MONTAGE VIDÉO

UNITÉ 1
THÈME 1 :Montage vidéo : Contexte, Concept,
Objectifs et importance

Montage vidéo
• Dans de nombreuses productions mono-caméra ou multi-caméras, le tournage se
déroule de manière non séquentielle. Les scènes sont souvent tournées plusieurs
fois et sous différents angles. Le montage vidéo consiste à les enchaîner de
manière à « construire » une histoire pour les spectateurs.

• Le montage vidéo est le processus de manipulation et de réorganisation de plans

vidéo pour créer une nouvelle œuvre. Le montage est généralement considéré
comme une partie du processus de post-production – les autres tâches de post-
production incluent le titre, la correction des couleurs, le mixage sonore, etc.

Histoire du montage vidéo

• 1895 – Les frères Lumière inventent le cinématographe. Le cinématographe était un
appareil trois-en-un qui enregistrait, capturait et projetait des films.

• 1898 - Come Along, Do! du pionnier du cinéma britannique Robert W. Paul, réalisé
en 1898 et l'un des premiers films à présenter plus d'un plan.

• 1903 – The Great Train Robbery, écrit, produit et réalisé par Edwin S. Porter, utilise
un certain nombre de techniques innovantes, notamment le découpage croisé, le
montage composite à double exposition et le mouvement de la caméra.

• 1915 - David Wark Griffith, considéré comme le père du cinéma narratif, invente
certaines techniques comme le montage parallèle, les poussant à des niveaux plus
élevés de complexité et de profondeur. Son film « La Naissance d'une nation » avait
une continuité spatiale, une règle des 180 degrés, un champ établi et un champ
inversé.
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• 1920 - Le réalisateur russe Lev Kuleshov introduit la théorie transversale et le
montage dans le montage.

• 1987 : Avid Technology crée Avid/1 Media Composer.

• 1991 : Adobe lance Premiere 1.0 pour Mac

• 1996 : Le Patient anglais est le premier film monté numériquement à remporter

l'Oscar du meilleur montage (monté par Walter Murch sur Avid).

• 1999 : Apple lance Final Cut Pro, qui devient rapidement le principal concurrent
d'Avid.

Importance
• Une bonne vidéo, qu'il s'agisse d'un clip musical, d'une vidéo de campagne
marketing, d'une vidéo d'entreprise ou autre, doit suivre 3 étapes importantes Pré-
production Production Post-production

• Le montage vidéo est important car c'est la clé du mélange des images et des sons
pour que nous nous sentions émotionnellement connectés et parfois vraiment
présents dans le film que nous regardons. Il est raisonnable de dire que le montage
vidéo fait partie des tâches les plus importantes de l'industrie cinématographique.
Avec le montage vidéo professionnel, vous pouvez créer un chef-d'œuvre évoquant
des émotions, et cela peut faire ou défaire votre film, c'est pourquoi il est tout aussi
important de choisir le bon éditeur vidéo que de choisir le bon équipement de
caméra.

• Le montage, dans sa forme la plus élémentaire, peut vous aider à placer toutes vos
photos dans le bon ordre. Vous utilisez des outils d'édition pour éliminer ou corriger
les erreurs commises au cours du processus de production. Il peut être utilisé pour
découper la vidéo à la longueur souhaitée et peut également être utilisé pour
communiquer la bonne esthétique au public.

Objectif de VE
Le montage vidéo consiste essentiellement à éditer des segments de séquences de
production vidéo animée en les coupant, en les découpant et en les superposant, ainsi
qu'en ajoutant des effets spéciaux et des enregistrements sonores.
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Voici quelques objectifs qui peuvent être atteints grâce au processus d’édition :

Supprimer les séquences indésirables

Il s’agit de la tâche d’édition la plus simple et la plus courante. De nombreuses vidéos

peuvent être considérablement améliorées en supprimant simplement les éléments
défectueux ou indésirables.

Choisissez les meilleures images

Il est courant de filmer beaucoup plus de séquences que ce dont vous avez réellement
besoin et de choisir uniquement le meilleur matériel pour le montage final. Souvent, vous
filmerez plusieurs versions (prises) d’une prise de vue et choisirez la meilleure lors du
montage.

Créer un flux

La plupart des vidéos ont pour objectif de raconter une histoire ou de fournir des
informations. Le montage est une étape cruciale pour garantir que la vidéo se déroule de
manière à atteindre cet objectif.

Ajoutez des effets, des graphiques, de la musique, etc.

C’est souvent la partie « wow » du montage. Vous pouvez améliorer la plupart des vidéos
(et vous amuser beaucoup) en ajoutant des éléments supplémentaires.

Modifier le style, le rythme ou l'ambiance de la vidéo

Un bon monteur sera capable de créer des invites d’ambiance subtiles dans une vidéo.
Des techniques telles que la musique d’ambiance et les effets visuels peuvent influencer la
réaction du public.

Donnez à la vidéo un "angle" particulier

La vidéo peut être adaptée pour soutenir un point de vue particulier, transmettre un
message ou servir un agenda.
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THÈME 2 : TYPES D'ÉDITION
TYPES D'ÉDITION

INSÉRER
ÉDITION
ASSEMBLER
ÉDITION

Édition en ligne

• Dans certaines situations, plusieurs caméras et autres sources vidéo sont acheminées
via une console de mixage centrale et éditées en temps réel. La couverture télévisée en
direct d'événements sportifs et les cérémonies de remise de prix sont quelques
exemples courants.

• L'approche de « montage de production en direct » consiste à mélanger tous les flux de

caméra (à l'aide d'un mélangeur/sélecteur vidéo), puis à demander à un réalisateur de
sélectionner/monter les plans, en temps réel, pour produire une séquence complète à la
fin du spectacle.

• Un gros avantage de l’approche événementielle en direct est qu’elle produit très

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rapidement une séquence montée du spectacle (cela pourrait techniquement être fait à
la fin du spectacle). Certains inconvénients de cette approche sont qu'elle nécessite un
équipement spécial (mélangeur/commutateur vidéo) pour connecter et
mélanger/sélectionner les flux vidéo et des compétences particulières pour
communiquer (et diriger) les différentes caméras afin de coordonner leurs prises de vue
et la capacité de prendre des décisions en une fraction de seconde. pour sélectionner
les bons montages en temps réel au fur et à mesure de la progression du spectacle.

Édition hors ligne

Les données vidéo et audio sont d'abord numérisées sur des disques durs ou d'autres
périphériques de stockage numérique. Les données sont soit enregistrées directement
sur le périphérique de stockage, soit importées d'une autre source. Il peut être divisé en
deux types : linéaire et non linéaire.

Édition linéaire

• Le montage linéaire était la méthode originale de montage de bandes vidéo

électroniques, avant que les ordinateurs de montage ne deviennent disponibles dans
les années 1990.

• Dans le montage linéaire, la vidéo est copiée de manière sélective d'une bande à une
autre, en commençant par le premier plan et en passant par le dernier plan.

• Le processus de base consiste à lire la bande originale sur la machine source et à

enregistrer une nouvelle version (éditée) sur la machine d'enregistrement.

• La plupart des magnétoscopes professionnels (magnétoscopes) permettent à l'éditeur

de basculer entre deux modes d'édition principaux.

1. Assembler l'édition
2. Insérer une édition

• En mode assemblage, le magnétoscope d'enregistrement efface tout ce qui se trouve

sur sa bande (pistes vidéo, audio, de contrôle et d'adresse) juste avant de copier le
matériel fourni par le magnétoscope source. Chaque fois qu'une nouvelle scène est
enregistrée, elle effacera simplement ce qui existait auparavant et la remplacera par un
nouvel audio et une nouvelle vidéo. Très utile dans les émissions d'information.

• Une légère disparité des impulsions de synchronisation entraînera une « déchirure » de

certaines modifications, provoquant un roulement de synchronisation, ce qui signifie que
l'image se brisera ou roulera momentanément au point de montage pendant la lecture.
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• Dans le montage par insertion, on suppose que le matériel déjà présent sur la bande
doit être conservé. Le nouveau matériel est inséré dans l’ancien. Tous les signaux
pendant le montage n'ont pas besoin d'être remplacés. L'opérateur configure la
machine de montage pour changer l'image ou l'un des canaux sonores ou toute
combinaison des trois.

• C’est un moyen d’édition plus rapide. Toutes les modifications sont sans déchirure. Une
nouvelle vidéo ou un nouveau son peut être inséré n'importe où dans la bande. Un plan
peut être inséré sans affecter l’audio ou la piste sonore.

Édition non linéaire

• Un système d'édition non linéaire (NLE) est un système de poste de travail audio
numérique vidéo (ou audio) qui effectue un montage non destructif sur le matériel
source. Le nom contraste avec les méthodes de montage vidéo et de montage vidéo
linéaire du XXe siècle.

• Les séquences vidéo sont enregistrées (capturées) sur le disque dur d'un ordinateur,
puis montées à l'aide d'un logiciel spécialisé. Une fois le montage terminé, le produit fini
est réenregistré sur bande ou sur disque optique.

• Le montage non linéaire est l'approche la plus naturelle lorsque tous les actifs sont
disponibles sous forme de fichiers sur des serveurs vidéo ou des disques durs, plutôt
que des enregistrements sur bobines ou sur bandes, tandis que le montage linéaire est
lié à la nécessité de séquencer la vidéo et l'audio. Le montage non linéaire permet
d'accéder directement à n'importe quelle image vidéo d'un clip vidéo numérique, sans
avoir besoin de lire ou de parcourir/navetter les séquences adjacentes pour l'atteindre,
comme cela est nécessaire avec les systèmes de montage linéaire sur bande vidéo. Il
est désormais possible d'accéder à n'importe quelle image en saisissant directement le
timecode ou les métadonnées descriptives.

• Un monteur peut, par exemple en fin de journée aux Jeux Olympiques, récupérer
facilement tous les clips liés aux joueurs ayant reçu une médaille d'or. Ainsi, au lieu de
suivre un ordre défini, vous pouvez travailler sur n'importe quel segment du projet à tout
moment et dans l'ordre de votre choix. Dans le montage vidéo non linéaire, les fichiers
source d'origine ne sont ni perdus ni modifiés pendant le montage.
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SUJET 4 : Rôles d'un monteur vidéo

• Un monteur de films et de vidéos est un employé hautement qualifié de l’industrie
cinématographique qui monte des films ou des vidéos. Le succès ou l’échec final de la
production repose entre leurs mains. La production finale doit être un projet cohérent qui
intègre le scénario et la personnalité des acteurs principaux.

• Le métier de monteur de films et de vidéos a évolué au fil des années. Lorsque les films
étaient en noir et blanc, le montage était simple. Avec l'informatique et la technologie
avancée, le travail d'un monteur de films et de vidéos est devenu de plus en plus
complexe, utilisant l'infographie pour faciliter le montage des films et fournir les
éléments nécessaires à la création du produit fini.

• Les tâches des monteurs de films et de vidéos sont nombreuses. Un employé peut se
retrouver à étudier des scénarios pour comprendre le scénario et à collaborer avec les
réalisateurs, les producteurs et l'équipe du film concernant le scénario et les objectifs du
réalisateur. Tout au long du tournage, le monteur examinera les bandes à des fins de
montage, à la recherche d'erreurs, de segments longs ou de parties qui ne
correspondent pas à l'histoire ou au scénario. Il/elle travaillera avec d'autres en ajoutant
des sons, des voix et de la musique qui correspondent au scénario et les placera à
l'endroit approprié.

• La création d'un projet vidéo, quel qu'il soit, est un long processus comportant de
nombreuses phases importantes, et l'une des étapes les plus importantes dans la
création du montage final de votre projet est le processus de montage vidéo. La phase
de montage de votre vidéo est une étape cruciale dans la production vidéo. Une fois
que vous avez enregistré toutes vos séquences et tout votre audio, il est temps de les
éditer en quelque chose de gérable. Voici trois raisons pour lesquelles le montage vidéo
est si important.

1 .) Examen de toutes les images et de l'audio

Le processus de montage vidéo vous permet de revoir tout ce que vous avez filmé
pendant le tournage. Pendant le tournage, il est facile de négliger certains plans que
vous créez en raison de la rapidité avec laquelle se déroule le tournage. Le processus
d'édition vous permet de ralentir et d'examiner attentivement tout le contenu avec lequel
vous devez travailler afin de pouvoir formuler un moyen de tout assembler.
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2) Organiser
Garder vos modifications bien rangées et organisées est l’un des meilleurs moyens de
gagner un temps supplémentaire. J'essaie de disposer mes chutiers, séquences et
dossiers de telle manière que si un autre éditeur devait s'asseoir sur mon montage sans
intervention extérieure, il serait évident quelle est la dernière séquence, où se trouvent
les graphiques du titre, comment le projet est structuré, etc.

2 .) Améliorer ou dégrader la qualité du produit

L'étape de montage est l'étape où vous pouvez faire ou défaire votre vidéo. C’est là que
tout le contenu dont vous disposez est rassemblé de manière significative. C'est ici que
vous rassemblez des clips disparates dans une histoire cohérente. Il y a parfois des
plans dont on n'aurait jamais vraiment pensé qu'ils fonctionneraient, mais dans la salle de
montage, ils prennent vie. C'est également là que vous prenez de grandes décisions
concernant la coloration, les effets visuels, les transitions, etc.

3 .) Décisions créatives

Un projet bien édité sera net et fluide avec une grande précision. Toutes les décisions
créatives que vous avez prises, de la pré-production à la post-production, transparaissent
une fois que tout a été édité jusqu'à sa forme finale. C'est le processus par lequel vous
décidez du rythme du film et de la manière dont tous les plans fonctionnent ensemble
pour créer un tout unifié. Le montage vidéo est un processus long en soi et nécessite une
grande attention aux détails.

Le talent artistique du montage dépend non seulement d'un talent pour la créativité, mais
également d'une connaissance approfondie des capacités non seulement de leur propre
logiciel de montage non linéaire, mais également des logiciels de graphisme et
d'animation, du fonctionnement de la caméra et de toutes les techniques disponibles. aux
utilisateurs experts de ces outils. L'édition est souvent une question de résolution de
problèmes, et savoir ce qui PEUT être fait est une condition préalable pour décider de ce
qui DEVRAIT être fait. Si un éditeur dit « Je ne sais pas comment faire ça », la phrase
suivante qui sortira de sa bouche devrait être « mais je connais quelqu'un qui le sait » ou
vous ne travaillez pas avec un bon éditeur.
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Défis d'un monteur vidéo

• Les rédacteurs doivent comprendre et articuler le fonctionnement interne de leur
spécialité équipement, pressions professionnelles, méthodes de travail, théories et
instincts.

• Les monteurs ont tendance à travailler au-delà des avant-premières, des premières et
des rééditions ; parfois, ils sont même réengagés pour des adaptations télévisées et
des reconstructions des années plus tard. Malheureusement, les monteurs de films
(comme les monteurs du son, qui sont encore plus contraints par les demandes de
dernière minute) sont confrontés à des budgets serrés, des horaires serrés et un
caractère colérique. Malgré ces limites, les rédacteurs se consacrent uniformément à
leur responsabilité première : concrétiser la vision du réalisateur.

• Un monteur de film regarde l'image en toute objectivité... il doit s'efforcer de faire

semblant d'être le public.

• Regardez plus de travail – La sensibilisation aux tendances créatives émergentes est

tout aussi importante que la connaissance des derniers développements
technologiques.

• Prenez le temps d’apprendre – La façon la plus évidente de s’améliorer est de prendre

le temps d’apprendre activement de nouvelles choses. Regardez des tutoriels ou
apprenez un nouveau logiciel. Il est également important d'essayer de découvrir des
domaines similaires au vôtre, mais suffisamment différents pour apporter une nouvelle
perspective. En tant qu'éditeur, apprendre la typographie, le graphisme, la
photographie, l'écriture de scénarios, la narration, la composition musicale ou la
peinture pourrait m'aider à devenir un monteur de films plus créatif et plus inspiré - un
investissement rentable.
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UNITÉ 2
SUJET 2 : Montage vidéo linéaire et non linéaire :
L'équipement et ses fonctions
Édition linéaire
• Le montage linéaire était la méthode originale de montage de bandes vidéo
électroniques, avant que les ordinateurs de montage ne deviennent disponibles dans les
années 1990.

• Dans le montage linéaire, la vidéo est copiée de manière sélective d'une bande à une
autre, en commençant par le premier plan et en passant par le dernier plan.

• Le processus de base consiste à lire la bande originale sur la machine source et à

enregistrer une nouvelle version (éditée) sur la machine d'enregistrement.

• La plupart des magnétoscopes professionnels (magnétoscopes) permettent à l'éditeur de

basculer entre deux modes d'édition principaux.

3. Assembler l'édition
4. Insérer une édition

• En mode assemblage, le magnétoscope d'enregistrement efface tout ce qui se trouve sur

sa bande (pistes vidéo, audio, de contrôle et d'adresse) juste avant de copier le matériel
fourni par le magnétoscope source. Chaque fois qu'une nouvelle scène est enregistrée,
elle effacera simplement ce qui existait auparavant et la remplacera par un nouvel audio
et une nouvelle vidéo. Très utile dans les émissions d'information.

• Une légère disparité des impulsions de synchronisation entraînera une « déchirure » de

certaines modifications, provoquant un roulement de synchronisation, ce qui signifie que
l'image se brisera ou roulera momentanément au point de montage pendant la lecture.

• Dans le montage par insertion, on suppose que le matériel déjà présent sur la bande doit
être conservé. Le nouveau matériel est inséré dans l’ancien. Tous les signaux pendant le
montage n'ont pas besoin d'être remplacés. L'opérateur configure la machine de
montage pour changer l'image ou l'un des canaux sonores ou toute combinaison des
trois.

• C’est un moyen d’édition plus rapide. Toutes les modifications sont sans déchirure. Une
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nouvelle vidéo ou un nouveau son peut être inséré n'importe où dans la bande. Un plan
peut être inséré sans affecter l’audio ou la piste sonore.

Équipements de Montage Linéaire

1. VISION MIXER : Un mélangeur de vision (également appelé mélangeur vidéo,
mélangeur vidéo ou mélangeur de production) est un appareil utilisé pour
sélectionner entre plusieurs sources vidéo différentes et, dans certains cas,
composer (mélanger) des sources vidéo ensemble pour créer des effets spéciaux.
Ceci est similaire à ce que fait une console de mixage pour l’audio.

2. ENREGISTREUR DE BANDE VIDÉO (VTR) : Un magnétoscope (VTR) est un

magnétophone conçu pour enregistrer et lire du matériel vidéo et audio sur bande
magnétique. Les premiers magnétoscopes sont des appareils à bobine ouverte qui
enregistrent sur des bobines individuelles de bande de 2 pouces de large (5,08
cm).

3. CONTRÔLEURS D'ÉDITION : Les commandes sur la gauche (au-dessus et y

compris la bague jog/shuttle) contrôlent la machine source. Les commandes
correspondantes sur la droite sont destinées à la machine à enregistrer (notez
l'ajout d'un bouton d'enregistrement rouge).

4. GÉNÉRATEUR DE CARACTÈRES : Un générateur de personnages, souvent

abrégé en CG, est un appareil ou un logiciel qui produit du texte statique ou animé
(tel que des analyses d'actualités et des génériques) à saisir dans un flux vidéo.

5. FILM SPLICER : Une colleuse de film (également appelée colleuse de film,

généralement en Europe) est un appareil qui peut être utilisé pour assembler
physiquement des longueurs de film photographique. Il est principalement utilisé
dans les films cinématographiques.

6. BANDE VIDÉO : La bande vidéo quadruplex de 2 pouces (également appelée 2″

quad, ou simplement quad, en abrégé) a été le premier format de bande vidéo
d'enregistrement analogique pratique et commercialement réussi. Il a été
développé et publié pour l'industrie de la télévision en 1956 par Ampex, une
société américaine basée à Redwood City, en Californie.

7. CIMENT À FILM : Le ciment à film est une colle spéciale conçue pour assembler
les films cinématographiques. Il est constitué d'un film de base dissous dans un
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solvant. Deux sections coupées de film sont assemblées dans une colleuse de film
à l'aide de colle à film

Édition non linéaire

Contrairement au montage linéaire, où vous copiez un clip sélectionné d'une bande à une
autre, le principe de base du montage non linéaire est la gestion des fichiers numériques.
Vous comprenez probablement maintenant pourquoi ce système est appelé « non
linéaire » : vous pouvez accéder instantanément à n'importe lequel des fichiers (images
ou clips) dans n'importe quel ordre, quel que soit l'endroit où se trouvent les informations
sur le disque dur. L'ordinateur marque ensuite les clips sélectionnés afin qu'ils soient lus
dans l'ordre que vous spécifiez.

Système de montage non linéaire Si vous deviez équiper votre suite de montage, optez
pour un ordinateur de bureau haut de gamme doté d'un disque dur de grande capacité et
d'un processeur haute vitesse. Le système d'édition non linéaire (NLE) typique doit
également inclure

Un ordinateur est un appareil qui peut être chargé d’effectuer automatiquement des
séquences d’opérations arithmétiques ou logiques via une programmation informatique.
Les ordinateurs modernes ont la capacité de suivre des ensembles généralisés
d’opérations, appelés programmes. Ces programmes permettent aux ordinateurs
d'effectuer un éventail extrêmement large de tâches

Un logiciel de montage vidéo est un programme d'application qui gère le montage

vidéo post-production de séquences vidéo numériques sur un système de montage
informatique non linéaire (NLE). Il a remplacé les outils traditionnels de montage de films
en celluloïd à plat et les machines de montage en ligne de bandes vidéo analogiques.

Exemples,

★ Pinnacle Studio 16 Ultime

★ Éditeur vidéo AVS.
★ Adobe Premiere Elements 11.
★ Final Cut Pro X

Une carte FireWire est une carte d'extension qui permet de connecter un périphérique
ou un périphérique FireWire à un ordinateur. Bien que certains ordinateurs disposent
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3
d'une fonctionnalité FireWire intégrée (y compris presque tous les ordinateurs Macintosh,
mais seulement un petit pourcentage des PC Windows), la possibilité d'ajouter cette
fonctionnalité présente un grand avantage : FireWire est une méthode de transfert de
données plus rapide que l'USB, Ethernet ou réseaux sans fil.

deux moniteurs externes assez grands – un pour la sortie de l'ordinateur et l'autre pour
afficher vos séquences éditées – et il semble d'une manière ou d'une autre plus facile de
travailler avec deux écrans séparés qu'avec un écran divisé.

deux petits haut-parleurs.

Si vous avez l'intention de contrôler le volume de sources sonores supplémentaires, ou

d'en prémixer plusieurs avant de les importer dans le NLE, vous aurez également besoin
d'un petit mixeur audio.

Un ordinateur utilisé pour le montage doit disposer du logiciel nécessaire pour accomplir
les trois phases du montage non linéaire (capture, montage proprement dit et
exportation), ainsi que d'un logiciel d'effets spéciaux supplémentaire pour créer des
transitions, des graphiques et des titres. La plupart des logiciels de montage vous
permettent d'importer les données vidéo et audio directement depuis l'enregistreur vidéo
à l'intérieur du caméscope vers l'ordinateur NLE. Cela représente la phase de capture.
Une fois les informations sur le disque dur, vous pouvez sélectionner les clips et préciser
leur ordre de lecture. Vous pouvez également ajouter de nouvelles informations, telles
que des clips ou des segments audio provenant d'un autre tournage ou d'une autre
source, pour renforcer l'impact de votre création.
Le logiciel d'effets spéciaux permet une myriade de transitions et de possibilités de titres.
C’est la véritable phase d’édition.

Sujet 3 : Étapes du montage vidéo linéaire et non linéaire

ÉTAPES POUR L'ÉDITION LINÉAIRE

• Le montage linéaire était la méthode originale de montage de bandes vidéo

électroniques, avant que les ordinateurs de montage ne deviennent disponibles dans les
années 1990.

• Dans le montage linéaire, la vidéo est copiée de manière sélective d'une bande à une
autre, en commençant par le premier plan et en passant par le dernier plan.
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PAS:

1. Mise en place des équipements :

1. Deux magnétoscopes (magnétoscopes), de préférence avec sorties AV (audio et

vidéo). Si vous n'avez pas de sorties AV, vous pouvez utiliser les sorties RF (aériennes)
à la place.

2. Au moins un moniteur vidéo, mais de préférence deux. Les moniteurs professionnels

sont les meilleurs, mais vous pouvez utiliser des téléviseurs si nécessaire. Câbles de
connexion.

3. Modifier le contrôleur.

4. CG- Générateur de caractères- Générateur de graphiques-L'ajout de titres et d'autres

effets dans le montage linéaire nécessite normalement un équipement spécialisé.

5. Magnétoscope : Un magnétoscope (VTR) est un magnétophone qui peut enregistrer

du matériel vidéo. Le magnétoscope (magnétoscope), où la bande vidéo est enfermée
dans une coque de vidéocassette conviviale, est le type de magnétoscope le plus connu
des consommateurs. Les professionnels peuvent utiliser d’autres types de cassettes
vidéo et d’enregistreurs.

6. Appareil d'enregistrement : clé USB, disque dur ou puce.

2. Processus

1. Insérez une cassette VHS d'un film dans le magnétoscope source

2. Insérez une cassette vide dans le magnétoscope enregistreur.
3. Appuyez sur REC. L'image du magnétoscope de lecture apparaît à l'écran.
4. Recherchez le point de départ du montage sur la bande de lecture à l'aide de la
molette Jog/anneau de navette du contrôleur de montage du magnétoscope
d'enregistrement.
5. Appuyez sur le bouton JOG/SHUTTLE du contrôleur de montage du
magnétoscope d'enregistrement : le montage commence.
6. Appuyez sur STOP sur le contrôleur pour arrêter l'édition.
7. Le film sur la cassette VHS sera transféré sur la bande d'enregistrement.
8. Maintenant, déplacez-vous vers un autre endroit de la bande source et enregistrez
cette partie
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5
Les différents systèmes basés sur bande se répartissent en trois catégories :

Source unique

Le système de base qui ne dispose que d'un seul magnétoscope fournissant le matériel à
monter est appelé système de montage à source unique ou à coupes uniquement. La
machine qui lit la bande avec les images originales est appelée le magnétoscope source
ou le magnétoscope de lecture et l'autre est appelée magnétoscope d'enregistrement.
Les bandes sont appelées bande vidéo source et bande mère de montage. Pour cela,
deux moniteurs sont nécessaires. Vous utilisez le magnétoscope source pour trouver les
points d'entrée et de sortie exacts du métrage que vous souhaitez copier sur la bande
maîtresse de montage. Record VTR doit également savoir quand commencer
l'enregistrement (copie) du matériel source et quand l'arrêter. Un signal « entrée » et
« sortie » indique ce qui est effectué par une machine de contrôle d'édition.

Système à source unique étendu

Dans un documentaire sur la circulation aux heures de pointe, vous souhaiterez peut-être
ajouter davantage de bruits de circulation pour intensifier les plans d'un embouteillage au
centre-ville ou mettre de la musique sur une scène de mariage. Un tel effet peut être
obtenu à l’aide d’un mixeur audio. Si des titres doivent être ajoutés, un générateur de
personnages est requis et un commutateur capable de mélanger les titres avec la scène
de la bande source, sans que la bande maîtresse de montage ne subisse une autre
génération. Le commutateur et le mixeur audio peuvent offrir une variété d'effets. Il peut
faciliter une grande variété de transitions, telles que les coupes, les dissolutions et les
essuyages.

Système source multiple

Le système de montage à sources multiples basé sur bande se compose de deux

magnétoscopes sources ou plus, d'un magnétoscope à enregistrement unique et d'un
contrôleur de montage assisté par ordinateur. Le contrôleur de montage informatisé
dirige les fonctions des magnétoscopes sources A et B, du générateur de CG ou d'effets,
du mixeur audio et enfin des fonctions de montage et d'enregistrement du magnétoscope
d'enregistrement.

ÉTAPES POUR L'ÉDITION NON LINÉAIRE

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Contrairement au montage linéaire, où vous copiez un clip sélectionné d'une bande à une
autre, le principe de base du montage non linéaire est la gestion des fichiers numériques.
Vous comprenez probablement maintenant pourquoi ce système est appelé « non
linéaire » : vous pouvez accéder instantanément à n'importe lequel des fichiers (images
ou clips) dans n'importe quel ordre, quel que soit l'endroit où se trouvent les informations
sur le disque dur. L'ordinateur marque ensuite les clips sélectionnés afin qu'ils soient lus
dans l'ordre que vous spécifiez. Notez que les fichiers vidéo eux-mêmes ne sont pas
déplacés de l'endroit où ils sont stockés sur le disque dur ; votre montage indique
simplement à l'ordinateur l'ordre dans lequel lire les clips.

Système de montage non linéaire Si vous deviez équiper votre suite de montage, optez
pour un ordinateur de bureau haut de gamme doté d'un disque dur de grande capacité et
d'un processeur haute vitesse. Le système de montage non linéaire (NLE) typique doit
également inclure deux moniteurs externes assez grands – un pour la sortie de
l'ordinateur et l'autre pour afficher vos séquences éditées – et deux petits haut-parleurs. Il
semble en quelque sorte plus facile de travailler avec deux écrans séparés qu'avec un
écran divisé. Si vous avez l'intention de contrôler le volume de sources sonores
supplémentaires, ou d'en prémixer plusieurs avant de les importer dans le NLE, vous
aurez également besoin d'un petit mixeur audio. Un ordinateur utilisé pour le montage
doit disposer du logiciel nécessaire pour accomplir les trois phases du montage non
linéaire (capture, montage proprement dit et exportation), ainsi que d'un logiciel d'effets
spéciaux supplémentaire pour créer des transitions, des graphiques et des titres. La
plupart des logiciels de montage vous permettent d'importer les données vidéo et audio
directement depuis l'enregistreur vidéo à l'intérieur du caméscope vers l'ordinateur NLE.
Cela représente la phase de capture. Une fois les informations sur le disque dur, vous
pouvez sélectionner les clips et préciser leur ordre de lecture. Vous pouvez également
ajouter de nouvelles informations, telles que des clips ou des segments audio provenant
d'un autre tournage ou d'une autre source, pour renforcer l'impact de votre création. Le
logiciel d'effets spéciaux permet une myriade de transitions et de possibilités de titres.
C’est la véritable phase d’édition.

Ce qui suit est une liste de bas niveau des principales étapes impliquées dans un flux de
travail de post-production qui met l'accent sur le processus d'édition des éléments visuels
d'un projet.

1. Acquérir
2. Organiser
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3. Examinez et sélectionnez
4. Assembler
5. Coupe grossière
6. Coupe fine
7. Verrouillage d'image
8. Maîtriser et livrer

Acquisition : En termes simples, vous devez acquérir les images tournées par l'équipe
de production. Les éléments cinématographiques et sonores, qu'ils soient sur film en
émulsion, sur bande analogique, sur bande numérique ou sur fichiers numériques,
doivent être rassemblés pendant toute la durée du processus de montage de post-
production. Si vous utilisez un système de montage numérique non linéaire assisté par
ordinateur pour effectuer le montage, vous devrez alors importer, capturer ou « numériser
» tous les documents en tant que support sur vos disques de stockage.

Organisation : toutes les minutes, heures, pieds, bobines ou gigaoctets d'éléments

images et sonores doivent être organisés d'une manière ou d'une autre. Si vous ne
disposez pas d'un système clair d'étiquetage, de regroupement ou de tri de tout le
matériel nécessaire à votre projet, vous aurez éventuellement du mal à trouver le bon
plan ou le bon effet sonore, etc. L'organisation des documents sources n'est pas la partie
la plus glamour du processus de montage, mais elle peut certainement faire la différence
entre un flux de post-production fluide et un flux de travail plus lent et frustrant.

Révision et sélection : Une fois que vous aurez acquis et organisé tous vos éléments, il
sera nécessaire de réviser tout ce matériel et de sélectionner les meilleures pièces qui
conviendront à votre projet. Vous « tirerez les sélections » et mettrez de côté les bonnes
choses tout en éliminant les déchets.

Assemblage : ce processus nécessite d'assembler toutes les pièces majeures du projet

en une séquence logique d'éléments visuels et sonores. Si vous éditez une histoire
scénarisée, vous suivrez ce script comme modèle pour assembler les meilleures
sélections des différents plans des scènes qui composent le film. Quel que soit le genre
du projet, l’histoire, dans sa forme la plus longue et la plus grossière, prend forme
maintenant.

Rough cut : Il s'agit d'une étape du développement du projet où la majorité du « gras » a

été éliminée et vous vous retrouvez avec une présentation complète dans son flux
narratif mais comportant de nombreuses aspérités. Peut-être que tous les montages ne
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8
sont pas encore parfaitement synchronisés, qu'il n'y a pas de titres ou de graphiques
finalisés, que des effets simples ou plus élaborés n'ont pas été créés et que le mixage
audio n'est certainement pas terminé. Cependant, vous avez le timing des éléments
principaux à un bon rythme, et vous, ainsi que les autres personnes à qui vous montrez
le travail en développement, aimez comment l'histoire se déroule, bien qu'une
restructuration des scènes puisse encore avoir lieu.

Coupe fine : Vous avez travaillé, retravaillé et massé la matière de votre projet pour en
faire une présentation serrée et finement réglée. Il n’y aura pas de rénovations majeures
à partir de maintenant. Vous et la majorité des personnes à qui vous montrez l’œuvre
êtes tous d’accord sur le fait qu’aucune modification supplémentaire n’est nécessaire.
Cette coupe est bien.

Verrouillage d'image : Vous avez atteint le verrouillage d'image lorsque vous êtes
absolument certain que vous n'apporterez plus de modifications à la ou aux pistes
d'image de votre morceau édité. Le timing de tous les éléments de l'image (prises de vue,
titres, pauses noires, etc.) est défini. Une fois que vous avez verrouillé les pistes
d'images (parfois au sens propre mais surtout au sens figuré), vous êtes alors libre de
répondre à vos besoins de mixage audio. Une fois les réglages audio finalisés et votre
musique en place, vous êtes alors prêt pour la dernière étape.

Mastering et diffusion : Tous vos efforts pour créer une pièce bien montée ne serviront
à rien si vous ne pouvez pas présenter le spectacle au public qui a besoin de le voir. De
nos jours, ce processus peut impliquer d'enregistrer votre montage final sur une bande
vidéo, de créer une impression de film optique pour une projection dans une salle de
cinéma, de convertir votre histoire en fichier vidéo informatique ou de créer la pièce sur
un DVD. Chaque média nécessiterait un processus unique, mais le résultat final est que
vous disposez d'une version entièrement maîtrisée de votre émission et qu'un public peut
voir tout votre dur travail de montage.

THÈME 4 : Techniques de montage : types de coupes et

Transitions
Appareils de transition de base

Chaque fois que nous assemblons deux plans, nous avons besoin d’une transition entre
eux, d’un dispositif qui implique que les deux plans sont liés. Il existe quatre dispositifs de
transition de base : (1) le cut, (2) le fondu, (3) le volet et (4) le fondu. Bien que tous les
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9
quatre aient le même objectif fondamental – fournir un lien acceptable d’un plan à l’autre
– ils diffèrent quelque peu par leur fonction, c’est-à-dire la manière dont nous devons
percevoir la transition dans une séquence de plans.

La Coupe

Le montage est un passage instantané d'une image (plan) à une autre. C'est le dispositif
de transition le plus courant et le moins intrusif, en supposant que les plans précédents et
suivants montrent une certaine continuité. La coupure elle-même n'est pas visible ; tout
ce que vous voyez, ce sont les plans précédents et suivants. Cela ressemble le plus au
champ changeant de l’œil humain. La coupure, comme tous les autres dispositifs de
transition, est essentiellement utilisée pour clarifier et intensifier un événement.

La clarification signifie que vous montrez l'événement au spectateur aussi clairement que
possible. Par exemple, dans une interview, l’invitée montre le livre qu’elle a écrit. Pour
aider le spectateur à identifier le livre, vous faites un gros plan de celui-ci.

L'intensification signifie que vous accentuez l'impact de l'événement d'écran. Dans un

plan extrêmement long, par exemple, un tacle de football peut paraître plutôt inoffensif ;
Cependant, vue en gros plan, l'action révèle sa force brute. En coupant au plus près,
l'action s'est intensifiée.

La dissolution
Le fondu enchaîné, ou fondu enchaîné, est une transition progressive d'un plan à l'autre,
les deux images se chevauchant temporairement. Alors que le montage lui-même n'est
pas visible à l'écran, le fondu est une transition clairement visible. Les dissolutions sont
souvent utilisées pour fournir un pont lisse pour l'action Tor afin d'indiquer le passage du
temps. En fonction du rythme général d'un événement, vous pouvez utiliser des fondus
lents ou rapides. Une coupe très rapide fonctionne presque comme une coupe et est
donc appelée softcut. Pour une transition intéressante et fluide d'un plan large d'un
danseur à un gros plan, par exemple, il suffit de passer d'une caméra à l'autre. Lorsque
vous maintenez le fondu au milieu, vous créez une superposition, ou super. Une
dissolution lente indiquera un écoulement de temps relativement long ; une dissolution
rapide, une courte. Étant donné que les fondus sont si facilement disponibles dans le
logiciel NLE, vous pourriez être tenté de les utiliser plus souvent que nécessaire, voire
souhaitable. Un fondu ralentira inévitablement la transition et, avec elle, la scène. Si les
fondus sont trop utilisés, la présentation manquera de précision et d’accent et ennuyera
le spectateur.
 2
0
La lingette

• Il existe une grande variété de wipes, dont la plus simple consiste à remplacer l'image de
base par une autre qui se déplace d'un bord à l'autre de l'écran.
• D'autres effets de volet donnent l'impression que l'image du haut est décollée d'une pile
d'autres, ou qu'un diamant s'étendant du centre de l'image du haut montre
progressivement celui du dessous.
• Le wipe est un dispositif de transition si décomplexé qu’il est normalement classé parmi
les effets spéciaux. Le wipe indique aux téléspectateurs qu'ils vont certainement voir
autre chose, ou il injecte un peu d'intérêt ou de plaisir dans la séquence de tournage.
• Il est utilisé lorsqu'il n'y a pas de relation forte entre deux prises de vue.
• Les lingettes et autres effets similaires sont particulièrement amplifiés sur le grand écran
HDTV 1 6 x 9.
• Comme pour tout autre effet spécial, vous devez faire preuve de discrétion ; Les lingettes
surutilisées ou inappropriées font facilement disparaître les plans qu'elles connectent.

Le fondu

• Lors d'un fondu, l'image passe progressivement au noir (fondu fondu) ou apparaît
progressivement sur l'écran à partir du noir (fondu entrant). Vous utilisez le fondu pour
signaler un début (fondu d'entrée) ou une fin (fondu de sortie) défini d'une scène, d'une
séquence, d'un film ou d'un acte.
• En tant que tel, le fondu n’est techniquement pas une véritable transition. Certains
réalisateurs et monteurs utilisent le terme fondu enchaîné pour désigner un fondu rapide
vers le noir suivi immédiatement d'un fondu entrant vers l'image suivante. Ici, le fondu
agit comme un dispositif de transition, séparant de manière décisive les images
précédentes et suivantes les unes des autres. Le fondu enchaîné est également appelé
un plongeon vers le noir.
• Un bref passage au noir pourrait réduire, voire éliminer, cet effet de montage
potentiellement drôle ou inapproprié. Cela dit; ne passez pas trop souvent au noir : la
continuité du programme sera trop souvent interrompue par des fondus qui suggèrent
tous des fins finales. L'autre extrême est l'engouement pour le « ne jamais passer au
noir » : certains réalisateurs n'osent pas passer au noir de peur de donner au
téléspectateur la possibilité de changer de chaîne.

TYPES DE COUPES
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1. Le standard

Le hard cut est le type de montage de base en montage. Ce type de coupe est utilisé
lorsque vous souhaitez couper d'un clip à l'autre sans aucun type de transition, ou
lorsque vous coupez de la fin d'un clip au début d'un autre. Le seul inconvénient du
montage dur est que celui-ci donne le moins de signification visuelle.

2. COUPE SAUTÉE

C’est une coupe qui avance dans le temps. Cela se fait normalement dans le même
cadre ou composition, et est souvent utilisé dans des montages. Cela permet d'afficher
les informations principales dans un temps limité. Il est utilisé pour interrompre une prise
de vue continue.

3. Coupe J ou L

Les coupes J et L sont incroyablement courantes. Ils tirent leur nom de la façon dont les
clips sont alignés dans le logiciel de montage. Une coupe en L est utilisée lorsque vous
souhaitez que l'audio du clip A continue lorsque le clip B arrive. La coupe J est à
l'opposé, où l'audio du clip B entre alors que nous voyons encore le clip A. Presque
toutes les interviews documentaires que vous avez vues utilisent des coupes J et L.

4. Cross Cut, alias édition parallèle

Un montage croisé brise deux perspectives en une seule séquence. Cette coupe prend
deux perspectives différentes de votre monde narratif (comme un personnage en
poursuivant un autre) et les fusionne en coupant entre chacune. Le public reliera
automatiquement les deux perspectives comme un tout puisqu’il les regardera se
dérouler en « temps réel ». Cela peut être idéal pour ajouter de la tension (les films de
braquage utilisent beaucoup de montage parallèle, comme montrer quelqu'un
s'introduisant dans un coffre-fort pendant qu'un agent de sécurité se dirige vers lui).

5. Coupe assortie

Un match cut est un montage qui donne un contexte et une continuité à la scène et la
pousse dans une certaine direction, sans désorienter le spectateur. Vous l'utilisez soit
pour vous déplacer entre les scènes, soit pour vous déplacer dans un espace, tout en
gardant le tout cohérent. Une version très basique consiste à tirer sur quelqu'un qui
ouvre une porte par derrière, puis à passer du côté opposé alors qu'il la franchit.

Une correspondance graphique (par opposition à un contraste ou une collision

 2
2
graphique) se produit lorsque les formes, les couleurs et/ou le mouvement global de
deux plans correspondent dans la composition, soit au sein d'une scène, soit, surtout,
lors d'une transition entre deux scènes.

6. Le smash-cut

Si vous avez une scène bruyante qui passe immédiatement à une scène calme ou vice
versa, c'est ici que vous utiliserez le smash cut. Vous souhaitez l'utiliser lorsque vous
effectuez une transition entre deux scènes, émotions ou récits complètement différents
et que vous devez effectuer une transition abrupte. Ceci est très utilisé lorsque les gens
se réveillent d'un rêve, et il est également utilisé assez souvent dans la comédie - il est
également appelé «Gilligan Cut», car l'émission de télévision Gilligan's Island a souvent
utilisé ce montage.

7. Couper l’action

Lors de l'édition d'une séquence d'action, c'est toujours une bonne idée de mélanger les
coupes de la manière la plus transparente possible. Pour couper l'action, vous
fusionnez deux clips en coupant entre eux pendant un moment d'action. Cela lie les
deux clips ensemble et incite le public à ignorer le montage. C'est un choix parfait pour
une scène de combat ou une séquence de poursuite. Couper l'action est le meilleur
moyen de cacher une coupure.

8. Coupes :

Ces types de coupes sont utiles si vous souhaitez ajouter des plans qui donnent plus
d'informations et de contexte à une scène, comme des plans du lieu pour établir le
décor ou des plans d'accessoires et d'autres objets auxquels un personnage fait
référence. Étant donné que de nombreux monteurs les utilisent pour incorporer des
séquences supplémentaires, il peut être utile de considérer les plans de coupe comme
des « coupes B-roll ».

AUTRES TECHNIQUES :

Montage

Un montage est une technique de montage qui, encore une fois, signifie le passage du
temps ou contribue à donner un contexte global à l'histoire avec des coupes rapides.

1. Métrique - Lorsque le montage suit un nombre spécifique d'images, celui-ci est

basé uniquement sur la nature physique du temps, passant au plan suivant, peu
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3
importe ce qui se passe dans l'image. La raison en est d’obtenir une réaction
émotionnelle de la part du public.
2. Rythmique - Le découpage se fait dans un souci de continuité. Cela crée une
continuité visuelle mais peut également être utilisé pour suivre le rythme du film.
Un bon exemple en est la légendaire scène de poursuite en voiture/train dans
The French Connection.
3. Tonal - Un montage tonal utilise la signification émotionnelle des plans. Pas
seulement manipuler la durée temporelle des morceaux ou ses caractéristiques
rythmiques. Le but est de susciter une réaction plus complexe que Rythmique et
Métrique. Un exemple de ceci est dans l'un des films d'Eisenstein appelé
Cuirassé Potemkine où le personnage « Vakulinchuk » meurt.
4. Overtonal/Associational - Une accumulation de montages métriques, rythmiques
et tonals pour synthétiser son effet sur le public pour un effet encore plus abstrait
et compliqué.
5. Intellectuel - Utilise une combinaison de plans extérieurs au film afin de créer un
sens. Un bon exemple serait la scène d’Apocalypse Now où Klutz est exécuté. Ils
se mélangent à des plans d'un buffle d'eau abattu.
 2
4

UNITÉ 3
THÈME 1 : Conception et montage sonore : conception et
Dépannage
La plupart des gens considèrent la réalisation de films ou la production vidéo comme un
support visuel. Ce fut le cas pendant de nombreuses années, à l’époque du cinéma
muet. Lorsque le cinéma parlant est apparu pour la première fois dans les années 1920,
c’était à la fois la plus grande et la pire chose qui soit arrivée à cet art. Les films sont
devenus plus immersifs et plus subtils. Les dialogues ont ajouté de la profondeur à
l'histoire. Sound FX a étoffé le monde, le rendant plus réel pour le public. Le design
sonore est devenu essentiel à la narration et l’ère du cinéma muet a pratiquement
disparu. De nos jours, le Sound Design représente peut-être la moitié de votre histoire,
mais il faut une attention particulière aux détails pour bien faire les choses. La plus
grande différence entre un professionnel et un amateur réside dans la conception
sonore de leur vidéo, et non dans les visuels.

La conception sonore est le processus d'obtention, de manipulation, de contrôle ou de

création d'éléments audio. Ou c'est le processus de spécification, d'acquisition, de
manipulation ou de génération d'éléments audio. Il est utilisé dans diverses disciplines,
notamment la réalisation de films, la production de vidéos télévisées, le théâtre,
l'enregistrement et la reproduction sonores, les performances live, l'art sonore, la post-
production et le développement de logiciels de jeux vidéo.

ÉLÉMENTS SONORES :

1. MUSIQUE : La musique peut être utilisée pour un certain nombre d’effets. La

manière la plus évidente d’utiliser les partitions musicales est de guider la
réponse émotionnelle du public.

A. AMBIANCE : L'ambiance est appelée l'atmosphère associée à un

environnement particulier. De la musique au film, le son ambiant est
quelque chose qui crée un décor atmosphérique et engage le
spectateur/auditeur dans l’environnement dudit environnement. Le son
ambiant est utilisé non seulement pour corréler un décor particulier à
l'histoire, mais également pour faire la transition vers d'autres parties d'un
 2
5
décor spécifique du film, en maintenant le flux actuel que le film suit
lorsqu'il passe d'une scène ou est coupé à une autre.

B. RÉEL Dans d'autres productions, la musique peut être la seule piste

audio. Les montages musicaux sans son naturel peuvent être
particulièrement émouvants si vous réalisez des vidéos de mariage ou
d'événement. Vous constaterez qu'il est utile de placer la chanson sur
votre timeline, puis de monter vos séquences sur la musique.

C. FOND : Le simple fait d'ajouter une piste de musique de fond peut

grandement améliorer vos vidéos. La musique s'insinue souvent
discrètement, sans que le spectateur ne le remarque, puis se développe à
mesure que les émotions s'intensifient. La musique de fond est un moyen
simple d'ajouter du professionnalisme à une vidéo avec un dialogue ou
une narration. La musique de fond doit être mixée à voix basse, afin de ne
pas interférer avec les paroles prononcées.

2. EFFETS SONORES:

A. DIGETIQUE : Son dont la source est visible à l'écran ou dont la source est
implicitement présente par l'action du film :

• voix des personnages

• les sons émis par les objets de l'histoire
• musique représentée comme provenant d'instruments dans l'espace de
l'histoire (= musique source)
• Le son diégétique est tout son présenté comme provenant d'une source
dans le monde du film.

B. NON-DIÉGÉTIQUE : Son dont la source n'est ni visible à l'écran ni implicitement

présente dans l'action :

• commentaire du narrateur
• effets sonores qui sont ajoutés pour l'effet dramatique
• musique d'ambiance
• Le son non diégétique est représenté comme provenant d’une source
extérieure à l’espace de l’histoire.
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6
3. SON SYNCHRONISÉ DES LÈVRES :
A. DIALOGUE : Le dialogue est le premier des trois « ingrédients » d'une
bande sonore. Le dialogue fait ressortir l'histoire en montrant la
communication et l'interaction de deux ou plusieurs personnages du film.
Le dialogue est dérivé du scénario du film, mais il ne suffit pas
d'enregistrer un personnage parlant lors de la conception de la bande
sonore du film.
B. BYTE Un extrait sonore est un court extrait de discours ou de musique
extrait d'un morceau audio plus long, souvent utilisé pour promouvoir ou
illustrer le morceau complet.
C. OSS :
D. OFS : le son hors écran décrit le son supposé se trouver dans l'espace
d'une scène mais reste hors écran pendant que l'action se déroule
simultanément.

4. VOIX OFF : (également connue sous le nom de commentaire hors caméra ou hors
scène) est une technique de production où une voix - qui ne fait pas partie du récit (non
diégétique) - est utilisée dans une production radiophonique, télévisuelle,
cinématographique, théâtrale, ou d'autres présentations.[1] La voix off est lue à partir
d'un scénario et peut être prononcée par quelqu'un qui apparaît ailleurs dans la
production ou par un talent vocal spécialisé. Le dialogue synchrone, où la voix off
raconte l'action qui se déroule au même moment, reste la technique la plus courante en
voix off. Cependant, l'asynchrone est également utilisé au cinéma. Il est généralement
préenregistré et placé au-dessus d'un film ou d'une vidéo et est couramment utilisé
dans des documentaires ou des reportages pour expliquer des informations.

5. SILENCE :

Techniques fondamentales du sound design T

Le processus de conception sonore à des fins cinématographiques ou télévisuelles

comprend généralement quatre phases :

1. - l'enregistrement,
2. - mélanger
3. - synchronisation, et
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7
4. - édition.

Toutes ces phases sont très complexes et traitent d’un large éventail de problèmes.
C'est pourquoi toute une équipe de professionnels du son doit être impliquée dans la
conception sonore. \

Enregistrement. L'objectif général de la phase d'enregistrement est d'enregistrer tous

les sons potentiellement utiles au traitement de la conception sonore et avec la
meilleure qualité possible. La qualité des enregistrements dépend en grande partie du
type de microphone. La directivité du microphone est également un problème particulier
à résoudre. L’utilisation d’un microphone plus directionnel conduit généralement à un
enregistrement avec un rapport plus élevé entre le champ sonore direct et le champ
sonore diffus. La position des microphones lors du tournage d'une scène est également
une chose très importante à définir. La tentation en matière d’enregistrement sonore est
de faire correspondre la perspective de la caméra à chaque nouveau plan. Dans les
premiers enregistrements sonores, on essayait d'adapter la perspective de la caméra,
plan par plan, à ce qui était vu. Un plan principal large était donc plus réverbérant que
les plans rapprochés associés. Ensuite, lorsque la scène a été montée, il y a eu un
changement très visible dans la quantité de réverbération. La pratique moderne utilise
donc le plus souvent des changements relativement faibles dans la perspective du
microphone pour correspondre à des changements d'image importants et les
changements de réverbération restent par conséquent assez subtils.

Mélange.

Le mixage sonore de production implique la technique du microphone, l'enregistrement,

la synchronisation et a un impact sur le montage. D'un point de vue strictement
technique, le mixage consiste à manipuler dynamiquement les commandes de niveau
des différents microphones pendant l'enregistrement, dans le but d'accentuer le son
souhaité, et inversement. Dans la pratique moderne, la phase de mixage n’est pas
strictement liée à la phase d’enregistrement. Néanmoins, c’est devenu la partie
fondamentale du montage sonore. Le terme son mixé (ou mixage final) concerne
aujourd'hui la bande originale complète du film.

Synchronisation.

La synchronisation se réfère aujourd'hui à deux termes de base. Il s'agit en premier lieu

 2
8
de la technique qui permet à l'image et au son d'être dans la même phase et de «
bouger » de manière synchronisée. Le deuxième sens concerne le processus
d'enregistrement ultérieur des dialogues et des effets sonores (Foley) en studio, qui ne
pouvaient pas être enregistrés sur le plateau avec la qualité appropriée. Même dans les
situations où l'enregistrement ultérieur des dialogues et des effets sonores n'était pas
nécessaire, la synchronisation était nécessaire pour éviter le problème qui survenait lors
du processus de réalisation des copies du film, qui provoquait souvent l'asynchronité
entre l'image et le son. Dans la pratique actuelle, ces problèmes sont surmontés grâce à
la nouvelle technologie numérique.

Le montage est la dernière étape de la conception sonore et aboutit à l'obtention du

mixage final (ou de la bande originale) du film. Au cours de cette phase, tous les sons
enregistrés (parole, effets sonores et musique) sont combinés pour obtenir la « vision
sonore » finale.

Édition sonore numérique/non linéaire

Aujourd'hui, presque tous les monteurs sonores utilisent des systèmes de montage
informatisés appelés stations de travail audio numériques (DAW). Les stations de travail
audio numériques sont des systèmes multipistes qui simplifient et améliorent
considérablement le processus d'édition sonore pour tous les types de production audio
professionnelle (audio de film, enregistrement en studio, DJ, etc.).

Les stations de travail audio numériques varient considérablement en taille, en prix et en

complexité. Les systèmes les plus élémentaires sont simplement des applications
logicielles pouvant être chargées sur un ordinateur personnel standard.

Des systèmes plus professionnels, comme Pro Tools de Digi Design, nécessitent une
carte son spéciale et sont généralement utilisés conjointement avec de grandes tables de
mixage numériques et sont compatibles avec des centaines d'effets et de plug-ins
d'instruments virtuels.

★ L'avantage de tous ces systèmes est qu'un éditeur peut travailler avec toutes sortes de
fichiers audio (voix, clips Foley, musique analogique et MIDI) à partir de la même
interface.

★ le nombre total de pistes est illimité.

★ Outre plusieurs pistes de dialogue, un éditeur peut ajouter des dizaines d'effets d'arrière-
plan et des couches et couches de Foley et de musique.
 2
9
★ Plusieurs pistes peuvent être coupées, copiées, collées, découpées et fondues à la fois.

★ Et chaque piste est livrée avec des dizaines de commandes pour le volume, le
panoramique stéréo et les effets, ce qui simplifie grandement le processus de mixage.

★ L'un des grands avantages des stations de travail audio numériques est qu'elles
permettent aux monteurs sonores de travailler avec des représentations graphiques du
son. Avec la bande magnétique, tout se faisait à l’oreille. Les éditeurs peuvent désormais
regarder les ondes sonores sur l'écran. Ils peuvent détecter les bruits de fond parasites et
les supprimer d’un simple clic de souris. Certaines DAW peuvent nettoyer
automatiquement l'audio, en supprimant les clics, les sifflements et

un bruit de fond de faible niveau qui aurait gâché une prise autrefois. Grâce aux
interfaces graphiques, les concepteurs d'effets sonores peuvent étudier la forme d'onde
d'un son et le plier et le déformer facilement pour créer quelque chose de complètement
nouveau.

Dépannage

Nous l'avons tous vécu : il y a eu des problèmes de chargement ou de configuration, le

temps presse, le système est configuré avec seulement quelques minutes à perdre et
bien sûr, quelque chose ne fonctionne pas correctement ou pas du tout. Bien que le
premier réflexe puisse être de commencer à vérifier les fiches, les connexions, les
câbles, etc. de manière aléatoire (c'est-à-dire « panique »), une méthode de dépannage
éprouvée trouvera presque toujours le problème avec moins d'effort et dans un délai plus
court. de temps.

La technique de dépannage la plus élémentaire est la méthode « Diviser pour régner ».

Cela implique d’identifier les bonnes parties du système ainsi que de déterminer quelles
parties sont défaillantes. Non seulement ces sections de travail peuvent être éliminées en
tant que cause du problème, mais elles peuvent également être utilisées pour tester
d'autres parties du système. Par exemple, un canal micro d’une table de mixage est mort
alors que d’autres fonctionnent correctement. La bonne nouvelle ici est que vous pouvez
utiliser l’un des canaux fonctionnels pour isoler le problème.

Tourner et monter des productions vidéo qui ont une belle esthétique est une chose
merveilleuse, mais même les productions les plus attrayantes visuellement peuvent
passer pour des tentatives d'amateur si elles sont accompagnées d'une bande-son de
 3
0
qualité inférieure. En réalité, la qualité audio est tout aussi importante que la qualité de
l’image vidéo. En fait, nous pourrions plutôt considérer l’hypothèse selon laquelle, à
mesure que la qualité de l’image vidéo augmente, la qualité audio devrait augmenter
proportionnellement, car les attentes en matière de qualité ont augmenté chez le
spectateur. De plus, dans l’esprit du public, une production vidéo sera généralement
mémorisée, et donc jugée, en fonction de sa composante la plus faible. Ainsi, quelle que
soit la qualité d’une production vidéo, une mauvaise bande-son entachera l’ensemble de
la production dans l’esprit du public. Il existe deux approches de l'édition audio : éliminer
les problèmes liés au son source qui pourraient créer des distractions et ajouter des
effets et des éléments audio, tels que des effets sonores, pour créer un paysage sonore.
Voici cinq stratégies qui pourraient vous aider à tirer le meilleur parti d’une mauvaise
situation sonore.

Coupez le son La première étape consiste à déterminer si la piste audio incriminée est
essentielle au succès de la vidéo ou non. Si, par exemple, une production d'information
sur la foire du comté est pilotée par une narration en voix off, ou si un animateur à la
caméra inclut une bande sonore problématique associée à l'audio ambiant qui
accompagne la vidéo B-roll, éliminer le problème peut être aussi simple que couper le
son qui coïncide avec le rouleau B. Même si l'éditeur aurait préféré inclure le son du
carnaval à mi-parcours, l'intégrité de l'histoire ne serait pas compromise par l'omission de
la piste.

De même, si le problème audio survient dans une courte section audio non cruciale
diffusée par un hôte sur la caméra, mais que le reste de la diffusion se déroule
correctement, une décision peut être prise quant à l'importance d'inclure cette ligne de
dialogue spécifique. Supprimer complètement les sons problématiques peut être une
option acceptable.

Ajouter de la musique Dans le cas où l'audio diffusé par un hôte sur la caméra ou dans
une narration en voix off comprend un sifflement léger mais perceptible, une solution
simple et rapide peut consister simplement à ajouter un lit musical. Lorsque la piste audio
incriminée est exposée seule, elle fait l’objet d’un examen plus minutieux. L’oreille du
spectateur peut être attirée par la qualité creuse du morceau. L'ajout d'un lit musical
donne à l'oreille quelque chose d'autre à entendre et détourne l'attention des
imperfections audio mineures. Attention cependant à ne pas rendre le mélange trop
chaud. L'objectif est de mélanger la piste musicale de telle manière qu'elle soutient et
élève la source sonore principale, et non d'une manière qui la concurrence.
 3
1
Ajouter une ambiance Un problème audio très courant survient lors du montage
lorsqu'une piste audio est découpée et que le dialogue est réparti sur la timeline. Lors de
l’enregistrement de voix off ou de talents devant la caméra, le son de fond ambiant est
capturé avec les enregistrements de pistes vocales. Cela contraste fortement avec les
espaces ultra silencieux entre les extraits sonores, ce qui entraîne une conscience
accrue du bruit de fond bruyant pendant les segments vocaux. La solution ici consiste à
parcourir la séquence source pour trouver des sections de « bruit de pièce » ambiant qui
peuvent avoir été capturées entre les prises sans la voix. Cette ambiance de pièce peut
ensuite être éditée dans les espaces de la timeline pour adoucir les silences entre les
montages audio. C'est un phénomène tellement courant que les professionnels de la
vidéo ont l'habitude d'enregistrer plusieurs secondes à une minute de son ambiant sur
leurs plateaux dans le cadre de leurs listes de plans afin de disposer de tout le son
ambiant nécessaire pour remplir ces intermèdes sonores.

Appliquer la réduction du bruit Une autre cause fréquente d'interférence audio est le
bourdonnement de 60 cycles qui peut être introduit par des cordons d'alimentation qui
traversent les câbles du microphone ou par des câbles défectueux mal mis à la terre.
Cela ressemble à un bourdonnement ou à un bourdonnement sourd. La plupart des
applications de montage vidéo actuelles incluent des filtres intégrés conçus pour réduire
ou éliminer le bruit dans un clip audio à une fréquence spécifique. Il existe généralement
une option prédéfinie par glisser-déposer ou un curseur manuel qui permet la sélection
d'une plage ciblée ; Dans ce cas, 60 Hz. Les commandes manuelles permettent
également la manipulation de la résonance autour de la plage sélectionnée, ce qui
permet à l'utilisateur de limiter les fréquences affectées par le filtre. Cela permet à
l'éditeur d'obtenir une plage de fréquences plus étroite, mais plus propre, et de réduire
efficacement les bourdonnements audio indésirables.

Solutions logicielles Certains problèmes audio ne peuvent pas être résolus aussi
facilement et nécessitent l'utilisation d'un logiciel d'édition audio hautement spécialisé
avec un degré de contrôle beaucoup plus élevé. Quelques exemples sont Sony
SpectraLayers, Adobe Audition et Avid Pro Tools. Alors que les commandes audio dans
les applications de montage vidéo sont limitées à une précision au niveau de l'image, ces
outils audio professionnels permettent une manipulation au niveau de l'échantillon. Ces
programmes vous permettront d'éliminer les sons indésirables et d'échantillonner les
bruits de fond indésirables pour les supprimer et obtenir des résultats impressionnants.
Bien qu'il puisse y avoir une courbe d'apprentissage pour les utiliser efficacement, ces
solutions logicielles de montage audio professionnelles peuvent récupérer un son que les
 3
2
applications de montage vidéo ne pourraient pas sauvegarder.

SUJET 3 : Styles d'emballage : actualités et non-actualités

Les journalistes ont tendance à se classer soit comme journalistes d'information, soit
comme rédacteurs de reportages (non journalistiques). Il n'y a bien sûr aucune règle
stipulant qu'un journaliste ne peut pas être rédacteur de reportages, ou vice versa, mais
au fil du temps, les journalistes ont tendance à se classer dans des catégories
particulières en fonction de leur domaine et des forces qu'ils identifient en eux-mêmes.

3.2 L'emballage dans l'actualité

Un programme d'information est une forme de narration créative, visuelle et longue que
l'on retrouve dans les journaux télévisés. Les nouvelles sont transmises au public en
regroupant une histoire qui comprend des personnages, des faits, des rebondissements
et un point culminant. Un package est un reportage d’actualité enregistré autonome. De
nombreux réseaux utilisent des bouquets d'actualités pour proposer des bulletins
d'information innovants à un large public.

c'est parce que, s'ils sont bien réalisés, les packages contiennent tous les éléments qui
donnent vie à une histoire : de bonnes images, des octets sonores intéressants et un
script bien écrit. Si l’un de ces éléments est faible, l’histoire peut être déclassée (en
VOSOT voire en VO) ou raccourcie. En d’autres termes, la qualité de la vidéo et des
octets sonores détermine souvent la durée d’un package. Mais même une bonne vidéo et
d'excellents octets sonores ne garantissent pas toujours un long package ; cela dépend
de ce qui se passe dans l'actualité ce jour-là. Même les jours où le temps est lent, les
packages durent rarement plus de 90 secondes.

Structure et scénario
Les journalistes passent souvent une grande partie de leur temps à rechercher des
histoires et à interviewer des personnages pour éventuellement écrire les scripts de ces
packages. Un élément courant d'un reportage d'information est l'apparition d'un
journaliste parlant devant la caméra. C'est ce qu'on appelle un « stand-up » car le
journaliste est souvent vu debout devant la caméra sur la scène du reportage.
Habituellement, le présentateur de nouvelles lira une introduction en direct, puis l'histoire
préenregistrée sera diffusée. La plupart des téléspectateurs n'ont jamais vu le script d'un
programme d'information, car ce qu'ils voient est la forme vidéo du script. Lorsqu'un
scénario est créé, il implique souvent de nombreux éléments différents en plus du texte
exact de l'histoire que le journaliste va présenter, tels que :
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3
• Scénario
• Visuels
• Synchronisation et signaux audio
• Voix off toniques.

L'écrivain doit considérer à la fois ce que le spectateur voit (visuels) et ce qu'il va

entendre (audio). Il y a l'aspect visuel de la production vidéo, où des images et des
vidéos du sujet sont présentées, tandis que l'audio spécifie des extraits sonores, des voix
off et de la musique qui peuvent accompagner les visuels pour faire avancer l'histoire.

L'équipe de post-production utilisera ensuite le script pour rassembler l'ensemble de

l'actualité, afin de créer un journal télévisé divertissant, convaincant et informatif, tout en
restant conforme à la vision globale et au scénario du journaliste. Importez votre piste
vocale de narration dans le logiciel de montage vidéo avec tous les clips vidéo. Modifiez
l'histoire et exportez la vidéo. Le fichier vidéo exporté ne doit pas être trop volumineux. Le
montage vidéo consiste vraiment à structurer des histoires. Il s'agit d'établir un début, un
milieu et une fin, de décider de la manière dont les scènes vont passer les unes aux
autres, d'établir un rythme et de créer une dynamique.

Savoir comment découper un clip ou séquencer une série de plans est important dans
toutes les formes de narration vidéo. Dans le journalisme vidéo, ces techniques peuvent
nous aider à faire avancer les histoires et à améliorer leur objectif journalistique.

3.3 Étapes de montage vidéo et de présentation d'un article d'actualité

(a) Feuille de journal La première chose à faire est de visualiser votre cassette et le
time code. Faites une liste, ou un journal, des différents plans que vous voyez, les heures
de début et de fin (points d'entrée et de sortie) et ce que les gens disent (script). Si
quelqu'un peut se connecter pendant que vous filmez, c'est encore mieux. Cela vous fera
gagner un temps d'édition précieux, surtout si vous êtes pressé par une date limite.

(b) Modification de l'assemblage Vous êtes maintenant prêt à effectuer une

modification de l'assemblage. C'est là que vous regardez votre storyboard et découpez le
film pour qu'il corresponde aux plans que vous avez prévus. La version papier vous
aidera à trouver facilement ces sections. Disposez-les dans l'ordre. Dans la plupart des
logiciels de montage informatique, cela signifie les disposer sur une ligne de gauche à
droite, appelée chronologie.
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4
(c) Montage sonore Écoutez le scénario et coupez le film pour que tout ait un sens
lorsque vous l'écoutez. Votre rapport modifié sur la chronologie devrait maintenant
sembler presque terminé.

(d) Modification finale C'est ici que vous apportez la touche finale à votre rapport. Par
exemple, vous pouvez ajouter différents morceaux de vidéo, pour rendre votre rapport
visuellement intéressant, ainsi que des graphiques. La modification finale consiste
généralement à raccourcir le rapport ou à le rendre plus concis. Assurez-vous que votre
éditeur général est satisfait de ne pas avoir supprimé des éléments essentiels tels que
l'autre côté de l'argument.

(e) Ajout d'un intérêt visuel Si vous le souhaitez, vous pouvez mettre une vidéo
différente sur le son. Par exemple, si le journaliste parle à la caméra et que vous
souhaitez conserver sa voix, mais montrer le lieu, vous pouvez couper et coller des
images du film original et les superposer sur la chronologie. En règle générale, ces
images doivent durer au moins deux secondes, sinon elles seront trop rapides pour le
public. Assurez-vous de réduire tout bruit de fond lié aux prises de vue en extérieur, afin
que vous puissiez entendre clairement les paroles du journaliste. Ne supprimez pas le
bruit de fond, cependant, à un niveau faible, cela rend le rapport plus naturel.

(f) Montage des interviews Vous pouvez supprimer les questions du journaliste, à
condition que la personne interrogée réponde par des phrases complètes. Cela rendra
votre rapport plus concis. Il vous suffit d’inclure une ou deux bonnes réponses dans votre
rapport. Écoutez d’abord toutes les réponses et sélectionnez les meilleures. Cela vous
fera gagner un temps d'édition précieux, surtout si vous êtes pressé par une date limite.
Les entretiens impliquent souvent de filmer la tête et les épaules de la personne
interrogée. Conservez la piste sonore que vous avez définie dans le montage sonore et
superposez les images.

(g) Transitions Il n'est pas nécessaire d'en faire trop. Si vous avez bien filmé votre
reportage, vous n'aurez pas besoin d'en rajouter. Certaines transitions très courantes
sont : Le flou des bords entre un plan et le suivant, appelé fondu enchaîné. Ceci est
souvent utilisé pour montrer que le temps a passé. Fondu du ou vers le noir au début et à
la fin de votre rapport, pour marquer le début et la fin.

(h) Ajout de graphiques Pour donner à votre rapport un aspect vraiment professionnel,
ajoutez un nom et des titres de poste. Jetez un œil à "l'outil de type" ou à quelque chose
qui fait le même travail. L'utilisation de titres signifie que le journaliste et les personnes
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5
interviewées n'ont pas besoin de passer du temps à se présenter. Lorsque vous ajoutez
des titres, gardez la police claire et faites en sorte que les mots soient suffisamment gros
pour être lus à l'écran. Assurez-vous d'épeler correctement les noms.

Programmes hors actualité

Actualités

Un reportage est généralement plus long qu’un reportage standard. Il est écrit et édité
dans un style différent, généralement avec plus de détails et de contexte, basés sur des
recherches plus approfondies que ce qui serait nécessaire pour simplement rapporter un
événement d'actualité. Les fonctionnalités peuvent varier considérablement : vous
pouvez écrire un reportage d'actualité, un reportage artistique ou un reportage d'intérêt
humain. Bien que le terme implique des informations plus douces, un reportage est
souvent défini par sa longueur et son style, pas nécessairement par son sujet. La
composante style est importante. Les fonctionnalités humanisent les événements et les
problèmes plutôt que de réciter des faits.

Les principales étapes du montage vidéo sont les mêmes que celles du montage d’un
reportage. Mais utiliser les mêmes outils, un peu différents, rend l'histoire beaucoup plus
attrayante et d'intérêt humain. Après

Au stade de la pré-production et de la production, le reportage est en fait réalisé sur une

table de montage en post-production. C'est comme si nous avions maintenant des
données à traiter, et en utilisant le logiciel de montage vidéo au mieux, nous pouvons
rendre les données présentables et regardables en gardant à l'esprit le public cible.

(i) Premier assemblage Le premier assemblage est le moment où l'action commence à

reprendre pour le monteur vidéo. En utilisant le storyboard comme base, vous
commencez à faire des sélections. Les séquences utilisables sont rognées et marquées,
tandis que les mauvaises prises sont mises de côté. De nombreux réalisateurs aiment
faire un montage papier. Ils prennent des notes tout en visionnant les sélections du
premier assemblage, puis écrivent les clips qu'ils aiment et n'aiment pas, les réorganisant
parfois dans un nouvel ordre.
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Le rouleau B (plans secondaires) est également séparé à ce moment-là. Son contenu est
journalisé et hiérarchisé selon les besoins de l'éditeur. Tout dépend du projet, car les
besoins organisationnels des séquences dépendent de ce qui est le plus nécessaire pour
la vidéo.

(j) ) Montage sonore Le montage sonore est effectué de manière très différente
lorsqu'un reportage est présenté par rapport à un reportage non journalistique. Un
reportage hors actualité est principalement thématique et selon le sujet. Par exemple, si
nous réalisons un reportage sur un célèbre photographe décédé, la musique de la voix
off, des liens d'ancrage et des titres sera faible, subtile et apaisante. Ici, nous ne pouvons
pas utiliser de musique dramatique ou à volume élevé. C’est ce qu’on appelle l’esthétique
dans l’usage de la musique. Il doit soutenir ou compléter les visuels plutôt que de
distraire ou de déranger les spectateurs.

(iv) Modification des interviews Une fonctionnalité d'actualité peut proposer des
interviews d'une durée plus longue que les reportages. Parce que les reportages sont
faits pour donner des détails sur le sujet et parfois des interviews suffisent pour le faire.
En outre, il peut également y avoir une musique de fond pour les interviews, ce qui donne
un environnement agréable au contexte ou au sujet. Cela donne également le ton.

(v) Transitions et graphiques Nous pouvons les utiliser largement dans le package
d'articles non liés à l'actualité. Il est clair que le monteur vidéo travaillant sur des sujets
autres que l'actualité a plus de liberté pour expérimenter diverses transitions et
graphiques. En outre, il ou elle a plus de temps que le monteur de vidéos d'actualité pour
effectuer une méthode de frappe et d'essai. Comme il n’y a pas de notion d’actualité de
dernière heure. De nombreuses options sont disponibles dans un logiciel d'édition non
linéaire pour ce faire.

(vi) Le montage brut Le montage brut est le premier véritable montage et constitue
l'étape au cours de laquelle vous commencez à présenter votre métier comme plus qu'un
exercice technique. À ce stade, il ne s'agit plus uniquement de découvrir et d'organiser
les images, il s'agit de raconter une histoire et de créer un message, en utilisant les
images de la production comme base pour réaliser la vision du réalisateur. Le timing est
essentiel pour le premier montage. C’est lors du premier montage que l’on commence à
jouer avec le timing. Qu'il s'agisse de réaliser des coupes rapides ou de prolonger les
pauses. Le premier montage est destiné à être partagé. Le monteur vidéo travaille avec
le réalisateur, le producteur et un client, s'il s'agit de leur projet. La communication reste
ouverte entre toutes les parties et de nombreux dialogues ont lieu, contribuant à façonner
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7
le montage global. Les parties conviennent des changements à apporter avant que le
montage ne passe au montage final.

(vii) Le montage final Le montage final d'un montage correspond au moment où le

montage et le timing du métrage sont finalisés. Ce n'est pas la version finale de la vidéo,
prête à sortir, mais elle s'en rapproche terriblement. Le montage à cette étape est celui
qui sera utilisé pour plusieurs étapes de finition, qui doivent toutes être parfaitement
synchronisées les unes avec les autres. Pour cette raison, le montage final est souvent
appelé verrouillage d'image ou verrouillage d'image, ce qui signifie que les images du
montage ne changeront pas dans le temps à partir de ce moment. Le montage final ne
consiste pas seulement à verrouiller les choses, mais également à les éliminer. Une
scène peut être finalisée, mais cela ne garantit pas qu'elle reste dans la production. Une
fois toutes les scènes coupées et chronométrées précisément, vous les visionnez avec le
réalisateur et le producteur. S'il y a une scène qui ne fonctionne pas ou qui ne contribue
pas au récit global de la vidéo, elle est éliminée.

Tout d'abord, des effets visuels et des graphiques sont ajoutés à la vidéo. La plupart des
effets visuels sont planifiés lors de la pré-production, mais ne sont générés qu'en post-
production, car l'artiste des effets visuels a besoin de savoir sur quelles séquences il
travaille spécifiquement pour rendre les effets fluides. Les graphiques sont également
planifiés à l’avance et affinés pour coïncider avec le montage final. Ce que le public verra
à l’écran n’est qu’une partie de son expérience. Une fois les effets visuels et les
graphiques ajoutés, un adoucissement audio est effectué.

Le montage final est transmis à une suite de montage audio, parfois sur le poste de
travail, pour le placement et le montage des effets sonores et des traits de soulignement
musicaux. Le dialogue est mélangé à ces éléments pour créer une piste audio qui prend
en charge et transporte la vidéo qui l'accompagne.

(viii) Étalonnage des couleurs La dernière étape avant le rendu et l'expédition des
livrables est l'étalonnage des couleurs. L'étalonnage des couleurs est l'étape au cours de
laquelle vous, ou un coloriste, manipulez les couleurs et les qualités tonales de l'image
vidéo pour créer un look unique qui contribue à créer l'ambiance de la vidéo et à raconter
visuellement l'histoire. L'avènement des caméras de cinéma numériques, une plus
grande puissance de calcul et des codecs plus avancés ont accru la mise en œuvre de
l'étalonnage des couleurs.
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SUJET 4 : Archivage et formats de fichiers

4.2 Archivage « Archiver signifie collecter, organiser, décrire, préserver et donner accès à
des documents ayant une valeur probante, historique, culturelle ou autre ».
L'archivage est très important car vous pouvez être sûr qu'à un moment donné, soit un
client reviendra et demandera des images d'un ancien projet, soit vous constaterez que
vous avez besoin de mettre la main sur des images et que vous ne savez pas où elles se
trouvent. ! Cependant, un bon archivage des documents anciens contribuera à rendre
cette expérience beaucoup moins pénible. Le processus de stockage des données du
projet afin que vous puissiez y accéder ultérieurement est appelé archivage. Lorsque
vous avez terminé de modifier vos vidéos, vous exportez généralement le fichier final. Si
vous la téléchargez sur Facebook, YouTube ou un autre site, cette copie peut être
considérée comme l'une de vos sauvegardes, ce qui est une bonne chose. Vous
souhaitez toujours une sauvegarde de vos fichiers. Mais si vous publiez certaines vidéos
sur YouTube et en enregistrez d'autres sur un compte Dropbox privé, vos fichiers vidéo
seront partout.

UNITÉ 4

THÈME 1 : Control Room et Panel : Utilisation du Switcher,

Chroma, Super - Impositions

Salle de contrôle - Concept

Cette zone est le cœur de tout complexe de télévision. C'est ici que la production est
contrôlée et les opérations dirigées. Dans cette salle, le programme et le personnel
technique regardent une série de moniteurs de prévisualisation et la sortie de la table de
mixage de vision, qui apparaît sur le moniteur de « transmission ». Il s'agit de la sortie du
studio, qui passe désormais au système de distribution pour enregistrement ou
transmission. Le son du programme est entendu sur un haut-parleur à proximité. Les «
microphones de talkback » du bureau transmettent des instructions et des conseils à
l'équipe du studio.

Également appelée PCR, il s'agit d'une pièce séparée adjacente à l'étage du studio, où
toutes les activités de production sont coordonnées. Ici, le producteur/réalisateur,
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9
l'assistant de production, l'opérateur de mixage vision, le technicien audio et d'autres
personnes de production s'assoient et prennent des décisions pour la diffusion en direct.
Les émissions de télévision en direct et les programmes de téléréalité d'aujourd'hui
nécessitent une interactivité en temps réel et un délai d'exécution ultra-rapide inauguré
par les sports et les informations en direct.

La salle de contrôle de production ou salle de contrôle de studio (SCR) est le lieu d'un
studio de télévision dans lequel s'effectue la composition du programme sortant. Le
contrôle principal est le centre technique d'une opération de diffusion courante parmi la
plupart des stations de télévision et des réseaux de télévision en direct. Le contrôle
principal se distingue du PCR dans les studios de télévision où les activités telles que le
passage d'une caméra à l'autre sont coordonnées. Une salle de contrôle de transmission
(TCR) est généralement de plus petite taille et constitue une version réduite du casting
central.

Moniteurs d'image

La principale caractéristique de la salle de contrôle de production est sa banque de

moniteurs d'images qui prévisualisent toutes les sources d'images contribuant au
programme. La plupart affichent en continu la sortie de leur canal (par exemple Caméra
1), certains autres sont commutés selon les besoins. Le moniteur de transmission est
monté au centre au-dessus des moniteurs de prévisualisation. La disposition du moniteur
d’image doit être juste en dessous de la ligne des yeux horizontale. La distance de
visualisation est idéalement de six à huit fois la diagonale de visualisation de l’écran du
moniteur. Plus près de cela, il est fatiguant de scruter continuellement les alentours ; plus
éloigné et nous perdons des détails.

Environnement

Deux niveaux d'éclairage de la pièce doivent être disponibles : un éclairage général

normal et un éclairage opérationnel localisé. L'éclairage opérationnel doit être disposé de
manière à ce qu'une lumière suffisante soit disponible pour lire facilement les scripts des
programmes, les plans d'étage, etc., ainsi que pour localiser et faire fonctionner
rapidement l'équipement technique ; aucune lumière étrangère ne doit se répandre sur
les moniteurs de prévisualisation. La salle de contrôle doit être recouverte de moquette
pour améliorer l'acoustique et disposer d'une ventilation efficace.

Les installations d'une salle de contrôle de production comprennent :

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• Un mur de moniteurs vidéo, avec des moniteurs pour le programme, la
prévisualisation, les magnétoscopes, les caméras, les graphiques et autres
sources vidéo. Dans certaines installations, le mur d'écrans est une série de
supports contenant des écrans physiques de télévision et d'ordinateur ; dans
d'autres, le mur de moniteurs a été remplacé par un mur de moniteurs virtuel
(parfois appelé « cockpit en verre »), un ou plusieurs grands écrans vidéo, chacun
capable d'afficher plusieurs sources dans une simulation d'un mur de moniteurs.

• Un mélangeur de vision, un grand panneau de contrôle utilisé pour sélectionner la

configuration multi-caméras et d'autres sources diverses à enregistrer ou à voir à
l'antenne et, dans de nombreux cas, sur n'importe quel moniteur vidéo du plateau.
Le terme « mélangeur de vision » est principalement utilisé en Europe, tandis que
le terme « mélangeur vidéo » est généralement utilisé en Amérique du Nord. Une
console de mixage audio professionnelle et d'autres équipements audio tels que
des appareils d'effets.

• Un générateur de caractères (CG), qui crée la majorité des noms et des

graphiques entièrement numériques à l'écran qui sont insérés dans la partie
inférieure du programme de l'écran de télévision.

• Effets vidéo numériques, ou DVE, pour la manipulation des sources vidéo. Dans
les mélangeurs de vision plus récents, le DVE est intégré au mélangeur de vision ;

• Un dispositif de stockage d'images fixes, ou d'images fixes, pour le stockage de

graphiques ou d'autres images. Bien que le nom suggère que l'appareil est
uniquement capable de stocker des images fixes, les magasins d'images fixes les
plus récents peuvent stocker des clips vidéo animés et des graphiques animés.

• Le poste du directeur technique, avec des moniteurs de forme d'onde, des

vecteurscopes et les unités de contrôle des caméras (CCU) ou des panneaux de
commande à distance pour les CCU. Dans certains établissements, les
magnétoscopes peuvent également être situés dans le PCR, mais on les trouve
également souvent dans la salle des appareils centrale. Équipement d'interphone
et IFB pour la communication avec les talents et l'équipe de télévision.

Commutateur
Également appelé mélangeur de vision. Avec une série d'entrées à
 4
1
combiner, manipuler et disposer sur la ligne de programme, un mélangeur
de vision est utilisé pour la sélection et le séquençage approprié des images
fournies par les caméras et d'autres sources d'entrée telles que les titrages,
les machines graphiques et les magnétoscopes.

Les mélangeurs de vision sont conceptuellement similaires aux mélangeurs

audio. Ils prennent plusieurs sources d’entrée, appliquent les effets ou
traitements souhaités et fournissent une ou plusieurs sorties.

Le concept principal de Vision Mixer est le bus – une rangée de boutons,

chaque bouton représentant une source vidéo. Appuyer sur un tel bouton
libérera le signal vidéo de ce bus. Les mélangeurs vidéo plus anciens ont
deux bus équivalents appelés bus A et B, un tel mélangeur est connu sous
le nom de mélangeur A/B. Cependant, la plupart des mélangeurs modernes
ont un bus qui est toujours le bus de programme, le deuxième bus principal
étant le bus de prévisualisation. Les bus de prévisualisation et de
programme ont généralement leur propre moniteur vidéo. Un mélangeur
vidéo professionnel peut gérer jusqu'à 20 à 30 entrées.

La plupart des mélangeurs de vision sont basés sur le bus de

prévisualisation et le bus de programme, chacun possédant son propre
moniteur.

• Le bus programme est le flux de sortie principal, c'est-à-dire la vision

qui est enregistrée ou diffusée. Quelle que soit la source présente sur
le bus du programme, elle est dite en ligne.
• Le bus de prévisualisation permet de sélectionner et de prévisualiser la
source qui s'apprête à être mise en ligne.

Une autre caractéristique principale d'un mélangeur de vision est le levier de

transition. Ce levier crée simplement une transition entre deux bus. Au lieu
de déplacer le levier à la main, un bouton (généralement appelé Mix) peut
être utilisé, qui effectue la transition sur une période de temps définie par
 4
2
l'utilisateur.

Un autre bouton Cut, permute directement les bus sans aucune transition.
Les transitions courantes incluent les fondus et les effacements.

Le troisième bus du mélangeur de vision est le bus clé. Une table de mixage
peut en réalité en avoir plusieurs, mais ils ne partagent généralement qu’un
seul ensemble de boutons. Ici, un signal peut être sélectionné pour saisir le
programme. L'image qui sera vue dans le programme s'appelle le
remplissage, tandis que le masque utilisé pour créer la translucidité des
touches s'appelle la source.

Ces trois bus principaux forment ensemble la section de mixage de base

appelée programme/Preset ou P/P. Les mélangeurs de production plus
importants peuvent avoir un certain nombre de sections supplémentaires de
ce type, appelées Mix/Effets et numérotées.

Le mélangeur peut effectuer une foule d’autres fonctions en plus des

coupures et des dissolutions. Il peut être utilisé pour la saisie de texte, la
saisie chroma, etc. La principale fonctionnalité d'un mélangeur vidéo
consiste à créer une sortie principale pour la diffusion ou l'enregistrement
vidéo en temps réel. Ils peuvent créer différents effets visuels, allant de
simples mélanges et lingettes à des effets élaborés. Ils peuvent également
effectuer des opérations de saisie et aider à produire des signaux de
couleur. Les mélangeurs vidéo fonctionnent de la même manière que les
mélangeurs audio. Ils utilisent plusieurs sources d’entrée, puis appliquent les
effets souhaités et produisent une ou plusieurs sorties. L'utilisation de
mélangeurs vidéo est désormais minime en raison de l'avènement des
systèmes de montage non linéaires informatisés.

Chroma
L'incrustation chroma est un effet spécial qui utilise une couleur spécifique (chroma),
généralement bleue ou verte, comme toile de fond pour la personne ou l'objet qui doit
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3
apparaître devant la scène d'arrière-plan. Pendant l'incrustation, le fond bleu ou vert sera
remplacé par la source vidéo d'arrière-plan sans affecter l'objet du premier plan. La
couleur verte ou bleue offre un bon contraste avec les tons de la peau humaine et peut
faire ressortir le talent mieux que toute autre couleur.

Notez que tout ce qui dans la photo tombe dans la gamme de couleurs spécifiée sera
rendu transparent, donc si une personne porte une chemise verte, elle peut devenir semi-
invisible !

Étant donné que l'incrustation chromatique réagit à la teinte de la toile de fond plutôt
qu'au contraste de luminosité (luminance) comme dans une incrustation ordinaire,
assurez-vous que la zone d'incrustation chromatique est peinte uniformément (même en
bleu ou en vert avec une saturation assez élevée dans toute la zone). ) et surtout un
éclairage uniforme.

Le sujet doit être maintenu à une distance minimale de 4 pieds de l'écran pour éviter que
des ombres ne tombent sur l'écran.

Le mélangeur de vision dispose d'un slicer d'incrustation chromatique. Le slicer doit être
allumé et le talent superposé sur l'écran vert. La superposition empile les images les
unes sur les autres, tandis que le passe-partout remplace complètement les parties d'une
image par des parties importées d'une autre.

L'utilisation de l'incrustation chroma est devenue très populaire ces dernières années,
avec de nombreuses applications de cet effet vidéo utilisées pour la diffusion en direct.
L'utilisation la plus évidente de cette technique concerne les émissions météorologiques,
où le présentateur est composé au-dessus d'une image radar météorologique. Plus
récemment, nous voyons des streamers de jeux vidéo s'incruster en chroma dans leurs
flux en direct.

Les images de premier plan et d'arrière-plan peuvent provenir d'un caméscope en direct,
d'une bande vidéo, d'une sortie d'ordinateur ou de toute combinaison permettant de créer
un effet chromakey : placez un sujet de premier plan devant une couleur chromakey
désignée (généralement bleu vif ou vert) et faites passer l'image via un canal. d'un
système de commutation numérique. Nourrissez une image d’arrière-plan à travers une
autre. Commandez au système de remplacer la couleur désignée dans l’image de
premier plan par les mêmes zones de l’arrière-plan.

Certains mélangeurs vidéo A/B-roll bon marché ont une capacité chromakey, et les
 4
4
produits grand public de meilleure qualité offrent une sophistication considérable. Le MX-
Pro de Videonics succède au MX1, Panasonic propose le WJ-AVE55 et des mélangeurs
autonomes sont disponibles chez SIMA et Edirol. Pour les éditeurs non linéaires, des
programmes comme Adobe Premiere proposent une large gamme de méthodes de
chromakey et d'autres méthodes de superposition.

Utilisation en studio de l'incrustation chroma

★ Malgré la disponibilité d'effets vidéo numériques (DVE) très sophistiqués, le

processus d'incrustation chromatique est largement utilisé dans diverses situations
de production en studio. La discussion précédente se concentre sur certaines des
utilisations les plus populaires des effets d’incrustation chroma dans les prévisions
météorologiques, mais il existe d’autres situations dans lesquelles l’incrustation
chroma est tout aussi applicable et efficace.
★ vous pouvez également utiliser l'incrustation chroma pour créer une variété
d'arrière-plans ou d'environnements scéniques. Supposons, par exemple, que
vous souhaitiez montrer à un touriste en train de filmer des images d'un musée.

Ultime

L'Ultimate est un type spécifique d'incrustation sur écran bleu (chroma). Ce système
produit une incrustation nette et très stable, difficile à distinguer d'une scène réelle de
premier plan/arrière-plan. Il vous permet de mélanger les caméras de premier plan et
d'arrière-plan si précisément que l'éclairage et le mouvement du premier plan soient
transférés à l'arrière-plan. Par exemple, si le personnage devait se déplacer devant
l'écran bleu pendant l'incrustation, l'ombre ferait également partie de l'arrière-plan et se
déplacerait à travers la scène d'arrière-plan. Certaines productions multicaméras
complexes, telles que les feuilletons, utilisent Ultimatte pour saisir les plafonds des
décors réalistes des salons ou des couloirs.

Super Imposition
Une superposition, ou super en abrégé, est une forme de double exposition. L’image
d’une source vidéo est superposée électroniquement à l’image d’une autre. le super est
facilement obtenu en activant les deux bus de mixage avec la barre de fader. Une
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5
caractéristique distincte d'un super est que vous pouvez voir à travers l'image
superposée celle qui se trouve en dessous. Vous pouvez ensuite faire varier la force de
l'une ou l'autre image (signal) en déplaçant la barre de fader vers un bus de mixage ou
vers l'autre.

Il existe trois utilisations principales des superpositions :

1. transitions , L'utilisation la plus courante de la superposition consiste à créer une

transition en atténuant la première image de 100 pour cent à 0 pour cent et la partie
superposée de la deuxième image en passant de 0 pour cent à 100 pour cent. Autrefois
appelé fondu enchaîné pour des raisons évidentes, cela est maintenant connu sous le
nom de fondu ou de mixage. Une dissolution signale un changement d'heure, de lieu ou
fréquemment les deux.
2. images multiples La deuxième utilisation de la superposition consiste à enrichir la
diffusion d'informations en affichant plus d'une image à la fois. Si vous exécutez la
première moitié d'un fondu (jusqu'à ce que chaque image ait une force de 50 %) et que
vous laissez ensuite les deux visuels à l'écran, vous doublez la quantité d'informations
que vous présentez au public. Chaque image communique son message séparément.

Exemple : combinez une photo de l'expression nostalgique d'une femme avec un

gros plan d'un bébé et vous dites au public qu'elle exprime son affection
maternelle.
Combinez ce même plan avec celui d'un homme en uniforme de marin, et elle
pense plutôt à son amant.

3. Effets spéciaux La superposition est également la clé des effets spéciaux utilisant la
double exposition au moyen du montage A/B-roll. Le montage A/B-roll consiste à utiliser
deux bandes vidéo distinctes, A et B, pour monter ensemble une seule vidéo. Pour
enregistrer une double exposition, verrouillez très fermement l'appareil photo sur un
trépied et enregistrez la photo qui formera le rouleau A de l'action. Remplacez la bande
par la cassette du rouleau B en faisant extrêmement attention à ne pas cogner l'appareil
photo. Enregistrez le tir du rouleau B. Lors du montage, vous alignez les rouleaux A et B,
puis transférez les deux en même temps avec un mélangeur vidéo, créant ainsi une
superposition.

Voici quelques-uns des nombreux effets spéciaux que vous pouvez créer avec la double
exposition :

• Téléportation : En dissolvant d'une scène vide du rouleau A vers la même scène

 4
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avec un acteur du rouleau B, vous « téléportez » le personnage dans la scène. («
Beaming up », bien sûr, utilise exactement la technique opposée).
• Ghosting : Si vous laissez la téléportation se dissoudre à 50/50, l'arrière-plan
semblera solide tandis que l'acteur apparaîtra transparent. Si l'acteur reste
immobile dans le plan A, puis se lève et bouge dans le plan B, le « fantôme »
apparaîtra et laissera le « corps » derrière lui. Dans ce cas, il semblerait plus
convaincant de réaliser le plan A, avec le corps à 75 pour cent et le fantôme dans
le plan B à 25 pour cent. Avec le mix 75/25 le fantôme sera très transparent tandis
que le corps paraîtra plus solide.
• Coups de canon et tremblements de terre : vous pouvez faire trembler, trembler
et rouler la scène en enregistrant le plan A avec la caméra immobile, puis en la
réenregistrant sur le rouleau B tout en faisant vibrer la caméra d'une main.
Ensemble, les tirs A et B simuleront de violentes secousses. Faites vibrer le
rouleau B à intervalles rythmiques pour simuler des tirs nourris ou en continu pour
imiter un tremblement de terre.

Si vous ne pouvez pas saisir un titre sur une image d'arrière-plan, vous pouvez toujours
utiliser un super pour l'effet de titre.

THÈME 2 : Montage en ligne multi-caméras : concept et

Processus

L’utilisation de plusieurs caméras pour filmer une production est appelée production
multi-caméras. La multi-caméra vous aide à enregistrer différents angles simultanément
et à filmer des scènes beaucoup plus rapidement qu'avec une seule caméra.

Production multi-caméras, également appelée production en ligne. La vidéo est terminée

au moment de la production. Les phases de production et de post-production fusionnent
en une seule. Les émissions de télévision comme KBC, Indian Idol ou les journaux
télévisés en direct des studios sont des productions multi-caméras. Des caméras placées
à différents points couvrent et capturent l’action sous différents angles et distances,
offrant perspective et ambiance. En revanche, dans la production à caméra unique, une
seule caméra est utilisée pour photographier un sujet ou un événement.

L'utilisation de plusieurs caméras vidéo pour couvrir une scène remonte aux premiers
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jours de la télévision ; trois caméras ont été utilisées pour diffuser The Queen's
Messenger en 1928, le premier drame joué à la télévision. La BBC a régulièrement utilisé
plusieurs caméras pour ses émissions de télévision en direct à partir de 1936.

Cela nécessite une planification et un éclairage minutieux pour s'assurer que les images
de chaque caméra correspondent, mais ce que vous ne pouvez pas contrôler sur place,
vous pouvez généralement le corriger en post-production. Qu'il s'agisse d'une interview à
deux caméras ou d'un concert spécial avec 26 caméras, la production multicaméra est
plus que jamais utilisée. Et avec autant de types de caméras, de codecs et de flux de
montage parmi lesquels les cinéastes peuvent choisir, il est important de se renseigner
sur la production multi-caméras.

La méthode à plusieurs caméras donne au réalisateur moins de contrôle sur chaque

plan, mais elle est plus rapide et moins coûteuse qu'une configuration à caméra unique.
À la télévision, les caméras multiples sont couramment utilisées pour les programmes
sportifs, les programmes d'information, les feuilletons.

opéras, talk-shows, jeux télévisés et certaines sitcoms. Avant que la série continue pré-
filmée ne devienne la forme dramatique dominante à la télévision américaine, les
premiers programmes d'anthologie (voir L'âge d'or de la télévision) utilisaient plusieurs
méthodes de caméra. Plusieurs caméras peuvent prendre différentes photos d'une
situation en direct à mesure que l'action se déroule chronologiquement et conviennent
aux spectacles qui nécessitent un public en direct. Pour cette raison, les productions
avec plusieurs caméras peuvent être filmées ou enregistrées beaucoup plus rapidement
qu'avec une seule caméra. Les productions à caméra unique sont tournées en prises et
en diverses configurations avec des composants de l'action répétés plusieurs fois et hors
séquence ; l'action ne se déroule pas chronologiquement et ne convient donc pas à un
public en direct.

Types de production

1) Studio : des exemples de productions en studio sont les jeux télévisés, les
émissions de discussion, les actualités et les magazines ainsi que les dramatiques
en studio.
2) Diffusion extérieure : des exemples de types d'événements en direct ou de
diffusion extérieure sont les sports, les concerts, les productions scéniques et les
événements publics.
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Raisons du multi-caméra

Couverture de l'action

La couverture de l’action est la mesure dans laquelle quelque chose est observé et
analysé. Le public peut ainsi transmettre l'intégralité du plan, ce qui est généralement
réalisé à l'aide de la caméra centrale. Cette technique a tendance à être utilisée dans les
productions multi-caméras telles que les performances des Brit Awards, car la couverture
de l'action est beaucoup utilisée car elle se concentre sur la réaction du public, l'artiste/le
groupe, les danseurs et la salle et ils utilisent diverses caméras. angles pour le montrer.

Communiquer du sens au spectateur

Communiquer du sens au spectateur se concentre principalement sur la réaction du

public et sur ce qu’il ressent en regardant l’émission. Une variété de plans et d'angles de
caméra sont utilisés dans les productions multi-caméras pour donner au spectateur une
meilleure compréhension du spectacle. La communication avec le spectateur et le
spectacle montre comment le spectateur a compris le spectacle. Par exemple, cela est
montré dans divers feuilletons tels que Eastenders, Coronation Street et Hollyoaks, etc.

Style visuel

Le style visuel est la façon dont le public voit le programme qu’il regarde. C’est ainsi que
les plans ont été montés et mélangés. Cela peut également être le cas lorsqu'un
programme a un style visuel particulier et comment les caméras l'ont capturé.

Maintenir l’intérêt des téléspectateurs

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Maintenir l’intérêt du téléspectateur consiste à utiliser une variété de plans différents afin
que le public soit intéressé tout au long du programme. Maintenir l'intérêt des
téléspectateurs repose fortement sur la collaboration des caméramans pour obtenir une
grande variété de plans afin de susciter l'intérêt et de garantir que le spectateur soit
diverti.

Contraintes de l'environnement du studio ou de l'emplacement

C’est à ce moment-là que l’espace dans lequel vous pouvez filmer est limité. C'est
également le cas lorsqu'il n'y a pas assez d'espace pour que la caméra puisse capturer
tout ce qui doit être enregistré. Par exemple, la plupart des jeux télévisés. Dans certains
jeux télévisés, il y a parfois de nombreuses caméras dans le studio afin que le réalisateur
puisse changer de caméra pour obtenir une transition plus fluide et tirer le meilleur parti
de l'espace.

Enregistrement simultané multi-caméras

C'est lorsqu'il y a plusieurs caméras et que les transitions entre toutes les différentes
caméras sont fluides et logiques dans le programme. Ceci est démontré à travers
diverses productions multi-caméras.

Suivez la règle des 180 degrés Savoir où placer vos caméras est l'un des plus grands
défis pour la plupart des équipes de production passant d'une configuration mono-
caméra à une configuration multi-caméras. Voici pourquoi : dans un match de basket-
ball, par exemple, l'équipe A va de droite à gauche ; L'équipe B va de gauche à droite. Si
vous placez deux caméras de part et d’autre du terrain, les équipes courront dans la
direction opposée à chaque fois que vous changerez de caméra, et vos spectateurs
resteront hébétés et confus.

Tous vos clichés doivent avoir un sens dans leur ensemble. La règle des 180 degrés
garantit que toutes vos caméras filment dans une seule direction. Pensez à une ligne
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imaginaire traversant le centre du terrain. Vous pouvez placer vos caméras n'importe où
derrière cette ligne d'un côté, en choisissant différents angles pour mélanger les prises
de vue, mais pas de l'autre côté. De cette façon, toutes vos caméras sont
stratégiquement placées pour garantir que les directions restent cohérentes.

2.3 Édition en ligne

Changer d'angle n'est pas moins important dans notre propre travail de production
professionnelle, en particulier lorsque nous filmons des événements en direct pour une
diffusion en ligne. Et que nous diffusions de la vidéo en direct ou que nous la produisions
pour une visualisation en ligne à la demande, la commutation en direct est soit le seul
moyen d'accomplir le travail, soit, dans de nombreux cas, tout simplement le plus
efficace. Configuration de base Deux (ou plus) caméras. Il est important que les caméras
soient identiques au moins en termes de qualité et de format globaux. Pourquoi? Parce
que si vous effectuez une prise de vue multi-caméras avec une caméra DV sophistiquée
à 3 puces et une Hi8 monopuce, vos spectateurs pourront constater une différence
notable dans la qualité de l'image lorsque vous passerez d'une caméra à l'autre.

1. Un switcher/SEG. C'est le cœur du tournage multi-caméras, l'appareil qui fait

passer le signal vidéo d'une caméra à l'autre. Les SEG (Special Effects Generator)
remplissent également d'autres fonctions telles que les effets de transition, le
chromakey/lumakey et le déclenchement d'autres dispositifs tels que les titreurs,
mais leur fonction principale est de basculer entre deux ou plusieurs signaux
vidéo. Les modèles populaires à faible coût incluent le Focus Enhancements MX-4
et l'Edirol V-4, mais une recherche sur eBay pourrait révéler des modèles plus
anciens et bon marché de Panasonic et d'autres fabricants.
2. Un moniteur vidéo. Au moins un; deux, si possible : le principal pour visualiser la
sortie moniteur du mélangeur et un autre pour visualiser le signal tel qu'il apparaît
lorsqu'il est transféré sur la bande, à des fins de contrôle qualité.
3. Un magnétoscope ou Direct to Edit ou un autre appareil d'enregistrement. C'est là
que le signal final sera enregistré, la sortie du mélangeur/SEG. Idéalement, il
devrait s'agir d'un appareil de haute qualité, mais ce n'est pas nécessaire. Un
caméscope de rechange fera très bien l’affaire ; un magnétoscope fonctionne bien
aussi. Équipage. Au moins un cadreur par caméra, plus un directeur technique
pour faire fonctionner le mélangeur. Si suffisamment d’équipe est disponible, vous
pourriez envisager de nommer un directeur général pour diriger l’ensemble du
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processus. Vous souhaiterez peut-être également rassembler une équipe
d'éclairage, un technicien audio, des grips... il y a toujours beaucoup à faire sur un
tournage multi-caméras.
4. Mais l'équipe de base est composée d'un caméraman par caméra, plus un
directeur technique pour faire fonctionner le mélangeur.
5. Casques micro sans fil. Ceux-ci permettront au réalisateur de communiquer plus
facilement avec les caméramans pendant le tournage. Faire apparaitre en fondue,
faire disparaitre en fondue. La plupart des mélangeurs disposent d'un moyen de
configurer le noir ou une autre couleur sur l'un des canaux. Lorsque vous
démarrez votre prise de vue, commencez par le noir comme sortie principale au
lieu de l'une des caméras, puis utilisez un effet de fondu pour fondre sur votre
première prise de vue. À la fin de la représentation, faites la même chose, mais en
sens inverse, en atténuant le dernier plan sur un écran noir.