GRANDE SALLE PIERRE BOULEZ ­– PHILHARMONIE

Mardi 30 et mercredi 31 mai 2023 – 20h

Orchestre de Paris
Klaus Mäkelä
Sol Gabetta
Sir Willard White
Chœur de l'Orchestre
de Paris
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Le concert du 30 mai est diffusé en direct sur Arte

Concert et Philharmonie Live.
Il sera diffusé en différé sur Arte
(date de diffusion communiquée ultérieurement).
Le programme sera disponible en streaming sur
Arte Concert et Philharmonie live pendant 1 an.

2
Programme
MARDI 30 E T MERCREDI 31 MAI 2023 – 20H

Dmitri Chostakovitch
Suite pour orchestre de variété n 1
o

Concerto pour violoncelle no 2

ENTRACTE

William Walton
Belshazzar’s Feast

Orchestre de Paris
Cambridge University Symphony Chorus*
Chœur de l’Orchestre de Paris**
Klaus Mäkelä, direction
Sol Gabetta, violoncelle
Sir Willard White, baryton
Richard Wilberforce, chef de chœur*
Marc Korovitch, Ingrid Roose, chefs de chœur**
Ji-Yoon Park, violon solo (invitée)

DEUXIÈME PARTIE DU CONCERT SURTITRÉE

FIN DU CONCERT : 22H30

3
Les œuvres
Dmitri Chostakovitch (1906-1975)
Suite pour orchestre de variété no 1
(Suite pour orchestre de jazz no 2), op. 50b

Marche
Danse I
Danse II
Petite Polka
Valse lyrique
Valse I
Valse II
Final

Composition : vraisemblablement 1956.

Création : le 1er décembre 1988, au Barbican Centre à
Londres, par le London Symphony Orchestra sous la direction de
Mstislav Rostropovitch.
Effectif : 2 flûtes (la 2e aussi piccolo), hautbois, 2 clarinettes, basson –
3 cors, 3 trompettes, 3 trombones, tuba – timbales, percussions,
2 pianos, célesta, harpe – 4 saxophones, accordéon, guitare – cordes.
Durée : environ 25 minutes.

Je trouve qu’un compositeur

doit faire ses preuves dans tous
les domaines. Les compositions
populaires n’ont rien de mauvais, et
encore moins de dangereux. Mozart
et Beethoven eux-mêmes ont écrit des
pièces légères et personne ne leur en
tient rigueur.
Dmitri Chostakovitch (1958

Si les dates et circonstances de composition des

symphonies de Chostakovitch sont plutôt bien connues, ce
n’est pas le cas de certaines autres pièces orchestrales du
compositeur, comme cette Suite pour orchestre de variété
n 1. Elle a d’ailleurs été longtemps appelée Suite pour
o

4
orchestre de jazz n 2, le titre sous lequel elle a été créée par
o

Mstislav Rostropovitch à l’occasion du Festival Music from

the Flames (d’après le nom d’un documentaire consacré
à Chostakovitch) qui prit place à Londres à l’automne et
l’hiver 1988-1989. Quelques années plus tard, en 1999,
la véritable Deuxième Suite pour orchestre de jazz, qui
date de 1938 et qui avait été perdue pendant la Seconde
Guerre mondiale, a été retrouvée en 1999 sous la forme
d’une réduction pour piano, puis orchestrée en 2000 par
Gerard McBurney. À la suite de cette découverte, la Suite
pour orchestre de variété a adopté son nouveau nom. La
logique y a gagné, car cette œuvre longtemps considérée
comme écrite en 1938 consiste en fait en arrangements de
musiques de film, de scène ou de ballet composées des
années trente aux années… cinquante. Les plus anciens,
Les Aventures de Korzinkina (dont la marche fournit le
matériau de la Marche introductive et du Finale) et la
comédie-ballet Le Ruisseau limpide (Danse n 2), sont o

écrits dans la deuxième moitié des années 1930, dans

une période où Chostakovitch compose beaucoup de
musiques de film – une activité qu’il pratiqua toute sa
vie, d’abord avec enthousiasme puis, bien souvent, avec
lassitude voire dégoût, lorsqu’il s’agissait d’illustrer des
œuvres de propagande. Les plus récents illustrent les films
Le Taon (Danse n 1) et Le Premier Échelon (Valse n 2),
o o

de 1955 et 1956. L’origine de la Valse lyrique ainsi que

de la Petite polka est plus floue.

Organisée en huit numéros, dont Chostakovitch précise

dans une note manuscrite qu’ils peuvent être réorganisés
au bon vouloir du chef qui les dirige, la suite fait appel à un
orchestre « épicé » de quelques instruments provenant de
la musique populaire : guitare, accordéon et saxophones.
Elle intègre également une section percussive assez
présente (avec xylophone et vibraphone), un célesta, une
harpe et deux pianos (ou un piano joué à quatre mains).
5
Il en résulte une partition très colorée, caractérisée par
sa grande efficacité musicale : phrases courtes, énergie
rythmique, architectures simples et atmosphères relati-
vement univoques, penchant vers une expressivité plutôt
expansive. Elle comprend l’un des thèmes de Chostakovitch
aujourd’hui les plus célèbres auprès du grand public, celui
de la Valse n 2, popularisée en 1999 par le film Eyes Wide
o

Shut de Kubrick (ainsi que de multiples spots publicitaires).

Angèle Leroy

Dmitri Chostakovitch (1906-1975)

Concerto pour violoncelle no 2 en sol majeur, op. 126

Largo
Allegretto
Allegretto

Composition : 1966.
Création : lle 25 septembre 1966, à Moscou, par Mstislav
Rostropovitch sous la direction d’Evgueni Svetlanov, pour les
célébrations du 60e anniversaire du compositeur.
Effectif : flûte, flûte piccolo, 2 hautbois, 2 clarinettes, 3 bassons (le
3e aussi contrebasson) – 2 cors –  timbales, percussions, 2 harpes
– cordes.
Durée : environ 33 minutes.

Mstislav Rostropovitch, jamais

en repos, toujours en recherche,
en progression, est d’une telle
importance qu’il semble déjà possible
d’affirmer que son nom sera donné à
toute une époque du violoncelle, une
époque au cours de laquelle l’éventail
des possibilités de l’instrument s’est
élargi de façon incommensurable.
Dmitri Chostakovitcht
6
L’amitié entre Chostakovitch et Rostropovitch durait
depuis plus de quinze ans lorsque le compositeur se
décida à écrire une œuvre pour le violoncelliste, à la
fin des années cinquante : les deux hommes s’étaient
rencontrés en 1943, le jeune Rostropovitch, âgé de 16
ans, entrant cette année-là au Conservatoire de Moscou
où il suivit notamment les cours de Chostakovitch, et ils
avaient eu par la suite l’occasion de jouer ensemble
à plusieurs reprises. Le cadet, suivant les conseils de
la femme de l’aîné (« Slava, si vous voulez que Dmitri
écrive quelque chose pour vous, le seul conseil que je
puisse vous donner est celui-ci : ne lui demandez ni ne
lui en parlez jamais »), sut patienter jusqu’en 1959 –
une époque où il commençait d’être assez connu et où il
avait déjà été le destinataire et dédicataire, notamment,
de plusieurs œuvres de Prokofiev, et notamment de la
Symphonie concertante (1952). Recevant la partition
du Concerto n 1, Rostropovitch l’apprit par cœur en
o

quatre jours, au grand étonnement du compositeur (le

violoncelliste a admis, bien des années plus tard, n’avoir
jamais autant travaillé son instrument que durant ces quatre
jours), et tant la création privée que la création publique,
deux mois plus tard, furent un succès. Il était donc assez
logique que le nouveau concerto de Chostakovitch,
écrit très rapidement au printemps 1966, ait également
Rostropovitch pour dédicataire – et même plus, car il
semble que le compositeur ait laissé le violoncelliste
donner son avis sur les passages cadentiels de l’œuvre.

J’ai été « contaminé » par

cette œuvre. [Elle] semble très

simple, mais elle sonne de manière
étonnante, comme une sorte de
révélation. J’adore ce concerto.
Mstislav Rostropovitch, interview avec Oksana Dvornichenko

7
Avant-dernier concerto du compositeur (le Concerto
pour violon n  2 suivra un an plus tard), le Concerto pour
o

violoncelle n  2 prend des allures plus symphoniques

o

que le précédent, dans lequel le soliste se taillait

véritablement la part du lion – l’une des raisons pour
lesquelles il est plus fréquemment interprété que le Second
dans les salles de concert. À propos de la nouvelle
œuvre, Chostakovitch écrit à son ami Isaak Glikman :
« il me semble que le Deuxième Concerto aurait pu être
appelé la Quatorzième Symphonie avec une partie
soliste de violoncelle ». Il adopte d’autre part un ton
plus intérieur, plus dépouillé, assez caractéristique de la
dernière période du compositeur, qui s’ouvre avec cette
pièce ainsi qu’avec le Onzième Quatuor à cordes ou
les Sept Romances sur des poèmes d’Alexander Blok.
Si le concerto emploie la forme traditionnelle en trois
mouvements, il déjoue les horizons d’attente de bien
des manières, notamment dans sa gestion des équilibres
entre soliste et orchestre. Le Largo initial, comme
l’Allegretto central, commencent tous deux avec le
violoncelle en solo, dans un climat hésitant, tandis que
le finale s’achève, non pas sur l’apogée habituel, mais
plutôt en disparition, le violoncelle se fixant sur un long
ré grave surmonté de quelques percussions sèches.
L’on y observe quelques nuances forte (un climax, en
particulier, dans l’Allegretto final, ainsi qu’une sorte
de grand crescendo dans le mouvement central), mais
l’atmosphère y privilégie plus volontiers les sonorités
solistes et les mélanges de timbres typés. L’œuvre
accueille en son sein des allusions à d’autres thèmes
chostakoviens, citation d’un air populaire entendu dans
la rue à Odessa (dans le scherzo central) et réminiscence
mahlérienne – autre compositeur marqué par le tragique.
Angèle Leroy

8
 LES DEUX ŒUVRES DE CHOSTAKOVITCH ET L’ORCHESTRE
La Suite pour orchestre de variété, op. 50b de Chostakovitch est au
répertoire de l’Orchestre de Paris depuis 2015 où elle a été jouée
sous forme d’extraits sous la direction de Jonathan Darlington.

Le Concerto pour violoncelle no 2 de Chostakovitch est au répertoire

de l’Orchestre de Paris depuis 2004, où il fut interprété par Truls Mørk
sous la direction de Christoph Eschenbach. Il n’avait plus été donné
avant ces deux concerts.

EN SAVOIR PLUS
– Bertrand Dermoncourt, Dimitri Chostakovitch, Éditions Actes Sud, coll.
« Classica », 2006.
– Krzystof Meyer, Dimitri Chostakovitch, traduit de l’allemand par
Odile Demange, Éditions Fayard, 2006.
– Philippe Ungar, Un silence inspiré, entretien avec Mstislav
Rostropovitch, Paris, Dilecta, 2007.

William Walton (1902-1983)

Belshazzar’s Feast, oratorio pour baryton,

double chœur mixte et orchestre

Thus spake Isaiah

A tempo – If I forget thee O Jerusalem
By the waters of Babylon
Babylon was a great city
Praise ye the God of Gold!
Allegro molto – Thus in Babylon
Thou, O King, art King of Kings
And in that same hour
The trumpeters and pipers were silent
Allegro – Then sing aloud to God our strength

Composition : entre 1929 et 1931, sur un livret d’Osbert Sitwell,

d’après La Bible (Livres de Daniel, d’Isaïe, des Psaumes et de
l’Apocalypse) ; révisé en 1931, 1948 et1957.
Création : dans le cadre du Festival de Leeds, le 8 octobre 1931,
avec le baryton Dennis Noble, le London Symphony Orchestra et le
Leeds Festival Chorus, sous la direction de Malcolm Sargent.

9
 Effectif : 2 flûtes, flûte piccolo, 2 hautbois, 3 clarinettes
(la 2e aussi petite clarinette, la 3e aussi clarinette basse),
2 bassons, contrebasson – 4 cors, 3 fanfares composées
chacune de 3 trompettes, 3 trombones et 1 tuba – timbales,
percussions, orgue, piano, 2 harpes – saxophone alto – cordes.
Durée : environ 35 minutes.

Lorsqu’il se met à la table en 1929 pour écrire ce qui

deviendra Belshazzar’s Feast, le jeune William Walton
est considéré comme le fer de lance de la nouvelle
génération de compositeurs modernes. Adoubé par Berg
et Schönberg à 18 ans, il a fait scandale en 1923 avec
Façade, la mise en musique expérimentale des poèmes
abstraits d’Edith Sitwell, muse excentrique et mondaine.
En 1929, son Concerto pour alto, sommet de dolorisme
et d’opulence orchestrale que crée Paul Hindemith, lui
vaut l’enthousiasme général de la critique d’avant-garde.
La BBC lui a commandé une œuvre de petit calibre :
pour un petit chœur, quinze instrumentistes et un soliste
maximum. Mais William Walton déborde très vite les
contraintes de forme qu’on lui impose, tellement emballé
par le fantastique livret composé par Osbert Sitwell
d’après le Livre de Daniel et le Psaume 137 (« Au bord
des fleuves de Babylone »), sujet de tant et tant de mises
en musique. Ce combat dramatique entre les Juifs exilés
à Babylone et leur tyran Balthazar (« Belshazzar » en
anglais), dont Dieu précipitera la perte lors d’un dîner
ruisselant d’or et de faste, ne peut se contenter d’une
partition chambriste ! Voici un chœur immense, un
orchestre pléthorique auquel Walton adjoint de nombreux
instruments supplémentaires : saxophone, clarinette en mi
bémol (plutôt un instrument de fanfare militaire), piano,
multiples percussions. Thomas Beecham, alors directeur
du festival de la BBC de Leeds, cède et achète l’œuvre
– non sans avoir malicieusement provoqué Walton à
ajouter encore quelques fanfares supplémentaires…

10
La création, le 8 octobre 1931, est un triomphe. On loue la
richesse de l’orchestration, l’invention rythmique, l’apport
inattendu du jazz. Ce qui frappe l’auditeur de l’époque (et
celui d’aujourd’hui), c’est surtout l’efficacité dramatique
de l’œuvre, la qualité de son « montage » qui lui confère
une aura quasi-cinématographique. Walton, qui écrira
d’ailleurs plus tard pour le cinéma, brille notamment par
sa gestion des silences (et de leur rupture). Caractérisant
finement les trois « personnages » que sont le chœur,
l’orchestre et le soliste, il donne à chacun une puissance
expressive phénoménale, et c’est leur juxtaposition, leur
dissonance parfois, qui créent les contrastes nécessaires
à l’amplification mutuelle de leur force émotionnelle.

La courte introduction tirée du Livre d’Isaïe, en forme de

prophétie violente, lève le rideau sur une pièce en trois
actes : le récit de la captivité des Juifs à Babylone ; l’épisode
du festin lui-même ; le chant de louanges au Dieu libérateur.
Dès les premiers mots du célébrissime psaume 137 (« Super
flumina Babylonis »), Walton excelle à rendre l’ambivalence
des affects du chœur chargé de la parole du peuple en
exil. À l’abandon qui caractérise les premiers versets,
rendus un peu plus amers encore par l’instrumentarium
convoqué (clarinette basse, saxophone, basson et double
basson), succède bientôt la colère débridée de la foule
portée par l’ostinato d’accords dissonants aux trompettes
et trombones. Fureur et accablement se mêlent jusqu’à
la fin du psaume, dans une amplification progressive du
pathos permise par les interventions habitées du baryton.

Prenant alors le rôle d’un narrateur, le soliste inaugure

la deuxième partie par une saisissante intervention a
cappella qui pose le décor d’une ville ruisselante d’or, de
pierres précieuses, d’animaux et d’esclaves. Un arpège
descendant à la lueur métallique (piano, xylophone)
11
fend l’espace sonore comme un éclair : c’est le festin qui
commence, et le roi qui court à sa perte. Le tumulte des
Juifs va croissant lorsque Balthazar réclame pour ses
libations les vases sacrés que Nabuchodonosor avait
jadis rapportés du temple de Jérusalem. Alors que le roi
leur commande de la musique, le personnage « chœur »
se dédouble bientôt, exalté par un orchestre rendu fébrile
par les incessants changements de mesure. L’éclair
descendant retombe sur la scène et laisse la place à
l’hymne aux dieux païens, fantastique fanfare débraillée
et suprême blasphème pour les Juifs – sans doute l’un
des climax de toute la musique britannique. Après une
reprise des thèmes du début du festin, le silence se fait,
à peine troublé par quelques percussions lugubres :
une main invisible trace sur un mur la malédiction de
Dieu sur Balthazar (« Mene, mene, tekel upharsin »).
Son royaume de pacotille s’effondre en trois mesures.

S’ouvre alors sans pause et dans une opposition dramatique

presque naïve l’hymne de louange et de triomphe du
Dieu d’Israël. Moins sauvage mais non moins engagé,
le chœur jubile sur un Allegro giocoso à trois temps et
généreusement syncopé. Un répit est accordé par l’épisode
central, très éloquent, exprimant les complaintes du roi
et de ses sujets et la réduction au silence des instruments
honnis. Le chant de joie reprend dans un prestissimo
rayonnant culminant sur un Alléluia déchaîné. L’orchestre
exulte dans les dernières mesures, non sans réserver quatre
majestueux silences : « chacun d’entre eux vous permet
d’entendre battre votre cœur » écrivit Herbert Howells
(1892-1983, compositeur et organiste britannique),
durablement impressionné par le chef-d’œuvre de Walton.
Maximilien Hondermarck

12
 L’ŒUVRE ET L’ORCHESTRE
Balshazzar’s Feast de Walton fait son entrée au répertoire de
l’Orchestre de Paris à l’occasion de ces deux concerts.

EN SAVOIR PLUS
– Michael Kennedy, Portrait of Walton, Oxford University Press, 1989.
– Stephen Lloyd, William Walton: Muse of Fire, Boydell
Publischers, 2002.
– François-René Tranchefort (dir.), Guide de la musique sacrée
et chorale profane de 1750 à nos jours, Éditions Fayard, 1993.

Les compositeurs
Dmitri Chostakovitch
Issu d’un milieu musicien, Dmitri Chostakovitch entre à 16 ans
au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Il s’enthousiasme
pour Hindemith et Krenek et travaille comme pianiste de
cinéma. Œuvre de fin d’études, sa Symphonie n 1 (1926)
o

soulève l’enthousiasme. Suit une période de modernisme

extrême et de commandes (ballets, musiques de scène et de
film, dont La Nouvelle Babylone). Après la Symphonie n 2 o

(1927), la collaboration avec le metteur en scène Meyerhold

stimule l’expérimentation débridée du Nez (1928), opéra
gogolien tôt taxé de « formalisme ». Deuxième opéra, Lady
Macbeth (créé en 1934) triomphe pendant deux ans, avant
la disgrâce brutale de janvier1936. On annule la création
de la Symphonie n 4… Après une Symphonie n 5 de
o o

réhabilitation (1937), Chostakovitch enchaîne d’épiques

symphonies de guerre (n 6 à 9). La célébrissime « Leningrad »
os

(n  7) devient un symbole, rapidement internationalisé,

o

de la résistance au nazisme. À partir de 1944, le quatuor

à cordes, genre plus intime, prend son essor. Deuxième
disgrâce, en 1948, au moment du Concerto pour violon
écrit pour Oïstrakh : Chostakovitch est mis à l’index et accusé
de « formalisme  ». Jusqu’à la mort de Staline en 1953, il

13
s’aligne et s’abstient de dévoiler des œuvres indésirables.
Le funambulisme de Chostakovitch face aux autorités se
poursuit. Après l’intense Symphonie n  10, les officielles
o

Onzième et Douzième (dédiées à 1905 et 1917) marquent

un creux. L’intérêt se réfugie dans les domaines du concerto
(pour violoncelle, écrit pour Rostropovitch) et du quatuor
à cordes (Septième et Huitième). Ces années sont aussi
marquées par une vie personnelle bousculée et une santé
qui décline. En 1960, Chostakovitch adhère au Parti
communiste. En contrepartie, la Symphonie n 4 peut enfin
o

être créée. Elle côtoie la dénonciatrice Treizième (« Babi

Yar »), source de derniers démêlés avec le pouvoir. Après
quoi Lady Macbeth est monté sous sa forme révisée, en
1963. Chostakovitch cesse d’enseigner, les honneurs se
multiplient. Mais sa santé devient préoccupante (infarctus
en 1966 et 1971, cancer à partir de 1973). Dernière
réhabilitation, Le Nez est repris en 1974. Chostakovitch
était attiré par le mélange de satire, de grotesque et
de tragique d’un modèle mahlérien-shakespearien.
Son langage plurivoque, en seconds degrés, réagit – et
renvoie – aux interférences déterminantes entre le pouvoir
et la musique.

William Walton
Né à Oldham le 29 mars 1902 dans une famille de
musiciens, William Walton entre à 10 ans au chœur
de Christchurch, la cathédrale du diocèse d’Oxford et
siège du collège le plus réputé de la ville. Il y poursuivra
ses études, délaissant les humanités pour la musique
et l’étude des partitions de ses contemporains, en
particulier Debussy, Roussel, Stravinski. Il débute sa
brillante carrière avec Façade (1922), pour récitant et petit
ensemble, sur des poèmes d’Edith Sitwell, poète
14
avant-gardiste qui deviendra sa collaboratrice régulière
– tout comme son frère Oswald. Cette pochade
étincelante, à la fois ingénue et sophistiquée, acclimate
outre-Manche l’esthétique parisienne des années vingt.
Les œuvres suivantes confirment le brio, l’adresse et
les dons satiriques de l’auteur : ainsi des deux suites
symphoniques tirées de Façade, ou de la joyeuse
ouverture de Portsmouth Point (1926). Plus tard,
l’ouverture Scapino (1940) ou l’opéra-comique The Bear
(1967) restent fidèles à cette manière légère et spirit-
uelle. Elle n’exclut pas une veine lyrique et romantique
par laquelle Walton s’évade de l’esthétique relativement
sèche des années vingt : déjà la Symphonie concertante
pour piano et orchestre concilie lyrisme et style percutant
(1928). Cette dualité s’affirme avec le Concerto pour
violon dédié à Heifetz (1939) et surtout le Concerto
pour alto, créé par Hindemith (1929). Comme Britten
et en bon Britannique rétif à la table rase, Walton sut
innover dans une certaine tradition et reste fidèle à la
tonalité. Sa formation initiale de choriste trouve un abou-
tissement dans l’oratorio Belshazzar’s Feast (1931), où le
poids et la magnificence de l’écriture chorale rivalisent
avec les couleurs rutilantes de l’orchestre. Compositeur
éclectique, il s’intéresse également au cinéma pour lequel
il compose plusieurs partitions pour Laurence Olivier
notamment (Henry V, Hamlet, etc), témoignant ainsi
de sa fine capacité d’adaptation aux formes traitées.
Walton n’a pas considéré le modernisme comme une
fin en soi, ce qui a pu aider à lui assurer une vaste
audience, en Angleterre et au-delà : les œuvres qu’il
compose pour les couronnements de 1937 et de 1953
(la marche Imperial Crown et le Coronation Te Deum)
et qui seront reprises pour celui de 2023 lui valent
ainsi un œcuménique enthousiasme. Il meurt le 8 mars
1983 sur l’île d’Ischia, près de Naples, où il est enterré.

15
Les interprètes
Klaus Mäkelä
Klaus Mäkelä est chef principal
de l’Orchestre philharmonique
d’Oslo, directeur musical de
l’Orchestre de Paris et parte-
naire artistique du Concert­
gebouworkest. Artiste exclusif
Decca Classics, il a enregistré
© Marco Borggreve

L’Oiseau de feu et Le Sacre du

printemps de Stravinski avec
l’Orchestre de Paris et l’intégrale
des Symphonies de Sibelius avec le Philharmonique d’Oslo.
Avec l’Orchestre de Paris, Klaus Mäkelä dirige les ballets
russes de Stravinski au Festival d’Aix-en-Provence 2023
dans une collaboration spéciale avec trois cinéastes, créant
un nouveau « pas de deux » de musique et d’images. Ces
ballets sont également au centre de sa prochaine saison à
Paris, avec près de vingt concerts et un enregistrement de
Petrouchka (Stravinski), Jeux et L’Après-midi d’un faune
(Debussy) pour Decca Classics. 2023/2024 le verra aux
côtés de nombreux pianistes, dont Bertrand Chamayou,
Yuja Wang, Leif Ove Andsnes, Danill Trifonov, Alexandre
Kantorow et Lang Lang dans un répertoire allant de
Prokofiev et Rachmaninoff à Ravel, Chopin et Saint-
Saëns. Parmi les autres moments forts, citons les premières
mondiales d’Unsuk Chin et d’Anna Thorvaldsdottir et la
première française de Superorganisms de Miroslav Srnka.
Klaus Mäkelä ouvre sa quatrième saison en tant que
chef principal du Philharmonique d’Oslo en août avec la
Symphonie n° 2 de Thomas Larcher et la Quatrième de
Mahler. Parmi les autres moments forts de la saison, citons la
Septième de Chostakovitch, Le Château de Barbe-Bleue
de Bartók et le Double concerto de Brahms qu’il dirige du

16
 violoncelle, aux côtés du violoniste Daniel Lozakovich. Lors
de sa deuxième saison en tant que partenaire artistique du
Concertgebouworkest, il offre, dans un même concert, Les
Tableaux d’une exposition de Moussorgski, associés aux
Nuits dans les jardins d’Espagne de Falla et à L’Imaginaire
de M.C. Escher de Hawar Tawfiq. Il dirige également la
Troisième de Mahler et de la Cinquième de Bruckner, dans
un cycle célébrant le 200 anniversaire de la naissance du
e

compositeur. Violoncelliste, il s’associe occasionnellement

à des membres du Philharmonique d’Oslo, de l’Orchestre
de Paris et du Concertgebouworkest pour des programmes
chambristes. Il se produit également dans le cadre du Festival
de Verbier aux côtés d’amis chambristes. klausmakela.com

Sol Gabetta
Après ses récentes résidences
auprès de Radio France, de la
Staatskapelle de Dresde et du
Symphonique de Bamberg, Sol
Gabetta a ouvert la saison en
cours par la deuxième édition des
BBC Proms au Japon 2022, en
partageant la scène de l’Orchard
© Julia Wesely

Hall de Tokyo avec l’Orchestre

symphonique de la BBC et Dalia
Stasevska. Parmi les autres temps forts de cette saison,
figurent des concerts avec la Staatskapelle de Berlin, le
Symphonique de Bamberg (dir. Jakub Hrůša), avec l’Orchestre
du Concertgebouw et une tournée européenne avec le
Philharmonique d’Oslo – tous deux sous la direction de Klaus
Mäkelä, une tournée avec la Deutsche Kammerphilharmonie
Bremen et Paavo Järvi, ainsi que des concerts en duo avec la
violoniste Patricia Kopatchinskaja. Sol Gabetta crée à Radio
17
France le Concerto pour violoncelle de Francisco Coll dont elle
est dédicataire, avant de s’associer au Deutsches Symphonie-
Orchester de Berlin, puis à l’Orchestre de Paris à l’occasion
de ces deux concerts sous la direction de Klaus Mäkelä. Elle
continue d’inspirer de nombreuses rencontres musicales au
Festival de Solsberg, dont elle est directrice artistique. La musique
de chambre est au cœur de son travail, comme en témoignent
ses récitals en trio avec Isabelle Faust et Alexander Melnikov
en Allemagne et en Autriche, sa tournée avec son partenaire
de longue date, Bertrand Chamayou, en Italie, France et
Autriche, et ses concerts avec Kristian Bezuidenhout et Francesco
Piemontesi au Festival et à la Schubertiade de Gstaad.
En reconnaissance de son parcours artistique, Sol Gabetta
a reçu en 2018 le Prix Herbert von Karajan du Festival de
Printemps de Salzbourg, où elle se produit avec le Staatskapelle
de Dresde et Christian Thielemann. Sol Gabetta continue
d’étoffer par ailleurs sa discographie déjà étendue chez
Sony. Elle a récemment enregistré en direct les concertos pour
violoncelle d’Elgar et Martinů avec le Philharmonique de Bertlin
(dir. Sir Simon Rattle et Krzysztof Urbański). Rappelons qu’en
2017, Sol Gabetta a participé avec Cecilia Bartoli à une tournée
européenne autour de leur disque Dolce Duello (Decca).
Sol Gabetta joue un violoncelle de Matteo Goffriller
de 1730, Venise, fourni par Atelier Cels. Elle enseigne
à l’Académie de Musique de Bâle depuis 2005.
solgabetta.com

18
 Sir Willard White
Natif de la Jamaïque, Sir
Willard White a commencé
sa formation musicale à la
Jamaican School of Music,
puis à la Juilliard School de
New York. Depuis ses débuts
à l’opéra avec le New York
City Opera en 1974, il a chanté
© DR / Intermusica

régulièrement à Covent Garden,

au Metropolitan Opera de New
York, aux côtés de l’English National Opera, au San
Francisco Opera, sur la scène des opéras de Munich,
Amsterdam, Berlin, Bruxelles, Genève, Hambourg, Los
Angeles, Madrid, Paris, ainsi que dans le cadre des
festivals de Glyndebourne, d’Aix-en-Provence et de Salz-
bourg. Parmi les temps forts de la saison en cours, citons les
rôles du roi dans Aïda pour l’Opéra royal du Danemark
et de Dikoï dans Katia Kabanova pour l’Opéra national
de Lyon. En concert, il se produit dans Belshazzar’s Feast
à la Philharmonie de Paris, aux côtés de l’Orchestre
de Paris, à l’occasion de ces deux concerts, et dans
Gloriano de Britten aux côtés de l’English National Opera.
Sir Willard White se produit en concert avec les chefs
et orchestres de premier plan international, dont le
London Symphony Orchestra, le Philharmonique de
Londres, le Symphonique de la BBC, le Hallé Orchestra,
l’Orchestre royal du Concertgebouw, le Symphonique de
Boston, les philharmoniques de New York et Los Angeles,
l’Orchestre de Cleveland, le Philharmonique de Berlin,
de même qu’il est un invité régulier des BBC Proms. Parmi
les faits marquants qui ont jalonné sa carrière, citons
les rôles de Tirésias et du messager dans Œdipe roi de
Stravinski (dir. Esa-Pekka Salonen) avec le Philharmonia

19
 Orchestra au Royal Festival Hall, Méphistophélès
(La Damnation de Faust) avec l’Orchestre de Cleveland
(dir. Charles Dutoit) au Festival de Verbier, Golaud
(Pélleas et Mélisande) avec l’Orchestre symphonique
de Chicago, Le Château de Barbe -Bleue avec le
Philharmonique de Los Angeles (dir. Esa-Pekka Salonen),
Pelléas et Mélisande et Porgy and Bess avec le
Philharmonique de Berlin (dir.Sir Simon Rattle), le roi Marke
(Tristan et Isolde) sous la direction de Valery Gergiev.
Sir Willard White a été décoré de l’Ordre de l’Empire
britannique (CBE) en 1995 et a été fait chevalier lors de
la cérémonie d’anniversaire de la Reine en 2004.

Richard Wilberforce
Richard Wilberforce est un
chef de chœur, compositeur
et contre-ténor anglais. Après
avoir été formé au St John’s
College de Cambridge et au
Royal College of Music, où il a
reçu plusieurs prix, en direction
de chœur et chant lyrique
© Denis Allard

notamment, il a été directeur

du Hallé Youth Choir pendant
cinq ans, travaillant en étroite collaboration avec Sir
Mark Elder. Jusqu’à sa prise de fonction en 2018 comme
directeur musical du Cambridge University Symphonic
Chorus, il a occupé les fonctions de chef de chœur du
Chœur philharmonique de Leeds, puis celles de chef
de chœur et directeur artistique des Exon Singers et de
directeur artistique associé des English Voices. Richard
Wilberforce a récemment pris les fonctions de chef de
chœur du Concert d’Astrée aux côtés de Emmanuelle

20
Haïm. Il collabore par ailleurs comme chef de chœur invité
avec de nombreux ensembles tels qu’accentus, le Chœur
de Radio France, l’ensemble Pygmalion, Les Métaboles,
le Chœur de l’Opéra de Lyon, le Chœur symphonique
de la BBC ou le Chœur philharmonique de Londres.
Richard partage son temps entre le Royaume-Uni et
Paris, où il dirige le jeune chœur de Paris et l’Ensemble
Vocal de la Maîtrise de Paris, et enseigne la direction
chorale au Conservatoire à Rayonnement Régional de
Paris. Il a été chef de chœur pour des productions de la
Philharmonie de Paris, du Festival d’Aix-en-Provence et
de l’Opéra de Rouen, préparant des chœurs pour Klaus
Mäkelä, Esa-Pekka Salonen, Laurence Equilbey, Sir Simon
Rattle ou encore Kent Nagano. Il collabore par ailleurs
régulièrement avec le cinéaste israélien Amos Gitaï et a
travaillé avec des artistes tels que Natalie Dessay, Yaël
Naim, Jeanne Added, Rufus Wainwright et Oliver Beer.
Sa carrière de contre-ténor l’a mené dans les plus
belles maisons d’opéra d’Europe, dont le Staatsoper
unter den Linden de Berlin, le Tiroler Landestheater
Innsbruck, le Théâtre du Capitole de Toulouse et le
Grand Théâtre de Provence. Il a chanté pendant dix
ans avec Sir John Eliot Gardiner et le Monteverdi Choir.
Ses compositions sont publiées par Boosey and Hawkes
et RSCM Press  ; elles sont jouées dans le monde
entier et ont été enregistrées et diffusées par des formations
chorales de premier plan.

21
Cambridge University
Symphony Chorus
Le Cambridge University Symphony Chorus est un chœur
actif et dynamique d’environ 120 membres, qui offre aux
chanteurs l’opportunité d’interpréter des œuvres chorales
parmi les plus dramatiques et les plus intenses jamais
écrites. Le chœur est composé d’étudiants, de membres du
personnel, d’anciens étudiants et de membres de la
communauté de Cambridge au sens large. Il interprète
un large éventail de musique, en mettant l’accent sur
les œuvres chorales symphoniques majeures des xix et e

xx  siècles. Actuellement dirigé par Richard Wilberforce,

e

le chœur a eu pour précédents directeurs Sir Stephen

Cleobury, Sir Philip Ledger, Sir David Willcocks et Sir
Charles Villiers Stanford. Sir Roger Norrington et Edward
Higginbottom ont été récemment invités à le diriger. Parmi
ses récents temps forts, citons La Création de Haydn, la
Messa da Requiem de Verdi et la Messe en sol mineur de
Vaughan Williams. Le chœur attend avec impatience de
jouer le Requiem de Mozart en juin avec Sophie Bevan
(MBE), ainsi que la tournée à Helsinki l’année prochaine,
où il interprétera The Dream of Gerontius d’Elgar. Le
Cambridge University Symphony Chorus est géré en
partenariat avec la Cambridge University Musical Society.

Sopranos Elisabeth Marksteiner Altos

Tanja Brown Emily McCarthy Camilla Benfield
Rowena Brugge Elizabeth Nicholson Lorely Britton
Audrey Dean Anne Presanis Helen Clayton
Bridget Ford Helena Tyte Mez Dubois Van
Maggie Griffith Tabitta Van Nouhuys Slageren
Clare Irwin Jara Villar Gillian Flinn
Sacha Jonas Rosalyn Wade Wendy Fray
Talitha Kearey Leonore White Nicola Hardy
Andrea Kocsis Alexandra Hayes

22
 Altos (suite) Mark Robson Finn Jarvis
Tina Muller Stephen Rouse Saul Knights
Sarah Page Andreas Theocharous David Lacy
Gill Riley James Veale Andy Mason
Lynne Rushton Tobias Naegele
Barbara Tuchel Basses Colin Pendrill
Giles Agnew Roland Robertson
Ténors John Barratt Michael Sharp
Joaquim Badia David Brown Jacob Swain
Mark Bostock Clarke Brunt Alan Walbridge
Jefferson Feerick Raymond Gay Jo Whitehead
Alistair Morfey Daniel Golec Alan Woodward
Kingsley Reavell Richard Horley

Marc Korovitch
Chef principal du Chœur de
l’Orchestre de Paris depuis
janvier 2022, Marc Korovitch
est par ailleurs chef de chœur
du Jeune Chœur de Paris
depuis 2017 et du Chœur de
la radio suédoise depuis 2019.
© William Beaucardet

Également chef d’orchestre, il

prendra en septembre 2022 ses
fonctions de directeur musical
de l’Orchestre Colonne. Depuis 2014, Marc Korovitch
assiste régulièrement le Chœur de Radio France et
Accentus, les préparant pour des enregistrements ou
les dirigeant lors de festivals, comme le Festival Radio
France Occitanie de Montpellier, les Rencontres musicales
d’Évian, la Semaine Mozart de Salzbourg ou encore
le Mostly Mozart Festival de New York. En 2017, il a
participé à l’inauguration de La Seine Musicale en
dirigeant Accentus dans L’Ange scellé de Shchedrin.

23
Il travaille également sur le plan international avec de
nombreux chœurs, les préparant comme le SWR
Vokalensemble de Stuttgart et l’Europa Chor Akademie,
le Chœur de la NDR de Hambourg, le Chœur de la radio
espagnole et le Chœur de la Communauté de Madrid ;
ou les dirigeant en concert comme le Chœur de la WDR
de Cologne, le Chœur de la radio croate, l’ensemble des
English Voices dans le cadre du Festival d’Aix-en-Provence.
Il préparera prochainement le Chœur de la radio bavaroise. Il
collabore avec des chefs tels que Sir Simon Rattle, Herbert
Blomstedt, Klaus Mäkelä, Daniel Harding, Lahav Shani,
Gustavo Dudamel, Alan Gilbert, Philippe Jordan, Louis
Langrée, Leonardo García Alarcón, Laurence Equilbey,
se produisant dans des salles comme la Philharmonie
de Paris, le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, La Seine
Musicale, le Theater an der Wien, l’Elbphilharmonie de
Hambourg, le Lincoln Center de New York, Berwaldhallen
à Stockholm ou encore le Tokyo Opera City… Marc
Korovitch a étudié à la Sorbonne, au CRR de Paris, à la
Haute école de musique de Genève et à la Hochschule
für Musik de Munich. Il s’est formé auprès des chefs Denis
Rouger, Celso Antunes, Michael Gläser, Marcus Creed
et Stefan Parkman. Passionné par la pédagogie, il est
professeur de direction de chœur au Conservatoire à
rayonnement régional de Paris et au Pôle Supérieur Paris
Boulogne-Billancourt. Il est en outre fréquemment convié
à des master-classes en Europe et sollicité comme membre
du jury de nombreux concours internationaux.

24
 Ingrid Roose
Cheffe déléguée du Chœur
de l’Orchestre de Paris depuis
janvier 2022, Ingrid Roose
est diplômée en direction
de chœur du Conservatoire
de Tallinn – où elle a étudié
auprès d’Ingrid Kõrvits –, et de
l’Académie estonienne de
© Kaupo Kikkas

musique et de théâtre (EAMT),

sous la tutelle de Hirvo Surva.
Elle a poursuivi sa formation au Collège royal de
musique de Stockholm en 2016. L’année suivante, elle
obtenait un master en direction d’orchestre auprès de
Jüri Alperten à l’EAMT. Elle a participé à l’Académie
d’été Järvi en 2016 et 2017. En 2019, elle a remporté le
premier prix du Concours international de jeunes chefs
de chœur de Paris, ainsi que le prix spécial décerné par
le Chœur de l’Orchestre de Paris. En 2013, Ingrid Roose
a créé Kammerhääled (Voix de chambre), un chœur
de femmes lauréat de plusieurs concours nationaux. En
2015, l’ensemble remporte notamment le premier prix
(catégorie « Musique contemporaine »), les deuxième et
troisième prix dans la catégorie « Chœur mixte », et le prix
spécial pour l’interprétation de Zwei Beter d’Arvo Pärt, lors
du Concours de chant choral de Tallinn. Kammerhääled
enregistre par la suite deux CD sur les musiques de Pärt
Uusberg et Rasmus Puur. Depuis 2017, Ingrid Roose est
cheffe d’orchestre principale de l’Orchestre symphonique
du Conservatoire Georg Ots de Tallinn et y enseigne la
direction d’orchestre et la lecture musicale. Depuis 2018,
elle est cheffe principale du chœur mixte HUIK! à Tallinn.
Ingrid Roose a déjà dirigé les orchestres sym-phoniques
d’Estonie, de l’Académie estonienne de musique et de

25
théâtre, du Collège royal de musique de Stockholm
ainsi que de l’Orchestre de chambre d’Uppsala,
l’Orchestre de chambre de Tallinn et l’Orchestre de
l’Académie Järvi. En 2019, elle a dirigé les concerts de
Noël du Chœur national d’Estonie à Tartu, Valga et
Tallinn. Parmi les autres points forts d’un passé récent,
rappelons qu’en 2017, elle a donné un concert lyrique
avec l’Orchestre symphonique du Conservatoire Georg
Ots de Tallinn et des solistes, diffusé par la Radio
nationale d’Estonie. En 2019, elle a été directrice
artistique et cheffe du concert de gala célébrant le quatre-
vingt-dixième anniversaire de l’Opéra national d’Estonie,
réunissant le chœur mixte HUIK!, le chœur mixte de la
Société d’Estonie, le chœur de jeunes hommes de l’Opéra
d’Estonie et l’Orchestre symphonique national d’Estonie.

Chœur de
l’Orchestre de Paris
C’est en 1976, à l’invitation de Daniel Barenboim,
qu’Arthur Oldham – unique élève de Britten et
fondateur des chœurs du Festival d’Edimbourg et du
Royal Concertgebouw d’Amsterdam – fonde le Chœur
de l’Orchestre de Paris. Il le dirigera jusqu’en 2002.
Didier Bouture et Geoffroy Jourdain poursuivent le travail
entrepris et partagent la direction du chœur jusqu’en 2010.
En 2011, Lionel Sow en prend la direction et hisse, en une
décennie, le Chœur de l’Orchestre de Paris au niveau
des plus grandes formations amateurs européennes. En
2022, une nouvelle page s’est ouverte pour la formation,
emmenée par un binôme : Marc Korovitch au poste de
chef principal et Ingrid Roose à celui de cheffe déléguée.

26
Le Chœur est composé de chanteurs amateurs dont
l’engagement a souvent été salué, notamment par
les chefs d’orchestre avec lesquels ils collaborent, tels
que Daniel Barenboim, Herbert Blomstedt, Semyon
Bychkov, Gianandrea Noseda, Riccardo Chailly,
Esa-Pekka Salonen, James Conlon, Christoph von
Dohnányi, Christoph Eschenbach, Zubin Mehta,
Seiji Ozawa, Pascal Rophé, Paavo Järvi, Thomas
Hengelbrock, Daniel Harding et bien sûr Klaus Mäkelä.
Le Chœur de l’Orchestre de Paris a participé à plus de
quinze enregistrements de l’Orchestre de Paris.

Chœur principal : composé de 90 chanteurs, le Chœur

principal est rompu à l’interprétation du répertoire
symphonique choral.

Chœur de chambre : cet ensemble de 45 chanteurs

est d’une grande flexibilité et permet de diversifier la
programmation du répertoire choral de l’Orchestre
de Paris.

Académie du Chœur : L’Académie est composée d’une

trentaine de chanteurs de 18 à 25 ans, issus des meilleurs
chœurs d’enfants et des classes de chant des conserva-
toires.

Chœur d’enfants : il rassemble une centaine d’enfants de

9 à 14 ans, auxquels est proposée une formation sous
la direction des chefs de chœur associés, sur le temps
extra-scolaire

Chœur de jeunes : il rassemble une cinquantaine de

chanteurs de 15 à 18 ans issus des Conservatoires des
6 , 13 et 19 arrondissements et du CRR d’Aubervilliers-
e e e

La Courneuve.

27
Les chœurs d’enfants et de jeunes de l’Orchestre de Paris
bénéficient du soutien de la Fondation Groupe RATP.

Le Chœur
Sopranos Sophie Cabanes Nicolas Grégis
Bérénice Arru Vincent Candalot Stéphane Grosclaude
Virginie Bacquet Sabine Chollet Thomas Guillaussier
Nida Baierl Maia-Angelica Costa Maxence Herillard
Corinne Berardi Valentine Deprez Benjamin Martinez-Silva
Manon Bonneville Chloé Fabreguettes Marceau Mesplé
Eve-Anna Bothamy Éisabeth Houpert Pierre Nyounay
Magalie Bulot Caroline Irigoin Nyounay
Anne Chevalier Sylvie Lapergue Denis Peyrat
Virginie Da Vinha- Verlaine Larmoyer Pierre Philippe
Esteve Juliette Lartillot-Auteuil Tsifa Razafimamonjy
Alice de Monfreid Nicole Leloir Philippe Redouté
Colombe de Poncins Julie Lempernesse Quentin Ssosse
Christiane Detrez-Lagny Zôé Lyard Emmanuel Tridant
Katarina Eliot Catherine Marnier Bruno Vaillant
Silène Francius-Pilard Agnès Maurel François Verger
Ariane Genat Florence Mededji-Guieu Victor Wetzel
Dina Ioualalen Alice Moutier
Clémence Lalaut Eden Nanta Basses
Jaeyoon Lee Martine Patrouillault Paul Alric
Clémence Lengagne Adélaïde Pleutin Timothée Asensio Frery
Alice Lentiez-Renard Ny Ifaliana Ratrema Paul Brochen
Virginie Mekongo Céline Tolosa Jean-François Cerezo
Catherine Mercier Héloïse Venayre Justin Coube
Delphine Meunier Clothilde Wagner Gilles Debenay
Michiko Monnier Emmanuel Enault
Anne Muller-Gatto Ténors Patrick Felix
Iris Néméjanski Matthieu Beunaiche Louis Geoffroy
Agathe Petex Julien Catel Christophe Gutton
Aude Reveille Stéphane Clément Christopher Hyde
Cécile Roque Alsina Olivier Clément Alain Ishema
Sandrine Scaduto Clément Clément Karamaga
Neli Sochirca Jean Da Col Benoit Labaune
Nina Tchernitchko Xavier de Snoeck Serge Lacorne
Valentin Delafontaine Gilles Lesur
Altos Julien Dubarry Pierre Logerais
Françoise Anav-Mallard Ruben Galland Anatole Marest

28
Basses (suite) David Pergaud Titouan Sevic
Salvador Mascarenhas Didier Peroutin Ares Siradag
Nicolas Maubert Sébastien Pettoello Youri Tessier
Yannick Mayaud Eric Picouleau Théo Tonnellier
Grégoire Métivier Adrien Rochette Swann Veyret
Skander Mliki de Lempdes

Orchestre de Paris
Héritier de la Société des Concerts du Conservatoire
fondée en 1828, l’Orchestre a donné son concert
inaugural le 14 novembre 1967 sous la direction
de Charles Munch. Herbert von Karajan, Sir Georg
Solti, Daniel Barenboim, Semyon Bychkov, Christoph
von Dohnányi, Christoph Eschenbach, Paavo Järvi
et enfin Daniel Harding se sont ensuite succédé à sa
direction. Depuis septembre 2021, Klaus Mäkelä est le
dixième directeur musical de l’Orchestre de Paris pour un
mandat de six années, succédant ainsi à Daniel Harding.

Après bien des migrations sur un demi-siècle

d’histoire, l’Orchestre de Paris devient résident principal
de la Philharmonie de Paris dès son ouverture en janvier
2015, avant d’intégrer ce pôle culturel unique au monde
comme orchestre permanent en janvier 2019. Véritable
colonne vertébrale de sa programmation, l’Orchestre
de Paris participe désormais à nombre des dispositifs
phares de l’établissement, dont Démos (Dispositif
d’éducation musicale et orchestrale à vocation sociale),
pont entre les conservatoires et les enfants qui en sont les
plus éloignés, mais aussi La Maestra, concours international
qui vise à favoriser la parité dans la direction d’orchestre.

29
Première formation symphonique française, l’Orchestre
de Paris donne avec ses 119 musiciens une centaine de
concerts chaque saison à la Philharmonie ou lors de
tournées internationales. Il inscrit son action dans le droit
fil de la tradition musicale française en jouant un rôle
majeur au service des répertoires des xix et xx siècles,
e e

comme de la création contemporaine à travers l’accueil

de compositeurs en résidence, la création de nombreuses
œuvres et la présentation de cycles consacrés aux figures
tutélaires du xx  siècle (Messiaen, Dutilleux, Boulez,
e

etc.). Depuis sa première tournée américaine en 1968

avec Charles Munch, l’Orchestre de Paris est l’invité
régulier des grandes scènes musicales et a tissé des liens
privilégiés avec les capitales musicales européennes,
mais aussi avec les publics japonais, coréen et chinois.
Renforcé par sa position au centre du dispositif artistique
et pédagogique de la Philharmonie de Paris, l’Orchestre
a plus que jamais le jeune public au cœur de ses
priorités. Que ce soit dans les différents espaces de la
Philharmonie ou hors les murs – à Paris ou en banlieue –,
il offre une large palette d’activités destinées aux familles,
aux scolaires ou aux citoyens éloignés de la musique
ou fragilisés.

Afin de mettre à la disposition du plus grand nombre le

talent de ses musiciens, l’Orchestre diversifie sa politique
audiovisuelle en nouant des partenariats avec Radio
Classique, Arte et Mezzo. orchestredeparis.com

Direction générale Direction de l’Orchestre de Paris

Olivier Mantei Anne-Sophie
Directeur général de la Cité de la Brandalise
musique – Philharmonie de Paris Directrice

Thibaud Malivoire de Camas Christian Thompson

Directeur général adjoint Directeur artistique

Directeur musical
Klaus Mäkelä
30
Violons Estelle Villotte
Eiichi Chijiiwa, 2e violon solo Florian Wallez
Nathalie Lamoureux, 3e solo
Nikola Nikolov, 1er chef d’attaque Violoncelles
Philippe Balet, 2e chef d’attaque Emmanuel Gaugué, 1er solo
Joseph André Éric Picard, 1er solo
Antonin André-Réquéna François Michel, 2e solo
Maud Ayats Alexandre Bernon, 3e solo
Elsa Benabdallah Anne-Sophie Basset
Gaëlle Bisson Delphine Biron
David Braccini Thomas Duran
Joëlle Cousin Manon Gillardot
Cécile Gouiran Claude Giron
Matthieu Handtschoewercker Paul-Marie Kuzma Marie Leclercq
Lusine Harutyunyan Florian Miller
Gilles Henry Frédéric Peyrat
Florian Holbé
Andreï Iarca Contrebasses
Saori Izumi Vincent Pasquier, 1er solo
Raphaël Jacob Ulysse Vigreux, 1er solo
Maya Koch Sandrine Vautrin, 2e solo
Anne-Sophie Le Rol Marie Van Wynsberge, 3e solo
Angélique Loyer Benjamin Berlioz
Nadia Mediouni Jeanne Bonnet
Pascale Meley Igor Boranian
Phuong-Maï Ngô Stanislas Kuchinski
Serge Pataud Richard Schmoucler Mathias Lopez
Hsin-Yu Shih
Élise Thibaut Flûtes
Anne-Elsa Trémoulet Vincent Lucas, 1er solo
Damien Vergez Vicens Prats, 1er solo
Caroline Vernay Bastien Pelat
Florence Souchard-Delépine
Altos
David Gaillard, 1er solo Petite lûte
Nicolas Carles, 2e solo Anaïs Benoit
Florian Voisin, 3e solo
Clément Batrel-Genin Hautbois
Hervé Blandinières Alexandre Gattet, 1er solo
Flore-Anne Brosseau Rebecka Neumann, 2e solo
Chihoko Kawada Rémi Grouiller
Béatrice Nachin
Clara Petit Cor anglais
Nicolas Peyrat Gildas Prado
Marie Poulanges

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Clarinettes Trompettes
Philippe Berrod, 1er solo Frédéric Mellardi, 1er solo
Pascal Moraguès, 1er solo Célestin Guérin, 1er solo
Arnaud Leroy Laurent Bourdon
Stéphane Gourvat
Clarinette basse Bruno Tomba
Julien Desgranges
Trombones
Petite clarinette Guillaume Cottet-Dumoulin, 1er solo
Olivier Derbesse Jonathan Reith, 1er solo
Nicolas Drabik
Bassons Jose Angel Isla Julian
Giorgio Mandolesi, 1er solo Cédric Vinatier
Marc Trénel, 1er solo
Lionel Bord Tuba
Yuka Sukeno Stéphane Labeyrie

Contrebasson Timbales
Amrei Liebold Camille Baslé, 1er solo
Antonio Javier Azanza Ribes,
Cors 1er solo
André Cazalet, 1er solo
Benoit de Barsony, 1er solo Percussions
Jean-Michel Vinit Éric Sammut, 1er solo
Anne-Sophie Corrion Nicolas Martynciow
Philippe Dalmasso Emmanuel Hollebeke
Jérôme Rouillard
Bernard Schirrer Harpe
Marie-Pierre Chavaroche

Les musiciens de l’Orchestre de Paris sont habillés par

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