Cuadernillo

PRINCIPIOS DEL ARTE:
IMAGEN Y CONTEXTO
4° AÑO
(Lunes de 17.45 a 19.35hs)
PROFESORA: AMAYA
VERÓNICA
ALUMNO:
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Principios del arte. Imagen y contexto. Profe: Amaya Verónica
RECORDAMOS:
Se conoce como el origen de las artes plásticas a las pinturas rupestres en las cuevas de Altamira, ya que el
hombre desde la prehistoria comienza a interpretar sus vivencias con dibujos acerca de la actividad de
cazar, pescar, recolectar frutos, así como pintar con sangre de animales sus hazañas en cuevas y troncos de
árboles.
Todas las civilizaciones antiguas daban real importancia a las artes plásticas, tanto sea en la pintura como
mencione antes o en la creación de esculturas y utensillos para la guerra o la comida; otras civilizaciones
también realizaban magnificas obras de arte funerario decorando las tumbas.
Lo importante a tener en cuenta es que lo que trata de expresar el hombre antiguo en su arte es la
importancia que se le daba a la espiritualidad en este estadío de la historia.
También es muy importante el hecho de cumplir con las necesidades básicas, como ser el comer y la
vestimenta. Por eso las pinturas en que se representa la caza de algún animal, y las decoraciones en las
vestimentas
ACTIVIDAD
LEER Y RESALTAR LO MÁS IMPORTANTES, A MODO DE RESUMEN PARA LA EVAUACIÓN
DEFINICIÓN DE IMAGEN
El concepto de imagen tiene su origen en el latín imāgo y permite describir a la figura, representación,
semejanza, aspecto o apariencia de una determinada cosa. Por dar unos ejemplos concretos: “Esta imagen
representa la caída del muro de Berlín”, “Eres la viva imagen de tu padre”, “Necesito una imagen para
ilustrar mi idea”.
Dice la teoría que una imagen es también la representación visual de un elemento que se logra a partir de
técnicas enmarcadas en la fotografía, el arte, el diseño, el video u otras disciplinas: “Aquí vemos la imagen
del momento en que el suicida decide arrojarse desde el balcón”, “El lente de mi cámara ha captado una
imagen sorprendente sobre la vida de los leones salvajes”.
Otra acepción del concepto lo relaciona a las imágenes de carácter

religioso o sagrado, que son aquellas estatuas o pinturas inspiradas en
divinidades o santos: “Miles de personas se reúnen a orar ante la imagen de
la Madre María”, “Delincuentes han dañado la imagen del Santo Padre que
se lucía en la parroquia del barrio”.
Una imagen definida como óptica, en cambio, es aquella figura que está
compuesta por varios puntos hacia los cuales se dirigen los rayos que derivan de ciertas fuentes tras
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interactuar con la estructura óptica. Es posible hablar, en este sentido, de imagen real (la cual surge
cuando los rayos luminosos resultan convergentes) o imagen virtual (opción que se crea cuando los rayos
divergen?????? luego de atravesar el sistema óptico).
Siguiendo con las acepciones y diversos usos del término imagen tenemos que exponer que también es
frecuente que hablemos de lo que se da en llamar imagen pública. Un concepto, que se emplea para hacer
referencia al conjunto de rasgos, fundamentalmente morales y conductuales, que una persona en concreto
tiene ante lo que es la sociedad.
Un ejemplo de este significado puede ser el siguiente: “Una de las revistas sensacionalistas de la ciudad
publicó unas fotografías de aquel actor consumiendo drogas lo que supuso que se viera dañada su imagen
pública de persona sana y deportista”.
Asimismo no podemos pasar por alto el hecho de que a diario empleamos diversas frases o expresiones que
utilizan el término imagen como núcleo fundamental. En este sentido podríamos destacar la frase: “ser la
viva imagen de alguien”. Con ella lo que se intenta expresar es que una persona se parece muchísimo a
otra.
Partiendo de ese significado uno de los ejemplos que mejor explicaría el mismo sería este: “Pablo es la vida
imagen de su padre”.
Otra de las expresiones más utilizadas socialmente con el término que estamos analizando es “una imagen
vale más que mil palabras”. Con la misma lo que se intenta decir es que por más que te digan algo lo que
importa realmente es lo que tú veas con tus propios ojos. Así, por ejemplo podríamos explicarlo partiendo
de una relación de pareja en la que el hombre le dice a la mujer que nunca le ha sido infiel pero luego ella
le ve besándose con otra chica. En ese sentido queda claro que “una imagen vale más que mil palabras”.
Se conoce como imagen corporativa, por último, al grupo de cualidades que los consumidores asocian con
una determinada compañía. Podría decirse que la imagen corporativa es aquello que la empresa significa
para la sociedad.
Se llama usualmente imagen a las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna medida imagen y
representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de aprehensión de un objeto presente, la
representación de percepciones pasadas, estar ligado a la imaginación en la libre combinación de
percepciones pasadas o a la alucinación.
En el sentido artístico, la imagen plástica puede ser definida como el resultado de un proceso de creación,
en el que, buscando la adecuación de los materiales, las técnicas y la organización sufre una
transformación de las impresiones sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la
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experiencia, la que aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La
imagen trae consigo la actualidad del objeto.
CARACTERÍSTICAS DE LA IMAGEN
Las características de las imágenes aparecen formuladas en parejas opuestas, pero que se puede establecer
una amplia gama de posibilidades entre ambas. De igual manera, y aunque seleccionemos una imagen en
cada caso, las características no se dan necesariamente aisladas.
Denotación -Connotación
Los amantes de René Magritte.
Denotación: “Es la referencia más inmediata que un

elemento produce en el espectador del mensaje visual,
teniendo en cuenta la cultura a la que pertenece dicho
espectador” (definición de Umberto Eco).
Los elementos que componen la denotación son todos

aquellos que pueden ser percibidos, desde los objetos más significativos hasta los factores morfológicos de
la imagen
Connotación: Es un lectura de imágenes donde la subjetividad es el factor más significativo; Cada

observador puede obtener una conclusión propia del análisis.
Iconicidad - Abstracción
Una imagen será tanto más icónica, cuanto más posea características comunes con la estructura del objeto
u objetos reales representados. El mayor nivel de iconicidad de un objeto lo tiene él mismo.
La iconicidad es, pues, la capacidad que posee la representación de algo para producir en nosotros un
efecto visual similar al que nos produce la realidad representada.
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Las imágenes abstractas son todas aquellas que no reproducen con exactitud la
realidad de las cosas. Estas imágenes se fundamentan en la reflexión e
investigación sobre las interrelaciones de las formas y su posterior percepción visual. La abstracción
supone que la imagen no tiene parecido con una realidad concreta, puede ser producto de la fantasía
(imágenes surrealistas) o relaciones arbitrarias (señal de tráfico: prohibido el paso). En algunos casos la
representación no existe y la imagen se convierte en una realidad autónoma (pintura abstracta) Existe una
escala de iconicidad que va desde el máximo grado de iconicidad, la imagen natural o un modelo
tridimensional, al mínimo, la palabra que hace referencia al objeto.
Cerca de la abstracción
Simplicidad - Complejidad
Una imagen simple es fácil de descodificar, exige poco esfuerzo de atención y poco tiempo de dedicación
para su descodificación.
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Una imagen compleja requiere del espectador más atención y más tiempo de dedicación para su análisis.
Monosemia - Polisemia
Las imágenes polisémicas son las que se prestan a distintas interpretaciones y

significados ambiguos.
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Las imágenes monosémicas tienen un significado obvio y único, es decir no ofrecen la posibilidad de
descubrir otro significado distinto al que representa
Original - Redundante
Una imagen es redundante cuando responde a estereotipos y a imágenes ya creadas.
La imagen es original cuando responde a un planteamiento nuevo que se sale de estereotipos y tópicos ya
establecidos.
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ACTIVIDAD
TENIENDO EN CUENTA EL CONCEPTO DE IMAGEN Y SUS CARACTERISTICAS:
BUSCAR EN DIARIOS Y/O REVISTAS IMÁGENES QUE SIRVAN DE EJEMPLO PARA
CADA CARACTERISTICA DE LAS IMÁGENES. JUSTIFICAR.
RECORDAR: “De igual manera, y aunque seleccionemos una imagen en cada caso, las características no
se dan necesariamente aisladas”
Aprender con imágenes:
Hoy en día, resulta importante considerar que vivimos en un mundo mediático, donde la imagen se
convierte en el alfabeto de nuestro tiempo, y que, sin importar hacia donde miremos o en donde estemos,
los mensajes visuales nos rodean, ya sea en la escuela, la calle, nuestra casa, los libros, la televisión, el cine
y las tecnologías de comunicación; sin embargo aunque esto sea así, la imagen no siempre adquiere el
valor que le corresponde, y resulta necesario preguntarnos ¿por qué si es tan esencial no somos educados
para entenderla y usarla? o bien ¿por qué su estudio no se han incorporado en nuestro proceso de
enseñanza?
Si valoramos el papel de los mensajes visuales, descubriremos que la imagen es universal y atemporal,
cualidades que favorecen la comunicación inmediata, y que además, nos ofrece una polisemia ilimitada,
permitiendo su uso en las más diversas áreas de conocimiento. Una misma imagen puede tener distintos
significados si se le ubica en un álbum, una galería, un cartel para una manifestación, un libro de texto o
bien la pared de nuestra casa, obteniendo así, el status de documento social, estableciéndose al mismo
tiempo, como memoria visual e histórica, y medio de representación y comunicación.
Establezcamos que los mensajes surgidos desde los medios de comunicación se construyen mediante el
lenguaje escrito y visual, lo que supone diferencias de construcción y uso que deben tomarse en cuenta al
someterlos a estudio. Por un lado, el lenguaje escrito es, con mayor facilidad, susceptible de análisis, ya que
de manera más simple, puede fragmentarse, evidenciando nexos y mensajes entre líneas en una primera
lectura.
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Esto no ocurre de igual manera en el lenguaje visual, pues este se caracteriza por ser sintetizado y de
impacto inmediato, y su análisis estará influenciado por la percepción inicial. Cabe señalar aquí que para
realizar un análisis crítico sobre los mensajes visuales debemos poner en duda nuestra primera impresión,
ya que esta se construye por referencia a elementos previos de conocimiento, dejándose llevar por
composiciones y colores, y esto quizá resulte en una decodificación distorsionada y poco objetiva.
En la actualidad es necesario capacitarnos para apreciar, analizar y criticar la información visual que
recibimos, así como para expresarnos a través de ella, con la conciencia plena del poder de comunicación
que tiene. No obstante, para comprender en su totalidad el objetivo de los mensajes visuales necesitamos de
cierta educación, pues en material de alfabetización tradicional contamos, la mayoría de las veces, con los
recursos suficientes para hacer un análisis crítico de un texto, lo cual no sucede con lo visual.
Las imágenes tienen un impacto inconsciente y consciente, por ello debemos estar ciertos en que al
concebirlas, tienen implícita una intención. Quienes las crean determinan quiénes serán sus receptores y
su manera de reaccionar ante su estímulo, por lo tanto tienen un propósito, que la mayoría de las veces no
somos capaces de reconocer, por ello es fundamental comprender que su finalidad que puede ser:
informar, comunicar, expresar o simple estética, de ahí la importancia de ser capaces de determinar su fin.
Lo anterior es común en la construcción de imágenes publicitarias, sin embargo no es una práctica
exclusiva de dicho ámbito.
No se trata de convertirnos en expertos en comunicación visual, sino de ser capaces de valorar las
cualidades de las imágenes surgidas en la escuela, el arte, los medios de comunicación y la vida cotidiana,
fomentando el desarrollo de un sentido crítico ante los medios y tecnologías de comunicación,
cuestionando sus mensajes y adquiriendo una postura responsable ante ellos.
El poder de la imagen cambia dependiendo del contexto que la rodea:
Cuando nos acostumbramos a lo cotidiano, tal vez una

imagen mostrada en nuestro entorno no se tan
impactante como cuando se ve en otro contexto.
Por ejemplo en nuestros países, donde existen zonas
populares, no le tomamos su valor visual, pero cuando
algún extranjero nos visita, toma una fotografía o se
inspira para una pintura y al mostrarlo en una galería
en Nueva York o en Europa adquiere un valor
diferente.
Eso sucede con esta fotografía tomada en Nigeria, donde es de llamar la atención ver a un personaje con
una hiena como mascota:
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Pero es más impactante ver un esténcil de esa misma imagen en las
calles de París:
Tal vez es tiempo de ver nuestro entorno con una nueva perspectiva
y rescatar los “tesoros visuales” con los que contamos en nuestro País
de origen.
Funciones de la imagen
Las funciones de la imagen, son formas representativas que se pueden asociar a la comunicación de la
imagen o comunicación visual. Puede ser que una u otra función dominen más en cierto grado a la
imagen, o puede haber muchas conjugadas, es raro que aparezcan aisladas por lo general aparecen
simultáneamente.
 Función emotiva o expresiva: Transmiten emociones o sentimientos. Utiliza varios elementos que en su
conjunto acceden a la memoria emotiva o afectiva del individuo. Podría ser un evento como una boda,
un nacimiento etc.
 Función conativa, apelativa o exhortativa: Utiliza la persuasión como arma, pretende convencer de
manera lógica al usuario, si bien es lógico no quiere decir que necesariamente sea verdad. Por ejemplo
los anuncios de tele mercadeo donde te resuelven todo con un tónico milagroso.
 Función referencial o informativa: Son imágenes utilizadas para apoyar un texto, algo así como las
utilizadas en revistas, libros y demás medios parecidos. Los ejemplos más representativos seria en libros
de texto, con muchas imágenes.
 Función poética o estética: Se consideran así las imágenes que percibimos como artísticas, o que van
con el arquetipo de belleza, podrían ser pinturas, de cualquier técnica plástica.
 Función fática: Pretende llamar la atención, mediante uso de contraste, figura, color, y otros artificios
para poder captar al espectador. Como por ejemplo carteles que sean en blanco y negro y otro con
varios elementos que tengan color.
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 Función metalingüística: Es aquello que se refiere al código, y claro esta debes de conocer el código con
el que estás hablando para darle significado. El mensaje debe de ser claro, y también enfocado hacia las
personas que quieras hacer llegar el mensaje.
 Función descriptiva: Es información objetiva, descriptiva, y detallada sobra aquello que está
representado, un ejemplo serían los productos de tele marketing, que te dicen infinidades de cosas
sobre el producto que te van a vender.
ACTIVIDAD
BUSCAR EN DIARIOS Y/O REVISTAS IMÁGENES QUE EJEMPLIFIQUEN LAS FUNCIONES MENCIONADAS
ANTERIORMENTE. JUSTIFIQUE
Otros elementos a tener en cuenta a la hora de leer una imagen:
Hay más elementos que influyen en la correcta asimilación del mensaje, y estos son, el campo
comunicativo, la marca, el signo y el símbolo, los cuales se explican a continuación.
 Campo: El campo de la comunicación visual es aquel que abarca este tipo de comunicación, podremos
agruparlo en tres secciones temáticas: Dibujo, pintura, escultura, tatuajes, moda. Diseño gráfico,
industrial, urbanístico, publicitario. Teatro, danza, cine, tv, signos, textos, sonido con imágenes.
 La marca: La marca es algo que nos distingue dentro de un mensaje visual, la cual avisa que somos
diferentes. Estas van desde las marcas que podemos dejar en la calle, en nuestras casas, un piercing que
tengamos o un tatuaje, el rayarle nuestro nombre a nuestras cosas, uniforme distintivo de un equipo, o
cualquier cosa que nos pueda diferenciar del resto.
 Signo: Son imágenes que son lo más simple posible, que bien pueden ser indicaciones, ordenes o
cualquier otra cosa. Suelen transmitir la información lo más rápido posible, por lo tanto reitero deben
ser simples. El ejemplo más claro suele ser la señalética utilizada para indicar, lugares, prohibiciones y
reglas a los usuarios.
 Símbolo: El símbolo designa la imagen que representa una idea, recuerdo o sentimiento, claro cada
cultura le puede dar un significado diferente. La cruz roja, la cruz cristiana, un moño negro, una
bandera de un país, o el símbolo más universal la paloma.
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LEER UNA OBRA DE ARTE
UN EFICAZ MEDIO DE COMUNICACIÓN
El hombre comenzó a utilizar imágenes para comunicarse con sus semejantes desde tiempos prehistóricos,
cuando aún no conocían la escritura.
Las imágenes podían ser cinceladas o pintadas con colores rudimentarios en las paredes de una caverna,
modeladas en arcilla o grabadas en hueso. De cualquier modo, tenían un significado, contenían un acervo
de pensamiento, sentimiento y percepciones.
Algunas de aquellas imágenes han llegado hasta nosotros y, en la distancia del tiempo, nos permiten
conocer la sensibilidad de quien las realizó; en ocasiones nos ayudan a comprender la forma de pensar y
sentir de una época.
El estudio de la historia del arte es importante porque los artistas son grandes comunicadores de mensajes.
Con sus obras han transmitido contenidos muy complejos, cuya descripción hubiera necesitado ríos de
palabras.
El lenguaje de las imágenes es directo, rico y poderoso. Como ocurre con todos los lenguajes es necesario,
sin embrago, aprender a conocerlo. De otra forma, la imagen permanece “muda” y no se realiza la
comunicación.
Como se produce la comunicación.
En cada forma de comunicación existen:
 UN EMISOR: la persona que decide comunicar algo

 UN MENSAJE: el contenido de la comunicación
 UN CÓDIGO: el sistema de signos utilizados en la comunicación, que debe ser conocido por el que
recibe el mensaje
 UN MEDIO: el elemento que permite “físicamente” la transmisión del mensaje
 UN RECEPTOR: la persona a la que se dirige el mensaje
 UN CONTEXTO: en cuyo interior se produce la comunicación
 UNA FUNCIÓN: la intención que tiene el emisor del mensaje.
ACTIVIDAD
EN BASE A COMO SE PRODUCE UNA COMUNICACIÓN: ANALICE LA COMUNIACIÓN QUE SE ESTA

DANDO EN ESTE MOMENTO. (Entre el cuadernillo y ustedes)
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Ejemplo de comunicación visual
Intentemos examinar desde el punto de vista de la comunicación visual una obra de arte como la
famosísima “ultima cena” de Leonardo da Vinci, que se encuentra en el convento de Santa Maria delle
Grazie, en Milán (Itália). Esta obra es compleja y articulada; en lenguaje moderno decimos que es un texto
visual que el observador (o destinatario) puede leer en varios niveles.
El emisor, es decir, el autor de la obra, es Leonardo da Vinci, un gran artista y hombre de ciencia que vivió
hace más de 500 años.
El mensaje se refiere a un episodio de la vida de Jesús extraído de los Evangelios, la cena con los apóstoles
que precedió al prendimiento, la condena y crucifixión del Mesías.
El código es la pintura del Renacimiento italiano, en sus formas figurativas y expresivas. Por ejemplo la
perspectiva, que permite dar una idea de profundidad al espacio en que están representados los
personajes, fue perfeccionada y su utilización caracteriza la pintura renacentista frente a la medieval.
El medio es la pared del refectorio del convento, sobre cuyo revoque Leonardo pinto la obra, con una
técnica llamada “fresco”
Los receptores, es decir, los destinatarios de la pintura, eran originalmente los monjes del convento. Sin
embargo, hoy en día este fresco es admirado por turistas de todo el mundo, por lo que podemos decir que
una obra de arte, si verdaderamente lo es, tiene como beneficiarios potenciales a todos los seres humanos.
El contexto es la Italia renacentista, cuando los poderosos señores de la corte rivalizaban por tener a su
servicio a los mejores pintores y artistas.
El ordenante era el potentado que encargaba la obra al artista.
Ante todo como siempre que se trata de arte sacro, la función de esta obra es educar a los fieles en la fe y la
devoción. Antes de consumir alimentos en el refectorio, los monjes se reunían en oración y esa imagen les
recordaba algunos contenidos fundamentales de la religión cristiana: la institución de la Eucaristía, la
traición de Judas, el conocimiento del sacrificio de Jesús como medio para la salvación del hombre.
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ACTIVIDAD:
1. Leer la siguiente información.

2. Realizar resumen del arte prehistórico, resaltando o subrayando lo más importantes
3. Completar el resumen que encontrarás al final, el cual es muy escueto.
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ARTE DE LA PREHISTORIA
Arte paleolítico.
Edad de Piedra (30.000 al 10.000 A.C)
Características principales del arte paleolítico en la prehistoria
Intentar caracterizar el arte de un período que abarca la mayor parte de la historia humana no es una
tarea sencilla ya que el Arte paleolítico intrincadamente está subordinado a los estudios antropológicos y
arqueológicos que los profesionales han realizado en el intento por compilar y conocer la mayor cantidad
de información. Generalizando se puede decir que lo seres humanos; ocupados en la búsqueda de
alimentos y garantizar la subsistencia y procreación intentaban controlar de alguna forma el entorno en
que vivían e utilizaron manifestaciones de creación artísticas con intenciones propiciatorias (atraer la
lluvia, la fertilidad femenina, certeras partidas de cacerías, pesca provechosa y cosas como estas que
conllevaron al desarrollo del pensamiento Abstracto.
Los seres humanos en este momento estrictamente eran cazadores-recolectores, lo que significa que
estaban constantemente en movimiento para la búsqueda de alimentos. El arte tiene dos características
fundamentales portátil y estacionario.
Arte portátil en el periodo del paleolítico.
Durante el periodo del Paleolítico superior el arte era portátil, (se podía mover o transportar)
necesariamente de pequeño tamaño de forma que pudiera ser trasladado en
sus migraciones constantes en busca de zonas propicias para la
subsistencia y principalmente consistió en figurillas o también pequeños
objetos decorados. Estos objetos que formaban parte del ajuar paleolítico
fueron tallados en piedra, hueso o cuernos e incluso algunos modelados con
arcilla.
Nos referiremos a la mayoría del arte portable desde este momento como
figurativo, en que la forma eran reconocible, ya fuera lo representado en
estos objetos la imagen de animales o la figura humana. Las figurillas son a
menudo mencionadas por el nombre colectivo de “Venus”, ya que son
inconfundibles figuras femeninas modeladas con las características de
vientre abultado y senos grandes durante un avanzado estado de gestación, no poseen rostros y la cabeza
tiene relieves tallados sugiriendo el cabello. Estas figuras demuestran la importancia que conceden a la
fertilidad.
Arte estacionario en el periodo del paleolítico.
Este arte fue justamente eso: no se mueve. Los mejores ejemplos que existen se encuentran en las pinturas
rupestres en Europa occidental, creadas durante el período Paleolítico. Estas pinturas fueron elaboradas a
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partir de combinaciones de minerales, ocres, utilizando la sustancia interna de los huesos y carbón
mezclado en medios de agua, sangre, grasas de animales y sabia de los árboles para obtener otros colores.
En la pintura rupestre se perfilaban primero el contorno de la figures con un buril, se remarcaban

posteriormente en negro para pulverizar después el color sobre la imagen, el color que se aplicaba se
mezclaba previamente con un aglutinante de propiedades orgánicas como por ejemplo la grasa de los
animales y el tuétano.
La aplicación del color se hacía directamente sobre la figura, utilizando los dedos, toscos pinceles y
espátulas. La propia humedad de la roca lograría que se estableciera la adherencia necesaria. Esto puede
considerarse como un anticipo de lo que posteriormente sería la técnica al fresco.
La falta de luz en las cuevas y una temperatura y humedad constante ayudaron a que se preservaran
durante siglos estas pinturas en muy buenas condiciones considerando el tiempo en que fueron creadas.
 Predominan las figuras aisladas en su mayoría de animales con un marcado realismo., entre ellos
encontramos bisontes, ciervos jabalíes.
 Se aprovechan también las rocas protuberantes para realizar sobre ellas dibujos que les conceden
casi una propiedad tridimensional.
No se sabe con exactitud cuál sería la intención de estas pinturas pero todo parece indicar que su carácter
mágico-religioso predomina, teniendo en cuenta la necesidad del hombre de la prehistoria de adaptarse a
las condiciones climáticas de las que dependían y sobrevivir en un ambiente primitivo muchas veces
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sumamente adversos donde la procuración de alimento y la reproducción eran su preocupación constante
y primordial.
Se encuentran estas pinturas lejos de la boca de las cuevas en que se llevaba a cabo la vida cotidiana.
Generalmente estas pinturas que ocupan tanto las paredes como la parte superior de las cuevas, (lo que
vendría siendo como el techo de estas cavidades naturales), han sido realizadas en zonas adentradas
donde prácticamente la luz del día no llega en lo absoluto. Lo curioso es que no hay en las mismas huellas
de humo provenientes de antorchas, lo que dio pie a una investigación por parte de los especialistas para
saber como pudieron crear estas pinturas en la oscuridad y de que forma se alumbraban. Se han
encontrado restos de especie de velas o linternas primitivas que utilizaban grasa de animales que al
quemar lentamente no producen tóxicos, humareda o huellas de hollín negro en la superficie de las
paredes o techo de las cavernas.
Las cuevas para los hombres primitivos deberían considerarse como santuarios y las pinturas serian el
complemento de los rituales para propiciar las condiciones favorables para la realización de sus
actividades de supervivencia como la caza y la recolección y conseguir el favor de los dioses.
Las Pinturas rupestres no solo contienen arte figurativo, lo que significa que muchos elementos son más
simbólicos que realistas. La excepción clara, aquí, está en la representación de los animales, que son
vívidamente realistas (los seres humanos, por otro lado, están completamente ausentes o representadas con
un simple trazo a forma de palo o estaca.
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Algunos importantes ejemplos de estas pinturas en las cuevas se encuentran en:
Francia: Chauvet, Cosquer, Cussac, Font-de-Gaume, Lascaux, Les Combarelles, Les Trois-Freres, Niaux,
and Rouffignac.
España: Altamira.
Aunque hay alrededor de 300 a 400 sitios que han sido documentados aportando todos ellos de una forma
u otra importantes elementos para el mejor conocimiento de estas pinturas.
Como ejemplos más importantes del arte en el periodo del paleolítico están:
 La Venus paleolítica en las tallas de piedra realizadas en pequeño tamaño y fácil de

transportar.
 Predominante representación de animales en la pintura.
 La figura humana solo se esboza con un simple trazo semejando palos o estacas.
 El uso de rituales y danzas para promover estados climáticos favorables y otras
circunstancias de bienestar como las curaciones a los enfermos.
 Pinturas rupestres con limitada gama de colores utilizando varios métodos en el que el
uso de las manos para la aplicación de los mismos predomina así como toscos pinceles y
rudimentarias estacas.
 Aprovechamiento de las formas de rocas protuberantes para dar sensación de
profundidad y relieve.
ACTIVIDAD DE RESUMEN:
1. Describa cuales eran las funciones de las expresiones artísticas en el arte prehistórico.
2. ¿Cuáles eran las necesidades de los hombres de la prehistoria?
3. ¿Qué importancia se le otorga a la magia?
4. ¿Cuáles eran las intenciones de las creaciones artísticas en el arte Paleolítico? Describa las 2
características fundamentales de este arte.
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Arte de la Prehistoria.
El Mesolítico
Edad de Piedra Media – 10.000-8000 a.c.
El periodo del Mesolítico es conocido también como “Edad de Piedra

Media”, cubre un breve lapso de tiempo de alrededor de 2.000 años.
Sirvió como un puente importante entre el Paleolítico superior y la
edad neolítica. El arte de este período no tuvo connotaciones artísticas relevantes en el formato de
representación en comparación con la época predecesora.
El arte de la época Neolítica posterior es muy diverso, además de estar mejor preservado y ofrecernos miles
de ejemplos de sí mismo, en lugar de un “puñado” como en el caso del mesolítico. Aun así, vamos a tratar
con brevedad los acontecimientos artísticos del Mesolítico porque, después de todo, es una época distinta
de cualquier otra.
La geografía y clima habían cambiado y las personas

poco a poco se habían adaptado, asistidas por un clima
más templado. Diversas plantas comestibles estaban allí a
la mano para ayudar en la supervivencia. Dado que los
seres humanos no tienen ya que vivir en cuevas o
seguir rebaños; ésta era vio los inicios del desarrollo de
comunidades más asentadas y agrícolas. La invención del
arco y la flecha ayudaron a proveer con más alimento en
la caza de animales y la elaboración de cerámica para el
almacenamiento de alimentos; definitivamente fue un
avance.
CORTE DE PIEDRAS EN EL PERIODO MESOLÍTICO PARA OBTENER PUNTAS FILO CORTANTES

UTILIZADAS EN ARMAS Y HERRAMIENTAS.
Se va implementando poco a poco la domesticación de algunos animales para alimento o en el caso de los
perros, para obtener ayuda en la caza de los animales no domesticables que formaban parte de su dieta.
Este fue otro elemento de prosperidad en la procuración del sustento diario que permitió mejores
condiciones para el asentamiento.
Por mucho tiempo se había asentado la teoría de que la implementación de la agricultura había sido un
factor destacado en el asentamiento y desarrollo de la tribu, pero estudios recientes basados en restos
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arqueológicos y estudios antropomórficos apuntan al hecho de que la agricultura se desarrolla como
consecuencia de la mejoría de herramientas y de una mejor organización social que posibilita la
especialización de sus miembros en las tareas que conducían a la obtención de alimentos, tales como la
caza, la pesca, cuidado de rebaños y la misma agricultura.
Las faenas de cazar y elaborar herramientas son realizadas por la parte masculina de la comunidad, en
tanto que la agricultura y preparación de alimentos recaen en las mujeres con la ayuda de sus jóvenes
hijos al cuidado de estas. Son las mujeres también las que desarrollan labores que son realizadas para
procurar la subsistencia, por lo tanto tienen carácter práctico, tales como elaboración de vasijas de barro,
cestos tejidos con fibras vegetales y vestimentas. Ellas ya desde este periodo de la prehistoria son las que
más inciden en la expresión artística de estas comunidades incipientes cuando decoran estas vasijas,
elaboran adornos personales rudimentarios; hechos con fibras vegetales, dientes de animales, semillas de
frutos y conchas.
La elaboración de herramientas y armas cuentan con la técnica de corte de la piedra en lascas. Piezas de
cuarzo de grano muy fino eran cortadas hasta obtener lascas cuyas afiladas puntas tenían varios usos
como armas y herramientas fueron utilizadas en gran medida en las lanzas y flechas como también para
el uso de herramientas de mano. También se hicieron otras herramientas
tales como raspadores para la limpieza de pieles y cuchillos de pedernal.
EXPRESIONES ARTÍSTICAS EN EL MESOLÍTICO
PEQUEÑA ESCULTURA DEL PERIODO MESOLÍTICO REPRESENTATIVA DE

LA ESTATUARIA PORTÁTIL.
La estatuaria portátil del Paleolítico superior estuvo en gran medida ausente

durante la época mesolítica. Esto probablemente es el resultado de que la
gente se asentó y ya no requieren de un arte y objetos pequeños o portátiles con los cuales poder viajar. Las
figuras representadas en las esculturas encontradas son muy estilizadas. Se destacan en esta época las
tallas de obsidianas y otros objetos filos cortantes. Conchas perforadas en ocasiones pintadas y usadas
como colgantes constituyen parte del ajuar usado para la decoración
personal.
Los Cantos rodados cuya pulida superficie constituía un buen

espacio para pintar fueron también utilizados en este periodo del
mesolítico como expresión artística.
Entre las artes que decoraron se encuentran la cerámica, aunque fue

mayormente utilitario en el diseño destinado solamente para
contener agua o granos, no necesariamente para embellecimiento o
placer visual. La decoración encontrada en estas vasijas cerámicas es
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generalmente con trazos geométricos simples en color rojo y dependiendo de la región del que proceden
presentan variaciones en el diseño.
El arte Mesolítico más interesante que conocemos consiste en pinturas rupestres similares a las pinturas
rupestres del paleolítico, estas se mueven al exterior hacia acantilados o “paredes” de roca natural
verticales, a menudo semi-protegidos por afloramientos o voladizos de rocas naturales. Aunque estas
pinturas rupestres se han encontrado en lugares que van desde el extremo norte de Europa hasta África
del Sur, así como en otros lugares del mundo, la mayor concentración de ellos existe en el levante de
España.
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Características principales del arte Mesolítico.
 Las pinturas de esta época cambian en lo referido a los temas en los que se observan ahora
grupos de humanos participando en cacerías o también en rituales.
 Los seres humanos que se muestran en la pintura rupestre son altamente estilizados, como
figuras de palo glorificadas. Estos seres humanos lucen más como pictografías de
imágenes, y algunos historiadores plantean que representan los inicios primitivos de la
escritura (por ejemplo: jeroglíficos).
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 Muy a menudo las agrupaciones de figuras
están pintadas en patrones repetitivos lo que
denota un buen sentido del ritmo en la escena
representada, incluso si no se está seguro de la
acción en la que están involucrados.
 El arte Mesolítico tiende a representar trazos
geométricos en los dibujos, apreciándose mejor
en la decoración de artefactos y esculturas de
bulto redondo.
 El uso del color es bastante restringido
limitándose al rojo ocre en las pinturas.
 Pintaron también sobre pequeñas rocas pulidas, conchas y dientes.
ACTIVIDAD:
1. ¿Cuáles son los cambios que aparecen entre el período Paleolítico y Mesolítico? (tener en cuenta el
contexto geográfico, clima, personas, actividades, progresos, arte)
2. ¿Cuáles son las razones que logran el asentamiento?
3. Enumere las actividades masculinas y femeninas.
4. Describa las características del arte Mesolítico.
Arte de la Prehistoria.
Arte Neolítico
8000-3000 a. c.
DIOSA MADRE CON PIERNAS CRUZADAS. NEOLITICO TARDÍO.

APROXIMADAMENTE 6500 AL 5500 (AC). COLECCIONES DEL
MUSEO REZAN HAS.
Aunque depende de las zonas.
El arte del Neolítico muestra una nueva forma de plasmar la

necesidad de los humanos de relatar mediante una expresión
gráfica más efectiva aspectos que son para ellos perennemente
importantes como; lo concerniente a su entorno, sucesos de la
vida diaria, deseos propiciatorios que ayudaran a mejorar sus vidas, lo que sentían y lo que veían . Es así
27
que introducen los símbolos que representaban lo que querían expresar acerca de todo ello, como concepto
de sus ideas en forma sintética.
En el periodo que se denomina como del Neolítico los glaciares del hemisferio norte concluyeron su larga
y lenta retirada, proporcionando terrenos apropiados y estabilizando el clima, uno de los factores que
permitió que muchas tribus abandonaran sus formas errantes y comenzaran a construir más o menos
aldeas y asentamientos permanentes.
El impacto que tuvo en los seres humanos este cambio climático fue de máxima importancia y fueron
estableciéndose en sociedades agrarias un poco más complejas, esto les posibilitó tener suficiente tiempo
libre para explorar la realización de algunos de los aspectos claves que conforman una civilización, entre
ellos la religión; como medio de refugiarse en aquello que ellos consideraban podía concederles protección
ante las adversidades de la vida en un medio hostil.
Otros de estos aspectos fueron la medición, los principios de la arquitectura y escritura y también la
representación artística de los elementos de su entorno a través de diferentes medios como pintura
rupestre, la decoración de vasijas de barro o la elaboración de estatuillas de bulto, muchas con carácter
propiciatorio; como la maternidad y contenido religioso, pero más elaboradas que las realizadas durante el
Mesolítico.
Los pueblos del Neolítico perfeccionaron las técnicas agrícolas y de conformación de rebaños
domesticando a sus animales. Con un creciente y estable suministro de granos y carnes, los seres humanos
ahora tuvieron tiempo libre para reflexionar sobre su entorno y desarrollar nuevas ideas así como algunos
avances tecnológicos bastante radicales.
Tipo de arte que se desarrolló durante este periodo: VENUS DE CATAL. NEOLÍTICO.
 El Tejido
 La arquitectura
 La construcción de megalitos.
 Estilizadas pictografías.
 La estatuaria, pintura y cerámica tuvieron en esta época

mayor refinamiento.
 Las estatuillas tuvieron un gran auge luego de haber

estado casi ausentes en la época del mesolítico.
 El tema de la fertilidad femenina tomo papel protagónico así como representación de la diosa madre
muy en relación con la agricultura.
28
Hubo estatuillas que representaban animales, sin embargo, estos no eran dotados con el detalle que
disfrutaron las diosas. Se encuentran a menudo rotos o en trozos; quizás indicando que
se utilizaron simbólicamente en los rituales de caza.
En el Cercano Oriente, en particular, las figurillas eran ahora de arcilla y al horno. Y no solamente talladas
en piedras. La utilización de esta nueva técnica posibilitó el incremento de la producción de las mismas
y más variadas formas y tamaños.
La pintura
Se observan en Europa occidental y el Cercano Oriente que estas se sacan de las cuevas y los acantilados y
se centran en la expresión puramente decorativa. Los hallazgos de bronce de Catal; una aldea antigua en la
moderna Turquía, muestran encantadoras pinturas murales (incluido el paisaje más antiguo conocido del
mundo), que datan de 6150 a. c.
Pintura Rupestre en el Neolítico
29
 Cuenta con pintura rupestre presentando variedad en los temas como cacerías y danzas.
 Aparece la figura humana. Figuras siluetadas y estilizadas.
 Se muestra disposición de las imágenes en escenas.
 Las imágenes se presentan como esquematizadas; no tienden a ser realistas como en el periodo del
paleolítico. Esta esquematización tiene características casi geométricas que acentúan la expresividad.
La cerámica en el neolítico
Comienza a ser más decorada con figuras de animales algunas y otras con bandas o ambas combinadas.
Líneas oscuras y espirales también se encuentran entre los diseños. Hacia los finales de la época media
del neolítico por motivos aún no claros ocurre un abandono de la tendencia naturalista y figurativa hacia
tendencias simbólicas y abstractas donde el detalle de las figuras no es tenido en cuenta.
30
CERAMICA DE LA CULTURA VINCA. 5000 (A.C)
31
Características principales del arte Neolítico
 Era todavía, casi sin excepción, creado para propósitos funcionales.
 Se incrementa la representación de imágenes de seres humanos que se representan con más detalle
en comparación a la de los animales.
 Comenzó el arte a utilizarse para ornamentación sumando esta función al carácter funcional.
 En los casos de la arquitectura y las construcciones megalíticas el arte ahora se crea en ubicaciones
fijas.
 Se construyeron templos, santuarios y anillos de piedras, a los dioses y diosas.
 La aparición de tumbas proporcionó lugares de descanso de los difuntos.
Construcciones en el periodo del Neolítico
 Menhir
 Dolmen.
 Cromlech
 Cuevas de enterramiento.
DOLMEN
Estos megalitos poseían una complejidad

constructiva que pueden hoy sorprendernos
teniendo en cuenta que fueron hechos tan
remotamente en el tiempo por hombres en el
periodo neolítico. Estos conjuntos demuestran
que estos
hombres tenían conocimientos relacionados con
las estaciones y los astros como el sol, la luna y las estrellas ya que esos megalitos están orientados de forma
que la luz del sol pasa por ellos en determinadas fechas coincidiendo con los solsticios y los equinoccios.
El tipo de arte del “Neolítico” continuó floreciendo en las Américas, África, Australia y en particular,
Oceanía.
32
MENHIR DE LA PREHISTORIA
UTENSILIOS DE PESCAR. CULTURA VINCA. PERIODO NEOLITICO.
Video: https://yuotu.be/7-5pUHZLyZY EL NEOLÍTICO por “la cuna del halicarnaso”
TRABAJO PRÁCTICO
LUEGO DEL VIDEO VISTO EN CLASES, CONTESTE EL CUESTIONARIO JUNTO A SUS COMPAÑEROS,
FORMANDO GRUPOS DE NO MÁS DE 4 INTEGRANTES.
1. ¿Qué significa Neolítico?

2. ¿Qué período se encuentra antes del Neolítico?
3. ¿Cómo comienzan a vivir las personas?
4. ¿Entre que años se encuentra el neolítico?
5. ¿En qué regiones del mundo se registra esta etapa?
6. ¿Qué actividades se comienzan a realizar en el plano económico?
7. ¿Qué animales se domestican en esta época?
8. ¿Cómo se llama el trabajo que se le comienza a hacer a la piedra?
9. ¿Qué actividades artesanales se comienzan a realizar?
10. En el arte, ¿Cuál es el cambio que se produce? ¿Cómo se comienzan a representar las figuras?
¿Cuáles el megalítico?
11. Seleccione algún objeto de la época (vestimenta, herramientas de trabajo, utensilios domésticos,
etc.) y compare con el mismo objeto de la actualidad.
12. Realice un afiche con los puntos más significativos de esta época y la comparación del punto
anterior.
 BUSCAR INFORMACIÓN SOBRE LA CERÁMICA DE LA ÉPOCA NEOLÍTICA. TÉCNICAS, FORMAS,
FIGURAS, DISEÑOS, USOS Y DEMÁS.
 REALIZAR EL MODELADO DE UNA PIEZA EN ARCILLA SIGUIENDO EL ESTILO INVESTIGADO.
33
El Arte Egipcio. Visión General.
VISION GENERAL DEL ARTE EGIPCIO ATRAVES DE SU FILOSOFIA, RELIGION Y ACTIVIDADES

ECONOMICAS.
Sus pensamientos y visión cosmológica del mundo, sus actividades

económicas y por supuesto su religión forman un todo único
estrechamente relacionado que hay que estudiar y comprender para
conseguir una idea más clara de las características generales del arte
Egipcio.
El Rio Nilo es el corazón de la tierra Egipcia, en torno a él se fundó esta

civilización la cual depende de su caudal y beneficios para la propia
subsistencia y es quien permitió el desarrollo y florecimiento de tan
interesante pueblo y cultura.
No es de extrañarse que ellos en su necesidad de adaptarse a las duras condiciones climáticas del desierto
contemplen al Rio como un milagroso dador de vida; como paliativo y solucionador del reto de subsistir en
este adverso medio. Sus asentamientos cercanos al rio les permiten desarrollar una economía agraria
aprovechando las crecidas del Rio; en el suelo negro o Kemet que se formaba después de retirarse las aguas
de la crecida del Rio, este sedimento era rico en nutrientes para los cultivos.
Aprovechaban las tres estaciones en que se

desarrollaba el proceso de cultivo y recogida de los
cultivos muy sabiamente conocimiento que
pasaron de generación en generación.
Estas tres estaciones eran:
Akhet: De inundación (Junio-Septiembre)
Peret: (octubre-febrero) La de crecida de los

cultivos.
Shemu: (Marzo-Mayo) De recogida de los cultivos.
34
LA RECOGIDA DE LA COSECHA DURANTE EL SHEMU.
Basado en el tipo de economía agraria; la cual depende en gran

medida de la propia naturaleza desarrollan conocimientos tan
importantes como la geometría, una amplia aplicación de las
medidas matemáticas, el desarrollo de la arquitectura en planos
cuadrangulares y un curioso sentido de la decoración en el que
no pasan por alto la propia naturaleza como inspiración.
Los egipcios tenían una visión muy ordenada y serena del

mundo; es como si miraran los sucesos de la vida atreves de un
filtro o tamiz donde todo al final de este encajaba con su visión
cíclica de la vida. Por perfecta que era la vida en la tierra no terminaba después de la muerte sino que
proseguía más allá después y había que asegurar cuerpo, mente y bienestar para que trascendieran en su
viaje hacia ese otro lugar de donde se retornaba resucitado.
Al igual que el Nilo tenia crecidas cíclicas, para los egipcios la vida estaba también en constante
renovación. Para ellos sus dioses viven, mueren y resucitan constantemente.
Es como si la vida se manifestara para ellos como un estatismo terrestre, en el que nada cambia; ni aun
después de la muerte, ya que para ellos la muerte no es más que una fase en camino a la resurrección.
No hay ni que decir que esta forma de ver el mundo establecen

un fuerte conservadurismo y este está basado (no en el miedo
al cambio de por sí); sino en la perduración de lo que para ellos
ya es perfecto y no hay porque cambiar hay que conservarlo
como esta; tal y como los dioses lo crearon.
El encargado supremo para ellos de que este estado perfecto se

mantuviera era el Faraón, esa primera figura en la que se
representaban religión y estado simultáneamente y por más
venerado que fuera; era a quien se culpaba si el estado de perfección, serenidad y equilibrio no
marchaban como se esperaba.
La Historia de Egipto comienza con la unificacion de los reinos por el Rey Menes quien fundo la primera
“Dinastia” alrededor del 2950 B.C.
El primer Faraom en la historia de Egipto Menes se establecio como el unificador de el bajo y el alto Egipto
y ejercio sus derechos como governador en representacion de los dioses y como encarnacion del Dios
Horus.
35
La posición geográfica de Egipto lo mantuvo bastante aislado
de otros pueblos y sus influencias culturales por muchísimo
tiempo. El aislamiento acentuó su concepto de vida y su
orgullosa visión en relación al mundo.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE EGIPCIO:
– Arte creado con destino a la Iglesia-Estado que fueron

en Egipto un todo único.
– El artista es más un artesano, totalmente anónimo que

ejecuta normas y conceptos preestablecidos.
– La precisión de ejecución de los encargos son los que se aprecian no la originalidad del artesano.
– El arte es el soporte propagandístico del poder del estado –religión.
– La imagen porta una simbología y un mensaje; no se hace con intensión de mostrar belleza para ser
contemplada como placer estético.
– Renuncian a la perspectiva para dar mayor claridad y énfasis al mensaje.
– Las proporciones y trazos resultantes en la figura son ópticamente incoherentes en función de lograr
transmitir; fundidos en el mensaje resultante los elementos conceptuales de propaganda.
– Las figuras muestran posición de frontalidad siendo un concepto fijo que se repite.
– Las figuras se elaboran macizas para asegurar perdurabilidad.
– Se utilizan formas geométricas puras como en el caso de la arquitectura.
– Los animales y plantas se representan ampliamente tanto en la pintura, como en la cerámica.
Los egipcios realizaron sus obras de arte ateniéndose siempre al carácter religioso y sirviendo a la
propaganda tras esta religiosidad la cual garantizaba el control sobre las multitudes y el poder absoluto
visto atreves de la figura del Faraón. Exaltaron por supuesto el aspecto funerario como el símbolo
principal que responde a su concepto de filosofía de vida.
36
LA DEVOCION RELIGIOSA FUE TEMA PRINCIPAL EN SUS
OBRAS DE ARTE.
A pesar de haber sido con el tiempo estas tumbas funerarias y

otros monumentos saqueados y devastados han llegado a
nosotros objetos en muy buen estado de conservación y que
constituyen hoy en día importantes obras de arte a pesar de
haber sido hechas por artesanos anónimos como mera
ejecución de encargos.
Estos objetos han aportado invaluable información sobre esta

enigmática cultura. Aunque ellos no siempre abordan en la
representación de sus escenas hechos de la vida diaria como en el
caso de los sumerios, no por ello sus historias, periodos históricos y
conceptos filosóficos han pasado desapercibidos para la historia del
arte que ha organizado esta cultura con más de 3000 años de
evolución en divisiones de sus periodos para poder entenderla
mejor.
CERAMICA EGIPCIA LOCALIZADA EN EL MUSEO DEL CAIRO.

FOTOS REALIZADAS DEL VIDEO TOMADO POR JOSÉ LUIS
SANTOS FERNÁNDEZ.
Escultura:
El escultor en Egipto no era considerado o valorado como un

artista o personaje de primera, era un personaje de segunda
categoría (y no era así en el caso del arquitecto) porque ellos se
dedicaban a una actividad manual puramente por encargo, por lo
que la iniciativa o el aspecto creativo no eran precisamente lo que
se requería de ellos, solo que realizaran el encargo o pedido a la
perfección según las especificaciones del cliente (Iglesia-Estado)
los únicos que podían tener alcance a adquirir estas piezas ornamentales y decorativas. Por lo que se le
consideraba un artesano que debía acatar los proyectos tal y como se le presentaban. Los resultados de
estos trabajos por encargos constituyen hoy obras de arte de indudable valor.
Características generales de la escultura Egipcia:
 Tienen carácter utilitario.
37
 Una finalidad no estética (la belleza de las mismas es algo secundario).
 Es una escultura hierática.
 Ceremoniosa y solemne.
 Las figuras humanas respetan excesivamente las reglas de la etiqueta oficial. (Frontales para
dignificar el personaje) si se trata de bulto redondo y con la cabeza de perfil si es relieve.
Las características de la escultura de bulto redondo son:
– Son rígidas.
– Estáticas.
– Idealizadas.
– Sin movimiento.
– No muestran sentimientos o emociones, expresión serena sin pasión.
– Los brazos están pegados al cuerpo (escultura bloque por razones técnicas y para garantizar solidez y
perdurabilidad).
– Uso de ojos artificiales de pasta vítrea para acentuar la profundidad de su mirada.
– Se realizan en piedra caliza, madera policromada y las más importantes en granito y basalto.
Característica de las esculturas en relieve:
– Esta suele ser un relieve bajo y policromado que se consigue reuniendo el contorno de la figura
(hueco-relieve).
– No muestran efectos de perspectiva.
– Todas las figuras son del mismo tamaño excepto las del faraón para subrayar su poder.
– Se utiliza la técnica completiva: (partes de frente como el busto y los ojos y partes de perfil como la
cabeza, las piernas y los pies).
– Las composiciones son siempre simétricas y perfectamente ordenadas simbólicamente.
– Los temas van desde las escenas cotidianas y los trabajos agrícolas hasta las grandes hazañas de los
faraones, siempre contadas seleccionando los principales y más apropiados momentos y contándolos en
una hilera horizontal, uno detrás del otro como una secuencia narrativa.
– Se procura no dejar ningún espacio vacío (horro vacui).
Famosas esculturas; muy bien conservadas muchas de ellas; son la admiración de millones de personas hoy
en día. No obstante a haber sido estas realizadas por encargo a los artesanos egipcios; constituyen
38
verdaderas obras de arte donde se observa un alto grado de maestría, están realizadas en diversos
materiales, algunos más duraderos que otros, pero no obstante gracias a que miles de estas obras fueron
guardadas en las tumbas por sus dueños se conservaron en buen estado al estar almacenadas en
condiciones especiales donde no estaban expuestas directamente a la rigurosidad del desierto.
ESCULTURAS DEL ANTIGUO EGIPTO REALIZADAS

EN DIVERSOS MATERIALES COMO PIEDRA,
MARMOL Y ARCILLA DE BARRO.
Estas joyas muestran la riqueza de los materiales

utilizados, piedras preciosas, semipreciosas oro, plata
y diferentes aleaciones.
VIDEOS:
 https://youtu.be/kAwfUitbvtw EL ANTIGUO EGIPTO I. EL NILO Y EL PODER DE LOS FARAONES.

 https://www.youtube.com/watch?v=BTiW4vyeJT0 EL ANTIGUO EGIPTO II. SOCIEDAD, ECONOMIA
CULTURA Y ARTE.
 https://www.youtube.com/watch?v=aH1wWDwiAcA EL ANTIGUO EGIPTO III | De Narmer a
Cleopatra, desarrollo histórico
39
TRABAJO PRÁCTICO
LUEGO DE LEER LOS DOCUMENTOS Y VER EL VIDEO N°2 RESPONDER:
1. ¿Cuáles son los estratos sociales que formaban la civilización Egipcia? Realice una breve
explicación de cada uno.
2. ¿Cuáles son los beneficios, derechos y obligaciones del Faraón?
3. ¿Cuál es la importancia del río Nilo para la economía Egipcia?
4. ¿Qué artesanías realizaban?
5. ¿Qué es la escritura pictográfica? ¿Cuál es su importancia?
6. ¿Cuáles fueron los avances más significativos de esta civilización?
7. Explique el sentido de la momificación
8. ¿Qué significa el politeísmo?
9. Describa los dioses egipcios
10. Mastabas, pirámides, hipogeo ¿Qué son?
11. Describa el arte Egipcio.
Arte Románico
Pintura, vitrales, manuscritos iluminados.
La pintura en el arte románico.
La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones

de pared lisa eran apropiadas a la
decoración pictórica; por ello,
también la pintura era un arte
subordinado a la construcción. En el
periodo románico que se desarrolla
posterior a la invasión de los bárbaros
en la región occidental una nueva
tendencia pictórica toma auge que
aunque conserva algunos elementos
del arte de Roma no es una copia de
esta. Se manifiesta principalmente en
el escaso estudio de la naturaleza que
40
revelan sus figuras, la seriedad solemnidad y uniformidad de los rostros y por la armónica plegadura de
los paños.
Utilizan contornos fijos o acentuados y falta de perspectiva dando un aspecto forzado y extraño en la
composición del conjunto lo que se suma a la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que
muestran siempre su mirada asombrada, aspectos que prueban una indudable influencia oriental a través
del arte de Bizancio. Se observa en estas figuras una marcada frontalidad que refuerza la comunicación con
el espectador.
Estas pinturas románicas se utilizan en la decoración de muros interiores de las iglesias, en pinturas en el
frente de los altares, en miniaturas o iluminaciones de códices, algunos que otros mosaicos de pavimentos,
esmaltes para decorar muebles y objetos de diverso tipo y en algunas vidrieras de colores que empiezan a
usarse a finales del siglo X.
Continúan los procedimientos

técnicos heredados del arte de Roma
a los que se suman otros nuevos.
Procedimientos técnicos más

comunes empleados en la pintura
románica.
– Utilizan el temple y el fresco

para cuadros y decoraciones
murales,
– El temple y la aguada en la pintura sobre tabla.
– La aguada o acuarela sobre las tablas con aplicaciones de oro para las iluminaciones de códices.
– Recubren la superficie de las tablas para pintar con un lienzo pegado a la misma sobre la que
aplican varias capas de fina escayola (yeso blanco de grano fino) trazan después pequeños surcos y
figuras encima pintando después sobre esta superficie.
41
La pintura románica tiene dos
características que sobresalen una es su
carácter simbólico y la otra es su
sentido narrativo.
Las figuras en la pintura Románica son:
 Planas
 Alargadas
 Sin perspectiva o con falsa perspectiva.
 Escalonamiento de personajes con

diferentes tamaños según su relevancia
o jerarquía.
 Los ojos y manos con dimensiones

desproporcionadas para acentuar
expresión espiritual.
 Los colores son intensos y brillantes

(rojo, amarillo, naranja y azul)
 Disposición en franjas contiguas de colores muy contrastadas entre sí.
 Uso del color negro para perfilar las figuras.
 Simplicidad en los detalles.
 Perfiles con trazos gruesos.
 Esquematización formal.
 Pies en forma de “V”
 Perspectiva de líneas divergentes.
42
Las características generales de la pintura Románica.
 Utiliza para acentuar el

mensaje religioso una representación
anti naturalista de la realidad.
 Busca en la narración representar los

hechos mediante la explicación
sencilla de la palabra sagrada.
 Tiene fuerte contenido

religioso mediante la representación
gestual.
 Intensifica representación
expresiva mediante la frontalidad de
las figuras.
 Emplea colores intensos y brillantes.
 Emplea la jerarquización espacial de los temas.
 Aplica varios convencionalismos en la pintura que permiten una lectura clara de las imágenes.
 Reiteración en la utilización del tema de la virgen o el pantocrátor y narraciones del antiguo o el

nuevo testamento.
 Composición simétrica.
Estas pinturas fueron creadas para decorar y

como medio de divulgación de la religión por lo
tanto los temas giran en torno a esta,
convirtiéndose en vehículo de comunicación
intelectual.
43
Vitrales en el arte románico
La pintura sobre cristal en este período fue también un formato utilizado para apoyar la propaganda
religiosa, añadiendo la posibilidad de poder narrar los pasajes de la Biblia con un vehículo poderoso de
iluminación como lo es la luz natural proveniente del exterior atreves de los cristales. Estos paneles de
cristal con colores así iluminados definitivamente producen una abrumadora sensación en el
espectador que permite
asimilar los mensajes
religiosos de estas pinturas
vidriadas más eficazmente.
Las primeras vidrieras de

estilo románico
estaban influenciadas por los
patrones lineales, abstracción
de la forma y una frontalidad
severa que también se
encuentra en el arte bizantino. La mayoría de las ventanas de la iglesia exhiben figuras monumentales
individuales con niveles (una fila colocada por encima y detrás de la otra fila) formado agrupaciones.
Los vitrales del periodo Románico en cuanto al color tenían una gama de colores cálidos donde
predominaban los rojos, azules, amarillos, blancos y verdes. Se perfilaba con líneas negras para dar
sensación tridimensional, todos en tonos intensos y brillantes. Generalmente se utilizaron en esa época
predominantemente los colores primarios.
La técnica de vitrales en la época románica produce significativas obras de arte; son los precursores de los
bellos vitrales que se producen después en el periodo Gótico donde llegan a alcanzar una gran maestría
y exquisitez. Cambios a través de los tiempos, las guerras y las condiciones políticas, sociales y religiosas
pusieron en peligro la supervivencia de estas vidrieras del periodo románico lo que provocó un lamentable
deterioro y destrucción de gran cantidad de esas magníficas pinturas en cristal.
Este formato eficaz de la pintura fue utilizado en mayor magnitud por el gótico en las catedrales y las
iglesias hasta el punto que es difícil pensar en estos días en los edificios religiosos sin las imágenes de las
pinturas de las ventanas de vidrio.
44
Manuscritos Románicos.
Estos manuscritos produjeron lo mejor de la pintura del arte románico, como ellos no estaban
restringidos como en el caso del fresco; que generalmente se aplicaba sobre los gruesos muros estos
manuscritos pueden ser altamente
detallados siendo estas imágenes
observadas por muchas de las personas
que consultaron estos libros ilustrados
que no podían leer ni escribir o entender
el idioma, por lo que las imágenes
contribuyen a comunicar los mensajes.
La mayoría de los manuscritos

iluminados son de naturaleza religiosa
como lo son las Biblias. Estas pinturas
en miniaturas utilizan intenso uso de
colores estando a veces envueltos por el texto o acompañado de iniciales o de pequeños textos. Tienen una
influencia gala o celta, como la mayoría de los primeros que se produjeron en Irlanda y Gales. El adorno
del texto con oro o plata da la impresión de que la página está literalmente iluminada. La mayoría de estos
libros manuscritos se produjeron en un equipo en lugar de por un solo individuo y es de destacar que
resultaban extremadamente caros por lo
que solo el clero podía pagarlas.
En las edades medias tempranas casi todos

los manuscritos ilustrados fueron
producidos por los monjes. Sin embargo, en
el siglo XV artistas en las ciudades fueron
comisionados para hacer este trabajo.
Aunque raramente firmaron sus obras, los
registros de impuestos sugieren que estos
artistas a menudo eran mujeres.
45
Desde la prehistoria hasta el imperio Bizantino.
Periodos del arte CARACTERÍSTICAS ARTISTAS Y OBRAS ACONTECIMIENTOS

PRINCIPALES HISTÓRICOS
Prehistoria – Pintura en las cuevas.- Diosas – Pinturas rupestres – Edad de hielo termina
de la fertilidad.- Estructuras de Lascaux.- Mujer 10, 000–8, 000
30.000 –
megalíticas de Willendorf.- Stoneheng A.C.– Nueva edad de
25.000 A.C
e. piedra y primeros
asentamientos
permanentes 8000–
2500 A.C.
Paleolítico 30.000 Paleolítico Paleolítico paleolítico–

y 10.000 A.C. Estrictamente cazadores-
– El arte era portátil y Los más importantes
recolectores.- Uso de
estacionario.- Venus de Piedra.- ejemplos de pinturas en
rituales y danzas para
Representación de animales en la las cuevas están ubicados
promover excelente
pintura que son vívidamente en:Francia: Chauvet,
clima.
realistas.- La figura humana está Cosquer, Cussac, Font-de-
totalmente ausente o Gaume, Lascaux, Les
representada con forma de trazo Combarelles, Les Trois-
simple en la pintura. Freres, Niaux y
Rouffignac.España: Altami
ra.
El mesolítico. – Cerámica utilitaria no por mesolítico– Cuevas con mesolítico principales

placer visual.- -Tallas de pinturas en Europa, África aspectos
10.000-8000 A.C.
obsidiana y otros objetos de del sur y este de España. históricos.Principio de
bordes dentados.- Figuras las comunidades
humanas en las pinturas de las asentadas y agrícolas-
cuevas altamente estilizadas. Domesticación de los
animales.
– Uso restringido del color
predominan los rojizos. -Elaboracion de
herramientas y armas
rudimentarias.
neolítico Neolítico neolítico ámbito históric

o:- Retirada de los
– El tejido de uso practico. – El tema de la fertilidad
glaciares
de la mujer toma un papel
Arte Neolítico. – En la arquitectura la proporcionando más
protagonista en el
construcción de megalitos.-
46
8000-3000 AC. pictografías estilizadas. neolítico, así como la tierras y estabilización
Refinamiento de estatuaria, representación de la diosa del clima.- Los seres
pintura y cerámica. madre. humanos fueron
instalándose en
-Las figurillas son ahora
sociedades agrarias.
de arcilla cocida al horno.
Ocurre mas variedad en
los temas de pintura
rupestre.
Se comienza a utilizar el
arte para ornamentación.
Arte Egipcio. Arte Egipcio– Arte con un Destacadas obras artísticas Ambito histórico de
enfoque en el más allá y con Egipcias.-Imhotep.- Egipto en la antigüedad.–
3100 – 30 A.C.
destino a la iglesia: – Las Pirámide escalonada. El ReyNarmer une Egipto
pirámides y la pintura de las superior con el inferior
– La gran pirámide de
tumbas. – Reverencia a los (3100 A.C.).- Ramsés II
Giza, construida por el rey
faraones.– El artista es un lucha contra los hititas
Cheops unos 4.500.
artesano más, totalmente 1274 A.C.
anónimo trabaja por encargo de – Busto de Nefertiti,
– 1085-333:
la iglesia. – Máscara de Dominación persa de
– Esculturas hieráticas y Tutankamón. Egipto.
utilitarias. – Escultura del escriba. – El dominio de Egipto
– La imagen lleva un simbolismo bajo los griegos y los
y un mensaje; No es con la romanos.
intención de mostrar la belleza.
– Cleopatra muere
– Las figuras muestran la 30B.C.
posición de frontalidad; es un
concepto fijo que se repite.
Arte Griego y – Idealismo griego.El equilibrio, Obras y artistas griegos:– Grecia hechos
Helenístico 850 la perfección de las proporciones Construcción del históricos:– Atenas vence
A.C. y la utilización de las medidas Partenón.- Las Korai aPersia en maratón 490
matemáticas se aplican a todas (esculturas femeninas) y A.C.guerra delPelopones
las manifestaciones del arte. la escultura arcaica o 431 –404 A.C.- Las
conquistas deAlejandro
– Órdenes arquitectónicos de las – Los Kouroi (Esculturas
Magno Grecia 336 A.C.-
columnas masculinas)
323- Período helenístico:
47
(dórico, Jónico, corintio) – Artistas que siglo IV (A.C.) del
resaltan individualmente: reinado de Alejandro
– Gran habilidad en alfarería,
Magno (336-323 A.C.)
cerámica de figuras rojas, -Mirón.
hasta la conquista de
cerámica de figuras negras.
– Fidias. Grecia por Roma, en el
Equilibradas esculturas segundo siglo A.C.).
– Policleto.
realizadas con detallismo y
realismo, realizadas con patrones -Praxiteles.
establecidos. -Scopas.
-Lisipo.
– El Athena Faénese.
Arte Romano. Arte Romano. Roma Acontecimientos

históricos romanos.
500 B.C– 476 – Realismo romano:Sentido – Augusto de Primaporta.
D.C.) práctico y utilitario muy realista.– Julio Cesar es asesinado
– Coliseos de Roma.
Introducción de nuevas técnicas en el 44 A.C.Augusto es
en el arte, pero aún con – Columna de Trajano. proclamado emperador
influencias griegas. – El Discóbolo de Mirón. 27 A.C.
– Arte para los servicios de la – Termas de Caracalla. -Diocleciano divide el

propaganda del imperio romano. Imperio 292 A.D.
– Escultura del emperador
– Aborda tanto el idealismo como Constantino. -Roma cae 476 A.D.
el realismo en el arte.
– Pinturas de la ciudad de -El
– Los temas centrales en la Pompeya y Herculano y emperador Constantino
escultura romana son los retratos. ruinas. adopta el Cristianismo.
– Grandes logros en arquitectura.
– Contenido erótico y sensual en

la pintura.
– Arte Anónimo e ilusionista.
48
Las sexuales venus paleolíticas cobran vida contra el
patriarcado
14
La artista Nina Paley ha animado deidades prehistóricas para incluirlas

en un largometraje que denuncia “la colonización de las mujeres”
La venus de Willendorf. (Museo Historia Natural de Viena)

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El #metoo parece haber llegado, incluso, al paleolítico. La famosa Venus de Willendorf junto a
otras compañeras de glaciaciones han emprendido divertidos bailes reivindicativos que están
haciendo furor entre comunidades apasionadas por la historia.
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Unos breves gifs muestran a estas pequeñas estatuillas femeninas, la mayoría con exagerados
atributos sexuales, moviendo caderas y pechos sin rubor. Tales bailes provocan la sonrisa de la
mayoría de los espectadores, que están compartiendo tal ocurrencia entre sus amistades y
contactos.
La Venus de Willendorf animada por Nina Paley (Nina Paley)
Detrás de estas danzas prehistóricas no solo está un buen programa de animación, sino la idea y
la habilidad de una artista norteamericana, Nina Paley, que ha decidido ceder gratuitamente
estos gifs tan logrados. “Se están convirtiendo en muy populares”, afirma sorprendida del éxito
que están obteniendo.
Paley decidió colgar los gifs en su blog y ofrecerlos gratuitamente y sin permiso previo a quien
quisiera reproducirlos. “Cultura gratis”, escribió. “Para volverse loco”, remataba. Quizás sí que
sea una locura hacer bailar a ancestrales diosas como la de Hohle Fels (de un mínimo de 35.000
años de antigüedad) o incluso a la sentada de Çatalhöyük, pero la artista aplaude que la gente las
utilice “para difundir la cultura”, aunque este no haya sido su objetivo inicial.
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La venus de Catalhöyük (izquierda) y la de Hohle Fels (derecha) junto a otra divinidad. (Nina Paley)
Proyecto visual contra el patriarcado

Los gifs forman parte del largometraje de animación que Paley está realizando actualmente bajo
el nombre de ‘Seder-Masochism’ sobre “la eliminación de la adoración de la diosa por el
patriarcado”, según explica la autora para La Vanguardia.
“Nuestra conexión con la adoración de la diosa antigua está completamente rota”, analiza en el
argumentario de su obra. “Mi película trata sobre la misma historia: la colonización de las
mujeres”. Para Paley, “el establecimiento de Yahvé como el Dios Único y masculino borró a la
Diosa y la mayoría ni siquiera sabe lo suficiente para afligirse”, argumenta.
51
Venus paleolíticas animadas por Nina Paley (Nina Paley)
Venus
paleolíticas animadas por Nina Paley (Nina Paley)
El baile de muchas de estas venus prehistóricas y otras diosas de culturas antiguas aparece en un
episodio del largometraje donde Moisés se enfrenta a todas ellas antes de la “imposición del
patriarcado”. El clip musical tiene como banda sonora la canción ‘You Gotta Belive’ (Tienes
que creer) escrita por Norman Whitfield y cantada por las Pointe Sister hacia 1976.
La letra se puede interpretar también como un canto contra este patriarcado con fragmentos tan
reveladores como “Dime hermano / qué te he hecho / para hacerte decir y tratarme / de la forma
en que lo haces” o “Tienes que creer en algo / ¿por qué no crees en mí?”
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Estatuillas prehistóricas sin significado claro
Sin duda, la creencia hacia estas diosas del paleolítico superior dejó de practicarse hace muchos
miles de años, aunque todavía no está claro si se trataban de divinidades femeninas vinculadas a
la fertilidad o a la diosa Madre Tierra, o quizás podrían representar también un modelo de
belleza de la época (de ahí surgió el nombre de ‘venus’ para designarlas) o tan solo podrían
tratarse de un simple amuleto. Todavía no existe un consenso científico sobre su verdadero
significado, si es que algún día se consigue alcanzar.
De lo que no cabe duda es que comparten un mismo modelo. Se trata de figuritas pequeñas, de
entre 3 y 22 centímetros que cabían en la palma de la mano. Están talladas en materiales como la
piedra, el hueso o el marfil y también elaboradas en terracota. Y lo que es más evidente: sus
formas exaltan los atributos sexuales femeninos. ¿Esta peculiaridad puede interpretarse como
una primitiva cosificación de la mujer o ponía en relevancia su poder? Otro controvertido dilema
sin respuesta.
paleolíticas animadas por Nina Paley (Nina Paley) Venus
https://www.lavanguardia.com/cultura/20180214/44763531709/las-sexuales-venus-paleoliticas-cobran-vida-
contra-el-patriarcado.html
53

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