U.

E ELIZARDO PEREZ

TITULO DEL TEMA

HISTORIA DEL ARTE COLONIAL Y

BARROCO EN BOLIVIA

MATERIA :
ARTES PLASTICAS

PROFESORA:
MARTHA MONROY

INTEGRANTES :
-
●HELEN MARILUZ MAMANI PILLCP
●WARA LORY CHURA MAMANI
● ABIGAIL INGRID MENDOZA MAMANI
● CAROL CAROLINA CONDORI CONDORI
● RONALD ROGER QUISPE VILLEGAS
● RODRIGO VASQUEZ DURAN

LA PAZ – EL ALTO
 INDICE

1.INTRODUCCION……………………………………………………………………

2.OBJETIVOS……………………………………………………………………………

2.1 OBJETIVO GENERAL……………………………………………………………

2.1 OBJETIVO ESPESIFICO…………………………………………………………

3. MARCO TEORICO…………………………………………………………………

3.1 ARTE COLONIAL……………………………………………………………

3.2 EDAD ANTIGUA……………………………………………………………

3.3 EDAD MODERNA Y EDAD CONTEMPORANEA ……………….

3.4 ARTE COLONIAL AFRICANO ……………………………………………

3.5 ARTE COLONIAL ASIATICO ………………………………………………

3.6 ARQUITECTURA COLONIAL ………………………………………………

4. ESCULTURA COLONIAL………………………………………………………………

5. PINTURA COLONIAL……………………………………………………………………

6. ARTISTAS DE EL ARTE COLONIAL……………..…………………………………

7. LEGADO DE EL ARTE COLONIAL…………………………………………………

8. ARTE BARROCO EN BOLIVIA………………………………………………………

9. CARACTERISTICAS DE EL ARTE BARROCO………………………………………

10. ARQUITECTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA…………………

11. ESCULTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA……………………………

12. PINTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA…………………………………

13. CONCLUSIONES ………………………………………………………………………………

14 BIBLIOGRAFIA……………………………………………………………………………

15. ANEXOS………………………………………………………………………………………
1.INTRODUCCION
La historia del arte colonial abarca un periodo crucial desde el siglo XVI hasta el XIX, en el que
las potencias europeas, especialmente España y Portugal, expandieron sus territorios en
América, Asia y África. Este fenómeno tuvo un impacto profundo en las culturas locales, dando
lugar a una rica fusión de estilos y tradiciones artísticas.

El arte colonial es un testimonio de la interacción entre culturas. Las tradiciones indígenas,

africanas y europeas se entrelazaron, creando un patrimonio artístico diverso. Esto es evidente
en la arquitectura, la pintura, la escultura y las artes decorativas.

El arte colonial no solo es una expresión estética, sino también un reflejo de la historia social,
política y cultural de la época. Hoy en día, se valora por su capacidad de contar la historia de la
mezcla de culturas y la evolución de la identidad en las regiones colonizadas.

El barroco en Bolivia se desarrolló principalmente entre los siglos XVII y XVIII, reflejando una rica
fusión de influencias europeas e indígenas. Este estilo se manifestó en diversas disciplinas, como
la arquitectura, la pintura y la escultura, y está íntimamente ligado a la evangelización y al auge
de las ciudades coloniales.

El barroco en Bolivia dejó una impronta duradera en el patrimonio cultural del país. Hoy, muchas
de estas obras son valoradas no solo por su belleza estética, sino también por su capacidad de
contar la historia de la interacción e
2. OBJETIVOS
2.1 OBJETIVO GENERAL
El objetivo general sobre la historia del arte colonial y barroco en Bolivia podría formularse de
la siguiente manera:

Analizar el desarrollo del arte colonial y barroco en Bolivia, desde la llegada de los colonizadores
hasta la independencia, enfatizando la interacción de las tradiciones indígenas y europeas, así
como su impacto en la identidad cultural boliviana. Este estudio busca comprender cómo las
expresiones artísticas de este período reflejan las dinámicas sociales, religiosas y económicas de
la época, y cómo han influido en la evolución del patrimonio cultural del país.

2.2 OBJETIVO ESPECIFICO

Investigar las influencias culturales: Examinar cómo las tradiciones indígenas, europeas y
africanas se entrelazaron en la producción artística, dando lugar a un estilo único en la escultura,
la pintura y la arquitectura.

Analizar el contexto socio-histórico: Estudiar el impacto de los procesos coloniales, como la

evangelización y la explotación económica, en la creación de obras de arte y en la formación de
talleres artísticos en ciudades clave como Potosí y Sucre.

Explorar las manifestaciones religiosas: Investigar la representación de temas religiosos en el

arte barroco, considerando el papel de la Iglesia Católica y su influencia en la iconografía y la
construcción de iglesias y templos.

Evaluar el legado artístico: Analizar cómo el arte colonial y barroco ha influido en las corrientes
artísticas contemporáneas en Bolivia y su importancia en la construcción de la identidad
nacional.

Documentar obras y artistas clave: Identificar y catalogar las obras más representativas y los
artistas destacados del período colonial y barroco, resaltando su contribución al patrimonio
cultura
3.MARCO TEORICO
3.1 ARTE COLONIAL
Arte colonial es el arte propio de una situación colonial. En las distintas colonizaciones se
produce la introducción de las formas artísticas del colonizador en el espacio previamente
ocupado (por lo general en exclusiva, si es que no había influencias anteriores a la colonización)
por el arte indígena.

La convivencia entre ambas artes puede producir un sincretismo, o una aculturación o supresión
de las formas indígenas para dar paso a las del colonizador

a historia del arte colonial en Bolivia abarca el período desde la llegada de los españoles en el
siglo XVI hasta la independencia a principios del siglo XIX. Este arte se caracteriza por la fusión
de tradiciones indígenas y europeas, creando un estilo único que refleja la compleja realidad
social y cultural de la época.

Se denomina arte colonial a aquella a la manifestación artística que se produjo en el continente

americano durante el período de la colonización española hasta su finalización.

Durante esta época, el choque ambas culturas produjo cambios radicales. Por un lado, los
colonos querían crear una nueva sociedad y los por otro lado, los indígenas debían adaptarse a
un nuevo estilo de vida en la que se veían obligados a olvidar su pasado.

Se produce entonces una manifestación artística que se basa en la imposición europea sobre la
indígena. Para los colonizadores, el arte aborigen carecía de importancia . El principal motivo
era la evangelización por parte de la iglesia católica, muchas obras son de carácter religioso.

Sin embargo, en cada escultura, pintura y catedral, en su intento por digerir la cultura que les
era implantada, los aborígenes introdujeron sus propios elementos. De esta manera se
mezclaron ambas culturas pero, siempre la aborigen por debajo de la europea.

Se inició aproximadamente en el año 1524, con el comienzo de la colonización española y llegó

a su fin aproximadamente en el año 1810. Durante los inicios de la independencia americana,
las nuevas manifestaciones artísticas no se enfocaron en las imágenes religiosas características
de Europa, sino que buscaron consolidar sus propias características, para ello tomaron el arte
neoclásico e imitaron ciertas representaciones.

3.2 EDAD ANTIGUA

Los pueblos colonizadores históricos de la Edad Antigua (griegos, fenicios y cartagineses)
ejercieron ese papel en el espacio del Mediterráneo Occidental, aunque ellos mismos también
sufrieron las influencias artísticas de las civilizaciones del Próximo Oriente Antiguo (Egipto,
Mesopotamia).

Lo ibero en la península ibérica es esencialmente un resultado de la influencia cultural de los

pueblos colonizadores sobre el sustrato indígena, y en el arte ibero tiene una de sus más claras
expresiones.

3.3 EDAD MODERNA Y EDAD CONTEMPORANEA

-HISPANOAMERICA
El arte colonial hispanoamericano o arte virreinal americano es el desarrollado en las colonias
españolas en América, desde su descubrimiento por Cristóbal Colón en 1492 hasta la
independencia de los diversos países americanos a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y
Puerto Rico en 1898). Los españoles llevaron al nuevo continente su idioma, cultura, religión y
costumbres, los cuales impusieron a la población indígena, que anteriormente había
desarrollado grandes civilizaciones como la maya, la azteca y la inca. Así, el arte colonial será fiel
reflejo del arte efectuado en la metrópoli, suponiendo el final de las representaciones artísticas
autóctonas, el arte precolombino. Vemos por tanto en el arte colonial los mismos estilos
artísticos que se desarrollan paralelamente en el continente europeo, principalmente el
Renacimiento, el Barroco y el Rococó.

La llegada de los conquistadores supuso una gran revolución sobre todo en el terreno de la
arquitectura, con la traslación de las diversas tipologías de edificios propios de la cultura
europea: principalmente iglesias y catedrales, dado el rápido desarrollo de la labor de
evangelización de los pueblos nativos americanos, pero también edificios civiles como
ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios y villas particulares. En el terreno religioso,
se dio a menudo la circunstancia de que muchas iglesias fueron construidas sobre antiguos
templos indígenas. Aun así, frecuentemente se produjo una síntesis entre los estilos
colonizadores y las antiguas manifestaciones precolombinas, generando una simbiosis que dio
un aspecto muy particular y característico a las originales tipologías europeas. Así, observamos
cómo las principales muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros geográficos de
más relevancia en la era precolombina: México y Perú. En pintura y escultura, en las primeras
fases de la colonización fue frecuente la importación de obras de arte europeas, principalmente
españolas, italianas y flamencas, pero enseguida comenzó la producción propia, inspirada en
inicio en modelos europeos, pero incorporando nuevamente signos distintivos de la cultura
precolombina.

-BRASIL
De manera general, tanto en la época colonial como durante el siglo XIX la matriz cultural de
origen europeo fue la más valorada en Brasil, mientras que las manifestaciones culturales afro-
brasileñas fueron muchas veces despreciadas, desestimuladas y hasta prohibidas. Así, las
religiones afro-brasileñas y el arte marcial de la capoeira fueron frecuentemente perseguidas
por las autoridades. Por otro lado, algunas manifestaciones de origen folclórico, como las
congadas, así como las expresiones musicales como el lundu, fueron toleradas y hasta
estimuladas.

Sin embargo, a partir de mediados del siglo XX, las expresiones culturales afro-brasileñas
comenzaron a ser gradualmente más aceptadas y admiradas por las élites brasileñas como
expresiones artísticas genuinamente nacionales. Ni todas las manifestaciones culturales fueron
aceptadas a la vez. El samba fue una de las primeras expresiones de la cultura afro-brasileña en
ser admirada cuando ocupó una posición destacada en la música popular, en el inicio del siglo
XX.

3.4 ARTE COLONIAL AFRICANO

-FIGURILLA DE COLONO
Las figurillas de colonos son un género de escultura figurativa de madera del arte africano que
se originó durante el período colonial africano. Las estatuas comúnmente representan a los
funcionarios coloniales europeos, como oficiales, médicos, soldados o técnicos o africanos de
clase media europeizados A menudo se caracterizan por motivos decorativos recurrentes, como
cascos salacot, trajes, uniformes oficiales o pipas de tabaco, y están pintados en colores
brillantes con pinturas a base de pigmentos vegetales.

Como género, las estatuas de colono se originaron en África Occidental, aparentemente entre
los Baulé en Costa de Marfil. Logró popularidad internacional tras la Segunda Guerra Mundial y
después de la descolonización. Se ha argumentado que el género se originó como una respuesta
artística africana a la colonización y a la represión a manos del estado colonial. Se debate si las
estatuas fueron vistas originalmente como caricaturas satíricas de funcionarios coloniales o
simplemente representaciones de nuevos temas en estilos locales. Los antropólogos también
debaten si las estatuas originales estaban destinadas a ser puramente ornamentales o si
también tenían una función ritual.

Entre los artistas notables que trabajaron en el estilo se encontraba el nigeriano Thomas Ona
Odulate , cuyas obras se exhiben ampliamente en museos de los Estados Unidos y Europa.

Hoy en día, las estatuas de colono se producen ampliamente como recuerdos turísticos en África
occidental y central.

3.5 ARTE COLONIAL ASIÁTICO

-INDIA
Gran Bretaña ocupó la India en 1757, tras derrotar a Francia que también estaba interesada en
colonizar el país en la guerra de los Siete Años. La ocupación británica supuso la proliferación
de un estilo colonial que aportó al arte indio los lenguajes estilísticos europeos. Tuvo bastante
repercusión la influencia del arte francés, sobre todo por la presencia de militares franceses que
asesoraban a los mahārājas indios en su lucha contra los ingleses en los primeros años de
ocupación, como podemos percibir en Nagpur, Baroda y Hyderabad. También floreció un estilo
arquitectónico de origen portugués (Portugal tenía asentamientos en Goa, Damao y Diu), de
formas barrocas mezcladas posteriormente con elementos hindúes, como la catedral de Goa
(1562-1619) y la Basílica del Buen Jesús de Goa (1594-1605), que alberga la tumba de San
Francisco Javier. El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la
Humanidad en 1986

a conquista británica trajo un estilo colonial de gusto neoclásico bastante parecido al realizado
coetáneamente en Estados Unidos: Fuerte de San Jorge de Madrás (1644-1714), catedral de
Santo Tomás de Bombay (1718). En 1690 se fundó la ciudad de Calcuta como sede de la
Compañía Británica de las Indias Orientales, pasando en el siglo XVIII a ser sede de la
administración británica. Una de sus primeras construcciones fue el Fuerte Williams (1700-
1716), al que siguieron edificios como la catedral de San Juan (1787) y el palacio Raj Bhavan sede
del virreinato (1798-1805), La ciudad se construyó según un proyecto donde se distinguían los
grandes espacios ajardinados, como el Parque Maidan, el Dalhousie Square, la Government
Place, el Zoo y el Botánico.

El siglo XIX se caracterizó por el empleo de un estilo neogótico victoriano, sobre todo en edificios
oficiales. Una de las ciudades en adquirir mayor esplendor durante el siglo XIX fue Bombay,
donde se ejecutaron los principales proyectos arquitectónicos coloniales de la época:
Ayuntamiento (1855), Iglesia Afghan Memorial (1857), Mercado Crawford (1867), la Torre
Rajabai (1874) y la Estación Victoria Terminus (1878-1887). En Calcuta se construyeron: el
Hospital (1835), la Catedral de San Pablo (1840-1847), la Universidad (1857), la Madrassa (1871)
y el Indian Museum (1875).

asta mediados del siglo XIX y debido al levantamiento cipayo de 1857 no hubo un cierto
renacimiento de la arquitectura india, con un estilo inspirado en el arte islámico sirio, llamado
(estilo angloíndio): Palacio de Laxi Vilas (Baroda); en Calcuta, el Puente Howrah (1910) y el
Victoria Memorial Hall (1912); en Bombay, el Museo Prince of Wales (1909), la Universidad
(1909), el edificio de Correos (1909), el Hotel Taj Mahal (1911) y el arco de triunfo Gateway of
India (1911). Entre 1911 y 1930 se construyó la nueva capital, Nueva Delhi, según un proyecto
de Edwin Lutyens y Herbert Baker, siguiendo un plano urbanístico en forma estrellada, en el que
se repartían los diversos edificios oficiales, como el Rashtrapati Bhavan (Palacio Presidencial), el
Parlamento, los Secretariados, la Biblioteca y el Museo Nacional

El arte tradicional tuvo escasas realizaciones de relevancia, destacando la construcción de la

ciudad de Yaipur, capital de Rayastán (1728), llamada la «ciudad rosa» por estar toda pintada
en color terracota. Entre sus edificios resaltan el Palacio del Mahārāja (1728), la Torre Ishvarlat
(1743) y el magnífico Hawa Mahal o «Palacio de los Vientos» (1799), con su famosa fachada
porticada construida con jalis (celosías de piedra) en color rosado y blanco, que servía de
mirador para las mujeres del harén del mahāhāja. También destaca el Jantar Mantar (1728), un
observatorio astronómico construido en mármol y arenisca, que cuenta con relojes de sol,
calendarios, astrolabios, etc

La implantación en la India de la Compañía Británica de las Indias Orientales que exportaba té,
café, arroz, azúcar, especias y productos textiles favoreció un curioso intercambio artístico: la
Compañía, interesada en realizar estudios cartográficos y etnográficos del subcontinente indio,
trajo artistas europeos para documentar los principales monumentos y paisajes indios, así como
sus gentes y costumbres; a su vez, el arte occidental influyó en los artistas locales, que
aprendieron la técnica de la pintura al óleo, así como la perspectiva y el claroscuro. Surgió así un
estilo denominado(arte de la Compañía), caracterizado por la técnica occidental aplicada a
representaciones de diversos elementos de la cultura hindú, generalmente en escenas
pintorescas de gusto burgués. Paralelamente, nació un estilo conocido como kalighat pat,
desarrollado en Calcuta, que mezclaba el arte popular indio con el realismo del arte occidental.

3.6 ARQUITECTURA COLONIAL

Durante los diversos períodos coloniales a diferencia de las ciudades europeas de la época que
eran una amalgama de estilos, paradigmas e ideales diferentes y muchas veces opuestos las
ciudades respondieron a preceptos homogeneizadores y ordenadores que expresaban cánones
y principios que pretendían instaurar una forma de vida y unos mecanismos ordenadores del
espacio público y privado.

La fundación de las ciudades coloniales era en sí una ceremonia que mezclaba ritos religiosos,
protocolos militares, actos políticos y prácticas urbanísticas. El fundador, casi siempre investido
de rango militar y de autoridad real, reclamaba en nombre de Dios y del Rey el derecho de dar
vida a una nueva villa, consagrada a un santo o a una advocación, que podía depender del lugar
de su natalicio, de rendir tributo al rey o una autoridad superior o que estaba relacionada con la
fecha y el santoral.
En los imperios español y portugués, el fundador y los militares de rango que formaban parte
de la expedición, se daban a la tarea de trazar y distribuir los predios: Una cuadra central vacía,
que se constituía en plaza mayor y en sus cuatro costados se asignaban predios a las
instituciones representativas del orden y la jerarquía colonial.

En América, la arquitectura también fue un vehículo para la evangelización. Con este objetivo se
destruyeron los templos ya existentes con el fin de erradicar las costumbres religiosas
locales.Los primeros conventos y las primeras iglesias, de estilo renacentista, tendrán aspecto
de fortaleza, debido al carácter de frontera de las Indias, como el convento de Acolmán o el
convento de Actopan, en México.

Para comprender la arquitectura colonial, es importante remontarnos al pasado y entender su

origen. Este estilo arquitectónico se desarrolló durante la época colonial, cuando las colonias
europeas establecieron su dominio en diferentes partes del mundo. Principalmente, nos
enfocaremos en la arquitectura colonial en América, donde las influencias española, portuguesa,
francesa y británica se fusionaron con las tradiciones locales.

La arquitectura colonial se caracteriza por su estética distintiva, que refleja una mezcla única de
estilos europeos y locales. Sus principales rasgos incluyen muros gruesos de piedra o adobe,
techos de tejas, balcones de hierro forjado, ventanas y puertas de madera tallada, así como
arcadas y patios interiores. Esta fusión de influencias da como resultado una arquitectura con
un encanto y una belleza excepcionales.

La historia de la arquitectura colonial se remonta a los primeros asentamientos europeos en

América. Durante el siglo XVI, España y Portugal establecieron colonias en América Latina,
dejando una huella arquitectónica profunda. Los colonizadores europeos importaron sus estilos
arquitectónicos, como el barroco y el renacimiento, y los fusionaron con la arquitectura local.

A medida que las colonias se desarrollaban, comenzaron a surgir nuevas variantes de la

arquitectura colonial. En México, por ejemplo, se fusionaron influencias indígenas y europeas
para crear la arquitectura colonial mexicana, caracterizada por su riqueza ornamental y el uso
de colores vibrantes. En cambio, en América del Sur, la arquitectura colonial se nutrió de
elementos tanto españoles como portugueses, generando estilos únicos.

Con el tiempo, la arquitectura colonial evolucionó para adaptarse a los diferentes contextos
geográficos y culturales de cada región. Se fusionaron estilos locales, europeos y africanos,
creando una rica diversidad arquitectónica que todavía es apreciada en la actualidad.

4. ESCULTURA COLONIAL
Con la llegada de las nuevas colonias a América y con el fin de expandir las creencias católicas
en todo el territorio, los misioneros necesitaban imágenes que pudieran ser utilizadas en las
ceremonias religiosas, además de permitirles decorar los nuevos templos e iglesias que iban
siendo construidos.

Para ello, los primeros misioneros que se establecieron en las nuevas colonias les enseñaron a
los indígenas las técnicas básicas de la escultura policromada, es decir, aquella en la que se busca
imitar las tonalidades exactas y la textura de la piel, y la técnica del estofado, la cual consistía en
tallar madera y aplicarle diferentes tonalidades.

 Realizaban esculturas en piedra y madera.

 Se inició con el motivo de hacer más fácil la evangelización.
 De acuerdo con las épocas, los escultores utilizaron colores oscuros o vivos.
 Aunque las esculturas eran comúnmente imágenes de santos o altares, a los indígenas
también les enseñaron orfebrería.

Durante el siglo XVI, las primeras esculturas eran elaboradas en piedra o madera, con tonos
oscuros como, negro, café y gris. Combinaron materiales de la región con técnicas europeas. Un
ejemplo de esto eran los cristos de caña de maíz.

Para los siglos XVII y XVIII, los escultores adquirieron tonos más vivos e incluyeron: verdes, rojos
y azules. Las esculturas se veían menos rígidas, más naturales y con más movimiento.

5. PINTURA COLONIAL
Las primeras manifestaciones artísticas de pintura colonial se basaron en el uso de las técnicas
de arte rupestre y, al igual que en el caso de la escultura, se introdujo la pintura colonial con el
fin de utilizarla en las ceremonias de evangelización.

Dentro de sus características generales podemos destacar que:

 Las pinturas se centraban principalmente en retratar temas religiosos y políticos.

 Se combinaron los diseños indígenas con los europeos.
 Los pintores no tenían la libertad de trabajar por inspiración propia, se regían por pautas
y tiempos específicos.
 Los retratos se comenzaron a elaborar en el siglo XVIII.
 Pintaban sobre tabla o tela.

En el siglo XVI se introdujo la pintura de caballete, se crearon las primeras escuelas de arte donde
se explicaron técnicas mixtas. Se buscó imitar las imágenes traídas de Europa y abarcar temas
religiosos dolorosos.

Los colores utilizados por los artistas provenían de pigmentos minerales y consistían en seis o
doce colores fríos, intensos y sombríos que le brindaban una especie de acabado metálico a cada
obra. Se destacan los siguientes colores: amarillo, rojo, naranja, azul, café, negro, verde y blanco.

Para los siglos XVII y XVIII, las pinturas adoptaron un colorido más vivo. Mediante el acentuado
de las luces y las sombras, las representaciones se volvieron más alegres y se enfocaron en la
glorificación de los santos, la glorificación de las iglesias, los rostros de las vírgenes y las
apariciones religiosas.

6. ARTISTAS DE EL ARTE COLONIAL

- JUAN DE AGUIRRE.- Activo en Santiago de Guatemala (hoy La Antigua Guatemala) en la
segunda mitad del siglo xvi, a donde llegó proveniente de Perú, aunque probablemente
era de origen español. Se desconocen sus años de nacimiento y muerte. Toda la
información sobre él proviene de fray Francisco Vázquez.
Hacia 1558 esculpió una Virgen de Concepción, llamada del Coro, para el Convento
franciscano de Santiago, que hoy todavía se venera en la iglesia de San Francisco de la
ciudad de Guatemala con el nombre de “Niña María”. De acuerdo a Vázquez, hizo
 además dos vírgenes que el Obispo fray Diego de Landa se llevó a Yucatán,
probablemente entre 1558 y 1560, una de Concepción, que se conoció como Nuestra
Señora de Izamal, que gozó de gran veneración y que se quemó en 1829, y otra de la
Natividad, con el Niño Jesús en brazos. Ingresó en Guatemala en la orden franciscana
con calidad de lego. Sin base alguna

- ALONSO DE LA PAZ.- La vida laboral la llevó a cabo en Santiago de Guatemala (hoy La

Antigua Guatemala), en la que gozó de fama y muchos encargos. En la década de 1560
aparece ya como maestro y se obligó a tallar imágenes en madera; siempre hacía el
trabajo “en blanco”, dejando la pintura y el encarnado a otro maestro. Hizo esculturas
procesionales y para retablos.
Las atribuciones por contratos son de piezas de mediana importancia. Trabajó varias
veces asociado al ensamblador A. Núñez, tomando a su cargo todas las esculturas del
retablo. Parece ser que tuvo amistad con el santo hermano Pedro de Betancourt, quien
lo disuadió de un matrimonio inconveniente. Las atribuciones más connotadas se basan
en la tradición: la imagen de San José en la iglesia de ese nombre, hoy en la ciudad de
Guatemala; el Nazareno de la Santa Cruz (hoy en La Merced de La Antigua) y el nazareno
llamado Jesús de los Milagros, hoy en el templo de San José en la ciudad de Guatemala.
Fue contemporáneo (aunque más joven) de M. de Zúñiga, y pueden considerarse ambos
autores de la alta calidad y fama que alcanzó en el siglo xvii la escultura policromada
religiosa de Santiago.
- MANUEL DE SAMANIEGO Y JARAMILLO.- fue un pintor y escultor ecuatoriano,
considerado uno de los últimos representantes de la escuela quiteña de arte. Su trabajo
se dividió entre los periodos históricos de finales de la dominación española en la Real
Audiencia de Quito, e inicios de la vida republicana independiente como parte de la Gran
Colombia. Es conocido por ser el último representante del arte colonial.
- GREGORIO VÁSQUEZ DE ARCE Y CEBALLOS.- También conocido como Gregorio Vázquez
de Arce (Santa Fe de Bogotá, 9 de mayo de 1638–1711), fue el pintor más importante
de la época del Nuevo Reino de Granada. Trabajó durante una era dominada por el estilo
barroco hispanoamericano que prosperó a partir de 1650 hasta 1750.
Vásquez ha sido considerado como el pintor más grande proveniente del territorio que
actualmente es Colombia. La mayoría de sus pinturas son religiosas en naturaleza, con
temas que incluyen la vida de Cristo y de la Virgen, de los santos, y de las escenas del
nuevo testamento.

7. LEGADO DE EL ARTE COLONIAL

El arte colonial dejó un legado duradero en la cultura boliviana, influyendo en el desarrollo
artístico posterior y contribuyendo a la construcción de una identidad nacional. Hoy en día, las
obras de este período son valoradas no solo por su belleza, sino también por su significado
histórico y cultural.

El arte colonial representa una síntesis de las tradiciones indígenas y europeas. Esta mezcla no
solo enriqueció las expresiones artísticas, sino que también permitió la preservación de
elementos culturales indígenas en un contexto de dominación.

El arte colonial ha contribuido a la formación de una identidad boliviana, donde elementos

indígenas y europeos se entrelazan. Esta dualidad se refleja en festividades, tradiciones y en la
producción artística contemporánea.
Hoy en día, muchas obras y monumentos coloniales son considerados patrimonios de la
humanidad. Esto ha impulsado iniciativas de conservación y promoción del arte colonial,
promoviendo el turismo cultural.

El legado del arte colonial en Bolivia es un testimonio de la riqueza y diversidad cultural del país.
Su influencia se siente en diversas áreas, desde la arquitectura y las artes visuales hasta la
identidad cultural, subrayando la importancia de esta herencia en el contexto contemporáneo

8. ARTE BARROCO EN BOLIVIA

El Barroco Andino o arquitectura mestiza es un movimiento artístico que apareció en el
virreinato del Perú ( América del sur) entre 1680 y 1780. Está ubicado geográficamente entre
Arequipa y el lago titi caca en la que ahora es Perú y Bolivia ,donde las reglas sobre las tierras
altas y se entiende por todo el altiplano. De la palabra portuguesa barrueco significa impuro,
moteado, extravagante, atrevido, el ejemplo más llamativo del arte barroco andino es la
arquitectura religiosa donde los artesanos indígenas le dieron un carácter único

El primero de la arquitectura barroca en el virreinato del Perú en 1630 y desarrollado sobre el

modelo español hasta finales del siglo XVII. Desde 1690

El arte barroco en Bolivia se desarrolló principalmente durante los siglos XVII y XVIII, en un
contexto de fuerte influencia colonial española. Este estilo se caracteriza por su exuberancia y
ornamentación, reflejando tanto la religiosidad de la época como la fusión de culturas indígenas
y europeas

9. CARACTERISTICAS DE EL ARTE BARROCO

Entre las características generales del arte barroco están su sentido de movimiento, la energía y
la tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenograficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.La insinuación de enormes espacios es frecuente en
la pintura y la escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco. Los pintores
pretendieron siempre la representación correcta del espacio y la perspectiva. El neutralismo es
otra característica esencial del arte barroco; las figuras no serepresentan en los cuadros como
estereotipos si no de manera individualizada, con su personalidad propia. Buscaban la
representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos
magníficamente reflejado en los rostros de sus personajes. El detalle del arte barroco hicieron
de el uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

10. ARQUITECTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA

La arquitectura barroca en Bolivia es un testimonio de la riqueza cultural y religiosa de la época
colonial. Se caracteriza por su exuberancia, ornamentación y una fusión única de estilos
indígenas y europeos. A continuación, se presentan algunos aspectos destacados:

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

 Fachadas Elaboradas: Las iglesias y conventos barrocos suelen tener fachadas

ornamentadas, con columnas salomónicas, relieves y esculturas. Este estilo busca crear
un impacto visual fuerte y atraer a los fieles.
 Uso de Materiales Locales: A menudo, se emplearon piedras locales en la construcción,
lo que permitió que las estructuras tuvieran un aspecto distintivo, adaptándose al
entorno.
  Interiores Ricamente Decorados: Los interiores de las iglesias barrocas están llenos de
dorados, frescos y esculturas que reflejan la religiosidad de la época, así como el talento
de los artistas locales.

EJEMPLOS DESTACADOS

 Iglesia de San Francisco (La Paz): Este templo es uno de los más representativos del
barroco en Bolivia. Su fachada está decorada con relieves y esculturas, y su interior es
igualmente impresionante.
 Catedral de Sucre: Aunque presenta elementos de diferentes estilos, su influencia
barroca es clara. La catedral destaca por sus altas torres y su rica ornamentación.
 Convento de San Lorenzo (Potosí): Este convento muestra una mezcla de barroco y
renacimiento, con una fachada que presenta una gran cantidad de detalles decorativos.
 Iglesia de Santo Domingo (La Paz): Su fachada destaca por la combinación de elementos
barrocos con influencias indígenas, un ejemplo claro de sincretismo.

La arquitectura barroca en Bolivia no solo fue un reflejo del poder colonial, sino que también se
convirtió en un símbolo de identidad cultural. La mezcla de técnicas y estilos resultó en una
herencia arquitectónica rica que sigue siendo apreciada y estudiada hoy en día. Muchas de estas
estructuras son Patrimonio de la Humanidad y continúan siendo centros de actividad cultural y
religiosa.

11. ESCULTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA

La escultura del arte barroco en Bolivia es un componente crucial de la expresión artística de la
época colonial, caracterizada por su emotividad, detallismo y la fusión de estilos europeos con
tradiciones indígenas.

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA BARROCA EN BOLIVIA

- Temática Religiosa: La mayoría de las esculturas eran de carácter religioso,

representando santos, vírgenes y escenas bíblicas. Estas obras buscaban educar y atraer
a los fieles.
- Exuberancia y Detalle: Las esculturas barrocas son ricas en detalles, con expresiones
faciales marcadas y vestimentas elaboradas. Se empleaban técnicas de dorado y pintura
para realzar el impacto visual.
- Fusión Cultural: Artistas indígenas adaptaron técnicas europeas, incorporando
elementos de la cosmovisión andina y materiales locales, lo que resultó en una estética
única.

EJEMPLOS DESTACADOS

- Esculturas de la Escuela de Potosí: Esta escuela es conocida por sus escultores

destacados como Francisco de la Cruz y su estilo particular que combina el barroco
español con influencias indígenas. Las esculturas de santos en la Catedral de Potosí son
ejemplos notables.
- Virgen de la Candelaria: La imagen de la Virgen de la Candelaria, que se venera en
diversas localidades, muestra una rica ornamentación y es un símbolo de la religiosidad
popular, fusionando tradiciones.
- San Lorenzo y San Francisco: Las esculturas de estos santos en diversas iglesias, como la
de San Francisco en La Paz, son representativas del detallismo y la devoción de la época.
 - Iglesia de San Miguel (La Paz): Sus esculturas talladas en madera son un buen ejemplo
de la mezcla de estilos, con representaciones de santos y escenas de la vida de Cristo.

TÉCNICAS Y MATERIALES

- Talla en Madera: Muchas esculturas fueron talladas en madera, que luego se doraba o
pintaba.
- Piedra: Algunas esculturas fueron realizadas en piedra, mostrando un nivel de habilidad
impresionante en el detalle.
- Policromado: La técnica de policromado (pintado en varios colores) era común,
añadiendo una dimensión vibrante a las obras.
- El legado de la escultura barroca en Bolivia se mantiene vivo en la actualidad, con
muchas de estas obras que son consideradas patrimonios culturales. Las esculturas no
solo representan un importante aspecto del arte colonial, sino que también son un
reflejo de la identidad y la historia de Bolivia.

12. PINTURA DE EL ARTE BARROCO EN BOLIVIA

La pintura barroca en Bolivia es un componente fundamental del patrimonio artístico del país,
caracterizado por su rica ornamentación, uso vibrante del color y fuerte influencia de la religión.
Durante los siglos XVII y XVIII, la pintura reflejó tanto el estilo barroco europeo como la
cosmovisión indígena, creando un resultado único

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCA EN BOLIVIA

- Temática Religiosa: Las obras suelen representar escenas bíblicas, santos y vírgenes. La
intención era educar a la población y fomentar la devoción religiosa.
- Exuberancia Visual: Las pinturas barrocas se caracterizan por su uso intenso de colores,
sombras y luces, creando efectos dramáticos y emotivos.
- Fusión de Estilos: Artistas indígenas incorporaron elementos de la cultura andina y
técnicas de la pintura europea, dando lugar a un estilo distintivo que combina ambas
tradiciones.

EJEMPLOS DESTACADOS

- Escuela de Cuzco: Aunque originada en Perú, esta escuela influyó notablemente en la

pintura boliviana. Sus obras, ricas en color y ornamentación, se pueden encontrar en
iglesias y conventos bolivianos.
- Pinturas de la Catedral de Sucre: Las obras de esta catedral son ejemplos emblemáticos
de la pintura barroca, con frescos y retablos que muestran la habilidad de los artistas
locales.
- Iglesia de San Francisco (La Paz): Esta iglesia alberga obras de notable calidad, donde se
fusionan elementos indígenas y europeos en la representación de santos y escenas
religiosas.
- Pinturas de la Virgen de Socavón: La representación de la Virgen en diversas obras
refleja la devoción popular y la influencia de las tradiciones locales.

TÉCNICAS Y MATERIALES

- Óleo sobre Lienzo: Se utilizaba principalmente la técnica del óleo, permitiendo una
mayor profundidad y riqueza en los colores.
- Frescos: En algunas iglesias, se emplearon frescos para decorar techos y muros, creando
un efecto envolvente.
- Retablos: La pintura también se integró en retablos, donde se combinaban esculturas y
pintura en un conjunto armonioso.
- El legado de la pintura barroca en Bolivia es significativo y se refleja en la identidad
cultural del país. Muchas de estas obras son consideradas patrimonio y continúan
siendo objeto de estudio y admiración. La mezcla de tradiciones indígenas y europeas
en la pintura barroca no solo enriqueció el arte, sino que también contribuyó a la
formación de una identidad cultural propia.
13. CONCLUCIONES
La historia del arte colonial y barroco en Bolivia es un reflejo de la compleja interacción entre
las culturas indígenas y la influencia española durante el periodo colonial. Este arte, que floreció
entre los siglos XVI y XVIII, se caracteriza por su exuberancia, riqueza ornamental y una profunda
devoción religiosa.

El arte colonial y barroco en Bolivia es un testimonio de la sincretización, donde se entrelazaron

tradiciones indígenas con estilos europeos, creando una identidad artística única y rica.

La temática religiosa predominante en la pintura, escultura y arquitectura refleja la importancia

de la Iglesia en la vida cotidiana y su papel en la educación y la espiritualidad de la población.

A pesar de las limitaciones impuestas por el colonialismo, los artistas bolivianos mostraron una
notable creatividad, adaptando técnicas y materiales a su entorno, lo que resultó en un arte
distintivo que ha perdurado a lo largo del tiempo , el arte colonial y barroco en Bolivia es un
valioso patrimonio que narra la historia de un país en el que la diversidad cultural y la creatividad
han encontrado formas de expresión perdurables a través de los siglos.
14. BIBLIOGRAFIA
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GEAAYFhgeMggQABiABBiiBDIIEAAYgAQYogQyCBAAGIAEGKIESLAkUPgEWLUgcAF4AZABAZgBtw
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gQYiQWYAwCIBgGQBgiSBwsxLjAuNS4yLjYtMaAH7yI

https://www.google.com/search?q=Arte+barroco+en+Bolivia+&sca_esv=85bbdc58692395e1&
sca_upv=1&sxsrf=ADLYWIL0InLhj5-
gFAJCdyz5taQOci2JfA%3A1727322986553&ei=atv0ZqyoIYH71sQPmO7egAk&ved=0ahUKEwish
ZrI29-
IAxWBvZUCHRi3F5AQ4dUDCBA&uact=5&oq=Arte+barroco+en+Bolivia+&gs_lp=Egxnd3Mtd2l6
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15. ANEXOS
- ARTE COLONIAL

• CATEDRAL METROPOLITANA
DE MEXICO
- PINTURA DEL ARTE COLONIAL

- ESCULTURA DEL ARTE COLONIAL