Taller de Fotografía - Anahí Gómez - 2020 - Anna's Archive

Taller de otografía
Municipalidad de la Ciudad deD.I.Mendoza

Anahí Gómez
ÍNDICE
Introducción. Qué es la fotografía. Tipos de cámaras............................................................2
Componentes de una cámara................................................................................................4
Controles habituales de una cámara......................................................................................8
El ABC de la fotografía. EL triángulo de la luz.......................................................................13
Ley de reciprocidad................................................................................................................17
Composición. Principios y reglas de composición fotográfica...............................................21
Pesos visuales.......................................................................................................................27
Fotografía Macro....................................................................................................................36
Color.......................................................................................................................................38
Sombras Como Parte de la Composición..............................................................................44
Iluminación.............................................................................................................................48
Clave Alta/Clave Baja.............................................................................................................52
Venciendo la oscuridad..........................................................................................................54
Pasos para un buen retrato....................................................................................................61
Cómo iluminar tus retratos.....................................................................................................62
Los 7 Tipos de Plano Clave en el Retrato..............................................................................65
Movimientos artísticos
Neoclasicismo....................................................................................................................68
Romanticismo....................................................................................................................70
Realismo............................................................................................................................75
Impresionismo....................................................................................................................78
Expresionismo....................................................................................................................81
Futurismo...........................................................................................................................82
Neoplasticismo...................................................................................................................85
Surrealismo........................................................................................................................88
Pop Art..................
Art........................................
...............................................
...............................................
..............................................
.........................................91
.................91
.
Taller de Fotografía
D.I. Anahí Gómez
Juventudes Municipalidad de la Ciudad de Mendoza
1
INTRODUCCIÓN
¿Qué es la fotografía?
“Fotografiar es pintar con la luz”
f otos es un dispositivo utilizado para capturar imágenes

Una cámara fotográfica o cámara de fotos
o fotografías. Es un mecanismo antiguo para proyectar imágenes, en el que una habitación
entera desempeñaba las mismas funciones que una cámara fotográfica actual por dentro, con
la diferencia
ésta quemanualmente.
se trazara en aquella época no había actuales
Las cámaras posibilidad de guardar
pueden la imagenalaespectro
ser sensibles menos que
visible o a otras porciones del espectro electromagnético y su uso principal es capturar la
imagen que se encuentra en el campo visual.
Las cámaras fotográficas constan de una cámara oscura cerrada, con una abertura en uno de
los extremos para que pueda entrar la luz, y una superficie plana de formación de la imagen o
de visualización para capturar la luz en el otro extremo. La mayoría de las cámaras
fotográficas tienen un objetivo formado de lentes, ubicado delante de la abertura de la cámara
fotográfica para controlar la luz entrante y para enfocar la imagen, o parte de la imagen. El
diámetro de esta abertura (conocido como apertura) suele modificarse con un diafragma,
aunque algunos objetivos tienen apertura fija. Mientras que la apertura y el brillo de la escena
controlan la cantidad de luz que entra por unidad de tiempo, en la cámara durante el proceso
fotográfico, el obturador controla el lapso en que la luz incide en la superficie de grabación. Por
ejemplo, en situaciones con poca luz, la velocidad de obturación será menor (mayor tiempo
abierto) para permitir que la película reciba la cantidad de luz necesaria para asegurar una
exposición correcta.
Tipos de cámaras
Existen multitud de tipos distintos de cámaras fotográficas, y los posibles criterios de
clasificación son también innumerables teniendo en cuenta la complejidad y especialización
que ha alcanzado la tecnología en este campo.
Cámaras compactas de 35mm

Sin duda las cámaras compactas de 35mm son las más extendidas mundialmente, son de
y requiere conocimientos y práctica fotográfica mínima. Las
gran sencillez principales
características de uso son:
-Menor costo
-Visor óptico directo
-Objetivo no intercambiable
Cámaras APS
Si bien estas cámaras tuvieron una corta vida, y en la actualidad no se utilizan, es interesante
considerar que fueron el resultado de la primera unificación entre el sistema analógico y el
digital, ya que el registro de la imagen se realizaba sobre película, pudiendo agregarse a la
misma información digital. Las cámaras APS (Advanced Photo System) son el resultado del
acuerdo adoptado por varios fabricantes mundiales (entre otros Canon, Agfa, Polaroid, Kodak,
Fuji y Nikon)
usuarios para conseguir
inexpertos y ademássimplificar
introducirelmejoras
funcionamiento de las
sustanciales cámaras
frente a las fotográficas para los
comunes cámaras
compactas de 35mm.
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2
Cámaras réflex SLR
Una cámara réflex SLR (Single Lens Reflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen
que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Eso
se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema
de espejos. Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película
fotográfica o digitales (DSLR).
Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados
aficionados y profesionale
profesionales,
s, ya
que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y
disponen de multitud de accesorios intercambiables
intercambiables para distintos propósitos. En general
-poseen las siguientes
Visor réflex características:
o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo.
- Objetivos intercambiables.
intercambiables.
- Fotómetro o exposímetro incorporado.
incorporado.
- Zapata de conexión para flash externo.
- Control (anillo) de enfoque manual.
- Obturadores muy rápidos.
Cámaras digitales
Una cámara
capturar digital es fotografías
y almacenar un dispositivo electrónico usado
electrónicamente para
en lugar
de usar películas fotográficas
f otográficas como las cámaras convencionales
convencionales..
Otros tipos menos habituales:
Cámara TLR (Twin Lens Reflex): es una cámara réflex de objetivos gemelos
(uno encima de otro) que intenta solventar el principal problema del visor réflex,
el que no se pueda ver la imagen durante el disparo (ya que el espejo que la
conduce se abate para dejar pasar la luz hacia la película fotográfica
o el sensor de imagen). Para ello monta dos objetivos: uno para tomar la foto y
otro para conducir la imagen hacia el visor. Debido a esta configuración, adolecen
del error de paralaje y de inversión lateral de la imagen en el visor, por lo que hay
que acostumbrarse a usarlas sobre todo para realizar fotografías de objetos en
movimiento. Son cámaras en desuso y muy pocas tienen objetivos intercambiables.
Además habría que comprar dos objetivos para cada distancia focal.
Cámara panorámica: que proporcionan un ángulo de

visión superior sin deformaciones.
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3
Cámaras esteroescópicas: Son cámaras que realizan simultáneamente 2
esteroescópicas:
fotografías desde dos puntos separados 63 mm., que es la distancia normal
de separación entre las dos pupilas.
Aunque tuvieron
tuvieron su época dorada,
dorada, hoy en día se fabrican muy pocas.
pocas.
Cámara subacuática: específicamente diseñadas para trabajar

bajo el agua a gran profundidad.
Cámara estenopeica: es una cámara fotográfica

fotográfica sin lente,
que consiste en unacaja con sólo un pequeño agujero por
donde entra la luz, y un material fotosensible.
Cámara GoPro: es una cámara normalmente usada para fotografía

en acción extrema. Son conocidas por ser compactas, livianas,
montables en lugares inusuales como aviones, autos,
botes, bicicletas, motocicletas, etc. Estas cámaras capturan fotos y/o
video en HD a través de un amplio lente y puede ser configurada
para trabajar de manera automática con muy poca intervención y/o
de manera remota.
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COMPONENTES BÁSICOS DE UNA CÁMARA
Elemento fotosensible
Toda cámara fotográfica necesita un elemento sensible a la luz que registre de algún modo
la imagen que procede del objetivo. Este soporte será normalmente uno de los siguientes:
- Una película fotográfica, que es un soporte compuesto fundamentalmente por una

emulsión de gelatina y cristales de haluros de plata (generalmente cloruro, yoduro o
bromuro de plata) que se descomponen al recibir cierta dosis de radiación
electromagnética, de baja longitud de onda, formando un germen de plata metálica apenas
visible. Este es el soporte más habitual en fotografía química.
- Papel fotográfico auto-revelable, que no deja de ser una variante de película fotográfica
positiva utilizada para la fotografía con cámara instantánea.
- Un sensor de imagen electrónico, que es un chip formado por millones de componentes

sensibles a la de
componentes luz color
(fototransistor) y por algúndemecanismo
(distintas longitudes onda de lapara
luz). percibir
Este eslos distintosutilizado
el soporte
en las cámaras digitales en fotografía digital.
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5
Visor
El visor es el sistema óptico que permite encuadrar el campo visual que se pretende que
abarque la fotografía. Es decir, el visor es la ventanilla, pantalla o marco incorporado a la
cámara o sujeto a ella de que se sirve el fotógrafo para previsualizar, exacta o
aproximadamente, la relación motivo/entorno que abarca el objetivo.
El visor es una de las partes más importantes de cualquier cámara, puesto que es el modo
que tiene el fotógrafo de encuadrar y componer cada fotografía.
Objetivo
Se denomina objetivo al conjunto de lentes convergentes y divergentes que forman parte de la

óptica de una cámara. Su función es recibir los haces de luz procedentes del objeto y
modificar su dirección hasta crear la imagen óptica, réplica luminosa del objeto. Esta imagen
se lanzará contra el soporte sensible: Sensor de imagen en el caso de una cámara digital, y
película sensible en la fotografía química.
Distancia Focal: es el alcance del objetivo. Cuanto mayor sea el valor, el objetivo tendrá más “zoom” por
decirlo de alguna manera. Mayor la distancia focal, mayor “zoom” tendrá el objetivo. Menor distancia
focal, más “lejos” se verán las cosas, digamos, pero el encuadre o ángulo de visión será mucho más
amplio en cambio.
La distancia se mide en milímetros. una distancia focal de 70mm significa que el objetivo es
capaz de hacer zoom y acercarnos al sujeto fotografiado mucho más que un objetivo con distancia focal
de 18mm. Y uno de 200mm tendrá todavía mayor capacidad de zoom.
Los objetivos que abarcan amplios rangos de distancia focal (por ejemplo un 18-300mm) pierden
especialización, ya que tienen que dar un buen resultado disparemos a 18mm, a 120mm ó a 300mm, así
que no lo pueden hacer de manera EXCELENTE, sino que consiguen resultados medianamente
“aceptables”. En cambio, un objetivo de distancia focal fija, por ejemplo 35mm, 50 u 80mm es un
objetivo fabricado especialmente para rendir bien en esa distancia focal en concreto, luego es su dominio
de especialización y por lo tanto nos ofrecerá la mejor calidad óptica posible.
Diafragma
El diafragma es el método que regula la apertura de un sistema óptico. Suele ser un disco o
sistema de aletas dispuesto en el objetivo de una cámara de forma tal que restringe el paso de
la luz, generalmente de forma ajustable. Las progresivas variaciones de apertura del
diafragma se especifican mediante el número f, que es la relación entre la longitud focal y el
diámetro de apertura efectivo.
Obturador
El obturador es el dispositivo que controla el tiempo durante el cual

llega la luz al elemento sensible (película o sensor de imagen).
Consiste normalmente en una cortinilla situada en el cuerpo de la
cámara, justo delante de este elemento fotosensible y obviamente
detrás del objetivo; la cortinilla se abre y cierra el tiempo
ti empo que esté
configurado en la cámara para dejar pasar la luz hacia el elemento
fotosensible.
D.I. Anahí Gómez
6
Otros elementos habituales
Exposímetro: El exposímetro o fotómetro se trata de un dispositivo

que da la medida de la exposición que tendrá el elemento fotosensible
con la configuración de apertura y velocidad de obturación
configuradas. Aunque hoy día la gran mayoría de las cámaras llevan
un exposímetro incorporado,los exposímetros manuales son una
accesorio de gran utilidad, especialmente en situaciones de
iluminación difícil.
Flash incorporado: El flash es un dispositivo que actúa como fuente de luz artificial para
iluminar escenas de forma sincronizada con el disparo de la cámara. Se utiliza sobre todo
cuando la luz existente no es suficiente para tomar la instantánea con una exposición
determinada aunque también tiene otros usos. El flash es una fuente de luz intensa y dura,
que generalmente abarca poco espacio y es transportable. Normalmente los flash
fl ash
incorporados en las cámaras son luces equilibradas a 5500 K, al igual que la luz de un día
soleado. Hoy en día la gran mayoría de las cámaras vienen con un flash incorporado y,
muchas cámaras, disponen de zapatas estándar de conexión de flash externo.
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CONTROLES HABITUALES DE UNA CÁMARA
Dependiendo del tipo, marca y modelo de cámara, ésta dispondrá de más o menos controles
para permitir al fotógrafo configurar la cámara a su gusto. Las cámaras habitualmente más
versátiles en este sentido son las cámara réflex SLR si bien en cualquier cámara de gama
semi-profesional o profesional se encuentran todos los controles citados a continuación. En las
cámaras digitales y en las compactas algunos de estos controles pueden ser automáticos o
electrónicos.
- Anillo de enfoque:
El anillo de enfoque es un control que permite enfocar las lentes del objetivo para percibir
nítidamente el motivo de la fotografía. Las cámaras compactas suelen carecer de este control
bien por tratarse de objetivos enfocados a infinito (de modo que prácticamente cualquier objeto
a partir de una cierta distancia se verá nítido), bien por disponer de un sistema automático de
autofoco.
En las cámaras que disponen de la posibilidad de enfoque manual este control está situado en
el objetivo (no en el cuerpo de la cámara) y presentará normalmente una escala en metros.
Ajustando suavemente
suavemente este control se puede comprobar
comprobar cómo la imagen percibida en
en el visor
se enfocará o desenfocará.
Algunos
lente objetivos
partida presenconsistente
presentan
de Fresnel, tan algún mecanismo de ayuda
en un pequeño
al enfoque, siendo el más habitual la
círculo que se puede ver a través del visor
en el que, cuando la imagen no esté perfectamente enfocada, se percibirá la imagen invertida
dentro del círculo y cuando el objeto que se visualiza dentro del círculo esté enfocado ya se
verá perfectamente alineada con el resto de la imagen del visor. Este mecanismo facilita
enormemente el enfoque ya que permite apuntar hacia el motivo que se desea que se vea
nítido y, jugando suavemente
suavemente con el anillo de enfoque, llevarlo hasta la posición en que las
lentes se alinean y la imagen se ve completa (no invertida en el círculo central).
En los objetivos que permiten tanto enfoque manual (MF) como automático (AF) es importante
no intentar forzar manualmente el anillo de enfoque cuando esté en posición automático (AF)
ya que se puede dañar el mecanismo del objetivo. Es por esto que cuando se guarden estos
objetivos se deben poner en la posición de enfoque manual (MF) para evitar posibles
equivocaciones.
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- Selector de modo de operación:
La mayor parte de las

l as cámaras digitales y algunas cámaras tradicionales disponen de una
ruleta en la que se selecciona el modo de operación de la cámara. Cada cámara puede tener
un conjunto de modos distintos, si bien seguramente estarán algunos de los siguientes:
CANON NIKON
Modo reproducción: para visualizar, revisar y/o borrar las fotografías tomadas
(sólo en cámaras digitales).
Modo automático (auto): todos los parámetros serán elegidos automáticamente

por la cámara.
Modo programado (P): la cámara escoge los parámetros de apertura y tiempo

de exposición; el fotógrafo puede escoger los demás parámetros que permita la
cámara.
Modo prioridad de apertura (Av): el fotógrafo escoge un parámetro para la

apertura y la cámara selecciona el valor de tiempo de exposición más apropiado
para exponer correctamente la fotografía según la medición del
exposímetro incorporado en la cámara.
Modo prioridad de exposición (Tv): el fotógrafo escoge un parámetro para el

tiempo de exposición y la cámara selecciona el valor de apertura más apropiado
para exponerencorrectamente
incorporado la cámara. la fotografía según la medición del exposímetro
Modo manual (M): el fotógrafo escoge todos los parámetros manualmente.

Otros modos preconfigurados: modos preconfigurados en la cámara para
fotografía de paisajes, retratos, fotos panorámicas, vídeo, etc.
Modo Escena: los cuatro típicos íconos son Montaña (paisajes), persona
(retrato), flor (macro) y atleta (acción).Cada modo tiene su propios ajustes en la
cámara con el objetivo de producir la mejor combinación para fotografiar estos
temas.
-Anillo de diafragmas:
Este control permite escoger la apertura del diafragma del objetivo y, en consecuencia, regular
el máximo paso de luz hacia el obturador y la película fotográfica o el sensor de imagen. Con
ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos
fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la
exposición de las fotografías. Nótese que también se puede regular el paso de luz con la ruleta
de velocidades y que es equivalente (a efectos de equilibrar la exposición de la foto) introducir
luz abriendo el diafragma o dando más tiempo de exposición con la ruleta
r uleta de velocidades.
En términos prácticos se distinguen:
Diafragmas abiertos: aquellos por debajo de f4 (véase número f o apertura), el disco del
diafragma está más abierto y deja pasar más luz hacia el interior. Además, se consigue una
menor profundidad
para hacer enfoquede campo y nitidez (al dejar dispersar más la luz) ayudando notablemente
selectivo.
D.I. Anahí Gómez
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Diafragmas cerrados: aquellos por encima de f4, el disco del diafragma está más cerrado y
deja pasar menos luz. Además, así se consigue mayor profundidad de campo y nitidez en la
fotografía resultante.
- Ruleta de velocidades:
Este control permite escoger al fotógrafo la velocidad del obturador o lo que es lo mismo, el
tiempo de exposición del elemento fotosensible (película fotográfica o sensor de imagen). Con
ello lo que se consigue principalmente es, aparte de facilitar la consecución de algunos efectos
fotográficos, dejar pasar más o menos luz hacia el interior de la cámara para equilibrar la
exposición de las
conseguir este fotografías.
mismo Como
efecto con ya se de
el anillo comentó en el punto anterior, también se puede
diafragmas.
En términos prácticos se distinguen:
s rápidas: superiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto muy poco

Velocidades
Velocidade
tiempo dejando pasar menos luz hacia el elemento fotosensible. Con ellas se consigue
congelar el movimiento y resaltar el dinamismo de los objetos en movimiento.
Velocidad lentas: inferiores a 1/60 segundos; el obturador permanece abierto más tiempo
dejando pasar más luz. Con ellas se consiguen imágenes movidas, desplazadas, otorgando
mayor sensación de desplazamiento.
-Anillo de sensibilidades:
Este control permite al fotógrafo ajustar en la cámara la sensibilidad de la película fotográfica

montada en la cámara (caso de cámara tradicional) o el sensor de imagen (caso de cámara
digital). La sensibilidad en este contexto indica la intensidad de luz necesaria para que el
elemento fotosensible perciba la imagen.
En las cámaras tradicionales este factor depende directamente de la emulsión de la película

fotográfica. Algunas cámaras disponen de un mecanismo automático de contactos metálicos
situados en el tambor donde se carga el carrete fotográfico para leer el código DX que viene
impreso también con contactos metálicos sobre la mayor parte de los carretes modernos de un
modo semejante al de un código de barras. En estas cámaras ya no es necesario indicar la
sensibilidad de la película pues ya la cámara la detecta automáticamente al cargar el carrete.
En las cámaras digitales este factor puede configurarse para que el sensor de imagen sea más
o menos sensible.
Existen varias escalas de sensibilidad fotográfica, siendo la más habitual la escala ASA. En
general, con menores sensibilidades se consigue una mayor nitidez de imagen, si bien es
necesario que entre mayor cantidad de luz en el objetivo; por otro lado, con sensibilidades altas
se facilita al fotógrafo la posibilidad de realizar fotografías con menos luz, si bien la nitidez de la
imagen se verá probablemente perjudicada en cierto grado.
-Balance de blancos:
La luz blanca pura no es habitual en nuestro entorno: la luz del sol tiene un cierto tono dorado y
la luz de una bombilla de filamento de tungsteno suele tener un tono más amarillo.
Al fotografiar objetos con una luz que no
no es blanca pura éstos adquieren
adquieren un cierto tono del
color de la luz que incide sobre ellos (esto se llama dominante). Muchas veces el fotógrafo se
aprovecha precisamente de estas dominantes para conferir ciertos efectos a las fotografías
pero en otras ocasiones es preferible corregir este desequilibrio de color; esto es lo que se
conoce como balance de blancos.
D.I. Anahí Gómez
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El balance de blancos consiste en indicarle a la cámara el tipo de luz dominante que hay para
que la corrija. Para hacer esto hay distintos métodos:
- En muchas cámaras digitales es posible apuntar con la cámara a un objeto blanco para que
ésta entienda que eso es lo que queremos que se considere blanco y que a partir de ese valor
se hagan las correcciones oportunas.
- La mayoría de las cámaras digitales disponen, en todo caso, de una serie de valores
prefijados para distintos tipos de luz
l uz habituales con distintas temperaturas de color.
- Finalmente, es posible colocar un filtro fotográfico corrector de temperatura de color para
corregir la dominante por ese color
color..
Anillo de zoom:
Las cámaras que dispongan de objetivos de distancia focal variable (objetivo

( objetivo zoom) deberán
disponer de algún mecanismo (electrónico o manual) para que el fotógrafo pueda ajustar la
distancia focal entre el rango de valores admitidos por dicho objetivo.
Al actuar sobre este control se consigue:
consigue:
- Abrir o cerrar el encuadre.
- Ampliar o reducir el ángulo de visión.
- Alejar o acercar los objetos encuadrados.
Accesorios
Trípode: un trípode es un aparato de tres partes que permite la estabilización de una cámara
en su parte superior. Se usa para poder evitar el movimiento propio de la mano al tomar una
foto.
Filtros y adaptador de filtros: los filtros fotográficos

son filtros ópticos que se acopla en la parte frontal del
objetivo por medio de una rosca de un adaptador para
producir distintos efectos sobre la luz que entra en el
objetivo.
Flash externo: es aquel que no viene adherido a la cámara.
Protector para objetivo: el protector para objetivo es una pequeña lente ubicada en el cristal
diagfragmal.
Correa: la correa de sujeción de la

l a cámara, aunque no parezca tener importancia en el
conjunto de accesorios de una cámara por su sencillez o su precio, es un elemento importante
para todo fotógrafo ya que constituye en última instancia el cinturón de seguridad de la
cámara.
D.I. Anahí Gómez
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La correa debe llevarse en todo momento puesta en la cámara y sujeta de algún modo al
cuerpo o al brazo del fotógrafo; de este modo se evita que por cualquier tropiezo la cámara
caiga directamente al suelo al resbalarse
r esbalarse de la mano.
Además, otra razón para enrollarse la correa
correa al brazo cuando se toma una fotografía es que
así no habrá cordón suelto que pueda situarse delante del objetivo y estropear la foto.
Parasol para luz difusa: éste es un accesorio plástico con forma de paraguas o de pétalos de
flor que se coloca en el extremo del objetivo para eliminar la luz parásita o dispersa que resta
contraste a las imágenes.
La geometría del parasol depende de la distancia focal y será más corto y abierto cuanto
menor sea la distancia focal y más grande y estrecho cuanto mayor sea la distancia focal. Una
elección errónea del parasol puede producir viñetado en la fotografía. En el caso de usar zoom,
habrá que usar el parasol adecuado a la menor distancia focal de éste.
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EL ABC DE LA FOTOGRAFÍA
LOS 3 ELEMENTOS DE LA FOTOGRAFÍA:
La fotografía es luz. Cada vez que presionas el disparador hay una serie de acciones que
tienen lugar dentro de tu cámara, y que dan como resultado una imagen. Nada de eso sería
posible si no hubiera luz.

Vamos a hacer introducción del triángulo de la luz. Es un concepto muy importante y los más
influyentes en cómo va a ser la fotografía final.
tri ángulo de la luz son el ISO, la apertura, y la

Los tres elementos que componen el famoso triángulo
velocidad de obturación.
· ISO: es la sensibilidad del sensor a la luz, cuanto más elevado sea el valor ISO que
escojamos, más sensible se volverá el sensor de nuestra cámara a la luz y por lo tanto
captará más luz.
· Apertura: Es el tamaño del diafragma, esto es, el agujero que hay dentro del
objetivo o lente, y que permite que entre luz. Cuanto mayor sea la apertura, más
luz entrará y será registrada en la cámara.
· Velocidad
Velocidad de obturación (o velocidad de disparo): Es el tiempo durante el
cuál la cámara se mantiene abierta registrando la luz o foto. Generalmente son
fracciones de segundo, lo que dura un disparo, pero puede ser más extenso. De
hecho, a velocidades de disparo más lentas, entra más luz a la cámara.
La mezcla, en mayor o menor grado, de estos 3 factores es lo que nos da la foto final. Y
lo que es más importante: cada cambio en cualquiera de estos 3 factores impactará
los otros 2, lo que quiere decir que, en modo manual, no puedes modificar un factor de
estos 3 sin tener en cuenta los otros 2. Esto, por fortuna, ya lo hace la cámara por
nosotros en el modo automático e incluso en los modos semimanuales, pero en el modo
manual somos nosotros los que lo controlamos todo.
ISO APERTURA
VELOCIDAD
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Captar una fotografía es en realidad captar la cantidad justa de la luz procedente de aquello
que queremos fotografiar. Imagínate a tí mismo en una habitación con una ventana cerrada.
No hay ninguna fuente de luz más que esa ventana que en principio está cerrada. Además, y
para hacerlo más divertido, imagínate que llevas lentes de sol.
Si quisiéramos iluminar esa habitación abriríamos esa ventana, pero si quisiéramos tener la
habitación mucho más iluminada, podríamos agrandar esa ventana ¿cierto? Es cierto que una
ventana de mayores dimensiones nos daría mayor cantidad de luz. A esto se le llama la
apertura.
Ahora imagínate que no queremos

queremos o no podemos agrandar
agrandar la ventana, pero que seguimos
seguimos
queriendo que entre luz. Bueno, empezaríamos abriendo la ventana, pero cuanto más
tiempo la dejemos abierta, más cantidad de luz entraría (con la pequeña diferencia de que
en la habitación la luz se pierde, no se acumula, pero en la cámara fotográfica la luz se
acumula y se guarda). Pues esto es lo más parecido a la velocidad de obturación. Si en
una cámara réflex en el modo “M” escogemos una velocidad de obturación de 2 segundos,
entrará el doble de luz que si la velocidad es de sólo 1 segundo.
Recuerda que sigues llevando lentes de sol desde que hemos empezado el ejemplo. Esos
lentes de sol simbolizan el valor ISO, que si en una cámara lo tenemos bajo, entrará sólo la
cantidad de luz suficiente. ¿Qué pasaría si, con la ventana abierta, te quitaras los lentes de
sol? Simplemente tus ojos recibirían mayor cantidad de luz. Lo mismo pasa cuando subimos el
ISO a valores elevados (con la pequeña diferencia de que, en las cámaras réflex, el ISO
conlleva a veces un poco de ruido y granos en la fotografía).
Dominar el Triángulo de la Luz:

Dominando cada uno de estos 3 factores por separado aprenderás a controlarlos en su
conjunto. Si quieres un pequeño truco que siempre recomiendo para quien esté dando sus
primeros pasos en el modo manual: utiliza los modos semimanuales de tu cámara y aprende
de la observación. La cámara es sabia, en el modo de Prioridad de Apertura (Modo “A” en
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Nikon, “Av” en Canon) lo que tú puedes controlar es el tamaño de la apertura. Intenta modificar
ese valor y observa cómo la cámara automáticamente cambia el otro factor, el de la velocidad
de obturación. Si pones una apertura pequeña, f/16 por ejemplo, la cámara eligirá una
velocidad de disparo más bien lenta, si escoges una apertura enorme, tipo f/2.8, verás que la
velocidad de disparo será más rápida, y así. También
También puedes hacer la prueba con el modo
Prioridad de Disparo (“S” en Nikon y “Tv” en Canon), sólo que al revés.
Efectos Secundarios:
Conviene señalar que cada uno de los 3 factores arriba descritos conlleva efectos secundarios
(a veces eso es lo que buscamos). La apertura tiene un impacto directo sobre la profundidad
de campo, el IS
ISO
O influye en la cantidad de granos/ruid
ido
os que aparecerán en la foto, y la
velocidad de disparo influye en cómo capturamos la acción o el movimiento.
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LEY DE RECIPROCIDAD
La Ley de Reciprocidad, o Ley de Bunsen-Roscoe, indica que el nivel de exposición de una
fotografía es proporcional a la cantidad de luz que incide sobre el sensor
sensor,, cantidad que se
obtiene a partir del producto de intensidad por el tiempo. Algo que podríamos especificar
como:
E (Exposición) = I (Intensidad) x T (Tiempo)
Quizás así no te diga nada, pero, ¿y si que digo que esta I (Intensidad) viene regulada a través
de la apertura de diafragma seleccionada en cada toma?, no te descubro nada nuevo,
¿verdad?
La exposición, por tanto, dependerá, dejando al margen el nivel de sensibilidad, del tiempo de
exposición del sensor (T) y de lo abierto o cerrado que tengamos el diafragma de nuestro
objetivo (I).
Esto lo explicábamos muy bien con el símil del grifo y el vaso de agua .
La Relación Entre Tiempo de Exposición y Apertura de Diafragma
Parece algo obvio que el nivel de exposición dependa de la intensidad y del tiempo de
exposición.
Sin embargo, la ley aporta algo más y es aquello por lo que recibe su nombre: la reciprocidad
en el comportamiento a la hora de variar estos parámetros para lograr una exposición
idéntica.
Supongamos que hacemos uso del modo manual de nuestra cámara y ésta nos permite
modificar tiempo de exposición y apertura de diafragma entre los siguientes valores:
Apertura: f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f/32
Tiempo Exposición: 1/500, 1/250, 1/125, 1/60, 1/30, 1/15,
1/8, 1/4, 1/2, 1 seg.

Por ejemplo, se obtiene la misma exposición con f/4 y 1 s.
que con f/2.8 y 1/2 s. o bien con f/2 y 1/4 s., etc.
D.I. Anahí Gómez
17
Es decir, que dadas unas condiciones de toma, la exposición lograda se mantendría
constante si reducimos a la mitad
mit ad la intensidad (apertura), pero duplicamos el tiempo de
exposición. O, al contrario, es decir, si duplicamos la intensidad (apertura), pero reduciendo a
la mitad del tiempo de exposición.
Manteniendo el ejemplo, lograríamos una exposición idéntica con los valores de f/2.8 y 1/125
seg.
¿Por Qué Los Valores de Apertura y Exposición No Crecen Del Mismo

Modo? El Curioso Número f
No hace falta ser muy observador para darse cuenta de

que, si bien los valores del tiempo de exposición aumentan
o disminuyen multiplicándose o dividiéndose por 2, en el
caso de la apertura esto no sucede así.
El factor de multiplicación en el caso de la apertura es
1.4, que curiosamente es la raíz cuadrada de 2. ¿Por qué
esta particularidad de la apertura frente al tiempo de
exposición?
La respuesta está en el significado del número f y lo que representa.
Simplificando, el número f está relacionado con el diámetro del diafragma, y como la
relación entre el diámetro y el área de un círculo es cuadrática, para reducir a la mitad
mit ad o
duplicar el área de un círculo deberemos aumentar o disminuir el diámetro del mismo
aplicando un factor de multiplicación de raíz cuadrada de 2, en lugar de 2, ya que esto
conllevará multiplicar o dividir el área por 4.
Los Pasos: ¿Qué Es Eso de Subir O Bajar Un Paso?
Precisamente, a esta variación de los parámetros de apertura y tiempo de exposición, se le

denomina pasos. Así, cuando pasamos de una configuración de f/4 y 1/60 seg., a otra de f/2.8
y 1/60 seg., se dice que hemos subido un paso, ya que lo estamos haciendo es duplicar el
nivel de exposición a través de la duplicación de la intensidad lumínica.
También habríamos subido un paso si en lugar de aumentar la apertura, hubiésemos
aumentado el tiempo de exposición. Es decir, si hubiésemos pasado a la configuración f/4 y
1/30 seg.
Del mismo modo, si de la configuración de f/4 y 1/60 seg., nos movemos a una configuración
de f/4 y 1/125 seg., lo que habremos hecho será bajar un paso. Ya que hemos reducido a la
mitad el tiempo de exposición, y con esta reducción, también hemos hecho lo propio con la
cantidad de luz que llega al sensor y,
y, por tanto, con la exposición.
D.I. Anahí Gómez
18
Al igual que indicábamos anteriormente,
anteriormente, no sólo es posible bajar un paso reduciendo el
tiempo de exposición, también es posible hacerlo reduciendo la apertura. Una configuración
de f/5.6 y 1/60 seg. también habría supuesto la reducción de un paso en la exposición de la
toma.
1/2 Pasos y 1/3 Pasos: Para Un Mayor Control
Si observas las opciones que te ofrece tu cámara a la hora de variar el tiempo de exposición y
la apertura de diafragma es muy probable que existan valores intermedios, es lo que se
conoce como medios pasos y tercios de paso. Es decir decir,, valores que en lugar de permitirte
duplicar o reducir a la mitad la exposición, te ofrecerán una progresión más gradual.
Así, por ejemplo, entre los valores f/2.8 y f/4, la Nikon D7000 ofrece valores intermedios los
siguientes valores intermedios: f/3.2 y f/3.5. Valores que corresponden con reducciones de 1/3
paso. Del mismo modo sucede entre los valores 1/60 y 1/125 seg., esta cámara ofrece la
posibilidad de reducir la exposición a razón de 1/3 de paso a partir de los valores 1/80 y 1/100
seg.
Desde luego, estos pasos intermedios proporcionan un mayor control al fotógrafo, si bien, en
ocasiones pueden verse como un retraso, por lo que muchos modelos de cámaras ofrecen la
posibilidad, a través de su menú de configuración, de indicar si se desea trabajar con pasos
completos, 1/2 paso ó 1/3 paso.
¿Y Lo De La Sensibilidad ISO?
Hasta ahora habíamos querido dejar al margen un parámetro que, como bien hemos
comentado en muchos artículos es parte fundamental del triángulo
tr iángulo de exposición (apertura de
diafragma, tiempo de exposición y sensibilidad), exacto se trata
t rata de la sensibilidad ISO.
Este parámetro permite especificar cómo de sensible será el sensor de nuestra cámara
ante la cantidad de luz que recibe. Su crecimiento es lineal, así, ante una misma cantidad
de luz (intensidad x tiempo), una configuración de ISO 200 recibirá el doble de exposición que
una configuración de ISO 100.
Valores habituales de ISO son: 100, 200, 400, 800, 1.600, 3.200, 6.400, 12.800, 25.600…
No obstante, al igual que sucedía con el tiempo de exposición y la apertura de diafragma, es
posible que tu cámara te ofrezca la posibilidad de emplear 1/2 y 1/3 pasos. Disponiendo de
valores como ISO 133 ó ISO 166, por ejemplo.
Por tanto, el valor de sensibilidad ISO es otro parámetro que podrá servir para modificar la
exposición de nuestra fotografía de forma sencilla, si bien, no hay que olvidar que el
incremento del valor de sensibilidad conllevará un efecto no deseado y ése es el de la
introducción de ruido, especialmente a medida que vayamos incrementando el valor de la
sensibilidad.
D.I. Anahí Gómez
19
¿Cómo Sé Qué Combinación De Parámetros Emplear En Cada Toma?
Simplificando mucho lo dicho hasta ahora, la Ley de Reciprocidad nos viene a indicar que
dada una configuración de parámetros en nuestra cámara para fotografiar una escena
concreta, es posible lograr la misma exposición mediante la variación de sus
parámetros, haciendo que unos compensen a otros.
Es decir, que la exposición lograda para una determinada escena haciendo uso de las
siguientes configuraciones en nuestra cámara sería la misma, puesto que lo que hacemos en
cada configuración es compensar los incrementos o decrementos a través de los tres
parámetros:
· ISO 100, f/4, 1/60 seg. (configuración inicial)
· ISO 200, f/5.6, 1/60 seg. (sensiblidad x 2 y apertura/2)
· ISO 200, f/4, 1/125 seg. (sensiblidad x 2 y tiempo de exposición/2)
· ISO 100, f/2.8, 1/125 seg. (apertura x 2 y tiempo de exposición/2)
· ISO 400, f/5.6, 1/125 seg. (sensiblidad x 4, apertura/2 y tiempo de exposición/2)
· …
Entonces, si todas las configuraciones ofrecen un mismo resultado a nivel de exposición,
¿cómo sé qué configuración debo usar en cada toma concreta? Muy sencillo, conociendo
cómo afectan, al margen de su participación en la exposición, los distintos parámetros.
A continuación,
continuación, te indico una breve explicación
explicación sobre cada uno
uno de los parámetros
· - El tiempo de exposición te
permitirá congelar el movimiento. Deberás optar por un
valor que evite la trepidación y,
y, también, que el sujeto fotografiado, si es que está en
movimiento, no aparezca suficientemente nítido (aunque a lo mejor pretendes justo lo
contrario).
· - La apertura de diafragma controlará la profundidad de campo. La elección de una
mayor o menor apertura de diafragma afectará, respectivamente a una menor o mayor
profundidad de campo en la toma, permitiendo centrar en mayor o menor medida la atención
sobre el plano enfocado.
· - El valor de sensibilidad ISO como comodín. la recomendación sobre la sensibilidad
es utilizar el menor valor posible para evitar la introducción de ruido en la fotografía. Si bien, el
valor de sensibilidad siempre estará ahí para tratar de compensar valores de apertura o
tiempo de exposición que pudiesen originar una subexposición en la toma.
Por tanto, a partir de una configuración que ofrezca una exposición adecuada de la escena,
será el momento para valorar el resultado que buscas, pensar en el tiempo de exposición y
apertura que necesitarías para lograrlo y, a partir de ahí, compensar estos valores (junto con la
sensibilidad ISO), teniendo en cuenta la Ley de Reciprocidad, para obtener la configuración
ideal para la toma.
D.I. Anahí Gómez
20
COMPOSICIÓN
Reglas básicas de composición fotográfica
Las reglas de composición fotográfica son las mismas que se aplican a la pintura puesto
que son actividades similares. Su observancia genera imágenes más fáciles de comprender
por nuestra mente. Sin embargo, rompiéndolas también podemos crear imágenes atractivas.
Veamos
Vea mos algunas reglas y principios de composición con ejemplos de su cumplimiento y de su
no cumplimiento.
Principios: Centro de interés, direccionalidad, ley de la mirada, contraste, simetría, ley del
horizonte.
Reglas: Regla de los tercios, regla de los impares, simplificación, limitación de enfoque.
Es evidente que cumplir estas reglas no garantiza una foto perfecta, pero sí que
conseguiremos que cumpla ciertos cánones reconocidos como de valor estético. Veamos
algunos ejemplos que sí cumplen alguna regla y cómo saltársela creativamente.
Manual para transgredir 10 reglas de fotografía (con arte)
PRINCIPIOS
1) Centro de interés: T
Toda
oda imagen debe de tener un punto fuerte, un centro de interés, un
lugar o área dominante que acabe por centrar nuestra mirada. Por contra las fotos de texturas
repetitivas o caóticas puede ser muy sugerente sin necesidad de tener un centro de interés
i nterés
definido.
D.I. Anahí Gómez
21
2) Direccionalidad: Es la cualidad de la imagen de dirigir la mirada del espectador por toda la

imagen siguiendo las líneas que están en ella. Hay imágenes que no necesitan tener
direccionalidad para ser atractivas al observador.
3) Ley de la mirada: Se ha de dejar espacio libre delante de la mirada o dirección de la

escena. En algunas ocasiones mandar al espectador en dirección contraria puede dar más
fuerza a la escena.
D.I. Anahí Gómez
22
4) El contraste: Diferencias de luminosidad y oscuridad dentro de la fotografía y su diferente

tonalidad y color. Estas diferencias crean masas que se atraen y repelen y que fuerzan al
espectador a recorrer la imagen. En otras ocasiones la ausencia total de tonos o contrastes
puede ser igualmente interesante.
5) Evitar la simetría: La ausencia de simetría exacta es más sugerente a nuestra mente por lo
general puesto que es algo que no suele encontrarse de modo habitual en la naturaleza.
Forzar la simetría puede ser cautivador si se hace con acierto.
D.I. Anahí Gómez
23
6) Ley del horizonte: Como norma general el horizonte nunca se ha de poner justo en el
centro del encuadre. Eso no quiere decir que en algunas ocasiones el centro no sea un buen
sitio para el horizonte
REGLAS
7) Regla de los tercios: Si hacemos dos líneas verticales y dos horizontales creando 9
cuadros de idéntico tamaño, se generan unas intersecciones llamadas puntos de interés. Si
colocamos sobre estas líneas e intersecciones nuestros elementos compositivos, la imagen
cobrará más fuerza. La regla no es perfecta para todos los aspectos de la fotografía pero es un
gran comienzo para producir buenas imágenes.
D.I. Anahí Gómez
24
8) Regla de los impares: Según esta regla es más armónico un paisaje con 3 o 5 árboles que
con 4 por ejemplo. En nuestra mente las estructuras impares, visualmente parece tener más
fuerza. Pero hay casos en los que esto no se cumple necesariamente, por ejemplo cuando
logramos una imagen con simetría que tenga impacto. La simetría, por lógica sólo puede ser
par: a cada elemento le corresponde un reflejo por lo que siempre se verán parejas de
elementos.
9) Simplificación: Se dice que “menos es más”. En la composición de imágenes también

sucede lo mismo. Una imagen simple, sencilla, con pocos elementos bien colocados, suele ser
muy cautivadora.
En otros casos, la complejidad extrema de una imagen de tipo fractal puede hipnotizarnos
todavía más si cabe.
10) Limitación de enfoque: o enfoque selectivo. Tal

Tal y como se ve en la foto anterior del
romanesco, consiste en enfocar sólo a una pequeña porción de la imagen, que coincide con el
centro de interés, dejando el resto muy o totalmente desenfocado.
De este modo se separa el motivo principal del resto de la imagen dándole más importancia y
concentrando la mirada sobre él. En otras ocasiones no es necesario hacer esto o incluso es
interesante dejar totalmente enfocada toda la imagen.
En la fotografía de paisaje es frecuente encontrarse con imágenes que incumplen varios de los
principios enumerados hasta ahora como esta foto de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de
Valencia.
D.I. Anahí Gómez
25
Tiene simetría, no tiene centro de interés concreto, el horizonte está en el centro y está
totalmente enfocada y la foto mantiene toda su fuerza.
Además de lo visto, hay algunas

algunas otras reglas no escritas que también
también resulta interesante
experimentar.. Por regla general las fotos no deben estar movidas, pero el movimiento
experimentar
realizado adrede, experimentando con él, en ciertas circunstancias, puede producir imágenes
muy interesantes.
El horizonte ha de ser, eso, horizontal, pero al mismo tiempo que hacemos encuadres no
habituales como picados o contrapicados, deberíamos experimentar inclinando la cámara,
buscando direccionalidad, intención, movimiento, desequilibrio. El resultado de esta práctica
seguro que da buenos resultados.
Otro elemento que se supone que debe estar presente en las imágenes es una porción
enfocada pero ¿qué pasaría si toda la imagen estuviera desenfocada? Se puede jugar a
desenfocar toda la imagen para evocar recuerdos pasados o un futuro por llegar, una persona
que se aleja o una que se acerca.
D.I. Anahí Gómez
26
EL PESO VISUAL
Empecemos por definir esto de “peso visual”. El peso visual es la capacidad que tiene un
elemento de una composición de atraer la mirada de aquel que mira la imagen. Cuanto más
peso visual tenga algo, más atraerá la atención del ojo.
¿Qué hace que algo tenga más peso visual que otro elemento?
·El tamaño. Un elemento grande tiene más peso visual que un elemento pequeño.
·La posición. Un elemento en una posición baja, tiene más peso que uno en una posición
alta. Además, un elemento situado a la derecha, tiene más peso que uno situado a la
izquierda.
.La distribución. Un elemento tendrá más peso visual si se encuentra aislado que dentro de
un grupo.
D.I. Anahí Gómez
27
·La textura. Un elemento con textura tendrá más peso que uno que no la tenga (osea de
textura lisa).
·La forma. Las formas cerradas, geométricas, regulares y/o reconocibles tendrán más peso
visual que el resto de formas.
·El color. Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores
saturados pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los colores
claros.
D.I. Anahí Gómez
28
El contraste. Un elemento que genere contraste respecto

r especto al resto de elementos, tendrá más
peso visual.
¿Cómo Gestionar el Peso Visual para Conseguir Imágenes Atractivas?
Una imagen atractiva visualmente suele ser aquella que tienet iene sus pesos visuales bien
distribuidos, esto es, que está equilibrada. Se trata, por norma general, de percepciones
bastante subjetivas y que necesitan de un ojo bastante entrenado en este aspecto. Sin
embargo, es tan sencillo como convertir una imagen a simples figuras geométricas:
Ahora tendremos que colocar

colocar (metafóricamente) nuestra imagen simplificada
simplificada en una balanza y
ver qué lado pesa más. En nuestro ejemplo, como el sujeto principal está situado en un
extremo de la imagen, lo lógico sería pensar que esta foto está desequilibrada, pues si la
pusiéramos en una balanza, se caería hacia la derecha. Sin embargo, la sombra del fondo
f ondo
tiene también su peso visual, es un elemento muy grande (uno de los factores que hace que
tenga más peso visual que la lámpara) pero, a la vez, es más claro que este (debería pesar
menos). Además,
Además, el gran peso de la figura se encuentra en el lado opuesto que la lámpara con
lo cual, por todo
t odo esto, la imagen queda bastante equilibrada.
Entonces, ¿sólo se trata de mantener los pesos visuales equilibrados? ¡En absoluto! Una
fotografía puede estar perfectamente equilibrada y, sin embargo, no ser atractiva (o, al menos,
ser menos atractiva que otra imagen igual de equilibrada). Tomando
Tomando como referencia el
ejemplo anterior:
D.I. Anahí Gómez
29
Ambas imágenes están,

están, más o menos, equilibradas. Pero la imagen
imagen de la izquierda es más
atractiva visualmente que la de la derecha. Primero porque el sujeto principal de la imagen de
la izquierda está situado en uno de los puntos fuertes de la regla de los tercios y esto será
atractivo para el ojo humano. Además,
Además, la fotografía de la derecha es demasiado estática, con
un solo golpe de vista el ojo ve todos los motivos perfectamente. Por el contrario, en la foto
original, el ojo puede hacer un recorrido natural para leer toda la fotografía:
Como el ojo occidental está acostumbrado a empezar a leer los textos por arriba a la
izquierda, a la hora de leer las fotografías, ocurrirá lo mismo. Así que, para la imagen de la
izquierda, ese es el recorrido que hará el ojo para leerla: empezará por la esquina superior
izquierda y terminará en el centro de atención, la lámpara, sin dejar de recibir información en
ningún momento. En la imagen de la derecha, al encontrarse todos los elementos centrados,
con un simple golpe de ojo al centro de la fotografía, quedará leída completamente y no habrá
más información que el ojo pueda leer aún moviéndose por la imagen. En conclusión, suele
pasa que una imagen que provoque cierto movimiento del ojo será más atractiva
visualmente. El centro no llama la atención y las imágenes estáticas, por norma general,
aburren al ojo.
Teniendo todo esto en cuenta, podemos aprovecharnos del peso visual para expresar aquello
que más nos interese, por ejemplo:
D.I. Anahí Gómez
30
30
- El movimiento por hacer. Si quieres intentar transmitir movimiento pero sin que éste todavía
se haya consumado, o no del todo, quizás la mejor opción sería situar tu sujeto principal en el
punto situado abajo a la izquierda de tu encuadre. El hecho de colocarlo a la izquierda y no
a la derecha es por la
l a dirección de lectura del mundo occidental. Como ya hemos visto, el
ojo verá, en un primer momento, el sujeto y luego seguirá leyendo la composición, dándose
cuenta de que queda mucho espacio para ser recorrido.
r ecorrido.
· El movimiento ya hecho o muy rápido. De la misma manera que en el caso anterior, el

modo de lectura occidental nos ayudará a colocar el sujeto para que éste transmita ese
movimiento. Si colocas el centro de atención en el punto situado abajo a la derecha, el
ojo pasará por todo el cuadro antes de llegar al sujeto, lo que dará sensación de camino
recorrido. Como en el caso anterior,
anterior, si, además, existen líneas
l íneas diagonales que recorran la
imagen desde la esquina superior izquierda a la inferior derecha, la sensación de movimiento
será mucho más acusado y cuanto más cercano al borde esté el sujeto, más veloz parecerá.
D.I. Anahí Gómez
31
·- Es libre. Por el contrario, si le dejamos mucho aire alrededor, nos dará la sensación de que
es libre.
¿Sólo se Pueden Conseguir Imágenes Atractivas Siguiendo Estas

Directrices?
En absoluto. Mientras seas consciente de lo que estás haciendo y de por qué lo estás
haciendo, podrás conseguir las imágenes atractivas que quieras. A veces,
veces, incluso puede
interesarte realizar alguna fotografía muy estática si eso te ayuda a transmitir lo que quieres
i ncluso desequilibrar los pesos de una imagen
(estabilidad, tranquilidad o aburrimiento) o incluso
(como en alguno de los ejemplos anteriores) para llamar la atención del espectador
espectador,, que se
dará cuenta de que hay algo “raro” en esa imagen.
Lo importante es que conocer el mundo de los pesos visuales puede ayudarte a componer tus
imágenes. Una vez empieces a mirar las fotografías en esta clave, no pararás de buscar pesos
visuales y,
y, una vez domines su disposición, la composición de tus fotografías mejorarán
sensiblemente.
D.I. Anahí Gómez
32
- Flota. Si queremos representar la sensación de que el objeto está flotando, es decir: que se
mantiene en el aire pero no va a caer; es bastante útil colocarlo por encima de la línea
central. El centro, como hemos dicho, es demasiado estable, así que nos dará esa
sensación de “mantenerse”. A la vez, situarlo un poco por encima, nos dará la sensación de
estar por encima del suelo (en este caso, el margen inferior de la fotografía).
· No se mueve, es estable. Si situamos nuestro elemento en la parte inferior de nuestro

encuadre, nos dará la sensación de que se encuentra colocado sobre el suelo, así que está
en una posición estable. Si, además, lo colocamos en el centro, todavía será más estable.
- Está atrapado o protegido. Si rellenamos el encuadre con un elemento de un gran peso

visual, nos dará la sensación de que está atrapado o protegido.
D.I. Anahí Gómez
33
Observar Bien Para Saber Qué Dejar Fuera del Encuadre
A veces,
veces, el hecho de hacer
hacer una fotografía en la que se
vea todo lo que queremos enseñar es la opción más fácil
y puede ser tentador. El hecho de plantearnos qué
podríamos dejar fuera del encuadre puede ser un buen
ejercicio fotográfico con el que entrenar un poco nuestro
ojo. Nos obligará a observar bien nuestro motivo, a
analizar las posibilidades fotográficas que nos ofrece
para
más decidir, en última
atractivo instancia,
a la hora de qué es lo
hacer quefotografía
una quizás sea
espectacular.
Además, observar tu sujeto
sujeto de esta manera puede
incluso descubrirte detalles que, de otra manera, te
habrían pasado desapercibidos, especialmente si
hablamos de monumentos o grandes edificios. La
cuestión es que pararte a observar y a pensar cómo
podrías conseguir una mejor fotografía hará que
termines realizando una imagen más “reflexionada”, más
trabajada y esto también es aprender fotografía.
La Mejor Composición, a veces, No Es la que Más Enseña

Esto va relacionado con el punto anterior y es que el hecho de observar bien el sujeto que
vamos a fotografiar no es sólo para descubrir aquellos detalles que, de otra forma, no
habríamos visto. También
También lo podemos hacer para encontrar la mejor manera de fotografiarlo.
Y es que, a veces, la mejor composición no es aquella que enseña el sujeto completamente.
Los detalles y las formas geométricas que pueden darnos una composición más atractiva
visualmente pueden esconderse en planos más generales, de manera que pasen
desapercibidos. Utilizar una focal más larga, acercarnos al sujeto o, simplemente, dejar parte
de éste fuera del encuadre para dejar entrar en la fotografía otros elementos que también
pueden ser interesantes puede ayudarnos a conseguir mejores fotografías.
Por supuesto
completo estouna
tengan no composición
significa que menos
aquellasatractiva
f otografías
fotografías
o másen pobre.
las queSiaparezca todo elcon
una fotografía sujeto
un al
plano más general se hace bien, puede ser tanto o más atractiva que una en la que se ha
buscado el detalle. Sin embargo, el hecho de buscar detalles y formas f ormas geométricas nos
puede dar más libertad a la hora de crear planos de información y maneras de conducir la
mirada del espectador por la fotografía porque no estaremos determinados por el entorno en
el que se sitúa nuestro sujeto sino que nos centraremos en las posibilidades que nos ofrece el
sujeto en sí.
D.I. Anahí Gómez
34
Deja Espacio a la Imaginación

La mente humana se aburre con mucha facilidad. Si se encuentra con una imagen demasiado
evidente, que no presenta secretos o que es demasiado evidente, es probable que nuestro
cerebro no se sienta atraído por ella. Por esto, el hecho de no enseñar todo lo que podrías
puede llevarte a hacer fotografías que llamen más la atención porque conseguirás que las
personas que vean esas imágenes tenganque invertir un poco de su tiempo para entender qué
representa la imagen que tiene delante.
Es como un rompecabezas, como un reto fotográfico que deberás resolver para que la
fotografía que tienes delante de los ojos se llene de significado. Puedes plantearlo como un
juego con tus “espectadores”
“espectadores” o, simplemente, quedarte con los detalles que más te interesen o
buscar la fotografía abstracta. Sea como sea, el hecho de dejar parte del sujeto fuera del
encuadre puede darte una imagen más atractiva y original.
Busca Tu Propio Ángulo de Visión

En el fondo, cuando hacemos fotografía, todos intentamos buscar nuestra propia manera de
ver las cosas. Si todos
t odos usáramos el mismo ángulo de visión en nuestras fotografías, todas las
imágenes serían iguales y, y, por lo tanto, enseñarían lo mismo. Optar por ver el sujeto que
tenemos delante de una manera diferente no es otra cosa que decidir qué vamos a
potenciar y qué vamos a tratar de esconder. Así que, como ya hemos dicho en otras de las
razones del artículo: observa bien el sujeto que vas a fotografiar para descubrir qué es lo que
más te interesa enseñar de él y cómo hacerlo.
D.I. Anahí Gómez
35
FOTOGRAFÍA MACRO
¿A quién de nosotros no le fascina la fotografía Macro? Esas fotos llenas de color y de detalle, retratando objetos
diarios que rara vez hemos observado tan de cerca. ¿No te provoca admiración contemplar la gigante cabeza de
una mosca, la textura de los pétalos de una rosa, o los detalles de las alas de una mariposa? Reconozco que es
una de mis debilidades. Me puedo tirar horas y horas observando fotos Macro de elementos de la naturaleza. Es
un deleite que no tiene precio.
Primero.. ¿qué es la fotografía Macro exactamente?

“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto
fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño
de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.
¿Para qué se utiliza la fotografía Macro?

El primer uso es puede ser el de contemplar la belleza de las cosas “pequeñas” (en un sentido relativo, sólo son
pequeñas en nuestros ojos)) que nos rodean. Ahí es donde surge la utilidad de la Macrofotografía, que es capaz
de enseñarnos la belleza del sujeto (sea objeto, animal o planta) en cuestión.
Otros usos más objetivos son el de la investigación biológica, que es un campo que le debe mucho a la fotografía
Macro, pues ésta ha permitido documentar muchos estudios relacionados con muchas especies animales y
vegetales.
También gracias a la Macrofotografía es posible contemplar y disfrutar de algunas joyas u objetos valiosos cuyo
tamaño muy reducido normalmente impide que sean apreciados en todo su detalle.
¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro?

Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro” (normalmente lleva el simbolito de una
flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de muy de cerca, en la
que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder
hablar de una foto Macro.
D.I. Anahí Gómez
36
La función Macro no es una característica de la propia cámara, sino más bien del objetivo empleado. Realmente
la cámara sólo hace la foto, el que enfoca es el objetivo y por lo tanto no te tienes que preocupar por el tema
Macro a la hora de comprar la cámara. Es un detalle a tener en cuenta más a la hora de mirar objetivos.
Una vez conseguida la cámara tenemos dos opciones: o hacernos con un lente conversor, o hacernos con un
objetivo específico para fotografía Macro que es la opción que más recomendable.
Lente conversor
Es la opción Macro
de quien no puede costearse un objetivo Macro auténtico. Consiste en emplear la cámara con
cualquier objetivo que tengamos a mano, incluso el del kit original, y engancharle a este objetivo un pequeño lente
conversor que, como su propio nombre indica, convierte el objetivo normal en un Macro.
Es una opción muy barata la verdad, ya que los lentes conversores suelen tener un precio muy asequible. Pero
cuidado, la calidad óptica que ofrecen estos lentes conversores está años luz lejos de la calidad que un objetivo
Macro real te puede ofrecer.
Objetivos Macro
Si has intentado enfocar con tu objetivo normal a una distancia muy pequeña habrás comprobado que éste tiene
una distancia de enfoque mínima, debajo de la cual ya no enfoca.
Pues bien, los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy
reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que
estamos fotografiando.
Es fácil encontrar este tipo de objetivos ya que en su caja, nombre o descripción suele aparecer la palabra
“Macro”, y suelen tener una distancia focal comprendida normalmente entre los 50 y los 200mm (aunque los
hay incluso de 500mm).
Ejemplo de fotografía Macro

Son detalles que podemos encontrar en
nuestra vida cotidiana. Elementos que nos
rodean todos los días y que se esconden
insospechablemente en una maceta, en un
estuche o un monedero.
D.I. Anahí Gómez
37
COLOR
Es probable que hayas escuchado alguna vez la expresión “temperatura de color” en

relación con la fotografía. Si es así, puede que también te suene “balance de blancos“.
Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del
espectro lumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia
el azul en dicho espectro.
Se mide en Kelvin, según una norma que sitúa en 5.500 K la luz del día teóricamente perfecta.
Para días nublados, la temperatura del color sube (se produce una dominancia del azul) hasta
los 12.000 K, mientras que en el interior de una casa con iluminación artificial esa temperatura
baja a unos 2.500 K, con una dominancia del rojo.
De hecho, la temperatura de color de la luz durante el día varía según el momento del día en
que nos encontremos y las condiciones atmosféricas. Suele ser de color rosa por la mañana,
amarillenta a primera hora de la tarde, anaranjada en la puesta de sol, y azulada al caer la
noche.
Normalmente, las cámaras digitales tienen una opción de configuración que permite indicar
distintos modos de balance de blancos, que varian la manera por la cual se percibe la
temperatura del color, ajustando los niveles de los colores básicos (RGB – Red, Green, Blue),
en función de distintas situaciones como pueden ser fotografías a la luz del día con días
soleados, días nublados, iluminación artificial por bombillas incandescentes (tulgsteno), o luz
fluorescente.
Salvo por espectadores familiarizados con el concepto, no se suele apreciar a simple vista la
temperatura del color en una foto
f oto más que por comparación directa entre fotografías.
D.I. Anahí Gómez
38
Hace años, una de las ventajas de utilizar el formato RAW era que los programas de
postprocesado como Camera RAW o RawShooter permitían ajustar la temperatura del color de
una manera directa, cambiando el valor de Kelvin de una foto. En la actualidad, programas
como Lightroom cuentan con esta misma funcionalidad para poder trabajar
tr abajar con imágenes en
formato comprimido como JPG.
Balance de Blancos: Qué Es y Cómo se Usa
El balance de blancos (White Balance, WB)

es un control
ajustar dede
el brillo lalos
l cámara quebásicos
os colores sirve para
rojo,
verde y azul (RGB) con el objeto de que la
parte más brillante de la imagen aparezca
como color blanco, y la menos brillante
como negro. Este control, dependiendo de las
cámaras, puede ser automático o manual.
Por Qué Necesitamos el Balance de Blancos
Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por
el diafragma y registra el CCD no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial,
arti ficial, existiendo
subtipos que dependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es
precisamente la temperatura de color, que expresa la dominante de color de una fuente de luz
determinada, que varía según la distribución espectral de la energía.
En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las
tres componentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una
de las componentes de color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación
basada en bombillas incandescentes (tungsteno) el color rojo es predominante.
Una cámara no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que
está calibrada de forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la temperatura del
color de la luz del sol. Para compensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar
en la cámara la ganancia de cada una de las componentes de color.
El Balance de Blancos en las Cámaras Digitales
La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de

blancos automático.
D.I. Anahí Gómez
39
Los Modos del Balance de Blancos

Algunas cámaras digitales configuraciones del balance de blancos con valores
digitales disponen de configuraciones
por defecto que se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de
blancos suelen ser las siguientes:
·- Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un
espacio iluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.
·- Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o
nublado de gran luminosidad.

·- Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o
de cielo muy cubierto.
·- Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz
fluorescente.
Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con
los términos medios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar
una mayor longitud en las capas de la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la
coloración de la luz, la cual pocas veces notamos ya que nos es demasiado cotidiano. En
estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balance de blancos.
Ajuste Manual del Balance de Blancos

El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante
sencillo. Basta con enfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón
de calibración de blancos. De este modo la l a ganancia de las tres componentes de color se
ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señal bajo estas condiciones de
iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los reales
de la escena fotografiada.
Algunos métodos para ajustar
ajustar el balance de blancos son el uso de herramientas como
como el
Expodisc o la cartulina de grises, y los métodos caseros del balance de blancos mediante
el uso de un filtro de café o una tapa de Pringles.
D.I. Anahí Gómez
40
PSICOLOGÍA DEL COLOR

La elección de los colores apropiados para pintar un ambiente no sólo debería estar
relacionado con el gusto particular por ciertas tonalidades, sino que además es interesante
considerar las sensaciones y reacciones que esos colores producen sobre las personas que
se interrelacionen con los ambientes pintados.
Ya en el siglo XVIII se comenzaron a evaluar los efectos del color sobre la psique humana.
Con el correr de los años se realizaron diversos estudios, tests y pruebas en los que se
comprobaron las reacciones psicológicas y fisiológicas que los colores producen. Estos
estudios han avanzado al punto que en la actualidad existe un método curativo denominado
cromoterapia, a través del cual se ayuda a curar ciertas enfermedades a través
t ravés de la
utilización de colores.
Los efectos psicológicos que se han podido comprobar son básicamente de dos tipos, ti pos, los
que se definen como directos, los cuales hacen que un ambiente parezca alegre o sombrío,
frío o cálido, etc. y los indirectos, relacionados con los afectos y con asociaciones subjetivas
u objetivas de los individuos frente a los colores. Esta característica subjetiva de la
apreciación de los colores, hace que los efectos secundarios sean los más discutidos, ya que
pueden varias de acuerdo con los diferentes individuos.
Otro componente que juega un papel importante en la apreciación de los colores, es la

iluminación del ambiente, ya que ésta no sólo puede modificar el color de acuerdo con la
forma en que incide sobre la superficie pintada, sino que además puede "crear un ambiente"
por sí misma.
ROJO
Es el color del fuego y de la sangre, produce calor.
calor. Es el más caliente de los colores cálidos,
se relaciona con la pasión, los impulsos y el peligro.
El rojo aumenta la tensión muscular,
muscular, el deseo y la excitación. Activa la circulación y por ende
acelera las palpitaciones, eleva la presión arterial y acelera la respiración. También
También actúa
mejorando las funciones hepáticas
Es el color de la vitalidad y la acción, ejerce una influencia poderosa sobre el humor de los
seres humanos. Si ocupa grandes espacios en una habitación puede resultar agobiante, en
cambio si se utiliza en pequeños detalles brinda calidez. Es una buena contraposición a los
colores neutros ya que el rojo les da vida.
Su aspectoimpulsivo,
Vigoroso, negativo activo,
es quesimpático.
puede generar actitudes agresivas, incluso despertar la cólera.
NARANJA
Tiene alguno de los efectos del rojo pero en menor grado. Es un color incandescente, ardiente
y brillante. Estimula el esparcimiento, la vitalidad, la diversión y el movimiento. Disminuye la
fatiga , estimula el sistema respiratorio y ayuda a la fijación del calcio. Favorece la buena
relación entre cuerpo y espíritu aumentando el optimismo.
Se relaciona con la comunicación, el equilibrio, la seguridad y la confianza. Por el hecho de
ser reconfortante y estimulante puede tanto calmar como irritar. Es propicio para trabajar en
equipo, ayuda a la interrelación y la unión.
Es ideal para utilizar en lugares dónde la familia se reúne para conversar y disfrutar de la
compañía.
Debido a su efecto
abre el apetito estimulante
y además también
generar se utiliza
una rápida en los lugares
circulación de comidas rápidas, ya que
de público.
Recurra a este color si desea quebrar barreras, despertar el entusiasmo interior y divertirse
más en la vida. Sociable, impetuoso, amable.
D.I. Anahí Gómez
41
AMARILLO
Es el color de la luz del sol. Genera calor, provoca el buen humor y la alegría. Es el más sutil
de los colores cálidos, actúa como un energizante positivo que no llega a ser agresivo, dando
fuerza al sistema digestivo y a los músculos.
Estimula la vista y actúa sobre el sistema nervioso. Está vinculado con la actividad mental y la
inspiración creativa ya que despierta el intelecto y actúa como antifatiga.
Los tonos amarillos calientes pueden calmar ciertos estados de excitación nerviosa, por eso
se emplea este color en el tratamiento de la psiconeurosis.
El amarillo es muy utilizado en áreas de acceso, salones sociales y cuartos de estudio. Por su
característica de "generar calor" es recomendable
r ecomendable en climas fríos.
Los colores basados en la gama de los amarillos son en su mayor parte neutros y fáciles de
utilizar. El uso excesivo del amarillo crea una sensación de informalidad.
Es el color más difícil de visualizar para el ojo humano.
VERDE
Es un color sedante, hipnótico, anodino. Resulta eficaz en los casos de excitabilidad nerviosa,
insomnio y fatiga. Disminuye la presión sanguínea, bajando el ritmo cardíaco. Dilata los
capilares aliviando neuralgias y jaquecas. El verde es un color sedativo, ayuda al reposo y
fortifica la vista.
Trae paz, seguridad y esperanza. Simboliza la fecundidad, es curativo y renovador.
Es fresco y húmedo, induce a los hombres a tener un poco de paciencia.
El verde natural es el pigmento de la clorofila, que ayuda a las plantas a absorber la energía
solar para elaborar su alimento. Por eso es esencial para la vida vegetal, siendo un ejemplo
de relación natural entre el color y la luz.
Se utiliza para neutralizar los
l os colores cálidos. Indicado para cualquier ambiente, es
aconsejable tener en el baño toallas o detalles en este color, ya que purifica y da energía al
cuerpo.
Es el color más fácil de visualizar por el ojo humano.
AZUL
Es el color que con su efecto tónico, eleva la presión de la sangre por contracción de las
arterias. Actúa como antiséptico, antifebril y astringente. También
También demuestra su eficacia en los
estados reumáticos. Para un individuo emotivo el azul es más calmante que el verde. Abre la
mente, brindando paz y tranquilidad.
El azul es el más sobrio de los colores fríos, transmite seriedad, confianza y tranquilidad. Se el
atribuye el poder para desintegrar las energías negativas.
Favorece la paciencia amabilidad y serenidad, aunque la sobreexposición al mismo produce
fatiga o depresión.
Es uno de los colores preferidos, pero resulta difícil de utilizar en la decoración de los
ambientes. Es ideal para el cuarto de los niños ya que ayuda a apaciguar su energía. También
También
se aconseja para balancear el uso de los colores cálidos.
D.I. Anahí Gómez
42
PURPURA
Actúa sobre el corazón, los pulmones
pulmones y los vasos sanguíneos.
sanguíneos. Aumenta la resistencia de los
músculos y tejidos. Expande el poder creativo desde cualquier ángulo. Tiene buen efecto
sobre los problemas de ciática. Disminuye la angustia, las fobias y el miedo. Una luz color
violeta aúna el efecto estimulante del rojo y el tónico del azul.
Representa el misterio, se asocia con la intuición y la espiritualidad, influenciando emociones
y humores. También es un color algo melancólico. Antaño a causa de su elevado precio se
convirtió en el color de la realeza y por ello, aún en nuestros días, parece impresionante
pomposo
Es un tonoy muy
magnífico.
complejo para utilizar en decoración ya que resulta ambiguo e incierto. No es
aconsejable pintar el ambiente entero en este color
color,, en cambio una sola pared, puede dar un
cambio sorprendente a un ambiente cargado de colores cálidos. En un tono más azulado es
ideal para sitios de meditación.
L NCO
Su significado es asociado a la paz, pureza, fe. Alegría y pulcritud. Es la fusión de todos los
colores y la absoluta presencia de la luz. Para los orientales es el color que simboliza el más
allá o el cambio de una vida a la otra.
Es un color purificador, brinda sensación de limpieza y claridad. Ayuda a alejarse de lo
sombrío y triste.
Representa el amor divino, estimula la humildad y la imaginación creativa.
Se puede utilizar
ambiente. en la decoración
Luce moderno y fresco, de unhay
pero ambiente en grandes
que recordar cantidades
que refleja sindesobrecargar
el 80% el
la luz, por eso
es aconsejable usar menos luz que con el resto de los colores o bien entonarlo levemente.
El blanco es óptimo para que los ambientes luzcan amplios e iluminados.
NEGRO
Tradicionalmente el negro se relaciona con la oscuridad, desespero, dolor, formalidad y
Tradicionalmente
solemnidad. Es la ausencia del color y de toda impresión luminosa, es lo opuesto a la luz ya
que concentra todo el sí mismo. Es el color de la tristeza y puede determinar todo lo que está
escondido y velado.
Es un color que también denota poder y en la era moderna comenzó a denotar el misterio y
el estilo.
El negro se debe utilizar en cantidades pequeñas como accesorios, detalles y espacios
dónde no se
agobiante permanezca
y dado por mucho
que absorbe tiempo.
la luz se debe Si se usa enlagrandes
contemplar cantidades
instalación puede resultar
de luz adicional.
GRIS
Iguala todas las cosas y no influye en los otros colores. Puede expresar elegancia, respeto,
desconsuelo, aburrimiento, vejez.
Es un color neutro y en cierta forma sombrío. Ayuda a enfatizar los valores espirituales e
intelectuales.
Si se utiliza en exceso en un ambiente, lo hará parecer monótono y aburrido.
D.I. Anahí Gómez
43
SOMBRAS COMO PARTE DE LA COMPOSICIÓN
Las sombras nos pueden ayudar en la composición de nuestras fotografías pues no se trata
de algo negativo sino de algo que, si se usa bien, también puede tener su propia fuerza
visual. Así pues, hay principalmente tres maneras de usar las sombras para mejorar las
composiciones de tus fotografías:
- Llenar espacios en blanco. Las sombras en sí mismas rellenan espacio que, de otra
forma, quedaría vacío. Así pues, pueden ser perfectas para, por ejemplo, conseguir un fondo
más interesante o con más personalidad o expresividad, ya sea proyectando en él la sombra
del sujeto principal de la imagen o mostrando la textura de su superficie. Cuando quieras llenar
un espacio vacío, proyecta una sombra en él.
- Guiar la mirada del que vea la foto . Las sombras pueden terminar generando líneas o
patrones que guíen la mirada del observador hacia algún punto concreto de la fotografía. Esto
será especialmente evidente en la fotografía urbana o en la de arquitectura, donde elementos
como por ejemplo las barandillas pueden ayudarte a conseguir estos efectos.
- Equilibrar pesos visuales. Como ya vimos cuando hablamos de los pesos visuales, las
sombras también nos pueden ayudar en este aspecto pues, colocadas estratégicamente,
pueden terminar de equilibrar la composición de una fotografía.
D.I. Anahí Gómez
44
Puedes Usar Sombras Como Elemento Principal de la Imagen

Las sombras no son algo que, simplemente, aparece como consecuencia de la iluminación.
También pueden llegar a convertirse en el elemento principal de nuestra fotografía si somos
capaces de encontrar una sombra interesante y expresiva y además, sabemos sacarle
provecho. ¿Quieres conseguir que una sombra sea la protagonista indiscutible de tu
imagen? Cuatro ideas para conseguirlo:
·
- Las sombras misteriosas. Aquellas que no sabes a qué objeto pertenecen. Pueden
ayudarte a llamar la atención de las personas que vean tus fotos pues adivinar qué es lo que
proyecta esa sombra se convertirá en una especie de juego visual.
·
- Las sombras curiosas. Aquellas sombras que, por su distribución, su forma o su estructura
puedan parecer curiosas fotográficamente. Seguro que tienes un montón de estas alrededor,
sólo debes aprender a mirar “el lado oscuro” de las cosas.
·
- Las sombras abstractas. Y es que si lo que buscas es hacer fotografía abstracta, las
sombras pueden ayudarte un montón. Sólo necesitarás saber colocarlas y encuadrarlas de
manera que te sirvan para tus propósitos (en este caso, descontextualizar la foto. Es decir
decir,, que
no se entienda lo que es el sujeto principal).
·
- Los contraluces. Son otro tipo de sombra y de hecho, creo que es el tipo que más se presta
a ser el elemento principal de una fotografía pues las siluetas suelen dar mucho juego. Si
buscas siluetas, deberás cuidar mucho la iluminación que utilices, en este artículo te damos
cuatro posibles esquemas de luces para hacerlo.
Por supuesto, hay infinidad de opciones para conseguir que una simple sombra se convierta
en el punto más importante de una fotografía. No te centres sólo en las opciones dadas en
este artículo y sal a descubrir las sombras más fotogénicas.
D.I. Anahí Gómez
45
Puedes Usar Sombras Como Ayuda

Ayuda a la Expresión
Una sombra nos puede ayudar a terminar de darle expresividad a nuestras fotografías, pues
hay sombras que son muy descriptivas. Por ejemplo, una buena sombra bien colocada nos
puede aportar mucha profundidad en nuestra fotografía pues nos ayudará a separar el sujeto
principal de nuestra imagen del fondo de la misma.
Las sombras también pueden ser unas muy buenas aliadas para explicar cómo es algo, como
podría ser, por ejemplo, el caso de las texturas, que cuando se iluminan de manera adecuada,
son descritas, precisamente, por sus sombras. Si no fuera por éstas, no tendríamos manera de
conocer si la superficie de algo que aparezca en nuestra fotografía es liso o rugoso y muchas
veces, esas texturas son, precisamente, las que hacen que una imagen se convierta en una
buena fotografía.
Existe otra manera de servirnos de las sombras para ayudarnos a la hora de conseguir
imágenes más expresivas y es el hecho de conocer cómo son las sombras en
determinadas circunstancias para, así, poder simularlas. Por ejemplo, si sabemos cómo son
las sombras en un día nublado (muy difusas), podemos aprovechar ese conocimiento para
aplicarlo en nuestras imágenes y conseguir, por ejemplo, imágenes más melancólicas.
Puedes Usar Sombras que Son Consecuencia de la Iluminación

Sí, es cierto, todas las sombras del mundo siempre son la consecuencia de una iluminación,
voy a concretar un poco más este punto. Hay iluminaciones que, por su naturaleza (su
dureza, su posición respecto el sujeto a iluminar o, simplemente, porque tienen algún filtro que
las modifica antes de llegar a iluminar aquello que nos interesa)
i nteresa) provocan ciertas sombras
más o menos atractivas.
D.I. Anahí Gómez
46
Podríamos decir que la gracia de ciertas iluminaciones

es, precisamente, las sombras que provocan. Estas
sombras, además de ayudarnos a conocer sólo viendo la
fotografía cómo era esa fuente de luz de la que
disponíamos, pueden llegar a convertirse en una parte
importante de la composición o, incluso, a llegar a
robarle protagonismo a nuestro sujeto principal. En
nuestras manos está el decidir si nos interesa hacerlo o
no, el caso es que saber reconocer cuándo estas
sombras nos pueden aportar un extra a nuestra
fotografía y el saber sacarles el máximo provecho puede
sernos muy útil a la hora de crear según qué imágenes.
La Mejor Manera de Conseguir Sombras…
Evidentemente, la mejor manera de conseguir sombras es aprendiendo a encontrarlas

mediante la iluminación y según la luz de la que dispongamos, podremos conseguirlas
conseguirlas de una
manera o de otra:
- Si dispones de una iluminación natural, deberás estar muy atento pues, seguramente, tus
opciones para conseguir exactamente la luz que quieras estarán muy limitadas.
limit adas. Antes de
tomar la fotografía, observa bien cómo incide la iluminación que tienes en el sujeto que
vas a fotografiar. Busca sombras cambiando de ángulo de visión o, si puedes, moviendo el
sujeto en tu interés. Y, sobre todo, analiza tu situación lumínica para saber qué te espera (si
hay nubes que puedan darte unas sombras más difusas, si se va a poner el sol o va a quedar
tapado por algún otro elemento…).
- Si, por el contrario, vas a realizar tus fotografías con iluminación artificial, lo tienes más
fácil pues tendrás más libertad de modificar la situación lumínica para adaptarla
completamente a tus necesidades. ¿Quieres sombras? Huye de los difusores: la luz suave
genera sombras, sí, pero pueden llegar a ser tan suaves que no puedas ni apreciarlas. Las
luces duras y laterales son las mejores amigas de las sombras, ¡eres tú quien debe decidir si
eso es lo que te interesa para tus imágenes o no!
D.I. Anahí Gómez
47
ILUMINACIÓN
Hay veces en la vida tienes que tomar decisiones. La tecnología no es capaz de funcionar de
manera autónoma al 100%. Necesita que la guiemos, que le demos alguna pista.
La medición de luz en cámaras de fotos réflex es uno de esos ajustes que tienes que decidir
por ti mismo. Tu cámara, por muy eficiente que sea en el modo automático, no puede adivinar
el modo de medición de luz más adecuado.

Existen algunas pitas que pueden ayudar a entender el significado de la medición de luz de
manera simple, dándote algunas pistas sobre cuándo utilizar cada modo.
¿Qué son los modos de medición de luz en fotografía digital?

Para no producir fotos sobreexpuestas (con demasiada luz) ni subexpuestas (demasiado
oscuras) la cámara de fotos intenta “dosificar” la cantidad de luz que entra. Si ve que el paisaje,
persona u objeto retratado está oscuro la cámara intenta compensarlo dejando que entere un
poco más de luz. Si por el contrario se percata de que es un día muy soleado, o que hay
demasiada luz en la escena, ahí intenta restringir la cantidad de luz que pasa a su interior
garantizando así unos niveles de iluminación correctos.
La medición de luz es una indicación que le damos a la cámara para que ésta distinga qué
parte del encuadre se debe tomar como referencia para regular la exposición (la captura de
luz). Si algunas partes del encuadre estuvieran demasiado iluminadas y otras demasiado
oscuras, la cámara se volvería loca.
Tipos de medición de luz

Principalmente hay 3 tipos.
1) Medición Puntual: Aquí la cámara mide la luz de un punto específico del encuadre
(normalmente el centro, si bien en algunas cámaras se lo puedes indicar tú) y regula la
cantidad de luz que necesita captar en función de esa medición. Que el resto del encuadre
salga más oscuro o más iluminado a la cámara se la trae sin cuidado. Lo que interesa exponer
correctamente es una zona concreta y “puntual”. De ahí el nombre.
Ejemplo:
Si tienes una escena en la que la mayor parte del encuadre está oscura y sólo una parte muy
mínima está iluminada conviene que utilices el modo de medición Puntual y le indiques a la
cámara dónde está ese personaje que te interesa iluminar
il uminar bien.
D.I. Anahí Gómez
48
2) Medición Ponderada al Centro: Casi similar a la medición puntual, excepto por el hecho de
que toma como referencia el punto indicado, dándole mucha importancia en el cálculo, pero
también tiene en cuenta la zona alrededor de ese punto, eso sí, dándole una importancia
mucho menor.
Ejemplo:
En este ejemplo se utilizó la medición ponderada al centro. Lo que había que tener
correctamente expuesto eran las velas junto con los dos personajes principales. Sin embargo,
se consiguió que se vieran más personajes así como el resto de la escena gracias a que la
cámara tuvo en cuenta también el resto del encuadre.
D.I. Anahí Gómez
49
3) Medición Matricial:
Éste es el modo más fácil de usar, y generalmente el que se usa más frecuentemente. Aquí
Aquí
simplemente le dices a la cámara: “Mira, calcula los distintos niveles de luz de todo el
l uz”.
encuadre, saca una media, y sácame la foto con esa media de luz”
Aquí normalmente la mayoría de los elementos
elementos del encuadre suelen
suelen salir bien expuestos
puesto que la cámara no se va a ninguno de los dos extremos, sino que aplica una exposición
“media”.
¿Para qué situaciones es mejor usar la medición matricial?
Toda foto en la que no haya ningún elemento excesivamente iluminado ni demasiado oscuro.
Ejemplo:
Cualquier foto en la que nos interese equilibrar la luz entre zonas oscuras y otras iluminadas
sería ideal para el modo de medición de luz matricial.
D.I. Anahí Gómez
50
CLAVE ALTA/CLAVE BAJA
La mejor fotografía no es el resultado de una buena técnica. No es el encuadre, ni el revelado

digital que le aplicamos lo que le da valor a una foto. Tampoco
Tampoco es la distancia focal del objetivo,
ni el tamaño del sensor de la cámara con que la hayamos tomado.
Lo que hace de una instantánea una gran foto es la reacción que esa fotografía produce en
quien la ve, las emociones que libera en él. Los sentimientos que induce. Algo así como lo que
hace la poesía o la música. Si tu foto cautiva al espectador y causa en él una impresión, has
triunfado.
Para provocar algo en el espectador tienes que hacer uso de ciertas herramientas. Una de esas
herramientas que suelen funcionar muy bien a la hora de “generar” un sentimiento en quien ve
la foto es la técnica conocida como Clave Alta/Clave Baja.
Las fotos hechas en Clave Alta o Clave Baja suelen llevar una enorme carga emocional. No
puedes ver una foto en Clave Alta y no sentirte invadido por sentimientos positivos, de paz, de
felicidad y de ternura. Tampoco
Tampoco te escapas de los sentimientos de intriga y misterio que suele
generar una foto en Clave Baja.
Son las típicas fotos que ves, te quedas impresionado como espectador,
espectador, y no se te ocurre ni
por asomo intentar hacerlas por lo complicadas que son, crees. No podrías estar más
equivocado. Hoy toca aprender a hacer fotos en Clave Alta y Clave Baja. Verás que es
extremadamente fácil conseguir unas fotografías cautivadoras y llenas de sentimientos.
Pasos para fotografiar en Clave Alta

1. Vas a necesitar luz, mucha luz. Lo ideal sería apoyarse en uno o dos focos de
iluminación (luz continua) que inunden el encuadre de luz. Si vas a jugar muchas veces
con la Clave Alta te interesa pillarte unos focos de luz continua o softbox.
D.I. Anahí Gómez
51
2. Prepara un fondo blanco. Imprescindible.
3. Ajusta la cámara, en modo manual como de costumbre, a una apertura relativamente

grande (f/5.6 sería suficiente, aunque si quieres bajar a f/3.5 pues no iría mal tampoco).
Asegúrate de tener ISO mínimo (100), una velocidad de obturación entre 1/5 y 1/10
segundos. Sube la exposición a +2 EV.
4. Ya que vas a utilizar una velocidad de obturación no excesivamente rápida, vas a

necesitar un trípode, un disparador remoto (para eliminar toda posible vibración a la
hora de disparar) y pedirle al sujeto que no se mueva.
5. Ahora dispara la foto.
Lo que te acabo de dar son orientaciones que quiero que uses como punto de partida
para ir experimentando, disparando, viendo el resultado y volviendo a disparar, y así
hasta dar con la configuración más adecuada para la situación.
Fotografías ideales para la Clave Alta
Como ya vimos, en este tipo de fotografía predominan los blancos y se caracteriza por un
reducido contraste de la imagen y la ausencia de sombras duras en la misma. La Clave
Alta tiene una serie de sentimientos y emociones “típicos” que van
van asociados a ella. Por
ello, hay situaciones y fotografías más “idóneas”
“ idóneas” para emplear esta técnica. Se enlistan
algunas ideas para ejercicios de clave alta:

fotografía Macro, margaritas, niños, bebés, parejas y bodas, desnudos, retratos
femeninos.
D.I. Anahí Gómez
52
Pasos para fotografiar en Clave Baja
1. Fondo negro como te podrás imaginar . Tiene que ser plano, sin relieves ni brillos.
bril los. La
idea es que no refleje ninguna luz.
2. Luz: Clave Baja no significa ausencia de luz, sino escasez de la misma. En la

Clave Baja el fotógrafo utiliza una cantidad mínima de luz distribuida de forma
estratégica, dirigiéndola sólo a las partes que interesan del sujeto u objeto retratado. En
este caso con un Flash remoto bastaría. Si el flash te permite controlar su potencia,
ajústalo en una potencia baja.
3. Ajustes de la cámara: Aquí no hay valores de los que puedas partir por defecto. La
única regla a tener en cuenta es que tienes que jugar con los ajustes para que entre
cuanta menos luz a la cámara mejor.
mejor. No digo que salga toda la foto oscura y ni siquiera
se pueda distinguir al sujeto. Tampoco
Tampoco hay que irse a ese extremo pero sí conservar una
luz sutil que desvele sólo parte del cuerpo o cara de nuestro personaje.
4. Ahora dispara la foto. De nuevo, ve disparando y revisando los resultados.
Fotografías ideales para la Clave Baja

Las fotografías en clave baja reciben este nombre porque se trata de fotografías con un
importante predominio de negros y sombras
De la misma manera, aquí tienes otros ejemplos de temas que podrás retratar en Clave Baja:
desnudos (de nuevo), retratos, retratos de perfil, retratos masculinos.
D.I. Anahí Gómez
53
VENCIENDO LA OSCURIDAD
Una buena parte de las dificultades a las que nos enfrentamos como fotógrafos a la hora de
hacer una foto están relacionadas con la falta de luz. La oscuridad es el enemigo número uno
de todos los fotógrafos. La escasez de luz es lo que hace que tengamos que recurrir al uso del
flash, con el consiguiente inconveniente del exceso de luz que el flash supone. La falta de luz
es lo que hace que, en el modo automático de la cámara, obtengamos fotos borrosas.
El concepto clave
La fotografía es luz.
Para que nuestros ojos puedan ver las cosas que nos rodean necesitamos que haya luz que
las ilumine.
Habiendo luz hay fotografía.
La manera en que una cámara de fotos réflex funciona
está inspirada en la propia naturaleza, en el ojo
humano concretamente. Nuestros ojos también
necesitan luz para poder ver las cosas: las pupilas
equivaldrían al objetivo de una cámara réflex, la retina

sería algo así como el sensor sobre el cual se
proyecta la imagen, y el cerebro, de alguna manera, la
tarjeta de memoria.
Como decía, la luz es el componente principal que
hace que la fotografía sea posible. La luz (procedente
de la ventana o de cualquier otra fuente) rebota en los
objetos para posteriormente dirigirse a la cámara,
penetrar en ella a través del objetivo, y terminar
proyectándose en el sensor.
D.I. Anahí Gómez
54
Se trata de un viaje como ves, el viaje de la luz que rebota en las cosas y emprende un
recorrido (a unas velocidades fulminantes) hasta encontrar su camino al interior de nuestra
cámara.
Situaciones habituales de riesgo

Ahora que conoces el concepto
concepto básico pasemos
pasemos a ver aquellas situaciones
situaciones en las que la
oscuridad se empeña en fastidiarnos las fotos, y cómo salir airoso de ellas.
A continuación
continuación te expongo un listado con unas cuántas situaciones que harán que
que tus fotos
salgan mal. Todas
Todas estas situaciones tienen su origen en la oscuridad:
1) La noche
Nada que explicar aquí. La noche significa la ausencia de la luz natural del sol, lo cual convierte
la fotografía en todo un reto. Afortunadamente existe un pequeño invento llamado “Flash”, el
cual soluciona un poco esta situación de oscuridad, pero muchas veces el flash deja un efecto
aceitoso en la piel del sujeto, crea demasiada luz, y además tiene limitaciones muy importantes
ya que sólo es capaz de iluminar a una cierta distancia.
2) El amanecer y el atardecer
Amanecer y atardecer: dos momentos
momentos magníficos desde un
un punto de vista de estética
fotográfica, sin embargo la poca cantidad de luz disponible durante el amanecer y el atardecer
hace que la cámara sufra un poco. El resultado más frecuente suele ser una foto movida.
D.I. Anahí Gómez
55
3) Objetivos de largas distancias focales

En igualdad de condiciones un objetivo de distancia focal de 300mm será mucho más oscuro
que uno de 35mm. Trabajar con distancias focales elevadas hace que la cantidad de luz que
alcanza la cámara disminuya y por lo tanto que la foto resulte oscura o movida.
4) Habitaciones y cuartos oscuros

Como es lógico, una habitación sin ventanas, o con ventanas que no dan al exterior (sino a un
patio interior del edificio por ejemplo) presenta un problema serio para el fotógrafo. Este tipo
de habitaciones no suele tener los niveles de luz necesarios para que la cámara capture la
foto correctamente. El que tú puedas ver con cierta facilidad dentro de la habitación no
significa necesariamente que la cámara lo pueda hacer con la misma facilidad que tú.
5) Bosques y lugares naturales cerrados

Naturalmente (y nunca mejor dicho) la naturaleza “cerrada” o frondosa inhibe la entrada de los
rayos de sol. Si andas con tu cámara en medio de un denso bosque en busca de pequeños
animales o plantas que retratar te tendrás que enfrentar al problema de la falta de luz.
6) Accesorios que obstruyen el paso de la luz

lLos que resultan más “engorrosos” para la luz son los filtros (polarizadores, de densidad
neutra, …) así como los tubos de extensión, así que utilízalos siempre con cuidado, y ante la
duda, mejor quítalos.
D.I. Anahí Gómez
56
7) Ajustes de exposición
A veces
veces los propios ajustes de exposición
exposición de tu cámara
te pueden hacer la vida más complicada. Las cámaras
de fotos permiten aumentar los niveles de exposición o
reducirlos, según nos convenga, pero es frecuente que
dejemos el nivel de exposición bajo por olvido y nos
estemos rompiendo la cabeza no sabiendo por qué las
fotos salen oscuras.
Cómo tomar buenas fotos en situaciones de oscuridad
A) La velocidad de obturación
Lo creas o no el tiempo es un arma efectiva contra la oscuridad. Consiste simplemente en
alargar el tiempo durante el cual se obtura o graba la foto. Si al principio decíamos que la foto
se consigue mediante la penetración de la luz a la cámara a través del objetivo, ¿qué pasaría
si dejáramos a esta luz entrar durante un extenso período de tiempo? Pues que entraría
seguramente más luz.
Esto se consigue utilizando el modo manual de la cámara (modo “M” en la mayoría de las
cámaras réflex) o por lo menos el modo semimanual de Velocidad de Obturación (modo “S” en
las Nikon, “Tv” en las Canon y otras marcas) y escogiendo una velocidad de obturación
relativamente larga. Por ejemplo si para una escena con la cantidad de luz necesaria
necesitamos una velocidad de obturación de 1/100s, si tuviéramos que disparar la misma foto
pero con la escena más oscura, el doble de oscura por ejemplo, tendríamos que ralentizar la
velocidad de obturación bajándola a 1/50s por ejemplo, ó más lenta aun, hasta encontrar la
velocidad adecuada.
Recuerda, cuanto más lenta sea la obturación, más cantidad de luz acaba entrando y
acumulándose. Es como dejar un vaso debajo de un grifo de agua, el vaso se llenará el doble
de agua si dejamos el grifo abierto 2 segundos que si lo dejamos abierto sólo uno.
D.I. Anahí Gómez
57
B) Objetivo 35-50mm f/1.4

Este objetivo de distancia focal fija de 35mm y 50mm y cuya apertura de diafragma es de f/1.4.
Este tipo de objetivos tiene la virtud de permitir la entrada de una ingente
i ngente cantidad de luz,
simplemente porque su apertura es mayor. Volviendo
Volviendo al ejemplo anterior del agua y el vaso, el
vaso se llenaría el doble de agua estando debajo de un grifo de gran caudal que estando
debajo de uno de caudal reducido. Cuanto más ancho el caudal sea, más cantidad de agua se
consigue. Pues en las cámaras réflex pasa igual, a mayor apertura de objetivo, mayor
cantidad de luz entra.
¿Y por qué 50mm concretamente? porque se ha demostrado que ése es el campo de visión
que nuestros ojos abarcan normalmente en la vida real. Una foto hecha a 50mm tiene el
aspecto y las proporciones que nuestros ojos ven y nuestro cerebro procesa en la vida real.
r eal.
Por otro lado, una distancia focal ultrapequeña (10mm por ejemplo) u más larga (600mm)
produce pequeñas distorsiones ópticas.
La auténtica belleza de este lente reside en la extraordinariame

extraordinariamente
nte generosa apertura de
su diafragma.
La apertura o diafragma es lo que permite que el objetivo capte más luz. Piensa en alguna
situación en que hayas tenido que hacer fotos con poca iluminación y sin flash. Habrás sufrido
mucho, porque o te sale la foto movida, o sale con mucho ruido procedente del ISO, y cosas
así.
D.I. Anahí Gómez
58
Con el f/1.4 podrás resaltar muchísimo los sujetos y objetos que estés fotografiando. Esto
tiene que ver la profundidad de campo reducida, y que consiste en tener al sujeto
hiperenfocado y el fondo detrás muy desenfocado, lo que resalta sin duda a la persona, animal
u objeto retratado.
Si no te puedes permitir uno, no pasa nada, en teoría esta regla se le puede aplicar a cualquier
objetivo, aunque de manera menos efectiva: simplemente ajusta la cámara a una apertura de
objetivo lo más amplia posible (valor f/.. pequeño). A lo mejor en tu caso es f/3.5, ó f/4. No
importa, lo principal es conseguir que ese valor sea pequeño.
C) El trípode
Vencer
Vencer a la oscuridad es casi imposible si no disponemos de un buen trípode. Como dije antes,
una de las maneras de obtener mayor cantidad de luz consiste en utilizar velocidades de
obturación lentas, y puse como ejemplo dejar el vaso debajo de un grifo durante un tiempo
prolongado, lo cual nos permitiría obtener mayor cantidad de agua, o luz si hablamos de
cámaras de fotos. Pero, ¿de qué serviría dejar el grifo abierto durante mucho tiempo si
sujetamos el vaso con una mano temblorosa? Se nos movería el vaso todo el tiempo y no se
llenaría de agua, o no se llenaría bien.
En fotografía ocurre algo parecido: si para capturar una mayor cantidad de luz
l uz seleccionamos
una velocidad de obturación relativamente lenta, tenemos que asegurarnos de que la cámara
no se mueva lo más mínimo durante ese lapso de tiempo. Sí, es un tiempo muy pequeño,
fracciones de segundo, pero aun así se producen ciertos movimientos, muy pequeños, que
hacen que la luz “capturada” se disperse dentro de la cámara y proyecte una imagen confusa,
borrosa.
La solución pasa por estabilizar la cámara encima de un buen trípode el cual nos permitirá
recoger toda esa luz de manera estable consiguiendo así una imagen ultra nítida.
D.I. Anahí Gómez
59
D) ISO
El valor ISO en las cámaras réflex digitales hace referencia a cómo de sensible es el sensor
de la cámara a la luz. Se puede modificar. Seleccionando
Seleccionando un valor ISO elevado hacemos
que la cámara sea más sensible a la luz. En otras palabras, con la misma cantidad de luz la
cámara podrá capturar el doble o triple o la cantidad que sea de luz en función del valor ISO
que le hayamos subido.
Esto es muy útil es situaciones de escasez luz. Si habiendo agotado todos los recursos de
este kit de supervivencia seguimos encontrando la foto demasiado oscura, subir el valor ISO
puede solucionarnos el problema.
En una cámara réflex digital normal el valor ISO normal suele estar en los 100. Si es
preciso puedes subirlo a 200, 400, y así gradualmente hasta que encuentres el valor
adecuado. Sin embargo ten en cuenta que a mayor sensibilidad ISO, mayor ruido
obtendrás en la foto, así que súbelo sólo cuando sea necesario y no tengas
t engas más remedio.
Mi fórmula definitiva
Cada uno de los recursos anteriormente mencionados te ayudará a combatir la falta de luz en
tus fotos, pero imagínate la combinación de todos ellos a la vez. Hay que procurar combinar
lo siguiente:
Trabajarr con todos estos “útiles”

Trabaja “útil es” a la vez me da mucha flexibilidad y permite incluso elegir la
cantidad de luz que necesites. Además, como ves en el gráfico, al objetivo de gran apertura
f/1.4 se le da una importancia un poco mayor
mayor porque realmente en más de
de una ocasión
puede salvarte de un disgusto..
D.I. Anahí Gómez
60
PASOS PARA UN BUEN RETRATO
1- Prioridad de Apertura.
Para controlar el modo Prioridad de Apertura: simplemente en el dial de

modos de tu cámara escoge el modo siguiente:
- Si tienes Nikon escoge el modo “A”
- Si tienes Canon escoge el modo “Av”
- Para Sony sería el modo “A”
- Las cámaras Pentax lo tienen como “Av”
2- Dispara utilizando aperturas de diafragma lo más grandes posible (valor f/ bajo).
Canon Nikon Pentax Sony
Esto permitirá primero que entre mucha luz y segundo que el sujeto salga bien definido y
enfocado, con un fondo totalmente desenfocado.
3- Ahora sube la distancia focal de tu objetivo al máximo. Si tienes un objetivo 18-55mm
ponlo en 55, si es de 55-200mm elige 200.
4- No hay ninguna regla queque te obligue a disparar retratos

retratos siempre de frente. ¿Por qué
no probar perfiles inusuales como por ejemplo retratar al sujeto de espaldas, o de perfil..?
No estás obligado a disparar estando de pie, desde la misma altura que el sujeto o sujetando
la cámara a la altura de la cabeza. Existen otras perspectivas que te ofrecerán fotos poco
corriente y muy originales, experiméntalas.
5- Haz que tu sujeto se sienta cómodo.

6- Este paso es el más importante: APLICA ESTEESTE TUTORIAL. Sí, así es, no sirve de nada
que hayas leído hasta aquí si al final no lo aplicas. Ya has visto lo fácil que es, así que
por favor, no lo dejes enfriar. Practica ahora mismo.Recuerda que sólo cuando
practicamos algo es cuando se nos queda bien grabado.
D.I. Anahí Gómez
61
CÓMO ILUMINAR TUS RETRATOS
La luz es básica en la fotografía. A esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con
accesorios como los flashes, convirtiéndose en un aspecto fundamental a la hora de conseguir
buenos o malos resultados en tus fotografías.
Podemos nombrar 5 modos, probablemente los más conocidos, de iluminar tus t us retratos de
estudio. No creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente
es
de cuestión de azar
posibilidades, queeldeberás
conseguir un buen resultado. Todo
manejar. Todo lo contrario, hay un amplio abanico
ANTE TODO,
TODO, EVITA
EVITA LA LUZ FRONTAL
FRONTAL
Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash
externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una
posición distinta a la de la cámara.
Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella

siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y
disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.
Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la
cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado
nada natural.
Tipos de iluminación:
Rembrandt Light
Este modo de iluminación busca conseguir un
resultado similar al que caracteriza a los
retratos del genial pintor
pintor..
Pero,
Pues, ¿qué tienen depresentan
muy sencillo, particularuna
susparte
retratos?
del
rostro claramente iluminada y otra más en
penumbra (apareciendo un pequeño triángulo
de claridad bajo el ojo de esta parte menos
iluminada).
El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que

situar la fuente de luz a unos 45º de la
cámara, que se posicionará frente al sujeto a
retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la
cámara, se podrá situar un reflector
r eflector..
D.I. Anahí Gómez
62
Split Light
Si llevamos al extremo el modo de iluminación
anterior, es decir,
decir, situando la fuente de luz a 90º
de la cámara y, por tanto, completamente en el
perfil del sujeto a fotografiar
fotografiar,, conseguimos el
modo split light.
Este modo recibe este nombre porque la

palabra split en inglés significa partir / dividir y
eso es, precisamente, lo que se consigue con
esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad
de la cara completamente clara y la otra mitad
en penumbra.
Se trata de una iluminación muy dramática, que

puede ser útil si lo que buscas es,
precisamente, transmitir esta sensación.
Broad Light
El tercer modo de iluminar retratos es a
través de la entre
una mezcla denominada
los dos broad
modoslight, que es
anteriores.
En este caso, la luz se sitúa a 45º de la

cámara, como en el modo Rembrandt, pero
la cara del sujeto a retratar se gira 45º en
sentido opuesto.
De este modo, se expone claramente un

perfil de la cara, y el otro queda oculto,
confiriendo a la toma una mezcla de belleza
e intriga.
Butterfly Light:
El curioso nombre de este modo de
iluminación viene de la sombra que se genera
bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de
mariposa (butterfly).
Para conseguirlo, basta con situar la fuente

de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de
hacerlo a la misma altura que la cámara, el
flash ha de elevarse, de modo que se consiga
una iluminación superior
superior..
Se trata de una posición formando un ángulo

de
este45º con en
caso, respecto a la
el plano cámara,
vertical, no pero,
en el en
plano
horizontal como en el caso de Rembrandt
light.
D.I. Anahí Gómez
63
Loop Light
Es un modo intermedio entre Rembrandt y
butterfly.
El resultado es similar al del modo butterfly,

aunque con las sombras ligeramente curvadas y
desplazadas hacia el lado opuesto al de la
fuente de luz.
Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a

45º de la cámara tanto en el plano vertical,
como en el plano horizontal.
D.I. Anahí Gómez
64
LOS 7 TIPOS DE PLANO CLAVE EN EL RETRATO
Plano General
En retrato, éste es el plano en el que aparece
todo el si
entero cuerpo.
a quienPor tanto, tendremos
o quienes estamos un plano
fotografiando aparecen completos, desde los
pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.
En el caso de la foto que hemos utilizado para el

ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de la
modelo completo, sin ningún tipo de recorte.
r ecorte.
Este es el plano más lejano que podemos tomar.

A partir
partir de aquí, veremos como nos podemos
podemos
acercar en nuestros retratos.
Plano Americano/Tres Cuartos

Dicen que el nombre de plano americano viene
de los tiempos en los que triunfaban las
películas del género Western o, como las
llamaba yo de pequeño, de indios y vaqueros.
En estas películas era importante que las
ármas que llevaban los protagonistas en las
cartucheras, a la cintura un poco caídas, se
vieran suficientemente bien, y esto es lo que
marcaba la línea de corte.
Algunos lo llaman también plano
plano tres cuartos.
El plano americano corta al protagonista

aproximadamente a la altura de la rodilla o por
el muslo. En función de si el protagonista está
recostado o sentado, la tolerancia baja algo,
llegando hasta un poco por debajo de las
rodillas.
Es ideal para encuadrar en la fotografía a

varias personas interactuando.
D.I. Anahí Gómez
65
Plano Medio
El plano medio cubre hasta la cintura,
recogiendo la línea de corte entre el ombligo
hasta casi la entrepierna. En caso de estar
sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta
aproximadamente la mitad del muslo.
Este tipo de encuadre se suele utilizar

util izar para
resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo
que es un tipo de plano muy utilizado en
fotografía de moda.
También es adecuado para mostrar la realidad

entre dos sujetos, como en el caso de las
entrevistas.
Plano Medio Corto

El plano medio corto, también
t ambién conocido como
plano de busto o primer plano mayor,
mayor, recoge el
cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del
pecho.
Este plano nos permite aislar en la fotografía

una sola figura dentro de un recuadro,
descontextualizándola
descontextualizánd ola de su entorno para
concentrar en ella la máxima atención.
D.I. Anahí Gómez
66
Primer Plano
El Primer plano, también llamado primer plano
menor o de retrato, recoge el rostro y los
hombros.
Este tipo de plano, al igual que el plano detalle

y el primerísimo primer plano que veremos a
continuación, se corresponde con una distancia
íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e
intimidad respecto al personaje.
Primerísimo Primer Plano

El Primerísimo primer plano capta el rostro
desde la base del mentón hasta la punta de su
cabeza.
Con este
primer tipoconsigue
plano de encuadre, el primerísimo
también dotar de gran
significado a la imagen.
Plano detalle
El Plano detalle en el retrato recoge una

pequeña parte del cuerpo, que no
necesariamente se tiene por qué corresponder
con el rostro.
En esta parte se concentra la máxima

capacidad expresiva, y los gestos se
intensifican por la distancia mínima que existe
entre la cámara y el protagonista, permitiendo
enfatizar el detalle que deseamos resaltar.
D.I. Anahí Gómez
67
MOVIMIENTOS
MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS
Antiguamente, la única manera de guardar una imagen era trazarla manualmente

manualmente
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras
sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de
pintar, consiste en aplicar,
aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un
muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una
composición
algunos de formas,
principios colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según
estéticos.
Citaremos algunas corrientes y vanguardias artísticas que sirven de inspiración para la
fotografía moderna, con técnicas y temáticas fácilmente aplicables que nos darán un abanico
de posibilidades para lograr fotos más atractivas.
NEOCLASICISMO
El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa
al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la
Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que
consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo,
después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el
Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado.
La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las
principales características formales de la pintura neoclásica. Estilo severo disciplinado,
honesto, directo y anti-ilusionista, capaz de afirmaciones rotundas y sin compromisos, de una
claridad sobria y pureza arcaica; de contornos firmes e inequívocos, caja de perspectiva
simple, colores nítidos y contornos puros.
GERARD / CUPIDO Y PSIQUE

D.I. Anahí Gómez
68
DAVID / EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS
JOSEPH VIEN / VENDEDORA DE CUPIDOS

D.I. Anahí Gómez
69
DAVID / RETRATO DE NAPOLEÓN DAVID / MARAT

ROMANTICISMO
El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el
Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo XVIII como una reacción
revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración
I lustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a
los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada
en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por
eso es que su rasgo revolucionario
r evolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una
manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de
manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma
nación se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.
AlemaniaSe desarrolló
hasta llegarenalaotros
primera
paísemitad
s. Sudel
países. siglo XIX
vertiente , extendiéndose
literaria desdeposteriormente
se fragmentaría Inglaterra a enen
diversas corrientes, como el Parnasianismo, el Simbolismo, el Decadentismo o el
Prerrafaelismo, reunidas en la denominación general de Posromanticismo, del cual derivó el
llamado Modernismo hispanoamericano. Tuvo fundamentales
fundamentales aportes en los campos de la
literatura, la pintura y la música. Posteriormente, una de las corrientes vanguardistas del siglo
XX, el Surrealismo, llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.
Ideas generales: imposición del sentimiento sobre la razón.
Íntimo y sentimental, poético, exaltado, soñador, extravagancia, locura, irrealidad,
añoranza, fantasía, utopía, difuminación de límites, tenebroso,
t enebroso, estremecedor,
estremecedor, rechazo de la
sociedad industrializada, se abandona el orden racional de la perspectiva, la naturaleza como
expresión de sentimientos, “género de ventana” (tensión entre paisaje e interior =infinitud),
gusto por el negro (en contra de los ilustrados, “la luz del
conocimiento”).
D.I. Anahí Gómez
70
Delacroix / Mujeres de Argel
Delacroix / La libertad guiando al pueblo

D.I. Anahí Gómez
71
Delacroix / Dante y Virgilio
Friedrich / Paisaje de la isla Rugen Friedrich / Viajero frente al mar

D.I. Anahí Gómez
72
Otto Runge / Retrato de familia
Turner / Lluvia, vapor, velocidad

D.I. Anahí Gómez
73
Turner / Tormenta de nieve
Turner / Barco de esclavos

D.I. Anahí Gómez
74
Millais / Ofelia
REALISMO
Realismo es un término que, además de utilizarse para denominar ciertos
movimientos artísticos reactivos contra el romanticismo en literatura (literatura del
realismo) o pintura (pintura del realismo) -ambos originados en la Francia de mediados del
siglo XIX y continuados en el naturalismo literario y pictórico posterior-; tiene una dimensión
genérica que permite identificar un realismo artístico como una postura estética o de teoría
del arte que identifica arte y realidad.
Esta postura se plasma en diversas formas de representar la realidad o naturaleza de
una manera imitativa (mimesis), por lo que también se la denomina naturalismo (de forma
equívoca con otros usos de naturalismo en el arte).
El arte realista puede definirse, en cuanto a su contenido, como el que representa los
temas "de acuerdo con reglas seculares y empíricas" de modo que tales temas sean
"explicables en términos de causas naturales, sin recurso a intervención sobrenatural o
divina"; considerando la existencia de una realidad objetiva en tercera persona, sin
embellecimiento o interpretación (como hacen los enfoques idealistas del arte: el idealismo
artístico, concepto con el que se contrapone).
El realismo en las artes tiende a representar
r epresentar personajes, situaciones y objetos de la
vida cotidiana de forma verosímil. Tiende a descartar los temas heroicos (tan ( tan caros al
clasicismo, que los representa con una perspectiva idealista) en favor de temas más neutros,
pegados a la tierra.
Burda simplificación. Percepción pura, sin estar condicionada por el tiempo
t iempo o el lugar,
reflejar la realidad cotidiana.
D.I. Anahí Gómez
75
Corot / Catedral de Chartres Corot / Gitana con pandereta
Millet / Las espigadoras
Constant Troyon /
Regreso al atardecer
D.I. Anahí Gómez
76
Jean Baptiste Camille Corot / Sant`Angelo
Courbet / Entierro en Ornans

D.I. Anahí Gómez
77
MPRESIONISMO
Aunque el término Impresionismo
Impresionismo se aplica en diferentes artes como
como la música y la
literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura
impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad
del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el
intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de
aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintarán el momento de luz , más allá de las formas que subyacen bajo este.
El movimiento fue bautizado por lal a crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo
respecto al cuadro de Monet “Impresión: sol naciente”. Siendo diametralmente opuesto a la
pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior
posterior,, especialmente
del postimpresionismo y las vanguardias.
El Impresionismo se ve influenciada por la fotografía, introduce la espontaneidad.
Es la culminación del realismo. Se aleja de cualquier subjetividad, busca
busca aplicar
conocimientos científicos a la pintura. Aunque toma temáticas del realismo para aplicar sus
conocimientos de qué es la luz, y la incidencia de ésta sobre los objetos.
Se encuentran con una dualidad, la física del color les dice que la materia no tiene color,
y lo que se capto son las longitudes de onda reflejadas por la materia y si se sumo las
longitudes de onda se obtiene da blanco, que es la luz en contraposición.
Temática: la luz y la atmósfera (le permitía trabajar la incidencia de la luz).
MONET, Impresion: sol naciente

D.I. Anahí Gómez
78
MONET, Nenúfares
D.I. Anahí Gómez
79
RENOIR
D.I. Anahí Gómez
80
EXPRESIONISMO
Principios de s XX. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura,
coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos
movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.
Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una
actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy
diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo,
frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los
expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión
interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar
de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los
sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
En su afán casi utópico de regenerar el país tras los desastres de la guerra, recurrió a
una técnica relativamente nueva como la fotografía para romper con la tradición burguesa y
construir un nuevo modelo social basado en la colaboración entre clases sociales. La
fotografía se convirtió en un medio privilegiado de captar la realidad sin ambages, sin
manipulación, conjugando la estética con la precisión documental. Los fotógrafos alemanes
crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como
medio expresivo, modelando las formas
f ormas y destacando las texturas. Antibelicista, contexto
Republica de Weimar.
FAUVISMO/
FAUVISMO/ Maurice Vlaminck/ Retrato de Derain FAUVISMO/Henri
FAUVISMO/Henri Matisse/ Mujer con sombrero
D.I. Anahí Gómez
81
Henri Matisse. La danza

FUTURISMO
Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales a la poesía, el
valor,, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio
valor
febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía
Tenía como postulados:
la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de
la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con
el fin de darle una expresión plástica.
Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose
en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a
cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine,
música, poesía)
y construir capaz la
de nuevo depaz
crear verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer
delunmundo.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de
pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada,
debido a su obsesión por representar la velocidad. Es un movimiento, fundamentalmente,
f undamentalmente,
italiano.
El futurismo es el primer movimiento artístico que se organiza como tal, se reconoce y
se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tommaso
Tommaso
Marinetti. Se busca el escándalo, se admira la velocidad y la tecnología, las señas de
identidad del mundo moderno y pretende romper con el pasado. Nada del pasado merece la
pena ser conservado. Condenan a los museos, a los que considera como cementerios.
Pretenden, y valoran, la originalidad por encima de todo.
Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la representación
del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente, pintándolos
en varias posiciones, o emborronándolos, un código que se ha popularizado en los cómic y los
dibujos animados. Tienden
Tienden a utilizar colores puros. El futurismo llegará a la abstracción a
través del rayonismo.
D.I. Anahí Gómez
82
D.I. Anahí Gómez
83
D.I. Anahí Gómez
84
NEOPLASTICISMO
Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian.
También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el
constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás
vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).
Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a
través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van
Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo
primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos
agrupados alrededor de la revista Stijl defendieron el orden claro y geométrico del
movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios.
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la
naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es
de una regularidad absoluta. Sus principales características son:
Búsqueda de la renovación estética.

Lenguaje plástico
Exclusión objetivoyydel
de lo individual como consecuencia,
objeto universal.
(limitado temporal y localmente).
l ocalmente).
Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a
la esencia.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y
cubos.
Planteamiento totalmente racionalista.
Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de
diversa proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.
Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la
compensación de las formas y los colores.
Uso de pocos colores.
Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros
(blanco, negro y grises).
Empleo
Pinturas:de fondos claros.
equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.
Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.
D.I. Anahí Gómez
85
Piet Mondrian
FOTOGRAFÍA NEOPLASTICISTA.
Cecilia Montalto.
D.I. Anahí Gómez
86
D.I. Anahí Gómez
87
SURREALISMO
Movimiento que se da en Francia (década de los años 1920) en reacción contra el
impresionismo. Es una reacción porque es llevado a cabo por jóvenes que son reaccionarios,
los jóvenes son muy críticos cuestionan, formulan el futuro. No tiene que responder
r esponder a
parámetros establecidos (si no se producen estos saltos no habría cambios).
A partir
partir de la revolución industrial los movimientos no
no perduran mucho tiempo. En las historias
historias
anteriores un movimiento podía durar siglos pero con la mecanización, el hombre no puedo
estar cómodo durante mucho tiempo con un mismo parámetro. Es bueno si el cambio incorpora
algo valioso.
Una vez que se afirma el impresionismo en 1890 se convierte en académico, quiere decir que
como ya se sabe el repertorio, se puedo repetir y reproducir
reproducir,, y ya no satisface a los jóvenes.
Emerge un Grupo de pont-Aven, grupo de jóvenes que iban a las exposiciones afirmando que
eran obras vacías en contenido, porque el tema era la luz, no había mayor aporte que la
técnica propiamente dicho.
Estos grupos critican la

l a pintura impresionista por carecer de tema. Tenían
Tenían una postura
posromántica que era volver a la fuente literaria, ya que vienen de un postura finisecular
(perteneciente a un fin de siglo determinado).
Toman las consecuencias de la revolución industrial: hacinamiento, contaminación,

superpoblación, desocupación.
Trabajan con postulados. Ej.: Postulados de Bargner: individualidad, que a través de la

l a intuición
podemos conocer. Nieztche: superhombre, potencialidades.
Ya no les satisface la mitología, la historia y toman la temática del antiguo testamento pero no
como una cuestión dogmática sino por las narraciones extraordinarias.
Como todo grupo finisecular era recurrente en ellos lo obsesivo, macabro, tortuoso, la obsesión
por los temas, liberación de la fantasía través de la lectura
D.I. Anahí Gómez
88
FOTOGRAFÍA SURREALISTA
Silvia Grav
D.I. Anahí Gómez
89
D.I. Anahí Gómez
90
POP ART
El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto,
que dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban
demasiado intelectual y apartado de la realidad social. Los artistas Pop se aproximaron con
ironía al ambiente de la vida cotidiana.
El Pop Art se caracteriza por ser figurativo
fi gurativo y realista cuyos temas eran:
- revistas de comics y de fotografías,
- anuncios publicitarios de toda especie,
- el mundo del espectáculo popular,
popular, incluyendo: películas de Hollywood, música pop,
locales de diversiones, radio, televisión.
- artículos durables de consumo, en especial neveras y automóviles, autopistas y
estaciones de servicio, alimentos y en especial hot dogs, helados y pasteles y también dinero.
- el mundo del espacio y ambientes futuristas.
Richard Hamilton
Peter Blake
D.I. Anahí Gómez
91
Kitaj
Robert Rauschenberg
Andy Warhol
D.I. Anahí Gómez
92
Jasper Johns
Allen Jones
FOTOGRAFÍA POP ART.

ART.
Fabiana Ocampo.
D.I. Anahí Gómez
93
D.I. Anahí Gómez
94

Taller de Fotografía - Anahí Gómez - 2020 - Anna's Archive

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