José María Velasco (1840-1912) fue un destacado pintor

mexicano, reconocido principalmente por sus paisajes que

capturan la belleza del Valle de México. Nacido en
Temascalcingo, Estado de México, Velasco es considerado
uno de los más grandes paisajistas de América Latina y una
figura clave en el arte del siglo XIX.

Velasco estudió en la Academia de San Carlos en la Ciudad

de México, donde se formó en dibujo y pintura bajo la tutela
de maestros como Eugenio Landesio, quien influyó
profundamente en su enfoque hacia el paisaje. Su obra se
caracteriza por una atención meticulosa al detalle, la
representación precisa de la flora y la fauna, y una profunda
conexión con los paisajes mexicanos, a menudo llenos de un
simbolismo que refleja el orgullo nacional.

Principales Obras de José María Velasco:

1. “El Valle de México” (1875): Una de sus obras más emblemáticas, en la que se
muestra una vista panorámica del valle con los volcanes Popocatépetl e Iztaccíhuatl
al fondo, capturando la grandeza y serenidad del paisaje mexicano.
2. “El Ahuehuete de Chapultepec” (1876): Este cuadro muestra un antiguo árbol
ahuehuete en el Bosque de Chapultepec, destacando la relación entre la naturaleza y
la historia de México.
3. “La Plaza de San Jacinto en San Ángel” (1881): Una pintura que captura la
arquitectura y la atmósfera de la época, combinando la belleza natural con
elementos urbanos.
4. “El Puente de Metlac” (1881): Representa un viaducto ferroviario en un entorno
montañoso, destacando la integración de la modernidad en el paisaje natural.
5. “El Citlaltépetl” (1897): También conocido como el Pico de Orizaba, esta pintura
muestra al volcán más alto de México en una composición que resalta la majestuosa
naturaleza del país.

Velasco no solo fue un maestro del paisaje, sino también un precursor de la pintura
moderna en México, influyendo en generaciones posteriores de artistas que buscaron
retratar la identidad y los paisajes del país. Su legado sigue siendo celebrado como un
símbolo del nacionalismo y de la belleza natural de México.
 Eugenio Landesio (1810-1879) fue un pintor italiano que se
trasladó a México y se convirtió en una figura influyente en la
historia del arte mexicano, especialmente en la pintura de
paisajes. Nació en Venaria Reale, cerca de Turín, Italia, y se
formó en la Academia de Bellas Artes de Turín, donde
desarrolló un interés particular por la pintura de paisajes y la
representación de la naturaleza.

En 1855, Landesio llegó a México invitado por la Academia de

San Carlos para ocupar el puesto de profesor de paisaje, un
género que en ese momento no era muy apreciado en el país. Su
influencia fue fundamental en la formación de una generación
de artistas mexicanos, incluido su alumno más famoso, José
María Velasco. Landesio fue crucial para establecer el paisaje como un género respetado y
popular en México, y sus enseñanzas combinaban técnicas académicas europeas con una
profunda observación del entorno mexicano.

Obras Principales de Eugenio Landesio:

1. “El Valle de México desde el cerro de Tenayo” (1858): Una de sus obras más
reconocidas, donde representa una vista panorámica del Valle de México, con gran
atención al detalle y un enfoque romántico que resalta la majestuosidad del paisaje.
2. “El Interior de la Hacienda de Regla” (1860): Esta pintura muestra la hacienda
minera de Regla, destacando la arquitectura y el entorno natural, con un enfoque en
la vida cotidiana y los trabajadores.
3. “Vista de la Hacienda de Regla” (1860): Otra obra dedicada a la Hacienda de
Regla, que se centra en la integración del paisaje natural con la obra humana,
capturando los elementos de la industria y la naturaleza.
4. “El Valle de México” (1863): Un paisaje en el que Landesio plasma una vista
detallada y romántica del Valle de México, influenciado por los conceptos de la
pintura paisajística europea, pero adaptando estos principios al contexto mexicano.
5. “Vista del Convento de San Agustín de Yuriria” (1861): En esta obra, Landesio
captura la belleza de la arquitectura colonial en armonía con el paisaje circundante,
resaltando la influencia española en México.

Eugenio Landesio es recordado por su papel como educador y por introducir técnicas
europeas de pintura de paisajes en México. Sus obras no solo reflejan la belleza natural del
país, sino que también abrieron el camino para que artistas mexicanos desarrollaran una
identidad propia en la pintura de paisajes, sentando las bases para la evolución de este
género en el arte mexicano.
 Rufino Tamayo (1899-1991) fue un pintor, muralista y
grabador mexicano, reconocido por su estilo único que fusiona
el arte moderno con elementos de la cultura prehispánica y
popular mexicana. Nació en Oaxaca y se trasladó a la Ciudad
de México después de la muerte de su madre. Tamayo estudió
en la Academia de San Carlos, pero pronto se distanció de los
estilos académicos y del movimiento muralista predominante
liderado por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José
Clemente Orozco, desarrollando un estilo propio que
enfatizaba el color y la forma.

Tamayo se destacó por su enfoque más universal y menos

politizado del arte, contrastando con sus contemporáneos. Fue
pionero en el uso del color y la textura, y sus obras a menudo exploran la condición
humana, los mitos y la riqueza cultural de México. Viajó y vivió en Nueva York y París,
donde su obra ganó proyección internacional.

Principales Obras de Rufino Tamayo:

1. “Animales” (1941): Una de sus obras más famosas, que refleja la lucha por la
supervivencia mediante figuras de animales en tonos intensos de rojo, negro y
naranja, mostrando su maestría en la manipulación del color y la emoción.
2. “El Día y la Noche” (1954): Un gran mural ubicado en el Museo Nacional de
Antropología en la Ciudad de México, que simboliza la dualidad de la existencia,
usando formas abstractas y colores vibrantes que representan el sol y la luna.
3. “Hombre y Mujer” (1949): Una pintura que muestra figuras humanas estilizadas
en un entorno abstracto, explorando temas de la relación humana y la soledad con
una paleta de colores cálidos.
4. “Sandías” (1950): Una de sus obras más icónicas, en la que Tamayo representa
sandías, un tema recurrente en su obra, con un enfoque en la textura y el uso
expresivo del color para capturar la esencia de la fruta y su relación con la cultura
mexicana.
5. “El Universo” (1980): Un mural monumental en el Palacio de las Naciones Unidas
en Nueva York que representa una visión cósmica de la humanidad, fusionando
conceptos abstractos con figuras que simbolizan el avance del ser humano.

Rufino Tamayo es recordado por su capacidad para combinar modernismo y tradición,

creando un lenguaje visual único que lo distingue en la historia del arte mexicano. Su
legado sigue influyendo en artistas contemporáneos y es celebrado por su enfoque
innovador hacia la pintura, el uso del color, y su capacidad para capturar la esencia de la
cultura mexicana sin caer en el discurso político dominante de su época.
 Frida Kahlo (1907-1954) fue una pintora mexicana reconocida
mundialmente por sus autorretratos y su estilo profundamente
personal que fusiona el surrealismo, el simbolismo y la cultura
mexicana. Nació en Coyoacán, Ciudad de México, y su vida
estuvo marcada por el sufrimiento físico a causa de un grave
accidente de autobús a los 18 años, que le causó múltiples
fracturas y problemas de salud crónicos. Este evento impactó
significativamente su vida y su obra, llevándola a explorar temas
de dolor, identidad, y autorreflexión.

Frida se casó con el famoso muralista Diego Rivera, con quien

tuvo una relación tumultuosa y apasionada que influyó
profundamente en su obra. Aunque nunca se consideró parte del
surrealismo, su arte es frecuentemente asociado con este movimiento debido a su enfoque
en el inconsciente y la representación de su mundo interior.

Obras Más Representativas de Frida Kahlo:

1. “Las Dos Fridas” (1939): Esta pintura es uno de sus autorretratos más conocidos,
mostrando dos versiones de ella misma, una vestida de blanco europeo y otra con
ropa tradicional mexicana. Es una reflexión sobre su identidad dividida y su dolor
emocional tras su separación de Diego Rivera.
2. “La Columna Rota” (1944): En este autorretrato, Frida se representa con una
columna rota en lugar de su columna vertebral, y su cuerpo atravesado por clavos,
simbolizando su sufrimiento físico y emocional. Es una poderosa imagen de su
dolor crónico y su vulnerabilidad.
3. “Autorretrato con Collar de Espinas” (1940): En esta obra, Frida se pinta con un
collar de espinas que le provoca heridas, y un colibrí muerto colgando de su cuello.
Los elementos simbólicos reflejan su dolor, su amor perdido, y su conexión con la
naturaleza.
4. “El Venado Herido” (1946): Esta obra muestra a Frida como un venado herido por
flechas, representando su dolor físico y emocional. Es una obra cargada de
simbolismo que expresa su sufrimiento tras un fallido tratamiento médico.
5. “Viva la Vida” (1954): Una de sus últimas pinturas, que muestra una serie de
sandías vibrantes, simbolizando la vida y la muerte. A pesar de su sufrimiento, la
obra es una celebración de la vida, marcada con la frase “Viva la Vida”.

Frida Kahlo es hoy un ícono cultural y feminista, reconocida por su valentía al abordar
temas como el dolor, la enfermedad, la identidad de género y la política a través de su arte.
Su legado trasciende su obra, y su vida se ha convertido en símbolo de resistencia y
autoexpresión, influyendo en generaciones de artistas y en la cultura popular en todo el
mundo.
José Guadalupe Posada (1852-1913) fue un influyente grabador, ilustrador y caricaturista
mexicano, conocido por sus icónicas ilustraciones de calaveras y escenas populares que
capturan el espíritu de la sociedad mexicana de finales del siglo XIX y principios del XX.
Nació en Aguascalientes y comenzó su carrera artística como aprendiz en un taller de
litografía. Posada se trasladó a la Ciudad de México, donde trabajó en numerosos talleres
de grabado e imprentas, y se convirtió en un cronista visual de su tiempo a través de sus
ilustraciones en periódicos, libros y folletos.

Posada es célebre por sus imágenes de calaveras y escenas satíricas que criticaban a la
sociedad, la política y los eventos de su época. Su trabajo fue clave para el desarrollo del
grabado popular en México y tuvo una gran influencia en movimientos artísticos
posteriores, incluido el muralismo mexicano. Aunque su trabajo fue apreciado
póstumamente, Posada es hoy reconocido como uno de los artistas más importantes de
México.

Principales Obras de José Guadalupe Posada:

1. “La Calavera Catrina” (1910): Quizás su obra más famosa, la Catrina es una
figura esquelética vestida con un sombrero de la alta sociedad europea,
simbolizando la crítica de Posada a los sectores sociales que pretendían adoptar
costumbres extranjeras, olvidando sus raíces mexicanas. La Catrina se ha convertido
en un ícono del Día de Muertos.
2. “Calaveras de Todos los Tamaños” (1910): Un grabado que presenta una multitud
de calaveras realizando diversas actividades cotidianas, simbolizando que la muerte
es una parte inevitable de la vida que afecta a todos, sin importar su estatus social.
3. “Don Chepito Marihuano” (1900): Este grabado satírico muestra a un personaje
popular que representa a la clase baja y el vicio, utilizado por Posada para criticar la
situación social de la época.
4. “El Gran Fandango y Francachela de Todas las Calaveras” (1910): Una escena
que muestra a las calaveras celebrando, simbolizando la tradición mexicana de
reírse de la muerte. Es un ejemplo claro de su estilo que mezcla lo macabro con lo
festivo.
5. “La Calavera del Ciclista” (1903): Este grabado ilustra a una calavera sobre una
bicicleta, mezclando modernidad con el inevitable destino de la muerte, una crítica a
los avances y modas de su tiempo.

Las obras de José Guadalupe Posada continúan siendo un referente cultural en México y
son especialmente evocadoras durante las celebraciones del Día de Muertos. Posada logró
capturar el sentir del pueblo mexicano y su relación con la muerte, haciendo de sus
grabados un legado inquebrantable de la cultura y el arte popular de México.