Utilisateur:Vatekor/Goya/5
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
72 × 59 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
L'infante Maria Josefa est une photo de Francisco de Goya, peintes en 1800, comme une esquisse pour la famille de Charles IV. Il provient des collections royales et était situé dans le Palais Royal de Madrid en 1814. Il a rejoint le musée avant 1857, lorsqu'il est cité pour la première fois dans le catalogue officiel de l'institution.
Histoire
[modifier | modifier le code]Ce dessin est l'un des dix études peintes par Goya naturel dans le Palais d'Aranjuez, à l'été 1800. Par le désir de la reine Marie-Louise de Parme, le peintre décrit séparément pour chaque membre de la famille royale, qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.
Tous les croquis sont principalement caractéristiques amorces rouges du visage et construits en une seule bague, comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés.
La garde d'enfants est l'infante Maria Josefa (1744 - 1801), fille de Charles III et Maria Amalia de Saxe. Né à Gaeta, quand son père était encore roi de Naples. Il ne s'est jamais marié, mais il a proposé un lien avec son oncle Infante Don Luis. Lorenzo Tiepolo dépeint dans sa jeunesse, dans un gâteau qui se réserve également le Museo del Prado.
Analyse
[modifier | modifier le code]L'infante, dans le portrait final est sur la gauche, est traité avec une grande intensité par Goya et les soins de leurs expressions faciales. Doña Josefa semble Band Ladies Ordre de la noblesse de María Luisa, avec de grandes boucles d'oreilles diamant. La plume sur la tête révèle l'influence de la France dans la mode espagnole, comme le patch palier noir sur le temple. Toutefois, ce dernier motif a déjà été dépassée et ne sera utilisée comme médicament.
C'est une composition sombre sur un fond clair, Goya résolu avec des touches rapides et audacieuses. Cependant, pour concevoir le visage, les Aragonais décrit une des caractéristiques précises et délicates, très bien entretenu.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La infanta María Josefa » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
72.5 × 59.3 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
L'Infante Antonio Pascual est une photo de Francisco de Goya, peintes en 1800, comme une esquisse pour la famille de Charles IV. Il provient des collections royales et était situé dans le Palais Royal de Madrid en 1814. Il a rejoint le musée avant 1857, lorsqu'il est cité pour la première fois dans le catalogue officiel de l'institution.
Histoire
[modifier | modifier le code]Ce dessin est l'un des dix études peintes par Goya naturel dans le Palais d'Aranjuez, à l'été 1800. Par le désir de la reine Marie-Louise de Parme, le peintre décrit séparément pour chaque membre de la famille royale, qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.
Tous les croquis sont principalement caractéristiques amorces rouges du visage et construits en une seule bague, comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés.
Le nourrisson est représenté Antonio Pascual de Bourbon (1.755 - 1817), fils de Charles III et Maria Amalia de Saxe. Né à Caserte, où son père était encore roi de Naples. Épousé sa nièce Maria Amalia de Naples sur 25 Août de 1795, dont il n'avait pas d'enfants et est devenue veuve trois ans plus tard. Il a dirigé le Conseil suprême des gouverneurs, sur rendez-vous de Fernando VII, alors que celui-ci venait à renoncer citation de Napoléon à Bayonne, pour être compris par les troupes françaises. Prix porteurs de l'image de la Toison d'Or, de la bande Ordre de Carlos III et l' Ordre de Saint-Janvier.
Contexte
[modifier | modifier le code]Analyse
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El infante Antonio Pascual » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
74 × 60 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
L'Infante Carlos María Isidro est une photo de Francisco de Goya, peintes en 1800, comme une esquisse pour la famille de Charles IV. Il provient des collections royales et était situé dans le Palais Royal de Madrid en 1814. Il a rejoint le musée avant 1857, lorsqu'il est cité pour la première fois dans le catalogue officiel de l'institution.
Histoire
[modifier | modifier le code]Ce dessin est l'un des dix études peintes par Goya naturel dans le Palais d'Aranjuez, à l'été 1800. Par le désir de la reine Marie-Louise de Parme, le peintre décrit séparément pour chaque membre de la famille royale, qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.
Tous les croquis sont principalement caractéristiques amorces rouges du visage et construits en une seule bague, comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés.
Le nourrisson est dépeint Carlos María Isidro de Bourbon (1788 - 1855), fils de Charles IV et Marie-Louise de Parme, qui ressemble à l'image de la Toison d'Or, la bande de la commande de Carlos III et le Ordre de Saint-Janvier. Extrêmement religieuse et traditionaliste, la mort de Fernando VII a été le premier prétendant carliste au trône d'Espagne sous le nom de Charles V.
Analyse
[modifier | modifier le code]Il s'agit d'un travail d'une qualité extraordinaire, où Goya montre sa maîtrise de coups lâches et rouge vibrant d'une excellente préparation pour le siège de l'huile. Goya a créé une boîte parfaitement avertissement où les caractéristiques physiques et psychologiques de l'enfant: oscuroso les yeux, le nez et les lèvres petite, mince charnue supérieure et inférieure. L'enfant apparaît à mi-longueur, la robe de col de chemise, jabot de dentelle et manteau brun
Les Aragonais affiché dans la boîte toute la vitalité et les traits émotionnels de l'enfant, dans un travail qui montre convaincant sans fonction réservée à la toile finale idéaliser. En ce qui concerne la table finale, il ya plusieurs changements judicieux vu à l'œil nu. L'image est floue et le visage figé, autre que le caractère joyeux et sincère infantile. Ni plonge dans la psychologie complexe de l'enfant, qui semble faire rentrer sous la figure de son frère Fernando, futur roi d'Espagne.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El infante Carlos María Isidro » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
74 × 60 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
L'Infante Francisco de Paula est une photo de Francisco de Goya, peintes en 1800, comme une esquisse pour la famille de Charles IV. Il provient des collections royales et était situé dans le Palais Royal de Madrid en 1814. Il a rejoint le musée avant 1857, lorsqu'il est cité pour la première fois dans le catalogue officiel de l'institution.
Histoire
[modifier | modifier le code]Ce dessin est l'un des dix études peintes par Goya naturel dans le Palais d'Aranjuez, à l'été 1800. Par le désir de la reine Marie-Louise de Parme, le peintre décrit séparément pour chaque membre de la famille royale, qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.
Tous les croquis sont principalement caractéristiques amorces rouges du visage et construits en une seule bague, comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés.
Le nourrisson est représenté Francisco de Paula de Bourbon (1794 - 1.865), fils de Charles IV et Marie-Louise de Parme. Il était le père du roi consort François d'Assise de Bourbon, mari de Elizabeth II. De lui descend le courant Espagnol famille royale. Souligne son pur et tendre de son visage, expression accentué par un fond gris. Goya reflète son point de vue d'une manière timide, mais curieux et vivant. Le porte-bébé et la plaque latérale de l' Ordre de Carlos III.
Contexte
[modifier | modifier le code]Analyse
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El infante Francisco de Paula » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre muro trasladado a lienzo |
| Dimensions (H × L) |
143.5 × 81.4 cm |
| Localisation |
Judith et Holopherne est l'une des peintures noires qui décorait des murs de la résidence du peintre, la Quinta del Sordo - que Francisco de Goya avait acquis en 1819. Cette toile occupait probablement le mur droit du rez de chaussée à l'entrée, alors que Saturne dévorant un de ses fils occupait le côté gauche de la paroi en laissant une fenêtre au milieu.[1]
La peinture murale d'origine, comme l'ensemble des peintures noires, fut transférée du plâtre vers une toile en 1874, par Salvador Martínez Cubells, sur commande du baron Emile d'Erlanger,[2].
Analyse
[modifier | modifier le code]Le tableau s'inspire de façon libre du mythe de Judith de Béthulie qui, pour sauver son village de son attaque, séduisit le général Holopherne et le décapita.
L'éclairage est très théâtral, la scène semble se passer de nuit, avec l'éclairage d'une torche illuminant le visage et le bras de Judith et laisse dans la pénombre de visage de sa victime qui est représenté dans une attitude de prière ou la prière. De manière significative, le roi et la représentation de sang sont laissés hors champs, dans une composition très originale, qui aggrave les déséquilibres typiques des peintures noires.
La palette de couleurs utilisée, comme tout au long de cette série est très restreinte. Le noir, l'ocre dominent avec quelques touche subtile de rouge, appliqués avec autant de façon énergique avec des coups de pinceau très lâches. Cette toile, comme le reste de celles de la Quinta del Sordo possède des traits stylistiques qui caractéristiques du XXe siècle notamment de l'expressionniste.
Il peut s'agir d'une œuvre pensée comme allusion de Goya à son amante Leocadia Zorrilla-Weiss ou plus généralement du pouvoir castrateur de la femme sur l'homme.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Judith y Holofernes » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur InfoGoya.
- (es) Fiche sur www.artehistoria.jcyl.es.
[[Catégorie:Peinture à thème biblique]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
261 × 470 cm |
| Localisation |
Avec le nom du jeu, le ballon est appelé une pelle carton de tapisserie de la troisième série de Francisco de Goya, faite pour la chambre à coucher du prince des Asturies dans le palais Pardo.
Son sort actuel est dans la collection permanente du Museo del Prado, qui est exposée depuis 1870. Avant cela a été stocké dans le sous-sol du Palais Royal de Madrid.
C'est la plus grande série de carton ensemble, conçu pour recouvrir la partie centrale de antedormitorio Princes.[1] également obtenir un équilibre parfait entre les personnages et l'espace, d'obtenir des volumes suffisants.[2]
Analyse
[modifier | modifier le code]Réalisée entre Janvier et Juillet 1779, était de remplacer la guitare aveugle, pour l'exécution de celui-ci a eu de nombreux problèmes. Il ya une scène juste que les autres cartes, mais il est plus populaire de tous les jours. Souligne dans l'avant-plan, un fumeur. Les couleurs ternes et l'exécution des figures rappelle Velázquez, Goya qui admirait.
Il s'agit d'une boîte avec une imagerie sexuelle cachée. Selon Tomlinson,[3] Goya a montré le caractère sexuel de ses peintures seulement en les plaçant dans la chambre des chefs. L'interaction forte est produite avec juste Madrid. Il est pertinent de rappeler également que ces tables ornées appartements et le caractère royales ne pouvaient pas être aussi explicite.
Goya montre ici sa maîtrise de la perspective, de lumière et de couleur. Créer un espace pour la première fois, les notions de distance et de proximité. Le spectateur n'est pas au courant d'une rigueur sèche et de la géométrie, comme désignant la boîte. Il a un peu de vie dans la peinture baroque italienne, qui les chefs-d'œuvre de Goya avaient étudié auparavant.
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El juego de la pelota a pala » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 17.
- Triado Tur, p. 24.
- Tomlinson, p. 125.
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
295 × 272 cm |
| Localisation |
Les joueurs de cartes est un carton de tapisserie peint par Francisco de Goya pour la salle-à-manger du prince Charles IV d'Espagne et Maria Louise de Parme pour le palais du Pardo. Elle est exposée depuis 1870 au Musée du Prado. Elle fut réalisée entre Août 1777 et Janvier 1778, et appartenait à la même série que enfants gonflant une vessie et Le Cerf-volant. Goya reçut 5000 réaux pour cette pièce.
Analyse
[modifier | modifier le code]Un groupe majos joue aux cartes dehors, à l'ombre d'un arbre. Un d'entre eux est placé derrière un joueur et fait des signes à son partenaire pour qu'il puisse gagner. Le tricheur était une figure habituelle de l'iconographie du XVIIIe siècle que le peintre développe avec une maîtrise inégalée.[1] La toile est fortement instpirée des Tricheurs, du Caravage en 1595.[2]
C'est l'une des œuvres les plus remarquables et originales que Goya entreprit lorsqu'il se plongea dans le monde des majos. Le tricheur fait participer le spectateur à la scène. Il s'agit d'une scène naturelle et avec un recours classique au système pyramidal. L'éclairage accentue les couleurs vives.
Les coups de pinceau sont libres, bien qu'à première vue la scène semble très détaillée. La distribution des personnages sur scène produit un bel espace.
Goya montait peu à peu dans l'échelle sociale, et se souciait d'offrir des tableaux avec des contrastes de lumière et d'ombre pour accentuer le réalisme des scènes.
Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Jugadores de naipes » (voir la liste des auteurs).
- Triado Tur, p. 19.
- Triado Tur, p. 20.
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
700 × 1500 cm |
| Localisation |
Basílica del Pilar |
L'adoration du nom de Dieu ou la gloire (1772) est une fresque de Francisco de Goya qui orne le dôme de la Basilique de Notre-Dame du Pilier de Saragosse.
Après son retour d'un voyage en Italie pour la formation en 1771, Goya fut chargé de décorer la fresque du dôme de la Basilique del Pilar à Saragosse. Le peintre aragonais montra son savoir et sa maîtrise de la fresque, bien que ses honoraires fussent inférieurs à ceux d'autres artistes pour qui travaillèrent à la Basilique du Pilar. Goya a reçu 15000 réaux alors que Antonio González Velázquez en factura 25000.
Plusieurs croquis et dessins conservés montrent plus d'audace que la peinture de la voûte telle qu'on peut la contempler à l'heure actuelle, mais faut noter qu'elle a subit quatre restaurations en 1887, 1947, 1967 et 1991. Ils montrent une composition de grand contraste, et une dynamique plus grande que dans le résultat final.
Le travail, dans sa mise en œuvre finale reflète les stéréotypes de la peinture religieuse catholique de la fin du baroque. Deux groupes d'anges sur les côtés encadrent une scène centrale présidée par Dieu le Père sous forme d'un triangle équilatéral où est inscrit à son nom. Bien que les groupes soient situés à des hauteurs différentes, l'impression finale est quelque peu statique, malgré la volonté de Goya de placer les organiser sous forme de croix se croisant au centre de l'image.
Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La adoración del nombre de Dios » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code]- (es) Fiche sur InfoGoya.
[[Catégorie:Peinture murale]] [[Catégorie:Peinture religieuse]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
169 × 98 cm |
| Localisation |
L'automne est une huile de Francisco de Goya. Il est conservé dans une collection privée à Madrid, mesurant 169 x 98 cm.
Là encore, les pays thèmes sont communs dans le thème de Goya. Avec assaut dans la voiture, est une peinture dans lesquels les sons sont mis en évidence et la nature est renforcée avec les personnages rabougris. Elle a été commandée par la duchesse d'Osuna, pour décorer votre chambre.
Contexte
[modifier | modifier le code]Analyse
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La caída (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
216 × 144 cm |
| Localisation |
La comtesse de Chinchon est une huile sur toile, peinte en 1800[1][2] par Goya, durant sa maturité artistique. La toile est conservée au Musée du Prado à Madrid depuis 2000.
Description
[modifier | modifier le code]L'œuvre appartient à une période artistique majeure de Goya, à l'instar d'autres œuvres maitresses : Portrait de Godoy (Académie de San Fernando), La duchesse d'Alba en robe blanche (Palacio de Liria), Jovellanos, La Famille de Charles IV et ses fameuses Majas (Musée du Prado).
La magistrale et délicieuse simplicité de ce portrait de María Teresa de Bourbon et Vallabriga est représentative de la maîtrise du peintre. Le tableau est écrit comme « un havre de paix et une oasis de douceur », et possède une portée poétique et mélancolique.
La dame était enceinte de son premier enfant de Godoy, Carlota. Des épis de blé verts décorent sa coiffe, faisant allusion à la fertilité.
Au-delà de la technique de pinceau extraordinaire, lâche et fragile, de la riche palette de la robe le tableau évoque un grand sentiment de tendresse. Goya réussi à nous communiquer l'affection qu'il éprouvait pour la comtesse en peignant ses gestes timides et enfantins, son sourire triste et à peine esquissé et la douceur avec laquelle il traite son ventre. La lumière est typique de Goya, et illumine le ventre du personnage pour mettre en évidence sa grossesse.
La comtesse apparaît bouche fermée avec un timide sourire peut-être parce qu'il lui manquait plusieurs dents, elle est cependant très fière comme dans la plupart de ses portraits. Elle porte une bague à l'effigie de son mari.
Contentieux
[modifier | modifier le code]Ce portrait appartenait aux Ducs de suède, descendant de la comtesse, jusqu'à son achat en 2000 par le gouvernement espagnol au profit du musée du Prado pour 4.000 millions de pesetas (24 millions d'euros). L'opération concluait presque un siècle de tentatives de rachat[3].
Le musée du Prado s'intéressa à la peinture peu de temps après la guerre civile espagnole. Durant le conflit, le portrait avait été transféré à Genève (Suisse).
À peu près au même moment, le tableau attira l'attention du magnat arménien et collectionneur Calouste Gulbenkian, qui vécut au Portugal. La toile fit l'objet d'offre de la part du J. Paul Getty Museum États-Unis) pour 6.000 millions de pesetas (36 millions d'euros) qui n'a pas abouti en raison de la loi espagnole qui interdisait son exportation.
Plusieurs offres importantes furent faites dans les années 1990 par des institutions nationales telles que l'Académie de San Fernando à Madrid, la banque Ibercaja, sans succès.
Un accord pour 4 millions de pesestes fut trouvé en 1999 avec Juan Abello.[4]. L'oeuvre étant un BIC, l’État a préempté l’œuvre qui intégra le musée du Prado.
Une série de conflit eut lieu quant aux modalités de paiement, allant jusqu'à la Cour de Strasbourg, qui en 2011 a statué en faveur de l'État.[5]
L'achat de la peinture a été financé en partie avec le reste héritage Villaescusa compété par le gouvernement, suivant le désir de Villaescusa Manuel Ferrero, qui avait déclaré dans son testament qu'une importante somme d'argent devait être alloué au rachat de la comtesse de Chinchon de Goya.
Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La condesa de Chinchón (cuadro) » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
30.7 × 25.4 cm |
| Localisation |
La duchesse d'Alba et la béate est une peinture de Francisco de Goya. Elle est signée dans le coin inférieur droit « Goya 1795 ». Elle a été acquise par le Musée du Prado après avoir appartenu à une collection privée.
Analyse
[modifier | modifier le code]La toile représente la duchesse, María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, effrayant Rafaela Luisa Velazquez, une de ses femmes de chambre surnommée « la béate ». Au-delà de la femme de chambre brandissant une croix, la position de la tête de la duchesse, de dos au spectateur est inhabituelle.
La duchesse d'Albe XIII se maria le 15 Janvier 1775 avec José Álvarez de Toledo y Gonzaga, le fils aîné du marquis de Villafranca, que Goya peignit la même année.
La toile est remarquable tant par la scène intime qu'elle décrit que par l'art de Goya, nettement plus libre que dans les portraits officiels et par la quasi absence de références spatiales.
Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La Duquesa de Alba y la Beata » (voir la liste des auteurs).
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
280 × 336 cm |
| Localisation |
La famille de Charles IV est un portrait collectif peint en 1800 par Francisco de Goya et conservé au Musée du Prado à Madrid.
Goya a commencé à travailler sur le croquis au printemps de 1800. La version finale fut peinte entre Juillet 1800 et Juin 1801, l'envoi de la facture date de Décembre 1801. Il appartenait à la collection privée de Palais royal de Madrid, où il apparaît dans l'inventaire de 1814. Il fait partie des toiles présentes dès la fondation du musée du Prado en 1824 par Ferdinand VII d'Espagne, qui est représenté sur la toile.
Depuis 1942 maintient le numéro de catalogue P00726. Cette même année, elle est apparue dans la liste des œuvres dans le musée-publié avec un certain retard, fait par Francisco Javier Sanchez Canton, puis directeur adjoint du Prado. En vedette dans la chambre 32 de la galerie, située au rez-de-chaussée du bâtiment prévu par Juan de Villanueva.[1]
Le livre est un recueil de l'important travail effectué par Goya en tant que portrait tout en une de ses compositions les plus complexes, dont les antécédents en deux portraits de groupe: La famille de Philippe V, de Louis-Michel van Loo (1743)[2] et Las Meninas ou la famille de Philip IV, de Diego Velázquez (1656).[3]
Goya révèle sa maîtrise de chaque détail de l'image pour la maîtrise formelle de la lumière comme la définition subtile de personnalités, marquée par des références spatiales réduites, soulignant ainsi la capacité de l'artiste à fuendetodos d'analyser leur dépeint.[4]
Histoire
[modifier | modifier le code]Depuis 1789 Goya était le peintre de cour à la cour du roi Carlos IV. Dans cet état, et même avant-portrait de Carlos III en habit de cour, la Banque d'Espagne, 1787 -., Il avait eu l'occasion de présenter les rois, mais toujours individuellement et non en groupe[5] Au printemps 1800, quelques mois après avoir été nommé premier peintre de la cour, a été commandé pour exécuter un grand portrait de toute la famille royale. Merci aux lettres de la reine Marie-Louise de Parme à Manuel Godoy savoir que vous pouvez passer à travers le processus de création et la composition de l'image. Goya a commencé à travailler sur en mai 1800, lorsque la famille royale se trouvait à la Palais d'Aranjuez. Entre Mai et Juillet ont fait des croquis de portraits de la vie de chacun des membres de la famille royale. Par le désir de la reine du peintre dépeint séparément, ce qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.[6]
Tous les croquis sont amorce rougeâtre caractéristique et surtout les traits du visage intégrés dans une seule tonalité comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés. Le 23 Juillet Goya a présenté les procès-verbaux des dix portraits, dont cinq seulement sont conservés des autographes, le tout dans le Museo del Prado: L'infante Maria Josefa,[7] L'Infante Carlos María Isidro,[8] L'enfant Francisco Paula,[9] L'Infante Antonio Pascual[10] et Louis, roi d'Etrurie -[11] Sur les croquis perdus exemplaires connus réalisés par Agustin Esteve ou la propagation de l'atelier sur les différents musées et collections, y compris le portrait de futur Ferdinand VII qui est dans le Metropolitan Museum of Art à New York.[12][13] Enfin, Goya a travaillé sur la table finale entre Juin 1800 et Décembre 1801, quand il a été présenté au roi.[14]
Il a été dit que la boîte n'a pas suscité l'enthousiasme de la famille royale, qui s'attendait à une grande peinture, comme la famille de Felipe V, Van Loo.[15] Cependant, ce n'était pas désagréable. Carlos IV parlé comme le portrait castizamente «tous ensemble», et il semble que ses protagonistes ont été fidèlement représentés et pourraient être guise, comme bon nombre des personnages représentés par Goya avec la même sincérité et réalisme, comme le peintre les a dotés d'un aspect vif et un air de dignité et le décorum que quelques peintres de l'époque pouvaient atteindre.[16] En fait, si vos portraits sont comparés avec d'autres contemporains, nous pouvons voir que Goya peint les grandement favorisé essayer de "servir leurs maîtres la meilleure façon possible ".[17] I Still, dans le passé était dans la boîte un avis de Goya à la monarchie, avec des allusions à regarder bourgeois des protagonistes, Goya aurait été prêt à transférer à la toile.[18] Il est dit dans ce sens que Pierre-Auguste Renoir, pour visiter le musée du Prado et de voir cette image, il s'écria: «le roi ressemble à un barman, et la reine ressemble à une hôtesse... ou pire, mais ce que les diamants Goya a peint! ".[19][20]
Analyse
[modifier | modifier le code]Il tous les membres de la famille royale semble parfaitement avec l'intention d'améliorer le chiffre de la reine Maria Luisa, qui occupe le devant de la scène jeter la mère d'un bras sur les épaules de l'infante Maria Isabel à la fois pris le port du atteindre Infante Don Francisco de Paula, qui à son tour, donne au roi. Pour le mensonge gauche l'avenir Ferdinand VII fixé dans le dos par l'infant Carlos María Isidro et un jeune bien habillé mais sans visage ressource utilisée par Goya pour représenter la future épouse du Prince des Asturies quand ce n'était pas encore même été choisi. Sur la droite, l'infante Maria Luisa, avec son mari le duc de Parme, elle porte au petit enfant Carlos Luis. Occupant le fond sont les frères du roi, laissé Maria Josefa de Borbon et à droite Antonio Pascual, ce dernier avec un autre personnage féminin que vous ne voyez que la tête de profil, a été diversement identifié comme son épouse, infante Maria Amalia, est décédé il ya deux ans, ou comme la fille aînée des rois, l'infante Carlota Joaquina, reine de Portugal, qui Goya n'avait pas la possibilité de dépeindre être absent de l'Espagne depuis quelques années.[21][22][23] La façon dont les protagonistes sont disposés, est conçu avec une intention claire dynastique. Avec un message rassurant, la reine mère est présentée comme prolifique ainsi que par l'inclusion prématurée de la future princesse des Asturies, une sécurité renforcée descente a obtenu, en tout cas garanti par la présence d'armes légères dans la infante Maria Luisa.[24]
Goya montre les membres de la famille royale debout, disposés en frise des personnages apparaissent comme Las Meninas, vêtus de robes de luxe de la soie et abondante bijoux et décorations, les mâles avec l' Ordre de Carlos III, la Toison d' or et l' Ordre de San Gennaro et les femmes avec de la bande de commande de Maria Luisa. Le peintre met dans ces détails toutes les ressources de leur expertise afin de représenter la famille royale dans toute sa dignité, tout en soulignant le caractère doux et serein du monarque régnant. Ce qui pourrait être un hommage à Velázquez servi à la fois de lier les dynasties autrichiens et Bourbon, abondant dans cette conception dynastique.[25]
Toutefois, comme déjà indiqué Camon Aznar, Goya ne concevait pas un ensemble de points de vue et aussi complexe telle qu'elle est perçue dans les lumières de Las Meninas.[26][27] Avec la réduction de l'espace élimine également les éléments Goya baroques qui avaient la boîte Velazquez, jeu d'allusions et d'énigmes créées par la réflexion des rois dans le miroir et marquer la boîte dans laquelle l'artiste travaille.[28] Glendinning (2005) conjecture que le peintre, l'auto-portrait après une grande toile que cadre représenté dans un hommage plus à Las Meninas, comprend un miroir, mais maintenant situé dans les territoires occupés par le spectateur, pas le fond de la salle à la place, ce qui reflète la famille royale.[29] Fred Licht utilise ce miroir placé devant les assistants, de l'expliquer à Goya a peint la famille royale étant situé derrière elle. En outre, lorsqu'il est placé contre le miroir Goya serait permet à ses modèles eux-mêmes et le succès de la composition avant de dépeindre juger. Les modèles peuvent être vus comme va être dépeint et faire des changements qu'ils jugent appropriées. Ainsi, la vision «sans relâche» de Goya serait, en fait, le point de vue que les portraits avaient d'eux-mêmes.[30]
Contraintes dans la mise en œuvre de Goya course, presque préfigurant l' impressionnisme, qui vous permet d'appliquer flash pour créer une illusion claire de la qualité des vêtements, des décorations et des bijoux.[31] Cependant, c'est un travail à distance des représentations officielles, pour le roi et sa famille ne portent pas les symboles du pouvoir. Ni utilise la ressource Van Loo: localiser la famille entre les rideaux comme une palio.[32] Les gestes révèlent des traits très humains dans le comportement de la famille intime représentés: la Infanta Isabel tient son enfant près de la poitrine évocation de l'allaitement maternel,[33] et l'infant Don Carlos embrassant tendrement son frère Fernando, désignant certaine timidité et la peur.[34] En ce qui concerne le dessin, l'image de Carlos María Isidro a quelques différences. L'image est floue et le visage figé, autre que le caractère joyeux et sincère infantile.[35] ne plonge dans la psychologie complexe de l'enfant, qui semble faire rentrer sous la figure de son frère Fernando, futur roi d'Espagne.[36]
Quelques années plus tôt, Louis XVI de France a été guillotiné à Paris semblait mourir avec lui et la branche française des Bourbons. Mais Goya donne ici une approche différente, vous pourriez bien imposer rois. Bourbon Maison espagnole est forte, large et de nombreux descendants, destinés à perpétuer le pouvoir de la famille[37][38]
Pour Manuela Mena, Goya a été mandaté pour représenter l'ensemble de la famille royale, même ceux qui étaient morts, comme l'infante Maria Amalia, ou qui venaient, comme la future princesse des Asturies. Goya a été inclus dans la composition, car il y avait dans la famille de l'infant Don Luis, mais cette fois la famille royale n'a pas accompagner les dames et les fonctionnaires, fournir aux groupes par une symétrie cachée »comme l'avait Velázquez dans Las Meninas. L'objectif du portrait est la reine, comme dans Velazquez avait été l'infante Margarita, et de faire converger les chiffres restants, disposés sur les côtés en deux groupes compensés dans un petit espace qui ressemble à une frise rigoureuse. Que la nudité austère ancien Palace de Madrid, scène de Las Meninas, fournit un lien visuel avec le Palais Bourbon, malgré la différence dans les deux endroits. Tout cela est la preuve de la subordination de la toile de Goya à Las Meninas.[39]
Dans le fond il ya deux peintures de l'auteur inconnu et est soumis, sur lequel il ya eu de nombreuses hypothèses. Parmi eux, le Hagen croit une de ces images pourrait faire allusion à Loth et ses filles, se référant à la licence qui régnait dans la cour.[40][41] Mais ces hypothèses, nous avons tendance à voir une critique de bande dessinée dans le portrait de groupe entrer en collision avec la position de Goya devant le tribunal et «remercier toutes les raisons» qui pourrait être particulièrement vers le roi.[42]
L'aspect de l'image peu flatteuse pourrait également s'expliquer par la tradition de portrait espagnol, caractérisé par une rigueur inflexible dans la représentation de la physionomie de la garde d'enfants. Le meilleur exemple de cette règle d'or de l'art du portrait espagnol qui hantent rien que la vérité représenter, serait, selon Licht, Velázquez et son portrait de Innocent X.[43][44]
Influences
[modifier | modifier le code]Contrairement aux pays nordiques en Espagne le portrait de groupe était à peine pratiquée. Il existe des précédents en matière d'égalité entre les religieux, les groupes de donateurs. Ils pourraient tomber sous ce genre des compositions plus complexes, comme L'Enterrement du comte d'Orgaz le Greco ou adoration de la Sainte Hostie par Charles II par Claudio Coello. Mais dans un sens plus étroit, la seule chose qui pourrait être considéré comme un portrait de la famille royale étaient jusqu'ici Ménines de Velázquez, espagnol seulement antécédent direct de la famille de Charles IV.[45]
La famille de Philippe V de Van Loo, est le paradigme de portraits de groupe dans la cour des Bourbons espagnol. Mis en évidence dans le tableau superbe sculpture, le mobilier et les attitudes idéalisées pompeux des membres de la famille royale, à légitimer et à les rapprocher de l'idéal de la race et de la beauté. Toutes ces caractéristiques sont rejetés par Goya, qui montre les rois de façon plus humaine.[46]
Déjà une fois avant Goya avait construit son autoportrait dans un portrait collectif commandé par un membre de la famille royale, la famille de l'infant Don Luis (1783, Parme, Fondazione Magnani-Rocca). Sachant que son admiration pour le travail de Velázquez, il est raisonnable de supposer que, ce faisant, avait à l'esprit l'exemple de Las Meninas, mais ça valait le bébé lui-même à suggérer qui ferait de cette façon afin de donner la priorité à l'ordre. En outre, Goya conçu la scène cette fois d'une façon plus moderne, pour représenter l'enfant dans le profil, assis à une table couverte d'un tapis vert et des cartes à jouer sur elle, entourée par les membres de la famille ensemble avec quelques amis et serviteurs en discussion amicale. Mais alors qu'il était en mesure de garder ses distances, se présentant modestement dos, accroupi et enveloppé dans l'obscurité. Quel que soit votre idée ou suggéré par les monarques, d'inclure son portrait dans la famille de Charles IV, Goya a cherché un rapprochement plus proche de Las Meninas, le sentiment de plus près maintenant Velázquez de son nouveau poste de premier peintre du même Velázquez a tenu le service de Philippe IV. Mais Goya, cette fois encore à apprendre à garder leur distance, "debout avec sa toile en arrière-plan et de l'ombre".[47]
Les autres caractéristiques qui rappellent Las Meninas sont la présence de deux photos sur le mur et le fait que ladite Goya autorretratase toile derrière la peinture, dans son rôle de servir le roi.[48] Il a toujours reconnu Velázquez, avec Rembrandt et de la nature, comme leurs seuls trois enseignants.[49] Mais Goya distances chef-d'œuvre de Velázquez, dont seuls ces détails circonstanciés ressemble, par la faible profondeur de la chambre et le manque déjà mentionné des allusions baroques conceptuelles.[50]
Les Aragonais place ses personnages dans un espace restreint avec un éclairage médiocre qui ne leur favorise pas, en plus d'avoir peu de confort pour l'artiste. Studio de l'artiste, à la différence de Velázquez, Goya est devenu, selon Licht, une «prison sombre et sordide», concluant son explication, pour paraphraser Janis Tomlinson :
Quel a été Velazquez est devenu roman épique Goya. Le respect suspendu sacralizaba la vision de Velázquez est parti. Le Séville, d'une manière oblique, conserve toutes les notes portrait «épiphanie» de nous donner un endroit d'où on peut voir la famille choisie par Dieu pour gouverner la terre. Goya nous exclut, et exclut donc l'épiphanie. Velazquez dit d'où venait les vrais parents, où ils sont et où ils vont. La famille de Charles IV ne vient pas de nulle part et a aucun endroit où aller.[51]
Contexte
[modifier | modifier le code]Références
[modifier | modifier le code]- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La familia de Carlos IV » (voir la liste des auteurs).
- Musée du Prado. «La Famille de Charles IV". [Consulté le 21.10.2010].
- Musée du Prado. "de la famille de Philippe V". [Consulté le 21.10.2010].
- Musée du Prado. "de la famille de Philippe IV, ou Les Ménines". [Consulté le 21.10.2010].
- Portús, catalogue de l'exposition Le portrait espagnol du Greco à Picasso, p. 27.
- Stoichita, p. 266.
- Morales y Marin, p. 270-271.
- Musée du Prado. "Maria Josefa de Saxe et de Bourbon, infante d'Espagne" [Consulté le 21.10.2010].
- * Museo del Prado. "Carlos María Isidro de Borbón y Borbón-Parma, infant d'Espagne" [Consulté: 21.10.2010]
- Musée du Prado. "Francisco de Paula Antonio de Borbón y Borbón-Parma, infant d'Espagne" [21.10.2010 Consulté].
- Musée du Prado. "Pascual Antonio de Borbón et la Saxe, infant d'Espagne" [Consulté: 21.10.2010]
- Musée du Prado. "Luis de Borbón, Prince de Parme et roi d'Étrurie". [Consulté le 21.10.2010]
- Morales y Marin, pp 270-271.
- Metropolitan Museum of Art. "Ferdinand VII (1784-1833), Lorsque le prince des Asturies", catalogué comme une œuvre de Goya et atelier. [Consulté le 21.12.2010].
- Stoichita, p. 267.
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- Manuela Mena, catalogue de l'exposition Le portrait espagnol du Greco à Picasso, p. 352.
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- Manuela Mena, catalogue de l'exposition Le portrait espagnol du Greco à Picasso, p. 352.
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- Licht, profil Museo del Prado.
- Manuela Mena, catalogue de l'exposition Le portrait espagnol du Greco à Picasso, p. 352.
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- John J. Lune, "Portrait de l'Infante Carlos María Isidro" Catalogue de l'exposition présentée au Musée de Saragosse 3 Octobre to 1 Décembre 1996, n ° 9. "Christ crucifié." Cité par le site et l'image Réalité: Goya 1746-1828. [Consulté le 24.10.2010].
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- Glendinning (2005), p. 100.
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- Nigel Glendinning, Catalogue de l'exposition Le portrait espagnol du Greco à Picasso, 2005, p. 232
- Cirlot, p. 72-73.
- Glendinning (2005), p. 121.
- Museau, op. cit.
- Licht, profil Museo del Prado.
Sources
[modifier | modifier le code][[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]