Cubismo

Introducción
El cubismo fue un movimiento artístico innovador del siglo XX que
revolucionó la representación visual, mostrando objetos desde
diversas perspectivas y utilizando formas geométricas.

El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo

XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los
pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le
considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en
su sentido contemporáneo.

El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una

auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se
basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que
supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más
conservadores.

El origen del cubismo se dio a inicios del 1900, cuando el español

Picasso, un joven artista que con el tiempo se convertiría en uno de
los más importantes y reconocidos de la historia, rompió con la
representación naturalista y sorprendió a todos con una obra llena de
figuras geométricas.

Antecedentes

Formalmente, el inicio del cubismo se produjo en 1907 cuando Pablo

Picasso presentó la pinta Les Demoiselles d' Avignon ("Las damas de
Avignon"), en la que incorporó influencias del arte africano y del
postimpresionismo que caracterizaba a Paul Cézanne.
Si bien Picasso y Georges Braque fueron las dos principales caras en
las tres etapas históricas del cubismo, su inspiración sirvió para que
varios artistas se sumaran al movimiento, entre los que destacan Jean
Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María
Blanchard y Guillaume Apollinaire.

El término “cubismo” fue adoptado por el crítico francés Louis

Vauxcelles, quien utilizó la frase “pequeños cubos y figuras
geométricas” para describir despectivamente una pintura. A partir de
entonces, las figuras con dichas características se reconocieron como
parte del cubismo.

Historia
El Cubismo, un movimiento artístico revolucionario del siglo XX,
surgió en las primeras décadas de la centuria como una respuesta
audaz a las convenciones artísticas establecidas. Fue desarrollado
principalmente por los artistas españoles Pablo Picasso y Georges
Braque.

El Cubismo se caracteriza por la representación de objetos y figuras

en formas geométricas simplificadas y la representación simultánea
de múltiples perspectivas en una misma imagen. Esta técnica rompió
con la representación tradicional de la realidad, descomponiendo
objetos en sus elementos básicos y reconstruyéndolos en un lienzo de
manera abstracta.

El Cubismo se divide en dos fases principales: el Cubismo Analítico y

el Cubismo Sintético. En la fase analítica, que se desarrolló entre 1907
y 1911, los artistas descompusieron las formas en fragmentos
geométricos y redujeron el uso del color. Las obras de esta etapa a
menudo desafían la identificación inmediata de los objetos
representados.

La fase sintética, que surgió a partir de 1912, introdujo la inclusión de

elementos reales, como recortes de periódicos o partituras, en las
obras. Estas incorporaciones dieron un giro hacia la experimentación
y la combinación de elementos visuales y materiales en una sola
composición.

El Cubismo tuvo un impacto profundo en el arte moderno y sentó las

bases para movimientos posteriores como el Futurismo y el
Constructivismo. Picasso y Braque, junto con otros artistas cubistas,
desafiaron las convenciones artísticas de su época y cambiaron para
siempre la forma en que entendemos la representación visual y la
realidad en el arte. Su legado sigue siendo influyente en el mundo del
arte contemporáneo.
Fases del cubismo
1. Protocubismo (1907-1909): se trata de la primera etapa del
cubismo, y que marcó el fin del impresionismo. También se lo
conoce como cubismo cezaniano, ya que estuvo marcada por
las representaciones vanguardistas y paisajes geométricos.
2. Analítica (1909-1912): la segunda etapa del cubismo tuvo lugar
entre 1907 y 1912. Aquí, las obras se dividen en planos que
representan la pintura desde diferentes ángulos y solían
utilizarse colores apagados y tonos oscuros.
3. Sintética (1912-1914): finalmente, la última etapa del cubismo
solía presentar obras con composiciones más planas, mientras
que los artistas comenzaron a agregar papel de diario y otros
objetos a las obras.

Características del Cubismo

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de

elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los
objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como
han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas
geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la
observación y el análisis.

 El cubismo representa a la realidad por medio de figuras

geométricas produciendo un efecto visual disruptivo y
fragmentado.
  Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un
lado los colores típicos del impresionismo, en los primeros años
de esta tendencia, la paleta monocromática era la única
herramienta válida para el pintor.
 El cubismo sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la
apariencia real de las cosas y su profundidad.
 En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve
discurso lingüístico, que le permitiera explicar la propuesta del
autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del
espectador.
 El cubismo es movimiento artístico de los más importantes de
todos los tiempos. Su estética es inigualable además de que
supuso una ruptura conceptual sin igual.
 Las figuras se compartimentan en cubos y prismas persiguiendo
que las composiciones puedan verse desde todos los puntos de
vista simultáneamente.
 Los cubistas siguieron buscando la inspiración en los referentes
del pasado: paisajes, retratos, bodegones.

En el cubismo, aparte de utilizar pintura para crear obras,

introdujeron nuevos materiales en el proceso; naciendo así los
collages, que mezclan el óleo habitual con plásticos, papeles,
metales, cuerdas u otros objetos de uso diario.

Artistas
El cubismo acobijó a muchos artistas como André Derain, Fernand
Léger, Albert Gleizes, Jean Metzinger, María Blanchard, Henri Le
Fauconnier, y muchos otros. Dentro del grupo, las personalidades
más importantes, tanto en su creación como en su desarrollo, fueron
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
Pablo Picasso

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en

Madrid hasta que en 1900 se trasladó a París, donde estudió y pasó la
mayor parte de su vida. Se le atribuye la creación del cubismo a partir
del lienzo Las señoritas de Avignon de 1907. En su edad madura fue
aproximándose una vez más al figurativismo. Una de sus obras más
célebre es el cuadro Guernica, inspirado en la guerra civil española.

Georges Braque

Fue pintor y escultor. Estudió en París en la Academia Humbert y en la

Escuela de Bellas Artes. Tras conocer a Picasso y su cuadro Las
señoritas de Avignon, su obra dio un giro y trabajó codo a codo con el
pintor malagueño, desarrollando el máximo potencial del movimiento
cubista. Fue el creador del collage.

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881. fue

bautizado como Pablo Diego José Francisco de Paula Juan
Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad.
Su padre era José Ruiz, pintor y profesor de Dibujo en la Escuela de
Artes y Oficios, y su madre fue María Picasso.

Durante 1897-1898 estudió en Madrid, en la Academia de San

Fernando. Y se deleitó con el Museo del Prado. Regresó a Barcelona.
Allí concurría al Café "Els Quatre Gats", lugar de reunión de
intelectuales y artistas, y en 1900, en una de sus salas realizó su
primera Exposición individual. Luego viajó a París, pues uno de sus
cuadros, "Últimos momentos" había sido seleccionado para
representar a España en la Exposición. Fue subyugado allí por el
Louvre y el Luxemburgo, así como por las pinturas de Toulouse-
Lautrec, Renoir, Degas, Manet, Van Gogh.

Al año siguiente, en 1901, Picasso volvió a París y presentó la Primera

Exposición personal allí, y comenzó a firmar sus cuadros con el
apellido materno. Se va alejando de Barcelona después de ires y
venires y en 1904 se radica en París. Dos años después, en Gósol,
pueblo del Pirineo catalán, donde se nutre del arte ibérico y románico,
y el artista comienza a realizar esculturas.

En 1906 conoció a Matisse y a Derain; en este año muere Paul

Cézanne. Pablo Picasso va experimentando y definiendo su arte hacia
el cubismo, y en 1907 pinta "Les demoiselles d'Avignon". Pero se
presentó al público recién en 1916, pues su estilo causó mucho
desconcierto.

Después de esta etapa del cubismo inspirado en Cézanne, sobrevino

en 1909 el cubismo analítico, en que Picasso y Braque descomponían
las imágenes en pequeños elementos hasta llegar a hacer
irreconocibles los objetos; y a partir de 1912 comenzó el cubismo
sintético. Picasso logró un desahogo económico que le fue
permitiendo vivir más confortablemente.

En 1918, estando en Italia se casó con la bailarina rusa Olga Koklova.

También en esta época Picasso abandonó el cubismo y se inspiró en la
tradición clásica. Sus cuadros ya se cotizaban muy bien, y En 1921
nació su hijo mayor, Paul, al que pintó en "Paúl de arlequín".

Alrededor de 1925 comenzó a participar en el movimiento surrealista,

pero se apartó para continuar su propia expresión artística.

Picasso en 1927 inició su relación con Marie-Térese Walter, aunque se

separó de su primera esposa en 1935, cuando nació su hija Maya, de
este amor. Algún tiempo después compartió su vida con una nueva
compañera, Dora Maar.El estallido de la civil española lo empujó a
una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus
obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943
conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y
Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para
instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes
predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras

clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961
Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería
su última relación sentimental de importancia.

Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la

vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de
Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando
incansablemente hasta el día de su muerte, el 8 de abril de 1973.

Juan Gris

Su nombre verdadero era José Victoriano González-Pérez. Fue pintor e

ilustrador. Se mudó a París huyendo de la milicia y encontró
residencia en el mismo edificio que Picasso y Braque. Se integró al
cubismo a partir de 1910 y dejó la ilustración. Trabajó con una técnica
de collage específica conocida como papier collé, que usa papel,
cartón y periódico. Dio gran desarrollo al colorismo dentro de su obra
cubista, a la que se apegó toda su vida.

Cuando Juan Gris se dio a conocer como pintor en el Salon des

Indépendants de 1912, su obra ya era plenamente cubista y estaba
dotada de esa reflexión intelectual que marcará toda su pintura. Un
año más tarde Guillaume Apollinaire le dedicaba un apartado en Les
Peintres cubistes, y lo definía como «el hombre que ha meditado
sobre todo lo moderno».
Este pequeño Bodegón sobre papel repite la misma composición
vertical y geométrica de otras obras de Juan Gris fechadas en 1913 y
está directamente relacionado con otro dibujo realizado en carboncillo
ese mismo año, perteneciente a una colección privada. En ambas
composiciones aparecen varios objetos, algunos representados de
forma bastante realista. Aunque no se trata de un papier collé,
Chistopher Green considera que no es un boceto previo de otra obra,
sino un dibujo independiente, con entidad propia, como lo eran
también otros muchos realizados por Gris en 1913.

El marchante del pintor y el primer propietario del cuadro, Daniel-

Henry Kahnweiler, certificó el dibujo, y su autoría fue confirmada en
1976 por el historiador Douglas Cooper y por George González Gris en
1993.

Fernand Leger

intor francés. A pesar de sus inicios impresionistas, Fernand Léger

emprendió pronto una obra personalísima, cuya principal
preocupación fue la búsqueda de un nuevo ritmo mediante la
oposición de las formas y el contraste de los tonos (Desnudos en el
bosque, 1909-1910; La mujer de azul, 1912). A partir de 1913,
volcado de lleno en la abstracción, desarrolló una concepción
dinámica de la pintura basada en la intensidad de contrastes y de
colores (series de Contrastes de formas).

Después de la Primera Guerra Mundial, adoptó el figurativismo sin

modificar por ello su estilo, y relacionó en sus cuadros imágenes muy
esquemáticas, de la vida real o soñada, con otras de la vida cultural
(La partida de cartas, 1917; El mecánico, 1920). A partir de este
último año se dedicó a plasmar escenas de interior con figuras, vistas
urbanas y naturalezas muertas (El gran almuerzo, 1921).
En 1924 fundó un taller libre junto con Amédée Ozenfant y encaminó
su actividad hacia nuevos horizontes: decorados para teatro y cine (El
ballet mecánico, 1924), murales (para la exposición internacional de
Bruselas de 1935), mosaicos (iglesia de Assy, 1946), vidrieras
(universidad de Caracas, 1954), cerámica y esculturas policromas.
Poco a poco, su pintura fue evolucionando hacia un realismo más
acentuado (La Gioconda de las llaves, 1930), que, en ocasiones,
estaba caracterizado por el tratamiento de la figura humana en grupo
y el dibujo preciso y bien delimitado.

Su exilio en Estados Unidos (1940-1950) reafirmó su interés por la

vida moderna y por el estudio del movimiento de las figuras en el
espacio, que cada día puso más de manifiesto en sus obras. Las
composiciones figurativas que siguieron presentan disociaciones
entre la línea y el color y desarrollan temas de la vida popular (ocio y
trabajo): series de los Ciclistas, de los Constructores y de las Giras
campestres. En 1954 concluyó La gran parada, síntesis de su arte.

Pintor de nuestro tiempo, de la máquina y de la civilización urbana

surgida de la revolución industrial, Fernand Léger constituye, según
muchos historiadores del arte, el antecedente directo y precursor del
pop art de Andy Warhol y del neorrealismo. En 1960 fue inaugurado
en Biot (Alpes Maritimes) el museo Fernand Léger, convertido en
museo nacional en 1967. Sus principales escritos se encuentran
recogidos en el volumen Fonctions de la peinture (1965).
Obras destacadas
Houses at L’Estaque (Georges Braque)

Esta es una de las obras más representativas de la etapa cubista de

Braque. Todos los elementos de este paisaje se han geometrizado, o
cubificado, de forma muy intensa y lo que parece más importante.

La organización de la imagen en su conjunto se apoya sobre una

retícula de ejes que nada debe ya a la representación del paisaje
original, o de la impresión recibida al captar el paisaje: el cuadro pide
una estructura independiente de la que el paisaje visto, empírico,
puede proporcionar; los motivos anecdóticos, los árboles, las casas,
los arbustos, parecen ser meros pretextos para la exposición de esa
representación reticular.

La composición parece caótica y desordenada, bloques de casas

esquematizados al máximo por cubos y pirámides se mezclan con
formas redondeadas y cilíndricas de los árboles y la vegetación. Los
colores son obscuros, destacando las gamas de ocres, verdes
obscuros y grises. La vaga ilusión de profundidad es conseguida a
razón de repetir los mismos esquemas a escala más reducida.
Still Life with a Bottle of Rum (Pablo Picasso)

El último cuadro que Picasso realizó en Horta de Ebro, Naturaleza

muerta con botella de licor, muestra la evolución del artista desde un
cubismo todavía ligado a la representación de lo real hasta un
cubismo más estrictamente analítico. Esta naturaleza muerta se
diferencia de las que aparecen en Mujer con peras y en Mesa con pan
y frutero por la descomposición de los planos en pequeños
fragmentos. Prefigura las obras de 1910, en las que los objetos
concretos casi no serán identificables. Inicia así una tendencia a un
hermetismo que será erróneamente interpretado por algunos como
abstracto. Antes bien, el vínculo con la realidad es siempre muy
fuerte en la obra de Picasso. Los caracteres tipográficos, los
elementos identificables y la inserción de materiales tomados del
espacio cotidiano son síntomas de un arte que quiere cualquier cosa
menos la abstracción y que, por el contrario, busca recomponer las
diminutas facetas mediante las leyes interiores y exteriores de las
cosas y de las personas representadas. Éstas son sentidas y vistas en
su esencia volumétrica y en su existencia en el espacio. En este
cuadro, efectivamente, se puede reconocer claramente, a pesar del
fraccionamiento analítico de los volúmenes y de los planos, la botella
de licor.
The Card Players (Fernand Leger)

La pintura de Leger " Soldados jugando a las cartas ", también

conocida como "The Card Party" o "The Card Players", ilustra su
transición a este período "mecánico". Basado en bocetos de sus
compañeros de infantería, fue pintado mientras estaba hospitalizado
en París después de ser gaseado durante la Batalla de Verdún, y sigue
siendo el más grande y mejor compuesto de sus pinturas de guerra.
En la superficie, no hay nada especialmente trágico en el trabajo,
aunque sí refleja la profunda afinidad que sentía por sus camaradas
del ejército, un sentimiento que cambió su actitud hacia la vida y el
arte. Sobre todo, refleja su fascinación por la mecanización de la
guerra, y lo que llamó la "extraña belleza" de las ametralladoras y los
obuses.

Aunque al principio es difícil identificarlos, la imagen muestra a tres

soldados sentados alrededor de una mesa jugando a las cartas. El
más destacado de ellos (izquierda) lleva una medalla en el pecho,
junto con el tradicional sombrero rojo del ejército francés, que Leger
representa simultáneamente desde dos puntos de vista diferentes, en
un verdadero estilo cubista. La cabeza, los brazos y el torso del
hombre se muestran como si fueran partes constitutivas de una
máquina geométrica. El segundo jugador de cartas (centro) es un
sargento, a juzgar por las rayas de su uniforme. Él también usa una
gorra roja y fuma una pipa mientras sostiene sus cartas en su mano
izquierda. El jugador número tres (derecha) está representado en
tonos más oscuros y usa un casco de acero en lugar de una gorra.
También tiene una tubería, pero el humo que emite se representa con
una forma geométrica sólida, en lugar de la calidad vaporosa de un
gas.
Bibliografía
1. Imaginario, A. (2023, 19 septiembre). Cubismo: qué es,
características, autores y obras. Cultura Genial.
https://www.culturagenial.com/es/cubismo/
2. Imagen Digital. (2023). Figuras geometricas en el arte y
Publicidad,
https://imagendigital1000.blogspot.com/2024/03/figuras-
geometricas-en-el-arte-y.html.
3. Clarin.com. (2021). Cubismo: origen, características, figuras y
representantes - Clarín, https://www.clarin.com/viste/cubismo-
origen-caracteristicas-figuras-
representantes_0_q3gfRvmrwW.html.
4. Cruz, E. (2024, 7 febrero). Cubismo: definición, características,
obras. Arte Historia. https://artehistoria.online/cubismo/
5. I.E.S. (2020). Picasso: Vida y Obra,
https://www.iespablopicasso.info/web20/index.php/inicio-
portal/picasso-vida-y-obra.
6. I.E.S. (2020). Inicio - I.E.S. Pablo Picasso,
https://www.iespablopicasso.info/web20/index.php/8-inicio.
7. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. (s. f.). Bodegón.
https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/gris-juan/bode
gon
8. Biografia de Fernand Léger. (s. f.).
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/leger.htm.
9. Georges Braque - Paisatge de l'Estaque,
http://www.xtec.cat/~jarrimad/contemp/braque.html.
10. Picasso - Naturaleza muerta con botella de licor -
slobidka.com, https://www.slobidka.com/pablo-picasso/122-
picasso-naturaleza-muerta-con-botella-de-licor.html.
11. Soldados jugando a las cartas, Fernand Leger: análisis -
Gallerix.ru, https://es.gallerix.ru/pedia/paintings-analysis--
soldiers-playing-at-cards/.