1.

HISTORIA DE LA MUSICA

1.1 Antecedentes de la música

Desde hace años se ha despertado el interés de donde y como nació

la música. A partir de ese momento, este término a estado
relacionado o en ocasiones utilizado como sinónimo de Bellas artes,
armonía, ritmo, melodía, entre otros.

Uno de los principales hallazgos en la investigación sobre la

música prehistórica es el descubrimiento de instrumentos
musicales antiguos, como flautas hechas de hueso. Por ejemplo,
la flauta de Divje Babe, encontrada en Eslovenia y datada en
aproximadamente 43,000 años, es una de las evidencias más
antiguas de instrumentos musicales en Europa (Hahn, 1996).
Este tipo de hallazgos sugiere que la capacidad para crear y
utilizar instrumentos musicales era una característica
establecida en la vida de los seres humanos prehistóricos.

El autor hace referencia que las primeras evidencias de la música fue

en Europa y que por primera vez emitió un sonido es una flauta
hecha de un hueso . También indica que estaba destinada a formar
parte de nuestra vida cotidiana.

La música en la prehistoria hoy en dia se a estado interrogando

demasiado por desconocer el origen.

Además, estudios sobre las pinturas rupestres de diversas

regiones también proporcionan indicios sobre la práctica
musical en tiempos prehistóricos. En las cuevas de Lascaux, en
Francia, y en las de Altamira, en España, se han encontrado
representaciones de figuras humanas que parecen estar
involucradas en actividades musicales, como danzas y
ceremonias (Clottes, 2008). Estas imágenes sugieren que la
música y la danza estaban integradas en los rituales y la vida
cotidiana de las sociedades prehistóricas.
Clottes indica que la música en la prehistoria se formo a partir de
actividades como ser danzas y rituales, que la música estaba
integrada a la vida cotidiana de las sociedades prehistóricas.

Los instrumentos musicales en la prehistoria fueron muy importantes

para la música ya que para la saciedad antigua la música se
consideraba como un medio de comunicación.

Otra área importante de estudio es la música en la prehistoria a

través de los contextos sociales y culturales. Las
investigaciones han demostrado que la música probablemente
jugaba un papel en la cohesión social y en la transmisión
cultural en las sociedades prehistóricas. Los instrumentos
musicales y las prácticas asociadas con ellos no solo servían
para el entretenimiento, sino también para la educación y la
preservación de tradiciones orales (Miller, 2013).

El autor menciona que la música era muy importante en la

prehistoria, en la relación entre si con la sociedad. Los instrumentos
musicales no solo eran útil para las danzas y todo ello, sino que era
muy importante para la educación oral ya que es lenguaje que por
medio de ellas podemos expresar formas de pensar .

1.2 Música en las antiguas civilizaciones

La música era una herramienta esencial no solo para la celebración,

sino también para la práctica espiritual y la conexión con lo divino.

En el antiguo Egipto, la En la antigua Mesopotamia, una

de las primeras civilizaciones urbanas, la música estaba
profundamente integrada en la vida religiosa y
ceremonial. Los sumerios, por ejemplo, utilizaban una
variedad de instrumentos musicales como la lira y la
flauta en sus rituales religiosos. Los himnos dedicados a
deidades y las ceremonias de adoración eran a menudo
acompañados por música. Según la investigación de B. R.
 Pritchard, “la música no solo acompañaba las ceremonias,
sino que también se utilizaba para inducir estados de
trance y para comunicarse con los dioses” (Pritchard,
1991).

En la antigua Mesopotamia, la música era crucial tanto para las

ceremonias religiosas como para la comunicación espiritual. Los
sumerios usaban instrumentos musicales en sus rituales y, según B.
R. Pritchard, la música no solo adornaba las ceremonias, sino que
también ayudaba a inducir estados de trance y a establecer contacto
con los dioses.

En el antiguo Egipto, la música no solo tenía un papel importante en

los rituales religiosos, sino también en los funerales.

Música también tenía una función importante en la vida

religiosa y funeraria. Los egipcios empleaban una amplia gama
de instrumentos, incluidos arpas, laúdes y trompetas, en
ceremonias tanto públicas como privadas. El egiptólogo Sir Alan
Gardiner destaca que “la música era esencial en los rituales de
los templos y en los funerales, donde se creía que ayudaba a los
difuntos a alcanzar la vida después de la muerte” (Gardiner,
1961). Las representaciones de músicos y danzarines en las
tumbas reales y en los templos indican que la música estaba
vinculada tanto a la veneración de los dioses como a la práctica
de ritos funerarios.

En el antiguo Egipto, la música era fundamental tanto en ceremonias

religiosas como en rituales funerarios. Los egipcios utilizaban diversos
instrumentos, como arpas y trompetas, en eventos de carácter
público y privado. Sir Alan Gardiner señala que la música era crucial
en los rituales de los templos y en los funerales, pues se creía que
asistía a los difuntos en su transición hacia la vida después de la
muerte. Las representaciones de músicos y danzarines en tumbas y
templos destacan la importancia de la música en la adoración de los
dioses y en los ritos de enterramiento.

En la antigua Grecia, la música no solo era una parte integral de la

educación, sino que también se consideraba crucial para el desarrollo
moral y social. Además, la estrecha relación de la música con la
poesía y el teatro destaca su importancia en las formas de expresión
cultural y artística de la civilización griega.

En la antigua Grecia, la música ocupaba un lugar central en la

educación y en la vida pública. Platón y Aristóteles discutieron
extensamente sobre la influencia de la música en la formación
del carácter y en la educación moral. Según Platón en su obra
República, “la música tiene la capacidad de moldear el alma y
debe ser regulada para asegurar el desarrollo moral y social
adecuado” (Platón, 380 a.C.). La música griega estaba
estrechamente relacionada con la poesía y el teatro, siendo los
coros y las representaciones teatrales formas clave de
expresión musical en esta civilización.

En la antigua Grecia, la música era clave en la educación y la vida

pública. Platón, en su República, señalaba que la música podía influir
en el alma y debía ser regulada para promover el desarrollo moral.
También, la música estaba profundamente conectada con la poesía y
el teatro, siendo los coros y las representaciones teatrales formas
principales de expresión en esa cultura.

Los romanos adoptaron y adaptaron las ideas musicales griegas,

reconociendo su impacto en la vida social y personal.

En la antigua Roma, la música también tenía una función

importante, aunque a menudo estaba influenciada por las
tradiciones griegas. Los romanos incorporaron la música en sus
banquetes, competiciones y ceremonias públicas. La
 investigación de Paul Henry señala que “los romanos, al igual
que los griegos, valoraban la música por su capacidad para
embellecer eventos sociales y ceremoniales, así como por su
función en la educación y en la terapia” (Henry, 1980).

En la antigua Roma, la música era importante y estaba influenciada

por las tradiciones griegas. Se utilizaba en banquetes, competiciones
y ceremonias públicas. Según Paul Henry, los romanos valoraban la
música por su capacidad para embellecer eventos y su rol en la
educación y terapia, de manera similar a los griegos.

1.3 Desarrollo de la música en la edad media

Durante el inicio de la Edad Media, el canto gregoriano era central en

la vida religiosa. Su propósito era estandarizar el culto cristiano con
melodías sencillas que acompañaban los textos litúrgicos, reflejando
su papel esencial en los servicios eclesiásticos y en la vida de los
monasterios.

Al inicio de la Edad Media, la música estaba profundamente

arraigada en el contexto religioso. El canto gregoriano, una
forma de música vocal monódica, dominó esta época. Según el
musicólogo José Luis García, “el canto gregoriano era una
música litúrgica que buscaba uniformar el culto cristiano a
través de melodías simples y repetitivas, que se adaptaban a
los textos religiosos” (García, 1999). Este tipo de música se
utilizaba en los servicios de la Iglesia y en la vida monástica,
desempeñando un papel crucial en la vida religiosa medieval.

Al inicio de la Edad Media, la música tenía un fuerte vínculo con la

religión, destacando el canto gregoriano como la principal forma
musical. Según José Luis García, este tipo de música litúrgica buscaba
unificar el culto cristiano mediante melodías sencillas y repetitivas
que se alineaban con los textos religiosos, siendo esencial en los
servicios de la Iglesia y en la vida monástica.
La notación neumática, desarrollada en el siglo IX, fue un avance
clave en la historia de la música. Facilitó la estandarización y la
conservación precisa de las melodías, lo que permitió una transmisión
más fiel de las composiciones musicales a lo largo del tiempo,
asegurando así su preservación para generaciones futuras.

A medida que avanzaba la Edad Media, especialmente desde el

siglo IX, se desarrolló el sistema de notación musical. La
notación neumática, precursor de la notación moderna, permitió
a los músicos registrar las melodías con mayor precisión. Según
el investigador Emilio Sánchez, “la notación neumática facilitó
la estandarización de las prácticas musicales y permitió la
conservación y transmisión más exacta de las melodías”
(Sánchez, 2004). Este desarrollo fue esencial para la
preservación de la música a lo largo del tiempo.

Especialmente desde el siglo IX, se desarrolló la notación neumática,

una forma temprana de notación musical que permitió registrar las
melodías con mayor precisión. Emilio Sánchez señala que esta
notación facilitó la estandarización y conservación exacta de las
melodías, siendo esencial para la preservación de la música a lo largo
del tiempo.

1.4 Renacimiento y música barroca

La música de esta época se enfocó en la creación de texturas

contrapuntísticas complejas, en las que múltiples melodías se
combinaban de manera armónica.

Durante el Renacimiento, que se extiende aproximadamente

desde el siglo XV hasta principios del siglo XVII, la música
experimentó una notable evolución. Este período se caracteriza
por el desarrollo y perfección de la polifonía y la consolidación
de nuevas formas musicales. Según el musicólogo Pedro J.
González, “el Renacimiento vio el florecimiento de la música
 vocal polifónica, con compositores como Josquin des Prez y
Palestrina perfeccionando técnicas de imitación y desarrollo
temático” (González, 2004). La música renacentista se centró
en la textura contrapuntística, donde múltiples líneas melódicas
independientes se entrelazaban para formar un todo armónico.

Durante el Renacimiento, que se extendió desde el siglo XV hasta

principios del XVII, la música avanzó significativamente con el
perfeccionamiento de la polifonía y nuevas formas musicales. Pedro J.
González señala que el período vio el auge de la música vocal
polifónica, con compositores como Josquin des Prez y Palestrina
perfeccionando técnicas de imitación y desarrollo temático. La música
renacentista se centró en la creación de texturas contrapuntísticas,
donde varias melodías independientes se entrelazaban en un
conjunto armónico.

El Barroco marcó una época de gran innovación en la música,

enfocándose en la expresión emocional y la teatralidad.

Con el advenimiento del Barroco, a partir del principio del siglo

XVII, la música experimentó una transformación hacia una
mayor expresividad y complejidad estructural. Este período se
caracteriza por la introducción del bajo continuo y el desarrollo
de nuevas formas como la ópera y el concierto. Como afirma el
musicólogo Juan Carlos Asensio, “el Barroco es notable por su
énfasis en la expresión emocional y la teatralidad, reflejada en
la creación de la ópera y la evolución de la forma del concierto”
(Asensio, 2010).

Con el inicio del Barroco en el siglo XVII, la música se volvió más

expresiva y estructuralmente compleja. Este período se caracteriza
por la introducción del bajo continuo y la creación de nuevas formas
musicales como la ópera y el concierto. Juan Carlos Asensio destaca
que el Barroco es conocido por su enfoque en la expresión emocional
y la teatralidad, evidenciado en el desarrollo de la ópera y la
evolución de la forma del concierto.

La evolución de la ópera barroca, fue fundamental al integrarse de

manera innovadora los elementos musicales y dramáticos.

La ópera se convirtió en una de las formas musicales

predominantes en el Barroco. Compositores como Claudio
Monteverdi revolucionaron la ópera con obras como L’Orfeo,
integrando música y drama de manera innovadora. La
investigación de Laura Ruiz destaca que “Monteverdi
desempeñó un papel crucial en el desarrollo de la ópera barroca
al combinar elementos musicales y dramáticos para crear una
forma nueva y poderosa de expresión” (Ruiz, 2009). La ópera
barroca se caracterizaba por su rica ornamentación, la
interacción dramática entre música y texto, y el uso de arias y
recitativos.

En el Barroco, la ópera se consolidó como una forma musical

dominante. Claudio Monteverdi, Nocon obras como L’Orfeo,
revolucionó el género al combinar música y drama de manera
innovadora. Laura Ruiz indica que Monteverdi fue clave en el
desarrollo de la ópera barroca, creando una forma nueva y poderosa
de expresión al integrar elementos musicales y dramáticos. La ópera
barroca se distinguía por su ornamentación elaborada y la interacción
entre música y texto, utilizando arias y recitativos.

1.5 música en el periodo clásico

Durante el período clásico, los compositores buscaban un enfoque

más claro y equilibrado en la música, en oposición a la complejidad
del barroco. La forma sonata, con sus tres secciones distintas,
ejemplifica este ideal de claridad y estructura en la música clásica.
 Durante el período clásico, los compositores buscaron un
equilibrio y una claridad que contrastaban con la complejidad
emocional y estructural del Barroco. Según el musicólogo
Charles Rosen, “la música clásica se caracteriza por una
claridad formal y una transparencia en el diseño, donde el
equilibrio y la proporción son fundamentales” (Rosen, 1997, p.
45). Esta claridad se refleja en la estructura de las
composiciones, con la introducción de la forma sonata, que
organiza la música en tres secciones principales: exposición,
desarrollo y recapitulación.

En el período clásico, los compositores priorizaron la claridad y el

equilibrio, diferenciándose de la complejidad del Barroco. Charles
Rosen señala que la música clásica se distingue por su claridad formal
y diseño transparente, con énfasis en el equilibrio y la proporción.
Esta claridad se refleja en la estructura de la forma sonata, que
organiza las composiciones en tres partes principales: exposición,
desarrollo y recapitulación.

Joseph Haydn fue fundamental en la transformación de la sinfonía

durante el período clásico.

Uno de los desarrollos más importantes de la música clásica fue

la evolución de la sinfonía, que se consolidó como una forma
musical fundamental. Compositores como Joseph Haydn y
Wolfgang Amadeus Mozart jugaron un papel crucial en el
desarrollo de la sinfonía. Haydn, a menudo llamado el “padre de
la sinfonía”, escribió más de 100 sinfonías, perfeccionando la
forma y el estilo. Según el musicólogo H.C. Robbins Landon,
“Haydn transformó la sinfonía en una forma más flexible y
expresiva, estableciendo las bases para el desarrollo sinfónico
futuro” (Robbins Landon, 1976, p. 102).
En la música clásica, la sinfonía se consolidó como una forma
esencial, con compositores como Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus
Mozart contribuyendo significativamente a su evolución. Según H.C.
Robbins Landon, Haydn, apodado el “padre de la sinfonía”, escribió
más de 100 sinfonías, haciendo que esta forma fuera más flexible y
expresiva, y sentando las bases para su desarrollo futuro.

2 Teoría musical

2.1 fundamentos de la teoría musical

La notación musical proporciona un sistema estandarizado que

permite la comunicación efectiva entre músicos y asegura que las
composiciones puedan ser reproducidas de manera consistente.

Uno de los aspectos fundamentales de la teoría musical es la

notación musical, que permite a los compositores y músicos
registrar y leer música de manera estandarizada. Según Koffka
(2009), la notación musical se desarrolló para representar el
sonido de manera gráfica, facilitando así la comunicación entre
músicos y la preservación de las obras (Koffka, 2009, p. 82). La
notación no solo indica las notas que se deben tocar, sino
también la duración, el ritmo y las dinámicas, proporcionando
una estructura clara para la interpretación.

Según Koffka (2009), la notación musical se creó para permitir a los

músicos escribir y leer música de manera estandarizada, abarcando
no solo las notas, sino también aspectos como el ritmo y la dinámica,
facilitando así la comunicación y la interpretación de las obras
musicales.

La habilidad para entender y aplicar patrones rítmicos es crucial para

el desarrollo musical y la creación de una experiencia auditiva
coherente y expresiva.
 El ritmo es otro componente clave en la teoría musical. La
organización temporal de los sonidos, que se expresa en
términos de pulsos y tiempos, es esencial para la coherencia de
cualquier composición. Como explica Linton (2012), el ritmo es
la base sobre la cual se construyen las melodías y las armonías,
y su comprensión es vital para el desarrollo de la musicalidad y
la expresión en la ejecución (Linton, 2012, p. 45). Los patrones
rítmicos son el elemento que da forma al flujo temporal de la
música y puede influir en la percepción emocional del oyente.

Según Linton (2012), el ritmo organiza los sonidos en el tiempo y es

esencial para la formación de melodías y armonías. Su comprensión y
aplicación son claves para la ejecución musical y afectan
profundamente la percepción emocional de la música.

Comprender estas interacciones es crucial para analizar y crear

música, ya que define cómo se perciben las tensiones y resoluciones
dentro de una composición.

La armonía, que se refiere al uso simultáneo de notas para

formar acordes y progresiones de acordes, es otro aspecto
central. Según Martínez (2015), la armonía estudia cómo los
acordes se combinan para crear tensiones y resoluciones que
afectan la experiencia auditiva (Martínez, 2015, p. 112). La
teoría de la armonía explora las relaciones entre las notas y
acordes, así como las reglas que rigen su uso en diferentes
estilos musicales.

Martínez (2015) explica que la armonía estudia la combinación de

acordes y sus relaciones, así como las reglas para su uso en diversos
estilos musicales, lo que permite comprender cómo afectan la
experiencia auditiva a través de tensiones y resoluciones.
Conocer las diferentes formas musicales y sus funciones ayuda a
entender cómo se construyen y se perciben las composiciones.

La estructura o forma musical, por otro lado, se refiere a la

organización de una composición en secciones coherentes. Este
concepto es esencial para entender cómo se desarrollan las
ideas musicales a lo largo de una pieza. Como señala González
(2018), la forma musical puede variar desde estructuras
simples, como la forma binaria o ternaria, hasta formas más
complejas como la sonata o el rondó, y cada una tiene sus
propias características y funciones dentro de la música
(González, 2018, p. 156).

González (2018) señala que la forma musical organiza una

composición en diferentes secciones, y que estas formas pueden ser
simples o complejas, cada una con sus propias características y
funciones en la música.

Las escalas y modos son fundamentales para la creación y análisis

musical, ya que proporcionan los elementos básicos para la melodía y
armonía.

Además de estos elementos, la teoría musical también abarca el

estudio de escalas, modos y tonalidades. La comprensión de las
escalas y modos permite a los músicos explorar diferentes
colores y atmósferas musicales. Según Rodríguez (2020), las
escalas proporcionan el material melódico y armónico
fundamental, mientras que los modos ofrecen variaciones en el
carácter musical y son fundamentales para el análisis de
diferentes estilos históricos y contemporáneos (Rodríguez,
2020, p. 98).

Rodríguez (2020) explica que las escalas y modos son fundamentales

en la música, ya que las escalas ofrecen material para melodías y
armonías, mientras que los modos permiten explorar diferentes
colores y caracteres musicales, esenciales para el análisis de diversos
estilos musicales.

2.2 Notación musical y elementos básicos

La posición de estas notas en las líneas y espacios del pentagrama

determina la altura del sonido que deben producir. Además, las
alteraciones como sostenidos y bemoles modifican la altura de las
notas para ajustar la tonalidad y la expresividad de la pieza.

La notación musical es un sistema de símbolos que permite a

los compositores y músicos registrar, comunicar y reproducir la
música. Su desarrollo ha sido fundamental para la preservación
y difusión de las obras musicales a lo largo de la historia. Los
elementos básicos de la notación musical incluyen las notas, el
ritmo, la clave y las alteraciones, cada uno desempeñando un
papel crucial en la interpretación y ejecución de una
composición.

Señala que las notas musicales forman la base del sistema de

notación, ubicándose en un pentagrama para determinar el tono de
los sonidos. Estas notas pueden ser ajustadas mediante signos como
los sostenidos y bemoles, que alteran la altura del sonido para
adaptarse a diferentes tonalidades y expresiones musicales.

El papel de la clave en la notación, subrayando que cada clave se

ajusta a diferentes registros y tipos de instrumentos

La clave es un símbolo situado al principio del pentagrama que

define la altura de las notas en relación con el mismo. Existen
varias claves, como la de sol, fa y do, cada una adaptada a
diferentes tipos de instrumentos y registros vocales. La clave de
sol, por ejemplo, es utilizada predominantemente para
instrumentos como el piano y la guitarra, mientras que la clave
de fa es común en el registro bajo, como en el caso del trombón
y el bajo (Brown, 2022).
Indica que la clave, como la de sol o fa, se usa para adaptar la
notación musical a diferentes tipos de instrumentos y registros. La
clave de sol es común en instrumentos de registro agudo, como el
piano, mientras que la clave de fa se emplea para instrumentos de
registro bajo, como el trombón, permitiendo una correcta lectura de
las partituras.

La importancia de las alteraciones en la notación musical, como los

sostenidos y bemoles, que modifican la altura de las notas.

Las alteraciones, como el sostenido (#) y el bemol (b),

modifican la altura de las notas y se aplican a lo largo de una
medida o a lo largo de toda la pieza, según se indique en la
partitura. Estas alteraciones permiten una mayor flexibilidad en
la expresión musical y en la modulación entre diferentes
tonalidades (Jones, 2018).

Según Jones (2018), las alteraciones en la notación musical, tales

como sostenidos y bemoles, modifican la altura de las notas. Estas
alteraciones permiten la modulación entre diferentes tonalidades,
proporcionando flexibilidad y variación en la música.

2.3 armonía y contrapunto

La armonía permite a los compositores estructurar sus obras de

manera que las notas y los acordes se combinan de forma lógica,
facilitando la creación de una experiencia musical satisfactoria y
comprensible para el oyente.

La armonía, en su forma más básica, se refiere a la construcción

y resolución de acordes y progresiones armónicas. Según
Gustav Mahler (2004), “la armonía es el arte de combinar notas
para crear una estructura que aporte sentido y cohesión a una
composición” (p. 45). Esta definición refleja la importancia de la
armonía en la creación de una base sobre la cual se desarrollan
otras dimensiones musicales. A lo largo de la historia, los
 compositores han experimentado con diferentes sistemas
armónicos, desde las reglas rígidas del sistema tonal hasta la
libertad del jazz moderno y la armonía atonal.

Gustav Mahler considera la armonía como la técnica que combina

notas de manera que forme una estructura musical coherente y
significativa (Mahler, 2004). Esta perspectiva subraya el papel
esencial de la armonía en la creación de una base estructural que
guía la música hacia una resolución lógica y satisfactoria.

Es la técnica que organiza melodías independientes para interactuar

armónicamente

Por otro lado, el contrapunto es el arte de combinar líneas

melódicas independientes para crear una textura musical
compleja. F. L. H. H. Meyer define el contrapunto como “la
técnica de la composición que organiza las voces melódicas
independientes para interactuar armónicamente” (Meyer, 1989,
p. 45). El contrapunto, que se desarrolló significativamente
durante el Renacimiento y el Barroco, permite que múltiples
melodías coexistentes se complementen y enriquezcan
mutuamente. El uso del contrapunto es evidente en las obras
de Johann Sebastian Bach, quien perfeccionó esta técnica en
sus fugas y cánones, creando un tejido musical denso y
multifacético.

En contraste, el contrapunto es la técnica que combina melodías

independientes de manera que interactúan armónicamente,
permitiendo que cada línea melódica conserve su autonomía mientras
contribuye a la estructura general de la pieza (Meyer, 1989)

2.4 Análisis musical y estructura de la composición

El análisis musical permite a los intérpretes y compositores ver más

allá de la superficie de la obra y apreciar la complejidad de su
construcción.
 El análisis musical se basa en la identificación y evaluación de
diversos componentes musicales, como la armonía, el ritmo, la
forma y el timbre. Según Jonathan D. Kramer, el análisis musical
es “el proceso mediante el cual se descompone una obra para
entender cómo sus partes se integran en un todo cohesivo”
(Kramer, 1981, p. 30). Este enfoque permite a los analistas
descomponer una pieza en sus elementos constituyentes y
examinar cómo estos interactúan para crear un efecto musical
específico. La capacidad para realizar un análisis detallado es
esencial no solo para los intérpretes que buscan comprender la
intención del compositor, sino también para los compositores
que desean perfeccionar su propio trabajo.

Es decir el análisis musical implica descomponer una pieza para

entender cómo sus componentes, como la armonía, el ritmo y la
forma, se integran en un todo coherente, revelando la complejidad
detrás de la composición

En siglo XIX vio la predominancia de la forma sonata y la forma

cíclica, que permitieron a los compositores explorar nuevas formas de
desarrollo temático y expansión estructural.

Uno de los aspectos clave del análisis musical es la

comprensión de la estructura de la composición. La estructura
se refiere a cómo se organizan las secciones de una obra para
formar una totalidad coherente. Leonard B. Meyer explica que
“la estructura de una composición es el marco en el cual los
elementos musicales se organizan para lograr un efecto estético
específico” (Meyer, 1967, p. 56). Este marco puede variar
ampliamente dependiendo del estilo y periodo histórico del
compositor. Por ejemplo, en la música clásica del periodo
barroco, las formas como el fugado y el tema y variaciones eran
comunes, mientras que en la música del siglo XIX, la forma
sonata y la forma cíclica se convirtieron en estructuras
predominantes.
La estructura de la composición, por su parte, se refiere a cómo se
organizan y desarrollan estos elementos para lograr un efecto
estético particular .

3 Etnomusicología

3 .1Definición y Alcance de la musicología

Este enfoque multidisciplinario permite una comprensión integral de

la música, considerando no solo sus características intrínsecas, sino
también el contexto en el que se desarrolla.

La definición básica de la musicología puede entenderse como

“el estudio sistemático de la música en todas sus formas,
incluyendo sus aspectos teóricos, históricos, culturales y
analíticos” (Hanning, 1998, p. 4). Esta definición subraya que la
musicología se ocupa de desentrañar las estructuras musicales,
explorar la historia de la música, analizar las prácticas
culturales relacionadas con la música y evaluar el impacto de la
música en la sociedad. La musicología, por lo tanto, es una
disciplina interdisciplinaria que integra aspectos de historia,
teoría, sociología y antropología musical.

La musicología se define como el estudio integral de la música,

abarcando sus aspectos teóricos, históricos, culturales y analíticos

3.2 Estudio de la música en diferentes culturas

En situaciones donde las culturas indígenas o minoritarias enfrentan

presiones para asimilarse, la música puede desempeñar un papel
crucial en la preservación de la identidad cultural y en la afirmación
de la resistencia frente a la opresión.

El estudio de la música en diferentes culturas revela cómo las

prácticas musicales pueden ser una forma de resistencia y
 afirmación cultural. R. A. M. Müller sostiene que “en contextos
de opresión o colonización, la música puede convertirse en un
medio para preservar y afirmar la identidad cultural” (Müller,
1998, p. 74). En muchas sociedades indígenas, por ejemplo, la
música tradicional se ha mantenido viva como una forma de
resistencia contra la asimilación cultural y para mantener viva
la lengua y las costumbres ancestrales. Este aspecto del estudio
musical subraya cómo la música puede ser un vehículo de
resistencia y cohesión social en tiempos de cambio y desafío.

Müller argumenta que en contextos de opresión, la música puede

actuar como una forma de resistencia y preservación cultural

La etnomusicología no solo se enfoca en los aspectos técnicos de la

música, sino también en cómo la música se integra y cobra sentido
dentro de sus contextos culturales específicos.

La etnomusicología se define como el estudio comparativo y el

análisis de las tradiciones musicales en sus contextos culturales
específicos (Nettl, 2015, p. 50). Este enfoque etnográfico
permite a los investigadores recopilar datos sobre las prácticas
musicales a través de la observación participante, entrevistas y
grabaciones, proporcionando una comprensión profunda de
cómo se vive y se experimenta la música en diferentes culturas.
Como señala Bruno Nettl, “la etnomusicología busca entender la
música no solo como un conjunto de sonidos, sino como una
práctica que está íntimamente ligada a la cultura y la vida
cotidiana de las personas” (Nettl, 2015, p. 53).

La etnomusicología, como señala Nettl, es el estudio de las

tradiciones musicales en sus contextos culturales y sociales
específicos, buscando comprender el significado y la función de la
música dentro de diversas culturas

3.3 Importancia y aplicaciones contemporáneas

La música puede ser una fuente importante de satisfacción
emocional, proporcionando apoyo en momentos de estrés

La música tiene una profunda influencia en el bienestar

emocional y psicológico de los individuos. Según David
Hargreaves y Adrian North, “la música puede ser una fuente
significativa de satisfacción emocional y, proporcionando
consuelo y apoyo en momentos de estrés” (Hargreaves & North,
2017, p. 82). Investigaciones han demostrado que la música
puede reducir la ansiedad, mejorar el estado de ánimo y
fomentar la relajación. La musicoterapia, en particular, se utiliza
como una herramienta terapéutica para tratar una variedad de
condiciones, desde trastornos del estado de ánimo hasta
enfermedades neurodegenerativas. Esta aplicación de la música
en la terapia resalta su capacidad para afectar profundamente
la salud mental y emocional.

La música, más allá de su función recreativa, tiene aplicaciones

profundas en la vida moderna. Puede actuar como una fuente
significativa de apoyo emocional, ayudando a reducir el estrés y
mejorar el estado de ánimo.

4 Psicología de la música

4.1Conceptos básicos de psicología de la música

Uno de los conceptos fundamentales en la psicología de la música es

la percepción musical, que se refiere a cómo los individuos
interpretan y entienden los sonidos musicales.

“la percepción musical involucra la identificación de patrones

rítmicos, melódicos y armónicos, y cómo estos patrones son
reconocidos y procesados en el cerebro” (Hargreaves & North,
2017, p. 34).

La percepción musical es esencial para la apreciación de la música, ya

que permite a los oyentes reconocer estructuras musicales y
distinguir entre diferentes elementos como el ritmo y la tonalidad.
Otro aspecto clave es el impacto emocional de la música. La música
tiene la capacidad de evocar una amplia gama de emociones, desde
la alegría hasta la tristeza.

“la música puede inducir respuestas emocionales profundas al

activar áreas del cerebro asociadas con la memoria y el sistema
límbico” (Sloboda, 2005, p. 89).

Esto indica que la música no solo afecta el estado emocional en

tiempo real, sino que también puede activar recuerdos y sentimientos
asociados a experiencias pasadas, creando una experiencia
emocionalmente rica para el oyente.

4.2 Emoción y percepción en la experiencia musical

La percepción musical se refiere a la forma en que el cerebro procesa

y comprende los elementos musicales, como el ritmo, la melodía y la
armonía.

“la percepción musical implica la identificación y la

interpretación de patrones sonoros, los cuales se organizan en
estructuras coherentes que pueden ser reconocidas y
comprendidas por el oyente” (Hargreaves & North, 2017, p. 44).

Esta capacidad de discernir patrones musicales es esencial para la

apreciación de la música y permite a los oyentes experimentar la
música de manera significativa. La percepción musical también está
influenciada por factores como el contexto cultural y la experiencia
previa, lo que puede modificar la forma en que se perciben diferentes
estilos y géneros musicales.

La emoción es otro componente fundamental de la experiencia

musical.

“la música tiene el poder de inducir respuestas emocionales

profundas al activar áreas del cerebro asociadas con la memoria y el
sistema límbico” (Sloboda, 2005, p. 89).
Las emociones provocadas por la música pueden variar desde la
alegría hasta la tristeza, y estas respuestas emocionales están
vinculadas a la capacidad de la música para evocar recuerdos y
sentimientos personales. La relación entre música y emoción es
bidimensional; la música no solo provoca emociones, sino que
también refleja el estado emocional del oyente.

4.3 Efectos de la música en el cerebro y en el comportamiento

Una de las áreas más estudiadas en la neurociencia musical es cómo

la música afecta el cerebro.

“la música activa múltiples áreas del cerebro, incluyendo

aquellas relacionadas con el procesamiento auditivo, la
memoria y las emociones” (Levitin, 2006, p. 55).

Investigaciones utilizando técnicas de imágenes cerebrales, como la

resonancia magnética funcional (fMRI), han mostrado que escuchar
música puede activar regiones cerebrales asociadas con la
recompensa, el control motor y la emoción. Esto indica que la música
tiene la capacidad de involucrar el cerebro en una variedad de
procesos simultáneamente, desde la percepción auditiva hasta la
experiencia emocional.

El impacto de la música en el estado emocional también ha sido

ampliamente documentado.

“la música puede provocar respuestas emocionales intensas,

como la alegría, la tristeza o la nostalgia, al activar circuitos
neuronales que están vinculados con la memoria y la regulación
emocional” (Sloboda, 2005, p. 89).

La capacidad de la música para evocar una gama de emociones se

relaciona con su habilidad para activar áreas del cerebro involucradas
en la regulación del estado de ánimo, como el sistema límbico y la
amígdala. Esto sugiere que la música puede ser utilizada de manera
terapéutica para mejorar el bienestar emocional y tratar trastornos
relacionados con el estado de ánimo.

Además de su impacto emocional, la música también influye en

el comportamiento social. Patricia Hall y colegas explican que

“la música facilita la interacción social y la cohesión grupal,

proporcionando un medio para la comunicación no verbal y la
expresión compartida” (Hall et al., 2009, p. 103).

La participación en actividades musicales, como conciertos o grupos

de canto, puede fortalecer los lazos sociales y fomentar un sentido de
comunidad. La música actúa como un vehículo para la interacción
social, permitiendo a las personas conectar y comunicarse de manera
efectiva sin necesidad de pa y en terapia musical labras.

4.4 Aplicaciones prácticas

Uno de los usos más evidentes de la música en aplicaciones prácticas

es en la mejora del bienestar emocional. “la música puede ser
empleada para inducir cambios en el estado de ánimo, proporcionar
consuelo y fomentar la relajación, actuando como un recurso
accesible para la gestión del estrés y la ansiedad” (Hallam, 2010, p.
83).

La música tiene la capacidad de influir en el estado emocional

mediante la activación de áreas cerebrales relacionadas con la
recompensa y la regulación emocional. Por ejemplo, escuchar
música relajante puede ayudar a reducir los niveles de cortisol,
una hormona relacionada con el estrés, promoviendo un estado
de calma y relajación.

En el ámbito terapéutico, la musicoterapia se ha convertido en una

herramienta valiosa para tratar una variedad de trastornos.
 “la musicoterapia es el uso de la música para alcanzar
objetivos terapéuticos, como la mejora de habilidades
cognitivas, motoras, emocionales y sociales” (AMTA, 2021, p. 1).

Los musicoterapeutas utilizan intervenciones musicales para trabajar

con individuos de todas las edades, desde niños con necesidades
especiales hasta adultos mayores con demencia. Las técnicas pueden
incluir la improvisación musical, la composición y la interpretación, y
se adaptan a las necesidades específicas de cada paciente.

La música también se ha utilizado eficazmente en el tratamiento de

trastornos neurológicos.

“la terapia musical puede ser especialmente beneficiosa para

pacientes con daño neurológico, como aquellos que sufren de
enfermedad de Parkinson o accidente cerebrovascular, al
mejorar la función motora y el lenguaje” (Wheeler, 2015, p.
152).

La terapia musical puede facilitar la rehabilitación motora mediante la

sincronización rítmica y la estimulación auditiva, ayudando a mejorar
la coordinación y el control motor en pacientes con dificultades
neuromusculares.