Editado Guías Teoría e Historia Arq. Urbanismo

CENTRO DE ESTUDIOS URBANOS DE LA HABANA
FACULTAD DE ARQUITECTURA, CUJAE
GUIAS DE ESTUDIO
DISCIPLINA:
TEORIA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO
La Habana, 2007
AÑO: SEGUNDO
MÓDULO: 1
Temas: Desde la prehistoria hasta el siglo XVIII (barroco)
PROFESORA: Dra. Arq. María Victoria Zardoya Loureda
MÓDULO: 2
Temas: Desde la Revolución Industrial hasta la arquitectura moderna
y su extensión
PROFESORA: Profesora Aux., Lic. Florencia Peñate Díaz
MÓDULO: 3
Temas: Las tendencias recientes (a partir del fin de la Segunda
Guerra Mundial hasta la actualidad)
PROFESORAS:
Dra. Arq. Eliana Cárdenas Sánchez
Profesora Aux., Lic. Florencia Peñate Díaz
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GUIAS DE ESTUDIOTEORÍA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO.
Prof. Titular: Arq. Maria Victoria Zardoya Loureda.
Tema I: Desarrollo de la arquitectura y el urbanismo desde la
Comunidad Primitiva hasta las primeras sociedades esclavistas.
Bibliografía
• Afanasiev y otros, Breve historia del arte. El arte del antiguo
oriente, V., Edit. Arte y Literatura, La Habana, 1988.
• Ballina Jorge, Análisis histórico de la arquitectura. Antiguo
Egipto, Edit. Trillas, México, 1988.
• Benévolo Leonardo, Historia da cidade, Editora Perspectiva,
Sao Paulo, 2003.
• G. Muller y G. Vogel Atlas de Arquitectura, Edit. Alianza, 1984.
• La antigüedad. Egipto, Enciclopedia Salvat, Volumen 5,
Barcelona, 1988.
• Morris A. E.J., Historia de la forma urbana.Desde sus orígenes
hasta la Revolución Industrial, Editorial Gustavo Gil, Barcelona,
1984.
• Roth Leland M., Entender la arquitectura. Sus elementos,
2
historia y significados, Edit Gustavo Gili, Barcelona, 1999.
• Segre Roberto y otros, De los orígenes al siglo XIX, Facultad de
Arquitectura, CUJAE, La Habana, 1984.
• Weiss Joaquín, La arquitectura de las grandes culturas, Edit,
Univ. Habana, La Habana, 1944.
• Wilfried Koch, Estilos de Arquitectura, Editorial Presença,
Lisboa, 1982.
Introducción.
Se supone que el homo sapiens habita sobre nuestro planeta hace
aproximadamente 40 000 años. Durante la Comunidad Primitiva la
recolección la caza y la pesca fueron sus actividades fundamentales.
El ambiente construido era apenas una modificación superficial del
ambiente natural. Obtenían el cobijo de los árboles, las cuevas, etc.
Las culturas primitivas poseían artes plásticas (pinturas rupestres,
esculturas, adornos) pero no arquitectura. No tenían concepciones
espaciales, ni sistemas de ordenación estables.
El hombre se enfrentó al "desorden" de la naturaleza, se opuso a lo
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incierto, a lo inestable, a la falta de dirección. Comenzó a delimitar su
medio físico, a encontrar un orden. Cuando se pasó del nomadismo al
sedentarismo, tránsito lento y vago de precisar, comenzó a crearse el
poblado. Empezó entonces a desarrollarse la agricultura. La ciudad
nació del poblado, cuando apareció la propiedad privada y los que
cultivaban la tierra produjeron un excedente que permitió mantener a
aquellos que desempeñaban otras funciones. Esto estuvo asociado a
un crecimiento demográfico y a la necesidad de producción de bienes
de consumo.
Según Leonard Cottrell, si se realiza una equivalencia entre el tiempo
que el hombre lleva sobre el planeta y un día de 24 horas, el hombre
fue un cazador nómada durante 23 horas y media. A las 11 y 30
minutos, un grupo de ellos comenzó a cultivar y a criar y desde las 11
y 45, apenas 15 minutos antes del fin del día, el hombre logró
civilizarse.
Según historiadores y arqueólogos los primeros indicios de
civilización urbana aparecieron aproximadamente hace 3500 ane. en
Mesopotamia, Siria y Egipto, en lugares donde las condiciones físico
naturales eran más favorables para ello.
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En un período de 1500 años, aproximadamente de 4500 a 3000 ane.,
el hombre inventó la rueda, aprendió a fabricar telas, a hacer barcos
para navegar, descubrió el uso del metal, aprendió a calcular, a
escribir, a cultivar usando el riego artificial, a construir casas,
templos y ciudades.
El inicio de la civilización está asociado a la existencia de ciudades,
entendiendo por ciudades, según Gideon, una comunidad de
considerable magnitud y elevada densidad de población en la que
conviven una gran variedad de individuos especializados en tareas no
agrícolas, entre ellos una élite culta. Eso significa que ya existía un
excedente de alimentos del cual se sirvían los que no trabajan en la
producción de esos alimentos y además, que ya existía también algún
tipo de la escritura que permitía registrar los acontecimientos y que
se conocían las matemáticas, la astronomía y otras ciencias.
Debe existir además una organización social que permita la
continuidad de la producción de alimentos y que controle las fuerzas
de trabajo para el resto de las actividades. La ciudad se formó a partir
de la aldea, pero no es una aldea grande, es mucho más.
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La Arquitectura y el Urbanismo en Mesopotamia.
Cuando se habla de Mesopotamia no es sólo se incluye el país entre
ríos. Con ese término se abarca además, toda la zona del Golfo
Pérsico, las mesetas de Irán y Armenia. En esta civilización se
sintetizó la cultura sumeria, asirio caldea y acadia a lo largo de
siglos.
La actividad económica básica de estos pueblos era la agricultura, la
ganadería y la artesanía. Supieron canalizar las aguas de los dos
grandes ríos que surcan ese territorio para aprovecharlas en la
agricultura. Se desarrolló además el comercio. Alcanzaron
importantes conocimientos de las matemáticas, la astronomía y
desarrollaron la escritura fonética y un calendario.
El poder económico y político estaba en manos de los gobernantes de
las ciudades, sus reyes. El rey gobernaba por los dioses. Los
principales asentamientos urbanos eran ciudades-estado autónomas
en las que cada una mantenía su propia dinastía y muchas veces
lucharon entre sí. El periodo en el que se desarrolló esta civilización
está marcado por constantes guerras entre ciudades, lo que permitió
la extensión del territorio de muchas de ellas. Esas luchan
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culminaban cuando el rey de una ciudad lograba imponer su dominio
sobre la otra. Por tributos o por comercio se tenía acceso a todos los
recursos del mundo antiguo. Eran sociedades esclavistas primitivas
en las que la forma económica principal era la economía natural que
requería de una forma patriarcal de explotación del trabajo de los
esclavos, aún considerados miembros de la familia.
Las características de su subsuelo como consecuencia de su
formación aluvial trajo como consecuencia que la piedra fuera un
material de construcción escaso, usándose en su defecto el ladrillo
como principal material en las construcciones. Se utilizó el ladrillo
cocido para las partes expuestas y el crudo para el macizado de los
muros. Por esa razón las construcciones en Mesopotamia fueron
menos duraderas que las de Egipto.
Se calcula que una casa hecha con ladrillos de adobe debía durar
unos 75 años aproximadamente. Las ruinas se nivelaban y servían de
cimientos para una nueva casa, elevándose así el nivel del suelo. Con
la repetición de este proceso, las ciudades se fueron regenerando y
subiendo en altura. De esta firma se formaron los tell, término que
designa a aquellos montículos formados por la mano del hombre, que
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son el resultado de varios milenios viviendo sobre esos lugares. Son
característicos de Irán, Irak, Palestina y Turquía.
La piedra y la madera había que importarlas. Se les atribuye la
invención del arco, la bóveda y la cúpula. Sus construcciones eran de
gruesos muros macizos de ladrillo de arcilla.
Los principales objetivos constructivos de esta civilización fueron los
edificios religiosos, los palacios y las murallas. El carácter de esa
arquitectura fue esencialmente civil pues no se exaltaba el concepto
religioso ni el de la vida ultraterrena. El templo era un elemento más
dentro de la ciudad.
La constancia del contexto físico y social condicionó la constancia
del carácter arquitectónico de estas obras, construidas con gruesos
muros macizos ciegos, con patios interiores y cubiertas planas con
terrazas, lo que conformó volúmenes cúbicos en los que se logró una
organización plástica de las superficies a partir de la alternancia de
nichos y pilares. La arquitectura en Mesopotamia propendió
generalmente a los efectos de plástica monumental.
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LAS CIUDADES
Las narraciones antiguas han legado interesantes descripciones de
las ciudades de estas remotas culturas. Ya 3000 años a.n.e. existían
grandes ciudades con miles de habitantes, rodeadas y defendidas del
ambiente natural por una muralla y un foso. Las ciudades eran lugar
de culto, sede de la administración, centro de producción y nudo de
comunicaciones.
En general las calles de estas primeras ciudades eran estrechas y no
planificadas. Pueden diferenciarse tres tipos fundamentales
relacionados con los focos centrales de población y la evolución
cronológica de esa civilización.
Tipo sumerio. Ejemplo Ur.
Ubicada al este de río Eufrates. Estaba compuesta por tres partes
fundamentales: Antigua ciudad amurallada, el temenos o recinto
sagrado y la ciudad exterior. La ciudad amurallada tenía 1200 m por
80 m con un contorno ovalado. Tenía dos puertos al norte y al este.
Dentro del temenos estaban los espacios abiertos significativos de la
ciudad. Los templos se distinguían por su mayor tamaño y altura.
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La muralla establecía la división entre el ambiente natural y el
ambiente cerrado de la ciudad
_Tipo más antiguo
_Contorno ovalado.
_Calles estrechas con pasadizos sinuosos.
_No se aprecia un eje. Principio aditivo de ordenamiento.
_Núcleo central: Palacio- religioso.
Tipo Asirio. Ejemplo Dur_Sharrukin
_ Ciudades más regulares, se ajustan a la topografía.
_Edificios públicos al borde.
_Diferenciación de calles principales.
_Palacios en puntos estratégicos.
Tipo Babilónico. Babilonia.
Originalmente Babilonia estaba situada en la orilla izquierda del
barazón central del antiguo curso del río Eufrates. Es difícil precisar
cuando surgió como ciudad. Tras sucesivas batallas fue reconstruida
a partir del 680 a.n.e. El plano descubierto en las excavaciones se
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corresponde con la ciudad de Nabucodonosor, quien reino del 605 al
561 ane. A partir de 680 ane. Babilonia se estructuró siguiendo una
retícula, dividida en dos partes por el río. Al hablar de Babilonia o de
Nínive, se está hablando ya de una superciudad, de una metrópolis
casi comparable con las modernas. Babilonia tenía 1500 por 2500 m
_Orden geométrico, al centro el santuario, al borde el palacio.
_Calles principales: red geométrica diferente a la de los barrios. Uso
del ángulo recto.
_Gran vía procesional, monumental.
_Complejo sistema de amurallamiento con importantes puertas.
_Resultado de una voluntad de planificación.
_Gran superficie urbana amurallada.
Al analizar estos tres tipos de ciudades se aprecia que en su
evolución cronológica la creación de ciudades fue perdiendo el
carácter espontáneo, incorporándose progresivamente una voluntad
de orden y planificación. Se observa una progresión gradual en cuento
a urbanización.
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LA ARQUITECTURA
A la par del desarrollo de las ciudades se desarrolló la arquitectura.
Se produjo un abandono paulatino de la planta circular por la
rectangular que resulta más funcional, más fácil de compartimentar,
de ampliar y de construir con materiales rectos como el ladrillo.
En las casas en Mesopotamia se aprecia una distribución de las
estancias interiores propias de una sociedad civilizada, dotada de los
servicios adecuados, como resultado de un largo proceso evolutivo,
aunque aún en general, no se responden a ningún proceso de
planeamiento urbano. Fueron el resultado de un crecimiento natural,
orgánico a partir de una aldea, ajustado a un patrón natural.
El patio constituye un elemento esencial de las casas. Fue una
respuesta a la necesidad de intimidad doméstica, en ciudades de
calles estrechas que debieron ser ruidosas y probablemente
peligrosas. Según su ubicación podía ser más íntimo, práctico o
representativo. Las dimensiones de las habitaciones dependían del
largo de las vigas de madera. Se usaron cubiertas planas. No se
emplearon las bóvedas en las viviendas.
El modelo de patio se trasladó al palacio. El palacio es un edificio
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representativo del Estado, centro de administración, palacio de
justicia y fortaleza. La arquitectura palacial tuvo mucho auge. Los
palacios en ocasiones son fruto de varias etapas de construcción.
Tenían carácter militar y algunos de ellos ocupaban más de la mitad
del área de una ciudad. Los palacios eran las estructuras dominantes
en el paisaje de las ciudades.
Los palacios se desarrollaban a partir de complicadas distribuciones
no simétricas alrededor de varios patios, lo que se tradujo en el
pintoresco aspecto del conjunto exterior en el que se destacaban los
juegos de luces y sombras entre volúmenes. Tenían una sola planta,
pues los materiales no permitían mayor altura. Los muros tenían casi
el mismo ancho que los aposentos los aposentos, muchos de ellos sin
ventanas. Estas edificaciones se elevaban sobre un terraplén creando
plataformas para que se destacasen en la ciudad. Algunas de estas
plataformas llegaron a alcanzar hasta 14 m de altura. Esto les
brindaba además seguridad ante posibles inundaciones y la
monumentalidad requerida por su rango. Para acceder a ellos se
usaban rampas escalonadas.
Desde el punto de vista formal utilizaron el almenado como remate o
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coronación, las pilastras, paneles y ranuras. La columna desempeñó
un papel secundario. Se caracterizó por el uso de la ornamentación
aplicada en bajorrelieves, combinada con ladrillos esmaltados de
colores.
Muchos palacios incluían los zigurat. Los zigurat eran templos
dispuestos sobre terrazas elevadas o torres templos escalonadas. Se
subían a través de rampas o escaleras. El crecimiento en altura era
una forma de alejar a los dioses de la Tierra, una muestra de la
oposición entre lo divino y lo terrenal. La altura del zigurat daba
prestigio al rey y a la ciudad. No es un espacio, es un signo tectónico,
un modo de comunicación con lo divino. Eran elementos con
tendencia a la verticalidad que se destacaban dentro de la
horizontalidad del conjunto. Los primeros zigurat eran
independientes, después aparecieron incorporados dentro de los
conjuntos palaciales. Los locales de uso litúrgico (viviendas de los
sacerdotes, tesoros, capillas y almacenes) se disponían al pie de la
torre, rodeando un patio.
Los más famosos Zigurat son el del palacio del rey Sargón en
Korsabad y el Zigurat del rey Nabucodosonor en Babilonia. Esta
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civilización no tendía a elevar el concepto religioso ni el de la vida
ultra terrena.
Puede resumirse que las principales características de esta
arquitectura fueron:
1- Maciza, por estar relacionada con las técnicas de construcción de
los muros.
2- Simbólica, por unir la utilidad con la significación. Desarrollaron
tipos y formas que adquirieron un valor sagrado.
3- Representativa y Monumental. Construcciones a gran escala que
demostraban el poder e importancia de una ciudad, de un rey, etc. y
la distancia entre los súbditos y el rey.
4-Conservadora. Mantuvieron una continuidad en el uso de foramas y
materiales que sobrevivieron a los diferentes cambios de coyunturas
políticas. La monarquía y el clero, los inversionistas, eran
inamovibles.
5- Formalista. Por aferrarse a determinadas formas se estancó y no
hizo uso óptimo de los avances técnicos que se fueron alcanzando.
Estas construcciones, aunque extensas y lujosas, carecían aún de un
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sistema organizado de circulaciones y de simetría. Debe destacarse
no obstante, el enorme partido que le sacaron al ladrillo y además la
invención de la bóveda, recurso constructivo que tan enorme
trascendencia tuvo en el desarrollo de la arquitectura occidental.
La Arquitectura y el Urbanismo en Egipto
Los edificios del Antiguo Egipto aun hoy impresionan y están
considerados entre las construcciones más maravillosas de la
arquitectura de todos los tiempos.
Para analizar la arquitectura egipcia es vital analizar el contexto en
que se desarrolló. Y dentro del contexto físico, es vital hablar del río
Nilo. Egipto no es más que dos extensas bandas de tierra fértil que
corren a ambos lados del Nilo en sus más de 1500 Km., desde el Delta
hasta la primera catarata.
Su economía era esencialmente agrícola. A ambos lados de ese
terreno cultivable gracias a las crecidas Nilo, quedaba el desierto,
elemento que servia de protección al país y que también lo aislaba
del resto del mundo. Por la gran importancia que tuvo el Nilo para ese
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pueblo le otorgaron un papel divino. Gracias a las crecidas del Nilo
los egipcios podían realizar sus cosechas. El río servia además como
vía de comunicación dentro del territorio y como ruta comercial.
Egipto fue considerado el principal granero del mundo antiguo. El
comercio interior era poco y el exterior tomó auge a partir del Imperio
Medio. Exportaban metales, cereales y papel e importaban madera.
Desde el punto de vista social existía un poder político único, ligado a
la religión, estructurado en una pirámide en la que el Faraón estaba
en la cima. El Faraón era considerado un Dios temporal reinante. En la
base de la pirámide social se encontraba una gran masa de pequeños
agricultores y prisioneros convertidos en esclavos. En un escalón
superior estaban los funcionarios estatales (escribas) y un pequeño
artesanado. Sobre estos se encontraban los grandes propietarios, los
altos funcionarios del Estado y los sacerdotes y en la cúspide se
ubicaba el Faraón.
La arquitectura era una función estatal. Gran parte del potencial
económico se destinaba a la arquitectura. Los principales centros de
producción estaban asociados a la nobleza, a los templos y al Estado.
El Estado controlaba las minas, las canteras, los astilleros, las
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fábricas de papel y los talleres especializados vinculados con la
construcción. Desde el punto de vista ideológico debe destacarse que
para los egipcios la muerte significaba el paso hacia otra vida más
duradera, de ahí la importancia de las construcciones funerarias.
En Egipto se logró un alto desarrollo de la astronomía, las
matemáticas, y de la geometría. Manejaron un calendario preciso y el
lenguaje escrito a través de los jeroglíficos. Esta forma de escritura
cayó en desuso cuando ese territorio fue ocupado sucesivamente por
los persas, los griegos y después por los romanos. Durante mil
quinientos años esos textos fueron una gran incógnita. Hubo más de
una interpretación errónea. No fue hasta principios del siglo XIX, que
casi de casualidad pudieron ser descifrados. Cuando Napoleón ocupó
Egipto, los franceses descubrieron una losa negra, conocida como la
Piedra de Rosseta, en la que estaba grabado en tres idiomas un
mismo texto. El primero eran jeroglíficos egipcios, el segundo resultó
desconocido y el tercero estaba en griego, idioma que si sabían leer
los investigadores. Los trabajos del inglés Thomás Young continuados
por Jean F. Champollion permitieron dar con la clave para la
compresión de los jeroglíficos. Se supo después que el segundo
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idioma era el demótico, evolución del alfabeto hierático, formas
cursivas las dos de la escritura jeroglífica. Así conociendo que los
nombres de los faraones se encerraban en una elipse llamada
cartouche y sabiendo por el texto griego que se hablaba de Ptlomeo y
de Cleopatra, fueron encontrando las equivalencias entre cada signo,
representado por un objeto y su sonido. Se estaba en presencia de un
alfabeto fonético y no pictográfico como se había pensado. La figura
de un pie era una b y la de un buitre una a y no una alusión a un pie o
a un buitre como creía hasta entonces. Así, al poderse leer esas
escrituras que fueron durante siglos un gran misterio, se ha podido
conocer muchísimo en los últimos siglos sobre la vida de esta
civilización.
Al estudiar el antiguo Egipto deben considerarse las diferencias entre
el Alto Egipto, al sur, cuya capital fue Tebas, ubicada en el recodo del
río caracterizada por una población diseminadas en pocas ciudades,
que alcanzaron su auge a partir del Imperio Medio y el Bajo Egipto, al
norte, en el delta del Nilo, donde hubo una mayor densidad de
población, concentrada en grandes ciudades, entre las que se
destaca Menfis su capital y que alcanzó su esplendor durante el
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Imperio Antiguo.
La historia de Egipto es larga y multiforme. Para su estudio se utiliza
la división en treinta dinastías según las familias reinantes, realizada
por el sacerdote egipcio Manethón, unidos en tres grandes períodos
llamados Imperios: Antiguo, Medio y Nuevo.
Dentro del Imperio Antiguo se distingue una primera etapa llamada
Imperio Temprano y entre cada uno de los Imperios, períodos de
descomposición. El primer período de descomposición duró 50 años y
estuvo asociado con guerras intestinas y anarquía, y el segundo con
invasiones de tribus de los hicsos. El Imperio Nuevo duró quinientos
años a los que le siguieron otros quinientos de decadencia, de luchas
constantes contra invasores con armas de hierro más desarrolladas.
En el año 332 ane. Alejandro Magno conquistó Egipto. A su muerte
vino el reinado de los Ptolomeos gobernados por los griegos como
colonia económica. Posteriormente los romanos ocuparon el país.
Urbanismo
La evolución de los asentamientos urbanos en Egipto fue muy
diferente a Mesopotamia, a pesar de que estas civilizaciones se
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desarrollaron casi en el mismo período histórico y en ambos casos
estuvieron supeditadas a la presencia de un caudaloso río. En
Mesopotamia se desarrolló un mosaico de ciudades estado, mientras
que en Egipto existió generalmente un reino unificado.
No quedan muchas evidencias de las ciudades egipcias. La paz que
reinó en Egipto no obligó a que sus habitantes construyeran murallas
en sus ciudades, por lo tanto no era necesario habitar continuamente
en el mismo lugar. Existió una gran movilidad. Los faraones pasaban
gran parte de su tiempo dedicados a la construcción de su morada
eterna para la otra vida en un lugar diferente al de su predecesor.
Fijaban su residencia cerca. Al morir el faraón, la ciudad se
abandonaba y quedaban en ella solo los sacerdotes.
En Egipto los monumentos no conforman el centro de la ciudad. Están
ordenados por su cuenta como una ciudad misma, divina y eterna,
que supera y hace insignificante la ciudad transitoria de los hombres.
La ciudad divina, la única de la que quedan huellas, era una copia fiel
de la ciudad de los hombres.
Las ciudades egipcias se construían en poco tiempo. La ciudad de
Tell el Amarna, parcialmente excavada, ilustra algunos de los rasgos
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característicos del urbanismo en Egipto. Esta ciudad fue ocupada
solo durante 40 años. Se desarrolló linealmente a lo largo del Nilo con
una extensión de 8 Km aproximadamente y un ancho que varía entre
800 y 1600 m. No fue una ciudad planificada. Los templos no están
agrupados en una única zona, los barrios no tienen manzanas
definidas, ni tamaños normalizados. En los lotes al frente de las calles
se ubicaban las viviendas de los más pudientes y en la parte posterior
de estos, las de los pobres. Por lo tanto existían casas de todo tipo en
un mismo barrio.
El área urbana en la que estaban las principales construcciones se
desarrolló sin orden, de manera orgánica a diferencia del poblado de
los obreros de menores dimensiones. El poblado de los obreros
destinados a la construcción de la ciudad y de las pirámides y
templos, tiene características diferentes con un trazado regular. En
realidad eran barracones, casitas pobres, monótonamente iguales,
en las que la racionalidad fue la forma más práctica para construirlas.
En la ciudad de Kahum el barrio obrero estaba rodeado por un muro
un muro, que entre otras, cumplía la función de evitar que se
escaparan. Fue ocupado por casas sin jardín, con patios y tres
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estancias como mínimo.
Arquitectura
Dentro de la arquitectura egipcia debe verse por separado:
Arquitectura profana: palacios y viviendas y edificios utilitarios como
almacenes, administrativos y las fortificaciones.
Arquitectura religiosa: Templos, tumbas y templos funerarios.
Las formas en la arquitectura egipcia constituyen una abstracción y
geometrización de la naturaleza. Las formas básicas se mantuvieron
a lo largo de milenios, lo que le dio un carácter homogéneo. Una
forma determinada adquirió nuevos significados, por lo tanto no hizo
falta buscar otras nuevas.
Se establecieron formas que no eran edificios, ni parte de ellos. Eran
signos tectónicos: pirámides y los obeliscos. La pureza geométrica
estaba asociada a un simbolismo múltiple.
Toda la construcción egipcia muestra un aire familiar dado por:
- Relación entre las masas arquitectónicas y las monumentales
naturales. Uso de dimensiones colosales.
-La simplificación como resultado del uso de formas geométricas
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simples.
-Preferencia por lo horizontal reposado o lo horizontal cerrado. Uso de
volúmenes de diferentes alturas.
_Contorno bien delimitado.
_Uso de bajorrelieves
Los materiales utilizados estuvieron determinados por el carácter de
la arquitectura. La arquitectura profana se construyó con materiales
poco duraderos como el adobe y la madera, aún los palacios, pues
eran para la vida terrenal, que era una vida corta y efímera. La
arquitectura religiosa se construyó con piedra porque era para la
eternidad. Por esta razón lo que mejor conservado ha llegado hasta
nuestros días y por lo tanto, de lo que más se conoce, es de la
arquitectura religiosa y funeraria.
El sistema constructivo empleado preferentemente fue el columnar
arquitrabado. Partiendo del pilar cuadrado llegaron a la columna
cilíndrica de aproximadamente 6 diámetros de altura. Los interiores y
algunos exteriores se cubrieron de una fastuosa decoración de
relieves, pinturas policromadas y jeroglíficos desempeñan un
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importante papel.
El Imperio Antiguo (2900- 2130 ane.)
Las construcciones más importantes de este período fueron las
mastabas y las pirámides. Durante esta época se erigieron las
grandes pirámides. La más antigua que se conoce es la del conjunto
funerario del faraón Zocer (en la dinastía III) en Sakkara. Este
conjunto incluye un gran número de edificios. Se cree que Imhotep,
arquitecto y también sacerdote del dios Ra, levantó la pirámide
escalonada sobre los restos de la mastaba del faraón Sanaht.
Las mastabas fueron los antecedentes de las pirámides. Son
volúmenes arquitectónicos de forma alargada, con cubierta plana o
abovedada, con muros gruesos rectos o inclinados. Eran las tumbas
de las grandes personalidades. En ellas se repitieron los elementos
de los palacios. En los interiores puede haber hasta 50 habitaciones,
según el rango, alrededor de la cámara central.
El conjunto de Zocer estaba rodeado de una muralla de 545 m de
longitud. de N. a S. y 277m de E. a O. Este fue el primer modelo de
conjunto en el que quedaron agrupados varios patios, palacios,
tumbas, capillas, terrazas y cementerio, junto a la gran pirámide.
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Visto desde el Nilo se destaca la gran muralla de la que sobresale la
pirámide. La Pirámide está compuesta por 6 escalones, que van
disminuyendo en tamaño de mayor a menor. Su entrada se ubicó por
la cara norte.
La pirámide clásica se desarrolló durante la IV dinastía y fue el
resultado de la evolución del tipo como consecuencia del un
perfeccionamiento técnico y de una evolución tipológica. Entre la
pirámide escalonada y la clásica hubo pasos intermedios en los
conjuntos de Dahchor y Médium.
La pirámide clásica tiene su base cuadrada, el vértice está en la
perpendicular de la base del cuadrado y las superficies laterales son
triángulos isósceles. En la Necrópolis de Gizeh se erigieron las
primeras y más grandes de todas, con un ángulo de inclinación de 51,
52 grados. La mayor, la de Keop mide de lado 230 m y 146,60 m de
altura. Fue construida con 2 300 000 bloques, de 2,5 toneladas cada
uno, enlazados sin material aglomerante entre ellos, combinados en
capas horizontales y verticales como la estructura de una cebolla. En
torno a un núcleo interior cónico se fueron colocando capas casi
verticales. La masa se sujeta a si misma. Las pirámides dominan el
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recinto en el que se ubican.
Se eliminaron del conjunto otras edificaciones y sólo quedaron
pirámides y templos. Aumentó notablemente la intención de
monumentalidad y se le dio mucho énfasis a la vía procesional que se
continúa con el eje del templo. Este es un elemento característico de
la arquitectura y el urbanismo egipcios.
Otro aspecto que se consolidó en este conjunto fue la utilización de la
simetría en la disposición de los elementos principales. Las dinastías
posteriores le otorgaron mayor importancia a los templos que a las
pirámides.
El Imperio Medio (2040-1650 ane.)
Las construcciones más importantes de este período fueron los
templos funerarios.
Tebas pasó a ser la capital del país. Surgió un nuevo tipo de
edificación sepulcral a partir del establecimiento del principio del
camino final en tres secciones, logrado con la alternancia de rítmica
de salas anchas y largas. El hipogeo Qaw el-kebir está conformado
por una secuencia de camino-pilono-camino-patio-escalinata-terraza-
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sala hipóstila- sala longitudinal- cella excavada en la roca-cámara
funeraria.
El conjunto del faraón Mentuhopep III en el valle de Deir el Bahari
afianzó esa idea de dirección general hacia el santuario. Un largo
camino de 1,2 km conduce a grandes patios porticados, de ahí a la
sala hipóstila excavada y al final al nicho, también excavado.
Medio siglo más tarde se edificó al lado el templo de Hatshepsut que
asimiló elementos de los hipogeos y de su vecino elaborando un
camino de acceso, una avenida de esfinges que se prolongaba
idealmente, cruzando la ciudad de Tebas hasta el templo de Amón en
Karnak.
El Imperio Nuevo (1551-1071ane.)
El Imperio Nuevo está asociado con la construcción de grandes
templos para los dioses y con la reunificación alrededor de Tebas.
Fue necesario establecer un culto único para todo el Estado. Los
grandes santuarios se convirtieron en partes enteras de las ciudades:
talleres y edificios administrativos. Dentro de ellos se ubicaban los
santuarios propiamente dicho, con sus templos en el interior.
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Los santuarios se comunican entre si por vías sagradas a través de
las cuales se realizaban procesiones vinculadas con los ritos
religiosos. El más grande de estos santuarios es de Amón en Karnak.
Desde el Imperio Medio se había ido edificando a lo largo de siglos
hasta convertirse en santuario nacional. Dentro del gran santuario
hay tres santuarios menores. El más pequeño es el de Mut y el más
importante es el de Amón, único por sus grandes dimensiones
colosales. A lo largo de su eje principal se suceden seis parejas de
pilonos. Cada uno de ellos es un hito epocal erigido por un Faraón
diferente, Tutmosis, Hatshetsut, Tutmosis III y Amenhotep III.
La distribución de los templos egipcios obedeció a lo que se ha
llamado sentido telescópico, que consiste en una disminución
progresiva del puntal y las dimensiones de los diferentes espacios a
lo largo del eje. Esa disminución marcaba un recorrido de la vida a la
muerte, del día a la noche, de la luz a la sombra. Los templos se
orientaban E-O. en el sentido del recorrido del sol.
En la construcción de los templos se produjo una fusión de todas las
artes. Se puede apreciar que existía un ritmo común en la música que
se cantaba, con la sucesión de las decoraciones en las paredes. La
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decoración de las columnas varía de unas a otras. En las primeras se
usaron botones de rosas y según se va avanzando, estas rosas se van
abriendo.
En este período se definen los tres tipos de templos: Terrestres,
semirupestres y rupestres.
A finales del Imperio Nuevo se construyeron los templos rupestres. El
más famoso es el de IBSAMBUL (Abu Simbel).
Ramsés II
Templo grande, Faraón y 3 dioses.
Templo pequeño, Diosa Hathor, Imagen de Nefertitis, esposa de
Ramsés II.
Las líneas de fachadas son paralelas al terreno rocoso. Así al
construirlos, las capas casi no se desformaban. Está orientado al
oriente. Los rayos del sol penetran en el interior del primero, del
segundo y del tercer local, pero solo dos veces al año las estatuas del
Faraón y del Dios Amón se iluminaban. La De Ptah, el dios de la
muerte, no se ilumina nunca.
El estudio de las antiguas civilizaciones de Egipto y Mesopotamia es
30
muy importante porque con esas civilizaciones nació la arquitectura.
Interesa destacar aquellos aspectos que condujeron al desarrollo de
la civilización occidental.
31
GUIAS DE ESTUDIO.
TEORÍA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO.
Tema 2: Desarrollo de los códigos urbanos y arquitectónicos en
Grecia.
Bibliografía
• Bancon Edmundn, Desing of Cities, Edit. Viking, EE.UU.,
1967.
Sao Paulo, 2003.
• Muller G. y G. Vogel, Atlas de Arquitectura, Edit. Alianza,
Madrid, 1984.
• Morris A. E.J., Historia de la forma urbana.Desde sus
orígenes hasta la Revolución Industrial, Editorial Gustavo Gili,
Barcelona, 1984.
• Segre, R. y otros: Arquitectura y Urbanismo: de los orígenes
al siglo XIX, Ed. Pueblo y Educación, La Habana, 1984.
• Spreiregen Paul, Compendio de arquitectura urbana, Ed.
32
Pueblo y Educación, La Habana, 1978.
• Weiss Joaquín, La arquitectura de las grandes culturas, Ed.,
Univ. Habana, La Habana, 1944.
Lisboa, 1982.
Introducción.
La cultura griega ha sido considerada la cuna de la cultura del mundo
occidental. Aún hoy algunos de sus principios tienen validez. Lo que
se denomina Arte de la Antigüedad, la obra de los griegos y los
romanos, ha cautivado siempre por su concepto de belleza y del valor
del ser humano y por su fe en las ilimitadas posibilidades creadoras
del hombre.
Los griegos fueron los creadores de la cultura antigua. Se
denominaban helenos y llamaban Hélade a su país. Cronológicamente
el mundo griego abarca el primer milenio antes de nuestra era. El arte
33
del mundo antiguo en general (mundo grecolatino), abarca quince
siglos, hasta el siglo V de ne.
La civilización cretomicénica.
Los gérmenes de la cultura griega, sus antecedentes más antiguos se
encuentran en las civilizaciones cretomicénicas, cultura que se
desarrolló en la cuenca del mar Egeo, con la isla de Creta y la ciudad
de Micenas y Troya como centros principales. También se le conoce
como arte Egeo. A partir del siglo XIX se han realizado importantes
descubrimientos sobre esta cultura, entre ellos el descubrimiento de
la legendaria Troya. Fue una civilización que se desarrolló casi
paralelamente a la mesopotámica y la egipcia. Primera civilización
netamente europea
La isla de Creta ocupó un lugar importante dentro de las leyendas de
los griegos: cuna de Zeus donde nació su hijo Minos, rey de Creta hijo
de Europa y, donde Heracles dominó el toro enfurecido, entre otras.
Su economía se basó en la agricultura, el pastoreo y la navegación.
Exportaban mármoles, metal y cerámica.
34
Urbanismo
Ciudades de la Creta minoica
• Primeras civilizaciones del mundo insular del Egeo.
• Ciudades situadas en lo alto, con puerto en la orilla,
fortificadas.
CIUDADES DESARROLLADAS EN TORNO A UN PALACIO.
Creta. Sistema laberíntico. En la vivienda los elementos se
combinaban sin seguir un esquema rígido. Se formaban grupos de
viviendas unidos, adaptados en planta y en volumetría a la topografía.
Las ciudades cretenses a diferencia de las aqueas no tenían murallas,
su muralla era el mar.
Poblamientos minoicos.
Arquitectura laberíntica. Planta complicada. No se basa en la idea de
un volumen subdividido, sino en un crecimiento desde el interior al
exterior. Crecimiento orgánico a través de la anexión de nuevos
espacios.
Muros maestros continuos para varias casas.
35
Muros de separación añadidos perpendiculares.
Paredes de las habitaciones en forma de peine.
Habitaciones alineadas sucesivamente.
Circulación tangencial, las habitaciones no se atraviesan por su eje
central.
Palacios minoicos de Creta. Palacio de Malia y Palacio de Cnosos.
Los palacios eran extensos y en ellos se realizaban múltiples
funciones.
Centro político, económico y religioso, Palacio residencial.
Al centro el patio central rectangular.
Organización desde el interior hacia el exterior.
Colores fuertes, rojo, negro y amarillo. Columna característica con el
fuste que se estrecha.
Arquitectura minoica. Laberinto. Palacio. Ciudad palacio.
• Sistema laberíntico.
• Dominio del ángulo recto.
• No se usaban espacios cerrados. Transiciones graduales
36
paulatinas. Patios interiores.
• No hay ejes continuos. Equivalencia de direcciones.
• Sucesión sinuosa de corredores y habitaciones.
• Carece de direccionalidad.
• Fue espontánea, no planificada.
• Organizada del interior hacia el exterior. No fue definida por
una forma exterior rígida. Bloques de diferente altura y
profundidad.
Cuando las principales ciudades se unieron bajo el poder de un mismo
soberano, la ciudad de Cnosos se convirtió en el centro del Estado.
Fue la primera gran ciudad del Mediterráneo.
Dentro del repertorio de los cretenses no aparecen templos.
Veneraban a sus dioses en cavernas, bosques sagrados y en las
cimas de las montañas. No poseían una poderosa casta sacerdotal,
como en Egipto y sus reyes no tenían tampoco el poder del faraón o
de los reyes babilónicos. No obstante, el Palacio de Cnosos es un
importante monumento de la arquitectura cretense, destruido
37
parcialmente por un incendio.
Este palacio está unido con el mito de Teseo. Se dice que después de
incendiado, los griegos que lo visitaban lo consideraron un edificio sin
salida, un Laberinto. En efecto, tenía una planta complicada, donde
todo gira alrededor de un patio, sin plano premeditado. Nació el mito
del Laberinto del rey Minos y el minotauro (mitad hombre y mitad
toro) donde perecían los jóvenes atenienses que eran enviados cada
nueve años a la isla.
Arquitectura micénica
Urbanismo
Micenas: La Acrópolis domina la ciudad baja. Colina a 278 m sobre el
nivel del mar. Gran muralla fortificada que protege al palacio y al
poblado interior. Planta y trazado de calles adaptado a la topografía.
Ciudades rodeadas de murallas. Son famosas las aún conservadas de
Micenas y de Tirinto, cantadas ya por Homero. Los griegos
consideraban que habían sido construidas por los legendarios
cíclopes. De ahí el nombre de ciclópea de ese tipo de construcciones.
En las edificaciones micénicas se apreciaba una clara elaboración del
38
volumen a partir de la utilización de un eje de simetría.
Dentro de las obras más importantes de la civilización cretomicénica
se encuentra la famosa Puerta de Leones, en la muralla de Micenas y
el Tesoro de Atreo, en las afueras del recinto amurallado.
Arquitectura
Construyeron el tipo Megarón, habitación principal de la vivienda.
Casa rectangular exenta con gran sala que sirve de hogar y estar.
Edifico de elemental simplicidad: largo rectángulo con muros
laterales ciegos, con una habitación principal y una o dos
secundarias.
Clara direccionalidad.
Habitaciones en fila.
Acceso en el eje central.
Si hay luces muy grandes se usan columnas intermedias.
Se disponen generalmente de forma paralela unos con los otros.
Características de la Arquitectura micénica. Megaron. Construcción
39
megalítica. Unidad fortificada.
• Clara elaboración del espacio y el volumen
• Tipo de edificio preferido MEGARÓN
• Edificio rígido. Forma limpia.
• Uso de ejes de simetría. Edificios direccionales.
• Jerarquización de espacios y volúmenes.
A partir del tipo MEGARÓN se desarrolló con posterioridad el templo
griego clásico.
Este fue un período de numerosas guerras, la más famosa la de Troya
y Grecia por el poderío de las vías marítimas comerciales del mar
Egeo, epopeya que constituye el contenido esencial de la Ilíada.
Durante el siglo XII Grecia fue invadida por los Dorios, que aunque
con menor desarrollo cultural que los aqueos, conocían el arte de
trabajar el hierro y construían armas con ese material. Eso significó el
ocaso de la civilización cretomicénica. Las ciudades fueron
saqueadas y desapareció así la civilización egea.
Después de cuatro siglos se produjo un resurgimiento cultural que
40
trajo consigo nuevas formas de organización desde el punto de vista
político, social y cultural. Comienzó entonces lo que se conoce
propiamente como civilización griega.
Condicionamiento histórico cultural de la arquitectura y el urbanismo
en la sociedad griega antigua.
A partir del siglo VIII ane. se produjo un resurgimiento de la zona del
mar Egeo a partir de grandes oleadas migratorias que produjeron
transformaciones políticas, sociales, económicas y culturales que
definieron en contexto en el que comenzó a desarrollarse la
civilización griega antigua.
La topografía accidentada y las diferencias entre las tradiciones de
los invasores y sometidos trajo como consecuencia un desarrollo
particular de cada región, organizado a través de las Polis, que fueron
pequeñas ciudades estado autárticas, de base agraria, que definieron
la estructura territorial del llamado mundo griego. Asimismo la gran
variedad de sitios naturales, valles fértiles encerrados entre
montañas, concreción el carácter particular de cada sitio, condicionó
que cada uno de ellos fuera dedicado a diferentes dioses, según sus
características.
41
Dentro del desarrollo histórico cultural griego se distinguen tres
períodos: Arcaico, Clásico y Helenístico. Algunos historiadores
señalan un primer período llamado Homérico, debido a que la mayor
fuente de información sobre esa etapa ha sido la obra del poeta.
Período Homérico (prearcaico) XI_VIII ane.
Se pasó de la vida clánica familiar a una sociedad dividida en clases.
Surgió la esclavitud y se desarrolló la artesanía. Surgíó la mitología
griega a través de la cual se produjo un estrecho vínculo entre el
misticismo y realidad. Crearon una gran familia de dioses
antropomórficos. Politeísmo e idealización de la perfección.
Se produjeron los primeros juegos olímpicos (725-900ane). En este
período, en contraste con el florecimiento literario (poemas épicos, la
arquitectura apenas dio sus primeros pasos. Fue una arquitectura aún
primitiva e imperfecta.
Período Arcaico s VII- VI ane
Durante este período se introdujo el hierro en Grecia. Se produjo la
expansión y colonización griega por el Mediterráneo. Se fundaron
ciudades estado en los litorales, mientras el centro seguía en estado
42
“bárbaro”. Entre esas ciudades se estableció una red política,
comercial y cultural que trajo como consecuencia la expansión de la
cultura griega por el Mediterráneo.
Entre estas ciudades, a pesar de su autonomía, existió una unidad
religiosa, y lingüística afianzada por la celebración de los juegos
deportivos y musicales. Se introdujo la escritura proveniente de
Fenicia lo que permitió la superación del analfabetismo.
Se produjo la abolición de la esclavitud de los nacidos en Grecia. Así
los esclavos eran solo extranjeros, muchos de ellos adquiridos como
botín de guerras.
Se acuñaron las primeras monedas.
Se definió la llamada democracia esclavista en la que el esclavo era
la base de la producción. La Ciudad-estado era la forma sociopolítica
del régimen esclavista.
Se afianzó la idea de la supremacía militar de los helenos, lo que creó
la idea de nacionalidad.
Nació la tragedia y comenzó un fuerte desarrollo de las matemáticas.
Sobresale la figura de Pitágoras, Heráclito y Tales.
43
Durante este período se crearon los órdenes, sentándose las bases de
la cultura artística del humanismo griego. Se desarrollaron los
primeros edificios públicos y las primeras construcciones
monumentales en piedra.
Período Clásico. V-IV ane
Durante esos años se produjo un florecimiento de la democracia
esclavista afianzada. Durante 50 años se luchó contra los persas
(guerra médicas). Se consolidó la alianza naval de las ciudades
griegas. Se establecieron más de 200 polis en torno a Atenas. Se
incorporaron amplias masas de ciudadanos libres a la vida social y
estatal.
Se destaca el gobierno ejercido por Pericles durante 15 años. Atenas
se convirtió en la principal ciudad del mundo griego.
Floreció el teatro con las obras de Esquilo, Sóflocles y Eurípides. El
teatro contribuyó a la formación del ideal del hombre-héroe, bello
física e intelectualmente, que fue trasladado a la arquitectura.
La escultura alcanzó un auge extraordinario. Resaltan las figuras de
Fidias, Mirón y Policleto. La figura humana fue considerada la síntesis
44
de la perfección formal. Se aprecia la captación del movimiento, con
un gran realismo. Gran interés por el mundo de los sentimientos
humanos. El arte se consideró la expresión de la visión universal del
hombre que materializaba los ideales de belleza, perfección y
sabiduría.
Fuerte desarrollo de la filosofía: Sócrates, Platón. Gran desarrollo de
la medicina. Hipócrates.
Primeros templos colosales en Jonia. Desarrollo del arte clásico.
Reorganización de la Acrópolis de Atenas y construcción del
Partenón. Aparición del orden corintio.
Se produjo la expansión del urbanismo regular y la fortificación de las
ciudades.
Período Helenístico IV- I ane
Este período está vinculado con la figura de Alejandro Magno, sus
luchas contra los persas y todas sus conquistas. Se produjo una
universalización de la cultura griega. Se creó el mayor imperio del
mundo hasta entonces, que se desintegró al morir su líder por las
luchas entre los generales.
45
Se introdujeron elementos de la civilización egipcia y mesopotámica.
Se asimilaron rasgos monumentales y exóticos. Continuó el desarrollo
de las matemáticas: Arquímedes, Euclides (geometría), Erostaténes
(circunferencia de la Tierra), Aristarco de Samos (la Tierra gira
alrededor del Sol).
Se propagó la economía esclavista, con altos contraste entre ricos y
pobres.
Los principales centros arquitectónicos fueron las ciudades de
Alejandría en Egipto, Antioquía en Siria y Pérgamo en el Asia Menor.
Se introdujeron nuevos temas en el ámbito constructivo como las
bibliotecas, los museos y los altares monumentales. Los esclavos
constituían la mano de obra en las construcciones.
El arte, en particular la escultura, reflejó una gran tensión emocional
y un patetismo apasionado. Comenzó a reflejar síntomas de
decadencia, como consecuencia de las muchas guerras que marcaron
ese período. Se desarrollaron temas sangrientos, con gran efectismo
y teatralidad. Por momentos se retrocedió al pasado del período
clásico como en el caso de la Venus de Milo.
Durante los siglos II y I las legiones romanas conquistaron la parte
46
oriental del Mediterráneo y se inició así un nuevo período de la
historia universal y de la arquitectura: La Antigua Roma.
El sistema urbano en la Grecia Antigua
El territorio griego tiene un paisaje variado que propició una
sugestión y especulación intelectual. A cada sitio se le atribuyeron
significados específicos.
El urbanismo griego evolucionó desde las estructuras y formas
antiguas de la civilización egipcia, mesopotámica y cretomicénica
hacia un urbanismo basado en los ideales de racionalidad, belleza,
orden y armonía afianzados en el período clásico. Las ciudades
hipodámicas sintetizan esa evolución.
Los griegos desarrollaron una gran actividad colonizadora. Se
enviaron grupos de emigrantes expedicionarios para fundar nuevas
ciudades. Platón expresó “Los griegos rodearon el Mediterráneo como
ranas a un pantano”.
Surgimiento de la Polis.
Las ciudades griegas surgieron generalmente ubicadas en un punto
alto, una colina que sirvió de refugio contra los enemigos. Después se
47
fueron extendiendo hacia las planicies próximas y se rodearon de una
muralla con fines defensivos. En la ciudad alta, Acrópolis, estaban los
templos para los dioses y, en caso de emergencia servía de refugio.
En la ciudad baja, Asta, se desarrollaba el comercio y la vida civil. La
Acrópolis inicialmente comprendía toda el área urbana. Con el tiempo
evolucionó y se convirtió en el santuario como en Atenas o fue
abandonada, quedando fuera de la ciudad.
Estas dos partes se integraban y funcionaban como un todo único a
partir de la existencia de organismos que lo permitían:
Lar común o PRITANEO: Lugar consagrado al Dios de la ciudad
en el que se ofrecían sacrificios, banquetes, se recibían a los
huéspedes. Estaba compuesto por un altar, una cocina y salas
comedores. En él se mantenía siempre un fuego encendido.
BULEUTERION: Sala cubierta en la que se reunía el Consejo
(bulé) compuesto por nobles o funcionarios que celebraban la
asamblea de ciudadanos. Era la sede de la asamblea consultiva.
El Ágora o asamblea de ciudadanos se reunía para deliberar en
la plaza del mercado, que también se llamaba Ágora. En las
grandes ciudades el PRITANEO y el BULEUTERION estaban
48
junto al Ágora.
Cada ciudad dominaba un territorio del que retiraba sus medios de
vida. Existían subcentros, pero se mantenía un único pritaneo y un
único buleuterión. Generalmente las ciudades estaban limitadas por
montañas y vinculadas a algún puerto de mar.
El tamaño de las ciudades variaba según las condiciones de terreno y
las condiciones históricas de su surgimiento y evolución. El número
de habitantes oscilaba alrededor de los 10 000 habitantes, cantidad
suficiente para formar un ejército y no tan grande que impidiera el
funcionamiento de la asamblea y que los ciudadanos se conozcan
entre ellos y para que puedan escoger sus magistrados.
Los griegos vivían en ciudades proporcionadas. La ciudad es un área
de dimensiones finitas, abarcables con la mirada y políticamente
manejable.
En Grecia surgió el concepto de Patria, como habitación común de los
descendientes de un padre único.
La ciudad como un organismo.
1-La ciudad es un todo único, no estaba subdividida interiormente. No
49
existían zonas cerradas independientes. En el ágora y en el teatro
podía reunirse toda la comunidad.
2-En las ciudades podían diferenciarse tres zonas:
Áreas privadas, viviendas. La vida doméstica era secundaria en
relación con la actividad comunitaria. Las viviendas rellenaban
el espacio dejado por los edificios religiosos y públicos.
Áreas sagradas, santuarios. Sobresalían dentro de la ciudad por
la posición dominante que ocupaban dada su importancia.
Áreas públicas, comercio, teatro, artesanía.
Comprendía además la muralla. No todas las ciudades griegas
estaban fortificadas. Atenas, Mileto y Priene tenían murallas
holgadas.
3- La ciudad era un organismo artificial, insertado delicadamente en
el ambiente natural. El templo regular se ubicaba en un contexto
irregular que respetaba. Nunca se intentó abrumar a la naturaleza
sino acoplarse armónicamente a ella.
4- La ciudad alcanzaba un asentamiento estable. Cuando ya era
mucha la población que entorpecía su funcionamiento político
50
administrativo se fundaba otra ciudad para no perturbar su
funcionamiento. Neopolis.
Los edificios se hicieron a la medida del hombre estableciendo una
relación de proporciones con el paisaje. Se usaron parámetros de
escala. Una ciudad engendraba otras y se aliviaba así el exceso de
población de la ciudad madre. Mileto fue el punto de partida de una
colonización gigantesca y a partir de ella se engendraron unas
setenta ciudades.
La ciudad griega es la muestra de la obra del hombre, de la razón
humana, aunque se relacione armónicamente con la naturaleza que la
rodea. La más ilustre de las ciudades griegas fue Atenas.
Ciudades hipodámicas.
Atenas era una ciudad irregular conformada a lo largo del tiempo.
Pero las ciudades fundadas por los griegos fueron el resultado de una
larga experiencia y observación, fruto de una planificación.
La democratización trajo como consecuencia la idea de un reparto
equitativo de los solares. Por otro lado la destrucción por las guerras
implicó una necesidad de construcciones rápidas y de una de
51
planificación más racional.
Hipodamus de Mileto elaboró en el siglo V ane una teoría que
concebía una ciudad en la que vivirían artesanos, agricultores y
guerreros. Impuso sus ideas en forma teórica y práctica y sus estas
fueron legisladas. Uso de la retícula como base de un método
sistemático de organización de las ciudades. La aplicó en Mileto y
Prine. Ejemplos de ciudades hipodámicas: Priene, Mileto, Olinto,
Paestum, Nápoles y Pompeya
Ciudad de Mileto.
La ciudad fue reconstruida en el siglo V, tras una invasión persa que
la destruyó totalmente. El plano de su reconstrucción fue elaborado
por Hipodamus.
Uso de una retícula regular que permitió la posibilidad de un
crecimiento posterior en época romana.
División de la ciudad en manzanas (insulae).
Adecuación al entorno, por lo que el contorno era irregular.
Estructura de parcelación en damero.
Diferenciación de calles principales con mayor ancho.
52
Priene.
Está ubicada próxima a Mileto en la costa de Jonia, en el Asia menor.
El plano se basa en una retícula formada por siete calles de E-O, que
siguen las curvas de nivel y 15 caminos escalonados en dirección N-
S.
Calles principales de 7m y las otras de 4m. Manzanas regulares de 46
x 35 m, con cuatro viviendas en cada una como promedio.
El ágora está al centro de la ciudad ocupando una superficie de dos
manzanas y parte de otra, a ambos lados de la calle principal que
conduce a la puerta occidental. Frente al ágora se ensancha y tiene 9
m. El bouleuterion y el pritaneo estaban en el extremo este de la stoa.
Contiene todos los elementos propios de una polis, subordinados al
plano hipodámico. Pequeña, solo contaba con unas 440 casas y una
población de 4000 habitantes
Principio de ordenación. Sistema de Olinto.
Barrios casi residenciales exclusivamente.
Se colman todas las parcelas.
Viviendas cerradas al exterior con patios interiores.
53
Calles principales orientadas N-S y secundarias E-O.
Manzanas rectangulares 5:2
Ágora: Centro de la vida pública destinado a múltiples fines. Espacio
urbano abierto rodeado de edificios públicos llamados stoas. Era el
lugar de reunión permanente de todos los ciudadanos, escenario
cotidiano de la vida social, de los negocios y de la política.
Generalmente se ubicaba al centro de las ciudades y en las
portuarias, próxima al puerto.
En el caso del ágora de Atenas esa plaza se conformó a lo largo del
tiempo, por lo que no respondió a un proyecto concebido. El ágora
creció a los pies de la Acrópolis, como corazón político y comercial
de la ciudad. Sus primeros edificios eran pequeños y estaban
unificados visualmente. Después se construyeron edificios más
amplios y más regulares.
En el urbanismo regular el ágora responde a la retícula. Está cerrada
por todos sus lados, pero en ella no se establece un eje para una
circulación central. La circulación es tangencial. Se produjo una
confortable sensación de cerramiento espacial con una reposada
quietud dada por la regularidad visual. La unidad se logró con la
54
escala de los edificios.
Stoa: Pórtico que tenía la función de jerarquizar el ágora, de aislarla y
de proveer de una protección para la lluvia y el sol. Fue tratado como
un edificio secundario hasta el período del helenismo.
Ciudades helenísticas.
Alejandro Magno difundió la cultura griega y no fundó simples
colonias, sino grandes metrópolis usando la cuadrícula hipodámica.
Estas ciudades fueron llamadas Alejandrías. La más famosa fue la de
Egipto, en la que se erigió el conocido faro. Las ciudades helenísticas
sirvieron de modelo a los romanos.
En esta época se consideraba antidemocrático que no se protegieran
defensivamente con murallas las áreas residenciales de las ciudades
y no solo la Acrópolis.
Características.
Calles anchas, propias para desfiles y avances militares.
Centro monumentales.
Dentro e la zona de vivienda aparecen los palacios.
Ostentación artística.
55
Pérgamo en Asia Menor. En ella se unen tradiciones mediterráneas.
Se creó un estilo mixto liberado del canon. Uso de escalonamientos
en terrazas. Valoración de los efectos de la perspectiva. Idea de
composición general.
La arquitectura griega
El templo es el edificio que sintetiza los principales elementos de la
arquitectura desarrollada en la Antigua Grecia.
La forma del rito evolucionó a través del tiempo hasta llegar a
concebir el templo como la casa del Dios. Inicialmente existía un
lugar consagrado al culto de las divinidades griegas que era solo un
recinto sagrado (Tememos) en el que se instalaba un altar a cielo
abierto para los sacrificios y estaba físicamente separado de la
habitación (Domús). A este recinto sagrado se le agregó una cubierta.
Finalmente se construyó un edificio cerrado, que simboliza la casa del
Dios. Esto implicó un cambio de escala en relación con Egipto y
Mesopotamia. La casa de la Divinidad se convirtió en la imagen, el
símbolo del Dios.
El arte fue el instrumento para acercarse a la perfección. La
arquitectura expresaba la idea de orden, medida, proporción y
56
equilibrio que se manifestaron a través de la racionalidad del
pensamiento griego.
Los órdenes
Los griegos crearon un sistema estético a partir de un detallado
estudio de las relaciones proporcionales entre la columna y la
cubierta, entre el elemento sustentante y el elemento sustentado. La
columna y el entablamento determinan el carácter de la arquitectura
griega. Fue un proceso largo, en el que en forma progresiva se fue
avanzando en la búsqueda de las “formas perfectas”. Este sistema
estético se llama Órdenes. Ordo en latín significa distribución regular,
sistema. Como todo sistema de proporciones, establece un conjunto
fijo de relaciones visuales entre las partes con las partes y entre las
partes con el todo que permite que el conjunto sea armonioso y
equilibrado.
Los órdenes constituyen la base de toda la arquitectura griega y han
tenido una importancia trascendental en la arquitectura occidental.
Están basados en establecer relaciones proporcionales entre la
columna y el entablamento.
Para los griegos las proporciones eran elementos esenciales para
57
alcanzar la belleza y la perfección. Policleto calculó
matemáticamente cuales deberían ser las proporciones de las partes
del cuerpo humano en función de encontrar la perfección, la belleza y
la armonía. Sobre el tema escribió un tratado teórico Canon (regla).
Estas reglas fueron trasladadas a la arquitectura a través de los
órdenes.
Orden Dórico.
Columnas sin base, con estrías poco profundas, de 16 a 20.
Capitel simple, que tiene la misión de derivar la carga horizontal del
arquitrabe a los soportes y anclar las columnas con las vigas para
que no se muevan. Los arquitrabes se hacen por tramos de eje a eje
de las columnas. Con el ábaco, losa cuadrada, se logra la anchura de
apoyo necesaria.
Altura entre 4 y 6 veces el diámetro.
La columna se estrecha en la parte superior lo que acentúa la fuerza
ascensional.
El entablamento soporta y reparte las cargas de la cubierta. Está
compuesto por el friso y el arquitrabe. El friso se compone de los
58
triglifos y las metopas que constituyen una reminiscencia de la
primitiva construcción en madera.
El orden dórico evolucionó hasta alcanzar las porciones del período
clásico. Se modifican las relaciones entre el diámetro de la columna y
la altura del entablamento a través de un proceso progresivo en el
que la columna se hace más esbelta, el capitel alcanzó menos altura
y voló menos. Relación proporcional exacta entre el eje de la
columna, el triglifo y el eje de la cubierta, 1:2:4. En el período
helenístico el orden dórico entró en decadencia.
La decoración se desarrolló en la cubierta y el entablamento. Muchos
elementos constructivos asumieron además una función estética, los
triglifos, la tenia, la régula, etc. También se decoraban algunos
componentes relacionados con los elementos constructivos,
molduras y bandas decorativas que perfilaban los frontones y la
cornisa.
Orden Jónico.
Se desarrolló en el período clásico. Es más esbelto que el orden
dórico. Está asociado con la feminidad. Al igual que el dórico,
evolucionó hasta alcanzar las porciones del período clásico.
59
La columna se asienta sobre una base.
Capitel con volutas.
Soporta un entablamento más sencillo. Friso continuo, liso o
esculpido. Arquitrabe dividido en tres fajas.
Columnas acanaladas, generalmente 24 acanaladuras, divididas por
fajas planas y filetes.
Altura igual a 9 veces o diámetro inferior del fuste, incluyendo el
capitel y la base.
Orden Corintio.
Se usó en el periodo clásico y sobre todo en el helenístico.
Más decorado y más esbelto que el dórico y el jónico. La columna se
asienta sobre una base.
Se relaciona con la adolescencia.
Capitel con hojas de acanto.
Santuarios
Los griegos sentían en todas partes la presencia divina, por lo que
Grecia está sembrada de santuarios. La localización de los santuarios
60
no era arbitraria. Fue determinada por el carácter de cada lugar. El
paisaje griego se caracteriza por una gran variedad de sitios
naturales. Hay un paisaje muy diverso a diferencia de Egipto y de
Mesopotamia. De ahí que los griegos hayan personificado algunos
lugares dotados de propiedades notables y vieron en ellos la
manifestación de una determinada divinidad. Esto trajo como
consecuencia que establecieran una relación entre las
características de cada sitio y el Dios al que le dedicaron el
santuario.
Los griegos asumieron la naturaleza como expresión de la divinidad,
por tal razón fueron muy respetuosos con ella, apenas la modificaron.
Aprovecharon la fisonomía irregular de los sitios haciendo uso de las
visuales pintorescas.
Dentro del santuario los templos no seguían un esquema obligatorio.
Estaban libres sin la atadura de un eje que los uniera. La puerta
monumental de los santuarios se llama Propíleo y estaban ubicados
en cualquier lugar conveniente del Temenos, el muro que delimitaba
el santuario.
61
La Acrópolis de Atenas.
La Acrópolis de Atenas fue el santuario más importante de Grecia.
Está ubicada en una colina que sobresale 40 metros en relación con
los alrededores.
La Acrópolis fue devastada por la invasión persa del 480 ane. Durante
el gobierno de Pericles fue reconstruida. En ese trabajo participaron
los arquitectos Ictinos y Mnesicles y el escultor Fidias. Surgió un
magnífico conjunto arquitectónico y escultórico en el que coexistía el
orden y la unidad, con una libre disposición, aparentemente
desordenada sin la presencia de un eje, que conlleva a un recorrido
dinámico. Los edificios carecían de relaciones visibles entre ellos. No
existe un punto desde el cual pueda abarcarse con la mirada todo el
conjunto. La colina constituye un pedestal para los edificios que en
ella se encuentran. Cada edificio por separado y en conjunto está en
equilibrio con el espacio circundante.
De las edificaciones que perduran las más importantes son el templo
de Niké Áptera, los Propileos, el Erecteón y el Partenón.
62
Templos
Los antecedentes de los templos griegos son los megarones de la
civilización cretomicénica, aunque en esta no se usaban en
edificaciones religiosas. Los templos primitivos tenían generalmente
una fila interior de columnas.
Los templos se construían sobre una plataforma llamada CREPIDOMA.
El Crepidoma tenía generalmente tres escalones. El escalón superior,
sobre el cual se asentaba directamente la columna se llama
Estilóbato. La subestructura del templo se llama Estereóbato.
Clasificación de las plantas de los templos.
1-In Antas. Son los más antiguos. Muros laterales que abarcan el
Pronaus. Antas: prolongaciones de los muros laterales de la cella
2 – Anfiantas. Muros laterales que abarcan el Pronaos y Opistodomus.
3 - Próstilo: Pórtico en la fachada del edificio.
4 - AnfiPróstilos: Cuando existe un segundo pórtico en el extremo
opuesto y no tiene columnas por los lados.
5 - Períptero: templo rodeados de galerías de columnas.
6- Dípteros: Galería doble rodeando al templo. Característicos del
63
período helenístico. Templos de mayores dimensiones.
Durante el periodo clásico se desarrolló el tipo básico del edificio
religioso. Tiene una planta sencilla:
Larga cella. Interior sobrio, con la estatua de la divinidad. A
partir del período clásico se construyeron templos en los que se
colocó en el interior una columnata, desapareciendo la evidente
direccionalidad de la alargada cella.
Dos caras iguales dos a dos. Frontón en ambas fachadas.
Cubierta de poca pendiente.
Períptero.
Relación proporcionada entre el número de columnas de sus
caras. Cantidad de columnas lado menor n, lado mayor n+1.
El templo de Zeus en Olimpia concebido por el arquitecto Libón de
Elis, ejemplifica la cuidadosa armonía que se llegó a alcanzar con un
organismo perfectamente equilibrado. Todo estaba concebido en
unidades de intercolumnios.
El Partenón es el más famoso de los templos griegos. Es el templo
principal de la Acrópolis de Atenas, dedicado a la diosa Atenea. Fue
64
construido por Calícrates y en el trabajaron posteriormente Ictinos y
Fidias. Es un templo que tiene algunas singularidades:
Ensanchamiento de la fachada. Tiene 7 intercolumnios, lo
clásico es 5, aumenta así el espacio interior.
Antas reducidas.
Cella con 3 columnatas superpuestas.
En el interior la estatua (120 kg de oro) de 11 metros quedaba
colocada ampliamente en la cella.
Entablamento aligerado (sin cimacio).
En su fachada se utilizó la sección áurea: Segmento rectilíneo
dividido de manera que la parte menor es a la mayor como la mayor
es al todo, a/b= b/a+b. Un sistema de proporcionalidades que
estableció un conjunto fijo de relaciones visuales entre las partes del
todo y entre este con sus partes.
Se hicieron además correcciones ópticas para lograr el equilibrio
perfecto de las formas:
Inclinación hacia adentro de las columnas extremas.
Línea de fachada ligeramente convexa.
65
Ligera contraflecha en el arquitrabe y en el estilobato (invertida
10 cm).
Las esculturas de los frontones y del entablamento son obras
maestras del arte griego. Representan la escena del nacimiento de
Atenea del cerebro de Zeus, el litigio entre Atenea y Poseidón, luchas
entre dioses y gigantes, la destrucción de Troya y combates entre
griegos y centauros y entre atenienses y amazonas. Son obras
geniales atribuidas a Fidias. Su obra se ha comparado en grandeza
con la poesía de Homero.
Repertorio de la arquitectura griega
Edificios públicos. Constituyen el tercer tema en importancia en
cuanto a la actividad edificatoria en Grecia (las murallas y los
santuarios son los primeros). Se ubicaban generalmente al borde del
ágora.
Buleuterion (Ayuntamiento). Sede de la Asamblea consultiva. Planta
generalmente cuadrada o rectangular, con una gradería escalonada
de modo semejante a los teatros, alrededor de un centro ocupado por
oradores y funcionarios. Era totalmente cerrado.
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Stoa: Elemento importante desde el punto de vista urbano, por ser un
punto de encuentro para los ciudadanos, sede de la actividad
comercial, galería de exposiciones y sede de las instituciones. Le
concedían a la plaza un carácter monumental que la distinguía de la
estructura fraccionada de los barrios.
Palestras y gimnasios.
El gimnasio comprendía un vasto conjunto de campos, pistas, galerías
y edificios varios. El principal era la palestra. Son considerados un
antecedente de las termas romanas.
Estadios.
Los estadios estaban destinados a las carreras. La planta tenía una
forma recta y semicircular, en el lado en el que se situaban las gradas
para los espectadores. Estaban completamente descubiertos y
median 180m. de largo aproximadamente.
Hipódromos.
Eran construcciones similares a los estadios, destinadas a las
corridas de caballos, de carros (cuadrigas - carro llevado por 4
caballos). Era un deporte practicado por los ricos.
67
Teatros
Constituyen un escenario religioso vinculado al culto a Dionisios. Se
hacían representaciones dramáticas competitivas. Se ubicaban
generalmente en la falda de una montaña, en forma semicircular o de
abanico alrededor de la orquesta.
Tumbas o Mausoleos.
El culto funerario fue desarrollado también por los griegos. Una de
las máximas expresiones fue el Mausoleo de Halicarnasso.
La vivienda. La vivienda fue la célula compacta sobre la cual se
planificó la ciudad griega. Hasta la época clásica estuvo prohibido el
gasto personal para la vivienda propia, por lo que este tema durante
siglos quedó relegado dentro de la arquitectura.
la casa de patio mediterránea fue el agente de evolución interior de
las ciudades. Con anterioridad a la introducción de la retícula
hipodámica la vivienda consistía en la agrupación de habitaciones
principales y secundarias en torno a un patio, sin un orden. Al
utilizarse las manzanas regulares hipodámicas se crearon tipos
básicos de viviendas.
68
La huella de la civilización griega en la arquitectura y el urbanismo
del mundo occidental ha llegado hasta el presente.
69
GUIAS DE ESTUDIO.
Tema 3: Desarrollo de los códigos urbanos y arquitectónicos en la
antigua Roma.
Bibliografía
Bacon Edmundn, Desing of Cities, Edit. Vicking, EE.UU.,
1962.
Benévolo Leonardo, Historia da cidade, Editora
Perspectiva, Sao Paulo, 2003.
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Alianza, Madrid, 1984.
Morris A. E.J., Historia de la forma urbana. Desde sus
orígenes hasta la Revolución Industrial, Editorial Gustavo
Gili, Barcelona, 1984.
Segre, R. y otros: Arquitectura y Urbanismo: de los
orígenes al siglo XIX, Ed. Pueblo y Educación, La Habana,
1984.
70
Spreiregen Paul, Compendio de arquitectura urbana, Ed.
Roth Leland M., Entender la arquitectura. Sus elementos,
Weiss Joaquín, La arquitectura de las grandes culturas,
Edit, Univ. Habana, La Habana, 1944.
Wilfried Koch, Estilos de Arquitectura, Editorial Presença,
Lisboa, 1982.
Introducción.
Condicionamiento histórico cultural la arquitectura y el urbanismo de
la antigua Roma.
La antigua Roma, cuya historia abarcó más de 12 siglos, desde el s
VIII ane hasta el siglo V ne, dejó a la humanidad una rica herencia
cultural. La civilización romana culminó el desarrollo del Mundo
Antiguo.
Los constructores de la antigua Roma crearon grandiosos conjuntos
arquitectónicos de una complejidad y una escala desconocidos hasta
71
entonces. Esta civilización mantuvo continuidad con la cultura griega
en muchos aspectos en el campo de la arquitectura y del urbanismo.
Inspirados en sus antecesores establecieron un modo de hacer propio
que sintetizó con gran sentido práctico las tradiciones del mundo que
logró colonizar.
Según la leyenda contada por los romanos Roma se fundó el 21 de
abril de 753 ane (s XVIII). Inicialmente era un pueblo más de Italia. Su
posición estratégica, al centro de la península itálica, cortando en
dos el Mediterráneo, en una llanura presta para la defensa junto al
Tíber y paso obligado de las rutas comerciales entre los etruscos y
las florecientes colonias griegas, fue uno de los factores más
importantes que favoreció el enorme desarrollo que los romanos
llegaron a alcanzar. Para su estudio el desarrollo de esta civilización
ha sido dividido en tres períodos, Monárquico, República e Imperio.
Periodo Monárquico. 753 ane hasta s VI ane.
Este primer período de la historia de Roma se corresponde con la
dominación etrusca. Los etruscos fueros antecesores de la
civilización romana. Eran buenos agricultores y buenos navegantes.
Aunque su arquitectura fue de materiales menos duraderos que la de
72
los griegos, construyeron caminos, canales, puentes y otras obras
ingenieriles significativas. El arte y la cultura etrusca floreció entre
los siglos VII y V ane. Comenzó después un período de decadencia
condicionado por numerosas guerras y contradicciones sociales. Los
etruscos dominaron como reyes hasta que fueron expulsados en el
siglo VI.
La República. S VI ane hasta año 27 ane.
A partir del siglo VI la cultura helenística penetró en Italia. Se asumió
el alfabeto griego, el arte teatral y la mitología griega, con influencia
también de leyendas babilónicas. Durante la República se llevó a
cabo una política expansionista a través de guerras de conquista.
Ocuparon primero toda Italia, luego Cartago, Grecia, Asia Menor,
Egipto, la Galia, Hispania y Britania. Fueron esclavizando pueblos
enteros, lo que permitió el progresivo enriquecimiento de Roma. En el
año 44 ane fue asesinado Julio César. Las luchas por el poder
culminaron con la caída de la República.
El Imperio. 27 ane hasta 476 ne.
Los romanos aplicaron una política imperialista de “pacificación” de
pueblos enteros. Formaron un gigantesco Imperio, con un centro de
73
poder político único, basado en el sistema esclavista y en las guerras
de conquista que llevaron a cabo durante el período republicano y el
imperial.
Roma era la sede del emperador y de su gobierno. Se produjo una
asimilación de influencias etruscas, griegas, asiáticas y egipcias y
también del desarrollo técnico y científico de todos esos pueblos. La
máxima expansión del Imperio se produjo durante el mandato del
emperador Trajano, del 98 al 117 ne.
Los romanos tenían una absoluta soberanía marítima y un sistema de
vías estratégicas a lo largo y ancho de su territorio lo que les permitió
un comercio a largas distancias. En el 212 todos los habitantes libres
dentro del Imperio adquirieron la ciudadanía romana.
La catástrofe del mundo romano comenzó en el siglo III ne como
consecuencia de la anarquía militar y la imposibilidad de defender sus
fronteras que cada vez se fueron “comprimiendo”. Esto estuvo
asociado además al abuso de poder de los gobernantes, al exceso de
tributos, a la desigualad social, al avance del cristianismo como
religión clandestina, después oficializada y sobre todo, a la
decadencia del sistema esclavista.
74
Los romanos desarrollaron una extensa civilización desde la capital
hasta las provincias. Por primera vez se perfiló una cultura europea
homogénea que partió del ámbito mediterráneo.
El arte en Roma.
El arte romano tuvo como antecedente el arte etrusco, y a través de
éste recibieron la influencia del arte asirio y del egipcio. Los etruscos
desarrollaron un arte religioso y funerario. Cuando Roma conquistó
Grecia en el siglo II ane, trajeron como botín de guerra numerosas
obras de arte y muchos originales griegos fueron copiados. Los
romanos se inclinaron ante el genio artístico de los griegos.
La posición social de los artistas cambió en relación con Grecia,
donde eran vistos como ciudadanos relacionados con los intereses de
la polis. En Roma eran individuos sin derechos de ciudadanos,
considerados trabajadores manuales que desarrollaban trabajos
físicos poco considerados. Generalmente eran esclavos griegos hacia
los que se mantenía una actitud despectiva.
El arte pretendió resaltar el poderío de los emperadores, reflejando la
idea de que Roma estaba llamada a gobernar a los demás pueblos. En
la escultura desarrollaron el retrato. Inicialmente se intentó plasmar
75
los ideales de bellaza griegos, pero con el tiempo los retratos
alcanzaron un gran realismo, incorporando rasgos propios
característicos como el perfil aguileño. No solo reflejaron rostros
bellos y perfectos. Llegaron a modelar con gran precisión los rasgos
humanos con una representación veraz y realista. Utilizaron la pintura
en la decoración de los interiores de viviendas y otras edificaciones.
Utilizaron mosaicos con una gran variedad de colores.
Urbanismo.
Al hablar del urbanismo romano se debe diferenciar el desarrollo de
Roma del de las ciudades que fundó. Roma tuvo un origen aldeano.
Pasó de ser una ciudad más dentro de la península itálica a ser la
sede de un Imperio. A lo largo de siglos tuvo un crecimiento
anárquico, caótico, espontáneo e irregular. Llegó a albergar a más de
un millón de habitantes.
Por el contrario, las ciudades fundadas por Roma, obedecían a una
estrategia militar de ocupación, dominio del territorio y de
recaudación de impuestos. Constituyeron campamentos
permanentes. Fueron ciudades planificadas. El trazado de las calles
respondía también a necesidades militares.
76
Influencia etrusca:
• Ceremonia de inauguración. Construcción de calzadas y
vías.
• Construcción de canales, acueductos y alcantarillados.
• Organizadas a partir de dos ejes. Eje norte sur CARDO, eje
este oeste DECUMANO. Al centro el foro. El cardo y el
decumano determinaban la localización de las puertas de
la ciudad.
Influencia griega:
• Empleo de sistemas regulares. Uso de la retícula
hipodámica.
• La Plaza. El ágora influyó en la concepción de los foros
romanos.
Características de las ciudades fundadas por Roma.
Perímetro cuadrado o rectangular.
Dos calles principales cruzadas perpendicularmente. Cardo y
Decumano.
77
Manzanas ortogonales ( Insulaes).
Foro ubicado en la intersección del cardo y el decumano.
Rodeado de edificios públicos porticados.
Trazado en retícula. Facilidad de acceso, próximas a ríos y
cruces de caminos.
Ejemplo: Timgad. Ciudad romana al norte de África, Argelia. Fundada
en el 100 dne. Casi cuadrada. Aproximadamente 350 m de lado.
Insulae de 20 m de lado.
Los Foros.
En Roma a lo largo del período de la República se fue conformando el
llamado foro republicano, 509 ane – 27 ne. Estaba delimitado por
edificios concebidos como objetos individuales, que constituían un
monumento a su patrocinador. Con el tiempo cada edificio que se fue
construyendo era mayor que sus antecesores.
Foros Imperiales. Grandes espacios públicos delimitados por edificios
públicos al centro o a ambos lados. Su crecimiento se produjo por
adiciones sucesivas. Cada uno glorificaba a un emperador, subrayaba
su generosidad. Los foros estaban delimitados por edificios públicos
78
(basílicas, mercados o templos) y rodeados por columnas propias de
los edificios que los delimitaban. No hubo un plan preconcebido del
conjunto, El resultado fue la suma de las acciones de sucesivos
emperadores que fueron dejando su huella.
Roma creó un gran imperio a través de una política imperialista de
subyugación de pueblos enteros. Era una ciudad parásita que vivía de
sus colonias distribuidas en todo el mundo conocido. Tuvieron que
desplegar una gran capacidad organizativa para lograr el
funcionamiento de las estructuras de tan vasto imperio. Como ciudad
llegó a tener más de un millón de habitantes. Era un nuevo concepto
de urbe, diferente a las polis griegas de una escala diferente.
Principales subsistemas que permitieron la urbanización de las
ciudades romanas a partir del siglo I ane:
1 Acueductos (1 680 000 m3 de agua diarios en Roma).
2 Alcantarillados.
3 Calles pavimentadas y pórticos para una circulación
diferenciada.
4 Plazas públicas polifuncionales.
79
5 Mercados y fuentes públicas.
Hasta el siglo IV ane el abastecimiento de agua potable a Roma
provenía del río Tíber, pero tuvo que sustituirse por sistemas de
acueductos que permitieron trasladar el agua desde puntos distantes,
porque ya el río estaba contaminado con las albañales.
El sistema vial era costeado por el Estado. En el Imperio se
construyeron 53 000 millas de calzadas. La construcción de calzadas
era una vía de mantener a los militares ocupados en tiempo de paz.
Las calzadas fueron una red de comunicación indispensable para la
supervivencia del Imperio. Tenían funciones administrativas,
comerciales y militares. Fueron arterias de difusión del modelo de
vida romano. Perfecta adecuación al terreno y buena construcción.
Tipos de vías:
Vías públicas.
Vías privadas.
Vías militares.
80
Vías vecinales (unen dos vías públicas).
Proceso constructivo:
Se colocaban sucesivamente varias capas. Primera capa de piedras
duras. Segunda capa de piedras menos duras. Tercera capa de
pedruscos y escombros. Cuarta capa de losas de piedra. Necesitaban
poco mantenimiento.
Aportes de la urbanística romana:
1 Creación y administración de su vasto imperio. Introducción
de la civilización urbana en la zona comprendida entre el Rin y el
Danubio.
2 Preocupación por la higienización de las ciudades.
3 Desarrollo de un eficiente sistema de comunicaciones
terrestres.
4 Dio vivienda y abastecimiento a aglomeraciones urbanas con
un alto nivel de concentración.
5 Establecimiento de códigos urbanos sobre cómo construir las
ciudades.
81
Con la decadencia del sistema esclavista se debilitaron las fuerzas
del imperio. Crisis económica. A partir del siglo III se produjo una
gran anarquía dentro del territorio. Imposibilidad de defender las
fronteras.
Caída del Imperio en el siglo V ne. Invasiones bárbaras. Fin de la Edad
Antigua.
La arquitectura romana. Materiales y técnicas constructivas. El
repertorio arquitectónico romano.
La arquitectura griega tuvo continuidad y complemento con la
arquitectura romana. Ambas en conjunto forman conforman la
llamada arquitectura de la antigüedad o arquitectura clásica.
Pero la arquitectura de la antigua Roma es mucho más que una
continuidad de la griega. Constituyó una síntesis del mundo antiguo.
Heredaron y reelaboraron creativamente los mejores logros de la
arquitectura egipcia y mesopotámica y sobre todo los de Grecia y de
los pueblos itálicos en particular, los etruscos.
La arquitectura griega se basó en el uso del sistema columnar
arquitrabado. Los nuevos temas que abordaron los romanos, por su
82
complejidad no podía solucionarse solo con el uso de ese sistema.
El arco fue el elemento estructural que simbolizó los avances de la
arquitectura romana. El uso del arco permitió variadas posibilidades
de cubiertas, salvando grandes luces. Usaron la bóveda de cañón, la
bóveda de aristas y la cúpula sobre tambor.
El arco y la bóveda son tan característicos de la arquitectura romana
como la columna lo es de la griega. Los arcos permitían perforar con
grandes vanos los muros, y precisamente fueron éstos, los muros los
protagonistas de la arquitectura romana.
Los romanos alcanzaron el nivel tecnológico más alto de su época.
Como materiales constructivos emplearon los ya tradicionales, el
ladrillo, la piedra, la madera, y el mármol e inventaron el hormigón
puzolánico conformado con el llamado cemento romano. Desde un
lugar cercano al Vesubio obtuvieron la puzolana, constituida
básicamente por sílice. Este material mezclado con cal y agua
permitía conformar un aglomerante hidráulico, que se endurece en
contacto con el agua. Usaron el ladrillo como encofrado, y además en
la construcción de arcos y anillos que construían dentro de los cofres,
para aumentar la resistencia del hormigón. El hormigón puzolánico
83
por su resistencia e impermeabilidad, les permitió construir las
grandes bóvedas y cúpulas que caracterizan su arquitectura.
Los órdenes griegos se usaron como elementos decorativos, Las
columnas fueron elementos superpuestos a los muros. Introdujeron el
Orden Toscano y el Orden Compuesto. La columna en un templo
griego clásico era la responsable estructural, y a través de los
órdenes los griegos plasmaban sus ideales estéticos. Los romanos
consideraban que la construcción estaba “por dentro” y por fuera se
decoraba con los órdenes y además con el uso de enchapes que
embellecían la edificación y ocultaban el verdadero material de
construcción. Se lograban así superficies pulidas, asociadas a
materiales costosos. El lujo pasó a ser un elemento necesario en la
vida cotidiana de los romanos.
Combinación de columnas y arcos. La columna perdió su función de
soporte y se adosó a la pared como elemento decorativo.
Combinación de la imagen de fortaleza constructiva del arco sobre
los muros o pilares, con la belleza y exuberancia de la cultura griega.
Emplearon materiales lujosos. Utilizaron los enchapes y pinturas en
las paredes de las edificaciones que reflejaban escenas de la vida
84
cotidiana.
En el siglo 1 ne. El arquitecto Marcus Vitruvius Pollio escribió el
primer tratado teórico de arquitectura del que se tenga evidencia.
Aportó una serie de criterios y conceptos para distinguir la
arquitectura de la albañilería, entendiendo como albañilería las
construcciones no concebidas por arquitectos. Consideraba que el
arquitecto debía dominar múltiples materias científicas, técnicas y
sociales.
Definió que las principales exigencias de una construcción en
cualquier época eran la utilidad, la solidez y la belleza. La obra de
Vitruvio ha sido punto de partida de posteriores estudios teóricos
sobra la arquitectura y la ciudad, específicamente durante el
Renacimiento.
Repertorio. El repertorio constructivo de los romanos fue muy amplio
y variado. Al hombre romano lo impulsaban móviles diferentes que al
griego. No les interesaba tanto la perfección. Para ellos era más
importante exteriorizar su poderío grandeza con una escala
monumental.
Habían esclavizado al mundo y el mundo trabajaba para ellos.
85
Dedicaban su tiempo a las guerras y al ocio. De ahí que construyesen
numerosas edificaciones dedicabas a las actividades para su tiempo
libre.
Templos.
Los templos romanos no fueron concebidos para ser recorridos
visualmente de forma individual como los griegos. Generalmente se
ubicaban en los foros, acentuando su direccionalidad y por tanto, se
destacaba su fachada principal. Frontalidad. No obstante se
asumieron elementos de los templos griegos, órdenes, pórticos y
frontones, pero las plantas son diferentes.
Como tipo básico de planta rectangular se usó un templo con cella
única, no períptero, sobre podio, con pronaos y escalinata. Influencia
de los templos griegos y de los etruscos. Frontalidad. Incorporaron el
pedestal como recurso que les permitió alcanzar una gran altura,
manteniendo las proporciones griegas sin necesidad de aumentar el
diámetro.
Templo de la Fortuna.
Maison Carrée, Nimes.
86
Templos de planta circular. Influencia de los tholos helenísticos. Cella
única.
Templo de Vesta en el Foro romano.
Templo circular del Foro Boario
Templo de Minerva Médica
Panteón romano. Templo de todos los dioses del Imperio. Se
unió la función de culto con las estatales. Erigido por el
emperador Adriano, 120 e 125 n.e, lo hizo el arquitecto
Apolodoro de Damasco. Cúpula de mayor diámetro construida
con los materiales tradicionales. Gigantesca sala circular
techada por una cúpula de 43,20m de diámetro, con un
casetonado interior que fuga hacia el óculo. Doble hilera de
cornisas el interior. Espacio centralizado. Elemento de planta
rectangular como transición entre el pórtico y la sala circular.
Arcos de ladrillos en el interior de los muros para rigidizarlos.
Basílicas.
Edifício construído para reuniones públicas de carácter judicial,
comercial o político. Función de bolsa de comercio y palacio de
87
justicia. Edificio longitudinal dividido interiormente en tres o cinco
naves, separadas por una columnata. La nave principal tenía mayor
puntal que las naves secundarias.
Basílica de Leptis Magna.
Basílica Ulpia en el Foro de Trajano.
Basílica de Magencio. Comenzada en el 306 bajo Magencio y
terminada en el 312 bajo Constatino, situada al NE del Foro
romano.
Basílica de Pompeya en el Foro de esta ciudad.
Mercados.
Mercado de Trajano, 110 dne., El amplio hemiciclo constituía la parte
más característica del conjunto comercial contiguo al gran Foro de
Trajano.
Edificaciones para el tiempo libre. Teatros, Anfiteatros, Circos,
Termas.
Teatro romano. Las primeras representaciones escénicas se
celebraron en el 240 ane, según el modelo griego, no tenía relación
con la religión. El primer teatro de piedra se construyó en 154 ane.
88
Adoptó los principales elementos del teatro griego. Sistema
escalonado de corredores concéntricos con escaleras y muros de
contención radiales. El desarrollo técnico que habían alcanzado les
permitió liberarse de la naturaleza y construir un edificio citadino
independiente. La cabea inclinada permitía la visibilidad hacia el
escenario. Los dictadores y emperadores fomentaron el teatro como
entretenimiento del público
Teatro de Marcelo, 13-11 ane
Teatro de Pompeya.
Teatro de Trieste.
Teatro de Leptis Magna.
Teatro de Sabratha.
Anfiteatros. Grandes instalaciones usadas para las luchas entre
gladiadores. Los torneos entre gladiadores comenzaron a realizarse
en 264 ane. Hasta el siglo II ane solo se efectuaban para celebrar
enterramientos. Fueron autorizados como espectáculo público en 105
ane. Se luchaba inicialmente en el foro. Después se construyeron
edificaciones destinadas a ese fin. El primer anfiteatro de Roma se
89
construyó de madera en el 46 ane,
Anfiteatro de Pompeya. Ejemplo más antiguo de los
conservados. Forma básica, óvalo.
Anfiteatro Flavio (Coliseo), 70-80 ne, 187,75 m longitud, ancho
155, 60 m, alto 50,75m, capacidad 50 000 espectadores. Arena
49 x79,35 m. Se utilizaron bóvedas de cañón y de arista,
superficies oblicuas de piedra natural, ladrillos y hormigón. Creó
el tipo válido del anfiteatro romano, modelo seguido en otras
ciudades italianas y en las provincias. Tenía un sótano de 7-12 m
de profundidad con pasillos, rampas, jaulas, cámaras y
equipamiento técnico y accesorio. Junto al Coliseo se
encontraba el Coloso de Nerón (estatua gigantesca de bronce
dorado, de más de 35 m de altura).
Circos
El Circo Máximo, 600 m de largo por 200 m de ancho con
capacidad para 300 000 espectadores. Mayor edificio para
espectáculos de todos los tiempos.
90
Termas.
Conjuntos polifuncionales de gran complejidad. Piscinas para baños
calientes, templados y fríos, gimnasio, campos de juegos, bibliotecas,
auditorio, jardines, etc. Centros de recreo y de salud para la
población.
En el siglo IV dne en Roma había once grandes termas, 856 balnearios
grandes y 1352 balnearios pequeños. Desde la época de Augusto se
inició la tradición de las termas imperiales. Con Trajano se integraron
los jardines.
Termas de Caracalla, 206-217 dne. Construidas en Roma hacia el
217 d.C. para el placer de las clases ociosas, podían albergar
hasta 1.600 bañistas.
Termas de Dioclesiano, 356 x 316 m.
Termas Estabianas.
Termas del foro de Pompeya.
Monumentos conmemorativos.
Arcos de triunfo y conmemorativos. Erigidos a partir del siglo II ane.
91
Conmemoran regresos victoriosos, fiestas del gobierno, muerte,
fundación de una ciudad u otros acontecimientos señalados.
Arco de Bara. Principios del siglo I, durante el mandato de
Augusto. Su fábrica es de opus quadratum, sillares
rectangulares de piedra caliza perfectamente escuadrados y
colocados, 12 m. de largo por 2, 40 m. de ancho. Altura total
12,30 m, que con el ático perdido llegaría cerca de los 14,70 m.
Altura del arco 10,10 m., radio aproximado de 2,30 m.
Arco de Triunfo de Orange, Francia, 26 dne, ubicado en el Cardo
de la ciudad. Perforado por 3 arcos. Domina el central. Caras
externas con columnas corintias.
Arco de Medinaceli, España.
Arco de Constantino, Roma.
Arco de Septimio Severo, 203 dne. Conmemoró el décimo
aniversario de la subida al poder del emperador Septimius.
Ubicado en el Foro de Roma.
Arco de Palmira. Arco monumental y gran columnata. Arteria
principal de la ciudad de Palmira, 220 dne.
92
Columnas conmemorativas.
Columna de Trajano.
Tumbas y los Mausoleos dedicados al culto de los muertos.
Mausoleo de Adriano, 139 ne (Castillo de San Angelo).
Tumba de Cecilia Metella.
Murallas y puertas.
Muralla Puerta Nigra.
Acueductos y puentes.
Basaron el desarrollo de las edificaciones sobre el sistema columnar
arqueado, tratando temas nuevos como puentes y acueductos.
Acueducto de Segovia
Acueducto Pont du Gard, Francia.
Acueducto de los Milagros
Acueducto de Les Ferreres.
Puente de Alcántara.
Repertorio habitacional.
La casa de atrio se impuso en el siglo IV ane. como la casa típica de
93
toda Italia. Planta ordenada simétricamente alrededor del atrio. El
atrio permitió la iluminación y la ventilación natural y la circulación
hacia el interior de la casa. Era también centro de abastecimiento de
agua. Contiene el Impluvium que recibe el agua de lluvia a través de
los planos inclinados de los techos que forman una especie de
embudo de abertura rectangular, llamado compluvium. El impluvium
se comunica con las cisternas localizadas en la parte traseras de la
casa.
Compluvium, forma de la cubierta con vertientes inclinadas hacia el
interior para recoger el agua de lluvia. La forma de la cubierta de la
casa de atrio permite un escalonamiento en altura de los distintos
espacios y una iluminación matizada.
Segundo patio, el peristilo, más íntimo, rodeado de columnas, con
área verde.
Ínsulas, casa urbanas de alquiler. Vivienda de la gran masa de la
población de menos recursos. En planta baja tiendas y talleres.
Viviendas en lo alto. Poco confort e instalaciones sanitarias
deficientes.
Palacios imperiales. Palacios residenciales con numerosas
94
habitaciones. Organización interior a partir de ejes.
Domus Angustana, Palatino.
Palacio de Diocleciano.
Las villas imperiales servían de residencia veraniega privada o de
residencia secundaria con su corte.
Villa Adriana, en Tívoli. 118-138 ne. Propiedad de 300 Has,
dividida en extensas terrazas con jardines, arboledas, alamedas
y fuentes. Edificios destinados a asuntos del gobierno, protocolo
y a la vez para la vida privada del emperador.
Principios clásicos de composición.
La arquitectura romana consolidó y complementó un conjunto de
principios de composición que fueron la base de lo que se ha llamado
arquitectura clásica. Estos principios asumieron una gran importancia
a partir del Renacimiento y tuvieron vigencia como reglas rectoras
del diseño arquitectónico hasta el advenimiento de la arquitectura
Moderna.
Proporción: Equilibrada coherencia de las partes entre sí y las partes
con el todo.
95
Unidad: La obra es un todo homogéneo en el que ninguna parte se
basta por sí sola. Todas las partes están en armonía, no puede ni
quitarse, ni añadirse nada so pena de deteriorar su imagen.
Jerarquía: Las partes deben subordinarse unas a otras jerarquizando
el elemento común de interés, centro y razón del edificio.
Simetría: Medio a través del cual se logra una composición ordenada
y jerarquizada. Otorga importancia al eje como elemento principal de
ordenamiento.
La arquitectura paleocristiana o cristiano primitiva.
A partir del siglo III el poder del Imperio romano se fue debilitando.
Los emperadores se vieron obligados a traspasar los privilegios a las
provincias. (Estatuto de ciudadano, feudos hereditarios, etc). Los
emperadores de esta época ya no son romanos, sino oriundos de las
provincias. Por otro lado se difundieron religiones que provenían de
las provincias. Entre ellas la más importante fue el cristianismo que
alcanzó mucha popularidad en las clases de menos recursos,
Durante los tres primeros siglos del imperio romano el cristianismo
fue una religión clandestina fuertemente perseguida. A pesar de eso
96
fue imponiéndose poco a poco entre los artesanos, comerciantes,
soldados y esclavos. El poder de penetración del cristianismo
aumentó precisamente por sus mártires.
En el año 313, con el edicto de tolerancia de Milán, el cristianismo
dejó de ser clandestino. En el 333 el emperador Constantino trasladó
su residencia a Bizancio, pasando así esta ciudad a convertirse en
una segunda Roma, opuesta al paganismo de la antigua Roma. El
cristianismo siguió ascendiendo en influencia y en 391 se declaró la
religión oficial del Imperio.
A partir de la muerte del emperador Teodosio se produjo una división
dentro del vasto imperio romano: Occidente romano y Oriente
helenístico. Fue una división política y religiosa.
El imperio de occidente se fue debilitando progresivamente a partir
de constantes invasiones mientras el Oriente florecía. En el
Occidente Roma dejó de ser la capital. Rávena, situada en la costa
este de Italia asumió una importancia cada vez mayor. Por estar
rodeada de pantanos estaba mayor protegida. A fines del siglo V,
Teodorico (495-526) instaló su corte en Ravena y mantuvo lazos
estrechos con Constantinopla. Rávena se convirtió en un puente
97
político entre Oriente y Occidente, por lo que se aprecia allí una gran
influencia de la arquitectura bizantina.
La arquitectura.
Los cristianos no aspiraron en un principio a un arte nuevo.
Asumieron los tipos paganos de la arquitectura romana tardía. Estos
tipos fueron adaptados para las necesidades de los nuevos ritos. Se
rechazó la exhuberancia de la decoración romana. El exterior de las
iglesias era sobrio y sencillo. En el interior por el contrario, se
fusionaron la luz, el color y los materiales preciosos. Las superficies
fueron ricamente decoradas con mármol, mosaicos y pinturas. Las
cubiertas de madera fueron revestidas. Se utilizaron esculturas con
elementos geométricos o fitomorfos. Las paredes y los pavimentos a
menudo usaban una decoración superficial con elementos de mármol
que formaban motivos geométricos. En Occidente muchas veces se
usaron capiteles recuperados de edificios romanos.
Los mosaicos estaban formados por pequeños piedras o vidrios
transparentes. Se utilizaron con profusión para revestir las
superficies sustituyendo las cornisas y las molduras.
98
Las iglesias paleocristianas.
Las primeras reuniones de los cristianos se realizaron en el interior
de las viviendas por su carácter clandestino. A estas viviendas se le
hicieron algunas modificaciones para adecuarlas a ese fin.
Tras el Edicto de Milán comenzó una gran actividad constructiva.
Los principales temas fueron:
1 Las salas de reunión, (ecclesia)
2 Las iglesias conmemorativas.
3 Las Iglesia bautismales.
Para las grandes salas de reunión se asumió la planta basilical. La
basílica se impuso como forma básica de las iglesias en sus múltiples
variantes.
La basílica en Roma tenía una función pública y oficial. Esta tipología
era suficientemente imponente para ser adoptada por el cristianismo.
Una de las razones por la que se adoptó esta tipología para los
edificios religiosos pudo haber sido la relación entre que existía entre
el culto al Emperador y el culto a un Dios único como señala el
99
cristianismo, diferente del politeísmo pagano.
Para las iglesias conmemorativas y las baustismales (baptisterios) se
asumió la planta centrada, ubicando la pila bautismal al centro,
separada del deambulatorio por una columnata. Durante los siglos V y
VI se acentuaron las diferencias entre el Imperio Romano de
Occidente y el Imperio Romano del Oriente. En el Occidente se
prefirió la planta basilical, aunque hay ejemplos importantes de
planta centrada en Occidente como San Vitale, en Ravena.
La planta basilical.
La basílica cristiana no fue una forma descubierta de súbito. El
concepto de la basílica cristiana es muy diferente al templo griego,
que era un edificio que se adoraba como símbolo del Dios y apenas
los sacerdotes podían entrar. La basílica cristiana es la casa de
reunión todos los cristianos.
La planta basilical fue muy flexible y se pudo adaptar a las
necesidades del rito.
Características:
1 Recinto rectangular con una nave central, flanqueada por dos
100
o cuatro naves laterales.
2 Planta axial romana. Secuencia axial de los espacios, atrio-
nártex-naves-presbiterio.
3 Planta en T. Cruz latina. Gran simbolismo.
4 Preferencia por los techos horizontales en vez de los
abovedados. Uso de casetones de madera. Cayó en desuso por
casi 700 años el uso de la bóveda. (Cluny, a fines del siglo XII.)
5 Direccionalidad hacia el ábside.
6 Transepto.
7 El ábside se ubicaba al final de la galería, en general se cubría
con una semicúpula y se articulaba con la nave a través de un
arco de triunfo.
8 La cubierta de la nave central tenía mayor puntal que la de las
laterales, por lo que quedaban pequeñas ventanas,
generalmente sin vidrios, que permitían la iluminación de la
nave.
9 Las naves laterales podían tener un segundo piso, que se
destinaba a las mujeres.
101
10 La nave central y las laterales estaban separadas por
columnas con entablamentos o arcadas, según el caso.
11 Atrio. Vestíbulo situado frente al nártex rodeado de pórticos
columnados. Recinto inicialmente reservado a los creyentes no
bautizados que podían participar en la primera parte de la
iglesia.
El volumen de estas iglesias estaba relacionado directamente con la
disposición interior. El sillar y la piedra eran los principales
materiales de construcción. Los techos eran fundamentalmente de
madera en el occidente y con bóvedas o cúpulas en el oriente. Las
paredes eran de ladrillos.
La primera gran sala de reuniones cristianas fue la Basílica de San
Juan de Letrán, que constituye un ejemplo típico de la arquitectura
paleocristiana.
La planta centrada
La planta centrada también se inspiró en los edificios de la
102
antigüedad tardía romana, en particular en los mausoleos. Se usaron
plantas circulares, en cruz o en polígonos.
Los mausoleos paleocristianos estuvieron influenciados por los
romanos, pero estos se ubicaban generalmente junto a una basílica.
Casi todos presentaban una zona central delimitada por columnas con
un deambulatorio alrededor.
Santa Constanza en Roma 350, fue construida en honor de la hija del
emperador Constantino. Espacio central coronado por una cúpula
cubierta de madera, sobre doce pares de columnas que formaba una
especie de baldaquino, rodeado por un deambulatorio.
La planta cruciforme o de cruz griega fue muy usada para los
mausoleos y en las estructuras creadas para el culto a los mártires. A
partir de un centro, generalmente cuadrado, se proyectaban dos
brazos de longitud similar equidistantes con el centro.
Los baptisterios eran edificios casi siempre octogonales (el número 8
estaba asociado a que el mundo comenzó en el octavo día de la
Creación.)
La primera gran iglesia de planta centrada fue San Lorenzo, Milán,
103
360, influenciada por Bizancio. Cúpula central sobre 4 exedras.
San Esteban Redondo, 470, Roma, segunda mitad del siglo V, copia
del modelos de la Iglesia del Santo Sepulcro, Jerusalén.
Planta representa símbolo paleocristiano de la cruz insertada en un
círculo.
Construcción monumental, 64 metros de diámetro. Techos
horizontales.
Rávena
San Apollinar in Classe posee una planta basilical, pero integra
elementos orientales como el nártex con dos torres laterales, ábside
poligonal y no hemisférico y pequeños absidiolos curvos en las
capillas que están al final de las naves laterales. En el exterior se
empleó uno de los primeros campanarios circulares. Se usaron
ladrillos más altos, influencia de Constantinopla.
Muchas iglesias de Rávena ostentan capiteles bizantinos que
emplearon motivos decorativos con elementos entrelazados a modo
de una malla, en vez de las hojas de acanto corintias.
La planta de San Vitale parte de 2 octógonos concéntricos. Núcleo de
104
8 pilares con 7 exedras al centro. En el octavo lado se desemboca en
el altar con un ábside saliente. La cúpula sobre el octógono central
no es de ladrillos ni de piedra, está construida con vasos de barros
insertados unos con otros.
La arquitectura bizantina.
Arquitectura bizantina primitiva.
Durante el siglo VI, bajo el reinado de Justiniano (527-562) se produjo
un proceso de expansión y prosperidad del Oriente romano. Al no
contar con la amenaza del imperio occidental Constantinopla era el
centro absoluto desde el punto de vista cultural, político y religioso.
En este período las formas paleocristianas evolucionaron hacia el
estilo bizantino.
En las plantas se produjo una tendencia cada vez mayor hacia la
centralización. Esta tendencia estaba ligada a la liturgia oriental que
acentuaba la entrada de los sacerdotes durante la misa. Surgen bajo
Justiniano en el oriente las grandes basílicas de cúpula.
Iglesia de los Santos Sergio y Baco. Constantinopla, 527-538
Fue edificada por Justiniano siguiendo la influencia de San Vitale.
105
Octógono central rodeado por un cuadrado exterior. Nichos interiores
alternos cuadrados y circulares. Cúpula de 16 metros de diámetro.
Planta central con 4 exedras inscrita en un cuadrado con nichos.
Galería de 2 pisos. Primer piso con arquitrabe, segundo piso arcadas.
La cúpula en este caso no está oculta con una cubierta de madera,
sino que se aprecia desde el exterior.
San Irene en Constantinopla, 532.
Introducción de vanos cuadrados con cúpula en planta basilical. La
cúpula se asienta sobre cuatro arcos soportados por grandes pilares.
Santa Sofía en Constantinopla.
La iglesia de Santa Sofía en Constantinopla, construida del 532 al 537
por los arquitectos Artemio de Tralles e Isidoro de Mileto, fusionó la
planta basilical acorde a las exigencias de la liturgia con la planta
central. Esta obra es considerada el monumento más importante de
la arquitectura bizantina. Fue erigida por el emperador Justiniano en
el lugar donde antes existía una iglesia de planta basilical. Sus
formas innovadoras fueron posibles por el uso del ladrillo fino como
principal material de construcción. Los 8 pilares fueron de sillares.
Con el uso del ladrillo se pudo construir bóvedas muy ligeras y más
106
flexibles con elementos de soportes más estrechos y menos
numerosos que con el uso del hormigón. La cúpula de Santa Sofía
quebró en 558, 20 años después de haberse construido. Fue
reconstruida en 563.
La cúpula se asienta al este y al oeste en 2 semicúpulas, cada una de
las cuales es flanqueada por una exedra. Muestra del último apogeo
de la arquitectura antigua y a la vez primero de la arquitectura
cristiana.
La arquitectura paleocristiana se desarrolló dentro de las tradiciones
de la antigüedad tardía. En occidente se rechazó la bóveda.
En Santa Sofía se utilizaron las pechinas, triángulo esférico que cubre
un vano entre arcos, que permitió usar las cúpulas sobre plantas
cuadradas. La introducción de la planta centrada con cúpula se debe
al uso de la pechina.
San Juan de Efeso, 550-564. Prolongación de un tramo de uno de los
brazos de la cruz.
En el siglo VI los árabes conquistaron Siria y Egipto. El imperio
bizantino se redujo a la mitad
107
Arquitectura pos Justiniano.
La primitiva arquitectura bizantina nunca más alcanzó la complejidad
y el carácter imponente de Santa Sofía. Tras la muerte de Justiniano
en el 562 el imperio sufrió grandes pérdidas de su territorio en Grecia,
Siria, Palestina y el norte de África.
En el siglo XVIII los francos, cada vez poderosos en el Occidente
hicieron una alianza con el Papa. Se construyeron iglesias más
pequeñas y menos atrevidas con mucha austeridad.
Santa Sofía Tessalónica, 780. Iglesia de cúpula sobre crucero.
Exterior simple, poco ornamentado, con formas achatadas.
San Nicolás Mira, s VIII, Basílica de Cúpula como Santa Irene.
Santuario Triple, Dere Agzi, Licia, s VIII. Uso de cámaras
laterales que flanquean el ábside.
Arquitectura del Bizantino Medio
El período comprendido entre el fin de la iconoclastia en 843 y la
ocupación latina de Constantinopla en 1204 se llama Medio Bizantino.
Los primeros 180 años de dinastía macedónica fueron una edad de
oro. Se recuperaron algunos territorios en Italia, Grecia y se
108
conquistaron nuevas tierras en el Oriente. Surgieron nuevas
topologías en la construcción de iglesias.
Tras el declive de la dinastía macedónica en 1025 la dinastía de los
Comnenos llegó al poder en 1057 inaugurando una época de
estabilidad y de consolidación de la arquitectura.
En 1054 se produjo el gran Cisma entre la Iglesia Ortodoxa Oriental
(que se extendió a Serbia, Bulgaria y Rusia) y la Iglesia Católica
occidental.
Iglesia de Holy Cross, Aght-amar, Georgia, 915-921.
Iglesia en Dafne, 1080, Octógono en cruz griega.
Iglesia Mylelaion, Constantinopla, 920-921. Vano cuadrado
coronado por una cúpula de 4 brazos abovedados que forman una
cruz griega. Pequeñas cúpulillas en cada ángulo.
Iglesia de San Marcos, Venecia. Inicialmente era una planta
basilical a la que se le fueron añadiendo transeptos que formaron
una planta cruciforme con cúpula sobre el vano central. Nártex
en forma de U, interior muy decorado.
109
Arquitectura Tardo Bizantina.
En 1204 Constantinopla fue saqueada por los francos, el imperio entró
en declive y fue perdiendo territorio. Fue recuperada en 1261 y el
siguiente período se desarrolló de 1261 a 1453, fecha en que
Constantinopla fue tomada por los turcos.
Período Paleólogo de 1261 a 1453, fecha en que Constantinopla fue
tomada por los turcos. En este período no surgieron nuevas formas
pero las existentes evolucionaron adquirieron mayores proporciones.
Se formaron grandes complejos a partir de la necesidad de zonas
separadas para los monumentos funerarios.
Cúpulas con forma de cebolla características del Oriente. Mucho
después de caída del Imperio bizantino continuaron usándose en
Rusia y la zona del los Balcanes.
Santa Sofía de Novgorodov, 1052.
Bienaventurado Basilio 1155-60, Moscú.
Kilse Camii. Ejemplo de la policromía lograda a partir de ladrillos
rojos y sillares blancos
110
GUIAS DE ESTUDIO.
Tema 4: Desarrollo de los códigos urbanos y arquitectónicos durante
la Edad Media.
Bibliografía
Sao Paulo, 2003.
• G. Muller y G. Vogel, Atlas de Arquitectura, Edit. Alianza,
Madrid, 1984.
• Morris A. E.J., Historia de la forma urbana.Desde sus
orígenes hasta la Revolución Industrial, Editorial Gustavo Gili,
Barcelona, 1984.
• Segre, R. y otros: Arquitectura y Urbanismo: de los orígenes
al siglo XIX, Ed. Pueblo y Educación, La Habana, 1984.
• Spreiregen Paul, Compendio de arquitectura urbana, Ed.
111
• Weiss Joaquín, La arquitectura de las grandes culturas,
Edit, Univ. Habana, La Habana, 1944.
Lisboa, 1982.
La Edad Media. Condicionamiento general de la arquitectura y el
urbanismo bajo el feudalismo.
La Edad Media se ha definido como el período comprendido entre la
caída del Imperio Romano de Occidente bajo el dominio de los
germanos hasta la toma de Constantinopla por los turcos en 1453, es
decir, del siglo V al XV, unos 10 siglos a aproximadamente.
La última etapa del Imperio romano debe considerarse como
preámbulo de la Edad Media. En este periodo Europa se vio sacudida
por varias oleadas de invasiones. Se fue fraguando un modelo de
sociedad marcado por las relaciones personales de dependencia y
fidelidad entre señores y vasallos.
112
Bajo Imperio. Preparación de la Edad Media. s IV-V.
• Vulnerabilidad de las fronteras.
• Auge del cristianismo.
• Decadencia del ejército.
• Decadencia del sistema esclavista.
Temprana Edad Media. s V-X
Durante estos siglos se produjo un proceso de desurbanización que
trajo como consecuencia una progresiva ruralización de la cultura y a
la vez una fusión de elementos germánicos y latinos.
En este período surgieron jóvenes pueblos que se hicieron
sedentarios y formaron organizaciones estatales permanentes, según
un modelo diferente al del Imperio Romano. En los primitivos pueblos
germánicos los reyes fueron proclamados continuadores de los
césares, pero tenían que organizar sus dominios en forma diferente
con la ayuda de la Iglesia, única institución que sobrevivió. Dentro de
la Iglesia católica se produjo una división. La latina se extendió por
los pueblos germánicos y parte de los eslavos y la griega por los
Balcanes y Rusia.
113
Se crearon formas de gobierno dentro del sistema feudal, con un
sistema de vasallaje universal, basado en una economía cerrada, de
base agraria con poco intercambio comercial. Eran relaciones de
vasallaje y servidumbre condicionadas por las necesidades de
protección militar y justificadas por la religión.
Modo de producción feudal. Las formas de gobierno típicas se
institucionalizaron en el sistema feudal. Su inicio tuvo lugar en el
reino de los francos bajo los carolingios. 751-758.
La vida económica de la Temprana Edad Media dependía de la
economía natural y del comercio de intercambio, con grandes
dominios en manos de la nobleza. En las granjas, haciendas
nobiliarias, en los palacios y en los monasterios dominaba la
economía doméstica cerrada.
El centro de la vida de estas pequeñas comunidades era el feudo o
señorío: grandes propiedades (castillo, monasterio y sus terrenos) de
nobles o altos eclesiásticos, autosuficientes.
Tras la expansión territorial por medio de conquistas surgió la
aristocracia feudal de la nobleza guerrera. Los méritos fueron
recompensados con propiedades territoriales que pasaron a ser
114
hereditarias. El poder del Rey dependía de la extensión de su dominio
y de sus éxitos en la guerra.
El Estado era un sistema de obligaciones personales en el cual todos
se ligaban individualmente a otras personas. Todos, hasta el rey,
tenían derechos y obligaciones, dentro de unas relaciones de lealtad
hacia determinados individuos.
Sociedad teocéntrica. La fe sustituyó a la razón y la Iglesia asumió el
monopolio de la cultura. La historia cultural de Europa durante la
Edad Media es una capitulo dentro de la historia de la iglesia católica.
En el siglo VII aparición del Islam, lo que produjo una ruptura de la
unidad política, cultural y religiosa del Mediterráneo. La división
política de Europa se perfiló tras el desmoronamiento del Imperio
carolingio.
Alta Edad Media S XI- XIII
• Ascenso y crecimiento de las ciudades. Grandes
movimientos de cultivo y colonización hasta el Vístula y el
Báltico.
• Aparición de nuevas ciudades. Red de ciudades
115
comerciales.
• Surgimiento de una cultura urbana. Equilibrio ciudad-
campo-naturaleza.
• Cruzadas. Cristianización de Europa.
• Aparecen por primera vez desde la caída del Imperio
Romano nuevas funciones urbanas, ayuntamientos,
mercados, almacenes, hospitales. Surgen las primeras
universidades.
El Papa Urbano II declaró oficialmente la Primera Cruzada en
Clermont, el 27 de Noviembre de 1095, con la intención expresa de
defender la cristiandad. Las cruzadas religiosas ampliaron los
horizontes de la cultura rural europea y puso en contacto al
Occidente con las riquezas del mundo bizantino del Oriente. A través
de las cruzadas se restablecieron las antiguas rutas de comercio
dentro del continente.
Estas campañas se proponían liberar los territorios de la cristiandad
que habían sido invadidos por los musulmanes y rescatar a los
cristianos oprimidos del Medio Oriente. Las peregrinaciones a Roma,
116
Jerusalén y principalmente a Compostela, y el movimiento guerrero-
religioso de las Cruzadas impulsan el intercambio de conocimientos,
culturas y formas de vida entre europeos, y entre éstos y los pueblos
islámicos.
Baja Edad Media XIII- XV. 1453
El sistema comercial burgués apareció en la Alta Edad Media y tuvo
mayor fuerza a fines del Medioevo. Economía monetaria urbana
orientada hacia el comercio. Aparece la burguesía portadora de una
nueva cultura.
La etapa final de la Edad Media estuvo marcada por una subversión
general social y por una crisis religiosa que se materializó en
escisiones y reformas.
Durante la Edad Media se desarrolló un arte esencialmente religioso
que recibió la influencia del arte romano tardío y del arte bizantino.
Sirvió como complemento a la arquitectura en fachadas y pórticos. La
escultura no era considerada una actividad independiente, constituía
fundamentalmente un complemento de la arquitectura. La iglesia era
la obra principal. Hubo también un florecimiento de la fundición en
bronce. La escultura monumental gótica se desarrolló en el exterior
117
de las catedrales. Verticalidad, figuras alargadas, ubicadas en nichos
flanqueados por columnas. Figuras rígidas. Énfasis en los pliegues del
vestuario. Brazos pegados al cuerpo.
La ciudad medieval. Tipos de ciudades y principales componentes de
la infraestructura urbana. Las plazas medievales.
A partir del siglo X comenzó un renacimiento de la vida urbana en
Europa. Se produjo un aumento significativo de la población asociado
al nacimiento de numerosas ciudades vinculadas al desarrollo del
comercio.
Gérmenes de las ciudades medievales:
• Ciudades fortalezas y campamentos militares romanos.
• Cortes reales, castillos y sedes episcopales.
• Puntos claves de tránsito, depósitos de comercio y
mercados.
Las ciudades medievales no establecieron modelos formales únicos.
Se desarrollaron todas las formas posibles.
La ciudad medieval primitiva era pequeña, de dimensiones finitas, no
118
se extendía más allá de sus límites prácticos, determinados por la
capacidad de sustentar a su población. La seguridad del ciudadano
dependía de la firmeza de sus murallas protectoras de la ciudad.
Principales tipos desarrollados:
Ciudades longitudinales. Se desarrollan a lo largo de una vía o de un
río.
El trazado urbano más común fue radiocéntrico. Crecimiento a partir
de un núcleo central inicial, monasterio o castillo feudal, como Pisa,
París o Moscú.
Crecimiento de las ciudades a partir de monasterios o fortalezas. Se
produjo un desarrollo natural que partía de las puertas de entrada y
se extendía a lo largo de calles expandiéndose generalmente en
abanico.
Mont-Saint-Michel (Francia). Abadía fortificada en la isla de Mont-
Saint-Michel, en la costa de Normandía, al norte de Francia.
Monasterio construido sobre una elevación. Más tarde fue rodeado
concéntricamente por viviendas que descendían por las laderas de la
colina amurallada. Calles irregulares y tortuosas.
119
Chischerter, Inglaterra. Fundada como Noviomagus Regensium.
Abandonada tras la retirada romana. A volverse a establecer mantuvo
sus ejes principales.
Winchester, Inglaterra. Estructura regular heredada del pasado
romano.
Entre las ciudades medievales y las contemporáneas existe
continuidad. Algunas de ellas se mantienen casi iguales y otras se
han convertido en grandes metrópolis.
El aumento de la población y del comercio creó la necesidad de
espacios de mercado. Nacieron así las plazas de mercado que eran
espacios cívicos. En algunas ciudades la existencia de dos o más
plazas conformó una secuencia espacial. En las bifurcaciones de las
calles a menudo surgieron plazas triangulares. Generalmente las
calles desembocaban directamente a las plazas. Las hileras de casas
se situaban en la misma pared de la plaza.
Plaza del Campo. Siena. Calles estrechas que corren desde las
puertas de la ciudad hasta la plaza. Amplia sala de estar al aire libre
para toda la ciudad. Las perspectivas de entrada a la plaza fueron
elementos determinantes para el emplazamiento de las torres.
120
Las ciudades medievales crecieron espontáneamente a partir de las
necesidades que fueron surgiendo en el proceso de asentamiento de
los nuevos pobladores, los espacios de trabajo, espacios necesarios
para la circulación y las reuniones sociales, dentro del límite
impuesto por la muralla defensiva. Se erigieron edificios con
proporciones humanas y las ciudades constituyeron suaves
modulaciones del paisaje.
El urbanismo de la Edad Media produjo soluciones típicas e
individuales en cada asentamiento.
Bastides en Francia
Las bastides francesas fueron ciudades planificadas, con un trazado
regular, en damero. No usaron el trazado radial o estrellado. Estas
ciudades se desarrollaron en la zona de Aquitania y su nombre parte
de la palabra bastir que significa plaza fuerte.
Valores simbólicos del perfil de la ciudad medieval.
Altura de la catedral. Expresión del poder religioso
Elementos defensivos. Altura del emplazamiento.
Expresión de las libertades ciudadanas.
121
La arquitectura desarrollada en la Temprana Edad Media. La
arquitectura Prerománica.
Tras la caída del Imperio romano comenzó a gestarse una nueva
cultura occidental en la que se unieron la civilización romana, el
cristianismo y la cultura germánica.
El término “románico” fue acuñado por el arqueólogo Charles de
Gerville, en 1820, para agrupar el arte europeo desarrollado desde el
siglo V al XIII. Relación y ruptura con el pasado romano.
• Prerrománico. Del siglo V a inicios del X
• Románico finales del siglo X hasta finales del XIII.
Desde la caída del Imperio Romano de Occidente hasta el siglo X, el
ordenamiento social y político romano, junto al arte, la cultura y la
ciencia se vieron gravemente dañados. Los desplazamientos masivos
de pobladores, las grandes invasiones, las guerras contra normandos,
húngaros y árabes sumieron a Europa, salvo momentos y lugares
puntuales, en una situación de precariedad social.
En general las construcciones de esa época fueron muy modestas y
122
sencillas que usaron los materiales en su estado natural.
Ejemplos
Túmulo de Teodorico, Rávena, anterior a 526. Semejante a un
Mausoleo de la Antigüedad.
Capilla de Nuestra Señora, Wuzburg, 706.
Baptisterio de San Juan, Poitiers, S VII.
A partir siglo VIII los monasterios fueron los centros más importantes
de difusión del cristianismo. Nacieron a partir de aldeas de monjes
con cabañas individuales y casas para refugios, reuniones y servicios
religiosos. Los monasterios legaron a ser estados en miniaturas con
sus estratificaciones y vida económica organizada. Eran grandes
conjuntos polifuncionales que contemplaban la total satisfacción de
las necesidades de sus habitantes que constituyeron, en muchos
casos, el único centro de reunión y protección de la comunidad que lo
rodeaba.
Las abadías constituían el único centro de reunión y protección de las
comunidades circundantes en un período de invasiones y guerras
permanentes.
123
En el ámbito constructivo la iglesia fue el tema principal. Se
desarrolló el edificio de planta central, asimilación del ideal espacial
de la antiguedad romana y de Bizancio.
Capilla Palatina de Aquistrán. Fines del siglo VIII. Edificio de planta
central con eje direccional hacia el ábside. Aparición del cuerpo
occidental.
Prerrománico en Asturias.
San Miguel del Liño, Asturias, España. Arquitectura modesta que
usa los materiales en su estado natural.
Palacio de Santa María del Naranco. Ladera meridional del
Monte Naranco, Cerca de Oviedo, 840-850. Construido con
función civil y convertido en Iglesia en el siglo XII.
San Julián de los Prados, 791-842.
San Pedro de Nora.
Santianés de Pravia.
Pórtico del Monasterio de Lorsch, último tercio del siglo VIII. Fusión
de elementos latinos y germánicos, de elementos nórdicos y
mediterráneos. Modelo del arco de triunfo romano.
124
A inicios de la Edad Media surgieron al norte de Los Alpes Castillos de
refugio contra las invasiones. Algunos evolucionaron hasta
convertirse en ciudades.
La arquitectura desarrollada en la Alta Edad Media. La arquitectura
románica.
Tras el cambio de milenio renació el optimismo en Europa. No sólo la
vida continuó, sino que mostró una cara más amable. Se produjo una
notable mejora de las técnicas productivas y agrícolas:
• Enganches a las bestias de tiro.
• Se inventó la herradura, el arado con ruedas y vertederas.
• Se comienza a usar la fuerza hidráulica para mover los
molinos.
• Unificación y exaltación espiritual de Europa bajo la bandera
de la fe y el ideal de un imperio cristiano.
• La intensidad religiosa permite unir, en lo moral, estados y
territorios que en lo político y geográfico se encontraban muy
alejados.
• Resurgir del continente. Fiebre constructiva sin precedentes.
125
Cuando la Iglesia como institución acumuló mayores riquezas, fue
capaz de costear la construcción de grandes conjuntos conventuales.
La arquitectura románica se desarrolló en toda Europa occidental,
Italia, Alemania, Francia, España, Portugal e Inglaterra, asumiendo en
cada región características específicas en función de las tradiciones,
el clima los materiales locales y la mayor o menor influencia de Roma
y Bizancio en cada uno de los sitios en cuestión.
Basílicas románicas.
La sencilla basílica paleocristiana fue sustituida por una edificación
mucho más complicada, apropiada para un culto más complejo, para
un número mayor de monjes y canónigos y la necesidad de
celebración de misas diarias. Las naves no eran solo el lugar de
congregación sino el escenario de las actividades de los monjes. Se
perdió la continuidad de recorridos y el arco de triunfo que separaba
las naves del transepto en la basílica paleocristiana.
La iglesia se concibió como un todo orgánico en la que las paredes no
eran meros planos yuxtapuestos, sino elementos estrechamente
ligados, todos concatenados.
El techo de madera se sustituyó por bóvedas de aristas de piedra que
126
permitieron una mayor altura, lo que condujo a una progresiva
tendencia a la verticalidad y a la aparición de las tribunas.
En el interior se eliminaron los arquitrabes y se usaron solo los arcos
sobre columnas o pilares, ordenados en disposiciones rítmicas que
producían una pluralidad de acentos. Se empleó un sistema alternado
de pilares sobre tramos cuadrados. Esto produjo una métrica nueva
que combinó las columnas con pilares poligonales, en tramos
tridimensionales que eliminaron la cadencia uniforme de las iglesias
paleocristianas.
De la arquitectura clásica de carga y soporte solo permaneció la
columna. Se emplearon diferentes capiteles, entre ellos el de
imposta, como transición entre la columna y el arco. Pero, en general,
la columna se dejó de ser independiente y se convirtió en columna
adosada.
Predominó la basílica sobre pilares cuadrangulares o cilíndricos. Los
pilares cruciformes se adaptan a múltiples situaciones con variadas
combinaciones. El fundamento técnico del románico estuvo en la
acción conjunta de muro-arco-pilar.
Arcos:
127
Arco fajón o perpiaño: Arco de refuerzo, transversal al eje de la
bóveda
Arco formero: Corre paralelo al eje longitudinal de una nave.
Arco toral: Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero, sobre
los que generalmente se asienta una cúpula o cubierta elevada.
Se carecía de los recursos técnicos con los que se construyeron las
basílicas de la Antigüedad, por lo que se volvió a la pesada
construcción maciza de muros gruesos.
En la basílica se diferenció la zona del santuario: Transepto, coro y
ábside del cuerpo longitudinal. Esto de exteriorizó en la volumetría.
Muchas veces se colocó una torre sobre el crucero y además torres
de flanqueo a sus extremos o en la intersección con el coro. El coro
podía ser escalonado, con deambulatorio y/o con capillas radiales.
El cuerpo occidental asumió una gran importancia e influyó en la
fachada de las iglesias, fachada de doble torre. La fachada de doble
torre surgió en Normandía, Francia y después se extendió a
Inglaterra. Iglesia de San Etienne, Caen.
En la Edad Media las torres pasaron a formar parte de la arquitectura
128
religiosa. Constituyeron un símbolo de la Iglesia. A partir del siglo XI
se elevaron como elementos dominantes de los santuarios. Los
campanarios comenzaron a usarse en Italia a partir del siglo VIII. La
tendencia a construir torres más altas condicionó la necesidad de
perforar los muros. Las torres estaban aisladas o como parte de las
edificaciones: al frente, en el crucero, al costado.
Arquitectura de “escuadra y compás” donde cuadrados, círculos,
cubos y cilindros, se disponen con un sentido estricto del orden y la
simetría. La cabecera de la iglesia asume una planta radial. Con el
uso de múltiples ábsides se podían celebrar más misas
simultáneamente. En las iglesias más antiguas la fachada refleja la
estructura interior.
Ejemplos:
Catedral de Santiago de Compostela, España. Iglesia de
Peregrinación: grandes dimensiones, planta de cruz latina, tribuna
sobre las naves laterales con triforio, girola con deambulatorio para el
paso de los peregrinos.
Mayor número de altares.
129
Más capillas en la cabecera.
Francia.
Deambulatorio alrededor del ábside con capillas radiales.
Prolongación de las naves laterales más allá del crucero, terminados
en ábsides secundarios.
Sajonia. Provincia central Imperio Otomano.
Dos cruceros, dos presbiterios y dos ábsides.
Iglesia de Saint-Phibert, Toumus. Tramos entre pilares cubiertos por
bóvedas de cañón, paralelas entre sí y perpendiculares a las paredes.
En los techos la madera fue sustituida por la piedra.
Basílica de San Zenón, Italia
Ritmo alternado de pilares. Disposiciones rítmicas. Pluralidad de
acentos.
Arquitectura Románica en Francia.
Catedral de Angulema. Influencia oriental, cúpula.
Iglesia de Saint Pierre, en Francia.
Fachada con arcadas ciegas y esculturas decorativas, remates
130
cónicos de torres y cúpulas.
Notre Dame la Grande, Poitiers, Francia, S XII.
Abadía de La Madelaine, Vézelay, Francia.
San Sernin de Toulose.
Iglesia abacial de Cluny. Enorme templo de casi 200 metros de
longitud, nártex, cinco naves, dos transeptos con absidiolos,
cabecera con girola y ocho torres.
Arquitectura Románica en Italia.
En Italia se prefirió separar los diferentes funciones en cuerpos
independientes, iglesia, campanario y baptisterio.
Catedral de Pisa, Italia, 1053-1272. Interés eminentemente decorativo
del románico en Italia.
Iglesia de San Zenón, Verona, Italia.
Evidencia la división interna del edificio en tres naves con cubierta de
madera. Fachada simple. Poca decoración: pequeñas arcadas ciegas,
gran rosetón y pórtico sustentado por dos leones.
Basílica de San Ambrosio, Milán.
131
Románico en Alemania.
Carácter monumental.
Las grandes catedrales conservaron el esquema planimétrico
carolíngio de los ábsides, dos poligonales y cuatro torres cilíndricas
adosadas lateralmente al volumen.
La composición del conjunto responde a una clara organización
volumétrica donde cada forma exterior coincide con el
correspondiente vacío exterior.
Iglesia de San Miguel de Hildessheim, Alemania, 1007-1033. Pérdida
de la direccionalidad única hacia un ábside. División de la nave
central en tres tramos cuadrados. Ritmo alternado de pilares.
María Laach.
Catedral de Spira.
En España el románico generó un panorama arquitectónico muy
complejo e variado debido a las influencias árabes como creando,
muchas veces un estilo híbrido.
Volumetría compacta ligada a las tipologías de las construcciones
militares.
132
Santiago de Compostela, España. Iglesia de peregrinación. Fachada
lisa asociada a volúmenes imponentes. Superficies de las paredes
interrumpidas por fuertes líneas verticales (contrafuertes) y un
circuito completo de galerías alrededor del ábside.
Catedral de Durham, Inglaterra. 1091-1130, Primeras bóvedas de
crucería apuntadas en occidente. Dos torres en occidente y una sobre
el primer crucero.
La arquitectura desarrollada en la Baja Edad Media. La Arquitectura
Gótica, s XII-XVII.
La arquitectura medieval europea alcanzó su máxima expresión
durante el siglo XII con la aparición del estilo gótico.
La arquitectura gótica significó el triunfo del sistema arcuado
abovedado sobre el sistema columnar arquitrabado. Desde el punto
de vista constructivo se basó en el uso combinado del arco ojival, con
el sistema de arbotantes y contrafuertes. Los pilares reciben el peso
o carga vertical de las bóvedas. Los empujes son resistidos por los
contrafuertes.
En la arquitectura gótica desapareció la separación entre elemento
133
sustentante y elemento sustentado. Se produjo una concentración de
esfuerzos en apoyos aislados bóveda y pilar y la transmisión y
neutralización de los empujes a través de los arbotantes y
contrafuertes.
Los arbotantes tienen una función estructural importante, recibir la
presión lateral de las bóvedas y descargarla sobre los contrafuertes
que las trasmiten hacia el terreno.
Las bóvedas de aristas se reforzaron con nervios superpuestos que
después se convirtieron en nervios autónomos. Los arcos perpianos,
formeros y cruceros constituyeron la estructura portante. La
plementería fue el relleno.
Bóvedas de crucerías simples y cuatripartitas, sextipartitas.
Bóveda de aristas sobre girola. El arco ojival es más resistente que el
arco de medio punto y además es más “flexible y elástico” porque
permite cubrir tramos regulares y poligonales.
Estos avances técnicos permitieron lo que constituye un rasgo
identificador de la arquitectura gótica, una gran verticalidad.
Ventanas de tracería.
134
Tracería: Conjunto de machones y molduras de piedra que conforman
dibujos geométricos en los ventanales. Sostienen los cristales
emplomados de enormes vidrieras. Tienen un gran valor artístico y
alegórico. Conforman grandes paredes luminosas, pues son en la
práctica un gran diafragma que permite el paso de luz. Puede
afirmarse que el muro de desmaterializó.
Intersección de la nave principal y el transepto. Rigurosa geometría
del conjunto.
Gótico primitivo, primario o lanceolado.
Abadía de Saint-Denis considerada como la primera obra de la
arquitectura gótica. Fue ideada por el abad Suger.
El gótico primitivo mantiene esquemas originados en el románico.
Catedral de Laon, 1180.
• Construcción longitudinal con fachada de 2 torres.
• Basílica cruciforme con tribunas. Torre linterna sobre el
crucero y 3 fachadas de doble torre.
• Sistema mural de 4 pisos.
• Bóveda sexpartita
135
• Alzado articulado en partes pequeñas.
• Arcada con pilares cilíndricos
• Tribuna con doble arquería
• Triforio
• Ventana ojival
Catedral de Notre Dame de París, 1163.
Fachada de dos torres. Solución casi única de las fachadas del
gótico primitivo. Torres frente a naves laterales. La nave central
avanza hasta situarse entre ellas con el nártex. División de la
fachada en secciones rectangulares. Relaciones equilibradas entre
superficies abiertas y cerradas.
Planta responde a espacio unitario. Forma compacta del esquema
basilical. Brazos del transepto integrados a la nave, casi a la mitad
de la longitud total. Coro sin capillas radiales.
Los rosetones se ubicaban en los ejes principales de la
construcción. Actúan como centros de las fachadas. Relación
entre ancho y alto de la nave principal: 1:2,7. Cierre superior
pesado.
136
Gótico clásico.
Catedrales de mayores dimensiones permiten la reunión de mayor
cantidad de fieles. Transepto mayor, también de tres naves.
Organización interior acorde con la bóveda cuatripartita. Igual
ritmo entre nave central y laterales.
Catedral de Chartres, se inició en 1194 y se concluyó 60 años
después.
• Trazado mural de 3 pisos.
• Triforio entre la arquería y la zona alta que tienen igual
tamaño.
• desaparece la galería (ritual más estático por la pérdida de
importancia de las procesiones).
• Pilar acantonado y columnas adosadas
• Grupos de ventanas en la zona alta de la pared.
• Clara diferenciación entre los diafragmas y los soportes
• Bóveda cuatripartita
• Mayor altura de las arcadas y del claristorio.
137
• El rosetón domina en el interior como cabeza del coro de la
nave central.
Catedral de Beauvais, Francia, aproximadamente 1220.
Catedral de Bourges, Francia, entre los siglos XII y XIII.
• Alzado de 5 naves.
• Escalonamiento basilical en las naves laterales.
• Pilar alto guarnecido por 8 columnas delgadas adosadas.
• Bóveda sexpartita.
Catedral de Reims, Gótico clásico, hacia 1230. Mayor refinamiento del
estilo.
Líneas horizontales de rigurosamente dispuestas en oposición a la
verticalidad para lograr un equilibrio. Unidad entre gigantescas
ventanas de tracería y el rosetón. Marcada verticalidad en el interior.
Las superficies laterales de la nave central pierden el efecto de muro.
Transepto tratado igual que la fachada principal. Módulo de transición
entre el transepto y el coro, de menor dimensión. Deambulatorio de
una sola nave. Continuidad con las naves laterales.
138
Catedral de Amiens. Considerada la culminación del proceso de
perfeccionamiento del gótico en Francia.
La planta no presenta fragmentos de muros llenos. Cada pilar
corresponde a la exigencia constructiva de soportes. Pared casi
transparente.
Alemania
Catedral de Colonia,1248. Necesitó más de 500 años para ser
terminada.
Iglesia de Santa Cruz de Schwalbisch-Gmund. Prototipo de las
iglesias de salón de Alemania. Gótico alemán. Catedral de Santa
Cruz, XIV. Alemania. Iglesia de salón. Se caracteriza por su gran
anchura y altura similar entre la nave principal y las secundarias.
Inglaterra. Gótico tardío.
En Inglaterra, al igual que en Francia, predominó el uso de la planta
basilical. Las catedrales inglesas tienen un carácter menos vertical
que las francesas y las alemanas.
Catedral de Salisbury, John Constable, 1220 -1260. Discretas torres
de flanqueo en la fachada. Se destaca la torre sobre el crucero.
139
Planta con cuerpo longitudinal, coro longitudianal, retrocoro, crucero
occidental principal y crucero oriental del coro. El deambulatrorio se
sustituyó por una capilla y el retrocoro. Transepto con una sola nave
lateral.
Catedral de Wells, Inglaterra, Anchas torres en la misma alineación
del cuerpo longitudinal. Los pisos inferiores forman una pared
uniforme. Ventanas abiertas y ciegas.
Gótico en España.
Catedral de Sevilla, España.
Catedral de Burgos, 1222.
Catedral de León. Iniciada a mediados del siglo XIII y concluida a
principios del siglo XIV.
Gótico italiano.
En Italia se mantienen tradiciones de la Antigüedad.
Catedral del Duomo de Milán.
Catedral de Siena.
Catedral de Orvieto, comenzada en 1310. Asimilación de elementos
140
de las fachadas francesas
Palacio Ducal, Venecia.
Palazzo Vecchio, Florencia, 1299-1314. Torre de 94 m de altura.
Ayuntamiento de Lovaina, Bélgica. Construido entre 1448 y 1463.
La arquitectura gótica constituyó una alternativa radicalmente
diferente a la tradición constructiva de la Antigüedad. Las
construcciones góticas tienen una marcada tendencia a la
verticalidad. No se usaron los órdenes, ni las proporciones clásicas y
formalmente valoraba los materiales a la vista, la piedra y la madera.
Su sistema estructural basado en el arco ojival, los arbotantes y
contrafuertes permitió grandes aberturas en los muros a través de los
que pasa la luz tamizada por monumentales vitrales de colores, con
un marcado carácter místico.
Aunque el general se concibieron plantas y fachadas simétricas, no
se emplearon los principios de composición que rigieron en el mundo
grecolatino. Las catedrales fueron el resultado del trabajo de varias
generaciones en las que de manera orgánica se sucedieron adiciones
y completamientos progresivos que no tenían en cuenta los estrictos
141
principios de jerarquía, unidad y proporciones clásicas.
Las codificaciones de la arquitectura islámica.
La huida de Mahoma a la ciudad de Medina en el 662 n.e. es
considerado el inicio de la era islámica. En unos 80 años, el Islam se
expandió desde la península de Arabia hasta conformar un imperio
que abarca Hispania, norte de África, Oriente Medio y Persia.
El islamismo se basa en las revelaciones del Corán, libro sagrado de
los musulmanes. Sumisión total a la voluntad divina.
Obligaciones básicas que los musulmanes deben cumplir:
• Creer que no existe otro Dios que Ala y que Mahoma es su
profeta.
• Rezar cinco veces al día, a horas determinadas.
• Entregar una cuantía en limosnas.
• Ayuno y abstinencia una vez al año durante el mes del
Ramadán.
• Peregrinación a la Meca al menos una vez en la vida.
142
La mezquita es el lugar donde se reúnen los musulmanes para rezar.
Centro religioso, social y político de la vida islámica, es también
lugar de reunión y meditación religiosa para la lectura del Corán, por
lo que presenta características formales específicas.
Su arquitectura, notablemente heterogénea en todo el mundo
musulmán, se inspira en la sala del exilio de Mahoma en Medina.
Tipos fundamentales:
1- Mezquita con patio porticado.
2- Mezquita de patio cerrado, con salas laterales con la función de
mausoleos o de madrasa.
3-Mezquita cubierta con cúpula central, por ejemplo Solimán I en
Constantinopla.
4-Mezquitas construidas sobre edificios existentes. Presentan
características diferentes, ejemplo la mezquita de Damasco o la
mezquita de Omar en Jerusalén que utilizaron como base templos
cristianos.
Partes de la mezquita.
1-Haram. La sala de oración colectiva durante la cual los fieles
143
ocupan filas paralelas mirando en dirección a La Meca.
2- Fuente de ablusiones. Para ablusiones rituales antes de entrar en
el recinto del haram
3- El minbar. Púlpito sobre el que se sitúa el imán durante la
predicación de los viernes. 4- Mihrab Hornacina construida en el
muro para indicar la dirección a La Meca. Ocupa un lugar destacado,
visible desde todo el haram. Su forma cóncava tiene finalidad
acústica.
5- Minarete. Torre de llamada a la oración
Expresión volumétrica fuerte. Voluménes cúbicos, semiesféricos y
altas torres. Decoración exterior concentrada en la portada.
Concepción del espacio diferente a Europa. Espacio discontinuo y
compartimentado. Sensación de ilimitado e infinito.
No hay énfasis en un eje ni hay una estricta simetría en la planta ni en
las fachadas.
Carácter abierto, facilidad de descomponer y y adicionar nuevos
espacios.
Componentes divisorios verticales, columnas, cortinas, elementos
144
decorativos suspendidos, compartimentan el espacio y acentúan la
discontinuidad.
La prohibición del Corán de representar personas o animales otorga a
la plástica la particularidad de utilizar formas geométricas o formas
vegetales estilizadas estilizadas y símbolos de escritura.
Interiores muy elaborados.
Decoración mural basada en elementos geométricos, arabescos,
inscripciones en mosaicos esmaltados, relieves polícromados con
incrustaciones de piedra.
Códigos técnico-constructivos .
Utilizan técnicas desarrolladas anteriormente:
• Bóvedas de cañón, de arista o de nervaduras.
• Cúpulas sobre pechinas o sobre arcos cruzados
• Techos planos de madera o inclinados.
• Arcos semi-circulares, puntiagudos, de herradura o
lobulados.
• Soportes verticales variados: columnas cilíndricas
145
simples, duples o triples, pilares rectangulares.
Piedra y arcilla, tanto en forma de ladrillos como natural, mármol,
madera, y estucos de yeso y de cerámica.
Tipos de arcos:
1- Arco de herradura.
2- Arco de herradura apuntada.
3-Arco de herradura peraltada.
4-Arco trilobulado.
5-Arco polilobulado,
6-Arco con alfiz (encuadramiento rectangular).
7-Arcos entrecruzados.
Mezquita de Ibn Tulun. La mezquita se desarrolla alrededor de un
patio cuyo eje está en dirección a la Meca.
Domo de la Roca, Jerusalém, 688-692, edificio islámico más antiguo
que se conserva, planta octogonal con pasillos para facilitar el
movimiento de la multitud de peregrinos.
146
Taj Mahal, India. Monumento funerario erigido por el Gran Mogol a su
esposa.
La Mezquita de Sultanahmet (Mezquita Azul), Estambul, 1609-1616.
Única mezquita con seis minaretes.
Mezquita de Soleimán el Magnífico, Estambul, Arq. Sinán, 1550-1557.
España. A partir del siglo IX se formó un estado autónomo dentro del
Imperio islámico con la fundación del Califato de Córdoba. Síntesis de
tradiciones romanas, godas y bizantinas.
Mezquita de Còrdoba, España 716. Obra más representativa de la
primera etapa de la arquitectura islámica española. Originalmente
tenía 11 naves interiores. Sufrió dos ampliaciones. Bosque interior de
más de 1000 columnas. Arcadas superpuestas. Dovelas alternadas de
piedra y ladrillo.
Palacio de la Alhambra, España, 1338-1390. Comenzada como
fortaleza en el siglo XI y posteriormente fue convertida en residencia
de la corte del último estado musulmán en España. Contraste entre
arquitectura militar y doméstica. Sucesión de patios, plazoletas y
jardines hacia los que se vuelcan los edificios.
147
GUIAS DE ESTUDIO.
Tema 5: Desarrollo de los códigos urbanos y arquitectónicos del
Renacimiento.
Bibliografía
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Benévolo Leonardo, Historia da cidade, Editora Perspectiva, Sao
Paulo, 2003.
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Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 1981.
Morris A. E.J., Historia de la forma urbana. Desde sus orígenes hasta
la Revolución Industrial, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1984.
Murria Meter, La arquitectura del renacimiento, Edit. Aguilar, Madrid,
1972.
Roth Leland M., Entender la arquitectura. Sus elementos, historia y
significados, Edit Gustavo Gili, Barcelona, 1999.
148
Werner M, G. Vogel, Atlas de Arquitectura, Editorial Alianza, Madrid,
1985.
Wilfried Koch, Estilos de Arquitectura, Editorial Presença, Lisboa,
1982.
Condicionamiento general de la arquitectura y el urbanismo durante
el período renacentista.
Durante la llamada Edad Media, período a lo largo del cual la Iglesia
Católica, como institución, tuvo un protagonismo esencial en todos
los ámbitos, la evolución de la arquitectura culminó con la
arquitectura gótica que estableció códigos muy diferentes a los del
mundo clásico de la antigüedad. Las catedrales constituyeron el
símbolo de la comunidad, la expresión en piedra de la superioridad
del mundo celestial.
La arquitectura gótica desarrollada en Europa a partir del siglo XII,
alcanzó su máximo esplendor en Francia. La catedral constituyó el
símbolo de la comunidad, la superioridad del mundo celestial sobre el
mundo terrenal. El sistema establecido por las codificaciones góticas
se presentó como una alternativa antagónica con la tradición clásica.
149
A partir del siglo XV se sucedieron una serie de transformaciones
económicas, políticas, sociales y culturales, que fueron el reflejo de
cambios radicales en las sociedades europeas de entonces. El
período comprendido entre 1440 y 1500 aproximadamente fue
extraordinariamente fructífero en diferentes ramas y se le conoce
como Renacimiento. Este período se correspondió con su desarrollo
en Italia, pues al resto de Europa llegó medio siglo después. Tuvo
como antecedentes importantes en el campo de la literatura a Dante,
Petrarca y Bocaccio, quienes sentaron las bases para una reacción
en contra del misticismo medieval.
En sentido literal se diría que el Renacimiento fue un renacer de la
cultura grecolatina y su utilización como fuente de inspiración en la
pintura, la arquitectura, la escultura y el urbanismo en Europa. Pero,
en realidad fue mucho más que eso. Es un fenómeno muy complejo.
Fue un período de transición entre la Edad Media y la Edad Moderna,
entre el feudalismo y el capitalismo.
Fue un período fecundo. Comenzó a desparecer el feudalismo, a
formarse las naciones, asociado al auge de las monarquías, a la
limitación de los poderes de la Iglesia y a un sentido de las libertades
150
espirituales ajeno al modo de pensar del medioevo. En el campo del
arte se produjo una revolución en la escultura, la pintura y la
arquitectura por el descubrimiento de los monumentos de la
antigüedad. En el campo de la literatura, la filosofía y la teología de
destaca la importancia del descubrimiento de los antiguos
manuscritos, el certero conocimiento de los clásicos, el sistema
luterano, y la emancipación de la conciencia. En el campo científico
hay que aludir a la importancia del descubrimiento del Sistema Solar,
a la figura de Copérnico, a Galileo o a los descubrimientos
anatómicos. En el campo jurídico debe destacarse la disolución del
valor de los falsos Decretales, el descubrimiento de un texto
auténtico de Derecho Romano y el estudio del Derecho Internacional.
Se puede hablar además del descubrimiento del telescopio, de la
brújula, de la imprenta, del papel y de la pólvora. Fue un fructífero
período en todos los campos. No puede definirse solo como un
movimiento intelectual y artístico, cuyo rasgo más evidente es un
regreso al mundo clásico.
Este fenómeno surgió en Italia, en el siglo XV, cuando aún la
arquitectura gótica estaba en su apogeo en los países de Occidente.
151
Era Italia el lugar con mejores condiciones para que se produjera una
trasformación de ese tipo. El gótico en Italia nunca alcanzó el
verticalismo nórdico y en ese país se encontraban aun ruinas
romanas que resultaban impresionantes. La Italia del siglo XV estaba
conformada por ducados heterogéneos, Saboya, Montferrato, Saluces,
Génova, Milán, Mantua, Módena, Lucca, Florencia, Siena, Venecia,
Ferrada y otros.
En Florencia durante la Edad Media había permanecido viva la cultura
de la antigüedad y a inicios del siglo XV era una ciudad estado muy
rica en la que varias familias ejercían un importante mecenazgo
sobre las artes (los Medici, los Pazzi, los Sforza, los Pitti). Fue allí
donde nació y se desarrolló este nuevo lenguaje que después se
extendió a toda Italia y al terminar el siglo XV se trasladó a Roma. Un
factor importante del entusiasmo suscitado por el mundo antiguo fue
la llegada a Italia de eruditos y artistas griegos como consecuencia
de la toma de Constantinopla por los turcos. Esos hombres
despertaron un gran interés dentro de los círculos humanistas por los
manuscritos que trajeron consigo. Se produjo una combinación del
pensamiento cristiano de la igualdad entre todos los hombres con la
152
idea griega de que el valor reside en una personalidad equilibrada,
desarrollada en todos los aspectos. Se habla de un hombre universal,
liberado del anonimato medieval
Cuando se estudia el Renacimiento se pueden distinguir dos períodos,
el Primer Renacimiento (1420-1500) con Florencia como centro
principal y el Alto Renacimiento, que también se conoce como
Manierismo, que comprende todo el siglo XVI y cuyo centro
fundamental fue Roma.
Se produjo un resquebrajamiento de las estructuras medievales con
la desaparición de sus estructuras simbólicas: el emperador, el papa,
el ideal caballeresco y la escolástica. Esto estuvo aparejado a una
decadencia del poder señorial y la aparición de una burguesía
mercantil, vinculada al comercio y a la manufactura.
Existía ya una nueva estructura, menos rígida. La sociedad del siglo
XV, aunque ya no estaba ceñida por la rígida estructura medieval, se
caracterizaba por estratos sociales diferenciados. Se negaron los
principios en los que estaban basados los poderes tradicionales de la
iglesia y de la nobleza, para afirmarse nuevos principios de selección,
los principios burgueses. El dinero fue reemplazando los lazos de
153
sangre. Se fueron afianzando poco a poco nuevos principios de
selección, los principios burgueses.
En este período comenzó la formación de los estados nacionales. Se
produjo una coincidencia entre los intereses de la burguesía
comercial y los reyes y príncipes por lo que la primera apoyó a la
segunda. La aristocracia feudal no podía ejercer el poder político sin
la ayuda del tercer estado, la burguesía, esa clase que surgía, no
vasallo y no señor feudal, que a partir del siglo XII empezó a
desarrollarse y a hacer sentir su presencia frente a la nobleza y el
clero. El Renacimiento coincidió con un significativo aumento de la
población de las ciudades europeas que se continuó a lo largo del
siglo XV y XVII.
Se definió el Renacimiento como un renacer del arte griego y romano,
pero puede definirse también como un movimiento que rompió con la
cultura del medioevo, que creó una crisis ideológica a partir de una
diferenciación entre la fe y la razón humana. En el medioevo el mundo
era ordenado por Dios y el hombre era una criatura más. En el
Renacimiento el mundo seguía regido por Dios, pero el hombre podía
actuar a su voluntad y diseñar su propio destino.
154
El hombre predominó en la cultura del Renacimiento. La razón, el
saber y el conocimiento fueron sus armas fundamentales y sus
principales tareas en ese sentido fueron luchar contra la dictadura
espiritual del papado, oponiéndose a la doctrina religiosa de la
eternidad y santidad del orden feudal, criticar la teología y la
escolástica y fortalecer los nexos entre la filosofía y las ciencias
naturales. De ahí que la filosofía del Renacimiento se conozca como
Humanismo. Esta doctrina otorgó al hombre absoluta confianza en sí
mismo. El humanismo revalorizó la cultura antigua y pretendió
alcanzar el perfecto desarrollo de la personalidad humana, basado en
la armonía del pensamiento libre con la acción y de la belleza con la
moral y la ciencia, a partir de los ejemplos de la antigüedad. Se
produjo un abandono del teocentrismo medieval y una renuncia a la
postura incondicional de sumisión a la Iglesia.
El hombre se vio como centro del mundo con la posibilidad y
necesidad de conocer la naturaleza, el mundo y el universo. La figura
de Maquiavelo, sus ideas acerca de que es el hombre quien forma su
propio gobierno y que la política responde exclusivamente a quien la
dirige, ilustran la ideología de este periodo.
155
El hombre del Renacimiento tuvo la fuerza y la capacidad suficiente
para transformar el mundo en un mundo racional explicado por la
ciencia, según las leyes matemáticas, aunque sin abandonar la
teología. Sus estudios permitieron formar un nuevo concepto de
espacio (Bruno y Galileo). Las innovaciones técnicas y los cambios en
la mentalidad que se habían producidos brindaron la posibilidad de
conocer y dominar la naturaleza. Se construyeron relojes, se
desarrolló la producción de metales, se revolucionaron las técnicas
militares con la introducción de la pólvora, se inventó la brújula, se
perfeccionó la cartografía. La innovación más trascendente de este
período fue la imprenta. En 1452 se editó la Biblia.
Junto a la observación, comenzaron a desarrollarse los métodos de
investigación experimental. El gran Leonardo fue uno de sus
precursores. Fue un estudioso de la naturaleza, dejo más de 5000
páginas de apuntes sobre temas científicos. Pocas de sus propuestas
se llevaron a la práctica, pues en muchos casos sus ideas se
adelantaron a las posibilidades técnicas del momento en que vivió.
Las generaciones posteriores han sido las encargadas de eso.
Concibió innovaciones para los telares, máquinas para volar,
156
submarinos, entre otras. Realizó importantes estudios hidráulicos
anatómicos y urbanos.
En el Renacimiento se produjo una diferenciación entre la fe y la
razón humana. Durante la Edad Media la historia intelectual de Europa
fue un capítulo dentro de la historia de la Iglesia Católica. A partir del
Renacimiento se modificó el carácter y el prestigio de la Iglesia,
aunque esta siguió siendo una fuerza social importante. El
humanismo desplazó el debate de los temas divinos a los temas
humanos sin cuestionarse la existencia de Dios. El hombre no
deseaba entonces dejar rápidamente la mísera existencial terrenal.
Deseaba conocer y disfrutar de la belleza y la armonía de ese mundo.
A partir de 1517 se inició el movimiento de La Reforma, con Martín
Lutero a la cabeza, que negaba la necesidad de intermediarios entre
Dios y la conciencia. Esto significó el punto de partida del movimiento
religioso protestante, que ocasionó una gran fractura dentro de la
unidad cristiana europea. El término protestantismo viene de la
Protesta hecha por los príncipes y representantes de las ciudades
alemanas en contra de los acuerdos de La dieta de Spira en 1529. En
1534 fue publicada la Biblia en alemán traducida por Lutero.
157
La religión comenzó a perder su campo de acción y a ser desplazada
por los pensadores laicos. La religión se convirtió en un hábito de
vida, cuyos ritos se observaban sin preocuparse mucho del espíritu.
Los parámetros de la cultura artística del Renacimiento
Con anterioridad al siglo XV, las que después se llamaron Bellas Artes
pertenecían a las Artes Mecánicas. No se le reconocía autonomía a
los pintores y escultores, ni había diferencias entre los arquitectos y
los otros gremios de la construcción. En 1316 el gremio de los
pintores estaba integrado al de los médicos y boticarios.
A partir del Renacimiento los artistas y los arquitectos ocuparon una
posición diferente dentro de la sociedad. El arte dejó de ser una mera
ficción de la realidad y junto a las ciencias, se convirtió en un modo
diferente de captar la realidad, con su mismo rango e importancia. El
arte fue la creación de una minoría cerrada en contraposición al
158
espíritu gremial de la Edad Media.
En el arte del Renacimiento estuvo presente un doble componente, la
expresión y representación de la belleza divina en el mundo sensible
y la asimilación de los modelos provenientes de la cultura clásica. El
arte llegó a ocupar el lugar central en la cultura del Renacimiento
como disciplina general que abarcaba todo el ambiente.
La pintura asumió un papel trascendental en el desarrollo de las
artes. Se inició un proceso de captación y representación de la
realidad que se mantuvo hasta el siglo XIX, que llevaba implícito un
perfeccionamiento de la realidad y del dominio de los cuerpos en el
espacio. Lo nuevo no fue el naturalismo en sí, sino el aspecto
científico, metódico e integral en la observación de la naturaleza. Lo
nuevo no fue que el artista se haya transformado en un observador de
la naturaleza, sino que la obra de arte se transformó en un estudio de
la naturaleza. El dibujo y la pintura alcanzaron una individualización
artística. Donde antes existían casi exclusivamente pinturas
religiosas, aparecieron retratos y otras representaciones de una
fidelidad al modelo natural desconocida hasta entonces.
La escultura y la pintura copiaban el mundo natural como una
159
operación científica y matemática, reproduciendo proporciones,
medidas y las características físicas de los objetos, sobre todo el
color. Pero el estudio del color no comprendía solo el pigmento, sino
además, los efectos en el color de las luces, las sombras y también
los reflejos. Masaccio (1401-1428) fue el primero que pintó un fondo
arquitectónico usando las reglas de la perspectiva en La trinidad, en
Santa María Novella.
En esta época el artista y el arquitecto ascendieron en la escala
social y adquirieron una consideración nueva dentro de la sociedad
superior a la alcanzada hasta entonces. A fines del siglo XV y
principios del XVI Leonardo (1452-1519), Rafael (1483-1520) y Miguel
Ángel (1475- 1564) eran vistos como “genios”, con un prestigio sin
precedentes, como individuos excepcionales cuya competencia no
solo se circunscribía a la pintura, la escultura y la arquitectura, sino
que abarcaba todos los campos. Comenzó un culto a la personalidad
de los arquitectos que se tradujo en la publicación de sus biografías,
de la misma forma en que hasta entonces se hacía con los reyes.
A partir de este período se destacan las personalidades individuales y
se conocen los nombres de los artistas, de los poetas y de los
160
arquitectos y sus comitentes. Comenzó una arquitectura de autor. El
Renacimiento se distinguió por sus genios universales que dominaron
todos los sectores de las artes plásticas y en partes de la ciencia y la
literatura.
Al principio la producción de los artistas estuvo regida por los
intereses de la Iglesia, después por la burguesía y después por las
cortes nacionales y papal. Inicialmente los artistas cumplían
encargos, pero después tuvieron la libertad de elegir los temas a
tratar. No obstante, el tema religioso fue el más abordado. En estas
pinturas se humaniza la imagen de Cristo y además se vinculan los
motivos de la historia sagrada al ámbito terrenal. A partir de esta
época surgieron las colecciones privadas.
El arte asumió un nuevo papel. Al liberarse el hombre de los dogmas,
tomando conciencia de sí mismo, utilizó el arte para expresar sus
sentimientos. De ahí que se produjera un vínculo entre el arte y la
ciencia. Se estudiaron a profundidad las proporciones humanas.
La perspectiva, introducida en las artes en 1425, fue el instrumento
científico que permitió los principales cambios en la representación
pictórica al brindar una imagen semejante a la que aprecia el ojo
161
humano. Fue un instrumento que permitió representar proporciones y
la posición recíproca de los cuerpos, así como poder tener idea de las
dimensiones a partir de una referencia conocida de cómo puede ser
una figura humana. Más que una técnica de representación fue una
técnica de visión que permitió lograr un estrecho vínculo entre la
arquitectura y la pintura.
Los primeros pintores que la usaron Donatello y Masaccio como un
medio para encarar con nuevos ojos el espectáculo del mundo. La
arquitectura pudo ser pintada antes de ser construida. A partir de
Leonardo se tuvieron en cuenta los efectos atmosféricos en la pintura
y los efectos de luz y sombra. Con el tiempo se fueron representando
también la cercanía y lejanía.
La cultura renacentista fue esencialmente urbana. La persistencia de
la burguesía en la ciudad se contrapuso al desarrollo feudal del
campo. La primacía cultural se centró en las ciudades capitales. Las
acciones de los hombres, las historias de los santos y las escenas
pintadas siempre se desarrollan dentro de un espacio urbano o con
algún elemento arquitectónico como referencia de lugar.
Con el Renacimiento comenzó una nueva época. El pensamiento
162
racional se puso de relieve en todos los dominios del conocimiento.
Nuevas concepciones y métodos clausuraron los sistemas
medievales.
El urbanismo del período del Renacimiento.
Cuando se habla de urbanismo del Renacimiento deben distinguirse
dos campos. En primer lugar las acciones llevadas a cabo en las
ciudades heredadas y en segundo lugar, los proyectos para nuevas
ciudades, no construidos en su gran mayoría.
En este período no existía una demanda de nuevos núcleos urbanos,
sino la necesidad de modificar espacios interiores de las ciudades
existentes. Por lo tanto, las acciones urbanas ejecutadas fueron,
sobre todo, acciones fragmentarias, remodelaciones parciales y
ampliaciones de las ciudades existentes más importantes, las que
consistieron fundamentalmente en el diseño de calles principales
rectilíneas y de las plazas.
Se ha considerado que la Vía Nuova de Génova en 1470, fue la
primera acción urbana del Renacimiento, entendida como la
organización consciente de edificios en la ciudad a partir de una
forma preconcebida.
163
La informalidad es una característica del urbanismo medieval, y aún
cuando se hayan usado en algunos casos plantas regulares, se
obtuvieron efectos pintorescos con los volúmenes asimétricos
propios de la arquitectura gótica partir de una estructura
compartimentada con numerosas casas. En el Renacimiento se
concibieron espacios urbanos delimitados por grandes bloques
arquitectónicos, los palacios urbanos, es decir, pocos edificios
aislados. En la Edad Media las fachadas formaban un tapiz donde se
unían unas y otras, y las irregularidades como consecuencia de las
diferencias entre ellas constituía un atractivo. En el Renacimiento se
usaron grandes cuerpos exentos y las arcadas constituyeron un
elemento que permitió unificar el todo y las partes.
La calle principal rectilínea fue una innovación del Renacimiento.
Aunque servía de acceso a las edificaciones y también constituían
conexiones con las vías regionales de comunicación, su papel
fundamental fue facilitar los movimientos dentro de la ciudad, que
con la ayuda de los carruajes era cada vez mayor.
Acciones en las ciudades heredadas.
La acción urbana más importante que se realizó en la práctica en las
164
ciudades italianas del Renacimiento fue la construcción de nuevas
plazas. La plaza fue el punto de encuentro de los burgueses, el palco
para las manifestaciones públicas, el mercado, pero, sobre todo, fue
el espacio libre frente a edificios municipales. Para ello debía ser
armoniosa desde todos los puntos de vista. Muchas plazas cerradas
producen el efecto de un espacio interior.
La Plaza Annunziata en Florencia.
Florencia, la ciudad cuna del Renacimiento, tuvo un origen romano en
el siglo II ane. El núcleo romano original fue rodeado por dos murallas
durante en medioevo en el siglo XII y en el XIV respectivamente como
consecuencia del enorme crecimiento que tuvo en ese período. No se
pretendía crear una nueva ciudad. Ni los recursos económicos ni los
ideales culturales permitían realizar más que intervenciones
complementarias de retoque en la forma urbana.
Durante los primeros años del Renacimiento Florencia seguía siendo
una ciudad medieval. Las construcciones aisladas, palacios e iglesias
estaban inconexos y no contaban con un marco espacial apropiado.
La Plaza de la Signoría era el espacio público gubernamental más
importante, heredado del Medioevo. A este se le sumó otro
165
importante espacio que si fue fruto de las ideas urbanas del
Renacimiento, la Plaza Annunziata.
La Plaza Annunziata se conformó en un espacio frente a la Iglesia de
la Santísima Annunziata. Entre 1419 y 1424 se construyó el Hospital
de los Inocentes, según proyecto de Brunelleschi, considerada la
primera obra del Renacimiento, con una bella arcada abovedada que
sirvió de pauta para la modificación de la fachada de la iglesia hecha
por Michelozzo en 1454, consistente en un pórtico de una sola crujía,
que fue ampliado entre 1601 y 1604 por Giovanni Caccini con una
columnata corrida.
Casi un siglo después fueron conformados los portales del tercer lado
de la plaza, dando así una unidad integradora al conjunto. El diseño
de Sangallo el Viejo y Baccio de Agnola en 1515 fue muy respetuoso
con la propuesta de Brunelleschi y prefirió repetir la arcada que
exteriorizar su individualidad como arquitecto. Lo que Bacon llamó ”el
principio del segundo hombre”. Quedó conformado así uno de los
espacios más representativos de la aspiración renacentista de un
equilibrio sosegado, con un espacio limitado y en reposo.
La Plaza San Marcos en Venecia.
166
El origen de Venecia se remonta al siglo V ne. A lo largo de la Edad
Media desempeñó un papel importante en Europa como punto
estratégico entre las vías comerciales. Cada una de las islas de este
archipiélago asumió funciones propias. Muchas de esas islas se
cohesionaron, atravesadas por un sistema de canales, de los cuales,
el más importante fue y sigue siendo el Gran Canal.
La Plaza San Marcos es uno de los espacios urbanos más conocidos
del mundo. Se dice que Napoleón la llamó “el más bello salón de
Europa”. La plaza en realidad está formada por dos plazas, la piazza
frente a la Basílica de San Marcos y la piazzetta que la conecta con la
laguna y como perno entre ambas está el Campanille.
El sitio fue originariamente un mercado en las afueras de las murallas
de la primitiva Venecia. A partir del año 827 empezó a adquirir
protagonismo dentro de la ciudad al ser convertida la Capilla de San
Marcos en digno sepulcro para el cuerpo de San Marcos. El Palacio
Ducal fue construido a finales del siglo VIII y reconstruido entre 1309
y 1424.
Hasta principios del siglo XV la plaza era pequeña y estaba delimitada
por edificios de viviendas desiguales de ladrillo. Entre 1480 y 1517
167
fue transformada radicalmente y adquirió la imagen que aun
conserva. El campanario había sido construido en ladrillo desde 1415.
La biblioteca (librería Marciana) fue proyectada en 1536 por
Sansovino y terminado por Scamozi quien en 1584 proyectó la
Procutatie Nuove, terminada en 1640, por Longhena. El pavimento se
diseñó y construyó entre 1722 y 1735. Aunque su terminación
definitiva ocurrió en 1810 con la Fabrica Nuova. Esta Plaza puede ser
considerada también una expresión de la racionalidad del
Renacimiento.
La Plaza de Pienza.
En 1459 el Papa Pio II visitó su ciudad natal de Corsigniano, en Siena
y decidió reconstruirla como su residencia temporal. Pienza era un
pequeño burgo medieval de unas seis hectáreas en la cima de una
colina. Pio II decidió construir un grupo de edificios monumentales: el
Palacio Picolomini (en el lugar de su casa natal), la catedral, el
Palacio Público y el Palacio del cardenal Borgia.
La catedral quedó en la bisectriz del ángulo mientras los otros
edificios siguieron la alineación de la calle. De esta forma frente a la
168
catedral quedó un trapecio que encuadra la fachada de la iglesia
entre dos bloques. La catedral siguió el modelo de las iglesias góticas
alemanas visitadas por Pio II. Para su interior de tres naves se les
encomendaron pinturas a los más famosos pintores de Siena. El
Palacio Picolomini es un bloque cuadrado, de patio central, que en su
fachada sur tiene un pórtico que da a un jardín desde el que se puede
divisar el valle, con el Monte Amiata al fondo.
Alrededor de este centro monumental fueron construidas después
otras edificaciones, entre ellas un bloque de doce viviendas alineadas
de dos pisos para gente de pocos recursos. Detrás del Palacio se
abrió otra plaza menor para mercado de manera que la principal no se
viese perturbada por esas actividades. La pequeña ciudad quedó
organizada de modo jerárquico en torno a la iglesia y el Palacio
central. Los edificios principales se distinguen por su regularidad
arquitectónica y no por su tamaño y esta regularidad disminuyó en los
edificios secundarios. Se produjo así una relación integradora entre lo
viejo y lo nuevo. La nueva cultura respetó el ambiente tradicional
heredado y lo corrigió a partir de una regla intelectual superior. Se
supone que el arquitecto que proyectó esas edificaciones fue
169
Bernardo Rosellino.
Urbino.
Federico de Montefeltro fue el señor de Urbino desde 1444 hasta
1464, por lo que contó con tiempo suficiente y los medios necesarios
para transformar su ciudad con varias intervenciones importantes.
Urbino es una ciudad pequeña de 40 hectáreas, construida sobre dos
colinas, en la depresión intermedia está el centro con la Iglesia de
San Francisco, de ella salía una calle principal en dirección a la
Puerta Lavagine, de donde partía un camino hacia Rimini.
Sobre la colina, al sur estaba el castillo de Montefeltro. Hacia el este
Federico mandó a construir un cuerpo de construcción rectilínea a
cargo de proyectistas locales de segundo orden. En 1465 este edificio
fue incorporado a un nuevo organismo desarrollado alrededor de un
patio porticado que se articuló libremente transformando el ambiente
circundante. En dirección a la montaña, hacia el centro, la fachada
del nuevo palacio se articuló como una Z dejando así un espacio para
plaza, en la que más tarde se construyó la nueva catedral. En
dirección hacia el Valle el organismo se fragmentó en ambientes
abiertos hacia el paisaje. De la plaza que está al fondo del valle sale
170
una calle rectilínea hasta la entrada del palacio, cambiando la
dirección principal que ya no es hacia Rímini, sino hacia Roma en
donde estaban los intereses de Federico.
El palacio formó el centro y la fachada monumental de la ciudad sin
tener dimensiones muy diferentes del resto de las edificaciones. Al
estar dividido en varios cuerpos, la regularidad geométrica exigida
por la nueva cultura visual se aplicó a cada uno de los cuerpos del
conjunto. De esta forma ennobleció los puntos principales del nuevo
organismo urbano sin destruir su continuidad.
Ferrara.
A partir de 1454 Ferrara se transformó en una de las ciudades más
ricas de Italia, en cuya corte se hospedaban los literatos y poetas
más importantes del Renacimiento y muchos célebres pintores. Se
hizo necesario en ese período ampliar la vieja ciudad medieval con
dos nuevos barrios diseñados según los nuevos principios urbanos,
Borso en 1451 y Hércules en 1492. La primera adición se produjo
sobre una isla larga y estrecha en las márgenes del río Po. Consistió
en una calle rectilínea atravesada por otras muchas calles que
171
constituyen una prolongación de los barrios vecinos. La segunda
constituye una verdadera ampliación de la ciudad que duplicó su
superficie de 200 a 430 hectáreas.
La ciudad medieval estaba limitado hacia el norte por una muralla y el
canal. Para variar ese límite se trazaron unas nuevas murallas ya
adaptadas a las recientes técnicas de artillería, mucho más al norte y
en esa área intermedia se subdividió en calles rectas que aunque no
forman una retícula, conforman un trazado mucho más regular que el
heredado con el cual se conecta convenientemente. Así las dos calles
principales, la alameda existente entre el castillo y del este al castillo
de Belfiore y la nueva calle que va desde la Puerta del Po hasta la
Puerta Marte se cruzan casi en ángulo recto como los cardos y los
decumanos romanos.
Estas ampliaciones le dieron a Ferrara un aspecto moderno en
relación con el resto de las ciudades europeas. Pero la popularidad y
la riqueza de esta ciudad decrecieron y la actividad constructiva
disminuyó notablemente, de manera que gran parte de la nueva
ampliación permaneció sin ser ocupada hasta el siglo XX. En Ferrara
el planeamiento urbano no estuvo a la par de la secuencia de
172
edificación por lo que la intervención en Hércules I no produjo una
nueva ciudad, pero si un proyecto en dos dimensiones que pudo ser
completado con posterioridad.
Proyectos de ciudades ideales.
Los arquitectos de Renacimiento plasmaron su ideal de proporciones
y regularidad en algunos edificios aislados, pues no estaban en
condiciones de fundar o de transformar significativamente una
ciudad. Los escritores y pintores describieron y pintaron una nueva
ciudad que no se pudo construir, que permaneció como un objetivo
teórico. Surgieron así las llamadas ciudades ideales, una
contrapartida ideológica de las deficiencias e imperfecciones de la
ciudad real.
Las nuevas técnicas de impresión permitieron que los nuevos diseños
y teorías urbanas pudieran ser difundidos con rapidez. Ya no era
imprescindible demostrar las ideas en la práctica para dar a conocer
determinadas intenciones y que estas fueran esparcidas. Por primera
vez en la historia los urbanistas contaban con la posibilidad de
trasmitir sus teorías y experiencias a gran escala.
El uso del cañón en la toma de Constantinopla por los turcos, en 1453
173
revolucionó la historia de las fortificaciones militares en Europa. A
partir de entonces la ingeniería militar sufrió un enorme impulso que
se reflejó en las propuestas de ciudades ideales formuladas.
Las propuestas de ciudades ideales se caracterizaron por partir de
una planta centrada, generalmente radiocéntrica, con el espacio
público principal al centro y espacios públicos secundarios dispuesto
regularmente en el resto de la ciudad. Eran ciudades amuralladas,
con contornos estrellados en función de una mejor defensa. Son la
expresión de una voluntad de ordenamiento, planificación y
racionalidad.
Los tratados.
El Tratado de Vitruvio fue un punto de partida de las nuevas
concepciones urbanas del Renacimiento. En estos documentos fueron
establecidas diferentes consideraciones para el diseño de
poblaciones y aunque sus ideas no quedaron ilustradas, describió a
una ciudad organizada según un plano circular, que no fue aplicado en
la práctica por los romanos. Recomendaba una ciudad radiocéntrica,
rodeada por una muralla octogonal. Ocho calles radiales partirían del
centro, el foro y cuatro de ellas desembocarían en las puertas, no
174
ubicadas en los vértices, sino en al centro entre ellos. Otros ocho
espacios abiertos secundarios estaban distribuidos en los diferentes
sectores.
Los primeros artistas del renacimiento no dejaron escritos teóricos
sobre su obra. Fue León Bautista Alberti quien primero escribió sobre
esos temas en sus tratados. Los tratados fueron la primera
sistematización teórica de las nuevas experiencias. A partir de estos
muchos artistas después escribieron libros para explicar las
motivaciones de su trabajo.
El tratado De Re Aedificatoris, consolidó a Alberti como al primer
teórico del planeamiento urbano del Renacimiento. Con sus escritos
se inició el urbanismo consciente. Aunque no incluyó planos ni
ejemplos de urbanismo, desarrolló su idea de plaza centralizada con
calles radiales, que sería llevada a la práctica siglo y medio más
tarde. Estos escritos fueron una transición entre la Edad Media y el
Renacimiento. Fue pionero en abogar por que la fachada y todo el
edificio estuviera bien iluminado y abierto y se refirió a lo placentero
que podría ser vivir fuera de la ciudad, pero próximo a ella.
Antonio Averlino (1404-1474) Filarete, fue el primero en presentar una
175
ciudad ideal globalmente planificada. Fue descrita e ilustrada en su
Tratado d´ Architterura entre 1457 y 1464. El plano está basado en
dos cuadrados superpuestos que girados originan un octógono
inscrito en un círculo. Del centro parten 16 vías radiales, una de ellas
un acueducto, que son atravesadas por otra vía anular que al
intersectarse originan 16 plazas secundarias, unas religiosas y otras
comerciales. En el centro hay tres plazas, la más importante con la
Catedral y el palacio.
Francesco di Giogio Matini (1429-1502) escribió otro Tratado d´
Architterura en 1495. El quinto capítulo de ese estudio se destaca por
abordar la ingeniería militar en función de los rápidos progresos de la
técnica. Fue el más prolífero diseñador de ciudades ideales.
Pietro Cataneo en sus Quattro libri del Arqchitettura en Venecia
incluyó numerosos planos de ciudades ideales basados en polígonos
regulares en algunos de los cuales se consideran ciudadelas
separadas para el gobernador de la ciudad.
Las propuestas de Leonardo da Vinci abarcaron tanto
consideraciones acerca del planeamiento detallado de poblaciones
como planes de ordenación a nivel territorial. Fue consultor de
176
Ludovico Sforza, duque de Milán en los temas de ingeniería militar y
construcción de canales y caminos. Tras una plaga que ocasionó
numerosas muertes en Milán, Leonardo aconsejó la reconstrucción de
la ciudad disminuyendo su densidad a partir de acomodar a la
población excedente en otras diez nuevas ciudades, de 30 000
habitantes, con unas 5000 viviendas cada una. Se anticipó así a su
época y también cuando propuso una separación del tráfico por
niveles, el peatonal y el rodado, con vías especiales para el tráfico de
las mercancías más pesadas.
Estas propuestas ideales del Renacimiento no tuvieron mucha
influencia inmediata en la forma de las ciudades europeas, ni sobre el
planeamiento urbano de las ciudades que los europeos fundaron en
América en cuanto a los trazados radiocéntricos pero, sí
repercutieron en la concepción de las nuevas fortificaciones y en el
interés por el orden y la racionalidad que se materializó en las
ciudades coloniales americanas.
Palmanova.
Se atribuye a Scomozzi la construcción de la ciudad de Palma Nova,
iniciada en 1593, único ejemplo italiano de aplicación de los
177
principios teóricos urbanos del Renacimiento a escala de una ciudad
completa. Es un polígono de nueve lados con una plaza central
hexagonal de la que salen seis calles, de ellas llegan tres hasta los
vértices de la muralla y las otras tres hasta el punto central entre dos
vértices, que constituyen puertas y vía de acceso a la ciudad. A partir
del segundo anillo parten otras doce calles radiales. Alrededor de la
plaza principal están los edificios públicos más importantes y además
existen otras seis plazas secundarias en el centro de las manzanas
de casas.
La arquitectura del período del Renacimiento.
Para los humanistas italianos del siglo XV, el gótico fue la expresión
de un período de barbarie, fruto de la noche oscura medieval.
Orgullosos de su cultura urbana, se propusieron igualar los logros
intelectuales y artísticos de la antigüedad a partir de la confianza
depositada en la capacidad intelectual del hombre.
La arquitectura del Renacimiento estuvo directamente vinculada con
el auge comercial que se produjo en Florencia. A inicios del siglo XV
esa ciudad era considerada una nueva Roma, heredera de la cultura y
las gloriosas virtudes cívicas de la Antigüedad.
178
Los ideales de orden, armonía y proporción están en la naturaleza por
lo que la arquitectura debe ser una segunda naturaleza que guarde
ese orden y el hombre la medida de todas las cosas.
Las proporciones del hombre trasladadas a la arquitectura a través de
los órdenes fueron retomadas como elemento clave, lo que trajo
aparejado un rechazo al verticalismo medieval. Fueron reintroducidas
las medidas antropomórficas. Era un cosmos ordenado en términos
matemáticos y geométricos. Esta arquitectura fue portadora de
nuevos significados relacionados con la posición del hombre como
centro del mundo, de ahí su propósito de acentuación de la
centralidad espacial.
La arquitectura renacentista rechazó la informalidad asimétrica
medieval y se apropió del sentido clásico de equilibrio y regularidad.
El énfasis, por tanto, se situó en la horizontal, rechazando el
verticalismo del gótico.
Además de estudiar y medir con detenimiento los monumentos de la
antigüedad, el estudio de Vitruvio marcó una pauta en el modo de
asumirla. El “descubrimiento” del tratado de Vitruvio en 1412-1414,
aumentó en gran medida el ímpetu del Renacimiento en el campo de
179
la arquitectura. Fue publicado en 1521 y venerado como la Biblia del
diseño civil. Estos principios de orden se sometieron constantemente
a adecuaciones a las nuevas condiciones.
El Renacimiento volvió a usar los elementos constructivos y
decorativos clásicos, con una libertad y unas preferencias que son la
base de su originalidad
La iglesia
La iglesia siguió siendo el tema constructivo más importante, pero
cambiaron los significados porque el sentido religioso medieval se
sustituyó por un sentido humano. El hombre en la iglesia no avanzaba
hacia una meta trascendental, sino que disfrutaba de la belleza que le
rodeaba y se sentía como centro de esa belleza que percibía. El eje
no indicaba un recorrido de redención. La casa de Dios dejó de tener
un carácter místico, espiritualizado y sagrado para transformarse en
una realidad grandiosa.
De ahí la importancia de la planta centrada. Para los teóricos la forma
ideal de las construcciones religiosas era la planta centrada, cubierta
por una cúpula. Aunque se siguió usando la planta basilical, por ser
más adecuada a las exigencias litúrgicas tradicionales, esas
180
basílicas fueron interpretadas rigurosamente en términos de unidades
geométricas, a partir de la repetición de un módulo, generalmente el
cuadrado. Todas las relaciones espaciales pueden ser leídas de
inmediato. Son soluciones y asociaciones elementales que producen
una ilimitada combinación de los elementos componentes.
Desde el punto de vista práctico, para las ceremonias religiosas la
planta central no es la idónea, pero para el hombre del Renacimiento
resultaba apasionante la idea de una planta central, de ahí que se
produjese una tendencia a combinar la planta central con la
longitudinal. La belleza era más importante que la finalidad litúrgica
Para esto fue muy importante el dominio de la perspectiva. La
concepción de un cubo prospéctico determinó el mantenimiento de la
caja cúbica como medida ideal, como módulo a partir del cual, por
adiciones y multiplicaciones, se lograban las relaciones
proporcionales deseadas. Se produjo un control intelectual del
hombre sobre el espacio. De manera fácil pueden ser leídas
rápidamente todas las relaciones espaciales que actúan en el
organismo.
En el Renacimiento, a diferencia del gótico, donde la sensación de
181
crecimiento en altura es predominante, el edificio era un conjunto
estético constituido por partes autónomas, armónicamente
enlazadas, por lo que no se puede añadir ni quitar nada, ya que todo
estaba proporcionadamente articulado.
Puede afirmarse que desde el punto de vista histórico esta
arquitectura se basó en la antigüedad y desde el punto de vista
científico se basó en las matemáticas. El uso del círculo, el cuadrado,
el cubo y la esfera fue uno de los rasgos que la identificó. Se sentía
un gran entusiasmo por el espacio, pero no el espacio espiritualizado
medieval, sino un espacio que fuera el contenedor de armonía y
perfección.
Características.
La arquitectura del Renacimiento se inspiró en la arquitectura
grecolatina, pero no consistió en una copia de esta. No fue una
exhumación arqueológica del pasado. Fueron reasimilados para
nuevas funciones y necesidades elementos que habían demostrado
eficacia y validez. Según Summerson, fue como un nuevo latín donde
la complejidad antigua se sustituyó por la agilidad moderna.
Se abandonó la construcción por miembros y se retomó la
182
construcción por masas y muros. Los sistemas de articulación fueron
usados como revestimientos de las masas arquitectónicas. Los
muros, por tanto, soportes pasivos del lenguaje estilístico.
La arquitectura de esta época se basó en el uso normalizado de las
formas antiguas, ligadas entre sí por relaciones proporcionales
también normalizadas. Como repertorio de formal usaron el
vocabulario clásico y si bien fue empleado inicialmente por una clase
adinerada, posteriormente fue identificable y comprendido por todos,
hizo caer en el olvido los elementos medievales y se mantuvo vigente
hasta el siglo XIX. La conjugación de elementos simples, en la
columna la base, el fuste y el capitel, y en el entablamento el
arquitrabe, el friso y la cornisa, quedaron establecidos con el empleo
de los órdenes clásicos.
En la planta los elementos se conjugaron a partir de una simetría
axial rigorosa. Las naves interiores se conformaron a partir de la
repetición de un módulo cuadrado.
Las paredes, que en el gótico casi habían sido sustituidas por los
grandes vitrales, se volvieron a cerrar con muros de sillería y dejaron
de ser grandes muros calados. Se usaron arcadas semicirculares y
183
ventanas simétricas.
La decoración renacentista estaba basada en las leyes de la razón, a
partir de formas tranquilas y del uso de figuras simples, el cuadrado y
el círculo. El arco ojival se sustituyó por el arco de medio punto. En
las bóvedas y cúpulas se usó el casetonado. Los pilares del gótico
tardío, sin base ni capitel se sustituyeron por los órdenes de la
Antigüedad, como expresión de la armónica relación entre el hombre
y la arquitectura. La cúpula se asentaba generalmente sobre un
tambor y se coronaba por una linterna.
Los palacios (de “palatium” nombre latino del Palatino, la colina de
Roma en la que vivió el emperador Augusto y sus sucesores).
En el siglo XV por primera vez desde la Antigüedad la habitación
volvió a ser un tema importante en la arquitectura. La élite de las
ciudades italianas, conscientes de su mérito, exigía moradas
representativas que ostentasen su valor. Por primera vez también los
edificios civiles pasaron a tener una capacidad de testimonio, un
significado que sobrepasó su simple utilidad funcional. Los banqueros
florentinos demandaban un nuevo tipo de edificación como sede
familiar. Surgió así el palacio urbano, baluarte, símbolo de poder y
184
manifestación de la cultura de la época. Se geometrizó y humanizó el
castillo medieval como sede familiar urbana.
Los comerciantes florentinos costeaban obras religiosas y se
construían suntuosos palacios anhelando la fama, para honrarse a sí
mismos y perpetuar su nombre. Fueron construcciones sólidas en la
que pervivieron reminiscencias de las construcciones medievales,
con fachadas rectangulares, horizontales y simétricas. De carácter
introvertido y con una volumetría maciza, se organizaban alrededor de
un patio interior con arcadas, en tres pisos, el primero dedicado a las
actividades económicas de la familia, el segundo a los grandes
salones para actividades públicas y el tercero propiamente a la
residencia.
Los arquitectos del Renacimiento.
Los artistas y arquitectos del Renacimiento miraban al arte antiguo
porque les atraía y les daba distinción social. Los primeros
representantes de esta nueva generación que trabajó a inicios del
siglo XV, Brunelleschi, Masaccio, Donatello, Ghiberti, entre otros,
culminaron obras empezadas por las generaciones que le
precedieron, la catedral, el baptisterio, y grandes iglesias
185
conventuales de la periferia. Sin embargo, su contribución adquirió un
nuevo valor, autónomo y universal, con una propuesta que fue
adoptada a partir de entonces, la que constituyó una alternativa muy
diferente a la tradición medieval precedente. Estos artistas fueron
especialistas de alto nivel, autónomos, e independientes de las
corporaciones medievales, aptos para trabajar en cualquier lugar.
Aunque durante algún tiempo se conservaron las formas góticas, la
actuación de estos arquitectos representó un cambio radical en los
elementos arquitectónicos y en los temas decorativos. Mientras que
el gótico fue la consecuencia de la evolución del románico, el
Renacimiento rompió con el estilo precedente y se inspiró en el
modelo de la Roma antigua, muerto hacía muchos siglos.
Brunelleschi.
Filippo Bruneleschi, 1377-1446, ha sido considerado el arquitecto más
grande de su tiempo, el primer genio creador. Se le atribuye el invento
de la perspectiva y se considera el primer gran especialista que fue
capaz de diferenciar la teoría de la práctica. Aplicó un método de
análisis que le permitió llegar a soluciones por caminos diferentes a
los que le precedieron. En 1401 participó en el concurso para el
186
tercer par de puertas de baptisterio de Florencia. Obtuvo el segundo
lugar y a partir de entonces se dedicó a la arquitectura. Viajó a Roma
con Donatello y estudió las ruinas romanas.
Brunelleschi estableció un nuevo método de trabajo que estableció
que la primera tarea del arquitecto es definir de antemano (con
dibujos, maquetas, etc.) la forma exacta de la obra a construir. Se
distinguen así dos fases del trabajo, el proyecto y la ejecución. El
arquitecto proyecta y los operarios hacen la ejecución. En el proyecto
se tienen en cuenta las proporciones, las medidas, los detalles y por
último los materiales con su correspondiente expresión. Los
diferentes elementos de un edificio, columna, arcos, pilastras,
puertas, ventanas y demás, debían tener una forma típica tomada de
la Antigüedad clásica, en particular la romana, que era la que se
conocía entonces. Estas formas podían ser modificadas pero sin que
se perdiese su nexo con el pasado.
La metodología de Brunelleschi difería con la tradición medieval que
consideraba que cada forma podía variar perpetuamente hasta el
momento de su ejecución y al edificio como una obra abierta capaz
de asimilar diferentes intervenciones.
187
Así la arquitectura cambió de significado y adquirió un rigor
intelectual y una dignidad cultural nueva. Al imponer esta nueva
forma de trabajo Brunelleschi tropezó con muchos obstáculos por lo
que pocas veces logró realizar sus proyectos completos. No obstante,
su nueva forma de proyectar tuvo continuidad en Italia y en Europa.
Fundó una arquitectura basada en la razón humana y en el prestigio
de los modelos antiguos, usando formas simples, repetidas y
reconocibles.
Cúpula de Santa María de las Flores.
El diseño de la cúpula de Santa María de las Flores (1418) ha sido
considerado un preámbulo de la arquitectura del Renacimiento. Fue la
primera obra importante en la que el arquitecto fue considerado el
responsable único de la forma, la decoración, la estructura y la
organización espacial. Constituyó una transición hacia una nueva
experiencia arquitectónica. Fue la mayor masa arquitectónica central
desde el Panteón romano.
Este edificio fue comenzado a fines del siglo XIII. El octógono sobre el
que debía ir la cúpula había sido tan ensanchado que no había madera
con la longitud necesaria para las cimbras. Brunelleschi fue capaz de
188
combinar la experiencia de la construcción gótica con la tradición
romana. A partir del estudio del Panteón, por sus dimensiones, se dio
cuenta que había sido construido por anillos horizontales
concéntricos sucesivos, sin cimbras. Aplicó este método fusionándolo
con la construcción gótica basada en nervios, uno principal en cada
ángulo del octógono y dos menores entre ellos, es decir 24 en total.
La cúpula tiene un diámetro de 21 metros y una altura sobre el
tambor de 30 m. La cúpula debía sostenerse a sí misma tanto al final
como mientras se construyese. Al contrario del gótico, los elementos
constructivos fueron encubiertos y la forma de la cúpula fue definida
a partir de un modelo. Fue la conclusión genial de una obra gótica.
Hospital de los Inocentes, 1419.
Ha sido considerada la primera obra arquitectónica del Renacimiento.
En la columnata se usaron columnas corintias más arcos de medio
punto. Es un arco nuevo, diferente al del Coliseo o a los góticos. Usó
la simetría axial que recuerda disposiciones romanas antiguas. El eje
central atraviesa el edificio de un lado a otro. Diferentes funciones se
organizaron alrededor de un patio con arquerías. La iglesia del
Hospital no se destaca dentro del conjunto como en el Medioevo, sino
189
que es una función más dentro del conjunto. En la planta alta se
ubicaron ventanas con frontones, modularmente espaciadas.
Sacristía Vieja de San Lorenzo. Esta pequeña capilla fue el primer
edificio de planta centrada del Renacimiento.
Capilla Pazzi.
Sala capitular y capilla de los Pazzi en un salón encajado entre dos
construcciones. Organismo que obedeció a una rigurosa construcción
geométrica. Se repite sobre las paredes la solución arquitectónica
que deriva de la inserción del vano cupulado sobre el mayor.
Iglesia del Espíritu Santo.
Es una iglesia longitudinal con un crucero simétrico a partir de la
modulación del cuadrado del cual se derivó la planta. Por sus
características generales parecería románica, planta basilical con
arcadas de medio punto, pero el espacio es renacentista. Es casi
simétrica en el crucero, una planta central alargada.
Obras de Brunelleschi en Florencia:
Casa de Apollino Lapi (1418), Capilla Radolfi en S`Jacopo Soprano
(1418), Palcio del Partido Guelfo (1418-1425), Capilla Barbadori en
190
santa Felicita (1418), Cúpula de la catedral de Florencia (1418-1446),
Hospital de los Inocentes (1419-1444), Iglesia de San Lorenzo a partir
de 1429, Capilla Pazzi a partir de 1429, Rotonda de Santa María de los
Ángels a partir de 1434, Iglesia del Espíritu Santo a partir de 1428.
Alberti.
León Baustista Alberti (1404-1472) nació en Génova, pasó su infancia
en Venecia y estudió en la Universidad de Bolonia. En 1434 viajó a
Florencia y conoció allí a Brunelleschi y Donatello. Ha sido
considerado un genuino representante del hombre del Renacimiento.
Fue además de arquitecto, jinete y atleta, estudio matemática, física,
leyes, fue escritor, compositor musical y teatral. Se le considerada el
“primer hombre universal”, antecesor de Leonardo y Miguel Ángel.
A partir del estudio de Vitruvio escribió su tratado De Re Edificatoria
en el que brindó la primera definición moderna de orden. Este primer
tratado moderno fue escrito en 1452 y publicado después de su
muerte. Tuvo una enorme significación en la difusión de las nuevas
ideas de esta época. Consideraba que el arquitecto debía ser un
intelectual teórico y práctico a la vez y que en la arquitectura se
fundía la filosofía y las matemáticas. Propuso como forma idónea el
191
círculo y como planta ideal la centrada para las iglesias y la
terminación adecuada para esta debía ser una cúpula. Proponía que
el altar estuviera en el centro de la iglesia, lo que invitaba al sosiego
y no a la deambulación. A partir de esa fecha recibió los primeros
encargos profesionales en el campo arquitectura
Para Alberti era más importante la concepción del proyecto que la
fase de la ejecución del mismo. Adaptó el frontón clásico a la iglesia
tradicional cristiana y se le atribuye el invento de la fachada de los
edificios renacentistas.
Templo Malatestiano en Rímini 1446.
La transformación de esa iglesia había sido comenzada en 1447. En
1450 se le dio el encargo a Alberti de realizar el proyecto del exterior
y para eso trata de desentenderse de las dimensiones interiores que
según expresó, le eran incómodas. Concibió una caja exterior cuyos
costados separó de los muros originales para desvincular el ritmo de
las arquerías del de las ventanas de la fachada primitiva. Su
propuesta sintetizó tres modelos antiguos, el templo sobre
basamento, las arquerías continuas simples o con entablamento y la
rotonda cubierta con cúpula. Trabajó a la inversa de Brunelleschi.
192
Reprodujo los caracteres generales e reelaboró los detalles.
Santa María la Nueva, 1456, San Andrea en Mantua 1472. Incorporó
los motivos medievales del basamento encuadrándolos en un orden
clásico. Introdujo las aletas laterales en las fachadas para salvar la
diferencia entre la nave principal y la secundaria.
Palacio Rucellai. En este Palacio utilizó por primera vez en los
palacios las pilastras con los órdenes clásicos como importante
elemento en la expresión de las fachadas, lo que abrió una amplia
gama de posibilidades expresivas.
San Andrea en Mantua constituyó una solución de compromiso dada
por Alberti entre la planta centrada y la longitudinal y se convirtió en
modelo de esta tipología de iglesia de una sola nave con bóveda de
cañón y capillas laterales también abovedadas, que hacen la función
de contrafuertes, con cúpula sobre tambor en el crucero, basada en
los modelos clásicos.
Elementos introducidos: barandajes de balaustres moldurados en
portales, terrazas y balcones.
193
Bramante.
Donato di Angelo, el Bramante, 1444-1514, tuvo una formación
pictórica. Fue un entusiasta de la perspectiva y las ilusiones ópticas.
Aprendió mucho de Leonardo. Viajó a Roma y modificó su estilo. Con
Bramante se inició una etapa diferente dentro del Renacimiento que
algunos autores han llamado Alto renacimiento. En su obra se
mezclaron influencias de Brunelleschi y sus seguidores, los edificios
de planta centrada de la Antigüedad y las tradiciones lombardas
Estudió las ruinas romanas y en 1502 diseñó el templete de San Pedro
en Montorio, inspirado en el templo de Vesta en Tívoli, considerado un
auténtico monumento del Renacimiento. Fue más una realización
escultórica que arquitectónica. Usó como módulo el círculo llevando
así a su clímax la planta central. Templo austero, sin ornato, en el
que usó el orden dórico toscano. Esta pequeña obra ha tenido una
influencia extraordinaria en la historia de la arquitectura occidental
Sirvió de inspiración a obras monumentales como la Cúpula de San
Pedro en Roma, de Miguel Ángel, la Catedral de St. Paul, en Londres,
de Wrens, el Panteón de París de Souflott y el Capitolio de
Washington, entre otras.
194
Bramante y sus colaboradores, Peruzzi, San Gallo y Rafael,
proyectaron los nuevos monumentos de la Roma cristiana a partir de
los modelos gigantescos de los monumentos antiguos. Su proyecto
para la gran Basílica de San Pedro es un enorme templo de planta
central coronado por una grandiosa cúpula como la del Panteón.
El punto débil de la arquitectura del Renacimiento fue el papel
secundario que asumió la estructura, subordinada a los principios
formales exteriores. No fue partícipe de la caracterización formal del
edificio y no se produjeron innovaciones técnicas significativas.
El Renacimiento en otros países europeos.
Mientras en Italia se desarrollaba la arquitectura del Renacimiento en
el resto de Europa subsistía la construcción de iglesias góticas, sin
embargo para entonces se había producido una disminución de la
tendencia a la verticalidad y al crecimiento en altura. En Alemania y
en España surgieron iglesias de varias naves de la misma altura. La
relación entre el largo y el ancho de la nave, que en el gótico era de
1:4, tendió poco a poco a ser casi 1:1. Los arcos ojivales cada vez
fueron menos empinados. En general fueron formas menos
espiritualizadas con un mayor equilibrio entre las líneas horizontales
195
y verticales.
A partir del siglo XV comenzó a divulgarse el estilo fuera de Italia. En
Francia, bajo el reinado de Francisco I (1515-1547), quien había
conocido Italia, se usaron esas nuevas formas en la construcción de
castillos, sin influir en la arquitectura religiosa. Se pueden distinguir
dos etapas, una primera caracterizada por la aplicación de
ornamentación renacentista (balaustres torneados, ornamentaciones
vegetales, medallones, entablamentos corintios) sobre estructuras
góticas y la segunda con una influencia clásica más directa. Un
ejemplo de la primera etapa lo constituye el castillo de Blois y el
Castillo de Chambord. En la segunda etapa preocupa más la belleza
de las líneas que la riqueza de la ornamentación, las torres se
transformaron en pabellones manteniendo la tradición de los techos
empinados, lo que se manifestó en el Palacio del Louvre.
La Inglaterra de los Tudor tuvo dificultades con la asimilación del
Renacimiento. Enrique VIII contrató a constructores italianos y al
escultor florentino Torriagno, quienes regresaron después del cisma
entre Inglaterra y Roma. Inglaterra quedó aislada. El llamado
Renacimiento isabelino y jacobino de 1550-1640, en realidad fue
196
manierista traído de Flandes y Alemania y tuvo poca influencia en las
construcciones religiosas. No fue hasta el siglo XVII, con el
arquitecto Chistopher Wren, que penetró el espíritu clásico.
El plateresco español comenzó a partir del siglo XV, justo tras la
reunificación del país bajo el dominio de los reyes católicos. El
Renacimiento en España comenzó por ser una simple aplicación de
elementos clásicos insertados en una tradición gótica. Las primeras
transformaciones fueron de tipo ornamental, de las cuales uno de los
primeros ejemplos fue la Universidad de Salamanca, con sus
columnas de diferentes órdenes adosados en distintos niveles, la
puerta del transepto de la Catedral de Burgos y la decoración de
muchos palacios de los nobles españoles. En la Casa de las Conchas
se recuerda el almohadillado de Florencia y en el Palacio de
Monterrey en Salamanca se aprecia una decoración clásica sobre una
estructura gótica. Por la profusión de la ornamentación se le conoció
como Plateresco pues se supone que los primeros artistas deben
haber sentido la influencia de los joyeros.
Bajo el reinado de Carlos V se produjo una mezcla armónica entre lo
español con lo clásico italianizante. Surgieron formas más severas
197
inspiradas en Bramante sin llegar a la grandiosidad de Palladio. Los
mejores ejemplos de esto fueron el Alcázar de Toledo y el Palacio de
Granada.
En Alemania, Holanda y Bélgica el Renacimiento se produjo en pleno
siglo XV como una evolución de los elementos góticos. Los
arquitectos de estos países no visitaron Italia, ni las construcciones
de la antigua Roma o del Renacimiento clásico. Utilizaron las
decoraciones que veían en los libros sobre el primer Renacimiento
lombardo y veneciano y las aplicaron a la decoración de las fachadas
de viviendas y palacios, mezclados con algunos elementos góticos.
Se conformó así una mezcla de elementos decorativos muy
trabajados y bien ejecutados, de carácter ingenuo, asumidos más
como una moda que como la expresión de una nueva arquitectura.
La arquitectura Manierista
Durante mucho tiempo el término Renacimiento abarcaba el arte de
los siglos XV, XVI, XVII y XVIII. De hecho, aún algunos autores
continúan usando ese término para referirse a toda esa época. Sin
embargo, a lo largo de ese período, se dieron características disímiles
que condicionaron la necesidad de estudiar de manera independiente
198
el Renacimiento, el Manierismo y el Barroco.
La arquitectura del Renacimiento desarrollada en Italia durante el
siglo XV, fue definida como un arte respaldado económicamente por
los banqueros florentinos, que recuperó los cánones de la antigüedad,
asociada a un pensamiento humanista, cuyas principales
características fueron el equilibrio, la armonía y el uso de una
normativa clara y precisa.
A partir de 1525 aproximadamente se produjeron notables cambios en
el arte y en particular en la arquitectura, que se conocen como
Manierismo. El Manierismo se ha definido como un arte que se realizó
entre 1525 y 1610, que no sigue al pie de la letra las normas, en el
cual el artista exterioriza de forma muy personal sus sentimientos,
en otras palabras, con rasgos “a la manera del autor”, con notables
variaciones de las reglas, desviaciones de los cánones y se obtiene
una mayor expresividad formal.
Por otro lado, se produjo también un cambio en cuanto a los temas
tratados, los significados y los comitentes (monarcas y papas). El
nuevo programa del Concilio de Trento 1545-63, anunció la era de la
Contrarreforma victoriosa. La iglesia asumió una posición agresiva y
199
el arte se convertiría en un arma del proselitismo religioso de la
Compañía de Jesús. La homogeneidad y coherencia que se expresaba
en la arquitectura del Renacimiento se pusieron en crisis. El
Manierismo fue la expresión de la ruptura de la unidad religiosa a
causa de la Reforma y de las perturbaciones, las guerras y la anarquía
que le siguieron.
Durante este período se produjo la consolidación de los estados
europeos y de las monarquías absolutistas en Francia, España e
Inglaterra, a la vez que se produjo una ascensión de la burguesía en
contraposición a la aristocracia. El protestantismo había ganado
terreno.
El Manierismo es un arte aristocrático, en el que se perdió la claridad
formal y la unidad espacial del Renacimiento. Se produjeron
paradojas formales, elementos sustentadores, pasaron a ser
sustentados, se usó una decoración más compleja, juegos de luces y
sombras, énfasis en las intersecciones y en general una fuerte
alteración de las normas.
La arquitectura Manierista se caracterizó por el abandono del ideal
clásico de equilibrio y armonía, por una tendencia vertical y por la
200
pérdida del carácter funcional de los elementos de soporte. La
decoración manierista contrasta con la gravedad severa del
Renacimiento, con el uso de genios, frutas y follajes que adornan las
cornisas y balaustradas en las divisiones entre pisos. Se tendió a
subdividir las superficies de la fachada en varios campos
independientes y aislados.
En la pintura, el manierismo se caracteriza por las figuras alargadas,
de cabeza pequeña, con miembros exageradamente finos. Esas
figuras aparecen en espacios indefinidos, con fuertes contrastes de
luces y sombras que producen una sensación de inseguridad y
tensión. Ejemplo de ello son la obra de Parmigiano y de El Greco.
Miguel Ángel
El más importante y conocido de los artistas de este período fue
Miguel Angel Buonarotti. Vivió 90 años y su inicio como arquitecto fue
casi accidental, a los 46 años. Era ya famoso como escultor y como
pintor cuando en 1520 realizó su primera creación arquitectónica, la
capilla Medici.
Capilla Medici.
201
Fue concebida inicialmente como marco o fondo a las esculturas que
él mismo debía realizar de los últimos herederos masculinos de la
familia. Brunelleschi había preestablecido algunos elementos, pero
Miguel Ángel alteró totalmente el sentido del espacio. Se perdió el
cubo prospéctico como elemento modulador, produciéndose una
tendencia vertical hacia la cúpula. Usó pilastras que no se
corresponden con ningún orden establecido.
Biblioteca Laurenciana
En este proyecto se explotaron las condiciones preexistentes del
lugar para conseguir un efecto espacial extraordinario. Fue
comenzado en 1520 y terminado varias décadas más tarde. Miguel
Angel diseñó la sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de
acceso, anexa a la iglesia. Es vestíbulo es pequeño, pero alto, las
paredes son fachadas palaciegas vueltas hacia dentro y el elemento
protagónico es la escalera, que a modo de lava de volcán impone un
ritmo cóncavo convexo. Columnas, frontones y ménsulas fueron
tratados de una manera muy personal. En el salón de lectura se
contraponen vanos ciegos rectangulares y cuadrados de forma
singular.
202
En 1534 Miguel Angel abandonó Florencia y marchó a Roma
Basílica de San Pedro.
La basílica de San Pedro debía ser colosal, como digna sucesora de la
Basílica de San Pedro de la época de Constantino. Debía además ser
símbolo de la primacía y de la antigüedad de la Iglesia de Roma y
para esto estaba obligaba a ser expresada en formas clásicas, debía
erigirse sobre la tumba del apóstol Martyrium y además ser capaz de
albergar a grandes multitudes.
Bramante había concebido una planta central. El proyecto estaba
prácticamente detenido. El saqueo de Roma había agotado casi todos
los recursos. Al encargarse a Miguel Angel en 1547 la solución del
problema retomó la propuesta de Bramante y la modificó aumentando
el tamaño de los pilares que se vuelven colosales. Eliminó los tres
ingresos laterales con pórticos y los de las sacristías, alojadas en las
torres.
Con esta solución se concentran los muros exteriores al eliminar los
subcentros secundarios. Al acercarse los muros al núcleo se le dio
más seguridad a la cúpula y una mayor jerarquía al volumen. Su
proyecto se basa también en la cruz griega con una cúpula esférica,
203
símbolo de Dios, situada sobre un crucero cuadrado, símbolo del
hombre, Los tres cuadrados concéntricos de Bramante fueron
reducidos a dos. Fue terminada por Giacomo Della Porta y Doménico
Fontana.
La cúpula fue diseñada como un elemento plástico dominante en el
paisaje urbano, con 131 metros de altura. Estuvo inspirada en la de
Brunelleschi. Al igual que en Florencia la cúpula es el elemento más
característico del perfil de la ciudad. Usó también dos cúpulas
concéntricas, una al interior y otra al exterior, unidas entre sí por
tirantes y que contrapesan los empujes. La cúpula interior es más
esférica.
Desde le exterior la cúpula se ve grandiosa, elevada sobre un gran
tambor esférico reforzado con contrafuertes o pilastras a los que se
le adosaron pares de columnas clásicas con carácter decorativo.
Entre los contrafuertes se ubicaron ventanas coronadas por un
frontón triangular y curvo, respectivamente, a través de las cuales
entra la luz, de forma tal, que desde el interior parece que la cúpula
flota. Sobre el tambor se apoya la monumental cúpula, con nervios
que ascienden desde cada contrafuerte. Miguel Ángel remató la
204
cúpula con una linterna gigantesca que reprodujo la disposición de la
cúpula, alargando la linterna con pares de columnas que sostienen el
linternín.
La influencia de la cúpula de Miguel Ängel ha sido decisiva. En
general, la mayoría de las que le sucedieron son variantes en mayor o
menor grado de la creación miguelangesca.
Plaza del Capitolio
Durante la antigüedad la Colina del Capitolio fue sede del Senado, del
cuerpo gobernativo y Santuario religioso de la ciudad original. Sus
principales edificios fueron destruidos entre los siglos VIII y XII, por
lo que el mercado y la sede del prefecto de la ciudad fueron
trasladados hasta allí, convirtiéndose así en el centro de la Roma
medieval. Al comenzar el siglo XV, el Palacio Senatorial estaba en tan
mal estado que ya en él no se podían celebrar las sesiones de las
autoridades municipales. La célebre colina era un lugar desordenado,
carente de configuración. Durante el pontificado de Pablo III (1534-
1549) se le encargó en 1537 a Miguel Ángel el proyecto de una Plaza
monumental para el Capitolio. Colocó la estatua de Marco Aurelio
sobre un pedestal proyectado por el mismo como punto focal de la
205
futura composición. En 1550 terminó su propuesta.
Los objetivos de este proyecto fueron:
Mejorar y simplificar el Palacio Senatorial con una nueva fachada.
Despejar el área de usos inadecuados.
Reconstruir el Palacio de Conservatori modificando su carácter
medieval.
Construir un nuevo palacio que equilibrara la presencia del Palacio
del Conservatori.
Construir una nueva escalinata de acceso a la Plaza, a eje con la
estatua que sería el punto focal de la composición.
La colocación de la estatua al centro fue una innovación en el uso de
la escultura. Antes formaban parte del edificio o estaban muy
próximas a él. La forma trapezoidal de la plaza impuso un efecto de
falsa perspectiva que acentuó la importancia del Palacio Senatorial.
El uso del orden gigante o doble orden de soportes que recorren dos
plantas fue otra innovación que dio una acertada relación entre los
Palacios diseñados y el espacio urbano de la plaza.
Además estas obras deben mencionarse dentro de la reducida labor
206
arquitectónica de Miguel Angel, el proyecto de fachada de San
Lorenzo, de Florencia y la Puerta Pía, de Roma, de arco trapezoidal y
con grandes novedades ornamentales.
Palladio
Mientras en Roma tenían lugar las digresiones del manierismo, en la
región del Veneto, zona noroccidental de Venecia, Andrea di Pietro,
Palladio (1508-1580) siguió explotando las formas y volúmenes
sencillos del Renacimiento. A diferencia de los principales artistas de
esa época, Palladio no tuvo una formación humanística. De joven
empezó como cantero e ingresó en el gremio de albañiles como
oficial. Recibió la protección de Gian Giorgio Trissino lo que le
permitió estudiar la arquitectura clásica y a Vitruvio. Asumió el
sobrenombre de Palladio en honor a Pallas Ateneas.
Palladio trabajó el tema de los edificios públicos, los palacios
urbanos, dos iglesias y más de 40 villas campestres, en las que
desarrolló una gran variedad de alternativas. Escribió también un
tratado Los cuatro libros de arquitectura, en 1570 en que se evidencia
una fuerte influencia de Alberti.
La decoración palladiana es simple, austera y sencilla. Resulta
207
novedosa su forma de adosar las columnas al muro, pareadas sobre
grandes pilares y el empleo de las balautradas en pretiles, balcones y
escalinatas. Usó preferentemente el jónico, el corintio y el
compuesto. En su obra se repite el llamado motivo de Palladio, un
triple vano con un vano central en arco de medio punto sostenido por
columnas cuyos entablamentos son los dinteles de los vanos
laterales más estrechos.
La obra de Palladio tuvo una gran trascendencia en el resto de
Europa, en particular en Inglaterra donde se desarrolló una corriente
palladiana muy fuerte a lo largo del siglo XVII y XVIII y también
influyó en Tomas Jefferson en los Estados Unidos.
Palladio ha sido considerado el primer arquitecto moderno. Fue un
maestro en fusionar lo urbano y lo rural, la antigüedad y las
necesidades de su época.
Basílica de Vicenza, Iniciada en 1546.
Edificio destinado a mercado y cámara municipal. A una construcción
existente le añadió 2 pisos de galerías porticadas, en las que repitió
el llamado motivo de Palladio. La conocida loggia palladiana es
208
realmente una pantalla que oculta el carácter medieval del Palazzo
della Ragione donde se reunía el Consejo. Los nuevos conceptos
estéticos del humanismo rechazaban las arcadas ojivales, aún en
esas regiones del norte de Italia, tan distantes de Florencia y Roma.
Después de desechar las propuestas de varios arquitectos, entre ellos
el famoso Giulio Romano, los nobles de Vicenza aceptaron el proyecto
de un desconocido empleado municipal. Andrea Palladio, con casi
cuarenta años realizó así su primer encargo importante. Le seguirían
después sucesivamente una gran cantidad de obras que tuvieron una
gran influencia en curso de la arquitectura occidental durante al casi
dos siglos. Por su simplicidad y reposo de líneas, la obra de Palladio
fue fuente de inspiración de muchos arquitectos neoclásicos.
Villa Rotonda 1550-59
Ha sido considerada más que una villa, un belvedere. Tiene una gran
majestuosidad, sin ostentación y una acertada relación de
pertenencia recíproca con el paisaje. Los ejes se prolongan en la
naturaleza. Cada cara de la villa fue tratada como un templo romano,
utilizando por primera vez en una vivienda el frontón y la cúpula
central.
209
Las villas suburbanas como la Villa Rotonda no eran utilizadas para
largas estadías. La mayoría de las salas no tenían funciones fijas y su
uso variaba según e estado del tiempo y la época del aňo.
Principales características de las Villas paladianas.
Uso del cuadrado y el rectángulo
Simetría estricta, a veces biaxial.
Al centro el cuerpo principal con la residencia, casi siempre cuadrada
y a ambos lados alas simétricas para granjas y almacenes.
Uso de escalinatas, pórticos y jardines
Las fachadas son marcadamente horizontales, porticadas, con el uso
de los órdenes clásicos y frontones apropiados para colocar insignias
y escudos.
Se aprecia una normalización de los elementos que le permiten una
variedad infinita.
Palacios
Estricta simetría
Juegos de llenos y vacíos. Traslada a las fachadas los pórticos de
210
los patios interiores de los palacios del siglo XV. Distribución
uniforme de pilastras en fachadas.
Utilización de diferentes órdenes en cada nivel atendiendo a su
significado.
Fuerte cornisa y pretiles abalaustrados
Iglesias San Jorge el Mayor 1565 y El Redentor1577 en Venecia
Solucionó como adaptar la fachada del templo clásico a la iglesia
cristiana. Propone mantener el frontón como elemento principal
creando así un doble sistema, un orden gigante para la nave central
coronado por un cuerpo alto y a ambos lados un orden menor. Se
produce así una interpenetración de frontones que establece una
transición visual hacia la cúpula. En la distribución del espacio
interior evita la clara separación de unidades del renacimiento sin
llegar al libre fluir del barroco.
El Redentor
Crucero con cúpula y coro de tres conchas forman una construcción
de planta centrada a la que le fue anexada una nave central con
211
bóveda de cañón. El coro de esta iglesia es citado como ejemplo de
cómo en el manierismo los elementos de soporte pierden su carácter
funcional.
El Teatro Olímpico fue inaugurado en 1584. Fue el primer teatro fijo y
exento desde la Antigüedad. Partió de los principios y elementos del
teatro romano. La zona del escenario se compone de la orchestra
semicircular, en este caso algo largada el proscenio rectangular y la
pared del escenario en forma de fachada de dos pisos con tres
puertas. La zona de los espectadores se eleva verticalmente con
gradas. En el escenario se hace uso de la ilusión óptica con el techo
cielo y las calles en perspectiva.
Vignola
Vignola fue discípulo de Miguel Angel. Ha sido considerado el
verdadero creador del primer tipo de iglesia renacentista
verdaderamente original, la Iglesia de Jesús de Roma (1568), para la
recién fundada Compañía.
Iglesia del Gesu 1568
En su propuesta para la iglesia del Gesu, Giacomo Barozzi, Vignola
212
encontró la mejor solución al problema de la relación entre el espacio
interior y la fachada. El modelo de nave central con bóveda de cañón
y capillas laterales en forma de nicho tenía su antecedente en la
propuesta de Alberti para San Andrea de Mantua. En vez de colocar la
cúpula sobre un templo de cruz griega, usó la cruz latina, con los
brazos del crucero poco profundos. La nave central se ensancha a
costa de las laterales, que se reducen a dos filas de capillas bajas,
pequeñas y comunicadas entre sí. La escasa altura de las capillas
laterales permite disponer sobre ellas unas tribunas, desde las cuales
la comunidad puede asistir a los oficios, sin ser molestada por los
fieles.
Algunos autores consideran que con esta iglesia se comienza la etapa
del barroco en Europa. Creó a fines del siglo XVI el prototipo de
iglesia jesuítica que será el modelo de numerosas iglesias barrocas.
La principal consecuencia de la Contrarreforma para la arquitectura
religiosa fue la prioridad que se le dio a la construcción axial sobre la
centrada.
Obra de Vignola fue, además, el palacio de Capararola, de planta
pentagonal y patio circular y la Villa Julia de Roma.
213
El tratado de Vignola Reglas de los Cinco Òrdenes de Arquitectura
tuvo una significativa repercusión tanto en la teoría como en la
práctica arquitectónica desde su primera publicación hasta nuestros
días. Ha sido editado más de 250 veces. Sirvió de manera casi
profética a las exigencias representativas y monumentales del
barroco. Es un texto que contiene una serie de grabados acompañado
de comentarios breves.
Fue una obra dedicada al cardenal Alejandro Farnese quien fue
durante muchos años su protector. Este manual constituyó un viraje
en el modo de hacer los tratados. El tema central no es el estudio de
las construcciones antiguas, es en realidad la interpretación de
estas por un artista erudito. En realidad más que un Tratado, pues
tiene muy poco texto, son, como su nombre lo indica, las reglas para
usar los cinco órdenes, clasificando a su vez a cada uno de los
órdenes en sus cinco secciones, columnas, arcadas, arcadas sobre
pedestales, formas particulares del pedestal o de la base y el
entablamento. Su objetivo fue establecer un canon universal
comprensible para todos. Los textos anteriores eran en realidad poco
prácticos. La idea grandiosa de Vignola fue establecer las
214
proporciones partiendo de la dimensión total de la construcción y no
de relación entre la altura de la columna y el fuste. Otro aporte
sustancial fue la utilización de un módulo como medida absoluta
independientemente de las unidades de medidas regionales. Exigió un
esquema de cálculo universal.
Vignola murió en 1573.
215
GUIAS DE ESTUDIO.
Tema 6: Desarrollo de los códigos urbanos y arquitectónicos del
BARROCO.
Bibliografía
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El periodo en el que se desarrollaron el urbanismo y la arquitectura
barroca en Europa.
El período del barroco se corresponde con el siglo XVII y principios
del siglo XVIII en Europa, se conoce como período Barroco. Con este
término fue acuñado peyorativamente en la segunda mitad del siglo
XVIII, por considerarlo un arte falto de lógica, arbitrario, o exagerado.
217
El barroco fue revalorizado en la segunda mitad del siglo XIX, a partir
de los estudios de Heinrich Wolfflin quien estableció como
características comunes al barroco la búsqueda del movimiento,
tanto en paredes, fuentes u objetos, como sugerido en las pinturas de
personajes en acciones dinámicas, la representación y sugerencia de
un espacio infinito, pinturas que simulan la bóveda celeste o juegos
de espejos; la importancia dada a la luz; el gusto por lo teatral, lo
escenográfico y lo fastuoso. El barroco es más que un estilo, un
gusto, es una actitud para encarar la vida y el arte.
A lo largo del siglo XVII se produjo la consolidación de los estados
europeos y de las monarquías absolutistas en Francia, España y
Alemania. Fue un período cargado de guerras por los límites
fronterizos y por las posiciones coloniales en América y Àfrica,
marcado a su vez por la contraposición entre católicos y
protestantes. Fue una era absolutista que proclamó con
construcciones grandiosas la autoridad de la Iglesia y del Estado.
El siglo XVII fue un período de grandes contradicciones. Las
manifestaciones más importantes en el campo arquitectónico y
urbano se dieron precisamente respaldadas por los poderes que
218
entraban en decadencia: la Iglesia y la Monarquía. Fue el arte de una
cultura que se estaba acabando. Llama la atención que, aunque en el
caso de Italia ese arte estaba en función de la Iglesia, tuvo un
carácter más terrenal que místico. Asimismo es significativo que si
bien se produjo un acelerado desarrollo de las investigaciones
científicas, este se vio frenado por el carácter reaccionario de la
iglesia. Kepler enunció las leyes del movimiento de los planetas, se
perfeccionaron los estudios de anatomía a partir de Vesalio, y Harvey
descubrió la circulación de la sangre.
Desde el siglo XVI el conocimiento humano del mundo se amplió en
forma progresiva y muchos descubrimientos científicos influyeron en
el arte. Las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas
permitieron la precisión astronómica que se aprecia en muchas
pinturas de la época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico
maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del
Sol, y no de la Tierra como hasta entonces se creía. Su obra,
publicada en 1543, no fue completamente aceptada hasta después de
1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo
coincidió, en el arte, con el triunfo de la pintura de género
219
paisajístico, desprovista de figuras humanas.
Pero esos científicos no eran artistas. Ya no estaba en presencia de
aquel hombre de conocimiento universal del Renacimiento, pues se
había producido una mayor especialización del saber, de manera que
el artista y el científico se separaron. De hecho, las ilustraciones de
los tratados no se les encargó a los pintores, sino a grabadores
especializados. El arte no era una mímesis de la realidad, era una
mímesis de los sentimientos.
A lo largo de estos aňos el barroco constituyó un modo de sentir que
abarcó todos los campos, la escultura y la pintura, habitualmente
integradas en armonía con la arquitectura, la música, que permitió
aumentar el brillo de las fiestas palaciales y eclesiásticas, una
religiosidad ardiente, la literatura, y también el mobiliario, los
peinados y la vestimenta. El arte barroco se dirigió a toda la sociedad
y toda la sociedad se apropió de él. Fue un arte aristocrático,
cortesano, grandilocuente, monumental, encaminado a impresionar al
observador. Una intensa espiritualidad apareció con frecuencia en las
escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
El hombre de la era barroca conocía la Biblia y a la vez la mitología
220
griega. Tiene un gusto refinado guiado por las modas europeas, pero
es capaz de sumergirse también en lo que algunos autores han
catalogado como una grosería obscena. Se enfrentó un carácter
extrovertido con un fuerte fervor sobrenatural. El activo comercio y
colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los
países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y
culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento lo que introdujo
nuevos elementos dentro de la vida europea de entonces.
La esencia de la arquitectura barroca es el lujo. Tanto las autoridades
religiosas como los reyes y burgueses se lanzaron con ardor a la
construcción de edificios fastuosos. Con esos propósitos se
edificaron con dimensiones gigantescas iglesias, palacios, parques y
jardines. El resto de las artes se subordinaron a la arquitectura
permitiéndole a ésta sus objetivos de ostentación y de pompa. La
ópera como espectáculo constituyó una síntesis de todo lo que
caracterizó la forma de vida barroca, la arquitectura, la música, el
lenguaje, la pintura ilusionista y hasta la forma de caminar. El barroco
es el estilo más sensual que la arquitectura occidental ha conocido.
Los artistas del barroco se proclamaban herederos del Renacimiento,
221
pero violaban sus reglas sistemáticamente. El Renacimiento era
medida, equilibrio, racionalidad, lógica. El barroco fue movimiento,
ansia de novedad, amor por lo infinito, por los contrastes y por una
mezcla audaz de todas las artes. El Renacimiento apelaba a la razón,
quería convencer. El barroco apeló al instinto, a la fantasía, a la
fascinación, a los sentidos.
El barroco vinculado a la Iglesia. El barroco romano.
El arte barroco nació y se desenvuelve con mayor esplendor en la
Roma papal. A partir del Concilio de Trento, la Contrarreforma se
propuso una renovación de la iglesia católica, lo que significó un
enorme despliegue de fuerzas con el fin de detener el avance del
protestantismo y así recuperar el poder que habían perdido dentro de
Europa. La Contrarreforma influyó notablemente en el arte y en la
cultura en general de esa época. La misión del arte fue ante todo,
hacer visible el poderío de la iglesia. La construcción de iglesias fue
el tema constructivo fundamental para los arquitectos italianos. Era
necesario demostrar el poderío de la Iglesia, había que propagandizar
sus verdades, había que difundir la religión. La Iglesia católica se
convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y en su propósito de
222
combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de
un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro
sentido de propagación de la fe.
La Basílica de San Pedro operaba a nivel de ciudad. Era necesario
entonces propagar las doctrinas en cada barrio. El arte, en particular
la arquitectura, debía hacer visible la autoridad de la iglesia,
explicitar sus dogmas, llegar al alma y a los ojos de los creyentes. La
iglesia debía ser un gran salón en el que brillase el oro y debía
trasmitir un mensaje sensorial. De la misma forma que los ricos iban a
la ópera los domingos, el pueblo asistía a las Iglesias.
La fachada.
La iglesia no era un edificio aislado. Se construyen numerosas
iglesias en lotes de diversas dimensiones, muchas de ellas insertadas
en medianería, sin un espacio al frente que facilite su visibilidad. La
fachada debía constituir un elemento de llamada, un elemento que
permitiera distinguir a ese edificio del resto, un punto focal de
atención, un estandarte, un signo publicitario. No necesariamente la
fachada se debía corresponder con el espacio interior. Lo más
importante era que esa fachada fuese atractiva y para lograrlo se
223
volvió un elemento dinámico, en movimiento, con fuertes contrastes
de luces y sombras, con entrantes y salientes, con columnas, muchas
veces apareadas, empotradas con diferentes grados de
embebimiento, lo que produce una superficie en relieve. La iglesia se
integraba al entorno con escalinatas que invitaban a entrar.
En las fachadas se utilizaron líneas dinámicas. Predominaban las
fachadas convexas en las iglesias que daban a las plazas, mientras
las cóncavas predominaron en las que se encontraban alineadas con
la calle. La fachada vibraba.
La fachada de la Iglesia del Gesu, diseñada por Vignola en 1568
constituyó un modelo seguido por la arquitectura religiosa barroca.
Siguiendo la pauta de Alberti en Santa Maria Novella, Vignola dividió
la fachada en dos pisos y la trabajó como un relieve plástico a la
manera de Miguel Ángel. La propuesta de Vignola fue modificada por
Giacomo della Porta, quien utilizó volutas laterales más dinámicas,
acentuó la horizontalidad y cambió la disposición de las columnas
logrando un mayor énfasis en la zona central.
Este modelo de dos pisos superpuestos, la sección central realzada
por un frontón, volutas de flanqueo, y puerta principal y dos
224
secundarias constituyó el modelo de las iglesias barrocas europeas.
La planta.
Durante el Renacimiento los arquitectos aspiraban a la planta central
como expresión de la perfección. Era un mensaje conceptual. En el
barroco la búsqueda de la perfección de la forma se sustituyó por la
búsqueda del impacto emocional.
La planta de la Iglesia del Gesu, de Vignola, fue difundida
universalmente por la Compañía de Jesús desde finales del siglo XVI
y la primera mitad del XVII. Este proyecto coadyuvó a una preferencia
por la planta basilical, como versión moderna de los modelos del
cristianismo primitivo revalorizados a partir del Concilio de Trento. Es
una iglesia de grandes dimensiones que permite congregar a un gran
número de fieles.
En el segundo tercio de ese siglo apareció una generación de
arquitectos que contrapusieron a la planta basilical un tipo con mayor
tendencia a la centralidad. Se destacan Santa Inés de Borromini,
1652, un octógono de cuatro brazos, San Lucas de Pietro da Cortona,
1634, cruz griega, la Asunción, de Bernini, 1662, la rotonda, San Ivo,
1642, de Borromimi, entre otras. Inicialmente predominaban las
225
El interior de las iglesias debía ser tan atractivo como plantas
longitudinales con tendencia a la centralidad y más tarde las plantas
centradas con tendencia a ser longitudinales. la fachada. Para ello los
arquitectos utilizaron plantas conformadas por figuras geométricas
complejas o por la combinación de figuras geométricas simples que
dieron como resultados una forma compleja. El círculo y el cuadrado,
formas perfectas preferidas por el Renacimiento, no se ajustaban a
las nuevas intenciones del barroco. La elipse, en sus múltiples
variaciones, fue la forma que más se usó. Se buscaba la complejidad,
dicho de otra manera, se repudió la simplicidad. Se abandonaron la
línea recta y las superficies planas y se sustituyeron por líneas y
superficies onduladas. El creciente dinamismo de la arquitectura se
originó en las plantas, en la transformación, combinación e
interpenetraciones de diferentes figuras geométricas.
Pero es importante señalar que si bien el barroco rompió con los
cánones del Renacimiento, no usaron formas libres. A pesar de su
carácter mundano, el barroco mantuvo una severidad intencional que
se tradujo en una estricta simetría y en general en que se
mantuvieron los principios académicos de composición. Existían
226
reglas, pero no interesaba manifestarlas. Lo importante no era la
verdad. La divinidad se evidenciaba través de imágenes.
Los espacios interiores.
Con el uso de la perspectiva se produjo una espacialidad ficticia, una
sensación de irrealidad, un espacio infinito, ilimitado, ilusorio,
imaginario, en el que no se sabe donde comienza, ni donde termina,
en el que no se sabe de dónde sale la luz, ni cuáles son sus
dimensiones reales. Se buscaba efectos ópticos a través de
geometrías complejas.
En este propósito la decoración interior juega un papel fundamental.
La pintura mural, la escultura y la arquitectura se fusionaron para
proclamar sus objetivos de ostentación y lujo. Escultores y pintores
contribuyeron a la creación de una decoración simbólica fastuosa. A
pesar de la preferencia por los materiales preciosos, no siempre fue
posible costearlos, por lo que se hizo necesario y muy común el uso
de los estucos, yesos y escayolas y de los bronces dorados en
sustitución del oro. Los plazos de construcción de las iglesias y los
palacios barrocos fueron relativamente cortos gracias al empleo de
estos recursos.
227
La fachada de San Pedro 1607-1612.
El primer gran problema que era imposible resolver a partir de los
cánones tradicionales se confrontó al terminar la fachada de la
Iglesia de San Pedro, en 1607. La planta central de Bramante,
continuada por Miguel Angel no se ajustaba a los intereses
funcionales del momento, ni a la nueva sensibilidad paisajística, por
lo que se decidió desarrollar un cuerpo longitudinal que corriera la
ubicación de la fachada. Para ello fue convocado un concurso que
ganó Carlos Maderna con una propuesta en la que prolongó el brazo
mayor con una serie de capillas laterales. Así la cúpula podía ser
divisada desde la plaza, un espacio aún indefinido, en el que a partir
del Plan de Sixto V existía obelisco a eje con el acceso a la iglesia,
que quedó ahora a 180 metros de la fachada proyectada. Maderna
incorporó a este espacio una fuente que constituyó una pauta de
ordenamiento espacial a la futura plaza que Bernini proyectó 50 aňos
después.
Bernini.
Gian Lorenzo Bernini fue uno de los artistas más importantes del
período. A partir de 1629, a la muerte de Maderna, Bernini dirigió la
228
decoración interior de la basílica de San Pedro y la construcción del
Palacio Barberini. Colaboró en la ordenación de la Plaza Navona,
proyectó obras públicas importantes como San Andrea en el Quirinal,
Aricci y Castelgandolfo.
Ha sido considerado el más grande escultor barroco y se destacan
dentro de sus obras Eneas y Aquiles, Apolo y Dafne, La verdad y el
Éxtasis de Santa Teresa. En el campo de la arquitectura fue menos
efectista, más conservador, pero siempre dio soluciones acertadas a
los problemas. Sus discípulos, J. A. Fancelli, F. Barata, A. Raggi y su
hijo Pablo Bernini dieron continuidad a su obra.
Entre 1664 y 1665 Bernini fue invitado a Francia, lo que significó una
gran distinción para el artista y el reconocimiento del prestigio de la
escuela romana. A Roma se le consideraba como la fuente auténtica
del clasicismo internacional. Trabajó con Rainaldi en el
completamiento de las dos iglesias de la Plaza del Popolo.
Pietro de Cortona 1596-1669).
Llega a Roma, procedente de Toscana en 1612 y consiguió un rápido
éxito como pintor. Construyó a partir de 1634 la Iglesia de los Santos
Lucas y Martina. Usó la planta de cruz griega. En la fachada se inspiró
229
en Il Gesu y en Santa Susana. La fachada se curva formando más un
volumen que una representación plana. Este artista, presionado por
los conflictos de su época se dedicó con posterioridad sobre todo a la
pintura e incursionó en la arquitectura solo ocasionalmente. En 1656
proyectó la fachada de Santa María de la Paz y en 1658 la Iglesia de
Santa María en vía Lata.
Francisco Borromini
Francesco Borromini ha sido considerado el arquitecto más creativo
del Barroco. Borromini era pariente lejano de Carlos Maderno. Llegó a
Roma en 1612 y comenzó a trabajar como cantero en 1614. A partir
de 1630 laboró como ayudante de Bernini en la decoración de San
Pedro. En 1634 recibió su primer encargo de los Trinitarios para
construir el convento de las Quattro Fontana. Era un pequeño solar y
en el debía construir una iglesia, un claustro, dependencias para la
comunidad y un jardín. En todo momento se dedicó a la arquitectura y
en su acción influyó mucho su inicio como cantero. Trabajó
fundamentalmente para órdenes menores y sin colaboradores. Se
suicidó en 1667.
Entre sus principales obras está el convento de los Trinitarios, la
230
Casa de los Filipinos, 1647-53, la capilla de San Ivo de la Sapienza
1642-62, la restauración de San Juan de Letrán 1646-49, la
renovación de Santa Inés en Plaza Navona y su obra cumbre, San
Carlino, 1664-67.
San Ivo de la Sapienza
La planta es totalmente innovadora. Entre el hexágono y los seis
lóbulos que lo rodean no se pueden diferenciar espacios principales y
secundarios. El resultado es la combinación de dos figuras regulares,
dos triángulos entrelazados que forman una estrella de 6 puntas,
sustituidas por seis círculos. Existe una total independencia entre el
interior y el exterior. La capilla está embebida dentro del Palacio
diseñando por Della Porta y solo se ve la cúpula por lo que se trabaja
como un organismo autónomo.
San Carlos de las Cuatro Fuentes o San Carlino.
Ha sido considerada la fachada más barroca. Nada como eso había
sido hecho antes. El dinamismo de la planta afectó también a la
fachada. La fachada no es un telón independiente de lo que ocurre en
el interior, sino una superficie que envuelve a la iglesia, que sigue sus
curvaturas. Es una pared flexible, arqueada con curvas y
231
contracurvas que expresaron una nueva concepción de dinamismo y
flexibilidad. El juego cóncavo convexo alteró la posición de todos los
elementos, entre ellos la cornisa principal que se arquea en
contraposición al frontón convencional. Se aprecia una unidad entre
el espacio interior y el exterior.
Guarino Guarini.
Guarini fue un sacerdote trinitario que aplicó sus conocimientos
matemáticos al descubrimiento de nuevos sistemas, en los que
fuerzas contrarias se sustentan mutuamente lo que conlleva a la
desaparición de soportes verticales. Las sensacionales cúpulas de
Santo Sudario y de San Lorenzo, formadas por segmentos de arcos
dispuestos unos sobre otros, son un ejemplo de la puesta en práctica
de esos principios.
Guarino Guarini en su libro Arquitectura civil publicado en 1668,
definió las bases matemáticas y estéticas de su concepción de la
arquitectura en la que abunda la compenetración de los espacios con
diferentes configuraciones geométricas. Sus ideas tuvieron mucha
repercusión al norte de Los Alpes.
232
Urbanismo Barroco. Roma
Roma
A mediados del siglo XV, cuando Florencia, Venecia y Nápoles eran
grandes ciudades, Roma era un pequeño centro abandonado y
empobrecido por la ausencia papal. En el paisaje de la ciudad se
destacaban las grandes ruinas de la época imperial y las primeras
iglesias cristianas. Los papas regresaron a Roma en 1420 y
adquirieron el control pleno de la ciudad en 1453.
Nicolás V (1447-1455) estableció un programa para la reconstrucción
de la ciudad imperial y su transformación en una ciudad moderna. Se
restauraron algunas construcciones antiguas destinándolas a nuevas
funciones como el Mausoleo de Adriano, que se convirtió en el
Castillo de San Angelo o el Panteón, que se transformó en sede de la
administración municipal. Esta nueva Roma, doblemente excepcional
por el prestigio del pasado y la presencia de la sede de la Iglesia
debía convertirse en la principal ciudad del mundo moderno. Pero
todavía el poder económico de los papas no podía satisfacer ese
objetivo, por lo que Roma permaneció durante el siglo XV como un
centro secundario, dependiente de otras ciudades.
233
No obstante, Sixto IV (1471-1484) realizó varias acciones importantes
como la reconstrucción de San Pedro en Montorio, San Pietro en
Vincoli, la restauración del Capitolio con la colocación de la estatua
de bronce de la Loba Capitolina, la construcción de varias iglesias,
así como una cautelosa intervención en el laberíntico conjunto
residencial medieval, rectificando las tres calles que conducen al
Puente San Angelo. A lo a lo largo del siglo XVI en la ciudad se fueron
realizando acciones de mejoras en aras de otorgarle a Roma la
imagen adecuada a su importancia como centro de la cristiandad. Se
destacan entre ellas la Construcción del Plaza del Capitolio, de
Miguel Ángel y los trabajos de remodelación de la Plaza del Popolo.
Sixto V.
En el breve lapsus del pontificado de Sixto V (1585-1590) se definió la
forma de la Roma Barroca del siglo XVII. Contando con la
colaboración de Doménico Fontana, arquitecto y urbanista, se llevó a
cabo un programa que tenía como objetivos:
Repoblar las colinas de Roma y restablecer el suministro de agua en
los puntos altos de la ciudad.
Integrar en un único sistema de calles principales las obras y puntos
234
clave más importantes de la ciudad.
Para llevar el agua a las partes altas de la ciudad Sixto V construyó el
Aqua Felice, un acueducto que incorporó partes de los antiguos
acueductos romanos, Aqua Marcia y Aqua Claudia, que suministraba
más de 18 000 metros cúbicos por día.
Las principiase calles debían conectar las siete iglesias más
importantes de peregrinación, San Pedro, San Juan de Letrán, Santa
María la Mayor, San Pablo Extramuros, San Lorenzo Extramuros,
Santa Crocce en Gerusalemme y San Sebastiano.
Esta red de calles no solo facilitaría el ceremonial religioso sino que
además propiciaría un crecimiento de la población en zonas que
estaban deshabitadas. Sobre el enmarañado tejido de la ciudad
medieval se superpuso una red de calles rectilíneas en la que se
construyeron edificios regulares.
Sixto V se aseguró que su obra tuviera continuidad y para ello situó
obeliscos en los puntos donde en siglos venideros habrían de crearse
las plazas más importantes de Roma. En la futura Plaza del Popolo,
frente a la entonces inacabada basílica de San Pedro, y frente a San
Juan de Letrán. Otros papas completaron su labor añadiendo más
235
obeliscos. Los obeliscos son símbolo de la tradición antigua de la
cual la Iglesia había tomado posesión. Estas acciones urbanas
estuvieron acompañadas de la construcción de nuevas calles y
correcciones del trazado de las existentes. Así se fueron realizando
por etapas ejes viarios desde la periferia. Gracias a estas calles
Roma se constituyó la capital de Italia y de la Iglesia y por primera
vez en su historia contó con una red viaria interior sistemáticamente
organizada.
Además del suministro de agua, Sixto V creó un servicio de carros de
recogida de basura, perfeccionó el servicio de alcantarillados y
construyó lavaderos públicos.
Plaza del Popolo.
La Plaza del Popolo está situada justo frente a la puerta del mismo
nombre, punto principal de entrada de los peregrinos a la ciudad de
Roma. De ella partía la vía Ripetta, era atravesada por la vía Flaminia
y una tercera vía de menos importancia le pasaba cerca.
En 1516 se inició una remodelación para convertir este espacio en
una entrada digna de la ciudad que contempló la abertura de una
tercera calle, la Vía del Babuino. Se creó así un tridente vial hacia el
236
interior de la ciudad. Como parte de las acciones del Plan de Sixto V,
en la Plaza se colocó un obelisco en 1586. casi un siglo después, en
1662 se comenzaron las 2 iglesias casi gemelas en los puntos en que
irradian las calles. A inicios del siglo XIX, la plaza fue completada por
Giseppe Valadier.
Plaza Navona.
La forma de la Plaza Navona se corresponde con la traza de un
antiguo estadio construido en el siglo I d.n.e. a la que se adaptaron
las edificaciones que la conformaron. La organización definitiva de la
Plaza se debe a Bernini quien entre 1647 1651, concibió la colocación
de tres fuentes que además esculpió. Por su forma alargada las vistas
debían concebirse como perspectivas oblicuas. Se destacan además
de las fuentes, las dos iglesias San Giacomo degli Spagnuoli y San
Inés, esta última de Borromini. Alrededor de la Plaza se ramifican las
vías tortuosas de la ciudad medieval.
Plaza San Pedro.
La basílica de San Pedro se construyó a lo largo de más de un siglo
(1506-1626). Era la Iglesia más grande de la cristiandad y necesitaba
de un atrio, de un patio delantero acorde con su jerarquía e
237
importancia. De 1655 a 1667 se construyó la Plaza San Pedro según
proyecto de Bernini. La Plaza está constituida por dos espacios, uno
trapezoidal inmediato a la iglesia y el otro elíptico con el obelisco de
Sixto V que había sido colocado en 1586 y las dos fuentes de Maderna
en 1613.
Bernini tuvo el mérito de entender que debía coexistir en la ciudad la
escala gigantesca de los monumentos de la Roma antigua con la
escala de los barrios para la gente común. El contraste entre el tono
áulico y el tono cotidiano no podía ser eliminado. Con ese espíritu
resolvió la conexión de la plaza con la ciudad, diseñando una
columnata abierta, transparente que permite la visibilidad desde la
plaza hacia la ciudad y viceversa.
La Plaza de España
La majestuosa escalinata de 137 peldaños que conecta a la Iglesia de
Santa Trinidad del Monte en lo alto, con la Plaza de España en lo bajo,
fue diseñada por Alejandro Specchi y Francisco d´Sanctis entre 1721
y 1725. Ha sido catalogada como la máxima expresión de los efectos
teatrales y escenográficos del urbanismo barroco romano. La
escalera en realidad se transforma en una plaza, una plaza dinámica
238
no solo por el movimiento que implica su uso, sino sobre todo, por su
sinuosa forma general y la sinuosidad de cada uno de los detalles en
los que en ritmo cóncava convexo está siempre presente.
En el urbanismo barroco se usaron sistemas abiertos, de irradiación a
diferencia de los sistemas renacentistas cerrados y centralizados.
Las plazas, jardines, los edificios y la propia ciudad se reúnen en
sistemas de jerarquía superior con ejes continuos. Las calles son ejes
a grandes distancias, las plazas son puntos de empalme, son
“estaciones intermedias” de las que salen nuevos ejes.
Los artistas barrocos fueron los encargados de culminar este
organismo heterogéneo de la ciudad de Roma en el que se mezclaban
las ruinas antiguas, los barrios medievales y los monumentos hechos
por ellos.
El barroco en Francia
Dentro del período en el que se desarrolló en Europa el arte barroco,
el siglo XVII y la primera mitad del XVII, se pueden distinguir rasgos
singulares según el país en que se trate. Al hablar de barroco pueden
distinguirse tres corrientes. La más conocida está relacionada con el
arte de la Contrarreforma, de la Roma papal. Pero también se puede
239
hablar de un barroco burgués que se desarrolló en Holanda, Inglaterra
y los países nórdicos, vinculado a la burguesía protestante. Era un
arte serio, medido, no monumental, sin excesos, en el que el espíritu
racionalista de la burguesía constituyó un filtro de la exhuberancia de
Italia y Francia, aunque tuvo rasgos que se corresponden con ese
modo de hacer.
Y se puede hablar de un arte ligado al absolutismo, al rey, un barroco
monárquico que se desarrolló fundamentalmente en Francia durante
el reinado de Luís XIV, en el que predominó la supeditación del arte a
los intereses de la corte. Era un arte destinado a exaltar el poder
absoluto del estado. En algunos textos a este arte se le llama
clasicismo francés.
El barroco proveniente de Italia fue acogido con mayor o menor
aceptación, en función del contexto propio de cada lugar,
fundiéndose con las tradiciones regionales locales. De ahí nació un
arte nacional en cada caso, con características propias, que no deben
considerarse inferiores al italiano.
En el caso particular de Francia la influencia de Italia llegó a partir de
finales del siglo XV y principios del XVI, fecha en que comenzó el
240
Renacimiento francés. Numerosas personalidades aisladas habían
visitado Italia, pero el primer contacto significativo se produjo en
1494, cuando el ejército francés atravesó el país para llegar a
Nápoles. El rey y su corte constataron un estilo que los impresionó.
Pintores y escultores partieron para Italia, mientras algunos artistas
italianos fueron invitados a Francia, por ejemplo Serlio y Leonardo,
quien murió en el Valle del Loira, en 1519. En el campo de la
arquitectura y el urbanismo el proceso de asimilación fue lento. Los
primeros ejemplos se desarrollaron en el Valle del Loira, varios
chateux para el Rey y su corte.
París emergió como capital de la nación a partir del reinado de
Francisco I (1515-1547). En esa época en la ciudad no existían
espacios urbanos públicos significativos. El parvis de Nuestra Señora
y la Plaza de Greve eran los únicos espacios públicos relativamente
grandes. Los edificios se alineaban a lo largo del Sena y de los tres
puentes que atravesaban el río, obstruyendo las vistas hacia él. Era
aún una ciudad semi-rural.
A lo largo del siglo XVII y XVIII perdió ese carácter como
consecuencia del proceso especulativo que hizo desaparecer
241
progresivamente los espacios abiertos y muchos jardines privados. El
rápido crecimiento que tuvo París en esos años respondió a la
progresiva centralización política del país.
Sin embargo, el núcleo medieval parisino continuó intacto. Solo la
creación del eje del los Campos Eliseos y el trazado de los grandes
boulevards contribuyeron en la forma futura de la ciudad. Así que al
hablar del urbanismo de este período, se está haciendo referencia a
la configuración de fragmentos de la ciudad, tanto en su interior,
como contiguos o fuera de ella, en particular a la construcción de las
cinco plazas Reales, contenedores urbanos de majestuosas estatuas
de los soberanos, que siguieron el modelo de la Plaza del Capitolo en
Roma. A diferencia de las plazas romanas de Sixto V, las plazas
reales parisinas no se crearon en focos urbanos ya existentes, sino
que fueron creadas de nueva planta en función de embellecer los
nuevos barrios residenciales. Existían decretos que prohibían el
crecimiento de la ciudad. Si no podía ser ampliada, al menos podía
ser embellecida.
La primera de estas plazas fue construida por Enrique IV, la Plaza del
Delfín. Le siguió Luís XIII, con la Plaza Real, conocida como Plaza de
242
los Vosgos. En honor a Luis XIV se construyeron la Plaza de las
Victorias y la Plaza Vendome y la última, la Plaza de la Concordia en
honor a Luis XV, donde fuera guillotinado aňos más tarde su hijo Luis
XVI.
Las plazas reales fueron la expresión del absolutismo en su afán
porque la ciudad reflejara la ordenación estatal. Están delimitadas
por una serie de casas para viviendas de varios pisos, con fachadas
continuas y homogéneas. Se impuso por primera vez un modo
constructivo concentrado en relación cuantificable con las
superficies abiertas.
La Plaza del Delfín
La creación de la primera Plaza real está vinculada con la
construcción de un nuevo puente sobre el Sena, pues con el
crecimiento de la ciudad los dos viejos puentes que existían hasta
entonces eran insuficientes. Enrique IV fue el primer monarca que
trató de embellecer París con una plaza pública y un puente. El Pont
Neuf, Puente Nuevo, el que es hoy precisamente el más viejo de la
ciudad, fue diseñado por Androuet du Cerceau. El proyecto definitivo
fue aprobado y en el se excluían los edificios sobre el puente, que se
243
habían planteado en una propuesta original. Fue necesario abrir una
nueva calle que permitiera un acceso al puente por el norte. El
puente se terminó en 1604 y el extremo de la isla quedó abierto para
su posterior urbanización. Surgió sobre dos pequeñas islas un bloque
trapecial con unas 80 viviendas, la mitad dan a la Plaza triangular y la
otra a los muelles. En este caso la estatua ecuestre de rey no está
dentro de la Plaza propiamente sino al otro lado del puente, a eje con
ella. No obstante, la estatua pertenece a la Plaza, que recibió el
nombre de Plaza del Delfín en honor al futuro rey Luís XIII, quien
contaba entonces solo seis años. En la Plaza del Delfín se dispuso por
primera vez, por real decreto la construcción de hileras de casas
uniformes, con tiendas en los pisos inferiores.
La Plaza de los Vosgos
El lugar en el que se construyó la Plaza de los Vosgos, en el barrio de
Marais, al nordeste de la ciudad, estaba ocupado originalmente por
edificios y jardines que fueron demolidos y destinados después de un
tiempo en desuso, a mercado de caballos. Hubo un proyecto para
construir en ese sitio una fábrica que no fue aprobado por el rey quien
decidió más conveniente destinarlo a una plaza, atendiendo a la
244
buena localización del lugar.
La Plaza de los Vosgos, terminada en 1612, tiene forma cuadrada y
cada lado mide 140 metros. Está delimitada por 38 casas de fachadas
uniformes, con planta baja porticada y dos pisos superiores
rematados por techos individuales inclinados. Los pabellones del rey
y de la reina sobresalen en el centro de las fachadas. Cada casa se
subdivide en paños verticales. Las ventanas, también verticales,
servían de palcos para ver los torneos que se realizaban y en general
para ver la plaza. La intención inicial del soberano fue que allí
vivieran los trabajadores y empleados de la manufactura real de
brocados y ocasionalmente irían de visita el Rey y la Reina. Tras su
asesinato en 1610, fue zona de viviendas de la aristocracia y la
burguesía advenediza. Con anterioridad la nobleza había vivido en
chateaux en el campo o en hotel dispersos en la ciudad. A partir de
este momento quedó destinada a servir de telón de fondo de la
monarquía, a formar parte de su pompa y de su corte. En 1631
Richeliu, quien vivió en una de esas edificaciones, ofrendó una
estatua ecuestre de Luís XIII para colocarla al centro.
Esta plaza constituyó el “tipo normal” de Plaza Real, modelo que fue
245
rápidamente imitado en muchas ciudades de Europa.
La Plaza de las Victorias.
Esta plaza tiene forma circular y se hizo con el propósito de urbanizar
la zona próxima a los jardines del Palacio Real. Al centro, como foco
de atracción estaba la estatua de Luís XIV, y cuatro grupos de farolas
(tempranos ejemplos de alumbrado público). Fue inaugurada en 1687
cuando aún no estaban terminadas todas las edificaciones. El
proyecto fue de Jules-Hardouin Mansart. La plaza se convirtió en un
punto de convergencia de las vías principales de la ciudad.
La Plaza Vendome.
En las plazas de París se llevaron por primera vez a la práctica
principios importantes del urbanismo moderno, la separación de calle
y plaza de tránsito y residencial, es decir, la separación de
importantes funciones urbanas, la fusión de un modo constructivo
compacto y los espacios abiertos adecuados para los vecinos, la
realización homogénea de múltiples unidades de vivienda, la
prefinanciación por parte de una sociedad solvente y la unión de la
política oficial de prestigio con la construcción de viviendas.
246
Lo revolucionario de estas plazas radicó en la edificación de un tipo
de vivienda y de barrio para la gran ciudad. La homogeneidad del
exterior ofreció un marco anónimo, de alto nivel arquitectónico para
la sociedad abierta. Quedaron así satisfechas las necesidades de un
nuevo estrato de la población.
La arquitectura religiosa y civil en Francia.
Bajo la influencia de Italia la arquitectura francesa a lo largo del siglo
XVII eliminó las subsistencias góticas y muchos elementos
tradicionales, como los techos inclinados, las chimeneas al exterior,
la fragmentación de las fachadas lo que se sustituyó por un uso
rigurosos de los elementos clásicos. La aparición de las Academias
coadyuvó a la homogeneidad que fue propia del momento.
En Francia el barroco asumió características más sobrias y menos
atrevidas que en Italia. Los arquitectos franceses lanzaron las bases
de un estilo autónomo más comedido, casi clásico, que se impuso
poco a poco como el estilo dominante de Europa. Las plantas eran
menos complicadas, las fachadas más severas, tuvieron más respeto
por las proporciones y los detalles de los órdenes clásicos, y no se
usaron los efectos violentos y caprichosos del barroco italiano.
247
Arquitectura religiosa.
En la arquitectura religiosa se pasó de la planta longitudinal a la
planta centrada. La fachada de St-Gervais, en París, 1616-1621, de
Brosse, combinó el esquema de Il Gesu con el palacio renacentista
ejemplificando el concepto de clasicismo francés. El interior de Val-
de-Grace, comenzada en 1645, de F. Mansart también adoptó el estilo
de Il Gesu. La cúpula de Lemercier es típica del barroco y el
baldaquino estuvo inspirado en el de Bernini, en este caso de seis
columnas y planta elíptica.
La iglesia de St-Sulpice en París fue comenzada en 1646, según
proyecto de Le Vau. Recuerda los edificios romanos con sus paredes
lisas y cornisas resaltadas. En la Iglesia de San Luís de Los Inválidos,
1675-1706, Jules Hardouin Mansart se inspiró en San Pedro de Roma.
Es una construcción centrada con una cúpula y una fachada
colosales. Tiene el carácter impetuoso del barroco pero sus
proporciones, basadas en una racionalidad matemática, y su fría
decoración son un producto típico del lenguaje formal clásico,
mundano y festivo del absolutismo francés. La capilla del Palacio de
248
Versalles, del mismo arquitecto, 1699-1710, se caracterizó aún más
por esa claridad académica estática, que se apartó del dinamismo del
barroco italiano.
Los palacios.
Los palacios fueron los sucesores de los castillos y al principio
estaban fortificados como estos. Poco a poco la vivienda
representativa abandonó su carácter defensivo y fortalezas y palacios
se construyen por separado. En las construcciones y
reconstrucciones de los palacios reales se configuró un estilo
renacentista propiamente francés, en el que se fusionaron elementos
de la tradición medieval, como la existencia de varias alas sin reglas
fijas, con la influencia del palacio regular romano, las teorías del
Renacimiento y las torres de homenaje. Los tipos antiguos se
transformaron con las formas renacentistas.
El hotel, es el esquema de vivienda urbana nobiliaria francesa. Tiene
sus orígenes en la Edad Media, pero para entonces se modificó
siguiendo los cánones del barroco. Los palacios tendieron a ser más
abiertos y a lograr un mayor vínculo con el exterior. El esquema del
palacio francés u hotel es en forma de U a partir de dos alas, con
249
acentuación del centro de la fachada. La vivienda se retira de la calle,
corps de logis, al final del patio de honor, tour d´honor, enmarcado por
las alas de las edificaciones administrativas dispuestas
simétricamente. Otra ala, o un muro cierran el conjunto. Es una
solución escalonada hacia el fondo con un eje central. El patio es a su
vez atrio representativo y patio administrativo. En los lotes más
amplios se usaron dos patios, uno administrativo y otro
representativo.
Palacio de Luxemburgo.
El palacio de Luxemburgo fue construido en 1615 para María de
Medici. El diseño fue del arquitecto De Brosse.
El Palacio del Louvre.
Enrique IV se propuso remodelar el Palacio del Louvre. El antiguo
castillo y el Palacio de las Tullerías estaban abandonados y en estado
ruinoso. Fueron reparados y conectados a través de una galería de
unión, en las márgenes del Sena. Para enlazar los dos palacios por el
norte fue necesario demoler el barrio intermedio.
Durante el reinado de Luís XIII, en 1623 se convocó a un concurso
250
para la concesión de la obra. Entre 1624 y 1643 Lemercier, con De
Brosse como contratista, realizó gran parte del patio cuadrado,
duplicando lo construido
Luis Le Vau (1612-1670), Andrés le Notre (1613-1700) y Carlos Le Brun
(1619-1690)
Versalles.
El palacio de Versalles constituyó la máxima expresión del barroco
francés. En el se creó un nuevo marco para la vida del monarca. A
partir de 1623 el arquitecto Lemercier proyectó para Luis XIII en
Versalles un pabellón de caza, que durante el reinado de Luís XIV se
convirtió en residencia oficial del soberano. Para ello en 1669 decidió
la ampliación con un nuevo palacio que se le encargó a Le Vau y a
partir de 1677 a J. H. Mansart. El nuevo palacio repitió la concepción
original en mayores dimensiones. La fachada que da al jardín, de
Mansart, fue pensada como un fondo para el inmenso parque
diseñado por Le Notre. Los espejos de agua de grandes dimensiones,
los inmensos caminos rectos que se pierden en el horizonte, las
perspectivas infinitas centradas en el palacio se convirtieron en un
elemento constante de la arquitectura en las afueras de las ciudades
251
francesas. Existía ya un concepto de diseño con visión metropolitana.
El palacio no era una unidad autónoma. Contenía diferentes bloques
con funciones distintas. Fue el germen de la ciudad moderna.
En la construcción del Palacio de Versalles se fusionó el lenguaje
arquitectónico clásico con las nuevas concepciones espaciales y
urbanísticas. Arquitectura, decoración y jardinería formaron el marco
para el ceremonial, las recepciones, las fiestas y los desfiles, junto
con el teatro la música y los fuegos artificiales. La arquitectura fue el
marco en el que se desarrollaron numerosos espectáculos para la
aristocracia, la ópera, el ballet, teatro, grandes fiestas, y hasta
servicios fúnebres.
La repercusión del barroco italiano y francés en el resto de Europa.
Espaňa, Alemania, Austria e Inglaterra.
España
A lo largo del siglo XVII el poderío español declinó en relación con el
resto de Europa, por lo que no había recursos suficientes para
grandes construcciones. El poder real se opuso a la orientación
barroca y asumió la tradición clásica, francesa e italiana para la
arquitectura civil. Las órdenes religiosas y las administraciones
252
locales fueron las que asumieron las principales iniciativas
constructivas. Esto trajo como consecuencia que en España se
fusionaran múltiples tendencias externas con las tradiciones propias
de cada región.
En el tema religioso a lo largo del siglo XVII, se realizaron algunas
obras en las que se introdujeron elementos barrocos como la planta
elíptica y una mayor decoración de influencia italiana, que utilizó
estípites y columnas salomónicas en retablos y muros.
La madurez del barroco español se desarrolló aproximadamente
desde 1680 hasta 1780, vinculado a las figuras de José de
Churriguera (1665-1725), Pedro de Ribera (1683-1742), Francisco
Hurtado, (1669-1725), Narciso Tomé (1690-1742) y Ventura Rodríguez
(1717-1785).
El churrigueresco, como se le conoce por el apellido del primero de
sus representantes, ha sido considerado una reacción en contra de la
severidad del reinado de Felipe II. La arquitectura religiosa fue el
tema fundamental del barroco en la península ibérica. Mantuvo
elementos italianizantes, pero se caracterizó por la exhuberancia. El
barroco español no se identifica por el dinamismo del italiano. Su
253
aspecto es sobre todo escultural, animado de gran dramatismo.
Los principados alemanes.
El auge de la arquitectura barroca no llegó a Europa central hasta
principios del siglo XVIII. A diferencia de España y Francia, esa región
estaba dividida en multitud de territorios espirituales. Hacia el norte
predominó el protestantismo y hacia el sur, el catolicismo, vinculados
a Austria. En los dos polos fundamentales, el Gran Ducado de
Grandeburgo (futura Prusia) y Viena, se establecieron las principales
variantes del desarrollo arquitectónico. En esos aňos surgió una
generación de arquitectos quienes en el sur de Alemania, en Austria y
en Checoslovaquia, lograron fusionar las influencias italianas y
francesas con las tradiciones locales.
Jonas Lucas von Hildebrant, 1668-1745, trabajó en Checoslovaquia y
en Viena, en donde construyó los Palacios del Belvedere, el inferior y
el superior.
La familia de arquitectos Dientzenhofer (Georg, Chistoph, Johamm y
Kilan Ignaz) trabajaron las combinaciones geométricas a partir de las
elipse y de figuras mixtilíneas, plantas centrales y longitudinales y las
bóvedas, tanto en palacios como en iglesias.
254
En el campo de la arquitectura civil los diferentes principados
entraron en competencia para la construcción de sus residencias.
Muchos de los comitentes destinaron grandes sumas y además se
propusieron estar a la altura del resto del continente, para lo cual
procuraron artistas extranjeros.
Influenciados por Italia y Francia se construyeron en Alemania y
Austria un conjunto de obras significativas. La arquitectura profana
se volvió mucho más compleja, con espacios diferenciados y sobre
todo, con un carácter más solemne. La concentración de las
funciones públicas y privadas en los palacios junto con la
multiplicación y diferenciación de los recintos exigieron cambios en
las plantas y en los sistemas de acceso.
Palacio de Weissenstein en Pommersfelden, Alemania, fue diseñado
por Johannn Dietzehofer entre 1711 y 1718. Se trata de una
disposición en tres alas, propia de los castillos residencia alemanes.
El rectángulo está abierto alrededor del patio de honor
La Residencia Wurzburgo, del arquitecto Newman, 1719-1744, fue un
edificio para representación, vivienda y gobierno del principado-
obispado que fusionó el tipo de tres alas con profundo patio de honor
255
y el sistema de bloque con patio interior. Inicialmente fueron
concebidas 2 escaleras gemelas, simétricas al eje central, pero solo
una fue realizada. De los tres tramos, los dos superiores se elevan en
sentido contrario al inferior (tipo imperial).
Iglesia de San Carlos, Viena, J. B. Fischer von Erlach, 1716-1737, usó
el óvalo longitudinal. La planta enfatiza los dos ejes. Es un claro
ejemplo de la fusión de la planta longitudinal con la central. Cúpula de
tambor elíptica rodeada de seis capillas. La fachada combina un
pórtico de seis columnas con dos torres y dos columnas
conmemorativas.
Baltasar Newman, 1687-1755, como otros contemporáneos, utilizó las
delimitaciones espaciales a modo de doble cascarón, es decir, situó
los pilares exentos ante la pared como un orden monumental.
En estas iglesias se difundió el esquema de Il Gesú, con la planta
longitudinal y capillas laterales, con transepto estrecho que
sobresale poco. Se produjo un alargamiento del coro, por lo que el
transepto pasó casi al centro de la nave. Ya en el siglo XVIII se
prefirió la iglesia de una nave en la que se eliminaron todos los
compartimientos laterales. Así se produjo la unificación del espacio
256
interior. Esta solución fue muy apropiada para la construcción de
iglesias pequeñas como San Juan de Nepomuceno, en Munich, de los
hermanos Asam, construida en 1733-46.
Inglaterra.
En Inglaterra el barroco comenzó cien aňos más tarde que en Italia.
Los principales representantes fueron Chistopher Wren, N.
Hawksmoore 1661-1736, y Jonh Vanbrug 1664-1726. Estos dos
últimos se destacaron en la arquitectura profana.
Iñigo Jones realizó dos viajes a Italia a inicios del siglo XVII donde
tuvo la oportunidad de ver la obra de Palladio y el barroco que
entonces comenzaba. El barroco romano fue rechazado en Inglaterra
por asociarlo al catolicismo. Jones, por lo tanto, se inspiró en Palladio
y su interpretación del quehacer de Palladio se mantuvo en Inglaterra
a lo largo de 200 aňos. No obstante, esa arquitectura estuvo
acompañada de reminiscencias góticas. Fue una época en la que casi
no se construyeron iglesias. Los sucesores de Jones mantuvieron el
uso de las formas clásicas, simples y severas.
El catastrófico incendio de Londres de 1666 destruyó más de 10 mil
casas y 87 iglesias. El responsable del programa de reconstrucción,
257
Christopher Wren, 1632-1723, no había visitado Italia, pero si París en
donde coincidió con Bernini y recibió la influencia de la decoración de
los castillos franceses. Se construyeron en este período 53 iglesias
que se apartaron de la influencia de Jones, las que pueden ser
calificadas de barrocas.
En la catedral de San Pablo, máximo exponente de la obra de Wren,
se aprecia una fuerte influencia de la Basílica de San Pedro de Roma.
258
GUIA DE ESTUDIO TEORÍA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO
Módulo 2do. Segundo año
Elaborado por: Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema no. 1 El academicismo y el inicio de la ruptura de sus principios
Sumario: Transformaciones arquitectónicas y urbanísticas entre los
siglos XVII y XIX. El neoclásico. Principios. Neoclásico en diferentes
países europeos.
Objetivos
1. Analizar cómo las transformaciones capitalistas en el siglo
XVIII trajeron la Revolución industrial y la repercusión de este
proceso en el plano arquitectónico y urbanístico.
2. Establecer los fundamentos de los códigos arquitectónicos y
urbanísticos neoclásicos y su adecuación a los nuevos
contextos.
Bibliografia
1.- Roberto Segre. Historia de la arquitectura y el urbanismo.
Capitalismo y Socialismo, La Habana, Editorial Arte y
Literatura, 1988.
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna, La
259
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981
3.- S. Giedion. Espacio, tiempo y arquitectura. El futuro de una nueva
visión. Editorial Científico-Médica, Barcelona, 1955
4.- John Summerson. El lenguaje clásico de la arquitectura de Juan
Bautista Alberti a Le Corbuiser., Barcelona, Editorial Gustavo
Gili, 1963.
5.- Amado Palenque. El Rococó y el Neoclasicismo en las artes
plásticas, La Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1990
Conceptos fundamentales.
En el siglo XVIII se produjo la Revolución Industrial fenómeno que
trajo la imagen de un nuevo hombre. Acorde con esta nueva dinámica
son importantes los conceptos de tiempo y eficiencia.
La Revolución Industrial marcó todos los aspectos de la vida,
aumento de población, producción industrial, mecanización de todos
los sistemas de producción. La burguesía lucha por alcanzar el poder
político. Precisamente, La Enciclopedia (1751) al resumir el espíritu
de la época, su carácter racionalista y su crítica al fanatismo
religioso echó las bases para la Revolución Francesa. La cultura ya
se concebía como algo exclusivo de un hombre aislado sino como un
260
conocimiento vinculado a la realidad cotidiana. En lo económico se
definió el Liberalismo como doctrina a partir de la obra De la
naturaleza y causa de la riqueza de las naciones del economista
escocés Adam Smith (1788-1790) cuyas ideas se resumen en cuatro
puntos: 1) el trabajo como fuente de riqueza, 2) Valor basado en la
oferta y la demanda 3) comercio libre de prohiciones y 4) La
competencia elevada a un principio.
El neoclasicismo abarcó la segunda mitad del siglo XVIII hasta 1830.
En lo artístico reelaboró los códigos clásicos: simplificación de
elementos a su esencia geométrica primaria: formas puras como el
cilindro, la esfera, el cubo, la proporción y la simetría. Esta vuelta a lo
clásico estuvo influida por los hallazgos arqueológicos de Herculano,
Pompeya y Paestum, que hizo que se difundiera el arte etrusco y se
proclamara la excelencia del arte griego. Por otra parte, en la
Enciclopedia se vinculó el concepto de belleza a los conceptos de
proporción, armonía y simetría.
El neoclásicismo no fue una simple continuidad del clasicismo, pues
hizo nuevos enfoques sobre el origen de la arquitectura la que ubicó
en la cabaña primitiva. Se planteó además el papel de
261
transformación social de la arquitectura, idea que se mantuvo hasta
Le Corbusier.
En Francia el neoclásico surgió en el seno de la aristocracia ( Petit
Trianon en Versalles), pero después se identificó con los ideales
democráticos de la Revolución Francesa, lo que no le impidió
identificarse con el Imperio Napoleónico a partir de 1804. Entre los
teóricos franceses del neoclasicismo están los arquitectos Claude
N. Ledoux (1736-1806) y Etienne Louis Boulleé (1728-1799).
Para Boullé la arquitectura debía responder a exigencias sociales y
emplear formas puras, un ejemplo de esto es su Cenotafio de
Newton. Boulleé tenía gran preocupación por los problemas de la
forma, Ledoux, en cambio se volvía más hacia la técnica, sin
abandonar la forma. Por su parte, desde la Escuela Politécnica de
París Durand definía los principios del neoclásico y creaba un nuevo
método de proyecto que resolvía primero el conjunto y después los
detalles.
Otros arquitectos y obras del neoclásico francés:
Jacques Gabriel (1698-1782), diseñador del Petit Trianon de
Versalles, su obra maestra.
262
• Los edificios de la Plaza de la Concordia.
• El Ministerio de la Marina y Hotel Guillén caracterizados todos
por sus líneas rectas, columnas dóricas, simetría y la ausencia de
decoración.
Germain Soufflot (1713-1780), arquitecto de la Iglesia de Santa
Genoveva, obra inspirada en el Panteón de Agripa y en San Pedro de
Roma, convertida posteriormente en El Panteón depositario de las
cenizas de grandes hombres de Francia.
Servandoni: Iglesia de San Sulpicio ( 1695-1766).
Charles Percier (1764-1838) y Pierre François Fontaine (1762-1853):
Arco de Triunfo de Carroussel (1809), inspirado en el arco de Septimio
Severo de Roma.
Chalgrin y Abel Bouet: Arco de Triunfo de La Estrella, París,1836.
Conmemora las campañas napoleónicas.
.Lepére: Columna Vendome, remeda la columna de Trajano en Roma.
Vignon: Iglesia de la Magdalena o Templo de la Gloria, París,1804-
1842.
Rue Rivoli, París, 1805
263
Londres desde fines del siglo XVIII tuvo un gran aumento demográfico
y una expansión de la ciudad al derribarse las murallas. Se
emprendieron importantes operaciones urbanísticas en las que
estuvo presente por primera vez el concepto de trama urbana
continua enlazando las distintas funciones. La tipología urbanística
neoclásica rechazó la estructura axial del barroco, y en este sentido,
Washington, la nueva capital norteamericana fundada en 1791, fue
una excepción, pues adoptó un sistema de avenidas diagonales
focales como en Versalles, a diferencia del resto de las ciudades
estadounidenses.
En Inglaterra se realizaron importantes conjuntos habitacionales en
Londres, Bath y Glasgow (Escocia) como:
• Regent´s Park, 1812-25, Londres del arquitecto John Nash
(1752-1835).
• Royal Crescent, Bath, Escocia, 1767 del arquitecto John
Soane.
• The Circus, Bath, Escocia 1725, del arquitaecto John Wood,
Estos conjuntos fueron el punto de partida del urbanismo moderno.
264
Su esquema típico eran bloques entre cuatro y cinco plantas
alrededor de plazas con formas circulares y otras formas.
Otras obras notables del neoclásico inglés:
Banco de Inglaterra,1833, arq. John Soane (1753-1837)
Museo Británico, 1847, arq. Robert Smirke (1781-1867). Obra maestra
del estilo en Inglaterra.
Edificio del Tesoro y edificios del Berkeley Square del arq. William
Kent (1685-1748), promotor además del jardín inglés el que a
diferencia del jardín francés es asimétrico, rústico, respeta la
naturaleza, y como en Francia tenían importantes trabajos de
ingeniería.
Iglesia de San Pancracio, arq. William Imwood (1771-1843)
: Nacional Gallery, Londres, arq. William Welkins (1778-1839).
El neoclasicismo estuvo presente durante todo el siglo XIX en
Inglaterra junto con el historicismo.
En Alemania, a diferencia de Francia, el neoclasicismo no se vinculó a
ideales democráticos sino que fue promovido por los príncipes
alemanes en los tres centros del estilo: Berlín, Dresde y Munich. En
ese momento no existía una nación alemana sino principados
265
independientes y una burguesía sometida a los grandes señores. En
los más importantes principados alemanes hay un predominio del
pensamiento religioso y un rico panorama cultural de figuras
brillantes como Goethe, Kant, Hegel, Baumgarten, así como la
presencia de ideas sobre la unidad nacional.
En Alemania se prefirió el arte griego más antiguo como modelo de
la creación artística por esto su neoclásico se caracterizó por la
sobriedad.
Arquitectos y obras del neoclásico alemán:
K.G.Langhans (1773-1808): Puerta de Branderburgo, Berlín, 1788-
1791. Escultor: J. G. Schadow (1764-1850).
Leo von Klenze (1784-1864):
• Gliptoteca y Pinacoteca, Munich, 1830.
• El Walhalla, 1842, panteón dedicado a grandes hombres de
Baviera.
• El Rumeshalle, 1853 (en honor a personalidades de Baviera).
Karl F. Schinkel (1781-1841):
• Altes Museum, Berlín, 1828.
266
• Teatro Real de Berlín
• Edificios del ring de Viena
El Altes Museum fue inaugurado con las obras que habían sido
robadas por Napoleón. Este hecho, a la vez que expresaba un sentido
de identidad nacional destacó el poderío prusiano. La mayoría de los
museos europeos que se crearon en el siglo XIX obedecieron a
idénticos objetivos. Esta obra como el resto de la arquitectura
neoclásica alemana empleó los códigos del arte griego.
El museo era un tema inédito en la arquitectura, pues antes los
príncipes tenían sus colecciones de diversas cosas dentro de sus
palacios para el disfrute de un grupo reducido de la más alta esfera
social, pero ahora el museo no sólo se abría al público sino que tenía
un espacio arquitectónico concebido para la función.
En España el neoclásico español comenzó con el reinado de Carlos
III y su figura principal fue el arquitecto Juan de Villanueva.
Principales obras de Juan de Villanueva (1739-1811):
• Museo del Prado, inaugurado en 1819, su obra maestra.
• Academia de Historia 1788.
267
• Jardín Botánico de Madrid 1781.
• Observatorio de Madrid, 1790.
• Reconstrucción de los edificios de la Plaza Mayor de Madrid,
1791.
• Teatro del Príncipe (actual Teatro Español, 1807.
Otros arquitectos y obras del neoclásico español:
Ventura Rodríguez: Iglesia de San Marcos, Madrid, 1753.
Francesco Sabatini (1722-1797): Puerta de Alcalá, Madrid, 1778.
• Iglesia de San Francisco el Grande, Madrid (fachada y
decoración)
• Aduna de Madrid ( hoy Ministerio de Hacienda)
Antonio López Aguado: Puerta de Toledo, Madrid, 1826.
Juvara y Sachetti: Palacio Real, Madrid
Juan Soler y Faneca: Lonja de Barcelona.
Francisco Daniel Molina: Plaza Real de Barcelona, 1859.
Resumen de los aspectos principales
El neoclásico que se convirtió en un estilo internacional coincidió en
general con los ideales democráticos promovidos por la Revolución
Francesa y su inspiración la buscó en el mundo grecorromano.
268
Ya no se pide la obra única para una élite como en el Barroco sino
que el Estado y los inversionistas privados piden al arquitecto obras
con fines sociales dentro de una gran variedad temática: hábitat (
individual y colectivo), mercados, hoteles, cárceles, estaciones de
ferrocarril, teatros.
El neoclásico configura el edificio según los principios clásicos;
axialidad, simetría, supeditación de espacios secundarios,
monumentalidad. Los valores de significado (órdenes, columnas,
cornisas, etc. se combinan según el tema. Esto permite resolver
cualquier tema aunque sea inédito y lograr una coherencia estilística
dentro de la ciudad.
En las ciudades se hacen nuevos centros urbanos y la irregular trama
medieval se sustituye por una trama continua y regular donde
alternan edificios y áreas verdes.
Preguntas para el autoestudio
1.- Influencias de la revolución industrial en la arquitectura y el
urbanismo entre los siglos XVIII y XIX.
2.- ¿Qué factores influyen en la difusión de un gusto por el arte
clásico en el siglo XVIII?
269
3.- Componentes esenciales de los códigos neoclásicos.
4.- ¿Cuál es la situación económica, política y cultural de la Europa
del neoclásico?
5.- Dicotomía entre la arquitectura y la ingeniería.
6.- Haga un cuadro con las características del neoclásico en Francia,
Inglaterra y España. Grafique las principales obras de los tres
países.
270
GUIA DE ESTUDIO TEORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO
Tema no. 1 El academicismo y el inicio de la ruptura de sus principios.
Sumario: El eclecticismo. Factores condicionantes de la arquitectura y
el urbanismo en la etapa en que se consolida la burguesía financiera e
industrial en Europa. Modelo urbano de la burguesía europea. París,
sistema simbólico funcional. Persistencia de los códigos clásicos.
Fundamentos del eclecticismo.
Objetivos
1.- Precisar las condicionantes que definen la etapa de la
consolidación de la burguesía financiera e industrial europea y su
repercusión en las estructuras urbanas y arquitectónicas.
2.- Evidenciar la nueva escala urbana para las nuevas estructuras
funcionales de la burguesía y la delimitación de los sectores de
asentamiento de la burguesía y el proletariado.
3.- Precisar en las nuevas obras arquitectónicas los códigos clásicos y
los diferentes modelos históricos occidentales y de otras culturas.
271
Bibliografia
Capitalismo y Socialismo, La Habana, Editorial Arte y Literatura,
1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981.
3.- John Summerson. El lenguaje clásico de la arquitectura de Juan
Bautista Alberti a Le Corbusier., Barcelona, Editorial Gustavo Gili,
1963.
4.- Kenneth Frampton. Historia crítica de la arquitectura moderna,
Barcelona, Editorial G. Gili, 1984.
Conceptos fundamentales
.En el siglo XIX el capitalismo llegó a un grado de industrialización que
trajo un desarrollo de las ciencias naturales y aplicadas que se vinculó
al pensamiento filosófica de la época, el positivismo. Además surgió
una nueva tendencia filosófica, el materialismo histórico y dialéctico.
También en el siglo XIX nació la teoría, la historia y la crítica de la
arquitectura, pues hasta el siglo XVIII la arquitectura se concebía
como un concepto de validez universal, con un carácter ahistórico.
272
La arquitectura se valoraba por la gran obra. El Iluminismo trajo un
nuevo concepto de la historia relacionado con la recuperación del
pasado cultural. La historia del arte se veía como una sucesión de
estilos, obras y artistas importantes dejando a un lado la actividad
conformadora del arte, los edificios y la ciudad.
A partir de la segunda mitad del siglo XVIII los arquitectos emplean
los elementos formales del pasado con entera libertad los elementos
formales del pasado, lo griego, lo romano, lo medieval, lo renacentista,
incluso de las culturas orientales y con éstos resolvía los nuevos
temas. Seleccionaban elementos de cada estilo, los analizaban y los
incorporaban según sus necesidades. Surgía así el eclecticismo.
El eclecticismo como estilo artístico abarcó el período entre 1830 y
1870. Este término lo usó por primera vez Diderot para referirse a la
filosofía. Para él un filósofo ecléctico era aquél que pasando por
encima de todo pensaba por sí mismo, volvía atrás a los principios
generales y aceptaba todo lo que surgía de su experiencia y razón.
Desde la segunda mitad del siglo XIX los hallazgos arqueológicos
demostraron que existían alternativas más complejas que el sistema
de codificación clásico.
273
En el siglo XIX se multiplican los temas arquitectónicos: estaciones
de ferrocarril, cárceles, teatros, fábricas, bolsas, mercados, museos,
y este lenguaje se adecua a cada situación específica, lo que exigía
un aporte personal para resolverlo.
En el siglo XIX se produjo un cambio de escala en el trabajo del
arquitecto, ya no se trata el edificio aislado sin vínculo con el entorno,
sino que se debía plantear el edificio a escala urbanística y resolver
los problemas de diseño urbano. Este cambio de escala trae aparejado
el trabajo en equipo y la asimilación de las nuevas técnicas y
materiales. Ejemplos:
Henri Labrouste: Biblioteca de París, 1843-50, (fachada ecléctica e
interior con bóvedas de hierro).
Le Vesinet: Iglesia en St. Germain-in-Laye,1864, (de hormigón armado
y estilo neogótico como era usual para la iglesia).
L. A. Baileau: Iglesia de Santa Eugenia, París 1854 (estilo gótico con
estructura de hierro).
Puente Alejandro II, París, 1858.
La arquitectura ecléctica satisfizo las necesidades del individualismo
burgués de que cada cual tuviera una casa diferente, aspecto
274
vinculado con la exteriorización de la riqueza en un nuevo ámbito, la
ciudad, la cual también se transformó. Las calles tortuosas se
convierten en amplios boulevares que culminaban en edificios
suntuosos y paradigmáticos como:
La Ópera de París (1862-1875) del arquitecto Charles Garnier (1825-
1898). La Ópera fue el modelo para teatros y edificios recreativos
posteriores y expresó la asimilación por parte de la burguesía en el
poder del modo de vida del antiguo régimen, principalmente el lujo, en
su arquitectura y en el vestir. Sus salones se conciben para exhibir
vestidos y joyas en medio de columnas de mármol policromadas,
refulgentes arañas, pinturas murales, tapices costosos, cortinas de
terciopelo que reproducen el ambiente y el gusto de la Corte de
Versalles.
El eclecticismo hizo un uso simbólico de los códigos. La iglesia
empleó los códigos neogóticos, el banco los códigos romanos y el
palacio de justicia las formas griegas, nada de esto afectaba ni la
base técnico-constructiva ni el sistema de composición clásica.
Otras obras eclécticas:
• Iglesia del Sagrado Corazón de Montmartre, París, 1874
275
• Palacio de Justicia, París
• Palacio de Justicia, Roma
Bajo el Imperio Napoleónico se restauraron las catedrales de Saint
Denis, Seus , Rouen y Saint Germain. En 1834 se creó la Societé
Française dÁrchéologie y en 1837 la Comisión de Monumentos
Históricos. El estudio de las formas medievales y los problemas de
construcción influyeron en que estos códigos pasaran a la vivienda y a
los edificios públicos, a pesar del rechazo por parte de la Academia
del neogótico.
En Francia Viollet-le-Duc (1813-1879) fue un profundo admirador del
estilo gótico por la claridad de su sistema constructivo, la economía
de sus soluciones y su sinceridad estructural y personalmente dirigió
infinidad de restauraciones de catedrales.
Francia e Inglaterra eran las dos potencias rivales del momento. Sus
jefes políticos, la Reina Victoria y Napoleón III querían hacer de sus
respectivos países paradigmas de la cultura universal, precisamente
en ambos lugares se dio el eclecticismo con gran fuerza. Esta fue
276
una época de grandes de grandes contradicciones sociales que se
expresaban a nivel de ciudad. Si en el siglo XVIII el proletariado
ocupaba el casco histórico y la burguesía la periferia, en el siglo XIX
la burguesía recupera el casco histórico y el proletariado va para el
suburbio industrial. En el centro se ubican monumentos, edificios
públicos, comercios y el hábitat de la burguesía. Precisamente, a
estas intenciones obedecen las más importantes transformaciones
urbanísticas de la época.
El Plan Haussmann (1853-69) diseñado y ejecutado bajo el gobierno de
Napoleón III quería hacer de París la capital del mundo. Este fue el
primer ejemplo de un programa urbanístico en toda la ciudad realizado
solo en dieciséis años. El anterior trazado de París era medieval y las
murallas frenaban su crecimiento, pues ya en 1870 esta capital
contaba con dos millones de habitantes.
El Plan Haussmann tuvo como objetivos aislar grandes edificios y
monumentos para emplearlos como puntos de fuga y facilitar el
acceso. Mejorar el estado higiénico de la ciudad. Crear una
infraestructura moderna (acueducto, alcantarillado, desagües,
iluminación con gas, transporte público, cementerio, recolección de
277
basura, mataderos, mercado central). Crear un sistema verde a escala
de barrio y a escala metropolitana (Bosque de Boloña y Bosque de
Vincennes). Crear amplios boulevares que permitieran luz, aire, el
acceso de las tropas y los cañones para reprimir las revueltas obreras,
además vitar congestionamientos.
Las obras se ejecutaron con recursos del Ayuntamiento en
combinación con capitales privados. Se demolieron edificios
medievales y se construyeron edificios públicos, comerciales y
residenciales con códigos eclécticos. Los edificios de apartamentos
tenían entre seis y siete pisos, locales comerciales en planta baja,
viviendas económicas en buhardillas para personas de bajos ingresos.
Estrechos patios para iluminar los apartamentos interiores.
Uniformidad de basamento, cornisa, altura.
En 1859 se anexionaron once municipalidades alrededor de París con
los que las doce anteriores aumentaron a veinte. Se elaboraron
normas urbanísticas entre ellas la relación entre ancho de la calle y
alto del edificio, la licencia obligatoria para construir y que el Estado
asumiera la parte militar y los puentes.
El Plan Haussmann se difundió como modelo por Francia y por el
278
extranjero. En Francia se transformaron las ciudades de Lyon y
Marsella en 1864; Montpellier en 1868, así como Toulouse, Rouen y
Avignon. En el resto de Europa el ensanche de Barcelona de 1859, el
de Estocolmo en 1866 y la transformación de Viena en 1792. En
México, el Paseo de la Reforma se inspiró en los Campos Elíseos.
Estas experiencias se extendieron al siglo XX con los planes para
Chicago, 1906; Canberra, 1911 y el plan Forestier para La Habana de
1925, entre otros.
En este período la variante neogótica fue importante en Inglaterra,
este ideal se vinculó a la pequeña burguesía que valoraba el pasado
medieval. Se reconstruyeron, restauraron y se hicieron más de cien
iglesias, sobre todo en los suburbios obreros. Los edificios más
importantes del neogótico se hicieron en Inglaterra:
• Parlamento de Londres,1840 del arquitecto Charles Barry
(1795-1866) y Welby Pugin (1812-1852). En 1834 se quemó el Palacio
de Westminster y se convocó un concurso en 1843 que contemplaba el
uso de los códigos neogóticos.
• Palacio Brington, 1812, arquitecto John Nash.
• Monumento al Príncipe Alberto, arquitecto Gilbert Scott (1811-
279
1878).
• Estación San Pancracio, Londres 1865, arquitecto Gilbert
.Scott.
• Palacio de Justicia , Londres, arquitecto G. Street.
• Iglesia de San Albano, Londres, arquitecto William Butterfield
(1814-1900).
• Palacio de Justicia, Londres, arquitecto George Street (1824-
81).
• Hoteles del Strand y el Regent´s Street.
En Inglaterra se restauraron además edificios medievales como:
• Residencia del escritor Horace Walpole en Strawberry Hill,
1825.
• El St John´s Collage de Cambridge, 1825, arquitectos T.
Rickman, H- Hutchinson.
• El Castillo de Windsor, arquitecto J J. Wyatville
En Alemania el eclecticismo se consideró como una manifestación del
espíritu germánico. Después de 1840 en que se construyó la Catedral
de Colonia se hicieron muchos edificios eclécticos como:
• La Bolsa,
280
• El Reichstag, arquitecto Paul Wallot.
• La Catedral de Berlín,
• El Museo Nacional de Munich, arquitecto Gabriel Seidl
• La Estación de Francfort.
• Castillos de Luis XII de Baviera.
En Italia la obra más importante del eclecticismo es el monumento a
Enmanuel II (1885-1911) del arquitecto Giussepe Sacconi y un grupo
amplio de escultores, entre los que estuvo Angello Zanelli, autor del
Altar de la Patria y de los relieves del basamento de la estatua
ecuestre. Este escultor realizó las esculturas monumentales del
Capitolio habanero.
La moda ecléctica repercutió en los Estados Unidos. Entre otras obras
están: la Iglesia de la Trinidad en Boston, el Palacio de Justicia de
Pittsburg y la Gran Central de New York). En Canadá el Parlamento
de Ottawa y la Universidad de Toronto. En Cuba el eclecticismo fue el
estilo predominante entre 1900 y 1930
El eclecticismo (1830-1870) y las principales transformaciones de las
principales ciudades reflejaron los intereses económicos y culturales
281
de la burguesía en el poder, la que asumió los patrones de vida de la
aristocracia.
El Plan Haussmann es modelo de plan director urbano que consolidó la
ciudad dual y aplicó los aportes técnicos más avanzados de la época
en el trazado vial, las redes técnicas y las áreas verdes.
Las nuevas tipologías se configuran a partir de los códigos eclécticos.
Estos códigos entran en crisis con el progreso técnico de la
construcción lo que se reflejó en la polémica entre arquitecto-
ingeniero característica de la segunda mitad del siglo XIX.
1.- Señale los elementos esenciales que caracterizaron la arquitectura
y la ciudad de la segunda mitad del siglo XIX.
2.- ¿Por qué se dice que la Ópera de París reflejó la burguesía
industrial y financiera en el poder?
3.- Fundamente el siguiente planteamiento: “Los arquitectos de la
segunda mitad del siglo XIX emplearon con libertad los códigos
heredados del pasado”.
4.- ¿En qué consiste la desvinculación entre los aspectos técnicos
constructivos y formales de la arquitectura ecléctica?
282
5.- ¿En qué consistió el Plan Haussmann y qué importancia tuvo para
la elaboración de futuros planes urbanísticos?
6.- Haga un resumen de las condicionantes del eclecticismo en los
diferentes países europeos y grafique las obras arquitectónicas y
urbanísticas principales.
283
GUIA DE ESTUDIO TEORIA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL
URBANISMO
Tema: El academicismo y el inicio de la ruptura de sus principios.
La arquitectura ferrovítrea. Nuevos materiales y técnicas. El Art
Nouveau.
Objetivos
1.- Explicar los factores que hacen posible una arquitectura
ferrovítrea y el significado de la asimilación de esta por parte de
los constructores.
2.- Analizar los factores condicionantes del Art Nouveau enfatizando
los elementos ideológico-culturales.
3.- Analizar obras representativas de arquitectura y otras
manifestaciones artísticas
Bibliografia
Literatura, 1988.
284
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981
4.- Stephan Tschudi Madsen: Art Nouveau, La Habana, Editorial Arte
y Literatura, 1988
La Revolución Industrial trajo un cambio de escala en la ciudad, con
el desarrollo del transporte aparece el suburbio. En la arquitectura se
desarrollaron nuevos temas, técnicas y materiales.
En la segunda mitad del siglo XVIII se desarrollan los puentes, su
evolución marcó el desarrollo de las estructuras metálicas que debían
cubrir grandes luces y alcanzar máxima ligereza. Entre los puentes
ingleses hechos con hierro fundido están:
• El del río Severn (1779) con 30 m de luz.
• El del río Wear (1790) con 72 m.
• El del río Támesis (1801).
En 1830 se hizo el puente colgante de Clifton sur Avon en Bristol, luz
de 214 m, sus tensores los forman planchas rígidas reticuladas, pues
285
todavía no existían los cables de acero . Y en Francia en 1880 se hizo
el Viaducto del Garabit de Gustave Eiffel, obra que cierra el ciclo de
este tipo de obras en Europa (arco parabólico con estructura de
reticulado).
La tipificación de los perfiles y la aparición de los tensores de acero y
el avance del cálculo de las estructuras tridimensionales permitieron
incrementar luces y desarrollar los puentes colgantes como el de
Brooklyn (1867-83).
La arquitectura en el siglo XIX que combinó el hierro y el vidrio se le
llamó ferrovítrea y formó parte del ámbito urbano. El primer edificio
con estructura de acero fue la Fábrica de chocolate Monier (1872).
La laminación del acero y la producción de piezas estándar en serie
trajo una evolución del repertorio temático: industrias, estaciones de
ferrocarril, almacenes, mercados, bibliotecas, invernaderos. Muchas
de estas obras en su interior presentan estructuras de acero y
cubiertas de vidrio y en su exterior se revestían con una decoración
historicista.
Palacio de Cristal (1851): Joseph Paxton.
Se hizo para la Exposición Universal de Londres, primera de las
286
exposiciones internacionales. Paxton aplicó su conocimiento sobre
invernaderos al nuevo tema y a la nueva escala. Aplicó un sistema
constructivo a base de elementos seriados para un nuevo tema y su
resultado fue una obra de significación técnica, espacial y cultural.
Su esquema es longitudinal con tres pisos escalonados. Transepto
cubierto con bóveda. Cinco naves con luces de 7, l4 y 21 metros, ésta
última la nave central. La ventilación se resolvía con ventanas de
tablillas en la parte superior. El desagüe era a través de las columnas
de hierro de la estructura.
El Palacio de Cristal rompió con la arquitectura tradicional que era
maciza, y con espacios cerrados y compartimentados y en su lugar
propuso una obra ligera, transparente y con continuidad espacial.
Para la Exposición de 1889, la más importante del siglo XIX, se
construyó la Torre Eiffel, hecha por el arquitecto Gustave Eiffel quien
creó nuevos métodos para emplear el hierro y el acero laminado,
inventó la viga de celosía que aportaba más resistencia con el peso
mínimo y empleó el concepto de prefabricación de la era industrial.
En la construcción de la torre se emplearon siete mil toneladas de
acero, y consta de cuatro pilares de concreto hundidos siete metros
287
bajo tierra, barras planas y soportes angulares.
Art Nouveau
Surgió a fines del siglo XIX y se extendió hasta la Primera Guerra
Mundial. Esta fue la llamada Belle Époque, período de auge
económico, dinero sobrante y de grandes diferencias sociales.
Francia poseía grandes capitales bancarios y una gran exportación de
capitales. Florecía el optimismo y la creencia en la capacidad del
hombre de dominar la naturaleza. Es la época de las exposiciones
universales, de la Torre Eiffel, de la vida nocturna, de la vida
mundana, del París transformado por Haussmann. Época de
despreocupación en que sólo se quería ver el signo externo del
progreso, entusiasmo que terminó con la guerra.
El Art Nouveau se expandió por toda Europa con diferentes
denominaciones, Modernismo, Secesión, Modern Style. Representó el
interés de la burguesía financiera e industrial de buscar un nuevo
repertorio vidual lejos del historicismo. En sentido general fue un
estilo de élite, aunque hubo obras de un carácter social como el
Palacio de los Sindicatos belgas de Victor Horta en Bruselas y la
Estación del Metro de París de Guimard.
288
A pesar que la burguesía estaba vinculada a la Revolución Industrial
que suponía una producción en serie, el valor estético lo siguió
vinculando con lo artesanal y la obra única, por eso trabajó el hierro a
mano.
Respecto al historicismo el Art Nouveau fue una ruptura y una
continuidad. Continuidad porque asumió el principio de la decoración
aunque con un carácter más abierto, lo que hizo posible una
expresión individual. Ruptura porque cuestionó los códigos clásicos
como valores eternos y exaltó la creatividad y el carácter expresivo
del objeto.
Aunque el Art Nouveau tiene rasgos generales que son comunes,
existen diferencias nacionales en cuanto a la forma. En Francia y en
Bélgica se desarrollan formas naturales, a veces abstractas de gran
dinamismo en las que se exalta la estructura del objeto.
Hector Guimard (París 1867- New York 1942).
• Metro de París, 1899-1900.
• Castel Béranger, París, 1894-1898. En estas obras se emplea el
hierro y el vidrio, la decoración Art Nouveau y el azulejo
policromado.
289
Victor Horta Bruselas 1861-1947).
• Casa Tassel, Bruselas 1892. La escalera domina el espacio,
estructura de hierro en fachada, uso de bow window, fachada
en S, guarniciones de hierro.
• Hotel Solvay, Bruselas, 1895. Fachada con elementos
verticales, en el interior unidad entre muebles y accesorios,
revestimiento de madera, colores claros, figuras geométricas.
• Casa del Pueblo, Bruselas 1896-1899. Primera fachada de
hierro y cristal en Bélgica. Soportes de hierro laminados y muros
exteriores de carga. Ventanas para el público ornamentadas con
la misma viga de sustentación. En la sala de espectáculos las
vigas de la estructura caracterizan la decoración del ambiente.
La escalera destaca la estructura. Este edificio fue demolido en
1966.
Dentro del Art Nouveau francés es importante la Escuela de Nancy
creada en 1901 trabaja objetos de lujo (faenza y muebles) con una
decoración de flores y plantas. La figura representativa es Emile Gallé
(1846-1904). Gallé ocupa un lugar fundamental en la vidriería Art
Nouveau (jarrones, floreros, piezas complejas experimentales).
290
También está Louis Majorelle, diseñador de muebles. Su taller
“Maison Majorelle” creó un nuevo concepto del mueble, no como un
objeto en sí mismo sino integrado en el conjunto.
En Francia también está René Lalique (1860-1945), el más
importante joyero de Europa en el encuentro de los dos siglos. Hacía
las joyas de la famosa artista Sarah Bernhardt. Presentaba a la mujer
fundida con la naturaleza, un ejemplo de esto es su broche en forma
de libélula diseñado para la famosa artista francesa. Empleaba el oro
y el esmalte, material este que sólo se empleaba en el damasquinado
de las armas. Fue un innovador pues mejoró la maquinaria para la
joyería, introdujo nuevos materiales desde las astas hasta las piedras
opalescentes semipreciosas. Situó a la joyería sobre la escala de
valores del siglo XIX que sólo tenía en cuenta la suntuosidad, ahora
se valoraba el diseño.
El Art Nouveau inglés tuvo en Charles. R. Mackintosh (1868-1928) la
figura más representativa de la Escuela de Glasgow quien destacaba
el valor decorativo de la línea. Empleó arabescos lineales, madera,
metal y vidrio. Diseñó muebles con motivo de vainas, capullos y
figuras femeninas alargadas, usó colores blanco mate, gris perla y
291
rosa lila. El ornamento no domina al objeto como en el Art Nouveau
francés o belga. Mackintosh, el arquitecto de la Escuela de Glasgow
(1898-99) fue no sólo el diseñador inglés más importante de fines del
siglo XIX sino el precursor del movimiento moderno en Gran Bretaña.
En los EEUU se destacó a nivel internacional Louis Confort. Tiffany
(1848-1933) quien desde 1878 tenía una empresa dedicada a las artes
decorativas. Trabajó sobre todo el vidrio. Sus figuras son finas y
ligeras, alargadas, sugerentes de tallos y flores. Trabajó el vidrio
soplado, la cerámica, la joyería y las lámparas. Su aporte al Art
Nouveau fue el vidrio irisado (dispersa la luz como un arco iris). Sus
lámparas Wisteria y Flor de Loto están entre las más famosas.
En España, dentro de los arquitectos del Art Nouveau está Antonio
Gaudí (Barcelona 1852-1926). Barcelona era una ciudad moderna en
el siglo XIX donde la renovación se vinculó con el espíritu nacional.
Entre las obras de Gaudí están:
• Casa Vicens (1878-1880). Primera obra que se aparta de lo
histórico. Revestimiento cerámico policromo en fachada. Verjas
de hierro en forma de palmetas.
• Palacio Guel, Barcelona, 1885-1890. Puertas de hierro forjado
292
en forma de serpientes enroscadas bajo un arco parabólico.
• Casa Batló, Barcelona 1905-1909. Ventanas ovales y formas
pétreas retorcidas y ondulantes.
• Casa Milá, Barcelona, 1905-1910. Alrededor de dos patios
irregulares. Muros de carga en fachada y patios, fachada
escultórica, revestida de cerámica blanca de forma ondulante.
Chimeneas y tubo de ventilación con formas abstractas y
expresionistas.
• Parque Guel, Barcelona 1900-1914. Refleja la idea del Art
Nouveau sobre la unión arte-naturaleza. Es una nueva
concepción de parque con casinos, pabellones, mercado,
anfiteatro y paseos cubiertos. Recubrimiento cerámico con
fragmentos de vajillas y cerámica fabricada con ese fin. Muros
inclinados, puentes, jardineras de piedras rústicas. Banco
ondulado revestido de cerámica.
• La Sagrada Familia, Barcelona, 1882-1926. En su inicio fue un
proyecto gótico del arquitecto Villar, y al morir éste lo heredó
Gaudí en 1884. En 1891 se terminó la cripta según planos
originales, y se comenzó la fachada. En 1906 se terminan las
293
torres recubiertas de cerámica vidriada con elaborados
remates. Sus torres se elevan a 100 m de alto con perfil de
parábola.
Otro arquitecto de Barcelona es Luis Doménech Montaner (1850-
1923). Hizo el restaurante para la Exposición Universal de 1888
realizada en Barcelona que tuvo un amplio uso de la cerámica, y el
Palacio de la Música (1905-1908) de hierro, cristal, zócalos de
cerámica, vitrales y esculturas.
Resumen de los aspectos principales:
La Revolución Industrial influyó en todos los aspectos de la vida, en la
ciudad trajo una nueva escala y trajo el uso de nuevos materiales y
técnicas.
El Art Nouveau fue un estilo breve porque no dio respuesta a la
relación máquina-norma estética. No resolvió un diseño acorde con la
producción en serie. Fue un estilo dependiente de la decoración,
rechazó la decoración historicista, pero creó una nueva decoración
donde lo constructivo se subordinó a lo decorativo. Fue un estilo de
élite, pues su campo preferente fue la joyería, los muebles, la
cristalería artística y los tejidos elegantes Con la importancia que le
294
otorgó a los valores plásticos preparó el camino a la arquitectura
moderna y las artes aplicadas porque elevó a artes menores como la
joyería a rango artístico y estableció un concepto de unidad en la
decoración interior a partir de colores claros que reemplazaron la
oscuridad anterior de los interiores.
1.- Analizar la influencia de la Revolución Industrial en la arquitectura
y el urbanismo durante los siglos XVIII y XIX.
2.- Haga una relación de obras dentro de la denominación de
ferrovítrea, diga sus características y grafíquelas.
3.- Valore el aporte de Joseph Pastón con su Palacio de Cristal.
4.- Analice las diferencias entre el Art Nouveau en Francia, Bélgica,
Gran Bretaña y Barcelona.
5.- Haga una relación de las obras de la arquitectura Art Nouveau,
diga sus características. Grafique una obra de cada arquitecto.
295
GUÍA DE ESTUDIO TEORÍA E HISTORIA DE LA
ARQUITECTURA Y EL URBANISMO
Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema: El academicismo y el inicio de la ruptura de sus
principios.
Sumario: Ciudad y arquitectura en los Estados Unidos. La
Escuela de Chicago. Wright. Las Casas de las Praderas.
Objetivos
1.- Analizar la renovación del sistema figurativo urbano y
arquitectónico en los estados Unidos a fines del siglo
XIX y principios del siglo XX
2.- Precisar que el desarrollo urbano y arquitectónico
en la etapa está condicionado `por las nuevas
estructuras del capital monopolista.
3.- Analizar el vínculo entre la `propuesta de hábitat
individual de Wright (Casas de las Praderas ) y los
valores de la pequeña y mediana burguesía
norteamericanas.
296
Bibliografia
Literatura, 1988.
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna
,La Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981, tomo 1,
cap. 8
3.- Giedion. Espacio, tiempo y arquitectura. El futuro de una
nueva visión. Editorial Científico-Médica, Barcelona, 1955
4.- Gerd Hatje. Diccionario Ilustrado de la arquitectura
contemporánea, La Habana, ICL, Ediciones
Revolucionarias, 1968
La Escuela de Chicago es un grupo de arquitectos que
realizaron un conjunto de edificios comerciales y de
oficinas en Chicago entre los años 1870 y los inicios del
siglo XX en una extensión aproximada de unas doce
manzanas que se caracterizaron por tener estructura
metálica como soporte. De esta escuela se derivó un
297
lenguaje innovador anticipador del Movimiento Moderno.
Inventaron los cimientos flotantes para resolver el
problema del suelo pantanoso de Chicago. Introdujeron
la ventana extendida en horizontal. Estas construcciones
se iniciaron después que Chicago fuera devastada por el
fuego. Sobre el antiguo pueblo de construcciones de
madera se levantó un moderno centro de negocios con
los nuevos métodos constructivos.
En la segunda mitad del siglo XIX los EEUU que habían
sido un país agrícola se integró al grupo de países
industrializados y en cincuenta años competía con
Alemania e Inglaterra, y habían pasado a la fase
imperialista. En 1776 se hizo la Declaración de
Independencia y se produjo una expansión territorial, se
eliminaron las trabas para el desarrollo capitalista,
fundamentalmente en el norte, y en el sur se desarrolla
una agricultura con mano de obra esclava. Hay una
fuerte inmigración hacia el oeste donde se fundan
estancias agrícolas y ganaderas.
298
Después de la Guerra de Secesión (1861-65), se aceleró
la producción industrial, se concentró el capital
financiero y se incrementó la población urbana por la
gran migración europea. En 1820 tenía 9 millones de
habitantes, en 1850, 23 millones y en 1900, 75 millones.
La vastedad del territorio contribuyó al desarrolló del
ferrocarril, también se incrementó la producción de
ropas, alimentos, muebles, etc. Chicago se convirtió en
el núcleo productivo-administrativo y New York en el
centro financiero del país.
Las nuevas funciones urbanas asumen una tipología
inédita: el rascacielos, originada, sobre todo, por el alto
valor del suelo, y por la estructura metálica como
soporte y el uso del elevador que permitió una altura
entre ocho y diez plantas. El elevador, primero fue de
vapor (1868) y después eléctrico (1887).
En puertos y zonas industriales antes había aparecido
una arquitectura de hierro fundido: silos, puentes,
fábricas, estaciones de ferrocarril,. vinculada a James
299
Bogardus (1800-1874).
Henri Hobson Richardson (1838-1886) a pesar de ser un
impulsor de una arquitectura nacional mantiene en su
obra el repertorio ecléctico. Lo que puede apreciarse en
las Tiendas por Departamentos. Marshal Field (1885-87),
donde empleó códigos neorrománicos.
Richard Morris Hunt (1827-1895) y George B. Post (1837-
1913)
• Tribune Building (1895)
• Western Union Building. En estas obras emplean
las nuevas estructuras, pero en lo externo
conservan los códigos clásicos, lo que reflejaba no
sólo el gusto del cliente sino la formación Beau-
Arts de los arquitectos norteamericanos que habían
estudiado en Europa.
El paso de la estructura de hierro fundido a los pilares
de acero y la presencia del elevador OTIS hizo posible
mayor altura. También contribuyeron a los edificios altos
el empleo de infraestructuras tecnológicas como
300
tuberías, teléfonos, sistemas de calefacción, aire
acondicionado y la electricidad.
William Le Baron Jenney (1832-1907): Ingeniero graduado
en la École Polytechnique de París, profesor en la
Universidad de Michigan. Fundador del estilo comercial
de Chicago, fue el primero que usó una estructura
meteálica protegida contra incendios. Entre sus obras
están:
• Primer Leiter (Chicago 1879), estructura de
fundición. Emplea en su estructura figurativa el
basamento de piedra, la pilastra y el entablamento
clásico, forma que se contradice con su estructura
avanzada.
• Home Insurance Building (1883-1885). Demolido en
1929. Estructuras metálicas, aunque hay muros de
cargas. No se aparta del historicismo.
• Manhattan Building (1889-1890), con dieciséis
pisos y esqueleto de acero.
• Segundo Leiter Building (1889-1891), sin muros de
301
carga, se aparta del historicismo. Ocho plantas. Le
Baron Jenney impulsó la Escuela de Chicago desde
el punto de vista técnico.
William Holabird (1854-1923) y Martin Roche.
• Tacoma Building (1889). Derribado en 1929. Doce
pisos, estructura mixta con algunos muros de carga
interiores y exteriores. Entramado metálico,
desistió de la decoración historicista.
• Pontiac Building (1891). Sin decoración, cornisa
lisa, elementos verticales.
Daniel Hudson Burnhamm (1846-1912) y John Welborn
Root (1850-1891). Ambos representan la línea
historicista.
• Monadnock Building (1889-1891). Dieciséis pisos,
muros exteriores de ladrillos, lisos. Ladrillos
soportados en los salientes por ángulos de acero.
Cornisa y base curvas. Último de los edificios de la
Escuela de Chicago con muros externos de carga.
• Templo masónico (1892): Veintidós pisos, el más
302
alto del viejo Chicago. Volumen sobre un
basamento de arcos con techo inclinado de
inspiración románica.
• Reliance Building (1890-94): Cinco pisos, vidrio y
losa esmaltada. En 1895 se le añaden diez pisos. Es
el primero que exterioriza su estructura metálica.
Louis Sullivan (1856-1924). El mayor protagonista de la
Escuela de Chicago. Estudia en la École des Beaux Arts
de París. Afrontó el tema del edificio de oficinas no como
un simple problema técnico funcional sino como un
problema cultural y social. Dos edificios resumen sus
búsquedas formales y funcionales:
• Guaranty Building (Búfalo 1894-95)
• Wainwright Building (San Louis 1890-91). Sullivan
trata la zona intermedia del rascacielos como un
elemento unitario, subraya las divisiones verticales
que las contrapone al basamento y al ático
horizontales.
Sullivan construyó dos de los edificios más importantes
303
de Chicago: el
Auditórium (1889) y el Carson, Pirie & Scott (1903).
El Auditorium es un edificio que por su polifuncional
anuncia soluciones del siglo XX. Es renovador en la
técnica, usa arcos elípticos ara efectos acústicos y crea
un escenario giratorio. En el Carson la cornisa es
mínima, el basamento ya no es una forma maciza y el
cuerpo central destaca una composición horizontal.
Asociado con Dankmar Adler, Sullivan hizo el Schiller
Building, 1892 y el Guarante Trust Building, 1895.
Sullivan buscaba una arquitectura que expresara los
valores del pueblo norteamericano, pero estos intereses
no coincidían con los de los comitentes que preferían los
códigos eclécticos europeos. Sullivan también valora los
aspectos sociales y comunicativos de la arquitectura.
Pero a pesar de esto no pudo desprenderse de su
formación clásica e intentó conciliarla con el
rascacielos. A fines el siglo XIX Sullivan se dedicó a
escribir. De su pluma son: Kindergarten Chats (1902) y A
304
sistem of arquitectural ornament according with a
philosophy of man´s power.
A pesar que la Escuela de Chicago se adelantó al
racionalismo europeo, la Exposición de 1893 significó el
retorno al eclecticismo.
Frank Lloyd Wright (Wisconsin 1867- Taliesen, West
Arizona, 1959).
La Escuela de Chicago no se interesó por la vivienda,
pero el desarrollo de las grandes ciudades trajo la crítica
de la ciudad industrial y la valoración del ambiente rural
y natural, el trabajo artesanal vinculado al hábitat de la
pequeña y mediana burguesía que se instaló en el
suburbio. Wright fue el que canalizó esta tradición en los
EEUU.
Wright se formó en el Taller de Sullivan y Adler con
quienes estuvo hasta 1893 en que puso su propio taller
en Chicago. Al igual que Sullivan quería hacer una
arquitectura independiente de los estilos históricos
tradicionales. La primera parte de su obra la conforman
305
las llamadas “Casas de las Praderas”, viviendas hechas
en las afueras de Chicago entre mediados de la década
del 90 del siglo XIX y 1910. Esta arquitectura parte de
Sullivan, por la individualidad del cliente y la relación
entre la decoración y los materiales.
Entre las “Casas de las Praderas” están: Casa Wislow
(1893), Casa Evans (1900); Casa Willits (1902); Casa
Martin (1904); Casa Roberts (1908), Casa Coonley (1908).
Entre estas casas se destaca la Casa Robbie (1909).
Planta en forma de cruz con chimenea central, cubierta
en voladizo, basamento de ladrillo que articula la casa
con el terreno. El volumen en forma de caja se
reemplaza por una interpenetración dinámica.
Características de las casas de las praderas:
Plantas en X, L o T.
Hall de entrada.
Divisiones interiores mínimas: continuidad espacial.
Integra sala-comedor-cocina
Evita el concepto de habitación como caja cerrada.
306
El espacio parte del centro: la chimenea, como la casa
tradicional norteamericana.
Faja continua de ventanas. Ventana en esquina.
Cubiertas en voladizo.
Techos inclinados.
Muros de piedra o ladrillo.
Basamento, elemento articulador con el terreno.
Ornamento nacido del material ( ladrillo a vista, madera
sin pintar).
Calefacción en el suelo, iluminación en el falso techo.
Diseño de muebles para cada vivienda
En estas casas Wright logra una síntesis entre lo nuevo
y lo viejo, la tradición y la renovación.
Resumen de aspectos principales
A partir de 1850 se produjo una transformación en la
sociedad norteamericana de concentración de las
actividades industriales. Se forman las ciudades
industriales y la población es fundamentalmente urbana.
En Chicago, convertido en un centro de negocios se dio
307
una nueva solución arquitectónica: el rascacielos con
estructura metálica como sustentación para resolver el
edificio comercial y de oficinas. Dentro de la Escuela de
Chicago, Sullivan fue el arquitecto más original.
La Escuela de Chicago no se interesó por la vivienda,
esta temàtica es abordada por Wright quien desarrolla la
tipología de vivienda individual conocida como “casas
de las praderas” que representa una arquitectura
original, auténtica dentro de una tradición nacional.
.Preguntas para el autoestudio
1.- Influencia del desarrollo industrial norteamericano en
el desarrollo de la tipología del rascacielos.
2.- ¿Qué fue la Escuela de Chicago y quiénes fueron
sus principales figuras?
3.- Haga una relación de los rascacielos de la Escuela
de Chicago y grafique una obra de cada arquitecto.
4.- Explique las características de las “casas de las
praderas”. Grafique al menos dos obras.
308
GUÍA DE ESTUDIO TEORIA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL
URBANISMO
Tema: El academicismo y el inicio de la ruptura de sus principios.
Sumario. Crítica a la ciudad industrial. Socialistas utópicos. Ciudad
jardín. Ciudad lineal de Soria y Mata. Plan Cerdá.
Objetivos
1.- Analizar las diferentes críticas a la ciudad industrial.
2.- Precisar la trascendencia urbanística de la ciudad jardín, la
ciudad lineal y el Plan Cerdá.
3.- Destacar la influencia de las diferentes propuestas utòpicas en la
legislación y el urbanismo posteriores.
Bibliografia
Literatura, 1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981, tomo 1
309
Conceptos básicos.
La Revolución Industrial transformó el pensamiento y todos los
aspectos de la vida:
• Proletarización de artesanos y pequeños comerciantes.
• La ciudad se convierte dual.
• Luchas políticas y sociales de los desposeídos por sus
derechos.
• Desarrollo de la filosofía marxista: concepción materialista de
la historia.
• Crítica a la cultura oficial por sectores de la pequeña
burguesía intelectual de la ciudad industrial. Se plantea una
vuelta al medioevo donde se dice había coherencia y equilibrio
social. Esto traduce el rechazo del ambiente urbano
transformado por la industria.
310
Se produce una crítica culturalista en la que la ciudad se ve como
algo desagradable lo que se aprecia en la novela Tiempos Difíciles de
Charles Dickens cuyos personajes se ubican en Coke Town, una
ciudad llena de humo y cenizas, con personas, calles y edificios
monótonos e igualmente desagradables desde el punto de vista
auditivo, visual y olfativo. No es hasta fines del siglo XIX que se
acepta la presencia del ferrocarril y la arquitectura industrial, por eso
fue posible el Art Nouveau. Esta crítica culturalista que parte de un
criterio estético, plantea que la producción industrial de objetos
copia estilos del pasado y hace una mezcla de mal gusto, por tanto es
preferible volver a la producción artesanal.
Auguste Pugin en su libro Contrast de 1836, plantea recuperar la
moral a través de la religión católica y expresarse mediante formas
góticas. John Ruskin decía que la máquina mataba el sentido de la
belleza. En Las siete lámparas de la arquitectura propugna la
honradez estructural y critica el engaño ecléctico. William Morris,
discípulo de Ruskin, planteaba que el arte debía estar al alcance de
todos y crear un ambiente agradable para el proletariado. Además
desechaba los productos de la industria por su mal gusto. En 1861
311
creó la Compañía Morris para el diseño de libros, carteles, telas,
muebles, vitrales hechos artesanalmente, llamó la atención sobre la
calidad del diseño y buscó formas fuera de lo ecléctico. En 1888 creó
el grupo Arts and Crafts que ayudó a propagar sus ideas. Esta
compañía fue un antecedente de la Bauhaus y el diseño moderno. La
Casa Roja del arquitecto Philip Webb expresó las ideas de Morris
aplicadas en la arquitectura. Los escritos de Ruskin y de Morris
recogen la idea de Ledoux de que la arquitectura es un instrumento
de transformación social, ideal que retomó Le Corbusier en LÉsprit
Nouveau.
Los socialistas utópicos.
Critican la sociedad industrial desde el punto de vista de la
alienación del hombre y del desequilibrio hombre-naturaleza. Plantean
el contacto con la naturaleza para lograr higiene y salud en la
comunidad, la necesidad de conservar el orden y la simplicidad en los
elementos urbanos y arquitectónicos, la educación como instrumento
de mejoramiento del hombre.
Owen y Fourier decían que era necesario abolir la contradicción
entre el campo y la ciudad para lograr nuevas formas de vida. No
312
planteban la lucha de clases y aspiraban a mejorar la humanidad
apelando a las clases pudientes. Veían los males de las ciudades
industriales en la especulación y la división del trabajo y proponían
una ciudad autónoma desde el punto de vista económico con un
número reducido de habitantes.
Robert Owen (Inglaterra 1771-1858). Fue uno de los primeros
reformadores sociales del siglo XIX. En 1799 adquirió una fábrica de
hilado e hizo una fábrica modelo. Cerca de allí construyó una
escuela y un jardín de la infancia. Esta fábrica funcionó entre 1800 y
1829. Su modelo de comunidad planteaba entre 800 y 1200 habitantes
y un acre (100 metros cuadrados) por persona para cultivar con
asada. Servicios colectivos de cocina, comedor, guardería, escuela e
iglesia. Los capitales que se empleaban eran de particulares. La
educación era premisa para transformar al hombre. Sus esperanzas
las fijaban en las clases gobernantes, por eso sus proyectos los
elevó a la Reina Victoria. Sus proyectos los llevó a los Estados
Unidos donde fundó una nueva comunidad que llamó New Harmony
la que funcionó por unos 20 años. En los años 30 Owen radicalizó su
pensamiento y se puso al frente de las Trade Unions inglesas.
313
Charles Fourier (Francia 1772-1837). Sin los recursos económicos de
Owen, pues era un empleado, proclamó el fracaso de los ideales de la
Revolución Francesa. Creía que las acciones de los hombres
derivaban de doce pasiones. Para él en un futuro los hombres
abandonarían la ciudad y se reunirían en falanges de 1620 individuos:
los falansterios, donde a diferencia del proyecto de Owen no se
admitían viviendas separadas. El falansterio era autosuficiente, con
servicios colectivos de cocina, comedor, lavandería, escuela,
biblioteca.
El falansterio era una construcción simétrica con 3 patios y varias
entradas, viviendas con aire y luz, con patios y galerías-calles y
talleres laterales. Esto se intentó varias veces en Francia, sin éxito.
Pero bajo el II Imperio J. B. Godin organizó una experiencia de este
tipo en una fábrica metalúrgica en Guisa, experimento que duró entre
los años 1859 y 1877. El familisterio, como llamó Godin a su
comunidad, eliminó la vida en común y dio a cada una de las cuarenta
familias que vivían en él, una vivienda en un gran edificio con patios,
un jardín de infancia y una sala de reuniones. Tenía además, asilo
para ancianos, teatro, biblioteca, lavandería y comedor.
314
Limitaciones de estos proyectos:
• Un organismo urbano limitado, autosuficiente, sin
posibilidad de crecer ni relaciones con otras comunidades.
• Formas de producción primitivas para evitar las
contradicciones.
• La educación es una vía para modificar al hombre y eliminar
las contradicciones clasistas.
• Apelar a los capitalistas para invertir en estos proyectos y
no tener en cuenta la lucha de la clase obrera.
• No comprender que la transformación física de la sociedad
sólo es posible a través de la transformación social.
Aspectos positivos de las propuestas utópicas
• Hacer énfasis en la higiene, en la sanidad, en la necesidad
de aire y luz, aspectos que influyen en la legislación posterior
en los diferentes países europeos.
• Peso del hábitat colectivo sobre el individual.
Todo esto influye en la creación de los reglamentos sanitarios que se
hicieron en Inglaterra por la presión de las grandes epidemias. Esto
lo tuvo en cuenta Ebenezer Howard (Londres 1850- Welwyn Garden
315
City 1928) en su proyecto de ciudad jardín. Este movimiento de la
ciudad jardín partió de las utopías de la primera mitad del siglo XIX,
comunidad autosuficiente, mezcla de campo y ciudad, significado
social, casa unifamiliar rodeada de jardín que expresa el deseo de
huir de la ciudad.
A fines del siglo XIX se fundan en Inglaterra y Francia varias ciudades
de este tipo, pero a partir de la teorización de Howard estas se
multiplican.
La ciudad jardín era regida por una sociedad anónima propietaria el
terreno. La ciudad jardín debía ocupar con la vivienda y la industria, la
sexta parte del terreno, el resto se destinaba a los cultivos agrícolas.
Alrededor del núcleo urbano un cinturón de factorías. En 1903 a 50
kms de Londres se construyó la ciudad jardín de Letchworth
concebida para 35,000 habitantes. En 1919 se fundó la de Welwyn,
también cerca de Londres, prevista para 50,000 habitantes. El
terreno para agricultura se reduce y esto le resta importancia
económica y la consiguiente autosuficiencia prevista por Howard.
La ciudad jardín de Howard, a diferencia de las utopías de la primera
mitad del siglo XIX tuvo una vida, pero acabó dependiendo de la
316
metrópoli. A partir de 1900 un gran número de suburbios en las
ciudades europeas asumieron la forma de la ciudad jardín.
El concepto de ciudad jardín ha evolucionado, ya no son ciudades
sino barrios satélites de una ciudad, con una relación favorable entre
edificio y zona verde.
De Howard derivó una corriente de pensamiento que recogió el
rechazo de la gran ciudad y el planteamiento del fin de las
Metrópolis, sustituidas por barrios dispersos.
Arturo Soria y Mata (Madrid 1844-1920). La Ciudad lineal.
La ciudad lineal de Soria y Mata deriva de la ciudad jardín. Se
extendía a lo largo de una vía de 500 metros. Pretendía una ciudad en
la que el hombre conservara su individualidad y no perdiera contacto
con la naturaleza. Tenía en cuenta la importancia del ferrocarril,
preveía una vivienda-taller con huerta y jardín con árboles frutales y
animales. La vivienda se separaba de la calle 5 m que se empleaban
para jardín. El objetivo era que los individuos de clase modesta
tuvieran una vida decorosa con condiciones higiénicas y humanas.
Soria a partir de 1890 comenzó una ciudad lineal en Madrid
subvencionada por una sociedad creada por él y en 1920 cuando
317
muere, sólo se había hecho un barrio. Las ciudades lineales se
continuaron en proyectos como el de Broadacre City de Wright en
1930, y los trabajos del grupo MARS entre 1937 y 1942.
Idelfonso Cerdá (Barcelona 1815-1876). Plan de Ensanche para
Barcelona.
Al organizar su plan se enfrenta a los dos problemas más grandes de
la ciudad del siglo XIX, el social y el sanitario. Costeó con su dinero el
plano topográfico y los estudios para el proyecto de ensanche.
Escribió varias obras con las que se adelantó a los urbanistas
posteriores.
El proyecto de ensanche de Barcelona es el primer plan de urbanismo
del mundo hecho a partir de un análisis exhaustivo. Cerdá es el
primer urbanista moderno. Introdujo el concepto de urbanismo como
estudio integral (demográfico, técnico, higiénico, áreas verdes, etc.)
Descubrió los mecanismos del caos urbano y sus soluciones aún son
valiosas.
El plan tiene como componentes dos grandes vías perpendiculares,
como directrices del proceso de urbanización (la Gran Vía y el Paseo
San Juan), cortándose en un punto medio (Plaza Tetuán).
318
Grandes cuadrados de 20 por 20 manzanas (sectores) ordenados
simétricamente respecto a los grandes ejes. A cada sector
corresponden dos parques. Cada sector se subdivide en cuatro
distritos de 10 por 10 manzanas, y los distritos se subdividen en
cuatro barrios de 5 por 5 manzanas con servicios homogéneos.
Densidad de 250 habitantes por hectárea. Las manzanas tenían
chaflanes y al unirse cuatro chaflanes formaban pequeñas plazas. Las
calles tenían 20 m de ancho.
En el primer plan no se preveían más de dos bloques en cada
manzana que daban lugar a la calle corredor y a la transparencia de la
manzana. Cien árboles por manzana, dentro y fuera. La manzana para
Cerdá era la primera entidad de la edificación.
En el segundo plan, los bloques en la manzana no siempre son
paralelos entre sí, ni de forma rectangular. Aparece el bloque en L. Se
mantiene no edificar más de dos lados de una misma manzana y se
deja el espacio de jardín entre ellos. Se elimina la calle corredor.
El casco antiguo se incorporaba como un barrio más a una gran banda
lineal, así el centro de gravedad del nuevo conjunto se desplazaba. No
privilegia el centro sino que enriquecía el conjunto: policentrismo son
319
sus equipamientos a lo largo de toda la trama. Ninguno de los dos
planes de Cerdá se hicieron de forma completa porque no contó con
el apoyo que tuvo Haussmann. Las manzanas se edificaron por sus
cuatro fachadas, haciéndose cerradas. También creció la altura y los
jardines de manzana desaparecieron. Se hizo la red viaria, con su
forma achaflanada en los encuentros.
Resumen de aspectos principales
La Revolución Industrial cambió el mundo, el pensamiento, el modo
de vida, la escala de la ciudad.
En el siglo XIX se agudiza la crítica a la ciudad industrial. Pero se
rechaza como algo desagradable, después los socialistas utópicos
proponen soluciones no tanto irrealizables como insostenibles, pero
dentro de la utopía tocaron aspectos importantes como el problema
sanitario que repercutió en el aspecto jurídico y en el urbanismo
posteriormente.
En la segunda mitad del siglo XIX se hacen propuestas concretas que
acompañaron al surgimiento del urbanismo como disciplina
integradora, tal es el caso del Plan Cerdá, que llamó la atención sobre
el caos urbano y la necesidad de una política urbanística para
320
contrarrestar la avidez de ganancia de la iniciativa privada.
A fines del siglo XIX surgió la ciudad jardín, de la que derivó una
ciudad atomizada.
De todo esto se deriva la importancia de los planes directores con un
carácter científico, además de la voluntad política de los gobiernos
para resolver los problemas de la ciudad que a más de un siglo de las
utopías sigue siendo un problema universal.
1.- Haga un análisis de la influencia de la Revolución Industrial sobre
la vida cotidiana en el siglo XIX, particularice esta influencia en la
arquitectura y el urbanismo.
2.- Haga un resumen de las diferentes propuestas de ciudades de los
socialistas utópicos.
3.- Valore las limitaciones y los aspectos positivos de las diferentes
propuestas urbanísticas que en el siglo XIX criticaban la ciudad
industrial.
4.- Valore la trascendencia del plan Cerdá para el urbanismo
posterior.
321
322
GUÍA DE ESTUDIO Teoría e Historia de la Arquitectura y el Urbanismo
Elaborada por: Prof. Aux. Florencia Peñate Díaz
Seminario 1
Tema: El Academicismo y el inicio de la ruptura de sus principios.
Objetivos.
1.- Precisar las condicionantes que definen la etapa de lucha de la
burguesía europea por el poder político, su afianzamiento en el
poder y la repercusión en las estructuras urbanas y
arquitectónicas.
2.- Evidenciar la nueva escala urbana para las nuevas estructuras
funcionales de la burguesía y la delimitación de los sectores de
asentamiento de la burguesía y el proletariado.
3.- Contribuir al desarrollo de la expresión oral y gráfica, al juicio
crítico
Aspectos a desarrollar:
1.- Neoclásico en Francia.
1 a).- La obra arquitectónica y teórica de E. L. Boullé (1728-1799)
1 b).- La obra arquitectónica y teórica de C. N. Ledoux. (1736-1806)
323
1 c).- Análisis conceptual y gráfico de otras obras del neoclásico
francés.
2.- Neoclásico en Inglaterra:
2 a).-Las operaciones urbanísticas. John Nash.(1762-1835).
Conjuntos habitacionales
Concepto de trama urbana.
2 b).- Robert Smirke. El Museo Británico: obra maestra del neoclásico
inglés.
2 c).- La obra de John Soane.
3.- El Neoclásico en Alemania:
3 a).- Puerta de Branderburgo (Berlín 1788-1791): arquitecyo Karl
Gotthard Langhans y
escultor Johann Gottfried Schadow.
3 b).- Karl Friedrich Schinkel (1781-1841). Su obra arquitectónica.
3 c).- Leo von Klenze (1784-1864). Su obra arquitectónica.
4.- El Neoclásico en España.
4 a).- La obra de Juan de Villanueva (1739-1811).
4 a).- La obra de los arquitectos extranjeros en Madrid.
5.- El eclecticismo en Francia
324
5 a).- La Ópera de París, paradigma del Segundo Imperio.
5 b).- Plan Haussmann. Contenido. Valoración.
6.- Crítica a la ciudad industrial.
6 a) Propuestas de ciudad de los socialistas utópicos.
6 b).- La ciudad jardín de Howard.
6 c).- La ciudad lineal de Soria y Mata.
6 d).- Plan Cerdá para Barcelona. Contenido del plan. Valoración.
7.- La Arquitectura de hierro y vidrio. El Art Nouveau.
7 a).- Nuevos temas y materiales.
7 b).- El Art Nouveau en Francia. La obra de Victor Guimard.
7 c).- El Art Nouveau en Barcelona. La obra de Gaudí.
7 d).- El Art Nouveau en Bélgica . La obra de Victor Horta.
7 e).- El Art Nouveau en Inglaterra. La obra de Charles Mackintosch.
8.- Estados Unidos. Arquitectura y ciudad.
8 a).- La Escuela de Chicago. Desarrollo del edificio en altura.
8 b).- Frank Lloyd Wright. Las Casas de la Pradera.
Observaciones
Se formarán equipos entre cuatro y cinco estudiantes ( también
325
pueden trabajar solos o en parejas). Se preparará la presentación de
los temas en pancartas o ppt. Se evaluará la calidad del dibujo, la
composición, la calidad de la imagen, la correcta ortografía y la
buena expresión y fluidez. El seminario culminará con una pregunta
escrita.
La no asistencia a los seminarios deberá estar debidamente
justificada.
Bibliografia
1. - Roberto Segre. Historia de la arquitectura y el urbanismo.
1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981 tomo 1, Introducción
y capítulo 1.
3.-.- Amado Palenque. El rococó y el neoclasicismo en las artes
plásticas, La Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1990.
4.- Herd Hatje: Diccionario de la arquitectura moderna, La Habana,
ICL, Ediciones Revolucionarias, 1968.
326
URBANISMO
Tema: Los inicios de la modernidad.
Sumario: Labor de Perret y Garnier. La Ciudad Industrial. Vanguardia
plástica y arquitectura. Cubismo, Neoplasticismo, Expresionismo y
Futurismo.
Objetivos:
1.- Analizar la importancia que adquiere el hormigón armado como un
material
expresivo en la arquitectura.
2.- Destacar la importancia de la ciudad industrial de Garnier como
trabajo de
planeamiento a partir del vínculo ciudad-industria.
3.- Establecer las interrelaciones entre Vanguardia plástica y
arquitectura.
Bibliografía
327
Literatura, 1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981, tomo 1, Cap. 10
3.- Reyner Banham. Teoría y diseño arquitectónico en la era de la
máquina. Buenos Aires, Ediciones Nueva Visión, 1971, Pág. 123-
134
.4.- S. Giedion. Espacio, tiempo y arquitectura. El futuro de una nueva
Barcelona, Editorial G. Gili, 1984. , pp. 86-91; 149-150.
6.- Herd Hatje. Diccionario Ilustrado de la arquitectura
contemporánea, La Habana, ICL, Ediciones Revolucionarias, 1968
La Escuela de Chicago empleó primero las estructuras de hierro
fundido y después las estructuras de acero las que unidas a los
ascensores y la presión de la especulación hicieron posible los
edificios altos destinados a oficinas, almacenes, etc. Pero la Escuela
de Chicago no se interesó en el tema de la vivienda. Sin embargo, en
328
Francia tempranamente hay un interés por el tema, así vemos que
Augusto Perret proyectó en l903 la primera vivienda con hormigón
armado destacando las posibilidades plásticas de este material en
la arquitectura. Por su parte, Garnier proyectó su Ciudad Industrial en
l904. Esto hizo de ambos arquitectos precursores del funcionalismo.
En Francia se inventó el cemento en l824, se produjo en l840 y
Joseph Monier en l868 inventó el hormigón armado. En l894 Anatole
Baudot hizo una iglesia toda de
este material y en la segunda mitad de los años 90 del siglo XIX se
generalizó el uso del hormigón armado por parte de François
Hennebique.
Auguste Perret (1874-1954).
Perret estudió en la École des Beaux de París, pero no culminó sus
estudios, aunque adquirió una gran experiencia porque se dedicó a
construir junto con su padre. Entre sus principales obras están:
1.- Casa de la calle Franklin, l903.
• Primer empleo del hormigón armado como medio de expresión
arquitectónica.
• Hormigón armado en la estructura.
329
• Paneles revestidos de cerámica.
• Siete niveles con planta flexible.
• Apartamentos vueltos hacia afuera con bow-windows.
2.- Garaje en calle Pontieu, l906
• Hormigón a vista.
• Cuatro niveles.
• Grandes luces sin apoyos intermedios
3.- Teatro de los Campos Elíseos, l9l2-l924.
• Primer edificio público en hormigón armado.
4.- Iglesia Notre Dame de Raincy 1922-1924
• Hormigón armado
• Se suprime todo sostén usado en el ojival: contrafuerte,
arbotante, arcos dobles.
• Planta alargada: naves separadas por finas columnas
Perret fue el maestro de la generación siguiente y convirtió al
hormigón armado en un material de construcción visible con una
estética.
Tony Garnier (Lyon 1899-1948)
Estudió en la École des Beaux Arts de Lyon y de París. Fue Premio
330
de Roma lo que le permitió vivir en esta ciudad entre 1899 y 1904 y
preparar uno de los proyectos urbanísticos más importantes del siglo
XX: la Ciudad Industrial para 35,000 habitantes la que se dio a
conocer en 1904 en una exposición y que no se publicó hasta 1917.
Parte de las ideas de este proyecto las hizo realidad al ser nombrado
Arquitecto Municipal de Lyon, cargo que desempeñó entre 1905 y
1920.
La Ciudad Industrial de Garnier consta de:
• Zona residencial. Calles anchas flanqueadas por árboles. Islas
residenciales de 30 por 150 metros sin patios interiores. Baja
densidad. Manzanas con lotes de 15 por 15 metros, vivienda
individual y colectiva con tipología variada, altura media de dos
pisos, tres a lo máximo, normas de luz, ventilación y espacio
verde, terrazas y jardines en azoteas, techo plano, ausencia de
decoración). Materiales: hormigón de piedra y hormigón armado.
• Centro urbano.
• Zona industrial separada por cinturón verde en la zona oeste.
• .Parques públicos, más de la mitad del área urbana.
• Estación de ferrocarril en la zona este, con andenes y líneas
331
subterráneas, Estación Central y hangares para ómnibus.
• Edificios públicos como estadios para 20,000 espectadores,
hospitales (Grange-Blanche con 20 pabellones), comercios,
plantas eléctricas, escuelas y mataderos (La Mouche). El
material empleado en la construcción fue el hormigón de piedra
y armado y la estructura metálica a vista para el matadero.
Garnier, a pesar de su formación Beaux-Arts se convirtió en un
arquitecto funcionalista que comprendió la importancia del hormigón
armado para expresar la nueva arquitectura a través de una estética
a base de volúmenes simples. Además no sólo estableció el vínculo
entre las futuras ciudades con la industria sino que concibió la
ciudad industrial desde criterios higienistas teniendo en cuenta la
presencia de toda clase de servicios. Su experiencia urbanística fue
lo más avanzado antes del Movimiento Moderno y sus principios,
sobre todo el de zonificación fue desarrollado en la Carta de Atenas.
Vanguardia plástica y arquitectura
La Vanguardia en el arte se definió en los primeros diez años del siglo
XX y la formaron los movimientos artísticos o “ismos” que se
sucedieron hasta fines de los años 30: Expresionismo,
332
Abstraccionismo, Cubismo, Futurismo, Dadaísmo y Surrealismo. La
Vanguardia implicó una ruptura radical con los movimientos
modernos del siglo XIX porque trajo una crisis de la representación
vinculada con un nuevo concepto de espacio, por consiguiente la
renuncia a la perspectiva tradicional. Se pasó de la representación
del espacio tridimensional a la representación de una cuarta
dimensión: el tiempo. El cubismo sintió la necesidad de una
representación de los múltiples aspectos del objeto. Para esto, se
concibió el mundo en cuatro dimensiones con espacio y tiempo como
una continuidad. El cubismo no reprodujo el objeto desde un punto de
vista único sino desde diferentes puntos de vista sin predominio de
ninguno. Esto introdujo el concepto de simultaneidad. Los planos del
cubismo avanzan, retroceden, se interpenetran, a veces son
transparentes.
En arquitectura esto se refleja en el Neoplasticismo, movimiento
fundado en Holanda en l917 por Piet Mondrian y Theo van Doesburg,
al que también perteneció Gerrit Thomas Rietveld.
Neoplasticismo: significa que un volumen de tres dimensiones se
reduce a un nuevo elemento plástico: el plano. Se yuxtaponen planos
333
de color azul, rojo, amarillo. Se añaden negro y blanco formando
rectángulos.
La escultura también demostró con los prismas, las planchas
metálicas, el movimiento y el vacío que no tenía que limitarse a un
solo punto de vista. En arquitectura la asimetría, la transparencia, la
interpenetración volumétrica dan la simultaneidad perceptiva.
Gerrit Thomas Rietveld (Utrech 1888- 1964)
Casa Schröder, Utrech, l924.
• Traducción arquitectónica de un cuadro de Mondrian.
• Espacio interior flexible.
• Planos asimétricos.
• Superposición e intersección de planos que conforman un
espacio tridimensional.
• Muros blancos y grises en el exterior, barandas y maineles
pintados de rojo, amarillo y negro.
Theo van Doesburg ( Holanda 1883- 1931).
Remodelación del Cabaret Aubette, Estrasburgo, l929.
• Dos grandes salas con sus espacios auxiliares.
• Los diseña junto con Hans Arp y Sophie Tauber.
334
• Coloca relieves abstractos y muebles de madera
contrachapada.
Expresionismo
Se dio en todas las manifestaciones del arte: artes plásticas, música,
cine, teatro. Fue un fenómeno sobre todo alemán. Se dio antes y
después de la Primera Guerra Mundial. Antes de la IGM los
arquitectos expresionistas fueron: Peter Behrens, Hans Poelzig, Max
Berg, Bruno Taut y Erich Mendelsohn.
El expresionismo comenzó con el Pabellón de Vidrio de Bruno Taut
para la Exposición Werkbund de l9l4. El expresionismo en la
arquitectura trata los volúmenes escultóricamente, destaca las
texturas, el color y las formas son sorprendentes, a veces agresivas.
Otras obras:
Max Berg: Cúpula de la Sala del Centenario (Breslau, l9l2-.l9l3)
Hans Poelzig:
• Complejo industrial, Lubau, l9ll-l9l2
• Sala de Exposición y Depósito de Agua, Poznan, 1911.
• Teatro del Festival de Salzburgo, proyecto 1921.
Fritz Hoger: Casa de Chile Hamburgo (1922-24)
335
Erich Mendelsohn:
Torre Einstein, Postdam, l9l7-l92l :
• Muro tradicional de ladrillo revestido
• Superficies cóncavas y convexas.
Bocetos hechos entre l9l4-l920
Mies van der Rohe:
• Oficinas en la Friedrichstrasse, Berlín, proyecto 1919
• Monumento a Rosa Luxemburgo y Kart Liebknecht, Berlín,
l926.
Walter Gropius:
• Monumento a los caídos en marzo, Weimar, l922.
• Teatro Municipal de Jena, l922-l923. En colaboración con
Meyer
Peter Beherens: Oficinas firma Hoechst, l920-l925.
Escuela de Amsterdam
Se llama así a un grupo de arquitectos holandeses con una
trayectoria paralela al expresionismo alemán, pero interesados en la
urbanización con viviendas para obreros en Amsterdam Sur. Crearon
formas diferentes con un tratamiento tridimensional que generó
336
formas de gran fantasía. Usaron el vidrio, el ladrillo rojo, la piedra de
diferentes colores y diferentes formas de fachada. Emplearon
ornamentos pequeños y estructura de hormigón. Sus principales
representantes fueron:
Michel de Klerk (l884-l923): Urbanización Nuestro Hogar (l9l3-l920)
Pieter L. Kramer (l88l-l96l): Urbanización El Amanecer (l9l9-l922)
Johan M. van der Mey (l878-l949). Casa de la Navegación
(Ámsterdam, l9l2-l9l6).
La Casa de la Navegación es la sede de seis compañías navieras cuya
decoración escultórica se basa en temas marinos y comercio marino.
En esta obra colaboran con él de Klerk y Kramer.
Futurismo:
Se dio en Italia y en Rusia. Tuvo diferentes manifiestos, el primero
de l909 en el que alababa la industrialización, la energía eléctrica, la
velocidad. En l9l4 el arquitecto Sant´ Elia hizo el de la arquitectura
donde planteó una arquitectura efímera, cada generación debía
hacer su arquitectura. Se manifestaba contra los edificios solemnes,
teatrales y decorativos. La casa futurista debía ser una máquina de
cemento, vidrio, hierro, sin pinturas ni esculturas.
337
SantÉlia concibió la ciudad futura en un conjunto de dibujos que
llamó La Citá Nova (l9l3) con rascacielos muy altos, pasos peatonales
atravesando autopistas hundidas. Toda esta arquitectura utópica dio
paso a lo moderno y a una nueva cultura figurativa que consideraba a
la ciudad vinculada al dinamismo de la modernidad expresado en la
velocidad del automóvil y del avión.
Resumen de aspectos principales.
A inicios del siglo XX se va generalizando el uso del hormigón armado
en el tema de la vivienda, los precursores de esto fueron Perret y
Garnier. Comprendieron la importancia de este material para
expresar una nueva arquitectura, y en el caso de Garnier vinculó la
ciudad del futuro con el desarrollo de la industria.
Hay una estrecha relación entre vanguardia y arquitectura, pues
muchos de los movimientos de la vanguardia en pintura y escultura
se expresan también en la arquitectura a partir del vínculo entre
Cubismo y neoplasticismo, el Futurismo y el Expresionsimo, pues
comparten el nuevo concepto de espacio que implica la
simultaneidad perceptiva, el geometrismo., las texturas, el uso del
color y el tratamiento escultórico de los volúmenes arquitectónicos.
338
1.- Valore la importancia de Augusto Perret en la conformación de la
nueva estética del hormigón armado.
2.- Analice el contenido de la propuesta de Garnier para su Ciudad
Industrial.
3.- Valore la trascendencia de la Ciudad Industrial de Garnier para el
urbanismo posterior.
4.- Analice las relaciones los movimientos de la vanguardia plástica y
la arquitectura.
339
URBANISMO
Tema: Los inicios de la Modernidad.
Sumario. Protorracionalismo. Estética fabril alemana. Peter Behrens. El Werkbund.
Objetivos
1.- Precisar los cambios económicos, sociales y culturales que se produjeron en
Alemania y que influyeron en el sistema figurativo.
2.- Analizar la importancia que adquiere la estética fabril alemana y sus búsquedas de
una integración entre arte e industria.
3.- Analizar la importancia de la Bauhaus en la difusión de los códigos racionalistas-
Bibliografía
1.- Roberto Segre. Historia de la arquitectura y el urbanismo. Capitalismo y
Socialismo, La Habana, Editorial Arte y Literatura, 1988.
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna, La Habana, Editorial
Pueblo y Educación, 1981.
3.- Gerd Hatje. Diccionario Ilustrado de la arquitectura contemporánea, ICL, Ediciones
Revolucionarias, 1968
El desarrollo de la industria y de las naciones industrializadas, hace que se asimile el
nuevo repertorio de nuevos materiales y equipos. Ya el pastiche ecléctico no era
viable, pues resultaba antieconómico.
340
Alemania era uno de los primeros países que luchaba por un diseño industrial, pues
esta era una necesidad de la competencia por los mercados.
En el siglo XIX no había una relación base técnico productiva diseño, pero esta es
fundamental para la renovación de los códigos arquitectónicos del siglo XX.
Alemania emprendió aceleradamente un desarrollo monopolista, había llegado tarde al
reparto económico del mundo y esto la llevó a la guerra. Desarrolló su industria
energética y siderúrgica, base para la producción de armas.
En Alemania la preocupación de la burguesía industrial por la calidad del diseño de los
productos la acercó a los arquitectos de vanguardia como Peter Behrens (Hamburgo
1868-Berlín 1940), e hizo que se fundara la Asociación Werkbund en 1907 con lo que
este país se puso a la cabeza del Movimiento Moderno.
Entre los fundadores del Werkbund estuvieron, además de Peter Beherens, Hans
Poelzig, Josef Hoffmann, Henri van de Velde, Walter Gropius, Mies van der Rohe.
Entre los objetivos de esta Asociación estaban renovar la artesanía artística para
devolverle el nivel de la Edad Media, estandarizar la construcción de viviendas, unir a
los representantes más capaces del arte, la artesanía, la industria y el comercio para
asegurar una producción industrial. Su premisa era dar especial importancia a la
calidad del trabajo artesano y al material.
En el Werkbund fue importante la figura de Hermann Muthesius (1861-1927). Este era
un funcionario del gobierno, que había sido agregado comercial en Inglaterra donde
había estudiado la arquitectura y el diseño inglés. Su presencia en el Werkbund llevó
a esta organización la idea de que la estética puede ser independiente de la calidad
material, y que la normalización y la forma abstracta son base del diseño industrial.
341
Por estas razones polemizó con Henri van de Velde en el Congreso de la Werkbund
de 1914, en el que planteó los conceptos de “tipo” o “ individualidad” en el diseño.
La Werkbund realizó varias exposiciones, la de 1914 en la ciudad alemana de
Colonia, sobre el modo de realizar las formas industriales, donde se proyectaron
edificios por Gropius, Behrens, Hoffmann y Bruno Taut. La siguiente exposición se
realizó en 1927
en la ciudad de Stuttgart sobre “La construcción de la casa moderna”. Se hizo la
colonia Weissenhof en la cual participaron los principales arquitectos. Por último, la de
1930 en París sobre Arquitectura y formas industriales, estandarización y producción
masiva de viviendas.
La obra de Behrens aportó aspectos importantes para la arquitectura posterior: pues
valoró el tema de la industria, empleó técnicas constructivas de vanguardia (acero,
vidrio), trabajó en las distintas escalas del diseño, ya que como diseñador de la AEG
alemana diseñó desde la gráfica hasta los edificios, y modificó los códigos aunque sin
renunciar por completo al sistema de composición clásico. Un ejemplo de esto es su
Fábrica de Turbinas de 1908. Además, para esta empresa diseñó:
• Fábrica de alta tensión (1910).
• Fábrica de motores pequeños (1910-1911).
• Barrio de viviendas para obreros cerca de Berlín (1911).
Walter Gropius (Alemania 1883- EEUU 1969).
Gropius fue uno de los grandes arquitectos del siglo XX y un destacado profesor de la
universidad norteamericana de Harvard. Estudió arquitectura en Munich y en Berlín y
entre 1907 y 1910 trabajó en el taller de Peter Behrens como jefe del estudio.
342
• Fábrica Fagus (1911). Fue su primera obra, y la primera obra de la
arquitectura moderna. En ella empleó por primera vez la pared cortina (pared
sin función sustentante). Fue el primer arquitecto que se preocupó por darle
belleza a una fábrica, tema del que anteriormente sólo se ocupaban los
ingenieros.
Gropius desarrolló su obra a partir de 1938 hasta su muerte en los
EstadosUnidos. Sus ideas recogieron el legado de Behrens y en la Bauhaus tuvo
la oportunidad de desarrollarlas y superarlas.
La Bauhaus (1919- 1933).
La Bauhaus se fundó en Weimar en 1919 por Gropius. Su premisa fue el vínculo entre
arte y técnica, o sea la factibilidad de llevar los diseños a la producción industrial.
Se organizaba a partir de un curso preliminar de familiarización con materiales y
formas. Un curso intermedio de uno o más talleres y un curso de perfeccionamiento en
el que se hacían proyectos de arquitectura y trabajo práctico en laboratorios y talleres.
En 1926 la Escuela se traslada a Dessau por presiones políticas del
nacionalsocialismo. En 1929 Hannes Meyer dirigió la Escuela y cambió los contenidos
de los talleres, se le dio más peso a lo técnico y científico. Se introdujo el taller vertical,
se enfatizó en lo social y lo técnico. Si con Gropius hubo una influencia del
expresionismo, ahora hay una influencia del constructivismo ruso y el neoplasticismo.
Se crearon nuevas disciplinas como fotografía, tipografía y diseño gráfico con lo que
cristalizó el estilo Bauhaus. La industria absorbió parte de sus modelos y muchos
graduados de la escuela ocuparon cargos en la industria alemana, pues se concebía
al diseñador como protagonista de las soluciones sociales.
343
En 1932 la Escuela se trasladó a Berlín y en 1933 fue asaltada por hordas nazis y los
profesores extranjeros fueron expulsados del país.
Entre los aportes de la Bauhaus están el vínculo de la teoría y la práctica expresado
en la creación de modelos para la industria alemana y proyectos arquitectónicos
realizados en Alemania en 1930; la realización de objetos en los talleres con la nueva
concepción de diseño y el trabajo interdisciplinario.
La Bauhaus reunió a lo más valioso de los artistas europeos y fue el núcleo
pedagógico y metodológico más importante del racionalismo europeo, por lo que fue el
punto de partida del diseño contemporáneo. Su ejemplo fue seguido en el extranjero, y
un ejemplo fue la fundación del Instituto de Diseño de Chicago dirigido por Moholy-
Nagy, antiguo profesor de la escuela, y la Escuela de Diseño de California.
1.- Los profundos cambios económicos, sociales y culturales de Alemania trajeron
como consecuencia un nuevo sistema figurativo.
2.- El tema de la fábrica fue de gran importancia en medio de estos cambios, y lo
asumen los arquitectos, en vez de los ingenieros como era usual, lo que significó
una valoración del tema.
3.- La Bauhaus fue una experiencia pedagógica y metodológica breve, pero a pesar de
esto abrió el camino para el diseño moderno, ya que trajo una relación armónica
entre la base técnico productiva y el diseño.
1.- ¡Qué fue estética fabril alemana? Analice su importancia para la integración del
arte y la industria.
344
2.- Analice la importancia de Peter Behrens como el primer diseñador moderno.
3.- Haga un esquema con los diferentes momentos de la Bauhaus: Directores,
profesores, tipos de talleres, ideas que influyen en la enseñanza.
4.- Haga una reseña de todos los arquitectos estudiados y grafique, al menos una obra
de cada uno.
345
URBANISMO
Tema: Los inicios de la modernidad
Sumario: Códigos arquitectónicos racionalistas. Los maestros.
Objetivos
1.- Analizar la especificidad de la escala arquitectónica racionalista, a través de la obra
de sus principales representantes, convertida en modelo de teorización y
concepción arquitectónica durante la primera mitad del siglo XX.
Bibliografia
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna, ,La Habana, Editorial
Pueblo y Educación, 1981, tomo 2.
3.- Bruno Zevi. Historia de la arquitectura moderna, La Habana, Asociación de
Estudiantes de Tecnología, 1962, Cap. 3
4.- Gerd Hatje. Diccionario Ilustrado de la arquitectura contemporánea, La
Habana, ICL, Ediciones Revolucionarias, 1968
Conceptos fundamentales:
En los años 20 la pintura y la escultura influyen sobre la arquitectura La Vanguardia
se caracterizó por la experimentación y la búsqueda de vías para expresar el mundo.
346
Del Cubismo derivó el Neoplasticismo y el Constructivismo. Por su parte, el Futurismo
influyó en la obra de SantÉlia la que valoró los nuevos medios de transporte, la
industria y la visión cambiante. El Expresionismo aportó un carácter escultórico y la
expresividad de las superficies. La arquitectura desplazó su interés de la fábrica hacia
la vivienda y el urbanismo. Se consideraba a la arquitectura como una fuerza
transformadora, idea fundamental en el pensamiento de Le Corbusier.
El Racionalismo desde el punto de vista funcional se vinculó con la vivienda obrera, y
junto con ella el concepto de dimensionamiento mínimo y de equipamiento integral.
Se hicieron estudios tipológicos y normativos recogidos en el libro de Neufert: Arte de
proyectar en arquitectura. Técnicamente el racionalismo se vinculó con el hormigón
armado, el acero y el vidrio, la prefabricación y la estandarización que se iniciaron
entonces como experimentación y la planta libre y la pared cortina se emplean como
recursos del diseño. Formalmente, su estética estuvo influida por la pintura en sus
volúmenes puros, los planos lisos, el techo plano, la planta libre, la transparencia.
También por la ruptura con la percepción tradicional que trajo la asimetría y la
simultaneidad.
Walter Gropius (1883-1969). Obras para el análisis
• Fábrica Fagus (1911).
• Edificios de oficinas, Exposición Werkbund, 1914.
• Edificio Bauhaus en Dessau, 1925-26.
• Proyecto Siemenstadt, Berlín 1929-30.
Mies van der Rohe (Prusia 1886- Chicago 1969). Obras para el análisis:
• Edificio de viviendas en la Weissenhofsiedlung de Stuttgart, 1927.
347
• Pabellón alemán para la Feria Internacional de Barcelona, 1928-29.
• Casa Tugendhat, Brno, Checoslovaquia, 1928-30.
Charles Edouard Jeanneret (Le Corbusier) (Suiza 1887-Francia 1965)
En Francia Le Corbusier es una figura aislada pues el Movimiento Moderno no tuvo
como en Alemania y Holanda un apoyo oficial. Fue fundador de los CIAM (Congresos
Internacionales de Arquitectura Moderna). Propuso los cinco puntos de la nueva
arquitectura: 1) pies derechos o pilotis, 2) techos jardines, 3) planta libre, 4) ventana
en anchura y 5) fachada libre. La casa, según Le Corbusier era una máquina para
vivir.
Obras para el análisis:
• Ville Savoye, París 1928-30
• Casa en barrio Weissenhof, 1927
Alemania a principios de los años 20 del siglo XX se colocó a la vanguardia del
Movimiento Moderno con la fundación del Werkbund experiencia que continuó la
Bauhaus.
El Racionalismo superó los conceptos clásicos y trajo nuevos códigos formales,
funcionales y técnicos que sentaron las bases de la arquitectura contemporánea.
Se ganó conciencia del vínculo entre arquitectura y base económica y de que la
arquitectura por sí misma no podía resolver los problemas sociales sin una profunda
transformación en las bases de la sociedad.
Entre las limitaciones del racionalismo estaba no tener en cuenta la división clasista
de la sociedad; la prefabricación y estandarización se quedaron en la
348
experimentación porque no se correspondían con el desarrollo tecnológico, así como
su modelo universal que no respetaba el contexto y las culturas locales.. Sin
embargo aportó un análisis funcional de la ciudad, estudió el tema de la vivienda, el
dimensionamiento mínimo y el equipamiento integral; empleó de manera integrada el
hormigón, el acero y el vidrio; inició el estudio de la estandarización y empleó la
estructura libre y la pared cortina.
1.- Haga un resumen de las características del racionalismo desde el punto de vista
técnico, funcional y estético.
2.- Haga una breve reseña de los maestros del racionalismo y haga un análisis grafico
por lo menos dos de sus obras más representativas.
3.- Explique los aportes y las limitaciones del racionalismo.
349
URBANISMO
Seminario no. 2
TEMA:Los inicios de la modernidad
Objetivos:
1.- Profundizar en las condicionantes y características de la arquitectura
y el urbanismo racionalistas europeos.
2.- Profundizar en las condicionantes, características y repercusión de la
arquitectura y el urbanismo constructivistas.
3.- Contribuir al desarrollo de la expresión oral, escrita y gráfica, y el
juicio crítico.
1.- La ciudad industrial de Garnier. Trascendencia. Valoración.
2.- Vanguardia plástica y arquitectónica. Influencias recíprocas:
2.a).- Cubismo, Neoplasticismo, y arquitectura. La obra de Rietveld y
Theo
van Doesburg. Relación con la obra de Piet Mondrian.
350
2.b).- El Futurismo. La obra proyectual de Antonio SantÉlia. Relación
con los pintores futuristas italianos.
2.c).- Expresionismo alemán en la arquitectura. Principales obras.
Relación con otras manifestaciones plásticas.
2.d) Expresionismo holandés en arquitectura (Escuela de Amsterdam).
Comparación con el expresionismo alemán. La obra de M.de Clerk
(1884-1923), J. M. van der Mey (1878-1949) y Piet Kramer (1881-
1961).
3.- Estética fabril alemana. El Werkbund. Adecuación de la base
tecnológica y
el diseño. Ideas de Hermann Muthesius, su importancia para el
diseño
moderno.
3 a).- Peter Behrens, primer diseñador moderno. Su obra para la A.E.G.
3 a).- Exposición de l927 del Werkbund y la colonia Weissenhof en
Stuttgart,
Alemania.
.4.- Bauhaus. Características de sus distintas etapas. Aportes de la
Bauhaus al
351
diseño moderno.
.5. Códigos arquitectónicos racionalistas.
5.a) La obra de Le Corbusier.
5.b) La obra de Mies van der Rohe.
5.c) La obra de Gropius.
Bibliografia
Literatura, 1988 .
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna ,La Habana,
Editorial Pueblo y Educación, 1981. tomo 1 ( cap. 10, pp. 309- 317) y
tomo 2
.3.- Reyner Banham. Teoría y diseño arquitectónico en la era de la
máquina, Buenos Aires, Ediciones Nueva visión,, 1971. (pp. 123.134)
.4.- Kenneth Frampton. Historia crítica de la arquitectura moderna.
México, Editorial G. Pili, 1983 ( futurismo pp. 86-91; (pp. 149-150)
5.- Gerd Hatje Diccionario Ilustrado de la arquitectura contemporánea,
La Habana, ICL, Ediciones Revolucioanrias, 1968.
6.- Mario de Michelli. Las vanguardias artísticas del siglo XX, La Habana,
352
UNEAC, Colección Arte y Sociedad, 1967
7.- Bruno Zevi. Historia de la arquitectura moderna, La Habana,
Asociación de Estudiantes de Tecnología, 1962. Cap. 3
Observaciones
.El grupo se organizará en los mismos equipos del seminario no.1. Cada
equipo defenderá su trabajo en el seminario valiéndose de pancartas o de
power point para realizar su exposición oral. Se evaluará la calidad del
diseño, la composición, el uso adecuado de los textos (no se debe
sobrecargar ni la pancarta ni el PP de textos, pues estos son para apoyar
la exposición. Se tendrá muy en cuenta la ortografía.
Previamente cada equipo comunicará al profesor el aspecto que va a
trabajar.
El seminario culminará con una pregunta escrita sobre todo el contenido
del tema.
353
GUÍA DE ESTUDIO TEORIA DE HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL
URBANISMO
Tema: Concepción de la ciudad y alternativas de la modernidad.
Sumario. Urbanismo racionalista. Principios de los CIAM. Propuestas
de Le Corbusier. Barrios centroeuropeos.
Objetivos
1.- Analizar los postulados del urbanismo racionalista a partir de la
Carta de Atenas y de los propuestas de Le Corbusier y otras
propuestas.
2.- Valorar aportes y limitaciones de las concepciones urbanas
racionalistas.
Bibliografía
Literatura, 1988. Cap. 7
Habana, EditorialPueblo y Educación, 1981, tomo 2, Cap. XIV y
354
XV.
En los años 30 se definen los elementos del urbanismo. Hasta ese
momento estaban vigentes los códigos eclécticos derivados del Plan
Hausmann, adecuados a las innovaciones técnicas y estéticas; la
urbanización dispersa en la periferia; la precariedad de las áreas
ocupadas por el proletariado. A partir de estos antecedentes se
definió el modelo urbano racionalista. La arquitectura y el urbanismo
se ven como medios del progreso social, por eso se consideran más
importantes las soluciones de largo alcance que la vivienda
individual. Se desarrollan zonas de viviendas, las llamadas colonias
residenciales (Siedlungen). Los Municipios como Berlín y
Ámsterdam transforman sus áreas centrales en lucha con los
intereses privados, y aunque no pueden acometer grandes obras
hacen iniciativas fragmentarias con barrios de viviendas y servicios
355
primarios con sus recursos, los de los sindicatos, de industriales y
algunos inversionistas extranjeros. Para esto se emplearon la
prefabricación y la estandarización como un modo de abaratar los
costos. Se establecen las condiciones mínimas de existencia que
implica soleamiento, aire, áreas verdes, circulaciones, servicios
sociales mínimos y una densidad de población adecuada.
Se emplearon criterios de economía en el uso del suelo y en la
construcción, esto llevó al dimensionamiento mínimo y a la
eliminación de la decoración. Se excluyó todo lo que no fuera
funcional y de esto derivó la no integración de lo cultural. Se
aspiraba a una ciudad que funcionara como una máquina. Todo lo
decidía el proyectista y se eliminaron los valores de significado que
no expresasen lo funcional, no se integró lo cultural ni lo psicológico
ni lo sociológico. Esto trajo que no se asimilaran estos códigos por
parte del usuario y se rechazara el racionalismo.
En 1928 se fundan los CIAM con el propósito de liberar a la
arquitectura del academicismo y lograr una racionalidad y una
estandarización. En el II CIAM se plantea la “existencia mínima”.En
el IV CIAM con el tema de la Ciudad Funcional se elaboró la Carta de
356
Atenas, basada en un estudio de treinta y tres ciudades que
propuso: 1) una zonificación rígida de las ciudades mediante
cinturones verdes que separasen las distintas zonas y 2) un modelo
único de vivienda urbana, “el bloque alto aislado construido donde se
requirieran elevadas densidades de población”. Esto paralizó la
investigación sobre otras tipologías de viviendas. Según la Carta de
Atenas, el urbanismo tenía cuatro objetivos: 1) Asegurar al hombre un
alojamiento sano, 2) Organizar los lugares de trabajo 3) Prever las
instalaciones necesarias para el tiempo libre, 4) Establecer las
relaciones entre las distintas funciones mediante una red circulatoria.
Posteriormente se hicieron otros congresos de los CIAM que
abordaron diferentes tópicos sobre la arquitectura y la ciudad, hasta
que en el congreso de 1956 se produjo la ruptura con la Carta de
Atenas, lo que marcó el fracaso de los CIAM.
Le Corbusier. Propuestas de los componentes urbanos.
Le Corbusier es el principal teórico del urbanismo racionalista. La
Metrópoli contemporánea se ha conformado a partir de sus ideas. La
imagen de la estructura urbana que él diseñó se basa en edificios
altos, grandes áreas verdes, separación de la circulación vehicular y
357
peatonal, articulación continua del hábitat colectivo, rechazo a la
vivienda individual, concepto de estándar arquitectónico homogéneo
de la trama urbana. Él criticaba la imagen del suburbio burgués
norteamericano.
Propuestas que deben estudiarse:
• Villa Contemporánea (1922). Ciudad para 3 millones de
habitantes.
• Plan Voisin, París, 1925.
• Ville Radieuse, 1930.
• Plan de Argel, 1930.
En Holanda se hacen conjuntos de viviendas. En este país y en otros
del Norte de Europa el Estado tenía un control sobre el desarrollo
urbano, pues tenían planes directores desde el siglo XIX. El
arquitecto Berlage hizo el primer proyecto de zonas de viviendas
fuera del recinto intramural conocido como Ámsterdam Sur. En
1935 Van Esteren dirigió el nuevo plan director de Ámsterdam.
En el plan de Berlage se pasó de las viviendas tradicionales en tira
del centro histórico a los bloques residenciales entre 100 y 200 m de
largo a lo largo de calles arboladas con patio interior, con fachada
358
continua de ladrillo con variaciones formales (aberturas, balcones,
bow- windows). La cualificación estética de esta nueva tipología
residencial la hizo la Escuela de Ámsterdam.
A partir de 1935 los macizos bloques de viviendas colectivas
compactas, se sustituyeron en el plan de Van Esteren por la tipología
urbana y arquitectónica de bloques paralelos racionalistas y
zonificación de funciones.
Ámsterdam evitó el crecimiento como mancha de aceite y las
adiciones de ciudad jardín a las nuevas urbanizaciones racionalistas
que se produjo en otras ciudades capitalistas, y frente a los
esquemas ahistóricos de Le Corbusier vinculó lo nuevo con lo viejo y
articuló la tradición con las transformaciones de la ciudad. Ejemplos
de urbanizaciones son:
• Conjunto de vivienda Kiefhoek, Rótterdam, 1925-27
• Conjunto Hock van Holland, 1924-17
En Alemania los núcleos habitaciones más significativos del
urbanismo racionalista se hacen en Berlín, Francfurt, Hamburgo y
Dessau. Estas experiencias aplican investigaciones sobre célula
habitacional mínima, la organización urbana y una incipiente
359
prefabricación y seriación de elementos. Esta experiencia tuvo un
significado más allá de los grandes maestros. La recuperación
económica alemana permitió construir hasta 1933 miles de
viviendas. Ejemplos de obras:
• Apartamentos Kaiserdamn, Berlín, 1928 del arq. Hans
Scharoun.
• Conjuntos Berlín-Britz, 1925-1931, arqs. Bruno Taut, Martin
Wagner.
• Siemenstad, 1929-1930, arqs. Walter Gropius - Bruno Taut-
Hans Scharoun.
• Proyecto Nuevo Francfurt, 1929-30, arq. Erns May. En este
proyecto se aplica el método de montaje en las cocinas (Cocina
Francfurt, diseñada por Grete Schutte-Lihotky. Estas eran piezas
de tamaño reducido todas prefabricadas).
En Viena se hicieron los barrios vieneses con más de 60 mil
viviendas entre 1918 y 1934, con una tipología racionalista. El
Municipio socialista de Viena dictó leyes contra la especulación,
limitó los alquileres a un 2% del salario y planificó
entre 5-10 mil viviendas por año. Entre 1918 y 1934 se hicieron
360
63,754 viviendas.
Emplearon un esquema arquitectónico-urbanístico diferente a los
alemanes, en vez de los esquemas suburbanos de escala reducida ,
hicieron un modelo cerrado de patio interior y bloques entre seis y
siete plantas con amplias áreas verdes interiores. Un ejemplo es el
Barrio Kart Marx, 1929 del arquitecto Kart Ehn, para cinco mil
habitantes con catorce mil apartamentos y un carácter urbano por la
diversidad de servicios. Se ha planteado que estos barrios en su
estructura bloqueada por manzanas fueron el intento de apropiación
de la ciudad por el proletariado.
En los años 20 se hacen los planteamientos urbanísticos dirigidos a
resolver las contradicciones de la ciudad en el siglo XIX: la estructura
monumental, la dispersión del hábitat burgués y las malas
condiciones del hábitat proletario. Esto estimuló el inicio de los
estudios de prefabricación.
La Carta de Atenas resumió la ideología urbanística del racionalismo:
las funciones de la ciudad y el énfasis en el hábitat social. Su énfasis
en la función del hábitat trató de mejorar las condiciones de la
361
vivienda.
Le Corbusier en sus propuestas expresaba la división clasista del
trabajo, la separación de los espacios de vida y trabajo en el
capitalismo y sus esquemas formales evolucionan de un esquema de
crecimiento rígido a uno más abierto presente en la Ciudad
.Radiante, hacia una dimensión territorial en el Plan de Argel.
Ámsterdam es de las primeras ciudades europeas que tuvo un plan
regulador estatal, lo que hizo posible poder planificar su crecimiento,
definir las estructuras del hábitat y lograr un vínculo entre las zonas
históricas y los nuevos asentamientos.
Los barrios alemanes fueron punto de partida del urbanismo moderno.
Sus esquemas eran restringidos porque se mantenían al margen del
centro urbano y tendían a aislar el hábitat y los servicios básicos de
la vivienda proletaria de las funciones de la ciudad.
Los Hof (barrios proletarios de Viena) fueron un intento de apropiarse
de la ciudad burguesa y vincular el hábitat proletario con el hábitat
burgués. Su interés por los servicios sociales reflejaban un
concepto urbanístico avanzado.
362
Preguntas par el autoestudio
1.- ¡Por qué el urbanismo racionalista prioriza la vivienda colectiva?
2.- ¿Qué se entiende por dimensionamiento mínimo?
3.- Valore en el Movimiento Moderno las relaciones entre forma y
función.
4.- Haga una valoración sobre el irrespeto al contexto y a las culturas
locales por parte del Movimiento Moderno.
5.- Haga un análisis de los planteamientos de la Carta de Atenas.
6.- Haga un resumen con gráfico de las propuestas urbanísticas de Le
Corbusier.
7.- Haga un resumen de las propuestas urbanísticas en los barrios
centroeuropeos.
363
URBANISMO
Elaborado por : Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema: Concepción de la ciudad y alternativas de la modernidad.
Sumario. La experiencia arquitectónica y urbana de la Revolución de
Octubre. El Constructivismo. Debate sobre la ciudad
Objetivos
1.- Analizar los factores que condicionan la vanguardia en Rusia.
2.- Analizar las características del Constructivismo a partir de sus
principales arquitectos y obras.
Bibliografia
1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981, tomo 1, Cap. 10
3.- Bruno Zevi. Historia de la arquitectura moderna, La Habana,
Asociación de Estudiantes de Tecnología, 1962.
364
4.- Anatole Kopp. La arquitectura y el urbanismo soviéticos de los
años 20, Barcelona, Editorial Lumen, 1974.
5.- Vittorio de Feo. La arquitectura en la URSS: 1917-193 La Habana,
ICL, 1968.
6.-Gerardo Mosquera. El diseño se definió en Octubre, Editorial Arte y
Literatura, 1989.
La renovación de la arquitectura en Rusia comenzó en la década del
20 del siglo pasado como una ruptura con el férreo academicismo y
eclecticismo imperantes. Bien comenzado el siglo XX se hacían villas
palladianas por Fomin, villlas romano imperiales por Tamanian y
palacios florentinos y obras pompeyanas por Joltovski. En 1913
Schtiussev hizo la Estación de Kazán en Moscú inspirado en el
palacio medieval ruso.
Al triunfo de la Revolución de Octubre de 1917 muchos académicos
se marchan, pero otros, como los mencionados continúan trabajando.
La arquitectura rusa hasta 1917 se insertaba en una búsqueda de lo
365
tradicional ruso o en lo clásico ecléctico. Ejemplo de esto son¨
• Galería Tetriakov, 1900-1905, de estilo ecléctico.
• Correos centrales de Moscú, arqs. Muntz-Novikov, de estilo
románico.
• Oficinas importadores de té, 1912 arq. Klein, estilo ecléctico,
con influencia de la arquitectura china.
• Embajada alemana, 1912, San Petersburgo, arquitecto Peter
Behrens
En la arquitectura rusa no se dio el proceso de renovación que se dio
en la literatura, la música y el ballet. A principios de siglo XX se
divulgó en Rusia la obra de la Escuela de París, y se creó un interés
grande por la pintura francesa. En Rusia se desarrolló la abstracción y
el diseño moderno primero que en Occidente, y tuvo variantes
conocidas como Rayonismo que publicó su Manifiesto en l912 y
cuyos representantes fueron Mijail Larionov y Natalia Gontcharova.
El Rayonismo mezclaba las formas cubistas y futuristas, tenía un
interés por la luz, el color y el movimiento y no tenía referencias
objetuales.
El Suprematismo tuvo como figura máxima a Malevich e hizo
366
publico su manifiesto en 1915. Este movimiento hizo la primera
teorización sobre la abstracción y reafirmó
el arte fuera del objeto, sin una significación política o social. Obra
paradigmática de esta tendencia es Cuadrado sobre fondo
blanco,1913 y Blanco sobre blanco, 1918.
El Constructivismo.
Concibió el arte como construcciones basadas en materiales
industriales. Por su forma, se inscribió en lo abstracto, en lo no
descriptivo. Vinculó el arte al mundo tecnificado y a la vida práctica.
Se expresó en la escultura y en la arquitectura. La escultura
constructivista concibió volúmenes y relieves por planos
articulados de forma dinámica en el espacio. Ejemplos de escultura
constructivista son las obras de Naun Gabo (Rusia 1890- París 1977)
y de su hermano Antoine Pevsner (Rusia 1886- París 1962). En la
escultura hay renuncia al volumen y a la masa y son básicos, el vacío
y el movimiento, así como los nuevos materiales (acero, aluminio,
plástico, vidrio, hilos).
Las investigaciones de los abstractos rusos hicieron posible
sistematizar todo el conocimiento del sistema-forma, presente en una
367
serie de libros publicados entre los años 20 y los 50 que ayudaron a
definir el diseño como síntesis entre lo estético, lo técnico y lo
funcional.
Al producirse la Revolución de 1917 muchos artistas que estaban en
el extranjero regresaron a Rusia y se produjo una coincidencia entre
la Revolución rusa y la vanguardia artística. Muchos de estos artistas
se veían como proletarios del arte. Chagal, Malevich, Tatlin,
Kandinski trabajaron como profesores y comisarios de la cultura. En
los primeros años hubo una absoluta libertad de expresión y de
experimentación. Estas formas invadieron las calles en forma de
pancartas, murales en la calle y en trenes. También con este nuevo
lenguaje se diseñaron objetos utilitarios como uniformes, vajillas,
muebles y otros. Pero toda esta efervescencia se sepultó en la època
de Stalin. No es hasta los 60 que Leonardo Benévolo y Bruno Zevi
sacan a la luz todo este rico caudal del constructivismo ruso, y
posteriormente se escribieron otros libros sobre el tema.
El Constructivismo arquitectónico se vinculó con la Organización de
Arquitectos Contemporáneos creada en 1925 por Alexis Gan, grupo al
que pertenecían los hermanos Vesnin, Iván Leonidov, Golosov, y
368
otros. Esta asociación editaba
la revista Arquitectura Contemporánea. Gan sistematizó
teóricamente el Constructivismo y dio una nueva visión del arte y la
arquitectura basada en:
• Relación arte- política (vínculo con el marxismo).
• La arquitectura como instrumento de transformación social
• Dar forma a las nuevas necesidades a través de un lenguaje
racional.
• Relación forma-significado.
• Rechazo del eclecticismo.
• Rechazo de búsquedas desligadas de la función social.
• Rechazo de simbolizar una idea a través de lo decorativo.
• Una arquitectura que tenga en cuenta lo nacional, lo
climático, lo técnico y lo económico.
• El arquitecto como hombre comprometido que concibe el
marco de una nueva sociedad.
Lograr estos objetivos en Rusia era una tarea difícil debido a la
fuerza de una arquitectónica clásica y la carencia de arquitectos
calificados. En este sentido fue importante la organización de la
369
Vchutemas en 1920, considerado como la Bauhaus rusa, que revisó
objetivos, programas de estudio, y métodos de enseñanza y se
propuso resolver los problemas de la arquitectura y el diseño
conjugando ciencia, arte y técnica.
A partir de 1934 se cerró el capítulo de la arquitectura moderna en la
URSS y se sustituyó por el Realismo Socialista lo que implicó una
vuelta a una arquitectura ecléctica y monumental que nada tenía
que ver con la nueva realidad.
Obras constructivistas.
Vladimir Tatlin (Moscú 1885-1953):.Arquitecto, pintor, escultor.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Moscu. Su interés está en
una escultura de espacio y movimiento que aplique la tecnología,
esto se expresa en:
• .Monumento a la III Internacional, 1919. espiral inclinada de
acero que descansa sobre dos ejes. En su interior tres
volúmenes de vidrio suspendidos por cables de acero que
debían girar con diferente periodicidad según su función.
Anticipa el concepto de escultura habitable.
Eleazer Lisstky (1890-1941: Arquitecto, ingeniero, pintor, fotógrafo,
370
diseñador gráfico. Difundió por Europa el constructivismo.
Relacionado con la vanguardia europea. Diseñó telones para obras
teatrales
• Estribanubes, 1924. Proyecto de rascacielos horizontal
Hermanos Vesnin: Victor (1882-1950), Leonid (1880-1933):
• Concurso para Palacio del Trabajo en Moscú. 1923. Punto de
partida de la arquitectura constructivista. Volúmenes simples de
concreto a vista.
• Oficina de Pravda, Leningrado, 1924. Lissitzki la consideró la
obra modelo del Constructivismo. Pequeña torre de 6 por 6
metros de hormigón armado, acero y cristal con caja de
escalera y ascensores por fuera.
• Primera central eléctrica, 1917, cerca de Moscú.
• Fábrica de fosfatos, 1918
• Central Hidroeléctrica en la presa del Dniéper, Ucrania ( Victor
Vesnin junto con otros arquitectos).
Konstantin Melnikov (Moscú 1890-1974):
• Pabellón soviético, París, 1925. Gran premio de la
Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. empleó
371
vidrio, madera a vista sin ocultar con yeso como era usual.
Empleó gráfica y fotomontajes de Rodchenko y textos del
poeta Maiakovski. Este premio significó el reconocimiento de
Occidente a la arquitectura soviética. Fue una obra iniciadora
del Constructivismo.
• Club Obrero Russakov, 1928.
Serafimov-Kravets-Fleger
• Dirección de la Industria estatal en Jarkov, 1929. La fábrica
fue en la URSS un instrumento de urbanización, a diferencia
de Occidente donde las fábricas se retiran al suburbio
descalificado, en la URSS forman parte del paisaje y de
conjuntos que hacen arquitectos. La arquitectura industrial
introdujo el problema del urbanismo y la vivienda.
Iván Leonidov (1902-1960). Se graduó en 1927 en el Vchutemas y
alcanzó fama internacional por su proyecto del Instituto Lenin.
• Instituto Lenin, 1927.
• Ministerio de la Industria Pesada, 1933.
• Proyecto Ciudad de Magnitogorsk, 1930. Forma parte de sus
investigaciones sobre la vivienda y en la polémica entre
372
urbanistas y desurbanistas, supera ambas posiciones y
propone una ciudad lineal con carácter urbano integrado a lo
verde. Presenta una banda continua de hábitat limitada por
vías de circulación rápida, con un trazado ortogonal
secundario. Bloques centrales, altos y bajos de vivienda.
Bloques en las bandas laterales para funciones sociales,
administrativas y culturales. Después las zonas industriales.
Resumen de los aspectos principales.
El Constructivismo en Rusia en un breve tiempo anticipó las ideas
de la arquitectura y el urbanismo contemporáneos y levantó
edificios importantes a pesar de las limitaciones económicas y
técnicas que le impuso al país la guerra. Además concibió muchos
proyectos que hablan sobre el nivel teórico de sus arquitectos.
La vanguardia rusa fue utópica a pesar de trabajar para un encargo
social, no tuvieron en cuenta que configurar un ambiente ante todo
es un hecho cultural derivado de un desarrollo social.
El Constructivismo dejó su impronta en Occidente en la obra de los
maestros del Movimiento Moderno: empleo de materiales
industriales, elementos seriados y estandarizados, preocupación
373
por el diseño ambiental integrador de diferentes escalas, interès
en el dimensionamiento mínimo de la vivienda.
El Constructivismo renovó todas las manifestaciones del arte.
1.- Haga un resumen de las características de la nueva
arquitectura que planteó el Constructivismo ruso.
2.- Analice la influencia del Constructivismo ruso en el Movimiento
Moderno en Occidente.
3.- Haga un resumen gráfico de las principales obras del
Constructivismo ruso.
374
URBANISMO
Tema: La concepción de la ciudad y alternativas de la modernidad.
Sumario. La ciudad en los EEUU en los años 20 y 30. Crecimiento del
suburbio. Perry y el concepto de Unidad Vecinal. Las Green Belts y
modo de vida norteamericano. Tipologías arquitectónicas exigidas
por la concentración del centro.
Objetivos
1.- Analizar los factores del desarrollo de los suburbios en los EEUU y
la continuidad de la ciudad jardín en las principales ciudades
norteamericanas.
2.- Precisar las características del proceso de urbanización:
concentración contra dispersión y las tipologías arquitectónicas
propuestas.
Bibliografia
375
1988, cap. 9
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981, tomo 2, cap. 17
Entre 1910 y 1940 los EEUU desplazan a Europa dentro del mundo
capitalista e invaden con sus capitales a Europa y a América Latina.
En los años veinte crece la producción industrial, sobre todo, la
industria del automóvil y hay una gran concentración de capitales. En
1929 se produjo la crisis económica que provocó un gran hambre y
desempleo. En 1933 comenzó la etapa de la recuperación bajo el
gobierno de Roosevelt quien tomó medidas de control estatal para
controlar los procesos económicos, fomentó la iniciativa privada en
la agricultura y los servicios, en el urbanismo, la vivienda y el sistema
vial para generar puestos de trabajo.
Los planteamientos racionalistas sobre la organización de la ciudad,
el control del crecimiento, la zonificación, la construcción de
viviendas colectivas en altura y lograr un ambiente coherente dentro
de la ciudad se queda en las buenas intenciones, pues las
realizaciones son mínimas frente a las necesidades y lo construido se
376
reduce al hábitat. Lejos de esto la ciudad presentaba un desarrollo
incontrolable y el desequilibrio social era cada vez mayor. Ante esta
situación la burguesía construye su vivienda individual alejada de
estas contradicciones.
El proceso de transformación de la ciudad capitalista desde el siglo
XIX tuvo un doble carácter, la concentración, provocada por el alto
precio del suelo, y la dispersión urbana hacia la periferia, fenómeno
que se daba desde el siglo XVIII, sobre todo, en las propuestas
utópicas. Posteriormente, la ciudad-jardín llenó las aspiraciones del
ideal burgués de vivienda.
La ciudad jardín al no tener un fundamento económico se convirtió en
una ciudad dormitorio para la mediana y pequeña burguesía en la
periferia de las grandes ciudades. Este esquema del suburbio se
desarrolló en los Estados Unidos y se adecuó a la tradición de
vivienda individual aislada de la cultura anglosajona empleando
estructura de ballom-frame. El suburbio fue posible en los Estados
Unidos por la importancia que se le da a la familia, el crecimiento de
la población en las ciudades, la persistencia de la tradición rural
expresada en el hábitat individual y la facilidad que ofrecía el
377
automóvil para vencer las distancias entre el suburbio y el centro. En
el suburbio habitan los empleados bancarios y administrativos de los
grandes negocios que cada día deberán hacer un movimiento
pendular desde sus viviendas hasta sus centros laborales.
La proliferación del suburbio hizo que en los años 20 Clarence Perris
hiciera un estudio sobre estos y señalara sus deficiencias y
propusiera la alternativa de “unidad vecinal” que se componía de los
siguientes elementos::
• Distrito residencial para una población entre 5-9 mil
habitantes, limitado externamente por vías de circulación
vehicular, el transporte pesado la bordeaba, y dentro solo
circulaba el local.
• Tráfico peatonal separado del vehicular.
• Vías de diferente ancho y trazado.
• La Unidad Vecinal agrupaba dos o tres células con servicios
primarios y 10% de área verde.
• Tipología arquitectónica: vivienda individual con jardín.
• Tiendas ubicadas en cruces de vías.
• Centro comunitario con instituciones vecinales, con un radio
378
de acción de 400m.
..Esta propuesta partía de la ciudad jardín con una cierta autonomía
de servicios ligados a la vivienda aunque se mantenía el movimiento
pendular. Esta propuesta se ubica en un momento en el cual había un
gran interés en descongestionar la ciudad y crear conjuntos
habitacionales. Por esto se fundó la Asociación de Planificación
Regional de América la que en 1923 organizó un Congreso
Internacional de Urbanismo.
En 1924 los arquitectos Clarence Stein y Henri Wright hicieron el
conjunto Sunnyside Gardens en New York con 1,200 viviendas cuyo
objetivo era construir viviendas económicas, eliminar la monotonía
de los barrios especulativos y darle importancia al área verde.
En 1928 se hizo Radburn City en New York por Henry Wright y
Clarence Stein. De este plan sólo se hicieron 400 viviendas debido a
la crisis mundial del 1929. Este conjunto planteaba tres unidades
entre 7,500-10,000 habitantes con radio de acción de 800 m. Cada
unidad se subdividía en viviendas para 15 ó 20 familias con área
verde, supermanzanas y accesos mediante cul-de-sac que
independizaba la casa del tráfico vehicular. Se separaba la
379
circulación vehicular y peatonal con cruces a diferentes niveles. Las
viviendas se orientaban hacia jardines y vías peatonales y había
parques en el interior de los bloques.
Este plan de ciudades partía de la ciudad jardín y era posible por el
automóvil. Al no ubicarse industrias ni otras fuentes de empleo se
mantenía la dependencia de un centro, en este caso New York. No
obstante estas propuestas influyeron en urbanizaciones posteriores
porque lograron una relación entre la circulación vehicular y peatonal
en la que se protegía al peatón, había pasos peatonales a desnivel y
la estructuración de la ciudad era más flexible que la de Perris.
La política del New Deal en 1933 trató de hacer viviendas
económicas, pero su carácter siguió siendo el de ciudad dormitorio.
Con Roosevelt surgieron iniciativas para integrar regionalmente la
industria mediana y la agricultura como el Plan de Desarrollo del
Valle del Tennesse (TVA) que planificó veinticinco ciudades jardín
en diferentes Estados, pero sólo se hicieron cuatro, en Maryland,
Wisconsin, New Jersey y Ohio. En la primera ciudad al hacerse el
plan bajo el control del Estado se instalaron industrias, áreas
recreativas y viviendas prefabricadas para los trabajadores de las
380
presas. Después como no se crearon fuentes de empleo, estas
ciudades se convirtieron en ciudades dormitorios, aunque se logró
superar el modelo de cottage e introducir bloques de viviendas
colectivas con códigos racionalistas. Posteriormente se abandonó
este tipo de planes.
El proceso de concentración en las ciudades capitalistas conforma el
centro comercial administrativo, y la solución arquitectónica es el
rascacielos, derivado de la Escuela de Chicago, con la diferencia que
en Chicago el rascacielos se vinculó a la trama urbana y en New York
hay una ruptura total y la forma se independiza de lo técnico al
recubrirse con una decoración ecléctica.
• 1911- 1913, Woolworth Building, arq. Cass Gilbert, 260 metros
de alto, 57 pisos.Componentes formales neogóticos.
• 1922, Chicago Tribune. Concurso ganado por el arquitecto
Raymond Hood. Presenta códigos neogóticos.
En estos rascacielos la decoración se ubicaba en el basamento y en
la cúspide. La ruptura de la escala de estos edificios hizo que se
hicieran ordenanzas y como consecuencia apareció el rascacielos
escalonado, ejemplo por excelencia del rascacielos especulativo. A
381
partir de la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925
comenzó la influencia Art Decó, sobre todo en New York, la cual
contribuyó a eliminar el eclecticismo e introducir formas más limpias
que abrieron el camino a lo moderno. Así, a fines de los años 20 del
siglo XX comenzó la renovación de la arquitectura norteamericana.
Ejemplo de estas obras son:
• Daily News Building, New York, 1929-30, de Raymond Hood. Libre
de toda ornamentación y destacando la verticalidad.
• Empire State Building, New York, 1930-32, arquitectos Steve,
Lamb & Harmon. Con más de cien pisos y 381 m de alto.
• Chrysler Building, New York, 1928-30, arquitecto William von
Allen, 330 m, 77 pisos. Lenguaje Art Decó. Vincula el rascacielos
con una imagen corporativa.
• Rockfeller Center, New York, 1931- 39. Se completó en los 50. Lo
hacen tres asociaciones de arquitectos: Reinhard y Hofmeister;
Corbeth, Harrison y Mac Murray; Hood y Fouilloux. Consta de
catorce edificios en el centro de New York con un área de seis
hectáreas. El edificio más alto es el de la RCA con 70 pisos. En el
conjunto se destaca el valor urbano. Es un centro cultural
382
vinculado al cine, la radio, el teatro, las grabaciones, la prensa.
• Saving Fund Society, Filadelfia,1931-32, arq. George Howe (1886-
1955) y William Lescaze (Ginebra 1896- N Y 1969). Esta obra
representa el Movimiento Moderno en los Estados Unidos. A la
difusión de lo moderno en este país contribuyó la exposición
Internacional Style presentada en el MOMA en 1932 organizada
por Philip Johnson y Hitchcock la que acuñó este término a nivel
mundial.
Resumen de los aspectos fundamentales.
En el período de expansión económica norteamericana y de
concentración de capitales en manos de los monopolios, el desarrollo
de las actividades comerciales y administrativas de la ciudad se
concentra en el centro y el hábitat se dispersa hacia el suburbio.
El suburbio adquiere un carácter anónimo y la respuesta para tratar
de resolver esto la da Perris con su Unidad Vecinal en la que definió
los servicios necesarios a cada núcleo de población, desde la
vivienda, la unidad vecinal, el distrito hasta el área metropolitana.
Estos principios se aplicaron por Henry Wright y Clarence Stein en la
ciudad jardín de Radburn y con esto reforzaron la segregación social y
383
la zonificación del hábitat de la pequeña burguesía.
El gobierno de Roosevelt desarrolló la planificación regional
integrando actividades agrícolas e industriales y creando nuevos
asentamientos cuyos habitantes trabajaron en esos lugares.
En el centro de New York la trama tradicional se destruyó con los
rascacielos que no guardaban relación con la calle. Se estableció una
competencia para hacer el edificio más alto, pues esto expresaba el
prestigio empresarial.
La contradicción entre rascacielos y ciudad tradicional se trató de
resolver con el Rockefeller Center, la primera remodelación urbana en
un centro metropolitano.
Los años 30 cierran una primera etapa en la historia del rascacielos
en la cual un rascacielos era una construcción de hormigón armado
revestido con una decoración.
1.- Haga una análisis de cómo en los Estados Unidos la concentración
de capitales incide en la imagen de la ciudad.
2.- Valore por qué el esquema del suburbio se adapta fácilmente en
los Estados Unidos.
384
3.- ¿En qué consistió la propuesta de Unidad Vecinal de Perris?. Haga
una valoración de la propuesta.
4.- ¿Qué fueron las Green Belts norteamericanas? Haga una
valoración de estas propuestas.
5.- Haga un resumen gráfico de los diferentes rascacielos estudiados.
Sumario. Concepción de la ciudad y alternativas de la modernidad
Arquitectura orgánica en los Estados Unidos. Frank Lloyd Wright.
Objetivos
1.- Analizar la influencia de los códigos del Movimiento Moderno europeo en la
arquitectura norteamericana a través de la obra de Wright.
2.- Valorar los presupuestos arquitectónicos y urbanísticos de Wright como expresión
del individualismo burgués norteamericano.
3.- Analizar las distintas tipologías empleadas en el centro y en la periferia de la ciudad
norteamericana.
Bibliografia
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna, La Habana, Editorial
385
Pueblo y Educación, 1981.
3.- Gerad Hatje. Diccionario de la arquitectura contemporánea, ICL, Ediciones
Revolucionarias, 1968.
.4.- Kenneth Frampton. Historia crítica de la arquitectura moderna, Barcelona, Editorial
G. Gili, 1984.
Frank Lloyd Wright (Wisconsin 1867- Taliesin, Arizona, 1959).
Como su maestro Sullivan Wright quiso hacer una arquitectura independiente de los
estilos históricos tradicionales y vinculada con la vida moderna. Para ello acuñó el
término de Arquitectura Orgánica que aludía a una arquitectura en estrecha relación
con la naturaleza cuyos principios estableció en 1908: simplicidad, tantos estilos de
arquitectura como estilos de persona, el edificio concebido como hecho orgánico,
colores que armonicen con las formas naturales, mostrar los materiales tal cual son, la
casa con carácter. Además, su concepto de espacio era diferente al del Racionalismo,
pues su espacio era ilimitado y sus casas se integraban al paisaje sin límites
precisos.
La primera etapa de la obra de Wright comprende las Casas de las Praderas y otras
obras como el Larkin Building (Búffalo, 1905) y el Unity Temple (Oak park, 1909).
Al regreso de Europa Wright comenzó una etapa experimental con el prefabricado. El
espacio que antes fluía desde un punto interno hacia el exterior, ahora es diferente
386
porque se cierran los volúmenes. La ornamentación, antes concentrada en
determinadas partes, ahora podía cubrir paredes completas.
Casa de Wright en Taliesen, Wisconsin, 1911.
Gran Hotel Imperial de Tokio, 1916-1922).
Casa Millard Pasadera, 1921-23.
Casa Charles Ennis, Los Angeles, 1924.
A partir de los años 30 comienza en la obra de Wright el perìodo de las obras
maestras y de las Usonian Houses, en la que ha asimilado el hormigón y la pared
cortina, ejemplo de obras maestras en esta nueva etapa son la Casa Kaufmann, Bear
Run, Pensilvania, 1936-39, el edificio Administrativo de la Johnson & Sons Racine,
Wisconsin, 1936-39, y el Laboratorio de Investigaciones, 1944-50, segundo proyecto
para la Jonson & Sons.
Usonian Houses ( United States of Northamerican)
Son casas baratas entre 4,500-5,000 dólares, unifamiliares, aisladas, reducidas con
elementos prefabricados, paneles de madera, estructura de hormigón y ladrillo a vista,
techo escalonado para iluminar desde arriba, fluidez espacial en el interior. Se
reemplaza la cocina tradicional por una zona de estar, iluminada por monteras en el
techo. Estas casas parten de plantas ortogonales y pasan por diversas
configuraciones geométricas con una gran variedad de diseño. Ejemplo de estas
casas son:
• Casa Wiley, Minneapolis, 1934,
• Casa Jacobs, Madison, Wyoming, 1936. Protegida contra los fuertes vientos
de norte por un talud de tierra. Muros revestidos de tierra rústica. Dinteles de
387
hormigón. Techo plano.
• Taliesen West, Scattsville, Arizona, 1938. Su casa de invierno, despacho y
fundación. Uso de piedra, madera, hormigón con cantos rodados, vidrio.
Cubiertas proyectantes.
• Casa Sturges, Brentwood Heights, Los Angeles, 1939.
• Casa Miller, Charles City, Iowa, 1946
• Casa Goetsch-Winkler, Michigan, 1939. Persisten elementos de las Casas de
las Praderas: espacio continuo(sala-comedor-cocina). Multidireccionalidad de
los techos..
• Casa Pauson, Phoenix, 1940. Hecha con hormigón del desierto ( piedras del
lugar con mínimo mortero).
Después de la Segunda guerra Mundial Wright desarrolló formas a base de ángulos
de 60 y 30 grados, círculos y espirales
Museo Guggenheim, New York. Proyecto: 1943-46. Realización: 1956-59.
• Primer proyecto en New York
• Espiral invertido de hormigón armado.
• Espacio central cerrado con lucernario en forma de cúpula traslúcida de 30
metros de diámetro.
• Continuidad espacial.
Otras obras de Wright:
1953-56, Price Tower, Bartlesville, Oklahoma. Dos cuerpos prismáticos oficinas y
viviendas que son un símbolo de la ciudad.
1957-1966- Centro commercial y de oficinas Mary Country, San Rafaael, California.
388
Varias plantas alrededor de un patio central como el Larkin de 1904.
1959- Sinagoga Beth Sholm, Elkis Park, Pensilvania.
Wright también hizo un proyecto urbanístico llamado Broadacre City en 1935,
inspirado en la Ciudad Jardín, y a partir de The desappearing City escrito en 1932
En este cada familia tendría un mínimo de 4, 000 metros cuadrados, redes viales
principales y secundarias y la industria adyacente a la vía férrea. Esta urbanización
estaba subordinada al automóvil, y era una ciudad verde extendida en horizontal que
confirmaba la presencia del suburbio.
Resumen de los aspectos fundamentales.
Wright fue una figura original dentro de la arquitectura norteamericana. Fue un
precursor que habló de una arquitectura orgánica cuando nadie imaginaba nada de
eso.
Asimiló las nuevas técnicas y materiales y los incorporó de manera creadora a su obra
que integraba la arquitectura a la naturaleza, y partía de un concepto espacial que no
tuvieron los racionalistas: un espacio interno con una libertad de formas y una
independencia de las formas geométricas racionalistas. Su obra abarca diferentes
temáticas, pero prima la vivienda individual de mediano costo y de alto estándar
ubicada en el suburbio.
1.- Haga un esquema con las distintas etapas de la obra de Wright y las
características de cada una.
2.- Compare una Casa de las Praderas con una Usonian House. Grafique
3.- Grafique dos de las grandes obras de Wright
389
Elaborado por: Prof. Aux. Florencia Peñate Díaz
Tema: La concepción de la ciudad y las alternativas de la Modernidad
Sumario. La arquitectura orgánica en Escandinavia. La obra de Alvar
Aalto y otros arquitectos.
Objetivos:
1.- Analizar cómo las particularidades económicas, políticas y
culturales de Escandinavia inciden en las características de su
arquitectura y su urbanismo.
2.- Precisar la asimilación creadora que se hace en Escandinavia de los
códigos racionalistas y la integración a su tradición cultural.
3.- Destacar la importancia de la iniciativa estatal para lograr un
equilibrio del ambiente urbano a partir de la valoración de la
cultura, la naturaleza y el contenido social.
Bibliografía
1- Roberto Segre. Historia de la arquitectura y el urbanismo.
Capitalismo y Socialismo,
La Habana, Editorial Arte y Literatura, 1988, tomo 2.
390
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna ,La
Habana, Editorial
Pueblo y Educación, 1981
visión. Editorial
Científico-Médica, Barcelona, 1955, pp.612-620
4.- Gerd Hatje. Diccionario Ilustrado de la arquitectura
contemporánea, La Habana, ICL, Ediciones Revolucionarias,
1968
El Racionalismo se difundió en Europa a través de diferentes medios,
pero la acepción no fue igual en todos los países. En Europa Central,
Alemania, Austria, Holanda y Suiza fue general. En Italia, Inglaterra y
los Estados Unidos lo moderno llegó tardíamente y en la Rusia de
Stalin y la Alemania fascista, se condenó lo moderno y se volvió al
más monumental y férreo eclecticismo a partir de los años 30.
A partir de los años 30 se produjo la crisis del Racionalismo, se
rechazó su formalismo que sacrificó elementos funcionales por la
391
forma, el esquematismo de la planta libre, la casa suspendida y la
casa vidriera, así como su irrespeto por el contexto. La reacción ante
esto se conoció como Arquitectura Orgánica que implicó una
humanización de la arquitectura y una relación armónica entre
necesidad funcional, naturaleza y arte.
La arquitectura a partir de los 30 se extendió geográficamente a
países que comenzaron a tener importancia dentro del desarrollo
capitalista en el norte de Europa y que eran diferentes al resto del
Continente porque no tuvieron las profundas contradicciones que
caracterizan al capitalismo; no tuvieron fuertes conflictos de clases,
por lo que el Estado podía controlar la explotación lo que les
permitió alcanzar un alto nivel de vida. Tampoco tuvieron grandes
urbes porque no hubo una emigración del campo a la ciudad, no
participaron en guerras coloniales, sus métodos de producción
industrial no excluyeron el uso de materiales tradicionales como
madera, ladrillo y cerámica. Todo esto dio como resultado un
equilibrio entre la satisfacción de las necesidades sociales e
individuales con la consiguiente incidencia en la calidad de diseño en
las distintas escalas.
392
La arquitectura a partir de los 30 cambió no sólo en los jóvenes
arquitectos sino en los Maestros del racionalismo como Le Corbusier.
Ejemplo de esto es el Pabellón Suizo de la Cité, París l930-32, con
uno de sus lados curvos, el uso de piedras toscas, una única
estructura portante de hormigón armado y una libertad inusual en el
Racionalismo en el uso de los materiales. También el Pabellón de
Tiempos Nuevos para la Exposición Internacional de París de l937 que
empleó la lona.
El urbanismo también tuvo en cuenta la naturaleza en las nuevas
avenidas y sistemas de autopistas en forma de trébol que enlazaban
diferentes niveles; las presas del Valle del Tennesse en los Estados
Unidos y la presa del Ural de l93l en Rusia, así como los puentes de
Robert Maillard (Suiza l872-l940), síntesis de arte-tecnología y
entorno.
En la arquitectura escandinava hay tres figuras representativas:
Gunnard Asplund, Arne Jacobsen y Alvar Aalto.
Gunnard Asplund (Estocolmo l885-l940)
Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo. Inició su vida
profesional en 1914 colaborando con Segurd Lewerentz en el
393
proyecto para el Cementerio Sur de Estocolmo y construyó su capilla
entre l9l8-l920 con su tejado sobre peristilo toscano de fuerte
inspiración clásica. Entre l924-l927 hizo además la Biblioteca
Municipal de Estocolmo.
Cementerio del Bosque (l9l8-l940)
Esta obra consta de tres capillas, crematorio y un columbario. Da una
imagen diferente del cementerio que tradicionalmente son ciudades
con elementos arquitectónicos y escultóricos con mármoles y
bronces. Ahora la muerte se expresa en términos de naturaleza, pues
la arquitectura se minimiza y se elude la monumentalidad, este tema
que es clásico se trata con una concepción diferente de la muerte.
Edificios para la Exposición de Estocolmo (l930)
Tiene un hábil manejo de los nuevos materiales (acero, vidrio), una
ligereza en los apoyos, sus muros acristalados y sus marquesinas
policromadas.
Ampliación del Ayuntamiento de Göteborg (l934-l937)
• El edificio data del siglo XVII y el proyecto original para un
concurso de l9l3 planteaba una fachada clásica, pero después
supera esta solución y diseña desde lo contemporáneo y
394
armoniza con lo clásico a partir de la escala y la composición.
• Adosa el bloque nuevo y mantiene el volumen, la escala, la
modulación, el color y la textura originales.
• Emplea el hormigón armado, carpinterías en ventanas y
revestimiento con piedra caliza.
• En el interior ilumina el gran espacio cenitalmente y las
paredes acristaladas permiten ver las galerías en voladizo de
hormigón armado contrastando con el revestimiento de paredes
y techos en madera, referencias de las tradiciones locales. Esta
obra es ejemplo paradigmático de la inserción de la arquitectura
moderna en una trama urbana ya existente.
La obra de Asplund se caracteriza por combinar de una forma muy
orgánica la tradición y lo moderno en la arquitectura.
Arne Jacobsen (Copenhague l902-l97l)
Se tituló en la Escuela de Arquitectura de la Academia de artes de
Copenhague, lugar donde fue profesor entre 1956 y 1971. Las
influencias clásicas iniciales de su obra cambiaron al ponerse en
contacto con la obra de los Maestros del Racionalismo.
En l929 diseñó con Flemming Lassen una “Casa del futuro” con
395
forma cilíndrica y un helipuerto sobre cubierta.
Entre 1930-35- realizó el Conjunto Bellavista en el que emplea por
primera vez la planta dentada y además hizo un teatro con cubierta
móvil. Entre sus obras están:
• Ayuntamientos de Arhus (l937), de Sollerod (l940-42) y de
Rodovre (l955).
• Edificios de oficinas Jaspersen (l955) y SAS (l958-l960). En
estas últimas obras asimila los pilares interiores y la pared
cortina.
• Urbanización de Soholm (1950-1955)
Hizo además industrias, el Banco Nacional danés, diseño de jardines,
muebles y tejidos. En su obra no se perdió jamás la fuerza de la
tradición.
Alvar Aalto (Finlandia l898-l976)
Se graduó en l923 en la Escuela Técnica de Helsinki y en este año
abrió su estudio. En l928 junto con su esposa Aino Marsio fundó su
empresa de muebles de madera contrachapada. En l929 diseñó una
casa que inició la arquitectura moderna en Finlandia y lo vinculó con
la vanguardia plástica del resto de Europa.
396
La obra de Aalto es amplia en número y en temáticas y en buena
parte fue resultado de concursos nacionales e internacionales.
Construyó: 12 teatros y centros culturales, 9 museos y salas de
exposiciones, 6 bibliotecas, 4 centros deportivos, l3 edificios
administrativos, 3 fábricas, 9 iglesias, 7 casas individuales, 8
conjuntos residenciales. Trabajó mucho en su país y además en
Alemania, Francia, Italia, Estados Unidos, Israel y Dinamarca.
Sanatorio Paimio (l928)
Hospital para tuberculosos financiado por varios Municipios. Su
primera obra maestra en la que se aparta del racionalismo puro y
sienta pautas dentro de la temática hospital. Planta asimétrica de
varias alas, con un cuerpo principal de seis plantas, Última planta un
solario. Estructura de hormigón armado. Diseño integrado al paisaje.
Biblioteca de Viipuri (l927; l930-l935)
Actualmente no existe. Tiene la biblioteca propiamente dicha y una
sala de conferencias que se comunican con un amplio vestíbulo. El
salón de conferencias tiene un techo ondulado con iluminación
cenital, revestido de madera para lograr una mejor acústica.
Fábrica de celulosa en Sunila (l935-l937; l937-l939).
397
Construida en la isla de una pequeña bahía, forma parte de un
complejo de vivienda y producción. Uso variado de materiales (ladrillo
rojo, acero). Articulación de volúmenes. Las viviendas se ubican en
un terreno en declive en el bosque.
Villa Mairea (l937-l939)
Ubicada en medio de un bosque de abetos en una suave pendiente.
Usó la madera como material constructivo. Diversidad de materiales
(piedra, madera, ladrillo). Variedad de acabados. Fluidez espacial.
Planta en L. Jardines. Piscina.
Pabellón Finlandés. Feria Mundial de New York (l939)
Presentó en Europa a la arquitectura orgánica. Obra más audaz de la
exposición. Espacio interior con paredes inclinadas.
En la segunda posguerra Aalto trabajó en la reconstrucción de
Finlandia , e hizo urbanizaciones importantes como la de Rovaniemi,
capital de Laponia (1944.45) y otras.
En su obra posterior sobresalen la Residencia estudiantil del
Instituto Técnico de Illinois, Massachussets, Cambridge (l947-l948);
el Ayuntamiento de Saynätsälo (l949-l950); la Universidad de Helsinki
(l956-l958), el Instituto Nacional de Pensiones (1951-56) y varios
398
centros culturales. Aalto diseñó también muebles de todo tipo,
lámparas y otros objetos que formaban parte de los ambientes
interiores de sus obras.
Resumen de los aspectos principales.
A partir de los años 30. Se produjo una reacción contra el
racionalismo, sobre todo en Escandinavia, que se conoció como
Arquitectura Orgánica. Al tema de la vivienda se suman solarios,
hospitales, estadios, pero la vivienda sigue siendo fundamental.
La Arquitectura Orgánica se caracterizó por adaptar los resultados de
la arquitectura a la realidad social, por armonizar la naturaleza y la
arquitectura a través del respeto por la topografía; por el uso
heterodoxo de materiales, el empleo de formas curvas y el renacer
del jardín.
Aalto fue uno de los representantes más altos de la arquitectura
orgánica, se preocupó por hacer una arquitectura para el bienestar
humano. En su obra está presente la línea curva, la diversidad de
materiales, la mezcla de lo vernáculo con lo clásico, lo individual con
lo social. Integró su obra a la naturaleza en un perfecto equilibrio.
Fue exquisito en el detalle, sus ambientes los conformaba a partir del
399
color, la textura, el equipamiento, el uso de la luz.
1.- Analice cómo las condicionantes económicas, políticas, sociales y
culturales inciden en la arquitectura y el urbanismo de los países
del Norte de Europa.
2.- ¿Qué caracteriza a la arquitectura orgánica? ¿Cuáles son sus
precedentes?
3.- Haga un análisis gráfico de la obra de Asplund, Jacobsen y Aalto.
400
Guía de Estudio Teoría de Historia de la Arquitectura y el Urbanismo
Elaborada por : Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema: La concepción de la ciudad y las alternativas de la
modernidad.
Sumario: El Realismo Socialista. La arquitectura del Tercer Reich.
Objetivos
1.- Precisar en cada contexto histórico las causas de la reacción
historicista de la arquitectura y el urbanismo soviéticos entre l934
y los años 50, y en Alemania después del triunfo del fascismo en
l933 hasta l945.
2.- Analizar las obras representativas en ambos países
Bibliografia
.1.- Roberto Segre. Historia de la arquitectura y el urbanismo.
Capitalismo y Socialismo,La Habana, Editorial Arte y Literatura,
1988.
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981.
3.- Bruno Zevi. Historia de la arquitectura moderna, La Habana, ICL,
401
Asociación de Estudiantes de Tecnología, 1962.
En Rusia a pesar de la labor de la vanguardia plástica, del trabajo
proyectual y las realizaciones del constructivismo y de que en l920 se
organizó la Vchutemas, equivalente de la Bauhaus, los académicos
eran quienes dominaban la arquitectura y el urbanismo, pues estos
controlaban el Departamento de Arquitectura de la Comisaría Popular
de Ciencias Arquitectónicas (Narkompros); la reconstrucción de la
nueva capital (Nuevo Moscú, l920-30), y la planificación urbanística
de Petrogrado. O sea, que la arquitectura de la Rusia soviética era
esencialmente académica. En l9l9 el arquitecto Fomin con el
concurso para el Centro Deportivo Cultural del Palacio de los
Trabajadores inició el llamado “dórico rojo” que caracterizó su obra
posterior. Estos modelos historicistas influyeron incluso en las
viviendas colectivas, en los complejos industriales y en los edificios
públicos, con la sola excepción obras del grupo moscovita del
arquitecto Ladovski.
El período de la arquitectura moderna soviética (Constructivismo)
coincidió con la Nueva Política Económica (NEP) entre l921-27, y se
402
extendió hasta l934, cuando ya las distintas asociaciones de
arquitectos se habían fundido en una sola con carácter oficial.
Ejemplos de la arquitectura constructivista son el proyecto del
Palacio del Trabajo de los hermanos Vesnin de l923 y el Pabellón
Soviético de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de
París de l925 del arquitecto Melnikov.
En Rusia había en los años 20 un fuerte espíritu de polémica. Esto
explica la existencia de distintas asociaciones de arquitectos. La
ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos) creada en l923 a la que
pertenecían Melnikov, Ladovski, Tarkus y El Lissitzky que defendían
las siguientes ideas:
1) El progreso de la arquitectura requiere el trabajo conjunto de
arquitectos y trabajadores.
2) Lograr una arquitectura moderna implica unir lo científico, lo
técnico, las exigencias
sociales y económicas de la nueva sociedad.
3) Destacar los aspectos simbólicos-formales y el papel del arte en la
actividad social.
De la ASNOVA se separó un grupo que fundó la SASS ( Sección de
403
Arquitectura de la Construcción Socialista) a la que pertenecían los
arquitectos Ginsburg, Leonidov, Golosov, los hermanos Vesnin y
Kusnetzov que editaban la revista SA. Este grupo se vinculó con el
Constructivismo y con la Vanguardia occidental. Defendían el
racionalismo puro, la técnica y el fin práctico de los edificios;
condenaban el eclecticismo y planteaban que el valor ideológico de
la arquitectura no estaba en lo externo. Entre las obras de este grupo
se destacan las viviendas en Moscú de Ginsburg y los edificios
industriales en Jarkov.
Para combatir estas asociaciones se creó en l929 la VOPRA (
Asociación de Arquitectos Proletarios de toda Rusia) dirigida por K.S.
Alabyan. Las obras de este grupo se caracterizaron por la
monumentalidad y el modernismo ecléctico, presente en la
Comunidad de Erivan (Armenia), el Palacio de los Soviets, (l93l) de
los arquitectos Alabyan e Iofan; en el Teatro Central del Ejército Rojo
en Moscú y en el Pabellón Soviético de la Exposición Universal de
París, l937, entre otras.
La VOPRA acusó al resto de las organizaciones de arquitectos de no
marxistas, de pequeño burguesas y contrarrevolucionarias y con su
404
ortodoxia falsamente marxista contribuyó a eliminar la arquitectura
moderna en Rusia y a la disolución de dichas asociaciones en l932.
Posteriormente, a la VOPRA le sucedió la Unión de Arquitectos de la
Unión Soviética que aprobó en su Primer Congreso de l937 el
“realismo socialista” que entendió el arte y la arquitectura, en
particular, como “lo tradicional, el espíritu de partido y el espíritu de
pueblo”, concretado en una arquitectura historicista semejante a la
empleada por el antiguo régimen, ahora empleada con pretensiones
de expresar los nuevos contenidos de la revolución socialista con
viejas formas.
Paralelamente a estos procesos ideológicos, la industria soviética
puso en práctica nuevos métodos de prefabricación que en las
distintas repúblicas de la unión se mezclaron con las formas y la
decoración tradicionales presentes en los Pabellones de la
Exposición Agropecuaria y Cultural de Moscú de l939.
La Segunda Guerra Mundial interrumpió las construcciones, y
terminada ésta se reanudaron con el objetivo de restaurar la imagen
original de las ciudades y armonizar lo nuevo con lo viejo. En l947 con
motivo del octavo centenario de Moscú se planificaron ocho
405
rascacielos de los que se realizaron siete entre los años l950 y l960.
Cada uno de estos rascacielos emplearon el modelo ecléctico de los
rascacielos norteamericanos de la década del 20, y a pesar de sus
diferentes funciones tuvieron un mismo diseño. Ejemplos de estos
edificios son la Universidad Lomonosov (l953), las viviendas en la
Plaza Vostania (l950-54), el Hotel Ucrania (l950-54) y el Ministerio del
Exterior (l948-52). Además en el Canal Volga-Don que atraviesa
Stalingrado, en todo su sistema de exclusas, canales y diques se
colocaron obeliscos, arcos de triunfo, esculturas monumentales y
motivos alegóricos.
En el plano urbanístico en todas las grandes ciudades soviéticas se
abrieron grandes avenidas que desembocaban en rotondas,
conjuntos escultóricos y edificios monumentales. La trama urbana se
basaba en el superbloque derivado de la manzana tradicional que
ocupaba hasta quince hectáreas y albergaba hasta seis mil
habitantes. Presentaba fachadas continuas que formaban calles-
corredor. Ejemplos: la Avenida Gorki y la Ave. Lenin en Moscú.
El “realismo socialista” tuvo una concepción ahistórica del arte y de
la arquitectura, en particular, trasplantó formas del folclor, del
406
historicismo y lo mezcló con los nuevos materiales y técnicas. Intentó
expresar el poder soviético a través de la monumentalidad, la
simetría, la decoración aplicada, los materiales lujosos, y
la supeditación de la función y la lógica estructural y constructiva a
esquemas formales eclécticos.
A partir de la muerte de Stalin en l953 comenzó un cuestionamiento
de este tipo de arquitectura. En l956, el Congreso del Partido puso
reparos al costo de la decoración ecléctica de los edificios en altura
y consideró a la arquitectura hecha bajo el régimen de Stalin como
una deformación del legado cultural y abogó por la industrialización
de la construcción. En l958 la URSS estuvo representada en la
Exposición Mundial de Bruselas por un pabellón de hierro y cristal que
evidenciaba el giro que se había producido en la arquitectura, pero
no obstante, durante los 60 y los 70, en la URSS no se logró una
arquitectura nacional, pues en la mayoría de los ejemplos se
reproducía el modelo de lo más ortodoxo de la arquitectura
racionalista internacional.
En este período que va desde l930 a l950, no obstante hay elementos
positivos: 1) se incrementó el fondo para viviendas, 2) se inició la
407
prefabricación y 3) se elaboraron en detalles los planes directores de
las principales ciudades, entre ellos en de Moscú (l935-70) que fue
de las primeras ciudades, junto a Holanda y las escandinavas en
tener antes de la Segunda Guerra Mundial un Plan Director.
Arquitectura del Tercer Reich (1933-1945)
La llegada al poder del nacionalsocialismo significó el final de la
nueva arquitectura, la disolución del Bauhaus y la emigración de los
protagonistas de la vanguardia arquitectónica como Gropius,
Hilberseimer, Marcel Breuer, Martin Wagner, Mies van der Rohe,
Mendelsohn, E. May y H. Meyer, debido a que en Alemania se
rechazó todo el arte moderno, y en su lugar se implantó un férreo
neoclasicismo “modernizado”, poresente en la arquitectura oficial
dirigida por el arquitecto Albert Speer, un joven arquitecto que
participaba en la política y que junto a Hitler se encargaba de la
arquitectura del III Reich, caracterizada por revivir los estilos
arquitectónicos del pasado y condenar la arquitectura y el arte de
vanguardia como “arte degenerado” que dañaba el espíritu alemán.
La arquitectura tradicionalista del III Reich abogó por la vivienda
individual. Los planes de viviendas impulsados por el Racionalismo se
408
abolieron, y del tema del hábitat se encargaron arquitectos no
favorecidos por el Estado. En la vivienda predominó una tendencia
neomedieval con techos inclinados, miradores de madera, maderas
molduradas, ventanas en escalón e inscripciones góticas. Por su
parte, los edificios públicos hechos por los amigos de Hitler o los
arquitectos que compartían las ideas del fascismo (Speer, Troost,
Paul Schultz-Naumburg) se caracterizaron por la monumentalidad, un
neoclásico greco-alemán de pilastras dóricas acanaladas, mármoles,
gradas, estatuas alegóricas monumentales y cruces gamadas.
El racionalismo y la vanguardia que en Rusia se consideró como
expresión del Occidente, en Alemania se catalogó como
“arquitectura bolshevique”. Se le censuraron sus frágiles cubiertas,
su color blanco y los marcos metálicos de las ventanas, y en lugar
de las fachadas revocadas y blancas se recurrió a los enchapes de
granito y mármol.
El primer edificio que representó a esta arquitectura fue el Banco de
Berlín (l932) concurso que ganara el arquitecto Heinrich Wolf, edificio
de un eclecticismo moderado. Pero la obra paradigmática de la
arquitectura grandilocuente del fascismo alemán fue la Cancillería del
409
III Reich (l936-l939) del arquitecto Albert Speer (Alemania l905 -
Londres l98l). Ubicada en el centro de Berlín, el monumental edificio
tenía 422 metros de largo y 22 metros de alto; un Patio de Honor de
50 metros de largo; pórtico con cuatro colosales columnas toscanas.
Dos esculturas monumentales de figuras masculinas portando
antorcha y espada, símbolos del Partido y de las Fuerzas Armadas
respectivamente, flanqueaban la entrada. Sobre el pórtico de entrada,
la escultura del águila, símbolo del Imperio.
La monumentalidad interior símbolo del poder y la unidad de la
Nación, se expresaba a través de las pinturas, los mosaicos, los
materiales nobles y las grandes dimensiones.
Hitler planteaba que su Gobierno necesitaba de esa arquitectura
grandilocuente para impresionar a los pequeños estadistas. Esta
arquitectura aplastante también se expresó a escala urbana en las
tribunas monumentales, escenográficas para los discursos del Führer,
y los arcos de triunfo frente a los cuales desfilaban las tropas del III
Reich.
Hitler quiso hacer de Berlín una ciudad superior a París, por eso no
destruyó esta ciudad. Berlín concebida como la nueva capital sería
410
la concreción de la concepción arquitectónica del fascismo alemán.
Se concibió en ella un eje Norte-Sur que desembocaba en una gran
sala con una cúpula más grande que la de San Pedro de Roma para
acoger a miles de personas. Estos escenarios de propaganda
concebidos por Speer se reflejaron en el filme El triunfo de la voluntad
de l935.
En la Italia fascista de Mussolini hubo una política de cierta
tolerancia con la arquitectura moderna. Se destacaron dos
arquitectos, Giuseppe Terragni (l904-l94l) y Marcello Piacentini (Roma
l88l-l960). El primero hizo la Casa del Fascio (l932-l936), sede del
partido fascista. considerada su obra maestra. Con una planta de 33
por 33 metros se desarrollaba alrededor de un patio central cubierto
con vidrio y su volumen cúbico estaba revestido de mármol blanco
sin ornamentación y con algunos elementos estructurales a vista.
También dentro de su obra está un edificio de cinco plantas para
viviendas, el Novocumun (l927-l928) compuesto por un volumen
rectangular que sobre sí tiene una zona semicircular acristalada.
Piacentini, editor jefe entre l922 y l943 de la revista LÁrchitettura,
cuenta entre sus obras el Hotel Ambasciatori (l926) y el edificio
411
administrativo de la Ciudad Universitaria de Roma (l932-l935) con
planta axial, revestimiento de mármol travertino, escalinata
monumental, pilastras sin bases ni capiteles, relieves escultóricos e
inscripciones latinas. También colaboró en la planificación entre l937-
l942 del Centro de la Ciudad Satétile EUR para la Exposición
Universal de Roma que no se realizó por la guerra. En l938 hizo la Vía
Roma en Turín y en l942 la Plaza de la Victoria en Génova. En la obra
de Piacentini hay una síntesis entre lo moderno y lo clásico.
A pesar que en Italia también se hicieron grandes avenidas para
desfiles militares, su arquitectura no tuvo un carácter ortodoxo como
la alemana.
Resumen de los aspectos fundamentales
En los años 30 en Rusia y en Alemania se aplastó el Movimiento
Moderno. Los alemanes criticaron, sobre todo, el fundamento social
del Racionalismo que se había preocupado del bienestar material y
espiritual del hombre. El concepto de un hombre universal entraba en
contradicción con el concepto de la superioridad de la raza alemana
del fascismo, pues para ellos lo internacional era antinazi. La
vanguardia tenía ideas de libertad y democracia, algo también
412
incompatible con el fascismo. La retórica tradicionalista,
conservadora y fanática del fascismo se basaba en la idea imperial y
en la superioridad racial aria.
En Rusia el discurso oficial acusó al Racionalismo de formalista, de
abstracto y de ser indiferente al arte al obviar el papel de éste en la
construcción de la nueva sociedad. No se puede dejar de tener en
cuenta que en Rusia existía una fuerte tradición académica y una
falta de desarrollo industrial que hacía imposible la realización de los
proyectos del Constructivismo. Por otra parte, Rusia era un país
bloqueado y esto desarrolló un sentimiento de miedo a un enemigo
que se veía por todas partes. Además, la vanguardia rusa no tuvo en
cuenta la fuerte tradición académica en este país y que la
configuración de un ambiente es ante todo un hecho cultural derivado
de un desarrollo social.
1.- Haga un análisis de las causas del retorno a los estilos del pasado
que se produjo en la Alemania hitleriana.
2.- Analice algunas de las obras propuestas y realizadas por los
arquitectos del III Reich.
413
3.- Analice el significado del llamado “Realismo Socialista” en la
arquitectura soviética entre los años 30 y los 50.
414
GUIA DE ESTUDIO TEORIA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y
EL URBANISMO
Seminario no 3
Tema 3: Concepción de la ciudad y alternativas de la
modernidad
Objetivos.
l.- Analizar la situación de la ciudad en los primeros treinta años
del siglo XX.
2.- Valorar las diferentes respuestas de los urbanistas ante el
problema de la ciudad en el período.
3.- Analizar las propuestas y realizaciones arquitectónicas y
urbanísticas del Constructivismo en Rusia.
4.- Valorar la reacción ante el Racionalismo de la arquitectura
orgánica en los países escandinavos
1.- a) Ruptura con los códigos urbanos eclécticos derivados del
Plan Haussmann. Principios racionalistas. Congresos de los
415
CIAM. La Carta de Atenas.
2.- b) Labor de Le Corbusier como urbanista. Su propuesta de
estructura urbana: Villa Contemporánea, 1922 (ciudad para 3
millones de habitantes).
2.c) Labor de Le Corbusier como urbanista. El Plan Voisin (París
1925), la Ville Radieuse, 1930 y el Plan de Argel (1930).
3.- Conjuntos de viviendas en Holanda. Proyecto de viviendas de
Berlage fuera del recinto medieval: Ámsterdam Sur.
Características. Valoración.
4.- Los barrios alemanes Siedlungen). Realizaciones en Berlín,
Francfurt, Hamburgo y Dessau. Valoración.
5.- Los barrios vieneses para obreros. Características.
Valoración.
6.- El Constructivismo ruso. Aportes al diseño contemporáneo
desde el punto de vista estético, técnico y funcional.
7.- La arquitectura del Constructivismo ruso. La obra de Tatlin.
8.- La arquitectura del Constructivismo ruso. La obra de El
Lissitzki.
8.- El Constructivismo ruso. La obra arquitectónica de los
416
hermanos Vesnin.
9.- El Constructivismo ruso. La obra arquitectónica de Melnikov.
10.- El Constructivismo ruso. La obra arquitectónica de Iván
Leonidov.
11.- El Constructivismo ruso. Urbanismo y desurbanismo. La obra
de Ivan Leonidov. Proyecto Ciudad de Magnitogorsk, 1930.
12.- El suburbio norteamericano. Unidad Vecinal de Clarence
Perris. Valoración.
13.- Las Green Belts norteamericanas. Valoración.
14.- Propuesta urbanística de Frank Lloyd Wright: Broadracre
Ciy.
15.- La arquitectura orgánica norteamericana. Wrigh: Las Usonia
Houses. Características.
16.- Wright: El Larkin Building (Buffalo, l904-l905) y la fábrica
Johnson Wax (1936-l939). Comparar ambas obras.
17.- Wright: Grandes obras: La Casa de la Cascada (1936) y el
Museo Guggenheim (New York, l943-l959).
18.- Arquitectura Orgánica en los países escandinavos.
18 a).- La obra arquitectónica de Alvar Aalto.
417
18 b).-. La obra arquitectónica de Gunnard Asplund.
18 b).- La obra arquitectónica de Arne Jacobsen.
19 c).- La obra urbanística de Alvar Aalto.
Bibliografía
Literatura, 1988. Cap. 7
2.- Leonardo Benévolo. Historia de la arquitectura moderna, ,La
Habana, Editorial Pueblo y Educación, 1981. Tomo 2, Cap. XIV
y XV (pp. 576-604)
3.- Vittorio de Feo. La arquitectura en la URSS: 1917-1936. La
Habana, ICL, 1968
4.- Gerardo Mosquera. El diseño se definió en Octubre, Edit. Arte y
Literatura, La Habana, 1989.
5.- Anatole Kopp. Arquitectura y urbanismo soviéticos de los años
20, Barcelona, Editorial Lumen, 1974.
6.- Bruno Zevi.- Historia de la arquitectura moderna, La Habana,
Asociación de Estudiantes de Teacnología, 1962
418
México, Editorial G. Gili, 1983.
OBSERVACIONES
El grupo se organizará en los mismos equipos del seminario no.1.
Cada equipo defenderá su trabajo en el seminario valiéndose de
pancartas o de power point para realizar su exposición oral. Se
evaluará la calidad del diseño, la composición, el uso adecuado de
los textos (no se debe sobrecargar ni la pancarta ni el PP de
textos, pues estos sirven para apoyar la exposición. Se tendrá muy
en cuenta la ortografía.
Previamente cada equipo comunicará al profesor el aspecto que va
a trabajar.
El seminario culminará con una pregunta escrita sobre todo el
contenido del tema.
419
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: Introducción al curso. Caracterización de la etapa de estudio.
Los procesos culturales desde 1945 hasta la actualidad
Elaborado por: Dra. Arq. Eliana Cárdenas, Lic. Florencia Peñate
Sumario
Factores históricos que condicionan el período. Principales procesos
culturales. De la herencia de la Vanguardia a la Posmodernidad. Las
tendencias recientes en el arte.
Objetivos
1. Valorar los principales factores políticos, económicos, sociales
que condicionan el desarrollo sociocultural del período.
2. Definir los elementos que condicionan la cultura del período y los
factores de ruptura entre Vanguardia y Posmodernidad.
3. Analizar las características del arte de la segunda mitad del
siglo XX hasta hoy a partir de ejemplos de obras representativas de
las artes plásticas.
Bibliografía
Textos de consulta
Britto García, Luis: El imperio contracultural: Del Rock a la
420
posmodernidad, Ed. Arte y Literatura, La Habana, 2005.
Dorfles, Gillo: Sentido e insensatez en el arte de hoy, Ed. Ciruela,
Valencia, 1973
Dorfles, Gillo: Símbolo, comunicación y consumo, Ed. Lumen,
Barcelona, 1972.
Eco, Umberto.: Apocalípticos e integrados ante la cultura de masas,
Barcelona, 1968.
Jameson, F.: "El posmodernismo o la lógica cultural del capitalismo
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Habana, 2002.
Arte Universal:
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/index.php
Factores históricos:
Los problemas derivados del fin de la Segunda Guerra Mundial y su
incidencia en la economía, la política, en la cultura y la vida
cotidiana. El significado y repercusión de la contienda bélica para la
humanidad.
De los regímenes progresistas a la Guerra Fría. De la extensión del
campo socialista a su desaparición en el este europeo. Los diferentes
períodos de la correlación internacional de fuerzas políticas y
económicas. Los procesos de liberación nacional y las guerras en el
Tercer Mundo.
Los avances científico-técnicos. La era del conocimiento.
El neoliberalismo y la época de la globalización. El impacto de la
globalización.
Influencia de los avances científico-técnicos en el diseño y en la vida
422
cotidiana.
La producción en serie que caracterizó a la industria automovilística
se extendió a todas las ramas de la industria, incluida la construcción
impulsando la creación de sistemas prefabricados, nuevos materiales
y tecnologías y transformación continua del equipamiento y diseño
tanto para las construcciones como de uso cotidiano.
En la segunda posguerra junto a la expansión económica de Estados
Unidos, se expandió el mito del “American way of life” que impuso un
modelo universal basado en el consumismo y el derroche que no
obstante haber entrado en crisis a fines del siglo XX por ser no
sustentable, se mantiene como modelo de vida esgrimido por los
grupos de poder.
La sociedad automatizada y de la informática. Influencia en los
procesos productivos, socioeconómico, en la vida cotidiana y en el
comportamiento de las personas.
La cultura
Las nuevas posturas culturales de la posguerra: neorrealismo italiano
vs. existencialismo. El cuestionamiento de los valores: los beatniks,
los hippies, los punks.
423
Los fenómenos culturales fundamentales que caracterizan el período.
Cultura de elites y cultura para las masas. La cultura en la era de la
globalización: la imposición de modelos a través de los medios de
difusión.
De la herencia de la Vanguardia a la posmodenidad.
La cultura y el arte del siglo XX significaron una fuerte ruptura con
todo lo anterior y la Vanguardia integrada por todos los “ismos”
(cubismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, abstraccionismo,
surrealismo) se amplió en otras corrientes, hasta inicios de la década
del setenta.
Las Segundas Vanguardias
Las llamadas Segundas Vanguardias mantienen una continuidad con
la vanguardia de inicios del siglo XX, vinculadas al Proyecto Moderno.
Esa continuidad se manifiesta en procesos continuos de ruptura con
lo anterior, además de otros rasgos fundamentales como: un nuevo
concepto de espacio y tiempo que influye en el arte; la diversidad de
puntos de vista y el concepto de simultaneidad, apreciado en la
ruptura con la perspectiva y la percepción tradicionales; el
cuestionamiento de la mimesis que lleva a la ruptura con lo objetual.
424
Los nuevos conceptos como el de vacío, movimiento real,
transparencia, ensamblaje, se incorporan a la escultura. Sin embargo,
la fe en el progreso, el culto a la razón y a lo nuevo como valor,
rasgos esenciales de la Modernidad se van debilitando a partir de las
propias contingencias que marcan el período bélico y posbélico.
A partir de la segunda posguerra se organizó el Mercado del Arte
reflejo del carácter de mercancía que adquiere la obra artística, algo
que había rechazado la Vanguardia. New York se convirtió en el
centro universal del arte. En Estados Unidos el fenómeno de la
Vanguardia había sido muy débil pero la Segunda Guerra Mundial
promovió la llegada a ese país de importantes figuras del arte
europeo que cambiaron el curso del panorama artístico
norteamericano.
Entre 1945 y 1960 hay una diversidad de corrientes y es común
encontrar a un mismo artista ubicado en una u otra, lo que evidencia
poca definición de sus fronteras y diversidad de criterios
clasificatorios. Con frecuencia se integran dentro del Informalismo.
Entre ellas el abstraccionismo tiene mucha fuerza, tanto en los
Estados Unidos como en Europa. Tendencias como: expresionismo
425
abstracto, pintura de acción, abstracción sígnica, tachismo… Esta
abstracción que surge como fenómeno paralelo en New York (mayor
abstraccionismo) y París (Informalismo, arte otro), tiene como
antecedentes principales a Kandinsky, y también al surrealismo, pero
abandona toda regla y composición tradicionales y emplea como
expresión la escritura automática, el color espontáneo, los juegos de
líneas, como resultado de una acción inconsciente; interesa más el
gesto y la experiencia de pintar que la obra misma. Entre los artistas
más destacados: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky,
William Baziotes, Franz Kline, Mark Tobey, Mark Rothko, Hans
Hofmann, Philip Guston, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Joan
Mitchell, En Europa: Hans Hartung, Georges Mathieu, Wols (Wolfgang
Schulze), Henri Michaux Jean Bazaine (Francia), Maria Elena Vieira
da Silva (Portugal), Asper Jorn (Dinamarca), Karel Appel (Holanda),
Esteban Vicente (España)
La abstracción pura o neo abstracción surge en Estados Unidos y se
caracteriza por la abstracción geométrica de concepción
estrictamente formalista y la ausencia de sentido sensitivo o gestual
o de lo subjetivo. La pintura espacial tiene rasgos semejantes,
426
caracterizándose por los enormes lienzos. Estas tendencias influyen
en el surgimiento del Minimalismo. En Estados Unidos Frank Stella,
Ellsworth Nelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis. En
Europa: John Hoyland y Robyn Denny (Inglaterra), Lo Savio (Italia),
Pablo Palazuelo y Rafols Casamada (España), entre otros.
Otra tendencia es el Art Brut, también incluida en el Informalismo. Se
caracteriza por el rechazo de lo bello, carácter tosco, espontáneo,
grotesco e irreflexivo, cercano a lo inconsciente, libertad de trazo y
cromática, uso de materiales muy diversos mezclados con la pintura,
creando efectos matéricos muy expresivos. El artista más
representativo es Jean Dubuffet, otros son: Joseph Crépín, Augustin
Lesage, Adolf Wölfli.
A mediados de los cincuenta el optimismo que caracterizó a la
Modernidad comenzó a desvanecerse y a cuestionarse. Jean F.
Lyotard cuestionó la capacidad de la Modernidad para poder con la
razón ordenar y jerarquizar el mundo. Jacques Derrida, representante
del Deconstructivismo filosófico planteó la incapacidad de tener un
sentido coherente y global de la realidad y abrió infinitas
posibilidades de interpretación. Jurgen Habermas, por su parte,
427
plantea que la Modernidad como proyecto todavía no se ha
completado y que debía volverse a los aspectos no resueltos.
En esta época aparecen varias tendencias que rechazan el
expresionismo abstracto y la abstracción en general: Por un lado el
Op art y el Pop art, por otro, los que retoman la figuración.
El Op Art o Pintura Óptica surge en Estados Unidos hacia 1958, con
antecedentes en Vasarely. En Europa, a mediados de los años
sesenta como se movimiento denominó nueva tendencia englobando
grupos de diferentes de artistas.
El op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo
calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las
obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria
de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Se caracteriza por
ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter
emocional.Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo,
movimiento aparente, muaré) mediante tramados, líneas paralelas,
contrastes bi o policromáticos, cambios de tamaño, inversiones de
figura sinuosas y fondo, seriaciones, repetición y multiplicación de
estructuras, combinaciones de formas y figuras ambiguas; formas
428
geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones
complejas. Principales artistas: Victor Vasarely, Berlewi, Jeffrey
Steele, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, Josef Albers, Bridget Riley,
entre otros.
El Pop Art o Neodadaísmo surge en Estados Unidos e Inglaterra hacia
1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta. El
término de "pop art" fue utilizado por primera vez en 1954 por el
crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba
creando la publicidad, el diseño industrial, el cartel y las revistas
ilustradas. La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta
se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear
obras figurativas con una temática absolutamente directa que las
haga accesibles al público en general. Surge como reacción contra el
expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la
comprensión del público. En Europa, una tendencia relacionada con el
pop norteamericano recibe el nombre de "nouveau réalisme" (nuevo
realismo). Temática extraída del medio ambiente urbano de las
grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics,
revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios
429
publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares,
elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos
enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras,
etc.).Tratamiento pictórico no tradicional: lenguaje figurativo que
representa objetos reales, no concentrado solo en sus cualidades
formales, sino que las combina con las abstractas gracias al empleo
de imágenes familiares y fácilmente reconocibles. Combinación de la
pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra,:
flores de plástico, botellas, etcétera., en un nuevo planteamiento
dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo), formas y
figuras a escala natural y ampliada, empleo de formas planas y
equemáticas, Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en
los empleados en la industria y los objetos de consumo. Principales
artistas: Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Ed Ruscha, Robert
Indiana, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, James Rosenquit, Tom
Wesselman, David Hockney, Allen Johns, Richard Hamilton, Jim Dine,
Peter Blake, entre otros.
La Neofiguración o Pintura Neofigurativa: Transición entre el
informalismo y tendencias figurativas posteriores. Recupera la
430
representación icónica, carácter tremendista, de crítica y denuncia,
formas orgánicas surrealistas y de figuras monstruosas, deformes y
atormentadas, representación de la figura humana generalmente
aislada, engendrando el espacio plástico, composiciones caóticas y
desordenadas, cromatismo intenso y violento. Willem de Kooning,
Francis Bacon, Asger Jorn, Jean Dubuffet, Wolf Vostell, Antonio
Saura, Graham Sutherland.
El Nuevo Realismo surge en Francia hacia finales de los años
cincuenta. Coincide cronológicamente con el pop-art y con la
figuración narrativa con los que tiene puntos en común. Se
caracteriza por la variedad de planteamientos expresivos. Rechaza el
informalismo y se apoya en lo real, intenta plasmar la realidad de la
sociedad moderna y su riqueza, carácter irónico pero sin intención
polémica, predominan colores planos e intensos; uso de collage de
objetos reales sobre el soporte y transformados visualmente con la
pintura También incluye pinturas realizadas con el cuerpo (body-
painting), en algunos casos el estilo es cercano a lo Kitsch , el
empleo de paisajes o figuras en movimiento emborronadas para
expresar sensación de movimiento, inestabilidad o diferencia de
431
escala. Estética basada en los colores deslumbrantes y los elementos
del habitat urbano y objetos de consumo: luces de semáforos y
señalizaciones gigantescas de tráfico. Principales artistas: Yves
Klein, Martial Raysse, Alain Jacquet (Francia), Gerhard Richter
(Alemania), Valerio Adami, Piero Manzon (Italia)…
Los sesenta
A fines de los sesenta entra en crisis el optimismo sobre el desarrollo
infinito. El Pop y el Minimal reflejan de manera complaciente y
acrítica la sociedad industrial y de consumo; pero los hechos son
testarudos: la guerra de Viet Nam, los sucesos de Mayo del 68, la
invasión a Checoslovaquia, la crisis energética, hacen que se
reflexione sobre la naturaleza finita de los recursos. Esto explica
todos los movimientos de la antiforma surgidos en los 60 y la
ampliación de las fronteras del arte posterior al Informalismo que
plantean una nueva relación del arte con la vida, con la historia, con
la filosofía.
Los sesenta marcan el inicio del fenómeno de la posmodernidad,
término que designó primero la nueva arquitectura que se apartaba
de los Maestros y que después se aplicó para la crisis de valores de
432
los cincuenta, crisis que se perfiló en los sesenta y que se extendió a
los setenta. Crisis presente en el fenómeno de la “sociedad
posindustrial”, en la guerra fría, en el auge del militarismo, en las
luchas sociales y los movimientos ecológicos, en la oposición entre
centro y periferia.
En el arte el fenómeno de la posmodernidad no es un estilo ni un
movimiento, pues las fronteras van más allá; la posmodernidad es un
tipo de cultura, “la lógica cultural del capitalismo multinacional o
tardío”- como dice F. Jameson.
La posmodernidad no implica un proyecto como lo fue la modernidad.
Critica al proyecto burgués y al proyecto marxista y no propone otro,
sino que plantea el fin de las utopías. La posmodernidad no cree en la
idea de progreso, ni en la cultura ni en la revolución, cree que estos
conceptos están superados. Plantea el fin de la historia. Niega lo
nuevo como valor, de ahí todo tipo de revivals.
La posmodernidad se vincula con lo fragmentario, con el no estilo,
con lo regional, con la memoria histórica, con lo local, con lo
vernáculo. Venturi acude a lo vernáculo, Boffil recupera sistemas
clásicos, Philip Johnson acude al eclecticismo.
433
El arte posmoderno puede ser efímero, incluso puede ser una idea. Se
mezclan las manifestaciones, se desacraliza el arte con la
incorporación de objetos ajenos al arte. Se niega la originalidad y la
expresión individual que da paso a todo tipo de apropiaciones.
Hay corrientes que se desarrollan hacia mediados de los años
sesenta, que algunos críticos consideran parte de la modernidad,
mientras que otros la incluyen en el período de posguerra. Entre ellas
están:
El Hiperrealismo o Pintura Hiperrealista Surge en Estados Unidos
hacia 1965 como reacción contra la ausencia de contenido de la
abstracción del "action painting" y del arte conceptual. La primera
exposición que dio a conocer esta tendencia fue "The Photographic
Images", celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1966.
Se caracteriza por una aproximación distanciada y fría, nueva y
radical al mundo real; iconografía relacionada con la sociedad de
consumo: automóviles, escaparates, cromados, rótulos de comercios,
desguaces, gasolineras,; .utilización de perspectivas típicas de la
fotografía con objetivos angulares y de nuevos materiales: pintura
acrílica, latex y resinas sintéticas. Entre los principales artistas
434
están: Chuck Close, Don Eddy, John Salt, Richar Estes, Robert
Cottingham, Malcolm Morley, Ralph Goings
El Minimalismo surge en Estados Unidos a mediados de los años
sesenta y tiene su máximo desarrollo durante los setenta. Incluye los
objetos tridimensionales desarrollados por escultores reducionistas
norteamericanos.La pintura "minimal" también se conoce como
pintura del silencio, pues se aparta del mundo material y del "ruido"
de formas y objetos de la sociedad de consumo. La pintura
"minimalista" es una radicalización del programa reductor comenzado
por algunos de los pintores de la abstracción postpictórica a
principios de los sesenta. Rasgos: La abstracción total: las obras
operan sólo en términos de material, superficie, tamaño y color,
Máxima sencillez: En escultura: cubos, pirámides o esferas,
organizadas en ángulos rectos, generalmente en series; en pintura:
superficies enfáticas monocromáticas, negación de cualquier efecto
ilusionístico. Principales artistas: Pintores: Jules Olitski, Ellsworth
Kelly, Robert Ryman, Agnes Martin, Robert Mangold, Joe Baer, Brice
Marden, Sol LeWitt, Thomas Deyle, Peter Laly, Hernández Pijuan,
entre otros. Escultores: Sol LeWitt , Dan Flavin, Donald Judd; Carl
435
Andre, entre otros.
El arte conceptual surge en Estados Unidos hacia 1966 como
respuesta a la crisis que supuso el callejón sin salida de la estética
minimalista. En el arte conceptual lo que importa es la reflexión sobre
la obra (el concepto) y el proceso creativo más que el objeto artístico
y sus aspectos materiales. Para presentar la idea de su obra los
artistas conceptuales se sirvieron de métodos diversos: fotografías,
vídeos, grabaciones, documentos escritos, realización de actos en
público (performances)... siendo escasas las manifestaciones
pictóricas. De hecho el arte conceptual se manifiesta a través de
movimientos tan diversos como el body art, el land art, el arte povera,
el fluxus y el performance art. En ellas la obra de arte se aprecia
como objeto de pensamiento; el propósito no es representar la
realidad, sino prescribir un conjunto de significados, conceptos o
intenciones que sean reconocidos por el intelecto, se- combina el
lenguaje escrito con el lenguaje de la representación pictórica,
incluyendo preguntas, ecuaciones, declaraciones o instrucciones
absurdas, realizadas a partir de la mezcla de materiales y técnicas.
Principales artistas: Sol LeWitt, Shusaku Arakawa, On Kawara, Bruce
436
Nauman
La cultura de la posmodernidad
A partir de mediados de los años setenta se refleja realmente la
cultura de la posmodernidad, con un carácter “eclecticista”, pues
recicla fragmentos de distintas épocas para configurar una nueva
representación, rechazando la ideología de la uniformidad que
caracterizó al arte de vanguardia anterior. El quehacer artístico se
enfoca ahora sobre lo diferente, la discontinuidad, la ambigüedad y la
paradoja. El lenguaje posmoderno es intensamente subjetivo,
combina formas históricas y modernas con referencias
internacionales y regionales sin ninguna limitación; con entera
libertad. Entre estas fechas y finales del siglo XX se desarrollan
corrientes artísticas como: Anacronismo / Nuevo clasicismo o
neomanierismo ; Figuración graffiti ; Figuración libre ;
Neoexpresionismo / "Los nuevos salvajes" ; Neo-geo; Neo-pop; Nueva
imagen; Pattern & decoration y Transvanguardia
El llamado Nuevo Clasicismo o Neomanierismo, Anacronism.o o
también Pintura Culta o de la "Nuova Maniera" surge en Italia hacia
finales de los setenta y se desarrolla en otros países europeos como
437
Francia y España. Se caracteriza por la vinculación estética con el
estilo clasicista en un intento de unir tradición y presente, tendencia
a lo decorativo, lo alegórico y lo retórico; mezcla de figuras u objetos
incongruentes, desproporcionados o con diferente escala en una
misma obra. Principales artistas: L. Bonechi , A. Abate, Carlo Maria
Mariano, Ubaldo Bartolini, Gérard Garouste , Jean-Michel Alberola,
Guillermo Pérez Villalta, F.J. Rodríguez Quesada, entre otros.
El Graffiti Art: también surge en Estados Unidos hacia 1976 y tiene su
raíz en la cultura callejera de Nueva York, en su arte marginal,
expresado en los trenes del metro neoyorkino y en las paredes de los
edificios de Manhattan. El movimiento del graffiti tuvo su máximo
esplendor a comienzos de los años ochenta, momento en el que se
hacen las obras más agresivas. Esta corriente, junto con el
movimiento del "pattern & decoration" y la denominada bad painting,
introduce planteamientos nuevos en la pintura figurativa expresiva
norteamericana ("nueva imagen") y europea (neoexpresionismo y
transvanguardia ). En Europa, una tendencia que puede considerarse
equivalente a la del graffiti es la llamada "figuración libre" Se
caracteriza por una actitud ruda, agria, crítica y a veces humorística
438
sobre el arte y/o la sociedad; iconografía variada: figuras de personas,
animales o antropomórficas, criptogramas, figuras geométricas
(círculos, cruces, pirámides), imágenes de cómic, garabatos
espontáneos, etc. Temática variada, generalmente irónica, a veces
banal, pero con referencias casi constantes a la pintura moderna o de
épocas anteriores, para conjugar una nueva visión del mundo y de la
sociedad. Principales artistas: Jean-Michel Basquiat, Keith Haring,
Kenny Scharf, Lee Quiñones y otros artistas
La Figuración Libre aparece en Francia a finales de los años setenta.
Coincide con el retorno generalizado a la figuración y es una reacción
contra la deshumanización del minimalismo y del arte conceptual.
Esa búsqueda de la identidad perdida se manifiesta en corrientes tan
heterogéneas como el neoexpresionismo alemán, la transvanguardia
italiana, y la "nueva imagen" norteamericana. Carácter irónico y
sarcástico, empleando el lenguaje de las tiras cómicas; exaltación y
recuperación de lo marginal e instintivo; mezcla de elementos
provenientes de campos diversos: el mundo del comic, de los dibujos
animados, del cine, etcétera; combinación heterogénea de materiales
y técnicas: telas, superficies metálicas, pintura acrílica, óleo,
439
esmaltes…Principales artistas: Robert Combas, Hervé Di Rosa, Jean-
Charles Blais, François Boisrond, Rémy Blanchard, Catherine Viollet,
Jean-Michel Alberola, Jean-François Maurige.
La llamada Transvanguardia surge en Italia hacia 1977 como reacción
contra el minimalismo y el arte conceptual. Integrada por una serie de
pintores italianos sin afiliación concreta, pero con rasgos comunes: la
práctica de una pintura de caballete clásica con interés especial por
los mitos y leyendas, y recurrir a las fuentes de la historia del arte
con una consciente mezcla de estilos. Tiene un carácter abierto: el
artista explora o transita todos los ámbitos para extraer las
referencias que considera adecuadas para la realización de su obra,
filtrándolas y presentándolas a través de su propia individualidad
expresiva, empleo de la iconografía cristiana o pagana con una gran
carga de ironía, parodia y a veces morbosidad; plasmación de
metáforas; evocación de mitos y arquetipos; a veces plasmación de
motivos personales relacionados con la propia vida del artista;
predilección por la figura humana en actitudes incómodas y
rebuscadas; preferencia por los formatos típicos de la pintura de
caballete, a veces también grandes formatos, combinación de
440
elementos figurativos, abstractos, palabras, signos y técnicas
diferentes en la misma obra; predominio del efecto bidimensional
sobre el de profundidad; colorido contrastante. Principales artistas:
Mimmo Paladino, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Nicola de Maria,
Sandro Chia.El Neoexpresionismo conocida también como "Los
Nuevos Salvajes", surge en Alemania a mediados de los años setenta
y alcanza su máximo desarrollo en los años ochenta. No es un
movimiento colectivo homogéneo, sino una serie de personalidades
con planteamientos estéticos propios que encuentran su inspiración
en artistas del pasado, tanto del expresionismo, como de otros estilos
y movimientos, incluso contradictorios.
Este carácter hetereogéneo no es exclusivo del neoexpresionismo
alemán, sino de muchos de los planteamientos artísticos nacionales
desarrollados en Europa, entre ellos destaca la transvanguardia
italiana y la figuración libre francesa. El desarrollo del
neoexpresionismo alemán está representado por dos generaciones
con planteamientos algo diferentes. La primera generación está
formada por artistas nacidos durante la segunda guerra mundial,
entre los que se encuentran los considerados como padres del
441
movimiento. La segunda generación, casi toda ella nacida en los años
cincuenta, es más radical y practican una pintura basada en una
estética de lo feo y de la destrucción. En Estados Unidos el
equivalente a las nuevas tendencias figurativo-expresivas europeas
es la llamada "nueva imagen" así como la figuración gaffiti, la llamada
bad painting y el movimiento del pattern & decoration, que introducen
planteamientos nuevos.
Se retorna a las imágenes de tipo expresionista, con un gusto por la
fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores y
yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente
fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se
disponen figuraciones contrastantes.Temática amplia (mitologías
individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras
heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio
de la figura humana.
Principales artistas. Padres del Neoexpresionismo alemán: Georg
Baselitz, Ansel Kiefer, Markus Lüpertz, A. R. Penck (Ralf Winkler; Jörg
Immendorff Artistas de la "Heftige Malerei":Rainer Fetting, Helmut
Middendorff, Bernd Koberling Artistas de la "Mülheimer Freinheit":
442
Hans-Peter Adamski, Peter Bömmels, Walter Dahn, Jiri Georg
Dokoupil.
A pesar de ser el neoexpresionismo un movimiento principalmente
alemán, existen artistas en otros paises europeos cuya obra puede
incluirse dentro de esta corriente. Algunos de los más interesantes
artistas neoexpresionistas no alemanes son: En Austria: S. Anzinger,
E. Bohartsch, J. Kern, A. Klinkan, A. Mosbacher, O. Oberhuber, entre
otros. En España: Miquel Barceló, Ferran García Sevilla, José María
Sicilia, Rosa Nicolás, Chema Cobo, M.A. Campano, Navarro Baldeweg,
Manuel Valdés, entre otros. En Francia: Jean-Michel Alberola, Gérard
Garouste.
Neoabstracción Geométrica: A comienzos de la década de los
ochenta, como reacción contra la emotividad del neo-expresionismo,
se produce en Estados Unidos y Europa un resurgimiento de la
abstracción geométrica con artistas muy dispares que se sirven o
apropian libremente del arte abstracto de los años sesenta, y de
antes, para elaborar obras dentro de una tendencia que se conoce
como "Neo-Geo" El término engloba a muchos artistas con líneas
diferentes de trabajo y pensamiento, por eso esta es una tendencia
443
poco homogénea. Se produce la apropiación de las combinaciones
formales y cromáticas próximas a las creaciones constructivistas,
geométricas tipo hard-ege y al op-art; ausencia de todo planteamiento
filosófico y utópico; carácter eminentemente decorativo con cierta
carga crítica, alusión a la tecnología y las redes de comunicación,
combinación de técnicas y materiales. Principales artistas: Estados
Unidos :Ashley Bickerton, Peter Schuyff, Philip Taaffe, Peter Halle,
Ross Bleckner (1949). Europa: John M. Armleder; Helmut Federle
(Suiza), Gerwald Rockenschaub (Austria).
El Neo-Pop o Pintura de la Nueva Figuración Pop se desarrolla en
Europa y Estados Unidos desde principios de los años ochenta.
Incluye obras muy heterogéneas que tienen el denominador común el
mundo del comic, de los dibujos animados, de los medios de
comunicación de masas o de los anuncios publicitarios, aunque sólo
sea como apropiación de alguno de sus elementos, en especial su
actitud hacia lo banal, lo popular o incluso, en algunos casos, como
reacción. Predomina el carácter irónico y tendencia a la parodia con
un matiz más exagerado que en el Pop, con composiciones
abigarradas y colores intensos, llamativos y fluorescentes.
444
Principales artistas; Kenny Scharf, Lee Quiñónes, Robert Combas,
Daniel Authouart.
La tendencia Pattern Art / Pattern & Decoration/Pintura de Patrones y
Decorativa surge en Estados Unidos en 1975 para reivindicar lo
decorativo en el arte y mostrar su desacuerdo con el rigor y la
frialdad del minimalismo. El movimiento del P & D tiene carácter
ornamental y se caracteriza por la ausencia de contenido o sujeción a
una idea o planteamiento filosófico, conceptual o moral; clientelismo
o sujeción a los gustos de las élites; estructuración basada en la
repetición de un elemento o modelo (patrón, en parte ya
confeccionado) al estilo de los papeles de pared y de los diseños
textiles; configuraciones heterogéneas: elementos figurativos que
parecen flotar sobre fondos abstractos, elementos de carácter
primitivo mezclados con elementos más modernos; subordinación del
tema del cuadro al efecto visual; concepción basada en la idea de
"horror vacui": motivos y estructuras ornamentales ocupando la
totalidad del espacio pictórico; mezcla de técnicas y materiales:
principalmente collage de telas estampadas y papeles pintados;
formas estilizadas y depuradas; creación de efectos decorativos de
445
tipo atmosférico. Tiene un gran impacto en las ambientaciones
arquitectónicas y diseño de ambientes. Principales artistas: Miriam
Schapiro, Robert Kushner, Joyce Kozloff, Kim MacConnel, Valerie
Jaudon, Robert Zakanitch, Ned Smyth, Sigmar Polke, Luis Gordillo,
José Maria Sicilia, entre otros.
El arte y la pintura de hoy día
El arte actual, desde las últimas décadas del siglo pasado, está en
transformación, en el plano teórico y en el práctico. Como otros
aspectos de la sociedad, los criterios por los que se regía hasta ahora
han cambiado radicalmente. Entre los factores que han propiciado
este cambio podemos citar: el impacto de las nuevas tecnologías; la
aparición de nuevos medios electrónicos de expresión; la
incorporación masiva de la mujer al ámbito creativo; las nuevas
formas de relación personal; la aceptación de la diversidad socio-
cultural; el reconocimiento de la homosexualidad; y el surgimiento de
nuevos problemas de ámbito global. Todo esto se refleja en los temas
que tratan los artistas y en los medios que utilizan. Todo vale con tal
de impactar o conectar con el público. Frecuentemente el artista
abandona toda reflexión intelectual en favor de la originalidad y la
446
creatividad. Como dice Karl Ruhrberg, "a veces, la distancia entre la
ambición filosófica y teórica de una obra de arte y la banalidad de su
plasmación llega a ser tan grande que llega al absurdo".
Las artes plásticas actuales no escapan a esta situación. La
distinción entre abstracción y objetividad es ya algo anacrónico. Todo
vale, desde la pintura estrictamente conceptual y radical, hasta la
"pintura por la pintura" más elemental y las configuraciones
eclécticas. No ha cristalizado ninguna tentativa innovadora y de
momento este tradicional medio artístico parece que está agotado.
Por tanto, no hay un discurso artístico predominante ni tampoco
personalidades artísticas dominantes; impera el rechazo de la
homogeneidad: se valora la diferenciación, dando importancia a la
originalidad creativa y a la autoría, es decir, el artista debe ser
claramente identificable, por lo tanto, único. Se Intenta conectar con
el público a toda costa, predominando la preocupación por lo real (el
arte intenta implicarse en el mundo, olvidando su ensimismamiento),
por lo que hay apertura a asuntos de la vida (sexo, muerte,
agresividad) así como temas de denuncia (opresión de la mujer o de
las minorías, problemas raciales, lucha contra el sida, destrucción de
447
la Naturaleza, consumismo, globalización, etc.). Todo dentro de una
gran diversidad estilística, desde el realismo a la abstracción serial,
del surrealismo a la pintura pura elemental, coincidiendo con la
tendencia al nomadismo y la fragmentación: los artistas se
"desplazan" por diferentes estilos, reciclando libremente el aspecto
de movimientos previos, pero con diferente significado e intención;
mezclan referencias y consideran la utilización fragmentada de
estilos del pasado como una estrategia de diferenciación y el cambio
como motor creativo y vital.
Conclusiones
El arte del siglo XX representa un largo camino de rupturas. La
Vanguardia abrió el camino de la experimentación. Las complejas
contingencias históricas condicionaran la propia complejidad de la
cultura artística y de la cultura en general, conformando nuevos
patrones de vida e influyendo en las transformaciones en el arte. La
segunda vanguardia y el Informalismo trajeron una ruptura de la
composición tradicional y una profunda subjetividad, pero conservó el
mito de la obra única. Pero en los sesenta se redefinió el concepto de
arte y su función, se amplió la esfera de lo artístico, tornándose más
448
compleja y contradictorio, hasta la visión amplia y a la vez ecléctica
de la posmodernidad y sus implicaciones en cuanto a posiciones ideo-
culturales y estéticas, las cuales repercuten en estos inicios del siglo
XXI.
Temas y preguntas para el autoestudio
1. Realice un esquema de estudio que incluya los principales
procesos económicos, políticos y culturales que tienen lugar desde
la segunda posguerra hasta hoy.
2. Analice a través de ejemplos la contraposición entre la
vanguardia y la posmodernidad.
3. Explique cómo influyen los adelantos científicos técnicos en
algunas de las tendencias de las artes plásticas de los últimos
cincuenta años.
4. Exponga su criterio acerca de cómo influyen los procesos de
globalización en la cultura artística en general y en las artes
plásticas en particular.
449
GUIAS DE ESTUDIO
TEORÍA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO 3
Tema: Los principios y códigos de la arquitectura brutalista.
Valoración de los aspectos simbólicos y plástico-escultóricos.
Elaborada por: Dra. Arq. Eliana Cárdenas, Lic. Florencia Peñate
Sumario
Factores que condicionan las búsquedas expresivas a partir de la
década del cincuenta. Características de la arquitectura brutalista.
La obra de Le Corbusier, Utzon, Saarinen, Scharoum, Stirling y
Gowam, Rudolph y Kanh, Kenzo Tange.
Objetivos
1. Analizar el condicionamiento general de la arquitectura
brutalista.
2. Precisar los elementos de alternativa, continuidad y de
cuestionamiento del brutalismo en relación con el Movimiento
Moderno
3. Precisar los recursos expresivos que emplea la arquitectura
brutalista.
4. Analizar las codificaciones arquitectónicas del Brutalismo a
450
partir de ejemplos europeos y norteamericanos.
Bibliografía
Texto básico:
Roberto Segre: Arquitectura y urbanismo modernos. Capitalismo y
Socialismo, Ed. Arte y Literatura, La Habana, 2005.
Otros textos de consulta
Banham Reyner: El brutalismo en la arquitectura, Ed. Lumen,
Barcelona, 1970.
Benévolo. Leonardo: Historia de la arquitectura moderna, Tomo II,
Ediciones R., La Habana, 1966.
Colquhoum, A.: Arquitectura moderna y cambio histórico, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1978;
Drexler A.: Transformaciones en la arquitectura moderna, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1982.
Frampton, Keneth: Historia crítica de la arquitectura moderna, Ed. G.
Frampton, Kenneth: Le Corbusier. Ed. Thames & Hudson, Londres,
2001.
Jencks Charles: Movimientos Modernos en la arquitectura, Ed. G. Gili,
451
Barcelona, 1980.
Jencks, Charles: Le Corbusier and the Continual Revolution in
Architecture. The Monacelli Press. Nueva York, 2000.
Jencks, Charles: Movimientos modernos en arquitectura, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1977.
Joedicke, Jürgen: Una década de arquitectura, Barcelona, 1968.
Landau, Royston: Nuevos caminos de la arquitectura inglesa,
Barcelona. 1969.
María Montaner, Joseph: Las formas del siglo XX, Ed. G. Gili,
Barcelona, 2002.
Moore Charles y G. Allen: Dimensiones en la arquitectura: espacio,
forma y escala, Ed. G. Gili, Barcelona, 1978.
Portoghesi, P.: Después de la arquitectura moderna, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1984
Segre, R. y E. Cárdenas: Crítica arquitectónica, Ed. Trama, Quito,
1982, p. 64
Solá Morales Ignasi de: Inscripciones, Ed. G. Gili, Barcelona, 2003
Venturi, Robert Complejidad y contradicción en la arquitectura, Ed. G.
452
Factores que condicionan las búsquedas expresivas a partir de la
década del cincuenta.
Después de la Segunda Guerra Mundial en los países capitalistas
primeramente hay un auge democrático debido a la presión ejercida
por las fuerzas que lucharon contra el fascismo, pero después en los
50 la “guerra fría” trajo la persecución de todas las fuerzas
progresistas. En los Estados Unidos la persecución a los intelectuales
y a los comunistas. Se produjo el proceso y la muerte de los esposos
Rosemberg. La propia situación económica y social induce a la
evasión.
La recuperación de la industria europea y el desarrollo de la alta
burguesía a partir de la expansión de las empresas trasnacionales
contribuyen a la expansión del modelo consumista, de vida
norteamericano. En este contexto se impone la individualidad y la
autonomía de la obra que se expresa en los edificios representativos
de grandes empresas, las viviendas de lujo, centros comerciales y
culturales que se destacan por su presencia urbana. A nivel
arquitectónico esto influyó en la renovación de los códigos, el
453
abandono del estándar racionalista, la construcción especulativa y el
decrecimiento de obras sociales. En estas condiciones, el arquitecto
está sometido al comitente privado por lo que debe identificarse con
su estilo e ideología, al tiempo que el proceso de diseño y
materialización de la obra constituye un proceso de autorrealización
del creador.
La arquitectura del Brutalismo. Analogía simbólica y búsqueda de
expresividad.
De la misma manera que en los años cincuenta surge “un arte otro”,
hay también una “arquitectura otra” que rompe con el ascetismo
racionalista, con la coherencia, una arquitectura sin prejuicios en el
uso de materiales, que abandona la composición geometrizada, las
repeticiones modulares. Este cambio, no sólo se produjo en los
jóvenes arquitectos, sino en algunos Maestros, tal es el caso de Le
Corbusier.
Según el crítico inglés Rayner Banhan, el Brutalismo se caracterizó
por tres aspectos: 1) El edificio como imagen visual debe ser clara
y debe ser recordado fácilmente, 2) La clara exhibición de su
estructura y 3) Valoración de los materiales, sin tratamiento de
454
pintura o recubrimiento.
Estas características no agotan el fenómeno del Brutalismo, pues el
Brutalismo fue una alternativa del Movimiento Moderno y a la vez
cuestionamiento de algunos de sus principios.
Alternativa. Por la exacerbación de los recursos del Movimiento
Moderno como es la expresión honesta de los materiales
constructivos, no sólo los industriales (acero, vidrio, carpinterías
metálicas), sino también los tradicionales (madera, ladrillo,
cerámica). Esto resulta coherente con las circunstancias de la
segunda posguerra en cuanto a escasez de materiales.
Cuestionamiento. Porque hay una búsqueda de expresividad, una
valoración de la arquitectura como arte, rasgo que se había perdido
con el movimiento moderno. Esto se relaciona con la individualidad
creadora, con la obra única que trasciende a partir de los elementos
simbólicos. Además, hay una valoración de la historia, de la cultura,
del pasado, no porque se repitan elementos de repertorio, sino por la
revalorización y reinterpretación de elementos espaciales y de
composición. Un buen ejemplo de esto es el trabajo de Le Corbusier
en Chandigarth en la India o en la Capilla en Ronchamp.
455
En el Brutalismo se emplean los recursos simbólicos en función de
una mayor expresividad. La valoración de los aspectos simbólicos y
plástico-escultóricos por parte de los diseñadores, junto a la
importancia de las analogías simbólico-expresivas, contribuye a
reforzar las intenciones expresivas. Las analogías con el pasado, con
objetos extra-arquitectónicos, permiten un nivel de elaboración
formal que rompe con la sencillez de la primera modernidad. A ello se
suma el manejo formal de la tecnología, mediante los contrastes
entre materiales, la fuerza expresiva de soluciones y componentes
estructurales.
Análisis de ejemplos
En el Brutalismo es común una visión esteticista, donde los factores
tecnológicos o funcionales se supeditan totalmente a la forma. Un
ejemplo clave de ello es la Ópera de Sydney (l956-l974) del arquitecto
danés Jorn Utzon. Esta obra pretende dar una dinámica cultural a
partir de su plataforma inspirada en las culturas precolombinas y sus
doce cascarones de hormigón asociados a los veleros del puerto. O
sea que su referencia no se vincula con la función, sino con
componentes culturales y ambientales. En la obra hay una
456
contradicción entre proyecto-construcción. El cálculo estructural de
las pesadas cáscaras alargaron y encarecieron el proyecto y se
convirtieron en una pesadilla para Ove Arup, uno de los especialistas
en estructura mejores del mundo. La obra que se concibió para 7,5
millones de dólares, costó cien millones.
Le Corbusier es uno de los Maestros que transforma su obra en los
cincuenta. Un ejemplo paradigmático de esta transformación es la
Capilla Ronchamp (l950-1955). Esta es una capilla de peregrinación
ubicada en los Vosgos, cadena montañosa del nordeste de Francia
que aludía a la participación de los católicos en la resistencia
francesa contra el fascismo. Sus objetivos de proyecto son relacionar
la obra con el contexto y crear una atmósfera interior que recordara
la iglesia medieval.
Sus muros son huecos, sin función portante, pues la cáscara de
hormigón del techo se apoya sobre delgadas columnas metálicas
ocultas en el muro que separan el techo de los muros y dan paso a la
luz a lo largo de todo el perímetro. La luz también penetra por las
irregulares perforaciones a modo de troneras con cristales de colores
distribuidas en los muros .Esta presencia de la luz dan la atmósfera
457
mística que se propone el proyecto. “Espacio indecible”, lo llama Le
Corbusier.
En Inglaterra el Brutalismo va estar vinculado a la vanguardia: Peter y
Alison Smithson estudian en la Universidad de Durhan y en la
Academia Real de Artes de Londres, vinculados al Independent Group,
centro de discusión sobre el arte, y al TEAM X. importante obra
arquitectónica y urbanística. Su primera obra brutalista es la Escuela
de Hunstanton en Norfolk (1949-1954). También el Economist Building
(1963-1967) y las edificaciones de la urbanización Robin Hood
Gardens, Londres (1972) participan de los rasgos btutalistas.
James Stirling estudia en Liverpool y en Inglaterra proyectó la
Escuela de Ingeniería de la Universidad de Leicester (1959-63), obra
de audacia formal que combina diversos materiales (acero, vidrio,
ladrillo). Su diferenciación volumétrica se vincula a las funciones
(laboratorio, área docente, administración). Presenta una cubierta
quebrada que puede asociarse como una reinterpretación de la
arquitectura industrial inglesa de hierro y vidrio.
En l956 se asocia con James Gowan y entre 1964 y 1967, proyectan
la Facultad de Historia de la Universidad de Cambridge y aunque la
458
expresión es diferente, emplea la misma combinación de materiales
que en la obra anterior y la solución de estructura transparente
asume aquí carácter protagónico al constituir una cascada de cristal
que cubre el espacio central, también la fachada exterior es
escalonada. Se logra la unidad entre función- tecnología y forma
expresiva.
En Estados Unidos proyecta la ampliación de la Escuela de
Arquitectura de la Universidad de Rice en Houston, Texas, 1979-81;
en 1979 el Museo Fog, Universidad de Harvard, Cambridge,
Massachussets y en 1981 el Departamento de Química, Universidad
de Columbia, New York.
Un manejo interesante de la historia está presente en la arquitectura
de Kenzo Tange, pues reelabora elementos de la tradición
conjuntamente con un alto nivel de innovación. Dos obras lo
demuestran: la prefectura de kagawa/Takamatsu (1955-58) y el
Ayuntamiento de Kurashiki (1958-1960). En ambas se reinterpretan
los elementos tradicionales de madera en hormigón armado a vista,
otorgándole una fuerte vibración expresiva.
Hans Scharoun es uno de los representantes de la arquitectura
459
expresionista en Alemania y logra una comunidad expresiva entre los
principios de esta arquitectura y la que realiza en los años sesenta
como el edificio de la Filarmónica de Berlín (l960-1963), que es su
obra más importante y uno de los edificios más innovadores de la
posguerra: el interior libre de apoyos por la cubierta de hormigón
armado casi autoportante tiene como foco de atención a la orquesta,
con sus gradas inclinadas, aportándole un fuerte dinamismo, en lo
que participa la cubierta, la cual, a su vez contribuye al nivel de
acústica y una visibilidad perfectas.
En Eero Saarinen (Finlandia 1910-Michigan 1961) la sobriedad
racionalista de los Laboratorios de la General Motors se sustituye en
los cincuenta por la técnica del hormigón armado en forma de
cáscara en la Terminal de la TWA (1956-1962) en el aeropuerto
Ildelewid de New York (hoy John F. Kennedy). Su cubierta de
hormigón semeja un pájaro en vuelo y sus soportes tienen forma de Y.
Todo el material está a vista y explota las posibilidades expresivas
del hormigón armado, evidenciando las tensiones que se crean al
explotar las posibilidades plásticas del hormigón armado. Es una
arquitectura donde predomina la plasticidad escultórica,
460
imprimiéndole un alto dinamismo. .
Louis Kahn (Estonia 1901- New York 1974). Su fama proviene de la
divulgación del concepto de espacios servidos (donde se realizan las
funciones) y servidores (contienen las redes técnicas), que emplea
por primera vez en la Art Gallery de la Universidad de Yale (1952-54)
Decía que el desarrollo tecnológico exigía darle importancia a los
espaciosservidores. Este concepto lo desarrolló también en el
Richard Medical Research Building de la Universidad de Pensilvania
(1958-1960). Sus torres de ladrillo en apariencia sustentadores del
edificio, contienen las escaleras y conductos de servicio. El
tratamiento de estos espacios servidores logra proporcionar una
expresión de fuerza, que también busca relaciones analógicas con el
pasado al semejarse al conjunto de torres de San Geminniano, en
Italia. Relación forma-estructura-espacio. Los espacios servidos, se
insertan en una viga Vierendeel de l4 m. que liberan los puntos de
apoyo.
Estos principios también se manifiestan en la obra de Kevin Roch, en
el conjunto sede de los Caballeros de Colón, en New Haven, que
comprende oficinas y estadio deportivo. Realizado entre 1965-
461
1967/1973 junto con John Dinkeloo. Conformado por cuatro cilindros
que corren de piso a techo donde se ubican los componentes
servidores y sostienen la estructura metálica que sostiene cada uno
de los pisos “servidos”. Es una planta cuadrada y las grandes
columnas se ubican en los vértices, composición general que aporta
un sentido de agresividad, reforzado por la pérdida de la escala
humana, dada la relación proporcional de sus componentes básicos.
En la etapa del brutalismo la arquitectura renuncia a los contenidos
sociales del racionalismo y prioriza los valores formales, simbólicos y
expresivos, la búsqueda de analogías simbólicas y metáforas
expresadas a través de la tecnología y los valores plásticos. Coincide
en esta etapa un período de prosperidad en los países capitalistas y
de una necesidad de exteriorizar el poder social y económico a través
del diseño, la tecnología de avanzada que es un elemento de
expresión formal y el predominio del Informalismo en las artes
plásticas; de la aparición de nuevas corrientes que trajeron
profundas transformaciones morfológicas en el arte y que repercuten
en la arquitectura
462
1. Valore el surgimiento del Brutalismo en coincidencia con los
rasgos que caracterizan su época
2. Valore por qué se dice que entre el brutalismo y el Movimiento
Moderno hay contuidad, de manera que puede considerarse como
una alternativa, a la vez que hay roturas, Argumente a través del
análisis de ejemplos.
3. Exponga cuáles son los recursos de diseño del brutalismo.
463
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: La tipología del rascacielos en Estados Unidos.
Sumario
La tipología del rascacielos en Estados Unidos. Antecedentes: el
Rockefeller Center. La influencia europea. Mies van der Rohe. SOM y
la arquitectura comercial. La influencia en Europa de las cajas de
cristal.
Objetivos
1. Analizar los factores que condicionan el desarrollo del
rascacielos a partir de la segunda posguerra europea.
2. Precisar la influencia de los nuevos materiales en las diversas
soluciones.
3. Relacionar la forma del rascacielos con los aspectos técnicos,
estéticos y el prestigio del comitente.
4. Analizar el impacto del rascacielos en la imagen urbana
464
Bibliografía
Barcelona, 1982.
Frampton, Keneth: Historia crítica de la arquitectura moderna,
Ed.G.Gili, Barcelona, 1980.
Montaner, Joseph María: Las formas del siglo XX, Ed. G. Gili,
Barcelona, 2002.
Joedicke, Jürgen: Una década de arquitectura, Barcelona, 1968.
Jonson, Philip: Mies van der Rohe, Ed. Victor Leru, París, 1960.
Factores que condicionan la tipología del rascacielos a partir de 1945
Antecedentes: Desde el siglo XIX la tipología de edificios altos ha
tenido una presencia importante en las principales ciudades de
Estados Unidos, Chicago y Nueva York sobre todo. En los años 30 en
465
los Estados Unidos el rascacielos norteamericano se reviste con un
ropaje ecléctico, por lo que existe una desvinculación de la forma y la
técnica Ejemplos de estos rascacielos son el Empire State (1930-
1932) de 381 metros de alto con más de cien plantas, el más alto de
los años 30 y 40. La importancia del Rockefeller Center en la
evolución del edificio alto en estados Unidos.
El desarrollo de la industrialización en el período bélico impulsa su
ampliación a otras ramas, entre ellas la producción en serie de
elementos metálicos y de paneles de cristal, además del
perfeccionamiento de equipos y elementos de redes técnicas, que
permiten la elevación de las alturas. El desarrollo tecnológico hace
posible el uso de la pared cortina, el cristal y los perfiles de acero.
El proceso de concentración financiera que tiene lugar en New York,
convertido en el centro del capitalismo mundial, condiciona la
elevación del costo del terreno y, por tanto, elevar la altura para
equilibrar los costos.
La influencia de Mies van der Rohe y del racionalismo europeo que
transforma la tipología en un prisma perfecto.
El concepto de eficiencia vinculado a las grandes firmas, buscarán en
466
la perfección del prisma y en la altura la representatividad de su
poder económico.
Sobre la cuadrícula se concentran las sedes de las empresas
comerciales e industriales que tienen en el rascacielos la expresión
arquitectónica simbólica del poder económico y del elevado costo del
terreno. La ruptura con la escala urbana de los rascacielos hizo que
se hicieron las “Zoning Law”, ordenanzas para lograr una mejor
iluminación de estos edificios, así surgieron los rascacielos
escalonados.
La tipología del prisma perfecto de acero y cristal.
Los años 40 cierran la primera etapa del rascacielos en la cual un
rascacielos era una construcción de hormigón revestida con una
decoración.
La segunda etapa comienza con la llegada a los EEUU de Mies van
der Rohe y el cambio de concepto: el rascacielos es una caja perfecta
de acero y cristal que expresa eficiencia económica y tipificación. La
trama definida por la estructura y la piel conformada por los soportes
de aluminio y cristal: la pared cortina.
En las obras para el IIT Mies emplea el esqueleto de acero y el
467
cerramiento de vidrio y ladrillo, constituyendo un modelo para la
arquitectura norteamericana. (Alumni Memorial de 1943 y el Crown
Hall, 1952-56) donde predomina el criterio de transparencia y
continuidad espacial y lo que no puede expresar estas cualidades en
el cubo perfecto se oculta. La importancia en la perfección de los
detalles.
Seagram Building (New York 1954-1958). Primer edificio de Mies en
New York. Representa un interés de la empresa por alcanzar un alto
nivel técnico y estético. El edificio situado frente a una plaza, se
aparta de los especulativos, la importancia de la firma se expresa en
la riqueza de materiales y en la calidad de recursos de diseño. Las
sutilizas en el diseño constructivo para obtener un máximo de
transparencia.
Hay una persistencia de la individualidad de la obra sobre la idea de
industrialización expresado en la precisa valoración estética. Es un
modelo para los edificios de oficinas de las grandes firmas
comerciales, cuya riqueza le hace posible apartarse de lo
especulativo.
Mies empleó la tipología de oficinas en edificios de apartamentos:
468
Promontory Apartments, Chicago, 1949 y Lake Shore Drive, Chicago,
1948-51.
También en la vivienda individual aplica estos principios: casa
Farnswoth, l945-50.
SOM y la arquitectura comercial.
La influencia de Mies se extiende a firmas que construyen rascacielos
en los Estados Unidos. Entre ellas sobresale SOM (Skidmore, Owings,
Merril) que tienen influencia de Le Corbusier y de Mies. El Lever
House de New York, 1951-52, los lanza a la fama internacional. En él
se cambia valor de terreno por imagen. Tiene 21 plantas y l8
corresponden a la torre y hay un bloque bajo de uso social que
establece la relación con el espacio urbano. El ejemplo del Lever
House se convirtió en prototipo de una serie de edificios en los
Estados Unidos y en el mundo, el prisma rectangular acristalado
sobre un basamento que establece la relación con el contexto.
SOM puso en práctica métodos constructivos que permitieron
levantar edificios altos con un costo menor. Entre los más
importantes edificios de SOM están el Chasse Manhatan Bank,
Manhattan, Nueva York, 1957-61 y la Union Carbide Building,
469
Manhattan, Nueva York,1957-60, el John Hancock Center, Chicago,
1970; la Torre Sears, Chicago l972-74,
El máximo símbolo del rascacielos en esta etapa lo constituyó el
World Trade Center de Nueva York, proyectado por M. Yamasaki y
Emery Roth & Sons: las dos torres gemelas de 110 pisos que
alcanzaban los 412 m de altura incendiadas por el sabotaje del 11 de
septiembre del 2001.
La relación entre la estructura indiferenciada del rascacielos
especulativo y la estructura indiferenciada de la cuadrícula urbana
establece una imagen urbana que caracteriza a la zona de Maniatan
en la ciudad de Nueva York, la creciente especulación condiciona que
los edificios sean cada vez más altos, cambiando el perfil y la
concentración urbanas.
La influencia en Europa de las cajas de cristal.
La tipología del prisma de cristal se extiende a Europa y a otras
partes del mundo. A pesar que los niveles especulativos en Europa
son menores que en las principales ciudades estadounidenses.
Centros urbanos como Berlín, Londres, París, Milán, tendrán sectores
donde el rascacielos comenzará a imperar y a imprimir un cambio
470
significativo en la imagen urbana. Es el caso de La Defensa en París.
Es un modelo urbano que alcanzará también muchas de las
principales ciudades de todo el mundo.
¿Qué factores influyen en el cambio de tipología del rascacielos
después de la Segunda Guerra Mundial?
Valore la relación entre factores estéticos, funcionales y técnicos en
la arquitectura que realiza Mies van der Rohe en Estados Unidos.
¿Cuáles son las implicaciones de la extensión de la tipología del
rascacielos en el ámbito urbano?
471
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: La aplicación de la alta tecnología a la arquitectura y a las
propuestas para la ciudad.
Sumario
La arquitectura de la alta tecnología en los 60 y 70. Impacto de la
tecnología en la vida cotidiana. Influencias en la arquitectura y el
urbanismo. Alta tecnología en las estructuras ambientales. La
relación entre tipologías, técnicas y materiales. Las utopías
tecnológicas para la ciudad.
Objetivos
1. Analizar los factores que propician la aplicación de los
avances tecnológicos en la arquitectura, el urbanismo y el arte en
general a partir de fines de los 50.
2. Analizar las expresiones de la alta tecnología a partir de
obras representativas.
3. Analizar las propuestas urbanísticas utópicas basadas en la
alta tecnología.
472
Bibliografía
Banham, Reyner: Problemas actuales del diseño ambiental,
Actualidades Científico-Técnicas de la Arquitectura, CUJAE, La
Habana, 1972.
Colquhoum, A: Arquitectura moderna y cambio histórico, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1978.
Barcelona, 1982.
Barcelona, 1980.
Joedicke, Jürgen: Una década de arquitectura, Ed. Lumen, Barcelona,
1968.
473
Landau, Royston: Nuevos caminos de la arquitectura inglesa, Ed.
Blume, Barcelona. 1969.
Barcelona, 2002.
Moore Charles y G. Allen: Dimensiones en la arquitectura: espacio,
forma y escala, Ed. G. Gili, Barcelona, 1978.
Barcelona, 1984
1982, p. 64
Factores que condicionan la presencia de la alta tecnología en las
estructuras ambientales y en la vida cotidiana
Después de la Segunda Guerra Mundial hay un acelerado desarrollo
tecnológico de la electrónica, la cibernética, la energía atómica, la
conquista del espacio, los sistemas de prefabricación, usados sobre
todo en la vivienda en las nuevas zonas de desarrollo que expresan
racionalidad y eficiencia.
474
La alta tecnología expresa una etapa de prosperidad económica en
los países capitalistas y la industrialización todas las ramas de la
producción.
La superproducción industrial y sus desechos han traído el deterioro
del ambiente y con ello la preocupación ambientalista.
Influencia del desarrollo científico técnico en la cultura
La cultura se vincula con el desarrollo científico técnico ya que los
artistas buscan en la ciencia y los medios de comunicación temas y
medios de expresión. Tal es el caso de la importancia del Pop n el
mundo anglosajón con sus imágenes extraídas de la cultura de
masas. Además sus soportes físicos también se vinculan con los
nuevos medios de reproducción: fotomontaje, serigrafía, etcétera.
En los sesenta se produce el fenómeno de la música electroacústica
y el Op Art investiga el fenómeno de la percepción visual ejemplo de
lo cual es el grupo de Le Parc en París.
La alta tecnología en la arquitectura y el urbanismo. Antecedentes
El antecedente de la alta tecnología en la arquitectura está en la
arquitectura ferrovítrea del siglo XIX que cubrió grandes luces con
estructuras ligeras sustituyendo cúpulas y bóvedas de piedra y la
475
Escuela de Chicago en la cual Sullivan fue el anticipador de las
soluciones del siglo XX con una obra como el Auditórium por su
plurifuncionalidad.
En el siglo XX aparecen nuevas funciones que necesitan también
cubrir grandes luces como hangares, mercados, estadios, etcétera.
Se abandona entonces el hormigón con el sistema tradicional de
columna y viga y se experimenta con nuevas formas, aprovechando
las posibilidades elasto-plásticas del hormigón armado: aparecen los
arcos parabólicos, las cáscaras y los soportes y estructuras
laminares, los procesos de postensado y pretensado, las estructuras
casetonadas o nervadas. Por ejemplo, Freysenet y Robert Maillart con
su Pabellón del Cemento de l939.
Eduardo Torroja y Félix Candela desarrollaron la tecnología de la
cáscara: paraboloide hiperbólico y cáscaras de doble curvatura.
E. Torroja: Frontón Recoletos, Madrid, l934; Hipódromo de la Zarzuela,
Madrid, l935
F. Candela: Restaurante Los Manantiales, México, 1958
Richard Buckminster Fuller (Estados Unidos 1895-1983)
Desarrolló los domos o cúpulas geodésicas, estructuras metálicas, de
476
material plástico y hasta de cartón, basadas en octoedros o
tetraedros. Esta forma brinda el máximo volumen cerrado por una
mínima superficie.
Las cúpulas geodésicas descienden del Crystal Palace de Paxton
pues están compuestas por elementos estandarizados unidos por
sistemas de montaje. Su primera cúpula geodésica es la Rotonda Ford
(Michigan l953) y su mayor cúpula la hizo en l958 con 117 m de
diámetro en Louisiana. Entre sus cúpulas famosas están los
Pabellones de los Estados Unidos en la Feria Mundial de Moscú en
l961 y en la Expo´67 de Montreal, Canadá. Fuller consideraba que
estas cúpulas podían emplearse a escala urbana, así propuso una
cúpula de plástico para cubrir Manhattan.
Pier Luigi Nervi (189l-1979)
Pionero en la construcción de pabellones y palacios deportivos en
Europa. Cubre grandes luces con estructuras ligeras de hormigón
armado. Emplea costillas de hormigón prefabricadas entrecruzadas
cubriendo grandes espacios sin apenas soportes. Uso de escaleras y
techos en voladizo. Dotó a sus obras de efectos estéticos.
Estadio de Florencia (1930-1932)
477
Hangar de Orbetello (l935)
Salón del Automóvil (Turín, l948-50)
Palazzeto del Deporte para 5,000 personas (Roma 1956-57) ()
Palacio del Trabajo (Turín, 1961)
Estación de Ómnibus (New York, 1962)
Sede de la UNESCO (París, 1959 con Zebrfuss-Breuer)
Las tipologías correspondientes a la aplicación de la alta tecnología
Un rasgo que distingue a estas propuestas es la estrecha relación
entre materiales, tecnologías y tipologías. Más que diferenciadas por
su función, se distinguen por la posibilidad de asociar una tipología a
un proceso tecnológico determinado y un tipo específico de material.
Así, las estructuras inflables son posibles por la existencia de
elementos que pueden armarse por la diferencia de presión de aire
con el exterior. La mayoría de los temas arquitectónicos tienen un
carácter de obra especial, poco o no repetitiva, que requieren de
grandes luces y espacios. Se trata de cumplir el ideal de mínimo
peso, mínimo material para cubrir un espacio.
Las estructuras colgantes
Generalizadas en los sesenta por su bajo costo, flexibilidad y
478
adaptación a diversas funciones, así como su fácil montaje y
desmontaje. Pueden ser de lona, muy usadas por Frei Otto (Pabellón
RFA, Montreal´67), de plexiglás (Frei Otto, Estadio Olímpico, Berlín,
l972) y de acero (Kenzo Tange, Estadio de Tokio, l964). En estas
estructuras colgantes se usan mástiles anclados en hormigón que
sostienen cables tensores.
Frei Otto también ha utilizado cables realizados con textiles con un
alto grado de tensión, a partir de principios que coinciden con la
carpa de circo.
Estructuras inflables
Desde los sesenta se usaron elementos inflables en muebles, en
coincidencia con el diseño de influencia Pop. En el ámbito urbano
proliferaron a partir de de los setenta en temas de exposiciones y
almacenes. Son usadas en la Expo´70 organizada por Kenzo Tange,
que mostró las posibilidades de la nueva arquitectura neumática y de
tensas pieles plásticas. Pabellón de Estados Unidos en la Expo´70,
Osaka, de Davies, Brody, Chermayeff, Geismar, De Harak.
Estructuras de barra y nudo
Es una de las tipologías con mayores posibilidades de uso y con la
479
que se puede alcanzar una gran variedad formal. Pueden ser
estructuras de reticulado plano (estereocelosías) o estructuras
trianguladas (para formar cúpulas y domos geodésicos). Aquí,
claramente los antecedentes están en la arquitectura ferrovítrea del
siglo XIX. El ingeniero alemán Conrad Wachsmann (l901-1978) estudia
las diversas posibilidades de articulaciones entre los componentes;
también Fuller se destaca en tal sentido. La construcción se reduce a
un proceso de montaje y hay flexibilidad espacial y adaptación a las
funciones.
El primer ejemplo de esta tipología que alcanza repercusión
realmente mundial es el Pabellón que representa a Estados Unidos
realizado Fuller en la Expo´67 de Montreal, Canadá. Estas estructuras
también las emplea Renzo Piano (Premio Pritzker 1998) en sus obras
como el Centro Cultural George Pompidou (l971-77) o el Aeropuerto
Internacional de Kansai en Osaka, Japón (l994).
El esquema de la célula
En la Expo´67 en Montreal, el arquitecto israelí Moshe Safdie
proyectó un conjunto de viviendas basado en una estructura que
sostiene una superposición de cajas de hormigón armado que
480
conforman quince tipos diferentes de apartamentos entre 56 y 170
metros cuadrados. Esta experiencia no se generalizó, pero fue la
primera vez que se planteó la tipificación junto a la diversidad formal
y espacial de los componentes. Era la concreción de la idea
lecorbusierana de una máquina para habitar: una célula de vivienda
totalmente industrializada; pero el peso de cada célula (90 ton.) hacia
inviable este proyecto.
Esta fórmula la aplica Kisho Kurokawa en la Cápsula Nagakin (Tokio,
l972) donde con una sofisticada tecnología, 140 células de acero
fabricadas industrialmente, se disponen alrededor de dos núcleos
centrales de once y trece pisos de hormigón armado. Cada una de
estas cápsulas es una vivienda individual para ejecutivos y cuenta
con un equipamiento de alta tecnología de manera que posibilita
diversas funciones.
En el 2005 en Curitiba, Brasil se ha construido un edificio de vivienda
de once pisos que gira independientemente cada uno de sus pisos. El
único en el mundo con estas características.
Las utopías tecnológicas
Estas propuestas de carácter utópico surgen a partir de los sesenta y
481
están sustentadas en el desarrollo tecnológico y las provocan los
problemas que caracterizan el desarrollo de la ciudad capitalista
contemporánea, unidos a las guerras, el crecimiento poblacional y el
deterioro ambiental que originan lógicas preocupaciones por la
escasez de alimentos y de recursos energéticos.
Con estas propuestas se pretende lograr una independencia de las
restricciones del uso del suelo, las posibilidades de un control total
del ambiente a partir de la aplicación en gran escala de los adelantos
tecnológicos en el diseño de estructuras urbanas.
Hay dos grupos fundamentales:
1) Los Metabolistas japoneses (Tange, Kurokawa, Kikutake, Arata
Isozaki) que proponen ciudades acuáticas, flotantes, estructuras
verticales por encima de la ciudad existente y megaestructuras
verticales
y 2) el grupo inglés Archigram (Peter Cook, David Greene, Mike Webb)
vinculados a la Escuela de Arquitectura y a la revista Architectural
Design, plantea acabar con la ciudad tradicional y hace una serie de
proyectos como Plug-in-City (l964-66), Instant City y Walking City
(l968), etcétera, que se arman con elementos y globos inflables y
482
estructuras que se cuelgan y estructuras madres por donde va la
energía, o ciudades que se arman con estructuras metálicas o las que
se pueden trasladar libremente en el territorio, como un insecto
gigante o una nave con extremidades que pueden moverse. Parten de
la idea de una ciudad dinámica transformable y trasladable. En ella, la
vivienda se concibe como un paquete con todas las comodidades y
fácil de transportar.
Todas estas propuestas no tienen en cuenta los problemas reales de
las personas y de las ciudades; solo pensadas para una situación de
alto nivel de desarrllo, al margen de las connotaciones económicas,
sociales y culturales; es nuevamente, tratar de solucionar problemas
del ambiente físico con propuestas que no pueden intervenir en las
causas, de ahí su carácter utópico, por eso sus propuestas quedan
como una arquitectura y un urbanismo de papel.
1. Exponga los factores que condicionan la aplicación de la alta
tecnología en el arte, el diseño y la arquitectura.
2. Explique las características de las tipologías arquitectónicas
que se derivan de la aplicación de la alta tecnología, a partir del
483
análisis de ejemplos.
3. ¿Cuáles son las características de las alternativas de las
propuestas utópicas? Considera que hay algunas que pueden ser
viables en un futuro cercano? Argumente su respuesta.
484
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: Las nuevas ciudades y las alternativas del planeamiento
regional y urbano
Elaborada por: Dra. Arq. Eliana Cárdenas
Sumario:
Las nuevas ciudades y las alternativas del planeamiento regional y
urbano. El Plan de Londres. El desarrollo de nuevas ciudades y
conjuntos habitacionales en la segunda posguerra europea.
Objetivos
1. Demostrar la importancia asumida por la tendencia al
planeamiento territorial y urbano en la etapa posterior a la
Segunda Guerra Mundial.
2. Analizar los diferentes conjuntos habitacionales en Europa y las
características de la estructura urbana.
3. Evaluar los aportes y deficiencias del proceso de construcción
de ciudades en Europa en la segunda posguerra.
Bibliografía
485
Benévolo, Leonardo: Historia de la arquitectura moderna, Tomo II,
Bilet, F. et al. “Un exemple de reconquête urbaine. Renovation du
secteur Plaisance”, Urbanisme, No. 117, París, 1970.
Goldzamnt, E.: El urbanismo en Europa Socialista, Ed. Gustavo Gili,
Barcelona, 1981.
Landau, Royston: Nuevos caminos de la arquitectura inglesa,
Barcelona. 1969.
Jacobs, Jane: Muerte y vida de las grandes ciudades, Ed. Lumen,
Barcelona, 1965.
2000.
Segre, Roberto: “¿Venceremos? La conciencia inquieta”, Arquitectura
y Urbanismo, No. 3, La Habana, 1999.
Spreiregen, Paul: Compendio de arquitectura urbana, Ed. Pueblo y
Sica, Paolo de. Historia del urbanismo, Ed. Blume, Madrid, 1978.
486
Problemas que caracterizan a la ciudad a partir de la Segunda Guerra
Mundial
Circunstancias histórico–sociales que marcan el período
Destrucción y afectaciones económicas provocadas por la guerra que
inducen a una política de austeridad para enfrentar la reconstrucción.
Regímenes políticos relativamente progresistas que asumen el poder
y el compromiso adquirido con los sectores antifascistas,
condicionan políticas encaminadas a solucionar problemas sociales
básicos.
Se plantea emplear el potencial económico desarrollado durante la
guerra en función de solucionar problemas generales del desarrollo
socioeconómico, especialmente en la construcción, donde deben
enfrentarse las afectaciones en el fondo construido que se adicionan
al déficit acumulado.
Importancia otorgada a la escala urbana por el estado: Participación
del estado y de sus mecanismos en los procesos de desarrollo
territorial y urbano.
Inclusión de los problemas urbanos y territoriales en la legislación:
487
ampliación y perfeccionamiento de la legislación y regulaciones
urbanas.
Desarrollo territorial, urbano y habitacional
Comprensión de la necesidad de establecer programas de
planeamiento territorial y urbano para enfrentar los problemas
acumulados y las necesidades del momento.
Importancia concedida a la reorganización de las actividades
económicas en el territorio y a la distribución de la industria y de la
población.
Proceso de crecimiento urbano a partir de nuevas ciudades que
debían contribuir a solucionar los problemas de congestión,
hacinamiento, etcétera en los grandes centros, pues serían factor
básico para la descentralización de la población, la producción y los
servicios.
Se pretende solucionar de modo masivo los problemas del hábitat y
de los servicios básicos, por lo que se plantea el uso de sistemas de
prefabricación.
Posibilidad de poner en marcha sistemas de prefabricación en la
construcción a partir de la vinculación del Estado con empresas
488
privadas; de este modo resulta costeable la inversión.
El proceso de reorganización del territorio y de recuperación y
ampliación del fondo construido toma como base las teorías
inauguradas por el movimiento moderno; en realidad, es a partir del
término de la Segunda Guerra Mundial cuando se produce una
verdadera extensión de algunos principios básicos formulados en la
primera etapa del Movimiento Moderno, fundamentalmente aquellos
referidos a la zonificación funcional de la ciudad y a la tipología
habitacional heredada del Racionalismo: bloques, torres, viviendas
pareadas y en tira.
Las legislaciones urbanísticas en la mayoría de los países de la
Europa de posguerra, propician el desarrollo de nuevas ciudades
como solución de los problemas del fondo construido y dotar a las
poblaciones de los servicios urbanos básicos. Estas nuevas ciudades
nacen con determinados vínculos y cierta dependencia con las
ciudades madres o metrópolis, pero en general se construyen al
margen de ellas, en la periferia de las ciudades existentes,
estableciendo diferentes modos de relacionarse, distancias, etcétera.
A pesar de los propósitos válidos de estos procesos, el resultado
489
extendido fue el crecimiento anónimo de la periferia y el carácter de
ciudades dormitorio de las nuevas zonas urbanizadas, pues aunque
debían dar cabida a la fuerza de trabajo que laboraría en las nuevas
industrias y contar con servicios hasta nivel de ciudad, no se logra el
nivel de vida ni las posibilidades de opción que ofrecía la ciudad
tradicional.
El uso de los sistemas de prefabricación contribuyó al
establecimiento de un número reducido de modelos tipológicos, que,
conjuntamente con los inevitables procesos de especulación,
condicionaron el crecimiento extensivo de una periferia anónima, en
ocasiones con bajo nivel de servicios ni fuentes de trabajo para los
residentes.
Ello condujo a la aparición de nuevos problemas urbanos y
territoriales: La urbanización del territorio rural, por el crecimiento
incontrolado de la periferia, con núcleos satélites que mantienen la
dependencia de la ciudad madre o metrópolis, incrementando los
movimientos pendulares para acceder desde las zonas de vivienda a
las áreas de trabajo y a los servicios y por ello, los problemas de
congestión del trafico vehicular y peatonal, al acceder un gran
490
número de habitantes desde la periferia al centro. Finalmente, se
produce una segregación entre hábitat y centralidad.
La trascendencia del proceso radicó en la extensión de la aplicación
de conceptos de planeamiento a largo plazo, de incorporación de los
procesos urbanos y territoriales a la legislación, a partir del papel que
desempeña el Estado, de analizar el crecimiento del hábitat urbano
en relación con la producción industrial. Por primera vez se pone en
práctica, en casi toda Europa una visión de reorganización del
territorio que incluye la industria moderna, como fundamentación
programada del desarrollo urbano.
El crecimiento urbano: nuevas ciudades y zonas de nuevo desarrollo
Legislación y planeamiento urbanos en Inglaterra. Las New Towns y
los centros direccionales en Londres
Importancia de la experiencia urbana en Inglaterra: se inserta en un
proceso legislativo que será el más completo de Europa occidental.
En ello influyó la política del Partido Laborista y la tradición en el
planeamiento urbano desde el siglo XIX.
Se promulgan sucesivamente nuevas leyes urbanas desde 1932 que
permiten a las administraciones locales ir regulando las
491
transformaciones del territorio.
El plan para Londres
Propuesta del grupo MARS (Modern Architectural Research Group),
integrado por W. Coates, B. Lubetkin, O. N. Arup, entre otros. 1942:
remodelación de la ciudad a partir de una estructura lineal dinámica
en forma de peine, redistribuyendo a la población en 16 corredores
residenciales digitados, conectados todos mediante una espina de
circulación principal en dirección este–oeste, donde se sitúan los
comercios y la industria y una vía circunvalante. Es una propuesta
donde se evidencia la influencia de la Ciudad Lineal y que rompe con
la estructura tradicional de la ciudad.
Plan de Abercrombie y Forshaw (1942–1945), aprobado en 1944 por el
Country Council de Londres, con una estructura radioconcéntrica de 4
anillos, cada uno con una función específica:
El centro (inner ring) corresponde a la city, con una alta densidad de
población, la cual debía ir disminuyendo con el alejamiento de
400,000 habitantes;
El segundo (suburban ring), de menor densidad, contiene la zona
residencial e industrial y requería ser reorganizada y dotada con los
492
elementos necesarios;
El tercero (gren belt ring) constituye el cinturón verde, el cual
limitaría el crecimiento de la ciudad como organismo compacto,
evitando la ubicación de construcciones en ese sector;
El cuarto (outer country ring) abarca el área regional que contendrá
las ciudades satélites o new towns, pensadas no como dormitorios,
sino lo suficientemente grandes para una vida autosuficiente.
También se consideró la red vial constituida por un nuevo sistema de
ejes radiales veloces que salen del un anillo interior hasta un anillo
exterior en el límite entre el green belt y el outer ring.
Otras medidas y leyes facilitan los procesos. En 1945 el partido
laborista arriba al poder, y nacionaliza la banca, la industria eléctrica,
el carbón, los servicios médicos, los transportes y dará un impulso
decisivo a la planificación urbana y a su concreción a partir de un
conjunto de instrumentos legales para la planificación territorial y
urbana. En 1946 se aprueba la New Town Act. Se plantean 7 ciudades
en el anillo exterior de Londres y para cada una de ellas se crea una
organización especial, dependiente del poder central (Development
Corporation) con capacidad para adquirir terrenos y obtener las
493
subvenciones previstas. En 1947 se promulga la Town and Country
Planning Act: legislación completa sobre la planificación en Inglaterra
y normas para la fundación de nuevas ciudades. Ese año también se
promulgan leyes para la distribución y descentralización de la
industria y de la población, para la reorganización del transporte y se
realizan mejoras en toda la legislación.
La realización de los planes para la reconstrucción de las zonas
afectadas por los bombardeos y de la city en general, así como la
construcción de nuevas ciudades se efectúa rápidamente, sobre todo
en los primeros años: a fines de 1954 la mitad de la población
prevista para las 7 ciudades en torno a Londres, vive ya en el lugar.
La vitalidad de este proceso radica en que las disposiciones
urbanísticas se producen sin retraso con respecto a los cambios
técnicos y económicos, anticipándose en varios aspectos.
La construcción de las New Towns
En 1946 se inicia la construcción de las ocho nuevas ciudades
previstas para situarlas en el cuarto anillo alrededor de Londres, con
el fin de ubicar nuevas industrias y población proveniente de la región
metropolitana. La dimensión prevista era entre 10 000 y 80 000
494
habitantes, pero en algunos casos la población llegó hasta 100 000
habitantes. Ya en la década del 70 existían 34 ciudades que
albergaban más de un millón y medio de habitantes.
En todo el proceso las ciudades que se construyeron no fueron
homogéneas en cuanto a estructura urbana, sino que evolucionan,
pudiendo ser agrupadas en tres etapas.
Las New Towns del primer grupo se definieron en el Plan de
Abercrombie: se previó localizar más de un millón de habitantes en
los ocho núcleos satélites ubicados a 30 ó 40 km. del centro, con una
población máxima de 80 000 habitantes: Stevenage, Harlow,
Basildow, Hatfield, Hemel-Hamsptead, Bracknell y Crawley. En los
años sesenta, las tres primeras habían alcanzado cerca de 130
habitantes cada una. Las cuantiosas inversiones y préstamos
estatales dirigidos hacia la expropiación y compra de terrenos, las
facilidades de créditos otorgadas a las nuevas industrias localizadas
en estas ciudades, determinaron el rápido crecimiento de los núcleos.
Algunas ciudades se situaron en áreas ya urbanizadas, integrándose
con pueblos existentes y otras se diseñaron totalmente como nuevas.
Estas ciudades sintetizan principios de la Ciudad Jardín, del diseño
495
urbano tradicional y de los criterios de zonificación estricta del
urbanismo racionalista, que se reflejan en la separación entre dos
zonas industriales vinculadas al acceso vehicular y por ferrocarril; el
centro con funciones administrativas, comerciales y culturales, y las
unidades vecinales y los servicios primarios y todo el conjunto está
circundado por vías de acceso a las áreas verdes externas, mientras
que en el interior de la ciudad se incluye un área verde importante.
Las unidades vecinales, de 4 000 a 7 000 habitantes con los servicios
primarios, conforman unidades de 20 000 habitantes separadas por
áreas verdes y vías sinuosas, articuladas al centro. La vivienda
mantiene la tipología inglesa tradicional de una o dos plantas con
alternativas en tira, pareadas, con patio, dando como resultado una
densidad baja –117 hab/ha.– condiciona que mantenga el carácter de
la Ciudad Jardín.
Las New Towns del segundo grupo se comienzan a realizar a fines de
los cincuenta en otras regiones de Inglaterra, entre ellas Rurcorn en
el eje Liverpool-Manchester y Cumbernauld en la zona de Escocia,
vinculada al área industrial de Glasgow. Esta etapa coincide con la
crítica a los postulados del CIAM y de la Carta de Atenas y la
496
formulación de los criterios de diseño urbano del TEAM X. Por ello se
busca la integración funcional y la desaparición paulatina de la
estricta zonificación. Los ejemplos de Rurcorn y Cumbernauld solo
concretan estos principios en el área comercial y no en la ciudad en
su conjunto.
Cumbernauld (1956), se concibe para 80 000 habitantes con
posibilidades de llegar a 100 000. Se configura con un esquema lineal
a lo largo de una vía central que pasa por debajo del centro, también
de conformación lineal. Las unidades vecinales se desarrollan a
ambos lados de ese eje y las áreas de industrias se sitúan en el
extremo. Se introduce la prefabricación y la densidad aumenta a 213
hab./ha. El centro, proyectado por un equipo dirigido por Hugh Wilson,
asume el protagonismo en la ciudad: en una solución compacta se
desarrollan las actividades de la centralidad en un edificio
polifuncional. Es una megaestructura de hormigón armado de 350 m.
de largo que tendrá una importante influencia en la posterior tipología
de centros comerciales u otras funciones.
Propuesta: diferenciar el tránsito por niveles; estructura el tejido
urbano desarrollado en altura (8 niveles); crear focos de actividad
497
social en la ciudad; lograr una diferenciación a través de la
arquitectura; aplicar los principios de adaptabilidad a la
transformación y el crecimiento; desarrollar circulaciones techadas
debido a la adversidad del clima, ubicar viviendas para matrimonios
jóvenes y estudios de profesionales para mantener la vida social en el
centro. Varios aspectos concebidos en el proyecto no se realizaron,
dada las diferencias de intereses entre el proyecto y la iniciativa
privada; entre ellos, crear una pantalla de bloques de viviendas que
acompañara la configuración lineal del centro, y no se completó el
tamaño planificado para el centro. El resultado es la ruptura entre el
centro y las viviendas construidas.
En 1960 se realiza el proyecto de Hook, modelo acabado de las
ciudades del segundo grupo. Concebida para la región del Hampshire,
cercana a Londres, se diseñó en su totalidad para 100 000 habitantes.
Con una estructura lineal y más compacta, articula las escalas
arquitectónica y urbana; plantea una relación estrecha entre centro y
hábitat y una vinculación directa con las espinas verdes y áreas
industriales, incluyendo en el cuerpo urbano industrias no
contaminantes. Los edificios tienen un definido carácter urbano y la
498
densidad varía desde 250 hab./ha en la zona del centro, disminuyendo
hacia afuera con viviendas en tira. Se otorga importancia al diseño de
los bloques del centro y las viviendas con circulaciones elevadas,
terrazas, galerías, etcétera. Pero la ciudad no se construye, pues no
se salvan las contradicciones entre los intereses estatales y los
privados y, no obstante la legislación vigente, no se logran expropiar
los terrenos ni aunar los intereses industriales para construir la
ciudad.
Las New Towns del tercer grupo se vinculan con el estudio
perspectivo de la región entre Southampton y Porstmouth que en
1964 el gobierno encarga a Colin Buchanan y su equipo, para la
ubicación de medio millón de habitantes dentro de un entramado vial
y asentamientos existentes en la zona, con una repercusión
importante a escala territorial. El carácter segregado de las funciones
en las ciudades anteriores y las contradicciones que se manifestaron,
llevan a plantear una planificación más abierta y flexible, que asimile
las posibilidades económicas reales y que no esté concebida desde el
principio en todos sus detalles, sino que se vaya precisando en diseño
en relación con la construcción real de la ciudad.
499
Milton Keynes (1967) a 47 millas de Londres, para 250 mil habitantes
en 1990, superficie rural de 9000 ha que contienen tres pequeños
pueblos. Se establece una cuadrícula de 1000 x 1000 m. donde se
produce la circulación vehicular general, con un subsistema de
tránsito local en una cuadrícula de 250 x250 m. y, dentro de ella la
peatonal, con 90 m de lado, aproximadamente. Dentro de esa
cuadrícula se sitúan elementos funcionales del hábitat, educación,
salud, sistemas productivo, comercial, administrativo. La vivienda
sigue la tipología de la vivienda individual, inmersas en el paisaje, de
manera que sea éste el que predomina. En el centro –trama continua
de 1,8 x 0,9 km, con una altura máxima de 4 plantas– los elementos
de servicio y del centro se conciben con estructuras de acero de alta
tecnología.
Se plantean un conjunto de principios encaminados a un
planeamiento más flexible: a) Posibilidad de elección a los usuarios;
b) Estructura equilibrada y variable; c) Movimientos y accesos fáciles;
d) Promover la conciencia y participación ciudadana; e) Considerar
los recursos disponibles. Un aspecto decisivo en la concepción e
imagen de la ciudad es la asimilación de principios de la alta
500
tecnología, en auge en aquel momento. No obstante el empleo de
esos recursos, por la manera en que se organiza el asentamiento en
el territorio, hay una cercanía con el concepto de campo–ciudad de
Howard.
Civilia (1968), concebida con una planificación abierta,
polifuncionalidad, participación comunitaria, integración de los
nuevos componentes urbanos a los asentamientos existentes y al
medio rural. La diferencia es que aquí se emplea una solución
compacta con edificios altos de vivienda colectiva. La propuesta se
ubica en el centro de Inglaterra vinculada a los polos industriales de
Birminghan, Coventry y Leicester y no se trata de una nueva ciudad
industrial, sino de un foco regional de servicios y asentamientos, que
albergaría a medio millón de habitantes, pero daría servicio a 4
millones.
La importancia de las New Towns
Su desarrollo a partir de un sistema legislativo muy completo, como
expresión de la voluntad de un gobierno progresista.
Su desarrollo autocrítico, en la medida que los grupos se suceden con
el propósito de superar las deficiencias del anterior.
501
La tendencia a ir eliminando la segregación de origen racionalista y
de incorporar las nuevas tendencias urbano-arquitectónicas.
Se logra un adecuado nivel de diseño.
Sin embargo, las contradicciones existentes entre los intereses del
Estado y las empresas privadas y la presión política ejercida por
estos últimos, impiden la construcción de algunas ciudades y el
completamiento de otras. Por ello, no se logra la descentralización de
la industria en la dimensión adecuada. Se suponía que estas
ciudades, al lograr descentralizar la industria, debían contribuir a la
solución de los problemas de vivienda de los trabajadores y ser fuente
de trabajo para los habitantes de dichas ciudades.
El factor económico, por los intereses de los industriales para ubicar
la industria en otra ciudad, las inversiones para su construcción a
partir de préstamos estatales que las Corporaciones de las ciudades
debían devolver, encarecieron las viviendas y el alquiler resultó más
caro, por lo que no fueron los trabajadores de menos recursos los que
ocuparon la mayoría de los conjuntos, sino trabajadores altamente
calificados –en función también del nivel de las industrias ubicadas– y
población de recursos medios, convirtiéndose en algunos casos en
502
ciudades-dormitorio.
La política de regionalización en Francia y los conjuntos
habitacionales
Los problemas territoriales y urbanos acumulados en Francia y
agudizados a consecuencia de los efectos destructivos de la Segunda
Guerra Mundial fueron evaluados desde una perspectiva más amplia,
apreciando el de la vivienda como uno de los más graves. Se
evidenció la necesidad de cambios profundos en el territorio: una
política de desarrollo económico que garantizara el empleo, la
conveniencia de planificar a mediano y largo plazo y la creación de
conjuntos habitacionales con participación de financiamiento estatal
y con el desarrollo de sistemas de prefabricación.
El Gobierno de De Gaulle propicia que se tomen un conjunto de
medidas que faciliten las propuestas de planeamiento territorial y
urbano y la actividad del CIAT (Consejo Interministerial para la
Planificación del Territorio). En 1953 se establece una ley que
posibilita la expropiación en función de los procesos de urbanización
y un complejo sistema que integra los siguientes aspectos:
Reglamentaciones generales: Reglamento nacional de urbanismo y
503
Reglamento de Construcción.
Clasificación de las zonas de planeamiento: diferido, concertado y de
urbanización priorizada.
Instrumentos para el planeamiento y el control: Esquema director de
planificación y urbanismo; Plan de ocupación del suelo; Lotificación;
Permiso de construcción.
Instituciones encargadas del planeamiento: Asociación Sindical para
el financiamiento y Organismos de planeamiento.
El estudio de las diferentes regiones francesas y la sectorialización
de los problemas, se realizó en función de un planeamiento territorial,
definiendo posibles áreas de mejoramiento agrícola, expansión de la
industria, creación de nuevas zonas de habitación, etcétera.
Relaciones entre territorio productivo y procesos de urbanización. El
programa de H.L.M
Se plantea como objetivo desarrollar las metrópolis regionales en
función de lograr un mejor equilibrio en el territorio nacional. Se crean
sociedades multisectoriales que enfrentaran los problemas en las
diferentes regiones. Se crea la Sociedad Anónima H.L.M.
(Habitaciones de Alquiler Moderado), como una filial de la Sociedad
504
Nacional de la Construcción para los Trabajadores. La HLM se
encargó fundamentalmente de la construcción de viviendas de costo
bajo a medio y constituyó un importante programa para el incremento
del fondo habitacional francés. Entre 1945 y 1962 se construyen 3
millones de viviendas, organizadas en grandes conjuntos suburbanos,
convertidos, a partir de los cincuenta, en verdaderas unidades
urbanas con una dimensión variable entre 30000 y 60000 habitantes.
Se definen las posibilidades de desarrollo y las Zonas de urbanización
en cada una de las regiones. Dentro de ellas, las ZUP (Zonas a
urbanizar con prioridad), destinadas a absorber las 300 000 viviendas
anuales construidas desde 1955, monto posible de alcanzar a partir
de la tecnología de grandes paneles de hormigón armado, por los
sistemas Ballency, Camus, Coignet. En los procesos de urbanización,
se definen como principios que la infraestructura es de interés
general y responsabilidad de las autoridades públicas (urbanismo) y
que las superestructuras, en la mayoría de los casos son de interés
privado (construcción y arquitectura). Por tanto, se propone la
creación de entidades mixtas para el financiamiento de las acciones
derivadas de los planes.
505
En 1966 se crea la Organización para los Estudios de Planeamiento
del Area Metropolitana en las regiones: Lyon-Saint-Etienne, Marsella-
Aix, Nantes-Saint Nazaire, Nancy-Metz, y la región norte. Una primera
fase de su misión era preparar los esquemas de planeamiento
teniendo en cuenta los problemas concretos de la región, de manera
que no fueran una utopía, hasta ponerlos en práctica.
El ejemplo de Marsella: En 1956 se crea la Sociedad Marsellesa
comunal mixta de planeamiento y equipamiento, donde los
principales accionistas eran la propia Villa (Ayuntamiento) de
Marsella y la Caja de Depósitos y Consignaciones y su filial técnica de
la Sociedad Central para el Equipamiento del Territorio. Su
competencia se extendía a todo el conjunto del territorio de la
comunidad de Marsella, ocupándose del equipamiento público y se
orientó hacia: a) La planificación de zonas industriales, b) El
equipamiento de Zonas a urbanizar con prioridad (ZUP), c) El estudio
y la dirección de los trabajos de grandes infraestructuras viales, d) La
renovación de la zona central (L’îlot Sainte-Barbe) y su dotación de
equipamiento terciario importante, e) Remodelación del barrio de
Saint-Barthélemy (barrio con bidonville o villa miseria), f) Creación de
506
sociedades de economía mixta para atender diversas direcciones,
como un departamento para el estudio del Metro, departamento para
zonas de estacionamiento, etcétera.
Diez años después se crea la Organización para los Estudios de
Planeamiento del Área Metropolitana, encargada de estudiar una
estrategia de desarrollo para todo el área, aprovechando el
movimiento industrial y urbano que se desarrollaba en la región, y se
planteó establecer una política regional que le permitiera lograr un
equilibrio y un poder económico.
Se plantean entre los objetivos de desarrollo la ampliación de los
empleos; crear, paralelamente al desarrollo tecnológico, centros de
investigación apoyados por una enseñanza técnica y universitaria que
necesita un personal cuyo nivel de calificación evolucione
constantemente; evaluar la ocupación del suelo y las necesidades de
espacio.
Los principios de planeamiento estuvieron determinados por los
cambios en la región, concernientes a la urbanización, la
concentración, la movilidad creciente, el incremento de la
terciarización, el aumento del nivel de vida. De ahí se define una
507
urbanización estructurada, densa y discontinua, de equipamientos
colectivos óptimos, uso del transporte colectivo, que favorezca la
relación entre las zonas Este y Oeste a fin de evitar la sobrecarga de
los ejes de vinculación por equipamientos demasiado pesados, la
puesta en valor del paisaje como factor de desarrollo de la región. Se
define el área metropolitana y su entorno, de acuerdo con los
objetivos nacionales y las necesidades de la región; se plantea el
mejoramiento de la red de carreteras, la modernización de la red
férrea, la implantación de sitios aeroportuarios que permitieran
relaciones rápidas entre los polos de la economía nacional.
Elementos claves del esquema son: a) Los centros urbanos, b) Las
zonas de actividad, c) Las zonas agrícolas, d) Las comunicaciones, e)
Los grandes equipamientos, f) Las áreas de recreación y
esparcimiento.
París: el crecimiento de la periferia parisina
En París se establece una diferencia entre la cité y la periferia.
Sarcelle es una urbanización que constituye un ejemplo típico de los
programas HLM y forma parte del crecimiento de la periferia parisina.
Denominada como Unidad vecinal o Unidad de Ciudad, realmente es
508
concebida como Ciudad Satélite, a 30 minutos de París para un
máximo de 60000 habitantes, y con servicios a escala de barrio,
distrital y de ciudad (unidad). Responde a la morfotipología urbana del
Movimiento Moderno, con edificaciones de tipologías de bloque, torre,
pantalla, empleando varios de los sistemas de prefabricación
franceses. El resultado es otra área dormitorio, con baja intensidad
de servicios en relación con las áreas tradicionales, por tanto la
población va en busca de los servicios al centro de París.
Planes urbanos en los países nórdicos: el Caso de Estocolmo
La situación particular de Escandinavia
Escandinavia presenta particularidades en el ámbito político, en el
económico y en el sociocultural que diferencián a estos países de
otras naciones capitalistas europeas.
Entre ellas está el paso gradual de la economía agrícola a la
industrial, sin grandes contradicciones, ni grandes procesos
migratorios del campo a la ciudad, manteniéndose un equilibrio
relativo entre ambiente rural y urbano, en lo económico y
sociocultural. El proceso de industrialización vincula tradición con la
asimilación de tecnologías avanzadas.
509
La transformación política que tiene lugar en la década del veinte, del
siglo pasado, al asumir el poder la burguesía socialdemócrata,
condiciona participación del estado en la economía, dentro de un
modelo de capitalismo de estado, actuando como factor de
regulación social, de modo de limitar las contradicciones de clase y
lograr relativa homogeneidad social, lo cual se expresa en la
integración de las manifestaciones culturales, el valor de la cultura
comunitaria y de la tradición, la vinculación entre la producción
artesanal de objetos de uso y la fabricación seriada por medios
industrializados. También influye la tradición de control urbano desde
el siglo XIX en las ciudades capitales escandinavas, regidas por
trazados directores que garantizan el crecimiento controlado de la
ciudad.
Suecia no participa en la guerra mundial, lo que propicia una
continuidad con la experiencia de preguerra en el ámbito de los
conjuntos habitacionales y el desarrollo de la arquitectura. Los
arquitectos realizan importantes investigaciones encaminadas a
detectar las células habitacionales más adecuadas de acuerdo con la
composición de la población sueca, así como elaborar variantes
510
tipológicas que rompan con la herencia del racionalismo. Tal
situación contribuyó al auge económico que se produce en las
décadas cincuenta y sesenta y a la elevación del nivel de vida en
Suecia.
El estado sueco considera la vivienda uno de los puntos
fundamentales a atender dentro de su estrategia política,
incluyéndola como uno de los sectores prioritarios, los cual se refleja
en la participación estatal en la solución del problema del hábitat
frente a la privada (el 10% en la década del 50–60); la prioridad
otorgada a la vivienda colectiva (80% del total de las construidas), y
el alto índice de construcción de viviendas: 50 a 60 000 unidades por
año con el empleo de la prefabricación.
El Plan Director de Estocolmo y las ciudades satélites
La realización y puesta en práctica de este plan, responde a la
situación particular que se plantea en Estocolmo en etapa de la
posguerra. Entre los factores principales que caracterizan esa
circunstancia, se pueden plantear:
Crecimiento población de Estocolmo por encima del millón de
habitantes y ya se consideraba excesiva para el funcionamiento
511
adecuado de la ciudad, por lo que era necesario producir la
descentralización poblacional.
Necesidad de planes masivos de vivienda: lograr que cada familia
cuente con una vivienda adecuada.
Localización de nuevas industrias con el propósito de lograr el
desarrollo de la región de Estocolmo y otras del país con nuevas
industrias.
Se promulgan leyes y normas que favorecen el planeamiento
territorial y urbano:
1947: Normas para planes directores urbanos y los planes regionales.
1950: Descentralización industrial de Estocolmo y desarrollo de otras
regiones.
1952: Plan General Urbano de Estocolmo, con Sven Markelius como
proyectista principal.
Los objetivos básicos planteados fueron la remodelación y
rehabilitación del centro histórico, la modernización y fortalecimiento
del centro cultural, comercial y administrativo; la separación de las
zonas de hábitat suburbano por áreas verdes; la variación en los
modelos de la vivienda colectiva; la descentralización del área
512
metropolitana y creación de núcleos satélites a 20-25 Km. del centro;
la organización del sistema vial y de transporte; priorizar el sistema
de transporte colectivo y lograr la solución al problema del hábitat.
En la remodelación del centro de Estocolmo se plantean como
propósitos básicos la creación de un nuevo centro, actualizar la
actividad de la centralidad y descentralizar el centro tradicional con
la creación en los años cincuenta de una corona de ciudades
satélites, para una población aproximada de medio millón de
habitantes: Vallingby: 100 000 habitantes, Farsta: 200 000 habitantes,
Hasselby, Gard, Grimsta, Racksta, Skarholmen, Blankeberg y otras
con 20 000 habitantes, destacándose el diseño de los centros de
Farsta y Vallingby, realizados por los arquitectos Sven Backströn y
Leif Reinius, caracterizados por la diversidad de los componentes
arquitectónicos, la cualificación cultural del diseño de los distintos
ambientes; el empleo de recursos de diseño urbanístico que
rompieran con la monotonía que había caracterizado a las nuevas
ciudades.
Entre los aportes de las ciudades satélites suecas, están la calidad
de diseño, la intención de superar esquemas racionalistas, así como
513
de lograr un equilibrio entre ambiente urbano y naturaleza. Pero, el
uso de los sistemas prefabricados con bloques de hormigón armado
redujo las posibilidades de variedad en cuanto a las tipologías
racionalistas, predominando las tipologías de bloques y torres. Entre
las deficiencias del proceso está no haber logrado el vínculo
necesario entre la localización de las industrias y la población,
generando el incremento de movimientos pendulares entre el centro y
la zona productiva, entre esta y las ciudades satélites y de estas con
el centro, a la vez que convertía la zona entre Estocolmo y las
ciudades satélites de ser susceptible con posterioridad de
crecimientos no controlados.
Las experiencias en el Este socialista
No obstante las divergencias que caracterizaron el debate en torno a
cómo debería ser la ciudad socialista, llevado a cabo entre fines de la
década del veinte e inicios de la del treinta y capitalizado
esquemáticamente por las posiciones de los urbanistas y los
desurbanistas; sí era evidente el acuerdo en torno a un conjunto de
principios que fueron desarrollándose posteriormente y que
encuentran continuidad en esta etapa de posguerra. Esos principios
514
pueden resumirse en los siguientes:
La vinculación estrecha entre planificación económica y la
planificación física del territorio, en tanto las actividades económicas
deben fundamentar el desarrollo de los asentamientos humanos y las
instalaciones en el territorio.
Vinculación entre el crecimiento de población y las previsiones
de la planificación demográfica.
Equilibrio territorial: eliminación de diferencias entre ciudad y
campo y entre centro y periferia.
El desarrollo de las ciudades y asentamientos humanos de
cualquier dimensión deben estar regidos por los planes directores y
toda inversión en el organismo urbano debe ser controlado según lo
establecido en los planes aprobados.
El ambiente urbano y arquitectónico debe contribuir a la
formación de la personalidad socialista del individuo.
Posteriormente se definen una serie de principios, íntimamente
relacionados con estos, sistematizados y divulgados por V. Semionov
en 1945 y que constituyeron la base de la inmensa actividad urbana
realizada en la URSS entre 1926 y 1960 en cerca de 600 nuevas
515
ciudades y más de 1100 poblados de tipo urbano.
La eliminación de las diferencias entre ciudad y campo se debe
producir no sólo a través de la descentralización en ciudades
satélites, sino fundamentalmente sobre la base de infraestructuras
insertadas en las áreas rurales (equipamiento sociocultural y
educacional, facilidades de comunicación con la ciudad, acceso a
diferentes tipo de actividades, etcétera).
La definición de las nuevas ciudades debe tener en cuenta sus
particularidades ambientales, geográficas, demográficas y de sus
tradiciones históricas.
La ciudad concebida como una entidad unitaria, por lo cual cada
acción debe integrarse en su concepción y configuración global.
La estructuración de las ciudades según una organización que
parta de la unidad básica a la superior, considerando los servicios
públicos establecidos para cada nivel y cuya distribución en las áreas
residenciales debe salvaguardar la unidad orgánica de cada uno de
los niveles.
Programas para la construcción de los servicios de la
comunidad considerando los requerimientos técnico-funcionales y la
516
satisfacción de las necesidades culturales y políticas.
Desarrollo urbano en función de la premisa de solucionar las
necesidades crecientes de la población.
El desarrollo del centro de la ciudad como “corazón” del
organismo urbano, sin descuidar el tratamiento de diseño de las
zonas habitacionales y productivas.
La industrialización de la construcción como vía indispensable
para solucionar de forma masiva las necesidades acumuladas y
nuevas de la población.
Las tradiciones nacionales deben constituir los principales
componentes de la arquitectura y el urbanismo.
La evaluación posterior de estos procesos dio como resultado que en
algunas regiones no se lograran las relaciones adecuadas entre la
planificación económica y la planificación física, ocasionando
deficiencias importantes en los procesos de urbanización y la calidad
del funcionamiento y la imagen urbanos.
4. Cuáles son las condiciones económicas, políticas y tecnológicas
que posibilitan el crecimiento de ciudades y conjuntos
517
habitacionales posterior a la Segunda Guerra Mundial.
5. ¿Cuál es la importancia de las New Towns? ¿Cómo se
caracterizan los tres grupos de ciudades?
6. ¿Cuáles son los aportes del proceso francés de urbanización y
construcción de viviendas?
7. ¿Cuáles son las características de las ciudades satélites de
Estocolmo?
8. Señale las semejanzas y diferencias entre los procesos que se
dan en los diferentes regiones y países.
518
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: Tipología del hábitat y Team X.
Sumario:
La evolución de la tipología del hábitat. La unidad habitacional de
Marsella. La crítica al urbanismo racionalista. Las categorías de
diseño urbano y realizaciones urbanísticas del Team X.
Objetivos
1. Evaluar la importancia del desarrollo de las tipologías
arquitectónicas para el hábitat en el desarrollo de los conjuntos
habitacionales.
2. Analizar la propuesta de la Unidad Habitacional de Marsella y su
repercusión.
3. Valorar la crítica del Team X al urbanismo racionalista y sus
propuestas de categorías de diseño urbano y realizaciones más
importantes.
Bibliografía
519
Frampton, Kenneth: Le Corbusier, Ed. Thames & Hudson. Londres,
2001
Barcelona, 1965.
2000.
Joedicke, Jürgen: Una década de arquitectura, Ed. G. Gili, Barcelona,
1968.
Landau, Royston: Nuevos caminos de la arquitectura inglesa, Ed.
Blume, Barcelona. 1969.
Spreiregen, Paul D: Compendio de arquitectura urbana, Ed. Pueblo y
Smithson, P. y A.: Urban Structuring, Londres, 1967.
520
Risselada, Max y Dirk van den Heuvel (editores y compiladores): Team
X. 1953-1981. In search of a Utopia of the present, NAi Publishers,
Rotterdam, 2005.
La evolución de la tipología del hábitat
El racionalismo centroeuropeo de los años veinte y treinta
proporcionó varias tipologías básicas para el hábitat colectivo: las
viviendas en tiras, los bloques horizontales y las torres.
Los sistemas de prefabricación que se desarrollan después de la
segunda posguerra aún eran sistemas cerrados, en los que se
establecía una relación directa entre las tecnologías, los elementos
componentes y los resultados tipológicos formales de los edificios.
Las limitaciones de los sistemas de prefabricación también influían
en la poca variedad de los espacios urbanos. Esto y la repetitividad
de los modelos condujo a propuestas de tipologías más variadas, lo
que fue posible gracias al desarrollo de los sistemas de
prefabricación y pasar de sistemas cerrados a sistemas abiertos,
donde la flexibilidad tecnológica y de ensamblaje de los paneles
permitía que con un surtido de elementos pudieran alcanzarse mayor
521
diversidad de formas finales en los edificios.
Las tipologías que se proponen, en forma de H, Y, U o C, están
asociadas a las búsquedas formales, más que a las nuevas
tecnologías, sin embargo, es la tecnología la que propicia la variedad.
El desarrollo de sistemas complejos posibilitó el uso de edificios
escalonados como los realizados por H. Corayoud, B. Huidobro y P.
Chemetiev en la urbanización de Grenoble-Echirolles en Francia, a
fines de la década del sesenta.
Otro ejemplo es la Universidad de East Anglia, 1962-68, realizado por:
Denys Landun. Viviendas en barrio Bethnal Green, Londres, 1955-60
La unidad habitacional de Marsella
La importancia que le otorga Le Corbusier a la escala urbana, y a la
vez su visión arquitectónica de la ciudad, contribuyen a comprender
el significado de la propuesta de la Unidad Habitacional de Marsella,
terminada en 1952.
Los antecedentes están en las Unidades habitacionales que imagina
desde la Ciudad de tres millones de habitantes.
Consiste en un esquema tipológico del edificio-ciudad, pues en él
están contempladas funciones esenciales de la escala urbana, junto a
522
la de habitar están las correspondientes a recrear el cuerpo y el
espíritu, es decir, los servicios.
Concebida como una síntesis de las ideas de vivienda colectiva de Le
Corbusier, da cabida a 1600 habitantes en 337 apartamentos de 23
tipos diferentes. El edificio tiene un volumen de 137 m de largo, 56 de
alto y 24.5 de ancho. Son 18 pisos levantados sobre pilotes, que
abarcan una doble altura, con un piso técnico en el basamento y
servicios comunitarios en el “techo jardín” y en el piso ocho
restaurante, cafetería y galería comercial. En los departamentos se
rompe el esquema tradicional y todos los espacios se interconectan,
excepto la caja del baño. La estructura de hormigón armada,
modulada, en forma de retícula, donde se insertan las células de
vivienda que tienen doble puntal en la zona de estar. O sea, que el
edificio posee aportes notables en el orden técnico, funcional y
simbólico, pues representa una imagen del hábitat contemporáneo.
La crítica al urbanismo racionalista. Las categorías de diseño urbano
y realizaciones urbanísticas del Team X.
La crítica a la ciudad moderna y los criterios del TEAM X constituyen
un hito significativo en el desarrollo de los conjuntos de vivienda y el
523
diseño urbano de las zonas habitacionales.
La aplicación rígida de los principios racionalistas trajo como
consecuencia urbanizaciones desprovistas de vida, sin las opciones
de la ciudad tradicional, caracterizadas por una rígida zonificación de
las funciones urbanas.
En 1953, en el CIAM IX, un grupo integrado por Peter y Alison
Smithson, Aldo van Eyck, Candilis, Barema, cuestionó las categorías
funcionalistas de la Carta de Atenas y proponen su integración a
partir de las diferentes escalas de la vida social: vivienda (núcleo
familiar), la recuperación de la calle y el distrito (grupo comunitario);
la ciudad (la unión de los grupos comunitarios). Esto marcó la crisis
de los CIAM y la siguiente reunión (CIAM X) puso punto final a los
postulados del Movimiento Moderno y a la generación de los primeros
Maestros.
Este nuevo grupo que se consolidó en 1959 se denominó TEAM X.
Criticó a Le Corbusier y al urbanismo racionalista por analizar la
ciudad esquemáticamente, al margen de los aspectos sociales y no
haber tenido en cuenta la complejidad de las relaciones sociales. Por
tanto, además de las funciones señaladas en la Carta de Atenas, la
524
ciudad debía contemplar otros principios en el diseño urbano:
principio de identidad, de asociación, de claustro, esquemas de
crecimiento y de movilidad.
Las propuestas del TEAM X se basan en un mejor diseño urbano y en
un cambio formal en las tipologías urbano-arquitectónicas que se
vinculan con los principios de diseño antes planteados. Las técnicas
de prefabricación abiertas facilitaron las tipologías propuestas, lo que
permitió nuevas pautas en el diseño urbano, al propiciar la
vinculación del hábitat con los servicios y la recreación.
El Team X se propone la transformación de las relaciones sociales a
partir de la forma urbano-arquitectónica y a partir de ello crear
espacios que favorezcan la vida colectiva, superar el zoning y limitar
la segregación funcional, eliminar el esquema de ciudad dormitorio,
lograr el equilibrio entre vivienda y servicios (en algunos casos
incluye el empleo), aumentar las densidades de población, recuperar
la relación con la calle (a través de la calle peatonal), integración de
diferentes escalas en el diseño urbano.
El concepto de identidad considerado por los Smithson,
constituía parte de ese conjunto de categorías básicas a tener en
525
cuenta en el diseño de la forma urbana, como un intento de superar el
anonimato y la pérdida de la particularidad formal y espacial que
caracterizaban las ciudades tradicionales, la finalidad era propiciar la
identificación de una comunidad usuaria con su entorno inmediato, a
partir de un diseño que lograra incentivar determinadas formas de uso
y relaciones sociales en los espacios urbanos. Las propuestas
urbanas del TEAM X constituyen una de las primeras críticas al
urbanismo racionalista, pero no logran superar las deficiencias
esenciales de la ciudad de nuevo desarrollo. Sus aspiraciones no se
alcanzaron totalmente, porque ellas supondrían una transformación
de la sociedad que elimine las contradicciones de clase y que haga
posible la participación de la comunidad en la creación del ambiente
urbano.
No obstante, se hicieron importantes realizaciones en las que se
aplicaron los principios del TEAM X.
P. y A. Smithson: Unidad Habitacional Golden Lane, Londres.
1951-52
P. y A. Smithson: Conjunto The Economist Building, Londres. 1960-64
526
P. y A. Smithson: Viviendas Robin Hood Gardens, Londres. 1966-72
Aldo van Dyck: Escuela para niños huérfanos, Ámsterdam. 1962
Theo Crosby: Esquema urbano para Fulham Study. 1963
Herman Hertberger: Casa de estudiantes, Ámsterdam. 1968
Bakema/Van der Breck: Ampliación de Ámsterdam Este. 1965
Conjunto Park Hill, Sheffiel. Arquitectos del Municipio de Sheffiel.
1960
Hubert Bennet y equipo. Urbanización de Thamesmead, Londres.
1962-67.
Candilis-Josic-Woods (plan de ordenamiento) Tolouse-Le- Mirail,
Francia. 1964-77.
Atelier de Urbanismo y Arquitectura de Ciriani, Chemetov, Huidobro.
Conjunto urbano de Grenoble-Echirolles, Francia. 1967-75.
1. ¿Qué factores condicionan, en el período estudiado, la
diversidad de tipologías arquitectónicas que pueden emplearse en
los conjuntos de vivienda?
2. ¿Cuáles son los aportes de la Unidad Habitacional de Marsella
de Le Corbusier?
527
3. ¿Por qué el TEAM X critica al urbanismo racionalista? Valore los
planteamientos contenidos en esa crítica.
4. Analice cómo se materializan los principios de diseño del TEAM
X en alguna de las realizaciones más importantes llevadas a cabo
por los miembros de este grupo.
528
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: La reconstrucción europea. Las alternativas de actuación
urbana
Sumario:
La reconstrucción europea. Las alternativas de actuación urbana:
Reconstrucción vs. nuevo desarrollo. Concentración vs. dispersión. La
formación de la megalópolis y los conflictos urbanos. De la primacía
de la ciudad de nuevo desarrollo a la recuperación de la ciudad
tradicional.
Objetivos
1. Evaluar las diferentes alternativas que se producen en Europa en
los procesos de reconstrucción al finalizar la Segunda Guerra
Mundial.
2. Analizar el proceso de formación de la megalópolis y los
problemas urbanos que se asocian a este fenómeno.
3. Analizar la remodelación de los centros urbanos de las grandes
ciudades, como alternativa a los problemas existentes.
529
4. Analizar los cambios de concepción en la remodelación de los
centros y la importancia otorgada a las áreas de valor histórico.
Bibliografía
Álvarez Mora, A., «La renovación de los centros históricos como
práctica ideológica», en Ciudades, No. 1, Revista del Instituto de
Urbanística de la Universidad de Valladolid, Valladolid, 1993.
Aymonino, Carlo: El significado de las ciudades, Ed. Blume, Madrid,
1981.
Cervellati, P. L. y R.Scandinavi: Política y metodología de la
restauración de los centros históricos, Ed. G. Pili, México, 1976.
Barcelona, 1965.
2000.
Joedicke, Jürgen: Una década de arquitectura, Ed. G. Gili, Barcelona,
530
1968.
Spreiregen, Paul: Compendio de arquitectura urbana, Ed. Pueblo y
La reconstrucción europea. Las alternativas de actuación urbana:
Reconstrucción vs. nuevo desarrollo. Concentración vs. dispersión
Al terminar la guerra la reconstrucción europea se va a caracterizar
por diferentes tipos de actuación urbana. Entre ellas:
En la ciudad existente se plantean distintas alternativas, dos
polarizan las posibles actuaciones: una de ellas implica la
construcción de la ciudad de nuevo desarrollo, que corresponde a lo
analizado en los dos temas anteriores; la otra consiste en la
actuación sobre la ciudad existente.
1. Remodelación urbana. Se produce en diferentes grados: total y
parcial. Se demuele y se vuelve a construir. Empleo de códigos
modernos. No hay diálogo entre lo nuevo y lo viejo. Total: Es el caso
531
de la Calle Praga en Dresde, Alemania. Parcial: San Pablo en Londres.
2. Restauración historicista. Intervención que devuelve la imagen
original al conjunto urbano, otorgando máxima importancia a los
valores artístico-culturales. El ejemplo clásico es Varsovia que se
reconstruyó totalmente.
3. Actuaciones en zonas centrales. Implica la reestructuración de la
centralidad urbana, a partir de la rehabilitación o restauración de los
centros tradicionales, así como la creación de centros direccionales y
centros especializados, desviando a otras zonas actividades de
centralidad, con el fin de resolver problemas de congestión del centro
tradicional, su deterioro y la pérdida de funcionalidad por su
crecimiento. Esto puede entrañar demolición de áreas, variables
según el lugar y los objetivos perseguidos y volver a construir.
Ejemplo Montparnasse en París.
Junto a la concentración en las zonas centrales se produce un
proceso de dispersión en la periferia que está marcado precisamente
por el fenómeno del nuevo desarrollo, en lo cual influyen los modelos
de crecimiento anglosajones, basados, desde el siglo XIX en la
extensión de la propuesta de la Ciudad Jardín.
532
Análisis de ejemplos
Varsovia: Se reconstruye totalmente. Caso muy discutido. Se ha
considerado válido con carácter excepcional, pues la ciudad fue
destruida por la Alemania nazi con la idea de hacer desaparecer la
cultura polaca. La reconstrucción de las zonas centrales de la ciudad
vieja constituyó un acto de reafirmación de la identidad nacional.
Basándose en los levantamientos realizados por estudiantes de
Arquitectura de Varsovia se reconstruye prácticamente la Plaza Vieja
y otras zonas aledañas, manteniendo los volúmenes y las fachadas, y
actualizando los interiores de los edificios.
El Patio de Pedro, San Petesburgo: Otro ejemplo de intervención
historicista, pues forma parte de los alrededores de la ciudad que fue
sometida a un bloqueo de 300 días por el ejército nazi, quien
bombardeó toda la zona. Los edificios y las numerosas fuentes y
esculturas que integraban la estructura palacial del zar Pedro el
Grande quedaron seriamente afectados. Después de la guerra se
comenzó la reconstrucción cuidadosa de la mayoría de estos
componentes.
Remodelación del Gran Londres
533
La remodelación del Gran Londres
El plan de remodelación del Gran Londres implica varios tipos de
actuaciones. San Pablo, que ocupa un espacio altamente central,
conserva la Catedral de igual nombre y en los espacios dejados por la
destrucción de los bombardeos se colocan edificios acristalados de
pared cortina, enfrentándose lo nuevo con lo viejo.
Se crean nuevos centros donde se ubican conjuntos de oficinas,
vivienda y centros culturales: Barbican (función comercial y
administrativa, torres y edificios pantalla), South Bank (centro
cultural donde se concentran las actividades en estructuras
ediliacias complejas) y Elephant Castle (centro polifuncional que ha
ido cambiando su imagen). En estos últimos predomina la imagen de
lo nuevo
Estas actuaciones habían sido contempladas en la estructura urbana
del plan de Abercrombie que resultó demasiado rígida en
comparación con la propuesta dinámica de MARS y no asimiló los
cambios del desarrollo urbano de las décadas siguientes, dado el
incremento no previsto de población en el área central y del peso de
los puestos de trabajo en el sector terciario. Los grandes problemas
534
de Londres no fueron resueltos, pues para ello hubiese sido necesario
una intervención estatal más enérgica. La remodelación de las áreas
centrales –de donde se expulsó a la población de menos recursos–
incrementó la densidad funcional y poblacional (en 1961 se calculaba
que trabajaban en el centro 1.4 millones de empleados), con la
formación de grandes conjuntos de oficinas, viviendas, centros
culturales que aprovecharon los espacios libres dejados por la
destrucción de los bombardeos alemanes. Esto produjo la congestión
del centro y los correspondientes problemas del tránsito, a partir del
incremento de los vehículos privados frente a los flujos circulatorios
factibles en el centro urbano.
Las intervenciones en París
El reconocimiento de la existencia en París de un patrimonio de gran
importancia, no solo constituido por los monumentos, sino también
por las perspectivas, los conjuntos, las antiguas tramas
características de diferentes épocas. En función de conservar el
tejido histórico de París se aprueba un plano de alturas, de manera
que en el centro (la zona más tradicional de la ciudad) se mantenga
con una altura de 25 m., pudiendo llegar hasta 45 en áreas
535
periféricas. Sin embargo, no hubo al parecer acuerdos en este
sentido, pues en los inicios de los setenta se plantean posibilidades
de insertar torres de prestigio en las zonas centrales de París, así
como llamados a salvar a París, que carecía de un verdadero Plan
Director capaz de regular acciones que iban en detrimento de la
conservación del París tradicional.
En París también tienen lugar todos los procesos urbanos de la
segunda posguerra que caracterizan a varias ciudades europeas.
Entre las acciones que se realizan se construye el Centro Direccional
La Dèfensse y el proceso de remodelación de Maine-Montparnasse
(1956-58; 1962-67).
La Dèfensse: Asume funciones de centralidad a partir del proyecto
realizado a inicios de los sesenta como centro polifuncional
(servicios, culturales, educacionales, vivienda, oficinas). Después se
convierte en la zona bancaria más importante de París. En los
ochenta se construyen muchos edificios en altura y en 1986 se
agregó el Nuevo Arco de Triunfo (llamado Arco de Mitterrand) del
arquitecto danés Otto von Spreckelsen que remata dicha
urbanización. La imagen actual es la que se conforma en los años
536
ochenta y noventa.
Proceso de remodelación: El Plan de Maine-Montparnasse
Zona conocida como la “corona” de París, urbanizada en el siglo XIX.
Parte de este crecimiento se produjo a lo largo de las vías férreas que
llegaban a la estación de Montparnasse –eje estructurador de la
urbanización del siglo XIX–, con un carácter anárquico, mezclando
industrias que habían devenido obsoletas y constituían focos de
contaminación para los habitantes de la zona y edificios de vivienda
sin confort, comprendía una zona que se había declarado como
insalubre desde los años treinta. La operación también debía
reorganizar la estación ferroviaria, y otras operaciones inmobiliarias.
Objetivos del programa de reestructuración: reabsorber el área
insalubre y mejorar las condiciones de vida del barrio, desarrollar el
equipamiento público y crear un vínculo vial rápido entre Maine–
Montparnasse y el bulevar periférico, y con la autopista del Suroeste
que debe llegar a la Porte de Vanves.
Los estudios se realizan entre 1956 y 1958 y en los inicios de los 60
se pone en práctica. El Plan perseguía el equilibrio entre la estructura
tradicional a mantener y los equipamientos y condiciones de la vida
537
nueva a crear. En función de los objetivos a alcanzar, este principio
se traducía por la búsqueda de un triple equilibrio:
• Equilibrio dentro de la armonía de los volúmenes arquitectónicos:
Unos corresponden a una zona de gran arquitectura de
acompañamiento del eje estructurante Norte–Sur, que implica una
transformación total del tejido urbano existente. Los que expresan
una arquitectura más tradicional, adaptados a las manzanas
existentes para combinar las acciones de rehabilitación y
renovación dentro del marco de las fórmulas de planeamiento
concertado. Los que expresan los diferentes equipamientos del
barrio (calles, plazas, espacios verdes, construcciones sociales y
escolares, parqueos).
• Equilibrio en el plan de instalaciones comerciales; entre las
actividades de comercio tradicional (algunos conservados en el eje
tradicional Raymond–Losserand y otros en las plantas bajas de los
nuevos conjuntos) y la forma moderna de comercio integrado en
superficies medias o grandes.
• Equilibrio en el plano financiero, entre las cargas resultantes de
un importante realojamiento social y las fuentes que provienen de
538
la creación de oficinas y de alojamientos de categoría libre.
La operación realizada en un área de 20 ha, comprendía 3,5 ha de
terrenos industriales liberados progresivamente para realizar
inmuebles de realojamiento; 6 ha afectadas por la gran operación
viaria; 2 ha designadas para el equipamiento público. Las 12 ha
restantes debían asegurar el equilibrio financiero a través del
alojamiento, oficinas y otros servicios. Como resultado se puede
considerar que fue una operación lógica para su época que rompe con
el tejido urbano existente y con la volumetría y tipología de la
arquitectura existente. Los bloques resultantes son anodinos,
imposibles de referenciar e incluso diferenciar a nivel del habitante.
La formación de la megalópolis y los conflictos urbanos
El fenómeno urbano contemporáneo tiene sus antecedentes en los
procesos de transformación territorial y urbana derivado de los
impactos provocados por la Revolución Industrial.
La mayor parte de los problemas actuales: la dimensión incontrolada
de la megalópolis, la expansiva agresividad de los sistemas
circulatorios, la complejidad y diversificación de las estructuras
539
formales y funcionales de la centralidad y la presencia creciente de
los pobres en las estructuras urbanas de los países periféricos, tienen
su origen en los procesos urbanos del siglo XIX.
Dentro de los procesos de modernización que repercuten de forma
generalizada en la ciudad después de la segunda posguerra hay dos
fenómenos nuevos en la historia de la humanidad que han traído
cambios importantes: 1) la aparición de medios de circulación de alta
velocidad y con una densidad y 2) la posibilidad generalizada de
construir a mayor altura y volúmenes más gruesos (aire
acondicionado, elevadores, etcétera) que cambian la escala y la
morfotipología urbano-arquitectónica.
Este proceso de transformación trajo la alteración del sistema
urbano, fenómeno que hizo crisis con la formación de las megalópolis
en las que se ha perdido la coherencia de la ciudad.
La extensión de la ciudad como mancha de aceite y el crecimiento de
la población de forma excesiva implica varios problemas:
Densificación en el centro y dispersión en la periferia (apoyado
en el automóvil)
Congestión de actividades y de tráfico (peatonal y vehicular).
540
Movimientos pendulares.
Especulación aparejada con un proceso demolicionista.
Deterioro de áreas tradicionales.
Incremento de contradicciones sociales expresadas en la
ciudad.
De la ciudad de nuevo desarrollo a la rehabilitación de la ciudad
tradicional
El crecimiento desmedido de las ciudades, la formación de
megalópolis y regiones urbanas, condiciona la pérdida de la
coherencia entre las funciones de la ciudad y la disolución del sentido
de lo urbano como unidad que puede ser aprehendida a escala de la
ciudad en su conjunto y en sus diferentes áreas centrales. El
incremento de la dimensión urbana y de la población hace estallar las
relaciones tradicionales entre los componentes de la estructura
urbana precedente, provocando múltiples problemas: la densificación
en zonas de la ciudad y la dispersión en otras, la congestión de
actividades, del tráfico peatonal y vehicular, la mayor distancia entre
funciones urbanas y los grandes movimientos pendulares que se
generan, la fuerte especulación y el consiguiente proceso
541
demolicionista, el sucesivo deterioro de las áreas tradicionales, el
incremento de las contradicciones sociales y de su expresión física
en el organismo urbano. Todo ello acentúa la complejidad de la vida
urbana hasta convertirse en caótica.
El proceso de aplicación extensiva de los principios racionalistas
trajo como consecuencia la proliferación de "ciudades dormitorio"
que no ofrecían las posibilidades de opción que caracterizaban a la
ciudad tradicional. El resultado fue que la ciudad no se curó de sus
enfermedades y empeoró con respecto a algunas; no se logró el nivel
de vida adecuado para todos y se perdieron lugares significativos, y al
mismo tiempo, los nuevos no alcanzaron casi nunca que fueran
identificados como propios. Finalmente la gente comenzó a rechazar
la imagen de las zonas de nuevo desarrollo.
Un conjunto de factores importantes condicionaron cambios en el
pensamiento urbano-arquitectónico, que se manifestó en la crítica al
modelo urbano del proyecto moderno.
a) El incremento de la práctica de conservación monumental después
de la Segunda Guerra Mundial y la extensión de los preceptos de la
Carta de Venecia de 1964, que consideraba además el valor del sitio;
542
la agudización de los conflictos entre la ciudad existente y las nuevas
necesidades; la crisis económica (y energética); el incremento de un
turismo cultural que tiene como base la explotación de las
particularidades de los lugares históricos.
b) El rechazo a las formas ascéticas derivadas del moderno y la
presencia de una arquitectura donde se priorizaban los aspectos
expresivos, junto a los estudios de semiótica que profundizaron en la
función comunicativa de los componentes urbanos y arquitectónicos,
el rechazo a la ciudad de nuevo desarrollo y la nostalgia por la ciudad
antigua; el cuestionamiento de la modernidad utópica y de la
universalidad abstracta frente al reconocimiento de la especificidad
de los grupos sociales y de los lugares.
c) Las políticas tendientes a aminorar la agudización de las
contradicciones sociales en el ámbito urbano a partir del incremento
de prestaciones sociales por parte del Estado (hasta fines de los
setenta). Estos factores contribuyen a otorgarle mayor valor a los
centros históricos y sitios tradicionales, dando importancia al rescate
de la imagen urbana como una totalidad dialéctica y no en sus
elementos aislados.
543
En el cambio de pensamiento urbanístico, además de los factores
señalados, debe destacarse que la Carta de Venecia (1964) derivada
del Congreso Internacional de Restauración de Monumentos y las
acciones que se derivaron de ella, influyeron en la valoración de la
ciudad tradicional. Hay una nueva concepción en la intervención
patrimonial, si antes se conservaba el edificio aislado, ahora se
piensa en el conjunto. En 1972 en Brno, Checoslovaquia se habla de
rehabilitación urbana y en l977 se define el concepto de centro
histórico. En tal sentido es importante la rehabilitación de los centros
históricos italianos, que se produce en una coyuntura política
favorable en los años setenta, al predominar la izquierda en los
municipios y promover el apoyo estatal en los planes de intervención
de la mayoría de los centros históricos, incorporando como aspecto
importante la rehabilitación de la vivienda, uno de los aspectos más
novedosos de ese proceso.
El reconocimiento en los setenta del valor económico, social y
cultural de los sitios tradicionales, centros históricos y de la ciudad
existente en su conjunto, la idea del rescate de la ciudad tradicional
como totalidad, reflejado en planes de rehabilitación urbana,
544
condiciona que la situación de enfrentamiento agresivo de lo
contemporáneo a la ciudad tradicional, comience a limarse, pues se
concede importancia al patrimonio urbano como conjunto, de lo que
deriva una relación entre los planes de rehabilitación urbana y los de
nuevo desarrollo.
1. ¿Cuáles son las alternativas fundamentales de actuación
urbana en la recuperación del fondo construido en la segunda
posguerra?
2. Analice ejemplos de alternativas de actuación en Europa y
valórelas críticamente.
3. ¿Cuáles son los factores que inciden en la formación de la
megalópolis y cuáles son los problemas que se derivan de ese
proceso?
4. ¿Qué factores influyen en el proceso de cambio en el
pensamiento y en la práctica, que llevan de la prioridad de la
ciudad de nuevo desarrollo a la importancia concedida a la
recuperación de la ciudad tradicional?
5. Realice un análisis comparativo entre las diferentes formas
545
de actuación urbana que tienen lugar en Europa desde que
finaliza la Segunda Guerra Mundial hasta la década del setenta.
546
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: El cuestionamiento del "proyecto moderno" y los principios del
posmodernismo
Sumario
El cuestionamiento del "proyecto moderno". Factores que
condicionan la crítica al Movimiento Moderno y los principios que
fundamentan el posmodernismo. Las ideas de Venturi. Las
alternativas de la arquitectura posmodernista. Los recursos
expresivos de la arquitectura posmoderna. Análisis del repertorio y
ejemplos.
Objetivos
1. Definir los factores que condicionan la concreción de la
arquitectura posmodernista.
2. Presentar las ideas fundamentales que convergen en la
fundamentación de la posmodernidad.
3. Evaluar los principales rasgos de la arquitectura posmoderna
a través de ejemplos.
547
Bibliografía
Amendola, G.: La ciudad posmoderna, Ed. Celeste, Madrid, 2000.
Augé, Marc: Los no lugares: espacios del anonimato: antropología
sobre la modernidad, Ed. G. Gili, Barcelona, 1993
Aymonino, Carlo: El significado de las ciudades, Ed. G. Gili, Barcelona,
1981.
Borja, Jordi y Zaida Muxí (eds.): Urbanismo en el siglo XXI, Arquitext
30, Universidad Politécnica de Catalunya, Barcelona, 2004.
Charles Jencks: El lenguaje de la arquitectura posmoderna, Ed. G.
Gili, México, 1981.
Charles Jencks: Movimientos Modernos en la arquitectura, Ed. G. Gili,
Barcelona, 1980.
Duanny Andres y E. Plattter Zybert: Práctica del pos-suburbanismo,
Colección Arquitectura y Ciudad, Ed. Unión, La Habana, 2003.
Foster: H. The Anti-Aesthetic. Essays on Postmodern Culture, Bay
Press, Nueva York, 1990.
548
Habermas: J. “Arquitectura moderna y posmoderna”. Revista de
Occidente, noviembre de 1984.
Barcelona, 1980.
Jencks, Ch.: El lenguaje de la arquitectura posmoderna, Ed. G. Gili,
BarcelonaMéxico, 1981.
Barcelona, 2002.
Montaner J. M.: La modernidad superada, Ed. G. Gili, Bracelona, 1999,
p. 15.
Barcelona, 1984
Rossi, Aldo: La arquitectura de la ciudad, Ed. G. Gili, Barcelona,
1972.
1982, p. 64
549
Trachana, Angelique: “Estrategias metropolitanas”, Astrágalo No. 2,
Territorio y signos de la metrópolis, Alcalá de Henares, marzo de 1995
pág.23.
Venturi Robert: Complejidad y contradicción en la arquitectura, Ed. G.
Factores que condicionan el cuestionamiento del Proyecto Moderno e
influyen en el desarrollo de la ideología posmoderna
La crisis de valores que caracteriza al sistema capitalista. Las
contradicciones económicas, políticas, socioculturales.
Los problemas específicos que impiden la concreción del proyecto
moderno.
El carácter complejo de la cultura y la diversidad de posiciones que
impiden visiones unitarias.
La banalización de los códigos de la herencia racionalista que
promovió periferias descualificadas.
El enfrentamiento de la ciudad nueva con la vieja.
550
Los antecedentes del posmodernismo en arquitectura
De la evolución de la prioridad otorgada a los factores simbólico-
expresivos presentes en el brutalismo y en la aplicación de la
semiótica a los estudios sobre arquitectura, de los intentos para
lograr una singularidad en la expresión formal, de la búsqueda de una
arquitectura más relacionada con el lugar: el concepto de volver a
alcanzar el genius loci; se llega a varios de los argumentos
sustentadores del posmodernismo.
En este camino se aprecian como capitales dos libros publicados a
mediados de la década del sesenta: El primero, Complejidad y
contradicción en la arquitectura (1966), de Robert Venturi,
considerado como un texto que ha tenido para la arquitectura actual
la misma repercusión de Hacia una arquitectura de Le Corbusier en
su época; y el otro, La arquitectura de la ciudad (1966), de Aldo Rossi,
cuyas formulaciones y enfoque general también pueden considerarse
antecedentes teóricos del posmodernismo, al destacar la importancia
de los tipos históricos en la estructuración morfológica de la ciudad,
así como de ciertas analogías que pudieran ser trascendentes en el
tiempo.
551
Se podría afirmar que las evidentes contradicciones entre teoría y
práctica en la arquitectura moderna, la aplicación esquemática de
sus principios con resultados apreciados como insuficientes, se
convierten en objeto de evaluación crítica en la mayoría de los textos
citados y en muchos otros escritos a partir de los sesenta.
Esa crítica, con enfoques diversos, podrá orientarse hacia una
valoración objetiva de los aportes modernos —como es el caso de
Reyner Banham en Teoría y diseño en la primera edad de la máquina o
Allan Coulquhoun en Arquitectura moderna y cambio histórico— o a un
rechazo de sus formulaciones.
También se aprecian dos posiciones clasificatorias: la delimitación de
la arquitectura moderna al proceso llevado a cabo en las décadas del
veinte y treinta; o la inclusión bajo el rubro de la modernidad a todo lo
realizado, incluso en los setenta, derivado de algún modo de los
principios de la “primera modernidad”, como es el caso de Charles
Jencks en Movimientos Modernos en arquitectura, cuya primera
edición es de 1973.
La crítica a la modernidad en su conjunto es el factor principal de
aglutinación del posmodernismo; sus concepciones teóricas se
552
apoyan, y se vinculan entre sí a partir de esa crítica, antes que en
planteamientos nuevos coherentes sustentadores de una manera
esencialmente novedosa de asumir la arquitectura.
La ambigüedad del término posmoderno está en consonancia con la
propia fundamentación de esta arquitectura. Portoghesi, afirma que
“...el arma secreta, la más insidiosa y nociva...” del Movimiento
Moderno, es presentarse “...bajo despojos cautivadores: la ideología
de lo perpetuamente nuevo, de la renovación que se agota en sí
misma (...) La misma palabra moderno define algo que se desplaza
continuamente (...) No es por casualidad por lo que los exponentes
más valientes y radicales de la crítica al Movimiento Moderno se han
visto obligados a escoger para definir su propia actitud, el más
incómodo y paradógico de los adjetivos: posmoderno, el único que
permite expresar con claridad el rechazo a una
continuidad.”(Portoghesi, P.: Después de la arquitectura moderna, Ed.
G. Gili, Barcelona, 1984, pp. 29-30.)
En realidad habría que referirse a la mitificación de la modernidad y a
las dmagogías derivadas del propio manejo del término. El
posmodernismo, basado en la “doble lectura”, o el “doble código”
553
(para entendidos y para neófitos), en la recuperación de la historia y
en el vínculo con el “lugar”, genera una arquitectura donde los
aspectos expresivos y sus significados resultan claves y cuya
certificación se produce en la Bienal de Venecia de 1980, con la
muestra Strada novissima, pero que venía tomando cuerpo desde
fines de los sesenta, precisamente ejemplificado en la obra de Robert
Venturi. Según Francesco Rella, lo posmoderno se sustenta en la
búsqueda de una “utopía de la felicidad”, que puede alcanzarse
mediante la prioridad “...del descubrimiento, de la invención, de las
percepciones de la felicidad en la caducidad...”, una posición que, al
admitir la caducidad, niega “...las utopías que construyen, sancionan
e imponen códigos, leyes, cánones...”(Rella, F.: Cfr. Casullo, N.: El
debate modernidad-posmodernidad, Buenos Aires, 1989, p. 255.) Es
decir, una nueva utopía (?) opuesta a la utopía del proyecto moderno.
La ausencia de cánones definidos lleva al “eclecticismo inclusivista”
del posmodernismo, donde cualquier “cita” es válida, con indepencia
del contexto del cual haya provenido, siempre que signifique “algo”.
Si después de la irrupción de la posmodernidad, su propia
fundamentación en la crítica a la modernidad desató, a partir de los
554
setenta, una profundización en los factores que condicionaron el
supuesto fracaso del Proyecto Moderno, los ochenta ya incluirán una
crítica que evalúa paralelamente la relación modernidad-
posmodernidad. La extensión de los estudios en torno a la
arquitectura moderna, en buena medida se debe también a quienes no
estaban convencidos de la muerte del proyecto moderno o lo
consideraban incompleto. El debate generado trajo como
consecuencia, en cualquiera de las dos posiciones, ponderar los
valores modernos para enfrentarlos a los planteamientos críticos del
posmodernismo.
Características generales de la arquitectura posmoderna
En general, la gran diversidad de soluciones hace difícil precisar
rasgos generales, entre ellos estarían:
• La relación con la historia y con el lugar
• La mezcla de soluciones: carácter ecléctico.
• El uso de elementos formales con un fuerte carácter
metafórico, con frecuencia “extra-arquitectónico”.
• Aceptación de elementos banales de la cultura de masas.
• Uso de recursos que pueden vincularse con valores estéticos
555
poco usuales en la arquitectura, sentido del humor, de la ironía,
etcétera.
• “Doble lectura”, o el “doble código”, basado en la manipulación
de los mecanismos de la cultura de masas, a la vez que se mantiene
una visión elitista de la arquitectura.
Posibles clasificaciones y ejemplos
Neovernáculo: Manejo de componentes canónicos
Robert Venturi. Casa Vanna Venturi, Chetnut Hill, Pennsylvania, 1962-
64
Robert Venturi “Guild House”, residencia de ancianos en Philadelphia,
1962-64.
Robert Venturi, Proyecto de un Hotel Casino, Atlantic CIty, 1977
Robert Venturi, Gordon Wu Hall, Butler College, Princeton, University,
New Jersey, 1980-83.
Recontextualización de la historia
Charles Moore: Plaza Italia, New Orleans, 1975
Ricardo Bofill. Abraxas, Marne La Vallée, Región parisina, 1982
Ricardo Bofill. La Place du Nombre dÒr, Montpellier, 1984
556
Ricardo Bofill. Les Colonnes de Saint Christophe, Cergy-Pontoise,
Región de París, 1986.
Ricardo Bofill. Conjunto residencial Port Juvenal, Montpellier, 1993
Michael Graves. :Public Services Building, Portland, Oregon, 1980-82
Michael Graves: Humana Building, Louisville, Kentucky, 1982-86
Michael Graves : Humana Building, Louisville, Kentucky, 1982-86
Mario Botta: Palazzo Botta, Lugano, Suiza, 1986-90
Inclusión total: Manejo de elementos populares y de carácter infantil
en la decoración
Michael Graves: Edificio Disney, Burbank, Los Angeles, California,
1991
Michael Graves: Walt Disney Dolphin and Swan Hotel, 1992
Robert Stern: Disney Casting Centre, 1992
Fumihiko Maki: Edificio Espiral, Tokio, Japón, 1987
Contextualismo: Vínculo con el contexto
James Stirling: Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania, 1977-84
Hans Hollein: Haas-Haus, Viena, Austria, 1985-90
1. ¿Cuáles son los factores que condicionan la cristalizaición de
557
la arquitectura posmoderna?
2. ¿En qué se basan los principios de la arquitectura
posmoderna?
3. ¿Qué relación existe entre esta arquitectura y los rasgos de la
cultura posmoderna estudiadas en el tema 1?
4. Exponga las principales características de arquitectura
posmoderna y analice algunos ejemplos importantes.
558
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: La arquitectura deconstructivista
Sumario
La arquitectura deconstructivista. Los fundamentos del
deconstructivismo. Las ideas de Derrida y la Exposición del Moma.
Deconstructivismo y neomodernidad
Objetivos
1. Precisar los factores que condicionan la recuperación formal de
los códigos del Movimiento Moderno.
2. Caracterizar el contexto en que se produce la aparición del
Deconstructivismo
3. Analizar a partir de ejemplos representativos las características
de la arquitectura deconstructivista.
Bibliografía
Ibelins, Hans. Supermodernismo. Arquitectura en la era de la
559
globalización. Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1998.
Ignasi de Solá Morales: Inscripciones, Ed. G. Gili, Barcelona, 2003
Jonson, Philip y M. Wigley. Deconstructivism architecture. Museo de
Arte Moderno, Nueva York, 1988.
Montaner, Joseph María: Las formas del siglo XX, Ed. G. Gili,
Barcelona, 2002.
Montaner, Joseph María: La Modernidad superada. Arquitectura. Arte
y pensamiento del siglo XX, Ed. G. Gili, Barcelona, 2000.
Noever, Peter (ed): The End of Architecture?, Ed. MAK Museum,
Munich/Nueva York, 1993.
Savi, Vittorio y Joseph María Montaner. Less is more: minimalismo en
arquitectura y otras artes. Ed. G. Gili, Barcelona, 1996.
Solá Morales, Ignasi de: Inscripciones, Ed. G. Gili, Barcelona, 2003
Territorio y signos de la metrópolis, Alcalá de Henares, marzo de
1995.
Zabalbeascos, Anatxu y Javier Rodríguez Marcos: Minimalismos, Ed.
G. Gili, Barcelona, 2000.
560
Factores que condicionan el surgimiento de la arquitectura
deconstructivista
En 1888 el MOMA organizó la exposición Arquitectura
Deconstructivista bajo los auspicios de Philip Johnson y Mark Wigley.
La muestra presentó a Bernard Tschumi, Frank Gehry, Peter
Eisenman Daniel Libeskin, Rem Koohaas, Zaha Hadid y Coop
Himmelblau.
Sobre la entrada de la exposición se escribió lo siguiente:
“No cabe duda de que la forma pura ha sido contaminada,
transformando la arquitectura en agente de inestabilidad, falta de
armonía y conflicto”.
Esta frase aludía a una arquitectura de líneas retorcidas que creaban
una estructura que parecía a punto de derrumbarse.
Esto era reflejo del mundo inestable de los ochenta y los noventa que
se expresa en la filosofía de Jacques Derrida, para quien no es
posible encontrar una solución al caos en que se encuentra el mundo.
Ideas como las de Fukuyama acerca del “fin de la historia”, los
procesos económicos vinculados al neoliberalismo, los procesos
relacionados con la situación política internacional donde el
561
derrumbe del campo socialista europeo, las contradicciones norte-
sur, caracterizan un contexto contradictorio y caótico que se expresa
en la intención de emplear la teoría de los fractales para analizar los
diferentes procesos.
La crisis de los valores se manifiesta en todas las facetas de la vida
del hombre.
La teoría literaria de Jacques Derrida apunta al aislamiento, en tanto
pretende aislarse del mundo y ser capaz de entenderlo a partir de sus
fragmentos. Estos conceptos se tratan de aplicar a la arquitectura.
La propia vacuidad del posmodernismo lleva a su cuestionamiento y a
volver los ojos hacia el pasado moderno. Pero es una recuperación
solo en términos formales, los propósitos sociales del Proyecto
Moderno quedan al margen de la práctica deconstructivista.
Se aprecia que cuando el crítico Charles Jencks se refiere a la
arquitectura que se presentó en el MOMA en 1988, no es posible
hacer una clara distinción entre lo que el llama Tardo moderno,
Neomoderno o Deconstructivista. En realidad, una serie de obras que
venían produciéndose dentro del posmodernismo constituyen un claro
antecedente de esta arquitectura, como es el caso de algunas casas
562
de Michael Graves, como la Hanselmann, en Fort Wayne, Indiana, de
1967, o de Peter Eisenman que pueden apreciarse como un homenaje
al neoplasticismo. La asimilación de los códigos modernos puede
verse como una actitud historicista más: la recuperación específica
de los códigos del constructivismo ruso están asociadas tanto a la
imagen ideal que esta etapa significó, como a la circunstancia de la
desaparición del campo socialista de Europa del Este.
Características de la arquitectura del Deconstructivismo
"La gente no entiende qué es deconstrucción" así expresó Wolf Prix,
durante una conferencia el 27 de octubre de 1999, en la Facultad de
Arquitectura de la Habana.
El deconstructivismo se inserta en un fenómeno de reutilización de
los componentes formales de la modernidad se produce a partir de
asumir lo moderno en términos estilísticos, ausente de todo
fundamento social. Se manifiesta en varias tendencias:
Constructivismo, Neomodernidad, New High Tech, Minimalismo,
Supermodernismo
El Deconstructivismo supone una ruptura con la posmodernidad, pero
en realidad continúa empleando los elementos simbólicos y las
563
metáforas, deja a un lado la importancia social y funcional de la
arquitectura y se centra en la expresión individual. Aunque no puede
pensarse en la existencia del Deconstructivismo si no hubiese
existido antes la posmodernidad, a esta tendencia no le interesa el
doble código posmoderno, pues se basa en una posición elitista. Uno
de los rasgos es la importancia que adquiere la arquitectura como
medio de expresión de ideas, una arquitectura muchas veces
concebida más para exponer que para ser vivida. De ahí su presencia
en los medios y que sus principales arquitectos sean una especie de
estrellas como las del cine, que proyectan obras en las principales
ciudades en distintos lugares del orbe.
El contexto pasa a un segundo plano, reflejando el proceso de
internacionalización que comienza en los ochenta. Los edificios
expresan un sentido de actualidad dado por el empleo de materiales
novedosos y un vínculo estrecho con la alta tecnología.
Representa la poética de lo inacabado, los recursos fundamentales
son la tensión, transparencias y superposiciones, rupturas y
aperturas, la contraposición entre elementos. Los edificios "se
queman, escuecen, se revientan y se rasgan con la tensión".
564
En este sentido, entre las expresiones más “ortodoxas” del
deconstructivismo está el Parque de la Villete en París de Bernard
Tschumi, donde las “follies” (cubos rojos) espaciados en una trama
indiferenciada, se fragmentan, se rompen, se abren, en una clara
materialización de las ideas de Derrida y franca alusión al
deconstructivismo ruso.
Análisis de ejemplos:
Frank Gehry .
Casa en Santa Mónica, 1978.
American Center, París, 1994.
Museo Guggenheim, Bilbao, 1992-97.
The Vonz Center for Molecular Studies, Cincinnati, Ohio, 1999.
Magie´s Center, Scotland, 2003.
Zaha Hadid
Vitra Fire Station, Weil am Rhein, Alemania, 1993-94.
Centro de Arte Contemporáneo, Cincinnati, 2003
Rem Koolhaas
Educatorium, Universidad de Utrech, Países Bajos, 1997.
OMA (Koolhaas, J. Ramus: Librería Pública, Seatle, Washington, 2004
565
Daniel Libeskin
Museo judío, Berlín, 1999.
Proyecto en zona cero de Manhattan, New York, 2003
Coop-Himelblau
Coop Himmelblau: Conversión en azotea, Falkenstrasse, Viena, 1989
UFA Cinema Center, 1998
Eric Owen Moss
Kodak Building, California, 1990
Samitaur, Culver city, California, 1990-1996
Peter Eisenman:
Laboratorios Biomédicos, 1986
Aronoff Center, Cincinnati, Ohio, 1988-1996
1. Analice los diferentes factores que condujeron a la cristalización
de la arquitectura deconstructivista.
2. Analice comparativamente el posmodernismo y el
deconstructivismo, planteando aspectos semejantes y divergentes.
3. Explique por qué el deconstructivismo se puede considerar
como la “poética de lo inacabado”.
566
4. Realice análisis comparativos entre varias obras
deconstructivistas con el propósito de precisar los códigos que
caracterizan a esta tendencia.
567
GUIAS DE ESTUDIO
TEORÍA E HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO
Tema: Intervenciones urbanas recientes
Sumario
Las grandes operaciones urbanas. Las realizaciones estatales en
Francia, Alemania y España. El modelo estadounidense: el nuevo
urbanismo.
Objetivos
1. Evaluar el cambio de pensamiento que se produce en la escala
urbana
2. Analizar los procesos urbanos que tienen lugar en el primer
mundo a partir de la década del ochenta.
3. Analizar la propuesta del nuevo urbanismo en Estados Unidos
Bibliografía
Amendola, Giandomenico: La ciudad postmoderna, Celeste Ediciones,
Madrid, 2000.
568
Territorio y signos de la metrópolis, Alcalá de Henares, marzo de
1995.
Duanny, Andres y E. Plattter Zybert: Práctica del pos-suburbanismo,
Colección Arquitectura y Ciudad, Ed. Unión, La Habana, 2003.
Factores que condicionan las actuaciones urbanas recientes
Varios factores coincidentes llevan a plantear que existe una crisis
en la disciplina de urbanismo, entre ellos se encuentran:
• Cambios en las concepciones y políticas de planeamiento
territorial y urbano y crisis disciplinar y de la cientificidad
urbanística: se vuelve a producir la confrontación entre la ciudad
de la cultura y la del progreso.
• La crisis del planeamiento a largo plazo y la priorización del
proyecto urbano, lo que condiciona nuevas lógicas proyectuales
basadas en acciones parciales tendientes a lograr efectos
inmediatos.
• Contradicción entre la recuperación de la ciudad tradicional y la
desintegración del tejido urbano tradicional.
569
• Las actuaciones en la ciudad como recurso de impacto político.
• Las nuevas conceptualizaciones sobre los fenómenos urbanos
implican un enfoque diferente de la relación entre arquitectura y
ciudad y parten, en su mayoría, de analizar el modelo americano.
• Nuevas estrategias metropolitanas de vínculo entre arquitectura
y ciudad, basadas en la práctica de proyectos parciales.
Rem Koolhaas en Delirious New York (1978), encuentra en los
fenómenos de Manhattan la materialización accidental de una
síntesis de la posible relación entre arquitectura, modernidad y
metrópolis contemporánea. Trata de dar un grado de coherencia a los
episodios de Manhattan como producto de una teoría informulada: el
manhattanismo, “...única ideología urbanística que ha alimentado su
concepción en los esplendores y miserias de la condición
metropolitana de hiper-densidad.” El manhattanismo, como
posibilidad de síntesis de los desarrollos urbanos de un liberalismo
absoluto en los Estados Unidos, adquiere validez de modelo con sus
estrategias, teoremas y rupturas; trasciende y se apodera, en la
década de los 80 y después en los 90, del campo teórico.
Al mismo tiempo, el modelo estadounidense de la dispersión, basado
570
en la vivienda individual y la baja densidad, va a constituir un modelo
básico de crecimiento de las periferias.
Las realizaciones estatales en Francia. La obra del presidente
François Mitterand
Estas realizaciones constituyen un modelo de actuación política que
busca reestablecer el papel de vanguardia de París y establecer
nuevos símbolos que marcan el paso entre el siglo XX y el XXI.
La V República francesa inaugurada por De Gaulle en 1958, tuvo
importantes figuras políticas: De Gaulle, G. Pompidou y F. Mitterand,
entre otros.
Mitterand, elegido en dos ocasiones (la primera en 1981), tenía como
lema: “Una civilización se juzga por los logros de su arquitectura”.
Pensó en una gran exposición universal con motivo del Bicentenario
de la Revolución Francesa, pero esta no se realizó. No obstante, se
llevó a cabo una importante obra arquitectónica patrocinada por el
Estado que enriqueció su capital. Para estas obras se convocaron
concursos internacionales que ganaron arquitectos franceses y
extranjeros.
Las obras ofrecieron una diversidad arquitectónica en momentos en
571
que la tendencia historicista era fuerte en el mundo.
Museo dÓrsay (1978-1986), diseño interior Gae Aulenti (Italia): Es la
refuncionalización de una estación de metro de 1900 que sería ahora
el museo para albergar obras de arte realizadas entre 1848 y 1914.
Solamente se actúa en el interior. El concurso lo ganó la arquitecta
Gae Aulenti y su equipo, quienes contaban con una vasta experiencia
en el diseño de museos y otros espacios expositivos.
Pirámides para la entrada del Museo del Louvre (1988), arquitecto
Ieoh Ming Pei (China) nacionalizado en los Estados Unidos. Las
pirámides señalan la entrada e iluminan las salas subterráneas. El
cristal se apoya en una estructura de aluminio y acero inoxidable de
alta resistencia. Contrasta su ligereza con la pesadez del edificio.
Arco de La Dèfense (1986), arquitecto Otto von Spreckelsen
(Dinamarca).
El concurso se lanzó en l982 y se colocó rematando el distrito de
negocios La Dèfense, llamada el “Manhatan francés”. Es un
monumental arco en mármol de Carrara que descansa sobre doce
pilares. Tiene tres pisos soterrados. En su interior tiene 90m de alto
por 70m de ancho y de profundidad. Contiene varias oficinas y el
572
Ministerio de Obras Públicas, Vivienda y Transporte, así como
instalaciones gastronómicas. Las llamadas “nubes”ubicadas en su
exterior consisten en una estructura de tela de teflón extendida sobre
una red de cables y son como árboles para proteger el arco del
viento.
Instituto del Mundo Árabe (1981-1987), arquitecto Jean Nouvel: Su
objetivo es establecer un puente entre dos culturas. Con nueve pisos,
consta de biblioteca, sala de actualidades, sala para imagen y sonido,
auditorio, restaurante, sala hipóstila. Es muy interesante su fachada
sur por las células solares que se abren y se cierran según la
incidencia de la luz; son diafragmas ópticos dirigidos por celdas
fotoeléctricas. La fachada norte usa el muro cortina.
Parque La Villete. Diseño general arquitecto Bernard Tschumi (1986).
Es un proyecto urbanístico de 50 hectáreas. Tschumi hizo el proyecto
general e invitó a otros arquitectos a realizar otros proyectos. Consta
de las “folies” (divertimentos) cubos colocados cada l20 metros,
siguiendo una trama regular, de 10,80 m. de lado recubiertos con
chapa esmaltada rojo vivo.
El parque tiene jardines con diseños de mobiliario urbano realizados
573
por Philip Starck. También consta de un planetario, la Ciudad de las
Ciencias y la Geoda, el Teatro París Villete y la Ciudad de la Música
de Christian de Portzamparc.
La Ciudad de la Música (1989) alberga aulas y salas de conciertos
para los estudiantes, mediateca. Presenta pocas aberturas para
protegerse contra ruidos y el sol. La otra sección es para el público:
conservatorio, museo de instrumentos, biblioteca, Instituto de
Pedagogía musical y coreográfica. Presenta una geometría pura en su
exterior y laberíntica en su interior.
Ópera de La Bastilla (1989) del arquitecto Carlos Ott: Edificio de
formas geométricas sencillas, con una fachada transparente con
numerosos vanos. Es la mayor sala de Francia para ópera, con una
gran sala para 2,700 personas y en la parte inferior tiene un anfiteatro
de 600 plazas.
Ministerio de Finanzas (1989) de los arquitectos Paul Chemetov y
Borja Huidobro. Es un edificio fuerte que se inserta de modo
perpendicular al Sena. Posee un ático, superestructuras metálicas,
nervaduras de hormigón armado, vigas, tirantes metálicos.
La nueva Biblioteca Nacional (1990) de los arquitectos Dominique
574
Perrault y Nicolás Grimshaw. Posee una escala monumental,
caracterizada por la continuidad de las figuras geométricas y el
simbolismo de cuatro cuerpos en forma de libros y una gran
explanada en el centro.
Otras grandes intervenciones
Otras grandes intervenciones fueron las realizadas en función de la
recualificación de Berlín dentro de las operaciones del IBA
(Internationale Bauausstellung Architektur). Obras de gran
envergadura y de excesivo costo, con carácter publicitario y político,
implicó la inserción de nuevos edificios en la ciudad tradicional y la
creación de estructuras analógicas en los márgenes urbanos.
Constituyó una cantera experimental de innumerables ensayos de
diseño realizados por arquitectos de renombre internacional: Aldo
Rossi, Norman Foster, Rob Krier, Oriol Bohigas, Vittorio Gregotti,
Arata Isozaki, Alvaro Siza, Peter Eisenman, Oswald Mathias Ungers.
Berlín se convierte desde los años ochenta en un área de
experimentación que incluye procesos diversos: Inclusión de torres
en cantidad excesiva para su tejido‚ intentos de “coser” la fractura
entre las dos zonas de la ciudad (este y oeste)‚ intervenciones
575
extensivas e intensivas de grandes dimensiones.
Se llevan a cabo planes estratégicos en proyectos urbanos
específicos, con los siguientes propósitos:
Mantener el tejido tradicional.
Recuperación de tipologías tradicionales.
Clareo de manzana para el espacio público.
Mantener la morfotipología tradicional con énfasis en el diseño
de los edificios como factor diferenciador.
Procesos de renovación en España
Implica la realización de esfuerzos de equiparación con el resto de
Europa, con vistas a la entrada en la Comunidad europea.
Intervención del Estado para mejorar la imagen del país e invitación a
arquitectos famosos para realizar parte de los nuevos proyectos,
vinculados con tres procesos importantes:
• Recualificación de la imagen de Madrid.
• La celebración de las Olimpiadas en Barcelona.
• La exposición de Sevilla para conmemorar el encuentro de
culturas.
• Intervenciones en las principales ciudades con grandes
576
proyectos, entre los que se destaca el Museo Guggenheim, Bilbao
de Frank O. Gehry.
El nuevo urbanismo en los Estados Unidos. Realizaciones y proyectos
El nuevo urbanismo se vincula a las propuestas urbanas de la
posmodernidad que considera que ninguna de las propuestas urbanas
posteriores a la Segunda Guerra Mundial son comparables a la ciudad
tradicional.
El fenómeno de concentración-dispersión es característico de la
ciudad contemporánea, en la que el alto valor del suelo condicionó
que el centro creciera en altura con el rascacielos y que en la
periferia se pordujera la dispersión vinculada al hábitat individual.
Este fenómeno característico de todas las ciudades norteamericanas
se basa en el hábitat individual, ideal de la sociedad norteamericana.
La densidad implica una imagen urbana diferente, asociada a la
imagen de la propaganda, consecuencia del modelo de vida
consumista. Esto fenómeno se aprecia en Nueva York, Las Vegas, Los
Ángeles, Seatle, Dallas, Chicago y otras ciudades norteamericanas.
La ciudad está en función del automóvil, lo que implica la presencia
577
de una infraestructura vial para hacer posible este movimiento,
incrementándose las zonas de estacionamiento, a la par que la ciudad
se encierra en los centros comerciales y en los barrios cerrados.
Frente a la dispersión como opción del crecimiento urbano, el Nuevo
Urbanismo propone, a inicios de los ochenta, una vida en comunidad,
retomando las ideas de Clarence Perry y del TEAM X. Entre los
integrantes del Nuevo Urbanismo están:
Andrés Duany y Elizabeth Plater Zybert (DPZ), Peter Calthorpe y Rob
Krier.
Propuestas: 1) Tradicional Neigbourhood Development (TND) de DPZ:
desarrollo de un Nuevo barrio tradicional, y 2) Pedestrian Pocket (PP),
de Peter Calthorpe: barrios ya existentes que se amplían con los
conceptos del nuevo urbanismo.
La excesiva concentración influye en el delito y en la falta de
seguridad, lo que preocupa a políticos y urbanistas, por lo que se
considera válida la alternativa del suburbio, pero a partir de una
organización basada en su regeneración tomando como punto de
partida el estudio de la ciudad tradicional. El Nuevo Urbanismo se
planea la recuperación de la cuadrícula, la integración del hábitat con
578
el comercio y los lugares de trabajo, parques, equipamiento público.
Se plantea promover las relaciones humanas entre diferentes
estratos sociales, priorizando el recorrido peatonal y los espacios
públicos, frente al desarrollo de autopistas.
El nuevo urbanismo se basa en la tipología de la vivienda individual
diversificada, la reinterpretación de las tradiciones vernáculas, y la
morfología de la ciudad tradicional. Los proyectos partes de una
metodología basada en estudios tipológicos para establecer
regulaciones urbanas y reglamentaciones edilicias.
Seaside. Andrés Duany y Elizabeth Plater Zybert, Walton County,
Florida, 1981.
Es donde primero se plasman estas ideas. Su esquema urbano se
vincula a la ciudad tradicional, recuerda los esquemas hausmanianos
por la priorización de ejes. Se jerarquizan los espacios públicos y el
vínculo con el mar. Manzanas definidas. Ejes direccionales. Su
arquitectura parte de lo vernáculo: vivienda individual con techo a
dos aguas, dos plantas, empleo de buhardilla. Empleo de cercas de
madera bajas, transparencia, fenestración de madera con tela
metálica, separación de la calle con acera y jardín, crecimiento
579
solamente detrás de la casa, garaje en la parte posterior. El centro se
concibe con edificios diferentes y acceso peatonal.
Andrés Duany y Elizabeth Plater Zybert elaboran regulaciones
urbanas y edilicias y a partir de este esquema cada arquitecto
elaboró su propuesta para lograr diversidad.
Esta urbanización aunque plantea la integración de diversos grupos
sociales, en realidad es ocupada por una burguesía media que es la
que puede pagar por estas urbanizaciones.
Kentlands (Gaithersburg, Maryland, 1988). Andrés Duany y Elizabeth
Plater Zybert. Es una urbanización más compacta, con manzanas
irregulares y zonas diferenciadas. Las plantas son más modestas,
incluso tienen medianería. Los servicios se jerarquizan en la zona
central y las áreas verdes se jerarquizan en esta zona y en las áreas
de vivienda.
Wellington (Palm Beah County, Florida, 1989. Andrés Duany y
Elizabeth Plater Zybert. Viviendas de más nivel vinculada a zona
costera. Vivienda más compleja.
Laguna West, Sacramento County, California, l990. (Peter Calthorpe y
Asociados).
580
Calthorpe a diferencia de Andrés Duany y Elizabeth Plater Zybert
reestructura lugares y no elabora códigos, sólo regula lo verde y los
espacios urbanos. Cose la trama urbana, completa intersticios. Se
inserta en las zonas ya urbanizadas. Su estructura urbana mezcla
elementos de lo tradicional y las green belts norteamaericanas.
South Brent Wood Village (Brentwood, California), 1991. Peter
Calthorpe y asociados. Se inserta en la ciudad existente.
Windsor, Florida, 1996, Andrés Duany y Elizabeth Plater Zybert. Es el
paraíso del nuevo urbanismo para la alta burguesía norteamericana.
Tiene garajes para varios autos y mucho verde. Recuerdan los
conjuntos de John Nash para Londres. Vivienda de alto nivel.
El aspecto más positivo del Nuevo Urbanismo es que contribuye a la
recuperación de la identidad, algo amenazado en las condiciones de
la globalización. Aunque podría objetarse su alcance social y lo
esquemático de sus regulaciones edilicias.
1. Señale los factores condicionan las realizaciones recientes en el
ámbito urbano.
2. Cuál es el impacto de las actuaciones promovidas por el estado
581
en París en relación con su imagen urbana
3. Explique cuáles son los propósitos de los proyectos del IBA en
Berlín.
4. Cuáles son los principios a partir de los cuales se desarrollan las
intervenciones en España.
5. Analice los principios del Nuevo Urbanismo y cómo se reflejan
en algunas de las urbanizaciones realizadas por este grupo.
582
GUÍA DE ESTUDIO
Elaborado por :Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema: Las últimas tendencias
Sumario: Supermodernismo y Minimalismo.
Objetivos
1.- Precisar las condicionantes de la arquitectura supermodernista y
minimal.
2.- Analizar la formación de los “no lugares” y las heteropolis como
consecuencia de la globalización.
3.- Analizar las obras arquitectónicas dentro del supermodernismo y
el minimal.
Bibliografia
Hans Ibelins. Supermodernismo. Arquitectura en la era de la
globalización, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1998.
Anatxu Zabalbeascoa. Minimalismos, Editorial Gustavo Gili, S.A.,
Barcelona, 2000.
Savi, Vittorio y Joseph María Montaner. Less is more: minimalismo en
arquitectura y otras artes. Ed. G. Gili, Barcelona, 1996.
583
Conceptos fundamentales:
A partir de los 80 se produjo un fenómeno de internacionalización que
se denominó globalización y que se expresa también en la
arquitectura. Esta nueva arquitectura rompe con el concepto de
lugar, contexto e identidad porque carecen de significado y no tienen
sentido legitimador. A esta arquitectura se le ha llamado
Supermodernismo a partir del libro de Marc Augé: Los no lugares:
espacios de anonimato, antropología sobre modernidad
Desde los 90 se construye sin apego al contexto porque este no es
inspirador ni legitimador. Se hace una arquitectura que no revela su
función interior ni por su tipología ni por agregados simbólicos. Esta
es una arquitectura que busca una neutralidad que se aparta de la
Posmodernidad y el Deconstructivismo, tendencias que buscaban
ofrecer un mensaje.
El Supermodernismo vuelve a la caja perfecta del Racionalismo,
ahora con el acabado perfecto de sus fachadas acristaladas. La alta
tecnología desempeña un papel fundamental en los 90 y buen ejemplo
de esto son las obras de Foster, Richard Rogers y Renzo Piano, entre
otros.
584
El Supermodernismo valora la estética del Movimiento Moderno y su
carácter innovador. No incorpora lo simbólico, lejos de esto busca
una arquitectura que remita a lo visual, lo espacial lo táctil, una
arquitectura sin alusiones. En este sentido, es elocuente el concurso
organizado por Japan Architec y Rem Koolhaas sobre la “Casa sin
estilo”.
La arquitectura actual ha perdido el sentido crítico del Movimiento
Moderno y se ha puesto al servicio de la modernización, no regido
por lo específico sino por lo universal. Varios libros hablan de esta
nueva arquitectura caracterizada por su transparencia y su
sensibilidad por lo neutral, y todos coinciden en señalar los más
importantes despachos de los últimos tiempos: Jean Nouvel,
Dominique Perraul, Philippe Starck, Rem Koolhaas, Toyo Ito y Herzog
& de Meuron.
Marc Augé en su libro Los no lugares….diferencia los conceptos de
lugar y de espacio. Lugar es un área con significado por las
actividades humanas que se hacen en él, y con el cual la gente se
siente identificada. Por el contrario, hay espacios que nadie siente
apego por ellos porque no son puntos de encuentro a la manera
585
tradicional, vinculados con el transporte y el consumo. Son los
aeropuertos, los hoteles, los supermercados, centros comerciales,
etc. donde se pasa un lapso de tiempo, y que no son comparables con
una plaza como centro social. Estos “no lugares” que son un síntoma
de la globalización tienen una arquitectura que expresa la
homogeneidad e inexpresividad que nos propone ésta .Ejemplo de
todo esto son las ciudades asiáticas. Koolhaas en su libro S,M,L,XL,
New York, Rótterdam, 1995, refiriéndose a la obra de Michael Graves
en Japón, dice que nada se vincula con el contexto y que un mismo
edificio puede erigirse en cualquier parte.
En los años 90 en los EEUU se da el fenómeno de la disneyficación
del mundo. Así tenemos que The Jerde Partnership entre 1990-1993
hicieron City Walk, parque temático de los Vegas que congrega en un
mismo lugar todas las atracciones de Los Angeles. También Fremont
Street de 1995 en la parte vieja de Las Vegas que presenta una
sucesión de casinos en una misma unidad espacial con fachadas con
un decorado homogéneo. Este tipo de arquitectura pudiera estar en
cualquier parte pues no tiene ningún compromiso con el entorno.
En los 90 son importantes los aeropuertos que crecen como
586
megaestructuras polifuncionales albergando una serie de funciones
más allá de la aviación y el viaje. Estos expresan algo característico
de la época de la globalización: la movilidad. Además han creado una
estética expresada a través de las estructuras metálicas a vista, el
uso del vidrio, las cubiertas abovedadas y el uso de colores grises,
blancos, azules y verdes pálidos.
La polifuncionalidad de estas megaestructuras tienen una
consecuencia urbanística, pues alrededor de estas se ubican hoteles,
salas de conferencias, bancos, oficinas, centros comerciales que
contribuyen a descongestionar los centros urbanos.
Se ha señalado que estas urbanizaciones lineales a lo largo de
carreteras y alrededor de aeropuertos sufrirán el mismo destino de
los otros centros urbanos, y que se convertirán en heteropolis,
término que empleara Charles Jencks para referirse a la Baja
California y que se manifiesta, sobre todo, en las ciudades asiáticas,
frutos de la falta de planificación, y que puede definirse como ciudad
típica de la era de la globalización, sin forma, sin plan, sin estructura,
sin centro, donde la arquitectura se caracteriza por su falta de signos
y por su neutralidad.
587
Obras para ilustrar y analizar
Norman Foster: Century Towe, Japón, 1991
Phillipe Starck: Edif. Baron Vert, Osaka, 1990-92
Peter Zumthor: Kunsthaus Bregens, Austria, 1991-96
Herzog & de Meuron: Central de control ferroviario, Basilea, Suiza,
1994-97.
Herzog & de Meuron: Fábrica y almacén de Ricota en Europa,
Mulhouse Brunnstatt, Francia, 1992-93
The Jerde Partnership: Universal Citu Walk, Los Angeles, 1990-93;
Fremont City Experience, Las Vegas, 1995.
Murphy- Jahn, Inc. Architecs: Aeropuerto O´Hare, Chicago, 1988.
Renzo Piano: Terminal aérea Kansas, Osaka, Japón, 1988-94.
Massimiliano Fuksas: SPAR Supermarkert Europark, Salzburg,
Austria, 1996.
Bernard Tschumi: Class Video Pavilio, Groningen, Holanda, 1990.
Dominique Perrault: Hotel Industrial Berlier, París, 1985-90
Iñaki Abalos y Juan Herreros: Gimnasio Municipal, Simancas, España,
1989-92
Iñaki Abalos y Juan Herreros: Ministerio del Interior, Madrid, 1991-93.
588
Jean Nouvel: Fundación Cartier de Arte Contemporáneo. París, 1991-
94
Jean Nouvel: Torre sin fin, proyecto, 1989
OMA: Estación Marítima. Zecbrugge, Bélgica, 1989.
El arte Minimal se puso de moda a mediados de los 60 en Edmundo
anglosajón, sobre todo, en los EEUU. Cristaliza en la exposición
Estructuras Primarias (New York, Museo Judío, 1966). El Minimal
emprende una búsqueda de cuestiones esenciales del mundo y de las
experiencias perceptivas de una forma simple. Las formas en el
espacio plantean una relación obra de arte-espectador-contexto. En
el arte Minimal está presente lo serial, lo que puede apreciarse sobre
todo, en la obra de los escultores Smithson y Sol Lewis.
El Minimal emplea volúmenes geométricos simples, austeros,
materiales como las planchas de metal, vidrios, tubos de luz fría.
Trabaja técnicas impersonales.
Se pretende lograr en el espectador nuevas experiencias espaciales
sin evocar nada previo.
El Minimal desmaterializa, reduce al mínimo la presencia física de la
obra, se buscan formas limpias sin ir más allá de las referencias
589
exteriores, no se inducen mensajes.
En la arquitectura un antecedente del Minimal está en el rechazo al
ornamento de Loos, pero sobre todo, en la Capilla del IIT y en la
Casa Farnsworth de Mies van der Rohe.
La arquitectura Minimal es austera, con una ejecución precisa, que
es costosa, un cuidadado diseño y un acabado que requiere un
trabajo artesano. . Los materiales son costosos, nobles, duraderos
como el acero inoxidable y las maderas tratadas.
Las fachadas son planas de un mismo material, ya sea hormigón,
piedra o muro cortina en grandes piezas. Emplea materiales opacos o
transparentes que reducen la conexión interna-externa a la vez que
deshacen la relación materia-estructura, dos elementos que
enfatizaba el Movimiento Moderno.
La arquitectura minimal reduce marcos, tabiques y puertas a
milímetros, no hay protuberancias. Es una arquitectura en la que se
busca la apreciación de los volúmenes y espacios, sobre todo el
espacio interior. Las instalaciones quedan ocultas. En los comercios
incluso los rótulos se sustituyen y se sustituyen por proyecciones
gráficas y se empotran las instalaciones y la estantería.
590
La estética Minimal es idónea para museos, galerías, tiendas para
evitar que el edificio compita con lo expuesto.
Obras para ilustrar y analizar:
Esculturas de Carl André, Dan Flavin y Robert Morris.
Shiro Kuramata: Tienda, Tokio, 1987.
Philip Johnson: Ghost House, 1985.
Dominique Perrault: Centro Técnico del Libro, Marne-la Vallée,
Francia 1995.
Rafael Moneo: Centro Congresos Kursaal, San Sebastián.
Steven Holl: Oficinas, 1991.
John Pawson: Pastelería Cannelle, Londres, 1988.
• Tienda Calvin Klein, New York, 1995.
• Tienda Jigsaw, Londres, 1996.
• Casa Pawson, Londres, 1995.
Tadao Ando: Vivienda Urbana, Japón, 1996.
• Capilla de la Luz, Osaka, 1987-1989.
• Centro Investigaciones, Benetton, Treviso, Italia,
591
Herzog & de Meuron: Colección Goetz, 1992
• Bodegas Dominus. Yountville, California, 1997
Peter Zumthor: Baños termales, Suiza, 1996
Gigon & Guyer: Museo Kirchner, Suiza, 1992
Vincent van Duysen: Tienda Natan, Bruselas, 1992
Eduardo Souto de Moura: Tienda, Oporto, 1991
David Chipperfield: Restaurante, Londres, 1995
Fumihiko Maki: Crematorio, Japón, 1993-97
Resumen de aspectos fundamentales
La globalización ha marcado todos los aspectos de la vida incluyendo
las manifestaciones del arte en general y de la arquitectura en
particular. La década de los 90 se caracteriza por una arquitectura
que aprovecha los adelantos científicos en el campo de las
construcciones, pero que ha renunciado a las preocupaciones
sociales que tuvo el Movimiento Moderno.
El Minimal busca que la sencillez impacte, porque esta se ha
convertido en una forma de apreciar el mundo. Esto no sólo es válido
para la arquitectura sino en el diseño en general, como una respuesta
a un mundo saturado de imágenes comerciales.
592
1.- Hacer un análisis de cómo las condiciones que impone la
globalización al mundo incide en la arquitectura y en el urbanismo.
2.- Haga un análisis de las diferencias entre la posmodernidad y el
minimalismo.
3.- Haga un análisis gráfico de obras dentro de la tendencia
minimalista.
593
GUIAS DE ESTUDIO
Tema: La arquitectura y el urbanismo "sustentables".
Sumario
La arquitectura y el urbanismo "sustentables". El concepto de
sustentabilidad y el problema del desarrollo humano sostenible.
Objetivos
1. Analizar el concepto de sustentabilidad con una nueva forma de
enfocar el desarrollo.
2. Precisar los objetivos del desarrollo sustentable.
3. Analizar los llamados edificios inteligentes como frutos de la
tercera revolución industrial.
Bibliografía
Campos Venutti, Giuseppe: "Urbanismo, ecología y ciudad
consolidada", en Patrimonio y territorio, Memorias de la IX
Conferencia Internacional de Conservación de Centros Históricos y
594
Patrimonio Edificado Iberoamericano, Valladolid, julio de 1997.
Naredo, José Manuel, y S. Rueda.: "Marco general de desarrollo
sostenible aplicado a casos de buenas prácticas en el medio urbano",
en Ciudades para un futuro más sostenible , Ministerio de Obras
Públicas, Transporte y Medio Ambiente, Madrid, 1996.
Rogers, Richard: Ciudades para un pequeño planeta, Ed. G. Gili,
Barcelona, 2000.
Revista Arquitectura y Urbanismo (nos 2-3, 1994; nos. 1 y 3 de 1998;
nos. 1, 2, 3, y no. 4 de 2000; no.2 de 2003
Se ha relacionado la sustentabilidad con los edificios inteligentes,
esto es un concepto que ha variado. La idea de desarrollo de la época
moderna se basaba en el desarrollo científico.
En el pensamiento actual hay una serie de paradigmas: La
globalización, el equilibrio ambiental, la ecología y la sustentabilidad.
Hoy el modelo sustentable es la única alternativa viable para el
desarrollo sin comprometer el futuro de nuestro planeta.
El modelo de sustentabilidad tiene sus antecedentes en la visión
ecologista del siglo XIX. Después en 1972 se hace la cumbre Mundial
595
sobre Medio Ambiente en Estocolmo que plantea preocupaciones
sobre hecatombe ecológica a nivel mundial. En 1980 se crea la
Comisión Mundial de Conservación en Suiza que plantea la
conservación del medio ambiente y humano y utilizar racionalmente
lo construido. En 1987 el Brundland Report es el informe de la
comisión mundial de medio ambiente y desarrollo. En 1991 se hizo el
informe Cuidar la Tierra y a partir de esto se realizó la Cumbre de Río
en 1992 que representó un salto porque oficializó el problema del
desarrollo sustentable y se hizo programa la Agenda 21 cuya premisa
fue “pensar global, actuar local”. En 2002 se hizo la Cumbre de
Johannesburgo: Río + 10 que evalúa todos estos programas y que ha
tratado de llevarlos a vías de hecho sin resultados concretos.
Mientras continúa la desertificación y los problemas de
contaminación y hambrunas.
El concepto de sustentabilidad ha tratado de dar respuesta a un
modelo de desarrollo despilfarrador, a los impactos negativos en el
medio físico y social y ha traído un nuevo modo de pensar que
propone racionalidad y responsabilidad hacia la vida, pues hoy el
bienestar humano se mide no sólo por lo cuantitativo sino por la
596
educación, la salud, los programas culturales y la atención a los
grupos vulnerables. Se plantea que los recursos naturales que se
pierden y se degradan son insustituibles, y que se debe considerar el
uso de los materiales y la energía que se emplean y las relaciones
diferentes entre los planes y los territorios.
Sobre la capacidad de generar recursos que posibiliten un nivel
adecuado de desarrollo para la vida (aprovechar las tecnologías).
Facilitar y aprovechar las capacidades físicas y socioculturales de un
territorio según las expectativas de sus habitantes sin producir
impactos negativos.
En Cuba la sustentabilidad se vincula con lo socioeconómico,
ambiental y cultural.
El desarrollo sustentable del territorio tiene en cuenta el territorio
como recurso económico y sociocultural. Esto se vincula a las
políticas de desarrollo local que deben tener un planeamiento flexible
que contemple qué hacer en cada momento. La biodiversidad
ecológica y cultural que implica reconocer las especies diversas y las
culturas. Aprovechar la energía invertida en las estructuras
territoriales; la participación ciudadana sin lo cual no se lograría
597
nada. El paisajismo integral, concepto nuevo que implica aplicar
nuevos instrumentos de análisis urbano a nivel del territorio.
La arquitectura sustentable implica: una arquitectura bioclimática,
una arquitectura saludable, un ahorro de fuentes renovables de
energía y tecnologías alternativas acorde a las experiencias y
posibilidades de cada lugar. Tener en cuenta el ciclo de vida de la
construcción que tenga en cuenta los desastres. La biodiversidad
natural y cultural y la participación ciudadana. En la medida que se
cumpla esto habrá una arquitectura que responda a una expresión de
identidad y por tanto mejorará las condiciones de vida del hombre.
El paisajismo integral tiene una relación con la sustentabilidad. Busca
un equilibrio entre los componentes del territorio, acepta la
biodiversidad ecológica y sociocultural. Ofrece una visión integral de
los componentes del territorio, un equilibrio entre las funciones, la
agricultura urbana, la recualificación de territorios dañados.
El concepto de ciclo de vida en la arquitectura implica causar el
mínimo impacto posible al medio ambiente y desde el diseño usar
materiales que tengan en cuenta los problemas de desastres.
Compatibilizar funciones, organizar racionalmente los procesos de
598
gestión, construcción y administración y una clara definición de las
fases de administración de proyecto: qué requisitos se necesitan
después que funcione el edificio, el mantenimiento y reparación, etc.
Ejemplos de arquitectura con un mínimo impacto en el paisaje: Casa
semisoterrada en Kassel, Alemania de Gernot Minke. Parque del aire
y descanso. Isla de la Reunión, Francia, 2002 de Philip Madeac. Torre
de enfriamiento en Feria Internacional De Sevilla, 1992 de Baruch
Givony.
El concepto de edificio inteligente parte de la tecnología sofisticada
que ofrece confort. Se origina en las utopías tecnológicas de los 60.
Se puso en práctica en el Pompidou donde se controla el ruido, el
calor, el humo. Jean Nouvel ha trabajado este concepto de edificio
inteligente, un ejemplo es el Instituto del Mundo Arabe, 1989 en París
.Otros ejemplos: N. Foster: Cúpula en el Reichstag, Berlín, 1999;
Parque microelectrónica en Duisburg, Alemania, 1996. Richard
Rogers.
El desarrollo sustentable tiene como objetivos el uso de tecnologías
afines a las condiciones económicas, socioculturales y materiales.
Desarrollar la conciencia de que es impostergable buscar soluciones
599
adecuadas al presente, para no comprometer el futuro .Buscar
alternativas armónicas para lograr ese equilibrio ambiental con
impactos mínimos en lo ambiental, social y cultural. Valorar las
soluciones alternativas que generen menos gasto energético.
Preservación coherente y sistemática del patrimonio natural y
construido. Contribuir a una activación económica de bases amplias
que posibilite una continuidad.
Desarrollo sustentable implica, una nueva ética y una visión racional,
justicia social, biodiversidad. Esto se expresa en la diversidad de
enfoques y problemas para su aplicación práctica. Implica
transformaciones profundas entre las relaciones de los hombres con
la naturaleza.
1. Explique qué significa desarrollo sustentable en arquitectura y
urbanismo
2. Explique cómo se relaciona el concepto de desarrollo sustentable
con el de arquitectura bioclimática y edificios inteligentes.
3. Analice ejemplos que tengan en cuenta el concepto de desarrollo
sustentable.
600
GUIA DE ESTUDIO
Elaborado por :Prof. Aux. Lic. Florencia Peñate Díaz
Tema : Las últimas tendencias
Sumario: Los premios Pritzker
Objetivos
Actualizar el conocimiento sobre las últimas tendencias en la
arquitectura, y sobre la obra de importantes arquitectos con obra
reconocida a nivel internacional.
Bibliografia
The Art Institute of Chicago. Pritzker Arquitecture Prize : the first
twenty years, 1999
Web “W.W.W. The Pritzker. com”
Aspectos fundamentales:
Los premios Pritzker son el galardón más importante en la
arquitectura comparado al Premio Nobel. Fueron creados por la
Fundación Hyatt en 1979 para honrar en vida a arquitectos talentosos
que con su obra hubieran contribuido al desarrollo de la humanidad y
del entorno. Toma este nombre por la familia Pritzker dueña de una
601
cadena internacional de hoteles que apoya la educación, la ciencia y
la cultura, y en particular la arquitectura.
El premio consiste en 100,000 dólares, un certificado y desde 1987
además una escultura de Henry Moore. Hasta el 2007 han sido
premiados los siguientes arquitectos:
1979- Philip Johnson (EEUU 1906- 2005)
1980- Luis Barragán ( Mexico 1902- 1988)
1981- James Stirling (Glasgow 1929- 1992)
1982- Kevin Roche (Dublín 1922- EEUU 1961)
1983- Ieoh Ming Pei (China 1917 )
1984- Richard Meier ( EEUU 1934)
1985- Hans Hollein ( Viena 1934)
1986- Gottfried Böhm ( Alemania 1920 )
1987 -Kenzo Tange ( Japón 1913- 2005)
1988- Gordon Bunshaft (1909-1990) y Oscar Niemeyer (Brasil 1907)
1989- Frank Gehry (Canadá 1929)
1990- Aldo Rossi (Milán 1931- 1998)
1991- Robert Venturi ( EEUU 1925)
1992- Alvaro Siza ( Portugal 1933)
602
1993- Fumihiko Maki (Japón 1928)
1994- Christian de Portzamparc (Casablanca, Marruecos 1944)
1995- Tadeo Ando (Japón 1942)
1996- José Rafael Moneo (España 1937)
1997- Sverre Fehn (Noruega 1924)
1998- Renzo Piano ( Italia 1937)
1999- Norman Foster (Inglaterra 1935)
2000- Rem Koolhaas (Holanda 1944)
2001- Jacques & de Meuron (Jacques de Meuron y Jacques Herzog,
Basilea, 1950)
2002- Glen Murcutt (Australia )
2003- Jorn Utzon ( Copenhague 1918)
2004- Zaha Hadid ( Irán 1950)
2005- Tom Mayne (EEU 1944)
2006- Pablo Mendes da Rocha (Brasil 1928)
2007- Richard Rogers ( Florencia 1933).
Se dará una conferencia general que ilustre, sobre todo, los
arquitectos que no han sido tocados en las distintas tendencias
estudiadas y cuya obra haya contribuido a una arquitectura más
603
vinculada al hombre y a la naturaleza. Además, se hará un seminario
donde se presentará una síntesis de cada uno de los premiados
604
605

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CENTRO DE ESTUDIOS URBANOS DE LA HABANA

FACULTAD DE ARQUITECTURA, CUJAE

Prof. Titular: Arq. Maria Victoria Zardoya Loureda.

Tema I: Desarrollo de la arquitectura y el urbanismo desde la

Comunidad Primitiva hasta las primeras sociedades esclavistas.

• Afanasiev y otros, Breve historia del arte. El arte del antiguo

oriente, V., Edit. Arte y Literatura, La Habana, 1988.

• Ballina Jorge, Análisis histórico de la arquitectura. Antiguo

Egipto, Edit. Trillas, México, 1988.

• Benévolo Leonardo, Historia da cidade, Editora Perspectiva,

Sao Paulo, 2003.

• G. Muller y G. Vogel Atlas de Arquitectura, Edit. Alianza, 1984.

• La antigüedad. Egipto, Enciclopedia Salvat, Volumen 5,

• Morris A. E.J., Historia de la forma urbana.Desde sus orígenes

hasta la Revolución Industrial, Editorial Gustavo Gil, Barcelona,

• Roth Leland M., Entender la arquitectura. Sus elementos,

• Segre Roberto y otros, De los orígenes al siglo XIX, Facultad de

Arquitectura, CUJAE, La Habana, 1984.

• Weiss Joaquín, La arquitectura de las grandes culturas, Edit,

Univ. Habana, La Habana, 1944.

• Wilfried Koch, Estilos de Arquitectura, Editorial Presença,

Se supone que el homo sapiens habita sobre nuestro planeta hace

aproximadamente 40 000 años. Durante la Comunidad Primitiva la

recolección la caza y la pesca fueron sus actividades fundamentales.

El ambiente construido era apenas una modificación superficial del

ambiente natural. Obtenían el cobijo de los árboles, las cuevas, etc.

Las culturas primitivas poseían artes plásticas (pinturas rupestres,

esculturas, adornos) pero no arquitectura. No tenían concepciones

espaciales, ni sistemas de ordenación estables.

El hombre se enfrentó al "desorden" de la naturaleza, se opuso a lo

medio físico, a encontrar un orden. Cuando se pasó del nomadismo al

sedentarismo, tránsito lento y vago de precisar, comenzó a crearse el

poblado. Empezó entonces a desarrollarse la agricultura. La ciudad

nació del poblado, cuando apareció la propiedad privada y los que

cultivaban la tierra produjeron un excedente que permitió mantener a

aquellos que desempeñaban otras funciones. Esto estuvo asociado a

un crecimiento demográfico y a la necesidad de producción de bienes

Según Leonard Cottrell, si se realiza una equivalencia entre el tiempo

que el hombre lleva sobre el planeta y un día de 24 horas, el hombre

fue un cazador nómada durante 23 horas y media. A las 11 y 30

minutos, un grupo de ellos comenzó a cultivar y a criar y desde las 11

Según historiadores y arqueólogos los primeros indicios de

civilización urbana aparecieron aproximadamente hace 3500 ane. en

Mesopotamia, Siria y Egipto, en lugares donde las condiciones físico

naturales eran más favorables para ello.

el hombre inventó la rueda, aprendió a fabricar telas, a hacer barcos

para navegar, descubrió el uso del metal, aprendió a calcular, a

escribir, a cultivar usando el riego artificial, a construir casas,

El inicio de la civilización está asociado a la existencia de ciudades,

entendiendo por ciudades, según Gideon, una comunidad de

considerable magnitud y elevada densidad de población en la que

conviven una gran variedad de individuos especializados en tareas no

excedente de alimentos del cual se sirvían los que no trabajan en la

producción de esos alimentos y además, que ya existía también algún

tipo de la escritura que permitía registrar los acontecimientos y que

se conocían las matemáticas, la astronomía y otras ciencias.

Debe existir además una organización social que permita la

continuidad de la producción de alimentos y que controle las fuerzas

de trabajo para el resto de las actividades. La ciudad se formó a partir

de la aldea, pero no es una aldea grande, es mucho más.