El Art Nouveau

El Art Nouveau es un movimiento artístico y de diseño que alcanza a todas las manifestaciones artísticas, desde jarrones,
ropa, indumentaria, arquitectura... Llega a todos los rincones de la creación artística incluso a la literatura, la música...

Su nombre proviene del marchante de srte Samuel Bing, quin tituló su galería L’Art Nouveau, tenía el propósito de renovar
las artes plásticas y en ella expusieron importantes diseñadores de toda Europa, entre ellos Van de Velde, René Lalique,
Émile Gallé...

Este es un movimiento que también responde a los problemas del diseño, una respuesta al igual quel Arts and Crafts, ante
ese mal gusto burgués y victoriano pero muy diferente a este.

La clase dominante del sistema será la burguesía y van a destacar la demanda de unos objetos “ bellos y de calidad”
accesibles a todas las escala social. Se emplea la tradición para crear un nuevo estilo electicista que buscará superar los
modelos antiguos y desarrollar un nuevo estilo y adecuado para la nueva civilización industrial.

El Art Nouveau destaca por romper con la separación entre artes mayores y menores, buscando la unificación ideal
de ambas.

El soplado de cristal va a ser un elemento fundamental en el Art Nouveau y la introducción de nuevos pigmentos en este,
como por ejemplo la lámpara Tiffany, joyería, jarrones...
Cronología y contexto:

-Su época de máxima esplendor fue la última década del siglo XIX y principios del XX (época de las vanguardias)
-El nacimiento del capitalismo va a generar una sociedad más desarrollada e industrializada con un gran crecimiento
del comercio, la avanzada comunicación, sistemas de transporte...
-Las ciudades debían tener un mercado potente y un carácter mercantil muy desarrollado que favoreció la rápida
expansión del movimiento por Europa
-Burguesía compradora

Características:
-Alcanza todas las manifestaciones artísticas: literatura, diseño de moda, cartelería, joyería, arquitectura...
-Luchó contra el historicismo y el eclecticismo propio de épocas pasadas como el estilo clásico y lo victoriano.
-Manifestación en diversas artes y artesanías: Arquitectura, obras gráficas, artes aplicadas
-Uso de elementos de origen natural, vegetales y formas redondeadas y orgánicas entrelanzándose con un motivo
central
-Uso de la línea curva y la asimetría
-Tendencia a la estilización de los motivos, aparte de representarla también buscan embellecer la naturaleza.
-Uso de imágenes femeninas de forma delicada y gráciles, con ondas en los cabellos y pliegues de las vestimentas
-Tienden a la sensualidad y la complacencia de los sentidos
-Uso de motivos exóticos, de fantasía o inspiradas en distintas culturas, como el uso de estampas japonesas
-Los elementos orgánicos se envuelven uniéndose con el elemento decorativo principal.

Dependiendo del país, el Art Nouveau se va a denominar de una forma diferente:

-Francia: Art Nouveau

-Inglaterra: Modern Style
-Alemania: Jugendstil
-Italia: Stile Liberty
-Viena: Secession
-España: Modernismo
Arts and Crafts vs Art Nouveau

Mientras que el Arts and Crafts tenía un plan político, moral y filosófico con el que intentaban mejorar la sociedad, el
Art Nouveau no tiene ningún concepto o filosofía a seguir, simplemente producían obras que solo podía pagar la
burguesía, la ornamentación floral también va a estar presente en ambos, pero el Arts and Crafts es más rústico,
grueso, bruto... mientras que el Art Nouveau es más delicado, etéreo, estilizado.. Pero también es más decadente, es
decir nostálgico como de otra época y también tiene una mayor complejidad técnica.

Objetivos (estéticos):

-Superar los modelos antiguos (el victoriano)

-Encontrar un estilo nuevo que aprovechase las bondades de la industria (como materiales y rapidez de construcción)
pero que se alejase de la “fealdad estética industrial”

¿Por qué el Art Nouveau es importante en su época?

-Supera el dualismo entre artesanía e industria. Combinando el trabajo en conjunte entre ambos. Aunque no se va a
tratar de una industria como tal, sino de una protoindustria. Es decir, una producción artesanal en cadena que con
varios artesanos, se reproduce una sola pieza de arte varias veces, ampliando y reproduciendo así la producción de
forma más rapida a la tradicional.
-El producto industrial debía tener un principio de calidad
-Las formas están por encima de la función, siempre bellas, con ritmo o musicalidad destacando sobre la función
-Introducen el concepto de seriación y multiplicidad en la pieza, valorando la repetitividad infinita frente al valor
único del producto. (Multiplicar una obra de arte para ganar más dinero)

Tendencias

El Art Nouveau tiene dos vertientes;

-La organicista o decorativa (que va a protagonizar Francia)
-La geométrica o Severa

Art Nouveau Organicista:

Influencia:
-Del Arts and Crafts y eclecticismo de la época (gusto victoriano, arte,
celta, rococó y Oriente)
-Naturaleza: formas orgánicas, estilizadas, refinadas, sofisticadas
y coloristas
-Las líneas onduladas, la sinuosidad, la forma curvilínea lo invade todo. La
línea se vuelve caprichosa, recorre toda la superficie de los objetos
generando un ritmo y confundiéndose con la estructura y predomina la
asimetría.
-La decoración enmascara el objeto. La forma gana a la función.
-Bélgica, Francia y España

Henry Van de Velde equiparaba la capacidad creadora de expresar la línea del

creador con la propia línea de la naturaleza. Equiparaba la verdadera naturaleza con
el diseño.

Un ejemplo es su mesa escritorio o el candelabro donde destacan la influencia de la

naturaleza, con las formas Organicistas y la preminencia de la línea con sus líneas
onduladas. Inspirados en frutos, tallos, ramas y flores...
Bélgica:

El Art Nouveau se introdujo en Bélgica, gracias al interés del abogado Octave Maus, quién fundó en 1881 la revista
L’Art Moderne, y además crea una asociació de pintores llamada El círculo de los veinte, formada por 20 artistas
novedosos para el momento.
En Bruselas se permitió la incorporación de este movimiento debido a su progresismo económico, su renovación del
gusto y mecenas dispuestos a pagar ciertos experimentos del diseño.
En la influencia de Bélgica van a estar muy presentes Morris, Ruskin y Viollet-le-Duc

Otra de las claves fue la influencia del arquitecto Viollet-le-Duc. A partir de quién Víctor, Horta y Guimart,
inventaron la arquitectura del “ nuevo arte” dónde está clara la aparición del hierro como material dúctil, moldeable,
esbelto, pero enérgico y muy estético y su combinación con el vidrio. Y es un buen ejemplo del punto nostálgico que
tiene el Art Nouveau, que amaba tando la Edad Media que quiso llevar la Catedral de Notredame a un punto de
explendor que nunca existió en la Edad Media.

Víctor Horta

Nació en Bélgica y es el diseñador organicista más elegante tano en la arquitectura como en el diseño de inmoviliario,
tiene la capacidad de hacer que la línea recuerde a una flor pero que no sea figurativa sino que devoque a una flor.

-Adoptó un proyecto global, integrando en sus proyectos, tanto el diseño de un edificio como sus interiores.
-Es uno de los grandes divulgadores de las líneas sinuosas y curvilíneas, abstracciones de motivos florales
-Dominaba todos estos materiales; hierro, acero, vidrio, piedra, madera
-Tiene unidad estética, lo diseña todo en una arquitectura, el diseño del suelo, la decoración, los pilares... tiene una
mente global en el diseño para realizar una obra de arte total

Su obra más importante es el Hotel Tassel, este es un diseño total, porque al reformarlo se encarga de diseñar todos
los elementos que lo compone, como su icónica escalera con escalones redondeados, la pintura de la pared con motivos
florales, el mosaico del suelo, las columnas de hierro colado que parecen tallos de flores...

Otra obra es el Hotel van Eetvelde en Bruselas donde destaca la techumbre de cristal y el uso del hierro colado.

Henry van de Velde

Este pasó de ser botanicista a tener un estilo de Art Nouveau severo, es considerado como el referente para
movimientos posteriores como Bauhaus, además de que de él nació la teoría de la línea como medio abstracto de
expresión.

-Este se inició en la pintura

-Formó parte de L’Art Independent (el grupo de los artistas independientes) y de Les Vingt (el grupo de los 20
artistas belgas, el origen del art nouveau en bélgica)
-A partir de la década de los 90 abandona la pintura y se introduce en el diseño influido por el Arts and Crafts
(Ruskin y Morris) por lo que va a tener un estilo muy recargado y tal, y va a estar muy conectado con su filosofía
política, es decir la conexión entre el arte y la vida, el diseño y la vida, un objeto feo produce una sociedad fea....
-Rechaza su nostalgia por el pasado (rechaza la estética medieval)
-desarrolla sus principios morales (reforma social, trabajadores felices) (filosofia arts and crafts)

-Este hace un uso racional del adorno y su diseño evolucionó hacia un estilo menos decorativo, más funcional y
abstracto (precedente del movimiento moderno)
También hacía diseño de tapices y de moda.

-En 1894 publica un texto muy importante llamado Déblaiments d’art y empieza a dar clases de arte para la
industria y la ornamentación en la Universidad de Bruselas, y es aquí donde va a desarrollar un proyecto llamada la
Casa Bloemenwerf su primer proyecto arquitectónico, que se parece mucho a la casa de Morris y tiene una estetica
muy medieval y artesanal, pero la única ornamentación que el usa son las bandas verticales.

-Mas tarde, diseño cuatro salas para la galería de Samuel Bing, expuestas en la exposición de artes aplicadas de
Dresde de 1897

El inmoviliario que el diseña para la casa Bloemenwerf tiene un gran parecido al diseño de los Shakers, ya que ambos
se ciñen a la simplicidad de las formas y a la funcionalidad sin ornamentación. Un ejemplo es el Sillón para banquero.

-En 1897 fundó la Sociedad Henry van de Velde, su propia sociedad.

-En 1897 presenta sus diseños en la Exposición de la Secessión de Munich
-En 1899 se establece en Berlín

En esta poca ya hace papel pintado, una especie de reinvención más abstracta sin detalles... hace carteles, muebles
como el famoso pupitre con forma de riñón capaz de envolver con una curva a la persona.
Joyería como collares y broches, salones de peluquería, cubertería, lámparas...

-Fue el principal representante del Jugendstill, (art nouveau alemán)

-Fue nombrado director de la escuela de arte aplicadas de Weimar, donde colaboró con diferentes fábricas de joyas y
cerámica (Importante)
-en 1907 funda el Deutsche Werkbund (unión laboral alemana) (Importante) Una asociación de artesanos alemanes
que luchaban para generar un diseño más eficiente para su país, y va a ser muy importante para la inspiración de la
Bauhaus. A través de esta, el lenguaje de Henry va a poder llegar a los estudiantes de la Bauhaus.

Lo interesante de Henry van de Verde es como este parte de un estilo más artístico y se llega a convertir en el
abuelo de escualas tan importantes como la Bauhaus.

-En 1914 abandona la asociación porque no soporta la adhesión de Muthesius a la estandarización industrial
(Importante) ya que Henry no estaba a favor de la industrialización

En Suiza va a llevar un estilo más geométrico, basado en líneas rectas y el uso de decoración puntual de una forma
más depurada y sencilla.

Francia:

En Francia del siglo XVIII destacó el Rococó, un estilo asociado a la monarquía dónde destacaba el lujo y el exceso, y
la industrialización con las formas industriales como la Torre Eiffel, lo que va a influenciar en el nuevo estilo.

-Surgió de un grupo de artistas no seguidores del fin utilitario ni social del arte (veían la forma por encima de la
función)
-culto a los Prerrafaelitas
-Arte por el Arte (obras de arte autónomas, basadas en la idea de lo bello)
-esteticismo sin finalidad
(Gusto por el lujo, los excesos, el brillo...)
Ingredientes:
-Brillo y textura de piedras preciosas
-Telas y metales caros
-Perfumes escogidos
-Aventuras, fantasías...
-Sueños narcóticos
-Encanto de los sonoro, rítmico, la línea, el color...

Las exposiciones universales:

-encuentro con realidades exóticas y extrañas, objetos y arquitectura que provenían de otros lugares
-Arte que podía marchar frente al progreso (como la torre eiffel)
-Valoración estética de las máquinas

París como nueva ciudad

(y las contradicciones de la modernidad y el tradicionalismo)

En contraste entre la tradiciónal rococó tan exagerada con la rigidez del futuro como el hierro de la torre eiffel.

La Belle Epoque
Expresión de la burguesía la cual había reemplazado a la aristocracia en las más importantes posiciones del Estado y
la sociedad (ahora los que tienen el poder y el dinero son la burguesía)

Ahora, los artistas dependían de esta burguesía, lo que va a marcar un estilo propio de la burguesía.

Edison inventa la bombilla

Esto fue mui importante porque permitió la vida nocturna en la ciudad, espectaculos nocturnos, musicales...

Guimard:
-Es el máximo exponente del Art Nouveau francés
-Discípulo de Horta (este era más literal)
-Interpreta la naturaleza sin preocuparse por la simetría
-Sintetizó y amplió los efectos de la naturaleza
-Concedía a sus obras como esculturas ambientales
-Hizo obra pública y mobiliario privado

Tiende al lujo, al brillo, materiales cerámicos que brillan con la luz...

Es el creador del Style metro el cual solo se encuentra en el metro de París

-Mezcla la arquitectura con la naturaleza
-Ornamentos con valor práctico y utilitario
-Elegancia, fantasía, poesía y musicalidad
-Evita la simetría
-Es un arte derivado de la naturaleza
-“ vemos en el gel de las asfalto Xarmientos, florales metálicos, ramos de plantas, acuáticas, tulipanes que expanden,
luz, hechizos de la sabia fértil, burbujeante del subsuelo de París”
Emile Gallé:
Este es un diseñador que además fue botánico, conocía muy bien la naturaleza a nivel de dibujo y tenía una técnica
del cristal única (Cristal tallado victoriano, soplado de vidrio)

-Destacó en la producción de piezas de vidrio

-En 1890 dirige una fábrica de vidrios, donde buscas satisfacer la demanda colorista y de forma sensuales, frente al
cristal tallado típico de la clase victoriana.
-Se inspiran en el mundo natural
-Con su éxito polarizó el modernismo
-Une la riqueza técnica, las cualidades del material con la poesía y la filosofía (ensoñación de cosas hermosas)
-Tenías estudios de botánica, zoología, filosofía de la naturaleza, historia del arte, escultura, dibujo, música y vidrios
de la antigüedad
-Influencia del japonésismo (como estampas japonesas
-Gran creativo

Este trataba de captar con su sensibilidad esa energía del objeto natural, reproducir rasgos esenciales de la
naturaleza.

España:
Esta va a ser diferente, ya que tiene un pasado histórico muy diverso, tenemos restos hispanomusulmanes que van a
influenciar mucho en el diseño, como el mozárabe, el mudéjar en las provincias cristianas, y en ambas se encuentran
los principios de la decoración islámica, un pasado gótico, visigótico... un montón de estéticas y elementos exóticos que
también influenciará mucho a artistas como Gaudí.

Gaudí:

Éste no diseñó productos en serie para el consumo, pero influyó mucho en el gusto del siglo XX

Sus tendencias fueron:

-Organismo deformado (los franceses consideraban que este deformaba las cosas y las hacía más feas)
-Su obra está siempre marcada por la lamentación híbrida entre el negó, ótico, mudéjar, etc. (el mundo árabe, el gótico, el mudéjar que influyó
mucho en su estética)
-tenía un diseño integrador: abarcaba desde el exterior al interior del edificio (lo diseñaba todo)

Ejemplos: la Joan Martorell, iglesia y convento de las Salesas, Barcelona.

Diseñó su propio pupitre

Mobiliario de la capilla, panteón de Sobrellano: la silla combina tres materiales, el terciopelo rojo, el metal de los soportes de las cuatro patas, y
la madera de Nogal, donde está labrada una rica decoración.

Casa Vicens: con una gran influencia árabe, se inspiró en las flores y palmeras de alrededor del lugar, uso de cerámica, mosaicos y hierro fundido,
combinó el estilo gótico con elementos del arte mudéjar para crear una extraña forma híbrida de ornamentación

Palacio Güel: hace una mezcla entre el románico y el gótico

Chaise-Longue: una silla propia del surrealismo, cuyo objetivo era dar la sensación del asco, con formas curvas orgánicas e irregulares que
aparentan estar en constante crecimiento, como si fuera un ser vivo inquietante.
Art Nouveau Geométrico:

-Diseños marcados por la geometría y las líneas rectas.

-Predomina la simetría. Apenas existen formas curvas y la decoración se sitúa en zonas muy localizadas.
-Obras más funcionales y prácticas.
-Se da en Escocia, Viena y EEUU.

Existen ciertas similitudes con el Art Noveau organicista que hace que se encuadre dentro de este.

(Características)

-Edificios y objetos despojados de elementos decorativos, de líneas sinuosas y de la influencia en la naturaleza

-Predominio de la simetría
-Decoración presente en zonas muy concretas

Como por ejemplo la Silla de Makintosh con influencia japonesa en el uso de la cuadricula puntual en el respaldo de
esta.

Estilo Glasgow, Escocia: imp

Destacaron sobre todo un equipo o escuela muy importante llamada Escuela de Glasgow o estilo Glasgow (muy
importante) en esta trabajaban numerosos diseñadores pero destacaban cuatro que eran llamados como The Four y en
1896 tuvieron su gran exposición en Londres, donde fueron catalogados como estrafalarios estetas, unos diseñadores
distinos a los demás que no comulgaban con el Art Nouveau que se conocía y estaban aportando algo distinto dentro
de este.
Sus miembros fueron Herbert MacNair, Frances Macdonald, Charles Rennie Mackintosh y Margaret Macsonald
Mackintosh. Pero quien más éxito tuvo y más se dedicó al diseño de mobiliario fue Mackintosh.

Mackintosh: imp
Fue arquitecto, pintor y dibujante
-En 1894 funda el grupo The Four
-1894, participa por primera vez en una exposición en Londres
-en 1896 fueron invitados por Arts and Crafts Society
-En 1900 participan en la octava exposición secesionista donde recibieron grandes elogios
-En 1902 tuvo su primera exposición de arte decorativo de Turín

Características:
-su producto estrella fueron las sillas
-Sigue una línea geométrica muy sobria, sus muebles son sobriedad geométrica
-escasa decoración
-Volúmenes geométricos
-Uso de líneas rectas por influencia del diseño japonés
-Uso de la cuadrícula como motivo decorativo
-Grandes ventanales
Su obra más destacada es la Silla Mackintosh
-tiene una gran influencia del japoneses ismo en la línea recta y el uso de la cuadrícula
-Los respaldos son muy altos
-La madera está pintada (lacada)
-A veces introduce decoraciones Celtas muy simbolistas
-tiene un gran impacto visual
-Equilibrio entre los factores opuestos

Cartel para un musical

-tiene una composición geométrica y lineal
-Tiene un formato vertical alargado
-Destaca en las líneas rectas y la verticalidad es lo que manda en el cartel
-Una temática simbolista
-Pertenece al Art nouveau geométrico

Tiene una gran influencia de Olbrich y Hoffmann

Sus obras principales fueron:

Salones de té (Miss Cranston)

Diseñó todo el mobiliario de los salones de té de Miss Cranston,
En las sillas utilizaba respaldos altos, el predominio de listones, líneas rectas, roble pintado, decoración mínima...
aunque poca funcionalidad.
Incluyó varios murales para la decoración de los salones de té, con una estética muy parecida a Gustav Klimt.
También creó la cuvertería

El Sillón del Salón de Té Willow, donde vemos otra vez el uso de la retícula, las líneas rectas geométricas y una
única decoración en esos cuadraditos que forman la retícula.

La Hill House, una de sus más grandes obras, contiene elementos medievales como la torre, pero tiene volúmenes
muy geométricos y escasa ornamentación, con un gran parecido ya a la Bauhaus.

La Secession Vienesa:
Viena fue la primera ciudad que retornó a la recta, al cuadrado y al rectángulo y triunfo, preservando la
elegancia y el sentido de los materiales nobles del Art Nouveau. Van a usar el propio material como elemento
decorativo

-La sucesión viene se fundan 1897 en el café Griensteisdl

-Está formada por un grupo de artistas plásticos, austríacos que se ponen al arte académico y conservador
-tenían propósito, estéticos y no políticos, toda su acción en torno al arte sin tener una filosofía política detrás.
-Gustav klimt se dirige como protector de estos artistas, apoyó concretamente la obra de los artistas Oskar
Kokoschka y Egon Schiele.

Los diseñadores más importantes fueron:

-Joseph Hoffmann
-Koloman Moser
-Joseph Maria Olbrich

De Olbrich destaca el Edificio Secession, un espacio de encuentro para todos los miembros de la secesión vienesa.
Formada por una serie de planos lisos sin ornamentación, donde la ünica decoración se encuentra puntualmente en
el centro, en la entrada y la cúpula, decorada por hojas de laurel y elementos orgánicos, además de las tres caras
de medusa sobre la puerta.
Y la inscripción que dice “al tiempo su arte y al arte su libertad” como una declaración de intenciones de
modernizar el diseño.

Las primeras obras de las sucesión presentaban esencialmente un estilo Art Nouveau, pero tras la histórica
exposición octava Wiener donde 1900, dedicada exclusivamente a las artes decorativas, la producción adoptó
formas más rectilíneas. Dicha exposición incluía instalaciones de Henry van de Velde, Ashbee y Mackintosh, quién
introdujo la forma rectilínea para los secesionistas.

La versión austriaca del Art Nouveau atraviesa tres fases:

-Clasicista
-Decorativista
-Simplificación Protoracionalista (la más severa de todas)

Clasicista:
Edificio de la Secesión Vienesa de Olbrich, se caracteriza porque se asemeja a la arquitectura clásica, como la
arquitectura griega, por el uso del mármol blanco, las formas rectilíneas...

Decorativista:
La fachada de la casa de la mayólica, de Otto Wagner, plagada de decoración con una especie de horror Bacui.

Simplificación Protorracionalista:
Casa Steiner de Adolf Loos, esta etapa es tan geométrica, que ya da paso al siguiente movimiento que es el
racionalismo, para el la decoración era un delito y tenía que ver con las clases sociales.

Otto Wagner:
Era un arquitecto austriaco, que abandonó el historicismo y postuló un estilo nuevo adaptado a las necesidades de
la época y escribió La Arquitectura Moderna. Una guía para los jóvenes arquitectos. inspirado en las teorías
de Semper.

Defendía que la necesidad, finalidad, construcción y sentido de la belleza. Constituyen con ello el germen de la
vida arquitectónica. Unificados en un solo concepto, configura una especie de imprescindibilidad en la génesis y en
la existencia de toda obra de arte. Este es el sentido del aforismo, por lo tanto se puede deducir con toda
seguridad que unas finalidades y unos métodos de construcción nuevos han de provocar por necesidad la aparición
de nuevas formas.
Éste quiere decir que si la industria nos ha dado nuevos materiales para la construcción, el hierro o el cristal,
entonces debemos de generar obras nuevas que atiendan a las necesidades de la sociedad y a su finalidad, para
avanzar en la arquitectura.

Wagner fue quien ayanó el camino en la arquitectura severa para el resto de sus alumnos. Además, este entendía
muy bien el material porque era ingeniero, arquitecto y diseñador, así que elegía muy bien los materiales.

Ejemplo: Mesita, donde el elemento destacante es el material, un metal fundido con un brillo muy potente. Esta es
la ornamentación que añade Otto Wagner, la poética del material y además tiene una estructura tubular, copiado
de la estética de la industria. Utilizaba las técnicas que usaba como ingeniero, como la soldadura del metal.

Una obra importante fue La Caja Postal de Viena (importante), una arquitectura estéticamente dura, sin
ornamento, donde la poesía es el material, lo interesante del edificio es la estructura de vóbeda baída, la gran
vidriera que la sustenta y su estructura. Aunque tiene algunos detalles siempre relacionados con el material, como
los pilares con grandes remaches típicos de la industria o las lámparas de metal tan sencillas.
Joseph María Olbrich: imp

Un arquitecto y artesano vienés, alumno de Wagner y director de la colonia de Darmstadt, aunque este va a ser
un poquito más decorativo.

Éste entiende el diseño de forma un poco más artística.

El edificio de la Secessión es su obra culmen, en el se va a ver su parte artesanal. El cartel de la Exposición de la

Secession Vienesa muestra su arquitectura, de forma vertical alargada, un formato rectangular, donde la
tipografía se encuentra en la parte inferior y la arquitectura en la superior, dejando un espacio en el centro.

Los Talleres Vieneses:

Van a tratar de buscar una igualdad entre el diseño y el artesano, donde estos deberan de trabajar juntos para
mejorar. Ahora el objeto es diseñado por un artista y producido por un artesano, pero es firmado por ambos
trabajadores.

Joseph Hoffmann:
Fue un arquitecto conformista que rompió con el historicismo con un estilo sobrio y elegante, se influenció de la
cuadrícula de Mackintosh y en sus obras, predominan las formas geométricas.

También fue cofundador de la secession y cofundador de los talleres vieneses, con la idea de unir el mundo del
diseño con el mundo del arte.
Conocido por el motivo decorativo Hoffmann Quadratti,

Un ejemplo: Diseño de una tetera con infiernillo, donde destaca la geometría y formas rectilíneas, simpleza y el
metal al descubierto. Que recuerda a un elemento industrial.

Asiento mecánico: con influencia de Mackintosh en el respaldo alto y el uso de una cuadrícula, el respaldo es
adaptable y da una sensación industrial, metálica...

Aceiteras: donde usa una especue de malla.

Y la más importante el Sanatorio Purkersdorf: un edificio totalmente geomtrico, rectangular, sencillo... y el

interior esta lleno de cuadraturas, ajedrezados y de formas como laverínticas en blanco y negro. Cuadrados
concéntricos con juegos en blanco y negro. Sillas con respaldos altos como las de Mackintosh.
Esta es una gran influencia para Bauhaus aunque este no tiene ningún trasfondo filosófico como ella.

Y el Palacio Stoclet (imp) de Bruselas, este es un ejemplo perfecto de como los artesanos de la Secession
Vienesa no necesitan ornamentación, porque los propios materiales ya funcionan como tal. El único tipo de
decoración de este palacio es el uso de diferentes tipos de marmol.
-Es protorracionalista, es decir, una arquitectura que tiende ya a lo racional
-presenta una nueva actitud ante la técnica
-El material no se doblega al ornamento, la textura del material es tan bonito que no requiere de más ornamento.
-es bella y funcional
-Y es un retorno al clasicismo

La decoración esta en el material

El exterior esta cubierto por un marmol que con la luz del sol se entornasola y adquiere otro tipo de tonalidad.
Remata los contornos con cobre y tiene algunas decoraciones puntuales como, las cabezas de ángeles, los motivos
cuadriculados, la estatua de una Atenea...

Y el interior esta cubierto de planos blancos complementados por la textura de diferentes tipos de mármoles de
colores. El espacio está muy bien compartimentado, tiene grandes cristaleras.

También decoró la sala de reuniones con obras abstractas de Gustave Clint que hizo especificamente para estar en
diálogo con la estética del palacio.

Alemania:
En Alemania, el Art Nouveau se llamaba Jugendstil debido a la revista Jugend de arte moderno, en este estilo
destacaba la presencia de la mujer como elemento central, la naturaleza... Pero este estilo organicista va a durar poco
en Alemania ya que estos enseguida van a desarrollar una variante más racionalista y se van a incorporar al estilo
severo, debido a que estos tuvieron la capacidad de incorporarse al mundo industrial muy rápidamente, así conciliaron
el diseño con la industria muy rápido y a partir de aquí desarrollaron la Deutsche Werkbund, la bauhaus, etc..

La Deutsche Werkbund:
La Deutsche Werkbund era una asociación de artesanos y diseñadores que surge en Alemania y que es muy
importante por la trascendencia que luego tiene, debido a que esta es la que da paso a la filosofía de la Bauhaus.

En 1906 el Jugendstil Style había sido superado por un lenguaje más Formal, severo y geométrico, al que se va a
incorpoar la Deutsche.
La industria era el único medio para producir grandes cantidades de productos, bien diseñados y asequibles a la vez y
los alemanes tienen la capacidad de incorporarse pronto al estilo de la industria
Nace la Deutsche Werkbund que reconcilia la actividad artística con la producción industrial.

En 1914 hicieron la Deutsche Wrkbund Ausstellungo, una gran exposición de sus productos que fue muy importante
porque aquí fue donde se dieron a conocer y empezaron a vender sus productos.

Además, fueron los primeros en hacer anuarios con sus artículos. Resaltaban la forma sin ornamento (funcionalismo),
se alzaban los productos industriales y la superficie plana...

En cambio, en este movimiento no todos serán totalmente funcionalistas, muchos querrán apostar por un diseño más
individualista que no apueste totalmente por la industria. Como por ejemplo:
Muthesius y Naumann que estaba a favor de la estandarización, es decir, todo en base a la industria.
Van de Velde y Gropius: eran más individualistas y no querían dejar que la industria lo estandarice todo.

Sus carteles eran bastante sencillos, geométricos y sin decoración y si introducían imágenes las simplifican o la
geometrizan, tratan de que sea una figuración geométrica.

La arquitectura como el Edificio Werkbund, es muy sencilla con fachadas blancas y sin decoración y hacen mucho uso
de los materiales como el cristal y el hierro, como en las escaleras de caracol donde el cristal y los tubos de hierro
dejan ver el interior como una especie de homenaje a los mecanismos de la industria, a la máquina y a los materiales
de la nueva era, aqui estan ya desarrollando el protorracionalismo.
En 1904 ya llegan las formas sin ornamento (funciona), se ensalzaban la superficies planas y los productos
industriales.

El éxito de la Deutsche Werkbund fue la necesidad de objetos y productos que tenía la Alemania de posguerra. Había
que abrazar a la industria y a la estandarización. Debido a que tras la pérdida de Alemania tras la Primera Guerra
Mundial, la sociedad va a sufrir una gran transformación debido a la gran crisis que sufrían, y a nivel de diseño van a
tener que desarrollar objetos fáciles de diseñar, sencillos y baratos. Por lo que triunfará la tendencia funcionalista.

Peter Beherens:

Ese ecléctico, y empezó haciendo piezas Art Nouveau, algunas más funcionalista y otras más historicistas y acaba
metiéndose en el diseño de la industria y el protorracionalismo.
En 1893 fundó la Secession de Munich y trabajó para los Talleres Unidos de Munich.

Un ejemplo de sus obras más organicistas es El Beso, donde estaba más vinculado al movimiento Prerrafaelita.

También fue miembro de la colonia de artistas de Darmstadt para la que diseña su primer edificio, la Beherens House,
la casa que marcó un importante punto de partida para Beherens, que se alejó de Jugendstil para adoptar un enfoque
más racional. En esta aún se ven algunos restos del Art Nouveau organicista como en los arcos, algunas formas curvas
y la mezcla de colores en los materiales verdes y rojos, pero en ella destaca sobre todo la geometría.

También estaba vinculado a la AEG:

Esta surgió con la compra a Edison de la patente del invento de la bombilla y a partir de la cual surgió esta empresa
que vendía electrodomésticos.
En 1907 Beherens se convierte en jefe de diseño de todo tipo de la AEG, tanto de diseño gráfico, como de producto,
logos, edificios, etc.
Fue el primero que aplicó a una industria los principios de imagen corporativa y una vez adoptado el estilo funcional y
simple, se convirtió en uno de los principales creadores del Movimiento Moderno, un movimiento estético internacional
qué parte del funcionalismo alemán.

La sala de turbinas de la AEG, diseño de Beherens, se dice que es el templo de la industria, la diseñó con la
intención de crear un edificio que recordase a las grandes estructuras de los templos griegos, de forma que hablase
de la nueva era de la industria. Manifestando los materiales como el vidrio, el cemento, el hormigón armado y el metal
verde con remaches, para mostrar su belleza como una aceptación de este estilo industrial.

Los logos que creo de la AEG van evolucionando de unos logos ornamentados, curvados, orgánicos, a algo más sencillo
hasta llegar a la geometría pura.

Los carteles también son muy sencillos y directos

También diseñó portalámparas muy sencillos donde destaca la textura del metal, el negro brillante y siempre formas
geométricas.

Teteras formadas con planos geométricos con una cadenita como único elemento ornamental, totalmente funcional y
sencilla donde destaca el metal.

Relojes

Pero sobre todo destcan el diseño de sus ventiladores.

En estos el material es muy importante, las aspas de un color dorado y las regillas son simple para
permitir que veamos el mecanismo del funcionamiento de las aspas, debido a que Beherens decía que
la belleza de la estructura mecanica del interior del ventilador, era digna de ser vista por las
personas, lo que muestra el amor que tenía a la estética industrial, por ello las regillas son tan
simples y a veces decorativas con curvas.

Ente influencio a diseñadores como Mies van der Rohe o Le Corbusier y al movimiento Moderno,
racionalismo y toda la arquitectura funcional

Para el lo bello es el lugar donde el obrero esta trabajando, por ello beherens construye una especie
de templo para la máquina, para la industria donde los reyes son los obreros, y lo mas importante es
el paso que da behetens de aceptar la estetica industrial, y convencer a la gente de que le gustase.

Cosas importantes:
-henry van de velde y peter beherens
-explicar el estilo organicista, como participa el diseñador en el estilo y como poco
a poco se va desprendiendo de este para llegar al estilo severo.
-caracteristicas del estilo severo, participantes principales mackintosh, principales
aportaciones que han hecho
-escuelas organicistas: belgica, francia y españa, los franceses son mas asi.., en
españa esta gaudi y tiene un medernismo muy particular surrealista...
-ideas de futuro en el severo y en el otro no