e politicamente imaculada, ao passo que o vilão
representa toda a baixeza, vício e miséria humana, tantas vezes no limite
da barbárie e da bestialidade.
Uma terceira figura se vem, porém, colocar a meio caminho entre
as duas anteriores. Trata-se do anti-herói. Mantendo, à semelhança do
herói, o bem como objectivo último, ele pode, no entanto, fazer o mal
para o conseguir. É sobretudo no método, mais do que no propósito da
sua actuação, que ele se distingue do herói. Trata-se de uma personagem
que questiona e desafia o axioma segundo o qual os fins não justificam os
meios. A sua motivação é, por isso, frequentemente alvo de cepticismo
ou contestação ética por parte do espectador, do mesmo modo que os
valores vigentes e as convenções aceites são alvo de desdém ou escárnio
por parte do anti-herói. Ainda assim, permite uma fácil empatia na me-
dida em que, não se apresentando como um ideal imaculado de perfeição
e justiça, exibe algumas das fragilidades do cidadão comum, expondo o
seu lado sombrio: a fraqueza, a culpa, o desvio, a falha, a arrogância ou
o egoísmo são, entre outras, características que o definem, mas que não
o condenam.
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A densidade prende-se com a riqueza semântica exibida pela persona-

gem, isto é, com o potencial de interpretação que oferece ao espectador.
É, por isso, um dos critérios através dos quais mais frequentemente se
faz a sua análise e a sua crítica.
Tradicionalmente, este critério distingue entre personagens planas e
personagens redondas. A débil elegância e pouca exactidão destas de-
signações levam-nos, contudo, a propor uma terminologia alternativa.
Falaremos então de personagens simples e de personagens complexas,
sendo que a simplicidade e a complexidade advêm precisamente do in-
vestimento necessário para a sua compreensão e interpretação. Obvia-
mente, os índices de simplicidade e de complexidade nunca são absoluta-
mente mensuráveis. Trata-se, portanto, de uma apreciação aproximativa
e empírica, sendo que a linha que demarca cada uma das categorias se
afigura sempre precária e volátil. Assim, não devemos ter a tentação
imediata de discriminar e valorizar um ou outro tipo de personagem,
mas sim de averiguar a sua adequação à história que se conta e à forma
como se quer contá-la. De qualquer modo, indicamos aqui os traços que,
usualmente, distinguem estes dois tipos de personagem.
As personagens simples caracterizam-se por assumir traços estereo-
tipados e unidimensionais, motivos e objectivos bem definidos para as
suas acções, bem como comportamentos bastante previsíveis – são muito
utilizados, por exemplo, nos filmes de acção e nas produções da indús-
tria cultural americana. Os heróis e vilões de vários géneros tendem a
cair dentro desta categoria. São, normalmente, construídos em torno de
uma ideia ou qualidade bastante marcada, o que lhes fornece atributos
e contornos de algum modo redundantes e familiares para o espectador:
os gestos, comportamentos, diálogos ou opiniões variam muito pouco
entre histórias do mesmo género. Essa ausência de surpresa faz com se-
jam facilmente reconhecidos e relembrados, o que pode ser benéfico do
ponto de vista da atenção e interesse imediato dos espectadores, já que
se revelam figuras típicas. Podemos dizer que nesta categoria de perso-
nagens, o investimento na sua caracterização é menor que o investimento
na construção do enredo.
No caso das personagens complexas, por seu lado, o investimento
na sua construção tende a prevalecer sobre o investimento no enredo.
Estas personagens possuem uma complexidade elevada que as distingue
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claramente de quaisquer outras e que dificulta a sua tipificação, o que

lhes assegura um elevado grau de singularidade e uma identidade niti-
damente marcada. São peculiares, sofisticadas e imprevisíveis em mui-
tos dos aspectos que respeitam à sua caracterização: surpreendentes no
comportamento, excêntricas na aparência, inauditas nos seus motivos ou
insondáveis nas intenções. Em muitos casos, a história é construída pre-
cisamente em redor da personagem, da sua invulgaridade: personagens
ímpares que frequentemente vivem situações incomuns. Este género de
personagens pode ser localizado fundamentalmente no cinema de autor
e no cinema independente.
Como referimos anteriormente, é o tipo de história que se pretende
contar, e, sobretudo, o modo como se conta, que determina a caracteri-
zação das personagens – as personagens simples ganham em economia
narrativa, mas perdem para as personagens complexas em potencial dra-
mático.
Também dentro desta categorização cabe uma terceira figura, a da
anti-personagem. Apesar da familiaridade de traços através dos quais
canonicamente desenhamos e tipificamos uma personagem, as variações
e gradações de caracterização são sempre possíveis, e, no limite, po-
demos mesmo trabalhar com um modelo de personagem que contrarie
em grande medida a sua percepção convencional – ou seja, é possível,
levando a experimentação ao limite, negar a própria ideia de persona-
gem enquanto identidade singular, coerente e reconhecível. Da mesma
forma que falamos de anti-narrativa a propósito de filmes que contes-
tam os códigos de causalidade e inteligibilidade narrativa, podemos falar
de anti-personagem quando os critérios de consistência motivacional ou
identitária da personagem são colocados em risco ou renegados. No
fundo, trata-se de, nestas situações, levar a ideia de complexidade da
personagem aos limites da consistência e da inteligibilidade, denegando
a sua coerência narrativa para a dar a ver enquanto artifício textual. As
incongruências motivacionais, a ambiguidade identitária ou a interpe-
lação deliberada do espectador constituem algumas das estratégias que
permitem falar de anti-personagens, denegando o ideal de transparência
e autonomia diegética da narrativa convencional.
Como último critério de categorização das personagens encontramos
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a configuração, a qual se prende com a sua dimensão quantitativa. A este

respeito identificamos duas modalidades distintas: individual e colectiva.
A primeira destas modalidades, a individual, é a mais frequente: uma
personagem adquire uma clara predominância dramática e narrativa,
constituindo-se em protagonista e herói, sendo em seu redor que toda a
história é construída.
A segunda modalidade, a colectiva, aparece de forma mais esporá-
dica. Neste caso, a motivação e a capacidade de acção não se cingem
a um indivíduo, mas têm origem num grupo mais ou menos vasto de
agentes que se congregam na prossecução de um determinado objectivo.
Falamos então de uma personagem colectiva que, contudo, tende a ser
representada e liderada por um indivíduo que sobressai dentro do grupo
e conduz os destinos desta.
A forma de expressão das personagens é algo de decisivo na sua

caracterização. O modo mais simples e eloquente de transmitir os pen-
samentos ou emoções das personagens consiste em transformá-los em
diálogos ou acções. Assim, podemos afirmar que, genericamente, na
narrativa cinematográfica pensar e sentir equivalem a falar e agir, pois
é necessário que a personagem exprima através de acções ou de diálo-
gos os seus pensamentos e sentimentos para que o espectador os possa
conhecer.
Ainda que dependa muito do estilo, do género ou do propósito de
cada narrativa, tende a privilegiar-se, sempre que apropriado, a acção
em detrimento do diálogo. O que as personagens fazem, mais do que o
que elas dizem, permite desenhar e reconhecer o seu perfil, a sua forma
de ser. Porém, devemos ter em conta que certos estados emocionais
das personagens, pela sua intimidade ou complexidade, só através do
discurso verbal encontram a sua expressão adequada (através do diálogo,
do monólogo, da interpelação ou da narração, que analisaremos a seguir).
O que importa reter é que, eventualmente, os sentimentos e pensa-
mentos da personagem que são ocultados são dramaticamente inexis-
tentes. E se possuem relevância narrativa, então o espectador deve ter
deles conhecimento. Pensamentos e sensações devem, pois, ser elucida-
dos através de diálogos ou acções.
O espectador relaciona-se, portanto, com uma personagem em fun-
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ção do modo como se comporta, mas também da forma como se exprime.

A relevância do diálogo e da acção para a caracterização da personagem
e para a identificação da sua importância narrativa não deve escamotear,
no entanto, que tanto o silêncio de uma personagem perante um facto ou
uma opinião, como a sua inércia perante um acontecimento ou uma ati-
tude possuem frequentemente um significado dramático elevado e, por
vezes, imprescindível. Nada fazer ou nada dizer podem ser, em certos
momentos, a melhor forma de exprimir uma posição, um pensamento
ou um sentimento.
Na caracterização da personagem deve-se também ter em atenção
que a expressão não passa apenas pela fala propriamente dita, pelo
discurso articulado e verbalizado, mas também pela linguagem corpo-
ral: determinados tipos de olhar, certos gestos ou formas de sorrir, por
exemplo, possuem em circunstâncias específicas um valor simbólico que
dispensa o diálogo expositivo.
Se a forma de agir de uma personagem ajuda à sua caracterização,
o modo de falar tem a mesma consequência. Apesar dos padrões de
comportamento e expressão que as personagens tendem a apresentar em
função da sua categoria ou tipificação, é importante ter sempre em conta
que uma maneira própria de dialogar ajuda a singularizar a personagem
e revela muita da sua riqueza: devagar ou depressa, com sotaque ou
pronúncia, com elegância ou informalidade.
O nome da personagem pode ser um elemento igualmente relevante
para a sua caracterização, dizendo muito acerca do modo como se ex-
prime ou como outras personagens se exprimem em relação a ela. O
nome da personagem pode ser um óptimo veículo para fornecer infor-
mações importantes acerca daquela, como, por exemplo, a classe social
ou o traço fundamental do seu carácter – logo pode ter grande valor
dramático e narrativo. Neste aspecto, as alcunhas podem ser de grande
utilidade na caracterização da personagem.
Um bom conhecimento da personagem revela-se, então, fundamental
para a concepção da história. Para esse conhecimento profundo, dois
aspectos são relevantes: por um lado, toda a sua vivência e relações
desde o nascimento até ao momento em que o filme se inicia, isto é, o
processo que corresponde à formação da personagem; por outro, a sua
existência desde que o filme se inicia até ao momento em que acaba,
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ou seja, a sua existência durante a história que se conta – é aquilo que

definimos como revelação da personagem.
É com base na biografia da personagem que as suas acções no con-
texto de uma história são mais facilmente inteligíveis e justificáveis,
constituindo-se muitas vezes certos eventos passados na chave para a
compreensão da sua existência presente. É nessa formação da persona-
gem que encontramos os motivos de certas intenções ou as causas de
certos comportamentos. E sem um conhecimento adequado da motiva-
ção e das intenções das personagens não podemos decifrar ou avaliar os
objectivos ou as fragilidades que revelam.
Chegados aqui, coloca-se necessariamente a questão: como construir
boas personagens? Antes de mais, quando se começa uma história, deve
saber-se quem é o protagonista, ou seja, sobre quem é a história que se
conta. Este ocupa o topo da hierarquia e é em seu redor que todas as
outras personagens hão-de surgir. Se, por maioria de razão, em função
da sua relevância dramática predominante, é imperioso saber qual o
objectivo do protagonista, o mesmo se aplica às restantes personagens,
uma vez que também para estas são os objectivos que os levam a agir
e os colocam em conflito – e o conflito é o factor de dinamização e
progressão fundamental da história. Logo, o conflito é igualmente o
critério de avaliação dramática e de justificação narrativa de todas as
personagens. Se uma personagem não persegue um objectivo ou enfrenta
um conflito, dificilmente ela encontrará a sua justificação na narrativa.
Objectivo e conflito são, portanto, as instâncias fundamentais que
determinam a caracterização da personagem, contribuindo para a defi-
nição clara do seu perfil: é em função do conflito que vive que a per-
sonagem decide e executa; é em função do objectivo que persegue que
compreendemos os propósitos e as consequências das suas acções.
De resto, podemos resumir que a personagem. . .
. . . deve ter um rumo: um passado, um presente e um futuro, no qual
se enquadram as metamorfoses que sofre ao longo da história, mesmo
quando a deriva parece ser o seu estado normal. Chamemos-lhe a sua
biografia.
Deve manifestar algum tipo de vontade: a vontade é um dos traços
fundamentais do carácter, na medida em que revela o grau de empenho
num objectivo. É a vontade que a leva a agir.
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Deve ter convicções: é em função delas que percebemos as suas

atitudes perante os acontecimentos e a forma como lhes atribui valor.
Revela a sua perspectiva crítica sobre o que a rodeia ou lhe acontece.
Deve ser singular: mesmo que pertença a uma categoria reconhecível
de personagens, é conveniente que manifeste atributos de algum modo
ímpares.
Deve ser complexa: ainda que se trate de uma personagem típica,
algum grau de complexidade contribui sempre para a sua credibilidade
e empatia.
Deve ser sólida: os seus comportamentos ou posições devem ser con-
sistentemente justificados em função das circunstâncias e dos motivos
porque age, desse modo ganhando credibilidade.
Deve ser arrebatadora: é em função da densidade e fascínio que
adquire e provoca que a personagem cumpre a sua mais exigente função,
a de arrebatar o espectador.
Para concluir: uma personagem deve fazer-nos acreditar na sua ve-
rosimilhança e cativar-nos com o seu comportamento. Uma personagem
deve revelar-se, portanto, um ser com densidade e fascínio. Densidade e
fascínio respondem aos objectivos fundamentais que a caracterização de
uma personagem deve perseguir: encontrar a sua pertinência narrativa,
ou seja, a sua justificação na história contada e em função do modo
como é contada (porquê e para que existe?), bem como adquirir espes-
sura dramática, isto é, ser arrebatadora ao ponto de provocar a adesão
e a empatia do espectador (como existe?). No fim de contas, trata-se
de fazer o espectador acreditar nas personagens, interessar-se por elas,
preocupar-se com elas e julgá-las. Como se fossem pessoas, portanto. . .
Diálogos
Apesar de algumas tentativas iniciais, o cinema começou sem diálogos.
Só a partir de 1927, imagem e som passaram a conviver sincronicamente.
Nem todos receberam com entusiasmo essa inovação, mas, na medida
em que o cinema assumia um predomínio da narrativa e em que a in-
terlocução é um dado fundamental da experiência humana, revelar-se-ia
inevitável a sua vulgarização.
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Em cinema, como em literatura, a existência de diálogo implica uma

espécie de apagamento do narrador. Assim, uma cena dialogada respeita
normalmente o tempo real de interacção e interlocução das personagens
que nela intervêm. Contrariamente, quando se recorre à voz off, por
exemplo, a presença do narrador torna-se bem mais notada e muitas
vezes serve a função de resumir os acontecimentos. Diálogo e voz off
(ou narração) são os dois dispositivos fundamentais de verbalização no
cinema. Esta distinção entre diálogo e voz off remete para a diferença
bem antiga entre mimese e diegese ou entre showing e telling: no pri-
meiro elemento de cada par assinala-se um afastamento do narrador,
mostrando-se os factos em si mesmos, ao passo que no segundo, o nar-
rador se assume nitidamente como mediador entre os acontecimentos
e o público. O recurso a cada um destes dispositivos narrativos não
deixa de possuir implicações dramáticas, determinando a forma como o
espectador se relaciona com a acção.
Pelo recurso frequente que dele é feito na narrativa cinematográfica,
o diálogo deve ser objecto de uma especial atenção. Não existe, cer-
tamente, um modelo de diálogo ideal, um conjunto de regras formais
que garantam que um diálogo está bem escrito ou dramatizado. Cada
situação narrativa e cada personagem determinam a forma do diálogo.
Contudo, a especificidade da narrativa cinematográfica levou à depu-
ração e enunciação de um conjunto de preceitos que se devem ter em
conta pelo auxílio que podem oferecer ao processo de escrita dos diálo-
gos. A seguir estão enunciados alguns deles, os quais podem ajudar a
evitar problemas comuns, importunos, muitas vezes de graves e nefastas
consequências, e, paradoxalmente, de fácil solução. Mas que podem ser
igualmente objecto de subversão.
Estes preceitos por si só não asseguram a escrita de diálogos ex-
celentes. Quando muito podem criar as condições básicas para que a
criatividade se exprima de modo mais vincado. Se excluirmos o talento,
sempre insondável e inquantificável, duas outras características podem
ajudar à escrita de bons diálogos: prestar atenção ao que, nas mais di-
versas situações do quotidiano, as pessoas dizem e como o dizem, para
melhor se perceber os ritmos, peculiaridades e padrões de conversação;
conhecer com a profundidade necessária o género, o tema e as persona-
gens da história que estamos a narrar.
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Luís Nogueira 125
Quando falamos de diálogo e das suas modalidades, importa desde

logo referir que entendemos por diálogo qualquer forma de discurso ver-
bal que possa surgir numa narrativa fílmica. Daí que modalidades como
o monólogo, a narração (voz off) ou o solilóquio surjam lado a lado com
a interlocução, essa sim, a modalidade técnica exacta do diálogo, que
pressupõe a conversação entre dois (ou mais) intervenientes da história.
Contudo, convém realçar que mesmo a narração ou o solilóquio cons-
tituem alguma espécie de diálogo, mais não seja entre a personagem
ou o narrador e o espectador. Descrevemos de seguida aquelas que se
podem considerar as modalidades fundamentais do diálogo, procurando
identificar para as mesmas as funções que lhe são mais propícias.
Em primeiro lugar temos a interlocução, ou seja, a conversação entre
duas pessoas, a qual corresponde àquilo que habitualmente entendemos
por diálogo. Como a observação de qualquer filme narrativo comprova,
a interlocução é um dos dispositivos fundamentais para contar uma his-
tória. Frequentemente, a interlocução ocupa quase a totalidade de um
filme (ou seja, as personagens falam constantemente), ainda que se en-
contrem excepções em que esta é reduzida ao mínimo necessário, que
pode chegar mesmo à inexistência.
Tendo, por norma, como função primordial ajudar à compreensão
e progressão dos acontecimentos e à caracterização das personagens, a
interlocução pode assumir, contudo, uma forma divergente em relação
aos mesmos, quebrando certas convenções ou códigos narrativos: por
exemplo, quando surgem falas sem uma personagem a quem sejam di-
rectamente atribuíveis.
Uma segunda modalidade do diálogo consiste na narração, que se
concretiza frequentemente no recurso à voz-off. Neste caso, uma enti-
dade, que pode ou não ser uma personagem pertencente ao mundo da
história, assume-se como narrador, dirigindo-se a uma identidade geral
que corresponde ao público. A narração torna manifesta, mais do que
acontece com a interlocução, a mediação que qualquer texto narrativo
comporta.
A narração pode cumprir as mais diversas funções: reflexiva, quando
apresenta algum tipo de análise ou comentário acerca dos acontecimen-
tos da história; explicativa, quando ajuda a compreender as causas ou
os efeitos dos acontecimentos; crítica, quando manifesta alguma espé-
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cie de opinião ou juízo acerca das consequências dos acontecimentos ou

das atitudes das personagens; expositiva, quando revela algum tipo de
informação que pela sua intimidade ou secretismo seria vedada ao es-
pectador; provocadora, quando incita no espectador alguma forma de
adesão ou contestação; poética, quando acrescenta à apresentação dos
acontecimentos alguma qualidade estética que os enriquece.
No solilóquio, a personagem expõe em voz alta os seus pensamentos
e sentimentos. Apesar de se tratar de um dispositivo raramente utilizado
no cinema, ele pode ser uma interessante via de acesso à existência inte-
rior da personagem, contribuindo desse modo para a sua caracterização.
Pode considerar-se como uma das formas mais imediatas de conhecer
uma personagem, já que é esta a manifestar as suas inquietações, re-
ceios, afectos ou expectativas, sem qualquer mediação e de um modo
deliberado. Sendo produzido em voz alta, constitui uma modalidade
próxima do diálogo, ainda que o seu interlocutor seja indeterminado.
Quanto ao monólogo interior, trata-se da expressão mais profunda
e espontânea da existência mental da personagem. Ao contrário do que
sucede no solilóquio, no monólogo interior, também conhecido aproxi-
mativamente por corrente de consciência, o discurso parece apagar as
marcas da sua construção lógica – ele é apresentado como se tivésse-
mos acesso directo e imediato aos estados intelectuais e emocionais da
personagem. Quanto maior a sua espontaneidade, as suas imperfeições
formais e por vezes a inconsistência dos conteúdos, anteriores a qual-
quer formulação ou articulação discursiva racional e deliberada, mais
nos aproximamos da corrente de consciência e nos afastamos do monó-
logo interior.
A interpelação surge quando é deliberada e nitidamente dirigido um
discurso ao espectador. Trata-se do caso extremo de consciência do texto
narrativo por parte do espectador, isto é, de uma constatação de que se
encontra perante um relato que é produzido por alguém. Daí que tenda
a quebrar a ideia de transparência enunciativa própria da narrativa con-
vencional. A interpelação pode acontecer através do narrador que se
dirige ao espectador em voz-off, ou pode acontecer através da persona-
gem, que se dirige directamente ao espectador, tomando este como um
claro interlocutor.
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Os diálogos cumprem necessariamente funções determinantes no

texto narrativo. Em primeiro lugar, são o meio primordial de expressão
por parte das personagens. Na medida em que permitem que as per-
sonagens se exprimam, contribuem para a caracterização destas, para
o conhecimento das suas intenções, dos seus motivos, dos seus pensa-
mentos ou dos seus sentimentos. Em segundo lugar, permitem adiantar
informações acerca da história, dos acontecimentos, das suas causas e
efeitos, contribuindo para a sua explicação e compreensão. As informa-
ções acerca dos acontecimentos facultadas pelo diálogo devem sempre
contribuir para a progressão da mesma, e nunca impedir a fluidez do
enredo. Em terceiro lugar, os diálogos permitem criar laços de cumpli-
cidade ou impor um afastamento entre o espectador e as personagens,
proporcionando a empatia, a simpatia ou a antipatia daquele em relação
a estas.
Em qualquer caso, os diálogos devem, por princípio, contribuir para
a densidade da história e para a clareza do enredo, facultando a sua com-
preensão e julgamento por parte do espectador, e para o envolvimento
com as personagens, proporcionando ao espectador uma perspectiva crí-
tica acerca das mesmas. Os diálogos devem, portanto, servir a narrativa.
Assim, sempre que possível, diálogos e acções devem conciliar-se, e não
surgir como elementos narrativos isolados ou alternadamente apresenta-
dos. Portanto, se não adiantar à progressão narrativa ou à intensidade
dramática da história e se não ajudar à caracterização da personagem ou
à sua expressão emocional ou intelectual, um diálogo deve ser repensado
e eventualmente eliminado. Daí igualmente que tanto a caracterização
da personagem como os seus objectivos devam ser claramente estabele-
cidos.
Tanto o tom como o ritmo ajudam a definir o estilo do diálogo.

Mas uma consideração de ordem mais genérica deve ser efectuada. Se
é certo que um diálogo num guião se concretiza naturalmente numa
forma escrita, não deixa de ser verdade que, na maioria dos casos, ele
reproduz situações de conversação oral. Assim, deve evitar-se um tom
excessivamente literário. Esta premissa estilística advém do facto de o
diálogo num guião ser escrito para ser dito e não para ser lido. Por
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isso, o tom, a pontuação, o léxico devem ter em atenção a especificidade

estilística da oralidade.
Embora atendendo e respeitando as regras gramaticais da escrita, o
diálogo cinematográfico deve, eventualmente, reproduzir as peculiarida-
des da oralidade e reproduzir ou simular as nuances e tom da conversa-
ção, evitando naturalmente as redundâncias, banalidades, divagações e
incongruências que, inadvertidamente, impeçam a sua inteligibilidade.
Por isso, as hesitações, as interrupções, as pausas, os tiques, os sotaques,
o calão, os clichés ou as pronúncias tão próprias à oralidade devem ser
vistos como dispositivos adequados à escrita de diálogos sempre que as
personagens e as situações narrativas o justifiquem, já que repercutem
e reverberam o tom informal e coloquial da oralidade, ao mesmo tempo
que ajudam a sublinhar a singularidade das personagens.
Em última instância importa mais o facto de o diálogo ir ser ouvido
pelo espectador do que lido no guião. Existe uma grande diferença
entre o discurso escrito para ser dito e ouvido e o discurso escrito para
ser lido. Tendo este facto em conta, não devemos esquecer-nos, porém,
que a especificidade de uma situação narrativa ou de uma personagem
são determinantes no tom, no ritmo, no conteúdo e no estilo do diálogo:
não se fala da mesma forma na rua ou num tribunal, num quartel ou
num bar. Não se exprime do mesmo modo um operário ou um deputado,
um criminoso ou um escritor.
Para além da situação narrativa e da personagem, também a moda-
lidade de diálogo e a estratégia comunicacional determinam o seu estilo:
por exemplo, a narração em voz-off, por exemplo, tende a ser mais so-
fisticada estilisticamente, procurando cumplicidade ou eloquência com
o espectador, enquanto o monólogo interior tende a ser mais cru, deno-
tando autenticidade e espontaneidade.
O tom de um diálogo é uma das suas propriedades estéticas fun-
damentais, ou seja, a sua qualidade formal determinante. Um discurso
pode assumir os mais diversos tons, e será sempre o género de situa-
ção narrativa e as personagens intervenientes a ditá-lo. Da confissão à
agressividade, da ironia à provocação, da crítica à sedução, do elogio
ao escárnio, da zombaria à solenidade, da harmonia à crispação, são
inúmeras as tonalidades que um diálogo pode assumir.
De algum modo, o tom sublinha a musicalidade do diálogo, provo-
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cando alguma impressão estética no espectador. Não devemos esquecer-

nos que um mesmo diálogo pode conter diversas tonalidades, e que mui-
tas vezes essa mutação se revela uma qualidade imprescindível de um
bom diálogo, começando, por exemplo, com desdém e ironia e termi-
nando em confidência e arrebatamento.
Também no que respeita ao ritmo, o diálogo pode assumir diversas
configurações. Um preceito comummente aceite defende que as falas
das personagens devem ser breves, desse modo garantindo uma maior
vivacidade do diálogo, contrariando o possível tédio. A réplica rápida
e incisiva, manifestando ironia ou veemência, tão comum no diálogo
cinematográfico, confirma isso mesmo. No entanto, diálogos longos, mais
ou menos explicativos ou irónicos e mesmo monólogos confessionais e
provocadores são igualmente frequentes.
Nas situações de interlocução, devemos sempre ter em conta as van-
tagens da interacção: os papéis de emissor e receptor são constante-
mente permutados. Uma vez que um diálogo é, por norma, feito de in-
terrupções, avanços, picos emotivos ou dramáticos, pausas, perguntas,
exclamações, acusações, desacordos, consentimentos, concordâncias, in-
terpelações ou repetições, por exemplo, todos estes elementos devem ser
tidos em conta na marcação do ritmo. A situação dramática, a carac-
terização da personagem, a estratégia narrativa ou o tema do diálogo
condicionam o tom, o ritmo e o estilo do mesmo.
Mas um diálogo não conta apenas pela forma. O seu conteúdo

é igualmente relevante. Em primeiro lugar, uma operação de selecção
se impõe: tudo o que não contribua para a compreensão da história e
impeça a sua progressão ou que não ajude à caracterização das perso-
nagens deve ser eliminado. A subtracção de elementos de um diálogo
(personagens, frases ou palavras) revela-se muitas vezes uma operação
crucial.
Em segundo lugar, tão importante como o que as personagens dizem
é a forma como o dizem. A escolha de um léxico apropriado a cada tipo
de personagem é outra das tarefas de um bom guionista: estatuto social,
origem geográfica, profissão, idade, nível cultural ou perfil psicológico,
por exemplo, determinam em grande parte o modo como a personagem
se exprime e ajudam a criar a sua identidade. Deve ter-se por isso sempre
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em atenção quer a congruência (do tipo de personagem com o que diz

e a forma como o diz) quer a consistência (mudanças na forma de uma
personagem se exprimir devem ter justificação dramática ou narrativa).
Em terceiro lugar, devem ter-se em atenção os subentendidos ou os
segundos sentidos. Esta espécie de subtexto é uma das formas mais
elegantes de construir um bom diálogo. As personagens nem sempre
se exprimem de forma literal, e muitas vezes nem convém que o façam.
Todo um vasto potencial expressivo existe nos gestos e posturas, bem
como no tom do discurso ou mesmo no silêncio. Insinuar, inquietar,
ludibriar, confundir, intrigar ou provocar são formas de envolver o es-
pectador no decurso da história, pelas dúvidas ou mistérios que deixam
em aberto e pela liberdade de interpretações que permitem acerca das
mudanças de atitude, de disposição, de afecto ou de expectativa que as
personagens transmitem.
Em quarto lugar, importa referir que o conteúdo objectivamente
verbalizado pelas personagens em situações de diálogo é sempre acom-
panhado por gestos, atitudes e acções de algum género que complemen-
tam ou contrariam aquilo que é dito. Devemos, portanto, ter sempre
em atenção a linguagem corporal simultaneamente com a linguagem ver-
bal. Como é usual dizer-se, as atitudes dizem frequentemente mais que
as palavras. Não esquecer, assim, que enquanto dialogam, as persona-
gens agem de modo mais ou menos significativo, e essa acção pode ser
pertinente para a interpretação exacta do que dizem.
Em quinto lugar, devemos sublinhar a necessária coerência dos diá-
logos, ou seja, a sua adequada sequencialidade: cada fala deve estar en-
laçada numa anterior e/ou posterior. O dispositivo pergunta/resposta
é uma das estratégias possíveis e das mais frequentes. Esta premissa
de coerência, que visa assegurar a inteligibilidade do diálogo e da sua
progressão, não impede, porém, diversos recursos estilísticos como as
elipses, as insinuações ou os subentendidos de que falámos antes – aliás,
como referimos, o inferido é muitas vezes mais interessante do que o
referido.
Por fim, o recurso ao monólogo deve ser ponderado: por um lado,
trata-se de uma solução escassamente utilizada na conversação quoti-
diana; por outro lado, revela-se muitas vezes um dispositivo artificioso
ao qual se recorre, indevidamente, para colmatar lacunas ao nível da
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motivação das personagens ou da justificação causal dos acontecimen-

tos. No entanto, trata-se de uma solução que, se bem utilizada, permite
uma grande empatia com as personagens, uma vez que revela as suas
intenções mais secretas ou as suas emoções mais ocultas.
Encenação
A encenação (ou mise en scène) é, no cinema, uma responsabilidade do
realizador. No entanto, é com base no guião que este desenvolverá o
seu trabalho. Por isso, cabe ao guionista fornecer as indicações gerais e
pertinentes com que o realizador lidará no momento da rodagem.
Um dos elementos que deve ser tido em conta é o dos ambientes ou
das atmosferas que se criam. Um ambiente pode ajudar a caracterizar
uma personagem ou criar um contexto apropriado para uma acção. A luz
e a hora do dia em que os acontecimentos ocorrem, os objectos e adereços
que constituem um cenário ou os ritmos das acções das personagens são
alguns dos aspectos que devem ser tidos em conta no momento de criar
uma cena.
Por outro lado, os sons e, eventualmente, a música podem ajudar
de igual modo a compreender e a valorizar de forma mais adequada os
acontecimentos ou os estados de ânimo das personagens. Ao guionista
pode caber, por isso, uma palavra acerca destes elementos sonoros.
No fundo, a encenação consiste em descrever e dramatizar – ou seja,
dar um valor afectivo – as acções e reacções das personagens. E essas
acções e reacções podem ser explícitas ou não: o fora-de-campo, por
exemplo, pode ser um elemento fulcral na construção narrativa de uma
história. Como o pode ser a elipse.
De igual modo, através da descrição das acções e reacções podemos,
desde logo, ajudar a criar a cadência ou o tom de uma cena e, dessa
forma, sugerir opções de montagem que o filme reflectirá.
Por fim, não devemos deixar de ter em atenção que existem muitas
formas de trabalhar uma narrativa. Daí que possamos falar de estili-
zação – seja através de uma estilística mais realista ou mais burlesca,
mais minimal ou mais sumptuosa, o guionista pode comprometer-se com
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a história através de sugestões estéticas que o realizador poderá desde

logo ter em conta.
Narrador/focalização
Não pode, necessariamente, existir narrativa sem um narrador. O con-
ceito de narrador nem sempre é, porém, consensual. Importa desde logo
referir que o narrador não deve ser confundido com o autor. Existe uma
diferença conceptual e funcional entre estas duas entidades, sendo o nar-
rador uma criação do autor, isto é, uma figura responsável pela narração
ou uma estância a partir da qual os acontecimentos são narrados. Desse
modo, não pode ser confundido com o autor de uma obra.
A presença do narrador pode ser evidente, como acontece, por exem-
plo, quando uma personagem relata ou comenta a história directamente
para a câmara (caso, ainda assim, raro no cinema narrativo), ou la-
tente, como acontece na maior parte dos filmes, nos quais a presença do
narrador é bastante difusa (isto é, não existe uma figura identificada,
responsável pelo relato, mas sim uma estância a partir da qual a histó-
ria vai sendo desenrolada e perspectivada e que pode ser ocupada por
diversas entidades ou personagens).
A narratologia literária oferece-nos uma grelha tipológica do narra-
dor que vantajosamente podemos transpor para a narrativa cinemato-
gráfica. O importante é, mais do que uma descrição de cada tipo de
narrador, a compreensão das vantagens estratégicas que cada um deles
oferece, de modo a encontrar-se a melhor forma de contar a história.
Temos assim o narrador autodiegético (ou na primeira pessoa): neste
caso, o narrador relata as suas experiências enquanto protagonista da
história – narrador e protagonista coincidem, portanto. Esta coincidên-
cia entre narrador e protagonista tem várias consequências: na medida
em que participa dos acontecimentos, o relato adquire uma qualidade de
autenticidade ou de confidência; na medida em que a personagem é niti-
damente identificada, cria condições para uma empatia imediata entre o
espectador e aquela; na medida em que o narrador é o protagonista, ele
fará incidir o seu testemunho selectivamente, dedicando especial atenção
aos acontecimentos fundamentais da (sua) história.
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Depois, temos o narrador heterodiegético: aqui, ele efectua o re-

lato de uma história à qual é estranho, uma vez que não tem existência
enquanto personagem no universo diegético que a narrativa descreve.
De alguma forma, esta modalidade de narrador cria um certo distancia-
mento em relação aos acontecimentos, uma vez que o autor do relato não
está neles directamente implicado. Assim, a participação é substituída
pela observação, que passa a ser a modalidade narrativa privilegiada.
Esse afastamento não significa a ausência de uma posição crítica sobre
os acontecimentos e as personagens, mas presume um grau de objecti-
vidade acrescido do relato.
Quanto ao narrador homodiegético, ele conta a história na qual par-
ticipa como personagem, mas não como protagonista. Esta modalidade
tende a encontrar um equilíbrio entre o distanciamento analítico próprio
da observação e uma autenticidade testemunhal própria da participação.
Porque não detém um papel de claro protagonismo, o narrador passa
ao lado das implicações dramáticas decisivas dos acontecimentos. Esse
distanciamento acabará por apresentar vantagens de análise e crítica,
precisamente pela relativa exterioridade em que o narrador se coloca em
relação aos eventos dramaticamente fundamentais.
Estreitamente relacionados com a figura do narrador, encontramos

os denominados modos de focalização (também herdados dos estudos
literários), os quais nos ajudam a perceber de que modo o espectador
acede, qualitativa e quantitativamente, à informação narrativa. A foca-
lização é, no fundo, a perspectiva adoptada na narração da história, o
modo como o foco narrativo é aplicado sobre os acontecimentos. É ela
que determina aquilo que se relata e aquilo que se oculta, aquilo que se
conhece e aquilo que se desconhece. A focalização condiciona o que as
personagens sabem, o que o narrador sabe e, consequentemente, o que
o espectador sabe.
Uma primeira modalidade é a da focalização externa: aqui toda a
informação veiculada é objectivamente observável, sendo reveladas ape-
nas as características materiais e superficiais de eventos e personagens.
Quer isto dizer que existe sempre uma posição de exterioridade em rela-
ção às causas dos acontecimentos ou à caracterização das personagens.
Aqui, não acedemos aos estados interiores das personagens nem à vas-
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tidão das razões que explicam um fenómeno. Só conhecemos o que

é objectivamente perceptível e observável. Daí que possamos falar de
uma tendência para a objectividade.
A focalização interna refere-se ao campo de consciência de uma per-
sonagem, àquilo que sabemos a partir dela, ou seja, tudo que ela vê,
tudo o que ela sabe, sente ou pensa. Permite-nos conhecer íntima e pro-
fundamente alguém e tomar contacto com tudo que essa personagem
sabe. Se a focalização externa remete para uma concepção da narrativa
de matriz objectiva, a modalidade interna tende a privilegiar um carác-
ter subjectivo do conhecimento dos acontecimentos. Ao expor os seus
pensamentos e sentimentos, a personagem convoca o espectador para o
seu mundo, permitindo que este aceda aos seus segredos, inquietações e
mistérios, bem como às convicções, partidos ou crenças que conduzem
as suas atitudes.
Sobre a focalização omnisciente diremos que configura uma situação
de transcendência cognitiva, em que tudo pode ser sabido. Neste caso, o
narrador faz uso de uma capacidade de conhecimento ilimitada, como se
nada escapasse ao seu saber. Nenhum aspecto acerca dos eventos, como
as suas causas e efeitos, nem acerca das personagens, como os seus moti-
vos ou objectivos, se subtrai ao seu conhecimento. Nenhum constrangi-
mento de ordem cronológica ou geográfica, privada ou pública, se impõe
como limite àquilo que ao narrador, e, consequentemente, ao espectador,
é permitido saber. Quase poderíamos dizer que, neste caso, o narrador
assume uma caracterização quase divina, exibindo uma potência infinita
de conhecimento.
Tempo
O tempo é um dos elementos e factores fundamentais de configuração de
uma narrativa. Existe um tempo da história e um tempo do discurso,
que quase nunca coincidem. Por isso podemos contar qualquer história
em qualquer duração: milénios em minutos, instantes em dias. O tempo
pode ser moldado. Em volta desta ideia de moldagem do tempo no
cinema se construiu muita da reflexão acerca desta arte. Temos assim
que duas questões são fundamentais: a ordem e a velocidade. Acerca da
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primeira revela-se fulcral o conceito de anacronia (acontece na analepse

e na prolepse). Acerca da segunda, a elipse é fulcral (sumário e cena são
dela consequência).
Etimologicamente, o termo anacronia significa inversão do tempo e
refere-se a todo o tipo de alterações da ordem dos eventos da história
quando esta é contada. As anacronias constituem um recurso narrativo
ancestral e frequente. Assentam em duas modalidades: a analepse (vul-
garmente conhecida como flashback ), em que se dá um recuo em relação
ao presente da acção, e a prolepse (o chamado flashforward ) em que
ocorre uma antecipação de eventos futuros.
Em termos funcionais, alguns dos propósitos da reordenação cro-
nológica dos eventos prendem-se com, por exemplo, a caracterização
retrospectiva de personagens, a explicação causal de eventos, o retarda-
mento de informações em enigmas ou a criação de mistério e expectativa.
Em qualquer caso, o recurso a estes dispositivos deve encontrar sempre
uma justificação narrativa, isto é, a sua utilização será feita em função
do contributo que poderá trazer para um bom enredo.
A elipse é um dos mais influentes factores da economia narrativa,
sobretudo ao nível da velocidade do relato. Quando uma cena decorre
em tempo real, a elipse está ausente; quando elipse ocorre, permite uma
aceleração da narrativa, um sumário da mesma. Importa então definir
elipse: esta consiste em toda a supressão de lapsos temporais e aconte-
cimentos mais ou menos alargados que sendo, por norma, susceptíveis
de inferência através do contexto são dispensáveis para a inteligibilidade
da narrativa.
Assim, a elipse pode facultar benefícios de dupla ordem. Por um
lado, podem eliminar-se selectivamente acontecimentos redundantes ou
irrelevantes sem que se coloque em causa a coerência do relato, ganhando
em progressão narrativa. Por outro lado, e decorrente da operação ante-
rior, a eliminação desses acontecimentos irrelevantes garante uma maior
intensidade dramática.
A respeito da elipse, convém, contudo, fazer três observações:
• um uso excessivo da elipse pode tornar-se dramaticamente contra-

producente, na medida em que a supressão abusiva de aconteci-
mentos pode enfraquecer o contexto dos mesmos;
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• não nos devemos esquecer que os momentos de maior tensão pre-

cisam frequentemente de momentos de menor fulgor que os enqua-
drem, contrastem e sublinhem;
• se é certo que a elipse permite criar muitas vezes expectativas

que posteriormente serão satisfeitas, ela pode ser utilizada igual-
mente como um elemento de ruptura das convenções narrativas,
levantando questões ou criando expectativas que permanecerão ir-
remediavelmente sem resposta
Em qualquer caso, trata-se, mais uma vez e sempre, de moldar o

tempo em função dos meios e dos fins com que e para que trabalhamos:
existem histórias que, pela sua densidade, exigem um tempo mais alar-
gado de exposição das causas e de caracterização das personagens – o
drama é um género onde tal tende a acontecer; existem outras histó-
rias que pela leveza da sua progressão narrativa convivem pacificamente
ou exigem mesmo a elipse – as peripécias da comédia são um caso em
que frequentemente tal acontece. Por fim, importa igualmente referir
que são igualmente as elipses e as anacronias que nos permitem fazer
resumos de uma história ou alterar a ordem em que é narrada.
Verosimilhança
Um dos conceitos fundamentais da ficção narrativa é o de verosimi-
lhança. Trata-se de um dos critérios decisivos de avaliação da adesão do
espectador à história que lhe é relatada. A verosimilhança permite me-
dir a credibilidade de uma história. E esta credibilidade é fundamental
para que o espectador se comprometa com o seu desenrolar. Importa
referir que não se trata de limitar o conteúdo da história a pressupostos
realistas, mas sim de encontrar e assegurar a credibilidade de um acon-
tecimento através da explicação verosímil das suas causas, ou seja, das
premissas que regem a lógica de um determinado universo – quer isto
dizer que tudo é possível, mas em função de determinadas premissas e
circunstâncias.
Quando a verosimilhança dos acontecimentos é assegurada, a incre-
dulidade do espectador é suspensa (aquilo que se conhece por suspensão
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da descrença), desse modo se criando condições para que ele acredite

nos eventos que lhe são mostrados (por mais improváveis que pareçam).
Para tal, o importante é estabelecer claramente os parâmetros de causa
e efeito, as leis próprias do universo diegético em que a história se de-
senvolve. Trata-se, no fundo, de encontrar o equilíbrio entre o credível
(acreditamos no que acontece) e o possível (acontece aquilo em que acre-
ditamos), sendo que, narrativamente, o impossível credível deve preva-
lecer sobre o possível incrível – precisamente porque o espectador tende
a rejeitar os acontecimentos em que não acredita, mesmo se é possível
que aconteçam.
Ainda assim, convém referir que nem todos os géneros se relacionam
de igual modo com a verosimilhança. Esta característica da narrativa
revela alguma elasticidade: o drama tende a fazer coincidir o possível
e o credível, ou seja, para que acreditemos nelas, as coisas têm que ser
possíveis no nosso universo quotidiano; o fantástico, por seu lado, tende
a tornar o impossível credível, ou seja, acreditamos em algo que apenas
é possível num mundo diferente do nosso; quanto à comédia ela pode
quebrar todas as premissas de verosimilhança, recorrendo ao insólito
ou mesmo ao anacronismo, chegando quase a conciliar o impossível e o
incrível.
Como se constata, o equilíbrio entre credível e possível nem sempre
se estabelece segundo os mesmos padrões. O dispositivo do deus ex-
machina é um caso exemplar e crítico. Ainda assim, os acontecimentos
tendem a exigir uma causalidade que os explique e os comportamen-
tos das personagens exigem uma motivação que os justifique. Se res-
peitarmos estes dois critérios, estaremos em condições de assegurar a
verosimilhança mínima de uma narrativa.
Mas a verosimilhança só por si não assegura que tenhamos uma
narrativa entusiasmante. Esta precisa de emoção. A verosimilhança
assegura que nada impede a emoção. É através das emoções que a
história lhe suscita que o espectador se embrenha nela e a avalia. E
as emoções são uma consequência do modo como tomamos partido em
relação ao destino das personagens: compreendemos as suas intenções e
aceitamos as suas atitudes em função dos seus motivos. Os motivos são
o princípio, as atitudes são o meio, as intenções são o fim. Emocionamo-
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nos quando as personagens fazem as suas escolhas. Ora os apoiamos,

ora os condenamos. Desiludem-nos ou empolgam-nos.
As emoções possuem um carácter universal, atravessando as diversas
culturas: independentemente das circunstâncias, da proveniência ou da
época de uma história, um cerne temático e um conjunto de valores
determinará sempre uma posição por parte do espectador, de um ponto
de vista crítico ou afectivo. É esta universalidade que permite que o
destino da humanidade ou o destino pessoal sejam partilhados em muitas
narrativas e que uma mesma história tenha sucesso (ou insucesso) em
todo o mundo.
Todos os acontecimentos e temas de uma história estão repletos de
emoções mais ou menos profundas, complexas, aceitáveis ou censurá-
veis que são despoletadas no espectador. A cada momento do enredo, o
espectador emociona-se – envolvendo-se ou distanciando-se. O destino
das personagens, os seus motivos e as suas intenções, os seus desejos e
ambições provocam situações de partilha, de adesão ou de incompati-
bilidade emocional por parte do espectador: umas vezes colocando-se
no lugar daquelas, como que vivendo pessoalmente os acontecimentos
– é a empatia; outras, aderindo aos seus propósitos, atitudes ou deci-
sões – trata-se da simpatia; outras, rejeitando qualquer identificação,
distanciando-se eticamente – através da antipatia.
A emoção é, no fundo, aquilo que estabelece um vínculo entre o
espectador e a personagem – e, por isso, entre aquele e a história. Por-
tanto, o enredo é não só um encadeamento de eventos, mas também um
jogo de emoções e com emoções, quer das personagens quer dos espec-
tadores: amor, ódio, traição, alegria, ira, ansiedade, medo, desespero.
Uma história apática (sem pathos, isto é, sem paixão ou emoção) tende
a revelar-se enfadonha, insignificante e, no limite, intolerável.
Mas se uma história tende a suscitar envolvimento emocional e, na
maior parte dos casos, é isso que esperamos dela, a verdade é que a
distância pode ser igualmente um preceito e uma estratégia narrativa.
Desde os conceitos de mimese e de diegese platónicos até aos seus corres-
pondentes modernos showing e telling, sempre soubemos que há formas
mais empáticas e mais distanciadoras de contar uma história. Quando
Bertolt Brecht se insurgiu contra a empatia aristotélica e se propôs des-
truir a ilusão de um drama transparente e verosímil através do chamado
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Luís Nogueira 139
efeito de distanciamento, a narrativa não mais ficou igual. A ideia de

distanciamento narrativo no cinema (e respectiva ruptura da verosimi-
lhança) assumiria as mais diversas formas: ora expondo os próprios me-
canismos produtivos (câmaras, microfones, bastidores), ora estilizando
de forma evidente o relato (como acontece no musical), ora assinalando
explicitamente a existência do espectador quando o narrador ou a per-
sonagem se lhe dirigem, cruzando e misturando os níveis intradiegético e
extradiegético. Dentro e fora da história: não é entre estes dois espaços
que a narrativa se joga sempre, entre verosimilhança e artifício?
Bibliografia e filmografia
Para concluir e para complementar propomos uma bibliografia e uma
filmografia. Este livro não pretende explicar exaustivamente a narra-
tiva cinematográfica nem, de forma alguma, ter a palavra final sobre
o guionismo. Ficam sempre inúmeras coisas por abordar ou explicar.
Quisemos apenas, por um lado, elencar e explicitar as questões funda-
mentais com que um (jovem) guionista ou estudante de cinema se pode
confrontar no início do seu trabalho ou os aspectos fundamentais que,
em nosso entender, deve ter em conta nesta matéria.
Tentámos, por outro lado, dar um contributo original possível para
acrescentar à muita bibliografia existente sobre estes assuntos. Partimos
de ideias de outros e tentámos interpretá-las e integrá-las no nosso pró-
prio sistema de valores e referências. De seguida adiantamos algumas
obras importantes para uma compreensão mais vasta e profunda destas
temáticas.
Para uma abordagem mais técnica ao guião, tratada na primeira
parte, aqui ficam alguns títulos. . .
ARGENTINI, Paul, Elements of style for screenwriters, ifilm, 1998
JIMÉNEZ, Jesús Garcia, Narrativa Audiovisual, Catedra, 1996
SURINYAC, Gabriel Martínez, El Guión del Guionista, CIMS, 1998
Para as questões relacionadas com a teoría da narrativa, abordadas
Livros LabCom
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na segunda parte, eis algumas sugestões de leitura, desde os clásicos

mais remotos. . .
ARISTÓTELES, Poética, Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 2003
PLATÃO, República, Publicações Europa-América, 1975
. . . passando por obras marcantes do século XX. . .
BAL, Mieke, Narratology, University of Toronto Press, 1997
BARTHES, Roland, A Aventura Semiológica, Edições 70, 1987
BORDWELL, David, Narration in the fiction film, Routledge
BREMOND, Claude, Logique du récit, Seuil, 1973
BROOKS, Peter, Reading for the plot, HARVARD UNIVERSITY, 2003
FORSTER, E. M., Aspects of the novel, Penguin Books, 1990
GENETTE, Gérard, Discurso da Narrativa, Vega
GENETTE, Gérard, Palimpsestes, Éditions du Seuil, 1982
GREIMAS, A. J., Semantique Structurale, PUF, 1986
GREIMAS, A. J., Du Sens, Seuil, 1983
PROPP, Vladimir, Morfologia do Conto, Vega, 2000
TODOROV, Tzvetan, As estruturas narrativas, Editora Perspectiva,

1979
TODOROV, Tzvetan (ed.), Teoria da Literatura I, Edições 70, 1978
TODOROV, Tzvetan (ed.), Teoria da Literatura II, Edições 70, 1978
. . . pelos gurus americanos mais conceituados como. . .
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Luís Nogueira 141
FIELD, Syd, Screenplay, The foundations of Screenwriting, 1994
MCKEE, Robert, Story, Methuen, 1999
. . . e concluindo com os poucos títulos existentes em português. Eis

dois que será útil ter por perto:
COMPARATO, Doc, Da criação ao guião, Pergaminho, 1992
REIS, Carlos e Lopes, Ana Cristina, Dicionário de Narratologia, Alme-

dina, 2000
Quanto à filmografia, ela será extremamente selectiva. Sobre as nar-

rativas de género, é imprescindível um conhecimento e uma análise atu-
rada e detalhada dos clássicos canónicos. Essa é matéria que nos ocupa
noutro manual.
Sobre a narrativa clássica e as suas variações, podemos apontar al-
guns títulos historicamente incontornáveis como. . .
Gone with the wind, de Victor Fleming, 1939
Casablanca, de Michael Curtiz, 1942
Shane, de George Stevens, 1953
. . . ou contemporaneamente relevantes, como. . .
Seven, de David Fincher, 1996
Sixth Sense, de M. Night Shyamalan, 1999
Sideways, de Alexander Payne, 2004
Snatch, de Guy Ritchie, 2000
Para os que apreciam puzzles, mosaicos e demais tipos de desafios e

experimentações, aqui ficam alguns clássicos. . .
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Rashomon, de Akira Kurosawa, 1950
L’ Avventura, de Michelangelo Antonioni, 1960
L’Année dernière à Marienbad, de Alain Resnais, 1961
Zerkalo, de Andrei Tarkovski, 1975
E alguns modernos. . .
Magnolia, de Paul Thomas Anderson, 1999
Memento, de Christopher Nolan, 2000
A Cock and Bull Story, de Michael Winterbottom, 2005
E para aqueles que queiram entrar na narrativa cinematográfica atra-

vés do espelho da auto-reflexividade, eis três filmes que se ocupam do
tema:
Sunset Boulevard, de Billy Wilder, 1950
Barton Fink, de Joel Coen, 1991
Adaptation, de Spike Jonze, 2002
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LabCom Books 2010

2 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

gens. Nem todos os autores dão igual importância a esta ferramenta.

Quando imaginamos uma história, começamos por vislumbrá-la na

Cada autor tenderá a tomar uma posição ou assumir um ponto de

6 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

de uma certa maneira. A perspectiva deve por isso ser necessariamente

Quando uma narrativa toma como pretexto e aborda questões e

Como qualquer outro tipo de obra ou forma discursiva, uma das

e as intenções que perseguem se relacionam. Além da articulação das

Entre o momento embrionário e o momento acabado de uma narra-

Se num momento inicial, o guionista deve detalhar a sua obra nas

8 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

de trabalho imprescindível (como acontece, por exemplo, mas não só,

• uma significativa clareza na exposição das ideias para todos os

• antecipar a duração aproximada do filme (já que, em princípio,

• dar uma primeira forma palpável às ideias (concretizando através

Em suma, o guião cumpre uma função precária, mas fundamental:

10 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

Ideias → Guião → Imagens

Ainda que de uma forma aproximada e não inteiramente coincidente,

Assim sendo, o guionista é, normalmente, o primeiro interveniente

Apesar destes constrangimentos, o guionista possui, contudo, ferra-

• ao chamar a atenção para elementos particulares

• ao descrever ambientes gerais

12 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

• ao descrever sequências de acções de forma elíptica e ritmada

• ao evidenciar reacções de personagens

• ao indicar movimentos perceptivos

Através destes procedimentos, o guionista pode, desde logo, insinuar

O objectivo do guionista deverá consistir sempre em propor – neces-

ou découpage) da responsabilidade do realizador, o guionista deve res-

Ler o guião = ver o filme

É nisto que, em parte, o talento do guionista é determinante. A

14 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

necessariamente um dom, nem apenas uma inspiração, nem meramente

para nos localizarmos no espaço e no tempo. No guião deve acontecer o

16 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

Por se tratar de uma forma recorrente de aliar som e imagem, suge-

• intrigar em vez de irritar (colocar questões interessantes e não

• revelar erudição sem manifestar presunção

• evitar as perífrases (usar muitas palavras quando poucas bastam)

• evitar a redundância (repetir ideias sem que isso acrescente novo

• evitar a minúcia excessiva e apostar em elementos ou objectos

• ser objectivo e não vago, ambíguo ou indecifrável

(isto é, cativar visual, temática e dramaticamente o leitor). Embora na

18 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

dade de conciliar as normas imperativas com o desejo de criatividade

nista seja imaginativo e sedutor na história, sem ignorar as exigências

20 Manuais de Cinema I: Laboratório de Guionismo

gráficos as referências convencionais e fundamentais de paginação de um

• Descrição da acção: 0,5 cm até 15 cm

• Blocos de diálogo: 4 cm até 12,5 cm

• Nome da personagem: 7 cm até fim da página

• Indicações (entre parêntesis): 6 cm até 10 cm

• Cabeçalhos: 0,5 cm até fim da página

• Diálogos, indicações e descrição da acção são alinhados à esquerda.