Guía Básica para Realizar Un Documental

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Guía básica para realizar un documental.

Publicado el 28 octubre, 2013 por Luis Alberto Sanchez Pedret

Esta guía es un intento por pensar y ordenar las diferentes fases de la creación de una
película documental, y que para llegar a ella primero llevaremos a cabo el proceso de
investigación. A pesar de ser un poco extensa, recomiendo ampliamente que sea leída por quien
quiera realizar un documental. Al final del texto inclusive dejaré un link con tips para la misma
producción, nada más que consejos más prácticos.

La búsqueda y el hallazgo de una idea son la causa y el punto de partida para comenzar una
película documental.

Y que para llegar a ella primero llevaremos a cabo el proceso de investigación

La búsqueda y el hallazgo de una idea son la causa y el punto de partida para comenzar una
película documental ¿Cuándo nos damos cuenta de que tenemos entre manos una buena idea?
Será cuando esta nos invite al desarrollo potencial de un relato; una buena idea nos mostrará
personajes, lugares, palabras, imágenes. Si ésta es solo un enunciado o una simple enumeración
temática será estática, sin vida, sin movimiento y será en vano trabajar sobre ella.

Porque, ante todo, una película documental debe tener la vitalidad y la capacidad de proponerse
contar algo; de contener una pregunta. La propuesta es, entonces, la búsqueda de una historia
bien narrada con un argumento sólido y con la aplicación de un plan narrativo con componentes
dramáticos sensibles que inviten a reflexionar al espectador

La investigación previa.
LA INVESTIGACION PREVIA

El equipo de realización debe leer, analizar todos los pormenores del tema elegido. Mientras más
profunda sea la investigación, mayores posibilidades tendrá el equipo para improvisar durante la
filmación y en consecuencia tendrá mayor capacidad creativa cuando llegue ese momento. No
solamente se reduce a una investigación de escritorio, de biblioteca, de indagar en Internet. La
investigación demandará ponerse en movimiento sobre el campo investigado.

Sin embargo, en una película documental hay que tener presente que ésta no es un ensayo
literario. No necesariamente contiene una exposición, análisis y conclusión. En el mismo
desarrollo general un documental suele ser un conjunto de impresiones, notas, reflexiones, una
invitación al ejercicio de pensar y de pensarnos frente a lo que estamos contemplando.
Escenarios y Personajes

Esta fase empieza cuando el realizador conoce a gran parte de los personajes y lugares, cuando
visita por primera vez el sitio de los acontecimientos y puede respirar, observar, pasear por adentro
de la historia que desea narrar. Aquí todo cambia. La realidad se encarga de confirmar el trabajo
previamente escrito o lo supera, lo niega y/o lo transforma. Las premisas teóricas pasan a segundo
plano cuando aparecen, por primera vez, los personajes reales de carne y hueso. Empieza un
proceso bastante rápido para reacomodar situaciones, personajes, escenarios y demás elementos
no previstos. A veces la obra previamente concebida se transforma en una cosa bastante distinta
de lo que pensábamos y vamos construyendo la película al hacer, como si fuera piezas de
ensambles.

Elegir los personajes

La elección de los personajes en el cine documental es un proceso complejo y maravilloso, es una


exploración y en ocasiones un viaje al interior de los protagonistas. Es quizá la tarea más
importante del equipo de realización y el condimento agregado será descubrir escenarios que se
alcen como personajes narrativos para que gocen de una gran presencia en el relato audiovisual.
No debe ser la búsqueda acumulativa de algunas personas vinculadas al tema sino una búsqueda
a conciencia y una elección donde construiremos a los personajes cinematográficamente. Así el
personaje o los personajes principales constituirán la herramienta fundamental para motorizar a la
idea central, sostendrán la hipótesis y la defenderán en ocasiones hasta el final. Serán los
portavoces del guion, el hilo conductor del relato y la materia prima del documental.

Una decisión narrativa frente a los personajes se dará al provocar el cruce entre los protagonistas y
los antagonistas, es decir, la búsqueda de personas que entren en conflicto y se contradigan,
buscando siempre el contrapunto, para que el tema fluya por sí mismo. Esta decisión, que no es la
única que narrativamente podemos tomar, nos hará escapar de lo que siempre debemos huir: de
los documentales explicativos que poseen un narrador omnipoderoso que subestima al espectador
sin dejar que este reciba la información y reflexione frente a lo que está viendo y escuchando.

Por último, es importante destacar que los personajes del cine documental nos son rentados,
pagados ni contratados. Para logar entrevistarlos es necesario previamente conocerlos, estar con
ellos, ganar su confianza (ver etapa de preproducción-entrevista).

La Acción

El cine es acción. Sin acción, sin el hacer de los personajes no hay documental, no hay película.
Hay que tener en cuenta que en ocasiones podemos encontrarnos con que el personaje o los
personajes principales narran su historia sin abandonar su silla, permaneciendo estáticos. En estos
casos se sugiere tomar nota de las acciones implícitas que nos están contando, que nos está
diciendo frente a cámara. Así cuando nos habla de acciones en el pasado o en el presente
podemos más tarde agregarlas en la edición en función narrativa. Utilizaremos para logar
esto recursos como las fotos, las ilustraciones, o bien imágenes de archivo. Este recurso nos
permitirá poder escarparnos de la sensación estática del personaje y ayudarlo a que tenga mayor
fluidez en lo que afirma. De esta manera el personaje abandonara su silla y comenzara a
desplazarse por las entrañas del relato creando así un poco de acción para nuestra película.

Es importante destacar que quizás los personajes más interesantes y ricos son aquellos que no
sólo recuerdan y evocan una determinada historia con cierta pasividad sino que la riqueza de los
entrevistados se ve en la capacidad de estos en poder trasmitir la sensación de que están
reconstruyendo esa historia , reviviéndola frente a nosotros, frente al equipo de realización ,
desplazándose de un lugar a otro, moviéndose, en una locación (espacio de filmación) que forma
parte de eso que narra , que cuenta con sensibilidad reforzando su credibilidad al hacer .

PREPRODUCCIÓN

El trabajo de desarrollo del proyecto o preproducción está dado por la investigación teórica y de
campo. Es decir, los datos y la información que recopilamos a la hora de ir en busca de entrevistas,
recorriendo locaciones y encontrándonos con un montón de sensaciones que la teoría no nos
puede trasmitir. La preproducción es la primera etapa que cualquier audiovisual atraviesa. Se trata
de todas las actividades que conducen a la preparación de un video y que básicamente se dividen
en la preguionización que servirá (el guion final y definitivo se plasma en la isla de edición) para
iniciar un camino que tendrá que tener una estructura coherente. La preproducción incluye la
elaboración de un proyecto documental, donde se desarrollará el tema inicial. Es importante la
labor investigativa que nos deberá orientar hacia el recorte de lo que queremos contar con nuestro
cortometraje. La importancia de la preproducción es enorme, pues ella determina en buena medida
las condiciones de realización, que en el documental normalmente son imprevisibles y difíciles.
Mientras mayor tiempo y calidad se le dedique a la investigación, a las decisiones narrativas, a la
elección de recursos y a la organización en general, menores serán las posibilidades de cometer
errores o de tener olvidos, minimizando el impacto negativo de éstos en la producción. Además, y
lo que es más importante, si este proceso se lleva de manera consciente, ayudará a que el
producto final tenga unidad y coherencia. De este proceso surgirá una hipótesis, una afirmación
que marcará el recorrido del documental. Pero es importante destacar que la conformación de la
hipótesis no es una verdad revelada, sino que esta puede cambiar según el recorrido de la
investigación. Es muy importante que tengamos la capacidad y la madurez de poder
modificar nuestro punto de vista, si es que la realidad también afecta su hipótesis. Entonces, si
esto sucede, ya ni siquiera el objetivo de la búsqueda documental sobre el tema permanece
intacto. Todo puede modificarse y nuevamente deberemos refundar una hipótesis que enfoque lo
que queremos afirmar en nuestro relato audiovisual, puesto que una hipótesis es una afirmación.
En la etapa de preproducción debemos profundizar los cuidados a la hora de conseguir y elaborar
una Entrevista ya que esta será el pilar que sostendrá nuestro relato en la mayoría de los casos.
Encuentros previos sin cámara pueden resultar útiles para elaborar el cuestionario definitivo de las
entrevistas, pero sobre todo entrar en confianza con el entrevistado y que este sea más abierto a la
hora de dar su testimonio. Debemos tener en cuenta estos encuentros previos con aquellos
entrevistados que nosotros evaluamos como pilares de nuestro relato, aquellos que sostendrán
nuestra hipótesis.

Para pensar durante la preproducción La construcción de una situación como recurso narrativo:
según la temática del documental hay situaciones que podemos ficcionar con el fin de representar
un hecho concreto que nos ayude narrativamente a plasmar en el relato elementos significativos
para la historia.

Locaciones: En ocasiones las locaciones funcionan como elementos narrativos en el relato, y


hasta pueden transformarse en personajes. Por ejemplo: si nuestra historia cuenta la desaparición
de un alumno de un colegio determinado durante la última dictadura militar, filmar la entrevista en
la escuela tendrá una fuerza emotiva que no gozaría si se realiza en otro espacio. Además, está la
decisión del encuadre, los planos, mostrando el lugar con el entrevistado. Esto le puede dar no
solo un clima interesante a lo que cuenta el entrevistado sino le dará entidad también narrativa a
la locación. En consecuencia, será importante definir con criterio y de qué forma tomaremos
registro de esto. Para finalizar recalcar que hay lugares que dispararán la memoria emotiva de los
invitados, lugares significativos para la historia que se va a contar, y a veces, simplemente,
locaciones en las que el entrevistado se sentirá más cómodo o menos inhibido para hablar. Por
ejemplo: si estamos entrevistando a un compañero de escuela de una persona desaparecida, el
aula donde compartieron muchas horas puede ser un buen lugar. Pero si esa persona se inhibe o
siente vergüenza de dar testimonio en un lugar público, quizás es preferible elegir su casa, o un
lugar más íntimo que garantice el mejor clima para hacer la entrevista.

Las Fotografías: Cuando se realizan las entrevistas previas, es importante ver si la persona tiene
fotos u otros documentos que nos pueden ayudar a ilustrar en la narración. Pueden ser fotos
personales o imágenes que remitan a un hecho. Las fotos no sólo servirán para ilustrar. También
pueden servir como disparadores de anécdotas o relatos cuando se esté grabando la entrevista
definitiva en video.

El Archivo: en esta etapa surgirán definiciones alrededor de las imágenes propias que deben
generarse para el video. Puede ser en función de las entrevistas, o pensadas como separadores o
hilos conductores del relato. También se definirá si el trabajo requiere imágenes de archivo y
dónde obtenerlas.

PRODUCCIÓN- PLAN DE RODAJE El plan de rodaje busca optimizar cada día trabajo con la
cámara. Se trata de una planificación de lo que va a registrarse cada día. Por ejemplo: la jornada
en que se grabe una entrevista, puede aprovecharse luego para tomar imágenes del entrevistado
en determinado lugar, para hacer tomas que en la etapa de posproducción nos sirvan para reforzar
el audiovisual. Para esto es necesario que exista un equipo de producción que organice y paute
cada jornada de grabación coordinando previamente horarios, resolviendo dónde se hará la
grabación, gestionando permisos institucionales si son necesarios (a que en determinados lugares
se requiere de un permiso previo). El equipo de producción deberá tener en cuenta y ajustar estos
detalles y sistematizarlos en lo que se denomina hoja de ruta, que es una pauta donde
anotaremos lo que no debemos olvidarnos a la hora de iniciar este proceso. Ejemplos: puesta a
punto de la cámara de filmación, carga de batería, casete, confirmación de entrevista, etc.
POSPRODUCCION
La edición en video
Tecnologías y procedimientos
La posproducción comprende una serie de procesos operativos de carácter técnico y artístico que
se inicia una vez terminada la grabación del material original y que conduce a la finalización de la
producción audiovisual.

La posproducción comienza con la edición. En esta etapa se seleccionan del registro los
testimonios, las imágenes y los sonidos que se utilizarán. Después se dispone el orden y la
duración definitiva de los planos, atendiendo a la estructura establecida en el guion en el que
pueden surgir pequeñas modificaciones justificadas siempre y cuando estas contribuyan a
esclarecer la narrativa y no entorpezcan el proceso de culminación de la producción.

La edición en video requiere un mínimo conocimiento de la tecnología que se va a utilizar, como


así también de los pasos necesarios para llevar adelante el proceso. La finalidad de este texto es
brindarles la información básica sobre los equipos, sus funciones y también sobre el modo de
organizar los materiales (lo que se denomina el crudo audiovisual) de imagen y sonido. Así
también brindarles pequeños aportes que sumen a comprender a la edición-montaje no solo como
un proceso técnico sino también creativo donde el documental o la ficción que ustedes produzcan
tomará su forma final y definitiva.
Edición
Luego de finalizar la etapa de búsqueda y registro en lo que refiere a entrevistas, material de
archivo, encuestas, etc., el material es subido a la PC y transformado en un archivo editable. A
esto se le llama captura de material, en donde se pasa la filmación del soporte físico (casete, DVD)
a digital (se transforma en ceros y unos, digamos), y para poder hacer se necesita una
computadora con una placa capturadora y otros accesorios periféricos.
Teniendo el material digitalizado ya podremos empezar a editarlo en el
adecuado software(programa) de edición.

La planificación de la edición
La isla de edición no puede resolver por sí misma los problemas referentes al armado final del
video, sino que es el equipo de trabajo quien debe prever hasta el más mínimo detalle puesto que
es en esta etapa donde se termina definitivamente la producción. Por lo tanto, antes de encarar la
edición es necesario realizar una serie de pasos previos para agilizar y optimizar la etapa final. El
primer paso es el pautado, que consiste en hacer un inventario sistemático de todo el material
producido. Aquí se describe el contenido de cada plano y se indica su ubicación temporal en
el casete tomando como referencia el timecode (es un contador de tiempo que se encuentra
grabado en el casete). También se detalla si el soporte que se va a capturar es DVD, CD,
casete mini dv u algún otro.
Una ventaja adicional del pautado es que brinda la oportunidad de ver el material registrado con la
distancia necesaria para una evaluación justa de sus posibilidades. La planilla de pautado se
divide en columnas a fin de volcar los datos más importantes. Generalmente, siguiendo un orden
de izquierda a derecha, en la primera columna se anota el número de casete, en la segunda la
ubicación temporal de cada plano, en la tercera la descripción de la imagen y en la cuarta, las
indicaciones del sonido. También se puede agregar una columna para observaciones.

Un ejemplo:

Una vez completado el pautado se inicia el diseño del guion de edición. Este tiene mayor grado de
detalle que el guion inicial, puesto que en él se indican los efectos que se les aplicarán a las
imágenes y también se establece la organización del sonido; además de las duraciones que se le
asignarán a cada plano. También se indica cómo será cada corte y si se utilizará un efecto de
transición.

La forma más utilizada de confeccionar un guion de edición es en una planilla de tres columnas: en
la primera se detalla la duración de cada plano, en la segunda la descripción de la imagen y sonido
y en la tercera en que casete o DVD (o el formato en el que se haya filmado) se encuentran.

Un ejemplo:

Este método tiene varias ventajas. En primer lugar, agiliza el trabajo y reduce las posibilidades de
errores involuntarios, de modo que el producto final responda fielmente a lo fijado en el guion. En
segundo lugar, acota la toma de decisiones (ya están resueltas de antemano) durante la edición y
de esta manera se aprovecha mejor el tiempo. Sin embargo, es importante tener siempre la
capacidad de modificar pequeños detalles o realizar ajustes de último momento que puedan
mejorar el relato siempre y cuando estas modificaciones contribuyan a reforzar la historia.
Además, la claridad y el detalle en la confección del guion de edición permiten que cualquier
integrante del equipo pueda realizar el trabajo, sin que éste dependa de una sola persona. A
menudo, la postproducción puede llevar mucho tiempo después de haber concluido la filmación. En
ese caso, al disponer del guion de edición se evita tener que volver sobre las imágenes
registradas.

Cuanto más cuidadosos hayan sido en la planificación de la edición, mayor será la calidad del
resultado y sobre todo del proceso.

Las etapas de la edición


El listado de captura es una herramienta que nos permitirá ordenarnos. El mismo consiste en la
enumeración de todos los planos que serán transferidos al disco rígido. Cada plano debe estar
identificado según su orden en el casete original; es decir, del primero al último,
independientemente del orden que tendrán en el material editado. De esta manera se dispone de
todo el material a utilizar y se puede acceder de inmediato a cualquier imagen o sonido. Un buen
pautado facilita la confección del listado de captura. Es importante resaltar que el listado de captura
se debe incluir también la duración de los planos en el producto final y la marca de entrada y de
salida. Es importante al realizar la captura contemplar unos segundos antes y después de las
marcas de entrada y de salida del plano previstas para la edición. Sólo se contará con el fragmento
de la imagen digitalizada y todo aquello que no fue cargado en el disco rígido no estará disponible.
Contar con los segundos previos y posteriores les facilitará el ajuste del corte e incluso permitirá
al software (programa de edición) realizar con mayor facilidad fundidos o algún otro recurso de
transición. También hay que tener en cuenta que se pueden perder los tiempos de los originales de
cámara y los planos pasar a ser archivos almacenados en un proyecto del programa. Es por eso
por lo que hay que prever una buena organización para identificarlos fácilmente. Un buen método
es utilizar números y palabras que sirvan como referencia, porque los números solos no dan una
idea de qué contiene el archivo (por ejemplo, nombrar a loa archivos
así: cassette001_Juan_entrevista001, cassette001_Juan_entrevista002,
cassette001_Juan_busca_fotos_001, etc.). Algunos programas permiten visualizar un cuadro de la
imagen, lo que facilita el reconocimiento. Como ya se ha dicho, hay que tener siempre presente
que todos los materiales que se utilizarán en la edición deben ser compatibles con los requisitos
del equipamiento. Antes de la captura hay que saber cuáles son las posibilidades en lo que hace a
los formatos y la compresión de las imágenes de video, las imágenes fijas, los gráficos y también
del sonido. Para esto, siempre es bueno tener cerca de alguien que conozca un poco de estas
cuestiones.
Una vez que todo el material está cargado se comienza con la edición. La mayoría de los
programas presentan un aspecto que reproduce la lógica de la edición lineal. Es decir que dentro
de la ventana del programa hay un monitor previo, en el que se visualiza el plano a editar y uno
final en el que se ve lo que ya está editado. Además, se agrega una línea de tiempo o time line,
que es una ventana en la que se organiza la edición dividida en canales de video y de audio.
Además de reunir las imágenes y los sonidos, en el time line se trabajan los efectos de transición
entre un plano y otro, los filtros de las imágenes y los niveles del audio, entre otras decisiones.
Un buen método de armado es completar primero la línea de tiempo para recién después realizar
los ajustes en los cortes, efectos de la imagen y tratamiento del audio.

Una vez completada la edición se realiza el pasaje del material al formato DVD.
La secuencia como unidad de armado
La preparación de la estructura requiere la comprensión del video como un conjunto unificado y
coherente; cuando la planificación se hace cuidadosamente el proyecto presenta todas sus partes
integradas, sin piezas sueltas que no guarden relación con las demás.

La expresión estructura secuencial indica que la unidad de armado es la secuencia. Como una
serie de escenas agrupadas por una idea común; esas escenas pueden desarrollarse en sitios y
momentos distintos, pero forman parte del mismo conjunto.

Adoptar la secuencia como principio ordenador implica construir un armazón a partir de las ideas
que se tienen acerca del tema.

La unidad del conjunto se sostiene en las conexiones entre las secuencias, lo que facilita la lectura
del video; el espectador dispone de mayor orientación para asociar los distintos niveles de
información. Los enlaces, también llamados transiciones, son componentes fundamentales, ya que
las secuencias no son independientes, sino que se definen en virtud de su relación con las otras,
formando una red de significados.

Al prever el orden de las secuencias se puede plantear la progresión dramática del video, que
avance renovando la información con el agregado de nuevos interrogantes y nuevas perspectivas.
La planificación sirve para prevenir las repeticiones y los estancamientos mediante la inclusión de
variantes que mantengan el interés del espectador.

En la tarea de diseño, además de las secuencias, se trabaja con otras unidades mayores: el
principio, el desarrollo y el final. Estos elementos conforman la Estructura Narrativa. Cada uno de
ellos tiene funciones precisas en el texto audiovisual.

▪ El principio (también llamado introducción): se presenta el tema, se sitúa al espectador frente a


los hechos o los problemas a tratar. Se le brinda la información necesaria para entender lo que
sigue a continuación. Se trata de provocar su interés, crearle expectativas, que quiera saber
más.

▪ El desarrollo: es la sección donde se exponen los datos que sostienen el enfoque de los
realizadores. Se profundiza en el tema tratando de revelar sus aspectos más significativos: las
causas de los acontecimientos, los motivos de los protagonistas, las relaciones entre los
aspectos de una situación, los conflictos, las posibles consecuencias; en síntesis, es la puesta
en contexto del tema.

▪ El final (también llamado conclusión o desenlace): se cierra la entrega de información, en este


segmento convergen todas las líneas narrativas abiertas durante la introducción y el desarrollo.
Se puede optar por hacer una reflexión o un resumen a modo de conclusión, proponer una
solución para un problema no resuelto o plantear una esperanza de cambio. El final puede ser
abierto o cerrado, depende de la situación tratada. Aunque el tema permanezca sin resolución,
el video debe tener un cierre propio. Es importante dosificar la información hasta el final y no
subestimar a los espectadores, para que estos puedan pensar el proceso de información que
han vivido, las sensaciones emocionales que los atravesaron, para que desde sus lugares
reflexionen sobre lo que han experimentado en el transcurso ver la película.

EL LENGUAJE AUDIOVISUAL
La finalidad de este texto es describir algunos elementos del plano para poder comprender mejor
su naturaleza. Estamos convencidos de que el conocimiento de los recursos del lenguaje nos pone
en mejores condiciones para la producción de materiales audiovisuales; por otra parte, es una
herramienta necesaria para el ejercicio de una lectura crítica como espectadores, pero también
como realizadores.

Así es importante destacar que el plano es la unidad espacio-temporal básica, a partir de la cual se
articula el discurso audiovisual.

Nos concentraremos exclusivamente en el análisis del plano como resultado del registro efectuado
mediante la cámara. Hay maneras de producción del plano que prescinden de la cámara, como por
ejemplo las técnicas de producción digital o numérica, o en el caso del cine de animación,
el método de dibujar directamente sobre la película. Además, es muy común que, en la etapa de
posproducción, los materiales obtenidos por registro de cámara sean objeto de un proceso de
reelaboración. Dado que nos proponemos hacer un estudio introductorio no tendremos en cuenta
estos procedimientos y nos limitaremos al terreno de nuestras posibilidades prácticas.

Llamamos plano al segmento de cinta que se graba en forma ininterrumpida desde el momento en
que disparamos la cámara hasta el momento en que la detenemos.

Algunos autores utilizan el término toma como sinónimo de plano. Otros restringen su uso a la
etapa del rodaje, entendiendo que el plano como tal, está previsto desde antes del registro. La
distinción se vuelve más clara cuando en un rodaje se hacen varias tomas de un mismo plano ya
especificado en el guion.

En el material terminado el plano es la unidad que transcurre entre dos transiciones.

Todo plano está constituido por un conjunto de elementos que determinan su significación. Vale
aclarar que ésta no se agota en la interacción de los mismos, sino que también está condicionada
por el lugar que el plano ocupa en el montaje.

Los elementos más importantes del plano (y del lenguaje) son:

Encuadre
Campo
Ángulo
Iluminación
Movimiento
Duración
Sonido
Estos elementos configuran una unidad compleja en la cual mantienen relaciones de
interdependencia. Si procedemos a abordarlos de manera aislada esto responde a las necesidades
del análisis. En este documento vamos a examinar algunos de ellos: encuadre, ángulo
y movimiento.

Encuadre
El encuadre es la selección de un fragmento del espacio situado frente a la cámara.

El acto de encuadrar exige disponer los elementos visuales dentro de los límites impuestos por el
marco del visor; esta operación remite a un punto de vista, entendido como emplazamiento óptico
de la cámara, es decir, el lugar desde donde se mira. A su vez, el encuadre comunica una visión
del mundo, revela la mirada de quien lo realiza y la decisión de este frente al recorte de la realidad
que quiere mostrar. Por lo tanto, la organización del cuadro resulta una cuestión central como
construcción de sentido. Al mismo tiempo que guiamos la atención del espectador hacia los
aspectos más significativos creamos las condiciones de percepción de la imagen, proponemos un
modo de ver, un modo de trasmitir nuestra mirada frente al mundo.

Es necesario entonces conocer los principios básicos de la composición con el fin de producir
imágenes que expresen mejor nuestras ideas y sentimientos, y evitar que el orden de los
elementos visuales distraiga o dificulte la atención del espectador, en contradicción con nuestras
intenciones.

El encuadre establece una distancia entre el observador y el asunto enfocado, el espectador


puede sentirse lejos o cerca de lo representado en la pantalla. La relación entre la superficie del
cuadro ocupada por un objeto determinado y la superficie total del mismo cuadro define la escala
del plano, que está determinada por el tamaño del objeto, la distancia entre éste y la cámara, y el
objetivo utilizado. La clasificación de tamaños de plano presenta innumerables variantes
proponemos tener como referencia a la figura humana como eje de composición.

Plano general largo (P.G.L): La figura humana dentro del encuadre es muy pequeña. El ambiente
es el elemento principal y predomina sobre la persona que, en algunos casos, no es visible.
También se lo denomina Gran Plano General.

Plano general medio o Plano Conjunto (P.G.M): El ambiente sigue siendo lo más importante,
pero presenta una relación de mayor equilibrio entre la figura y el contexto. La persona es
reconocible.

Plano general corto (P.G.C): La figura se destaca en el entorno. Hay un margen en la parte
inferior del encuadre y otro mayor en la parte superior que brindan información sobre el ambiente.
Plano Entero (P.E): La cabeza y los pies de la persona limitan con los bordes del cuadro. El sujeto
puede estar de pie, sentado o acostado. La figura predomina sobre el contexto.
Plano Americano o Plano medio largo (P.A): La persona se corta a la altura de la rodilla. El
sujeto se amplía con respecto a los planos precedentes. El ambiente tiene poca importancia. Este
encuadre también de denomina Plano Tres Cuartos.
Plano Medio o Plano cintura (P.M): La base del encuadre corta a la persona por la cintura.
Plano Medio Corto o Plano Pecho (P.M.C): La figura se corta a la altura del pecho. Este tamaño
de plano y el precedente son los más utilizados en las entrevistas.
Primer Plano (P.P): Abarca la cabeza entera de la persona, incluyendo parte de los hombros. El
rostro ocupa la mayor parte del encuadre y el gesto adquiere gran relevancia. El primer plano
produce un fuerte efecto de intimidad.
Primerísimo Primer Plano (P.P.P): Abarca desde la frente hasta el mentón del sujeto. La atención
del espectador se concentra en la expresión del rostro. También se lo denomina Gran Primer
Plano.
Plano Detalle (P.D): Encuadra una parte del cuerpo (los ojos, la boca, una mano) o un objeto
pequeño (una taza, un libro, un teléfono) o una parte de un objeto. Cuando el objeto tiene un
tamaño considerable (un animal, un mueble, una bicicleta) y aparece entero, se emplea la
denominación Plano de Figura.

Ángulo
El encuadre implica un punto de vista; la cámara se sitúa en un determinado lugar con relación al
tema. El ángulo de encuadre consiste en la posición de la cámara con respecto a lo que vemos,
tomando como referencia el eje óptico: la línea imaginaria que une el objetivo de la cámara con la
figura de la escena.

Establecemos una distinción entre los ángulos verticales y los ángulos horizontales. En
los verticales la cámara se coloca a diferentes alturas con respecto al sujeto; en los horizontales, la
cámara adopta distintas posiciones con referencia al rostro del sujeto.

Los ángulos verticales más comunes son tres: normal, picado y contrapicado.

En el normal la cámara se ubica a la altura de los ojos del sujeto encuadrado, esté sentado o
parado. Esta posición es frecuente en las imágenes de exteriores de los noticieros, debido a que
los camarógrafos llevan la cámara al hombro.
En el picado la cámara enfoca al sujeto desde arriba; se sitúa por encima de la posición para el
ángulo normal.
En el contrapicado la cámara capta al sujeto desde abajo; se ubica por debajo de la posición para
el ángulo normal.
Hay dos ángulos verticales poco utilizados: el cenital y el supino.

En el cenital la cámara enfoca hacia abajo con el eje óptico perpendicular al plano del suelo.
En el ángulo supino, el eje óptico también está perpendicular al suelo y la cámara enfoca hacia
arriba.
Los ángulos horizontales se dividen en: de frente, de tres cuartos, de perfil, de media espalda y
de espaldas.
En el ángulo de frente el sujeto mira hacia la cámara, ésta puede estar levemente desplazada
hacia un costado, pero siempre podremos ver los dos ojos completos de la persona. Este ángulo
produce un efecto de fuerte vínculo con el espectador. Es el más utilizado en los planos de los
conductores de los noticieros.

En el de tres cuartos la cámara se coloca a 45° del sujeto; podemos ver un lado del rostro
completo y parte del otro lado. En este ángulo se recomienda que la nariz quede comprendida
dentro del óvalo del rostro de modo que permita ver el ojo más alejado.

Estos dos ángulos son los más habituales porque brindan la mayor información sobre el rostro.

En el de perfil la persona se ubica en un ángulo de 90° con relación al eje óptico de la cámara,
mirando hacia un borde lateral del encuadre. El espectador no puede ver un lado del rostro y su
atención se dirige hacia el espacio fuera de campo.
En el ángulo de espaldas la cámara se sitúa detrás del sujeto, en la posición diametralmente
opuesta a la del ángulo de frente. El espectador observa la acción o el lugar al mismo tiempo que
el sujeto.

En el de media espalda la cámara se coloca en una posición intermedia entre la de perfil y la de


espaldas. En el caso que una persona esté dibujando, esta posición nos permite ver el dibujo.

A menudo le atribuimos a las angulaciones significados absolutos, previamente establecidos


cuando, en realidad, no los tienen. El significado de los ángulos y de los demás elementos del
plano depende del contexto particular del video o película. En muchos casos el contrapicado le
confiere fuerza y poder al sujeto, pero esto no es siempre así; ya que a veces es el ángulo
adecuado para transmitir la debilidad o la angustia de una persona.

Movimiento
El movimiento del plano se presenta de dos formas: el movimiento de los sujetos y objetos de la
acción y, el de la cámara.

Al movimiento de la acción, que juega un papel decisivo en la percepción del espacio, se agregan
los movimientos de cámara que renuevan la información sobre la imagen, dándole un carácter más
vívido que en los encuadres fijos. A menudo los movimientos de cámara parecen funcionar como
equivalentes de nuestros propios desplazamientos, lo que acentúa aún más la impresión de
realidad.

La cámara móvil siempre cumple funciones precisas: acompaña el trayecto de una persona,
descubre un elemento importante en la escena o concentra la atención sobre un hecho u objeto
particular. En algunos casos, con independencia de la acción, realiza movimientos de gran valor
significativo.

Los movimientos de cámara se dividen en tres tipos:

Panorámica
Travelling
Zoom (travelling óptico)

El movimiento más sencillo es la panorámica. La cámara, sin cambiar de lugar, gira sobre su
propio eje, que puede ser el cabezal del trípode o el cuerpo del camarógrafo si la lleva al hombro.
El giro puede ser en sentido horizontal, vertical u oblicuo, pudiendo alcanzar un recorrido de 360°.
De acuerdo con su empleo, la panorámica es denominada descriptiva, cuando la cámara recorre
un paisaje o explora un ambiente; de seguimiento, si acompaña la marcha de una persona, de un
animal o de un vehículo y de relación, cuando vincula dos figuras (personas u objetos) que
guardan alguna conexión entre sí.

En el movimiento de travelling la cámara cambia de lugar, su desplazamiento puede tener


cualquier dirección. Por su desplazamiento puede ser lateral, de avance, de retroceso o circular.
También puede ser una combinación de éstos.
La cámara puede ser transportada por un camarógrafo que la lleva al hombro o ser instalada en
una dolly, una plataforma especial que se desliza sobre rieles, pero eso forma parte de la industria
del cine y desde nosotros podemos colocarla en cualquier clase de vehículo que nos ayude a
desarrollar este movimiento ...

En el movimiento de zoom la cámara no cambia de lugar, lo que se mueve es el conjunto de


lentes dentro del objetivo. El zoom es un movimiento óptico que produce el efecto de acercamiento
o de alejamiento de la figura. En inglés al zoom de concentración (acercamiento) se lo denomina
zoom in y al zoom de apertura (alejamiento), zoom out recomendamos no usar estas funciones de
manera indiscriminada a la hora de las entrevistas ya que el abuso de esta función pondrá en
riesgo no solo el registro de la imagen sino también el registro del sonido.

Construir una Mirada


Hay muchos elementos e instancias del desarrollo de una película documental que no hemos
trabajado en esta guía, y que son tan importantes como los aquí mencionados. Iremos
completando esos espacios, y ampliando esta guía. Por ejemplo, uno de esos momentos es el de
la exhibición. Es allí adonde converge todo lo realizado, cuando el espectador mira nuestra
producción. Es un momento único, en el cual se completa el trabajo, y, además, deja de ser
nuestro para pasar a ser de todos.

En esta idea acerca de la exhibición es importante el proceso de democratización de los elementos


tecnológicos que estamos atravesando. Hoy tenemos a nuestro alcance muchas herramientas
(celulares, redes sociales, Internet, etc.) que nos permiten intercambiar las cosas que hacemos, y
de esa manera lograr que nuestros relatos, miradas, voces, lleguen más fácilmente a muchos
lugares. En un par de minutos y tocando un par de botones, alguien en, por ejemplo, España,
puede estar mirando nuestra producción final.

Entonces, estas producciones, pequeños múltiples relatos de nuestra historia reciente y de nuestro
presente, se transforman en una mirada colectiva, en un espacio de construcción amplio, diverso, y
democrático. Y como la mayoría de la vez, estas películas documentales observan y cuentan
historias de eventos ya sucedidos, de personas que ya no están, de lugares desaparecidos,
terminan siendo el espacio en donde encontrarnos y reflexionar: mirar lo que ya no está. Construir
otra mirada.
Realizado por Comisión Provincial por la Memoria. Hecho en 2010 recuperado el 27 de octubre

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