Introducción

La estética se ocupa del arte y de la belleza, la belleza no solo se basa en el arte. El arte no consiste
solo en belleza. La geometría, la música…también son tipos de arte (medieval). Belleza y arte
abarcan problemas distintos. Grecia esta relacionado con el cosmos. Incluye una historia. La
estética mas tarde se centra mas en el arte. La estética se ocupa de elementos de carácter objetivo
y el tipo de experiencia que produce el arte y la belleza. Surge en el siglo XVIII como rama de la
filosofía, que se discute hasta la modernidad. La influencia de estas discusiones es fundamental.
El arte comienza a ser importante en Grecia, que buscaba una reacción en el espectador. Cuando
hablamos de ideas estéticas lo relacionamos con practicas sociales. Hay dos grandes problemas: el
gusto, vinculado al auge de la burguesía y la decadencia de la democracia. La preocupación por la
belleza natural (revolución industrial). La naturaleza se convierte en
paisaje.
¿Qué es el arte? No es un elemento de la realidad, pero forma parte
de ella. Hay una separación con la realidad empírica (ejemplo cuadro
pipa de fumar)
El arte desarrolla sonidos, formas, colores…para abrir nuevos espacios
de realidad. Es de carácter autónomo. A su vez es una realidad social e
histórica. No puede entenderse sin ello. Los usos sociales del arte cambian (festivales,
celebraciones). También es revolucionario el uso de la perspectiva y los avances arquitectónicos.
Cambia el orden visible de lo visual. En la música, nueva sistematización de los sonidos. Los
seguimos escuchando como naturales, y no lo son.
Nuestra relación con el arte se relaciona con nuestros sentidos históricos. La vista, el oído…
cambian con el paso de la historia. No vemos la pintura egipcia como la veían ellos. La fotografía y
el cine cobran mucha importancia. El cine era un nuevo modo de visibilidad (los hermanos Lumiere
grabando un tren en movimiento). No vemos ni oímos como el pasado, solo podemos empatizar.
La belleza en nuestro tiempo se basa en lo que para uno es la belleza. Colores apagados en el
neoclasicismo, que va cambiando con el paso de la historia. En Grecia existía el canon de belleza.
¿La función social del arte es externa o interna? La idea de una representación fidedigna se basaba
en representar los rasgos esenciales que describen algo, no su semejanza. A partir del
reconocimiento se representan las cosas tal y como son (paisajes). El arte era para representar
poder (pirámides). Reproducir lo visible tal y como nos aparece. Nace en el renacimiento. “El arte
no reproduce lo visible, hace visible”. Un museo expone el arte de forma ordenada. Extraen las
obras del contexto en el que te pertenecen. Marca nuestra lectura del arte. ¿Quién expone?
¿Quién regula eso? ¿Qué son? Son patrimonio de la humanidad. Vinculados a grandes poderes
imperiales, históricamente eran para mostrar poder. Son un despliegue de la fuerza de la nación.
Los museos son marca de la ciudad en la que está.
En los años 90 se construyeron muchos museos de arte, que representa la dignidad de una ciudad,
“somos modernos”. El arte se ha convertido en un reclamo económico. La reunión de varias piezas
de arte que se exponen, a pesar de que hay muchos que no están hechos para exponerse, como
por ejemplo las tumbas y momias de los faraones. Esta dentro de un proceso militar, de procesos
violentos. El museo británico es muy importante porque expone el poder de la corona británica, y
enseñan arte de otros lugares. Su génesis esta marcada por un expolio. Hubo quien clasifico esto
como barbarie de los británicos, que se llevaban sus riquezas.
Esto vale para la antigüedad y la Edad Media: arte para mostrar poder cultural. Tiene que ser
admirado, pero no comprendido. Lo que en su día eran lugares de culto, ahora son objetos de
exposición. Los frescos en las iglesias formaban parte de un rito, para recogerse a orar. Ahora, se
superponen los intereses: algunos van a rezar a este lugar de culto, y otros, a ver los frescos que
fueron pintados en el pasado.
La exposición del arte requiere presupuestos sociales. El arte tiene su origen en formas de culto. La
representación y la imagen representan algo que no está presente. Presencia de una ausencia. En
un museo se buscan experiencias estéticas, un lugar retirado. Las imágenes eran para mostrar a la
población imágenes, que, a causa de la analfabetizacion, no conocían.
El diseño y la publicidad han cambiado también nuestra visión del arte. Las imágenes vienen a
nosotros, están en todas partes.
“La experiencia de la obra, que al principio fue la experiencia del rito, fue colocada al margen del
resto de la vida, precisamente para ejercer poder sobre ella.” (John Verger, Modos de ver)
El arte ha sido un lugar el cual podías emocionarte, tener un comportamiento mas afectivo y
emotivo. Aparece también, socialmente, como un pasatiempo en lugar de algo sagrado.

TEMA 1 - ARTE, BELLEZA Y PENSAMIENTO ESTÉTICO

COMO REALIDADES HISTÓRICAS
Lo feo, interesante, abrumador, también es belleza. Aristóteles se preguntaba porque
disfrutábamos viendo cosas desagradables como, por ejemplo, películas de miedo.
¿Qué ha cambiado? Tiene un índice histórico. En Grecia el arte era para civilizar la
población, para establecer clases. ¿Cómo entretenemos a las personas que no forman
parte de esto?
La tragedia en Atenas era algo positivo, educativo. La reflexión estética se mueve por
conceptos: formas, belleza…lo dosifica. La experiencia esta vinculada a un aquí y un ahora.
Los conceptos estéticos deben favorecer a la experiencia. La experiencia de la belleza no
se agota.
¿Por qué los filósofos hablan de arte? (Platón). Polideto establece un canon de belleza, a
partir de armonía y estudios previos. Hay elementos de la reflexión que tienen forma.
1. ¿Qué es la belleza? ¿Cómo se configura? Se empieza a hablar de ello muy pronto. Algo
separado de otras practicas. Cuando percibimos algo bello, queremos que los demás
también lo vean. Kant dice que “la belleza es un placer desinteresado”. La belleza me
gusta por sí misma, por el mero hecho de contemplarla. “La belleza tiene fin en si
mismo”.
Flâneur: aquel que pasea por la ciudad, mirando gente, escaparates, etc.
La belleza remite a algo que disfrutamos por su valor intrínseco. Según la época histórica
cambia la idea de belleza. La belleza natural, del mundo, es reflejo de un Dios bueno; Y
porque encarna la idea de naturaleza.
La idea de belleza no ha sido siempre algo autónomo. En Grecia, Platón habla de tres
ideas: verdad, bien y belleza. Son tres elementos unidos y vinculados, no se pueden
separar. Lo bello no tiene por que ser verdad, ni por que ser bueno.
2. ¿Qué es la belleza natural y que es la belleza artística? La naturaleza puede ofrecer una
experiencia estética que no ha hecho nadie, que es natural, la naturaleza. Destacan los
cuadros de John Constable (1816) que muestran el paisaje de forma agradable.

Hay que saber ver lo que no esta en el cuadro. Es una anécdota contraria a la realidad de
su tiempo (revolución industrial). Los renacentistas pintaban una naturaleza idealizada va
apareciendo como algo que se puede conocer. El romanticismo también va a formar parte
de esto. En Inglaterra tenemos al pintor Turner, que pinta naufragios, una naturaleza
sobrecogedora. Muestran la fragilidad del ser humano.
Los griegos explicaban los horrores de la naturaleza como la bondad de los dioses. Walter
de María pinta este cuadro mostrando unas vallas metálicas y una tormenta de rayos. Los
visitantes van a contemplar los rayos y a la vez sentirse amenazados por ellos. La
experiencia de un cosmos lleno de sentido, inteligible, que se puede comprender.

Lo que fue una visión ingenua de la naturaleza, tiene que ver con que no hay nada de
natural en la representación de la naturaleza. Destruyen toda experiencia estética. No se
necesita ser ingenuo para ver el arte. Para quien sabe mirarla, la naturaleza habla. La
naturaleza es una reserva natural dentro de un mundo que tiene poco de eso.
El arte se produce también para conseguir experiencias. Esto aparece en la discusión de
Platón con los Sofistas.
“Solo quisiera dar nombre de obras de arte a aquellos en los que el artista se ha podido
manifestar como tal, es decir, aquellos en los que la belleza ha sido para él la primera y la
última intención” (Lessing, Laocoonte, 1766)
El arte surge vinculado a la magia, que es una forma de culto.
“El arte es magia liberada de la mentira de ser verdad” (Th.W.Adorno)
¿Cómo surge el arte?
“La imágenes se hicieron al principio para evocar la apariencia de algo ausente” (J.Verger)
El origen del arte establece un ámbito propio. Realidad profana. Tiene un elemento de
apariencia, de expectación. Las formas mágicas no buscan un efecto practico. El arte
cuando es arte, sin magia, no tiene efecto practico. Cuando los hombres primitivos
comenzaban a realizar tótems (por ejemplo) no sabían que estaban haciendo arte. El
origen de estas practicas artísticas fueron rituales. Mas tarde, formas de culto. El artista se
parece a un mago o un chaman. Formas de comportamiento imitativo.
1. El arte no tuvo unos principios toscos. Naturalismo prehistórico. Los seres
humanos eran muy observadores (pinturas de Chauvet) (texto de A. Hauser).
 2. El arte paleolítico – pintan lo que conocen, con muchos detalles. No están
vinculados a la belleza, sino a otras cuestiones. Las pinturas era una forma de
magia, una anticipación de aquello que esperaban (cueva de Altamira). No
buscaban efecto estético, sino efecto mágico.
3. A partir del neolítico, no son formas de representación fiel. Indican un objeto en
lugar de representarlo. No busca la riqueza, sino fijar la idea (por ejemplo:
meninas). Está vinculado al sedentarismo, por lo que desarrollan una subsistencia
creativa. Surge el cultivo y la ganadería. Las comunidades humanas se hacen mas
complejas. Idea de una naturaleza animal. Comunidad sometida a su suerte. El
culto comienza a sustituir a la magia. Época de animismo, dotados de un alma.
Formas artísticas a signos sagrados, elementos fúnebres, danzas, etc.
4. Surge el arte decorativo. Espacio sagrado de movimientos fúnebres. Cerámica.
División del trabajo. Comunidades urbanas con división social. Los artistas van a
trabajar al servicio de príncipes y sacerdotes. Les piden templos, palacios,
imágenes… que pongan de manifiesto el poder de los mismos. Sociedades cada vez
mas verticales.
¿Quién ha de contemplar la belleza?

TEMA 2 – ARTE, MIMESIS Y BELLEZA EN LA ANTIGUA

GRECIA
Historia túnel: cuando una disciplina surge (estética siglo XVIII) mira hacia atrás, y generan
una violencia. Mirar al pasado como si fuera un túnel. Cuando se construye una historia
túnel, creamos una continuidad ficticia. Se busca un origen, un punto de comienzo, por
ejemplo, la reflexión de la belleza en Grecia. Tiene parte real y parte ficticia. ¿Qué ha
condicionado nuestra mirada a Grecia?
Periodización de la antigua Grecia

 Fase Oscura (1100 – 800 a.C.): (civilización Doria) Caracterizado por el

empobrecimiento. Recibe su nombre porque no hay muchas fuentes de este
periodo.

 Periodo arcaico (800 – 478 a.C.): Se caracteriza por la expansión de Grecia. Se

desarrolla la artesanía y el comercio. Mayor población (ciudades-estado).
Desarrollo de la filosofía.

 Periodo Clásico (478-338 a.C.): Máximo esplendor.

 Periodo Helenístico (338 a.C. – siglo III d.C.) Auge de Roma

La filosofía surge por la pregunta de “¿qué es la naturaleza?” por parte de los
presocráticos (siglo V). los principales filósofos que hablan de estética son los pitagóricos.
Roma traducía las obras de la antigüedad (Grecia) y por eso creemos que son
pertenecientes a Roma. La civilización occidental no viene del griego, sino del latín.
La perfección en el arte y la cultura viene de Grecia. Nuestra historia comienza con los
mitos, que surgen en Grecia. También la política, filosofía, belleza y la democracia. Grecia
es el modelo de cultura, el canon. Es el modelo de perfección, por motivos geográficos,
políticos… es un modelo ideal. El ideal de belleza está en el pasado. La arquitectura griega
se basaba en los cánones. Es considerada la mejor escultura de la historia del arte.
J.J. Winckleman en “Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en pintura y
escultura” explica el modelo de Grecia: kalokagathia (kalón=belleza, Agathos=virtud)
Grecia en el siglo XVIII ofrece una belleza mas allá de las conocidas nacionalmente. Sin
embargo, es una proyección idealizada sobre un presente que se enfoca en el pasado.

´
Templo de Apolo en Bassae, Edward Lear (1854)
No se basa solo en los bocetos que el artista vio cuando visito este lugar, sino que se basa
en el canon de belleza.
La visión idealizada en Grecia llevo a problemas: provocaba decepción entre el publico
europeo. Esta imagen de elegancia choca con lo que se encuentran en el arte griego. Lo
que sabemos es lo que ocurría en los lugares urbanos. No sabemos casi nada de la
construcción de los templos, solo que lo construyeron esclavos. Grecia y Roma son
sociedades esclavistas.
También es importante el rol de las mujeres: civilización patriarcal. Nunca tuvieron
estatuto reconocido. Nadie quería tener niñas. Sin embargo, existían las sacerdotisas.
Había mujeres destacadas como Safo con su poesía erótica. Hiparquia. Platón tuvo
maestros que fueron mujeres, pero no han aparecido en la historia del pensamiento
(Haspasia y Diotima).
El arte tiene su antecedente en el arte griego. La cultura oral es contada. La música es
vocal, los instrumentos solamente la acompañan. La armonía es el arte de los sonidos, de
lo sonoro en el universo. Idea importante para entender el mundo. El cosmos son sonidos
de orden y armonía.

No hay un vocablo único diferenciado para hablar de arte. La mimesis son cosas que
recogen de alguna manera las practicas artísticas. No son conceptos filosóficos.
Sistematizar qué es la belleza. Lo importante es cómo se usan estos conceptos. Cuando la
filosofía surge, no se ocupa del arte, sino de la naturaleza.
Es importante su visión del trabajo, la organización, la inclusión de valores y la cultura en
la educación, uso del poder y la religión. La poesía cobra mucha importancia, propia de la
aristocracia. Mujeres excluidas. Ejercicio y escenificación del poder: vino, cuerpos, etc.
Belleza: la antigua Grecia es una cultura de la belleza. Culto a la belleza. El significado que
ellos tienen es distinto al nuestro. La belleza no es una experiencia subjetiva en Grecia.
`Kalón´ significa `belleza´. Procede de `Kalein´ que significa `llamar´. Viene de la idea de un
orden del cosmos donde el ser humano está. El elemento ideal de la belleza era lo real. Es
aquello que merece ser amado y reconocido, detrás de una belleza normativa. La armonía
de que algo esta bien hecho.
La belleza es algo que se dice de muchas cosas: mar, tobillos… (Homero), son objetos que
atraen la mirada. Hesíodo cuenta “aquello que es bello es amado”. La belleza se basa en
cualidades, como algo adecuado a otra cosa.
Más tarde, los filósofos explicitan que una cosa es la experiencia sensible, algo que atrae,
y otra cosa, es la idea de belleza, la belleza en sí.
¿Qué es la belleza en sí? Lo bello puede ser, no solo la belleza estética, también pueden
ser: pensamientos, costumbres, puertos para atracar los barcos (Platón), carácter, etc. Es
un ideal de belleza que aquí son normativos de lo que es bueno y deseable.
¿Cuáles son los elementos que se superponen en la idea de belleza de los griegos?
1. Armonía: lo bello es armónico. Recoge el concepto del cosmos (orden del
universo). Ordenación de la vida civil y pública. El ideal de belleza es una forma de
vida. Fondo aristocrático. Tiene que ver con la idea de crear un orden (siglo XX,
Hegemonía).
 2. Luz: hace que lo bello ilumine las cosas y permite entender lo que son. Acceder
más allá de los sentidos, entender cual es la rama que rige la belleza como orden.
La luz como metáfora al conocimiento. Ilumina y da luz a las cosas entendiendo así
su lugar en el cosmos.
3. Bondad: la belleza revela algo bueno. Merece ser reconocida. `Agathos´ significa
`virtud´. Se crea el término kalokagathia: ideal de belleza. Vinculado a un orden
justo de la ciudad. Belleza virtuosa, moral, vinculado a un ideal aristocrático.
`Agón´: idea de competencia, de lucha. En ella se distingue quién es el mejor. Este ideal de
belleza constituye el ideal de lo que era un orden jerárquico. La guerra se convierte en el
oficio de hombres libres. Su principal entretenimiento era la caza. Y por estos dos motivos,
tenemos este ideal de cuerpos: hombres fuertes.
La belleza y su culto por la belleza del cuerpo que se convierte en una disciplina. Tiene que
ver con encargar un modelo de disciplina, acompañado de una serie de rituales y
cualidades. Los mejores son los que tienen una gracia, que reúnen virtudes que cultiven
ellos mismos. Establecen la concordia dentro de la comunidad, establece equilibrio.

POETAS
El poeta tiene capacidades divinas. Se supone que las Musas son las custodias de las
memoria, haciendo que la inspiración que le llegue al poeta, sea recordada por el mismo.
El poeta tiene poderes especiales, no es como cualquier persona.
La poesía está vinculada a la cultura oral, haciendo que lo que deba ser recordado, se
recuerde gracias al ritmo, la rima…
Los poetas se representan como ciegos, ya que pueden ver más allá de la vista humana. La
poesía es una forma de conocimiento, es una ritualidad colectiva que aticula elementos de
la vida en común y tiene que ver con aquello almacenado en la memoria colectiva. No es
un elemento técnico, sino intuitivo. Está por encima de lo racional. Entender la poesía
como una forma de conocimiento diferente, es una forma de educación.

El entusiasmo supone estar conectado con lo divino. El poeta es cercano a la figura del
sacerdote, puede conectar con lo divino. La poesía, cantada, es una forma refinada de
contactar con estas transcendencias.
En una cultura donde no hay textos sagrados, los poetas son el vehículo de los saberes
religiosos.
Está muy vinculado a un sentido aristocrático, del período arcaico.
Los poetas tienen tanto poder, que por ejemplo Homero se convierte en un ser
legendario, siendo obligado a ser leído por ley. No se sabe si Homero fue una persona o
varias. Su poesía está rodeada de leyenda. Llega un momento en el que Homero se
convierte en el modelo ejemplar del poeta: encarnación suprema del arte y de la
sabiduría. El mito recoge un saber relacionado con una noción de la hª distinta con el
poder de hacer permanentes figuras y nociones temporales de otras épocas.
Había diferencias de grado entre un alfarero, zapatero, arquitecto… Pero los poetas son
especiales, son depositarios de una tradición y sus valores, de distintos saberes. Los
pintores, por ejemplo, eran simples artesanos. Lo que refleja la jerarquía entre poetas y
artistas, es una determinada forma de entender el trabajo que revela muchas cosas de la
sociedad griega. El poeta es el huésped de su patrón, vive en casa de aristócratas… Los
artistas son trabajadores que ganan dinero para subsistir. Los poetas son protegidos.
No ha habido prácticamente poetas cortesanos, aunque sí arquitectos, músicos…
La diferencia más fuerte a nivel social es que los artesanos, realizan un esfuerzo físico, usa
las manos, se mancha con las herramientas… mientras que los poetas van siempre
impecables. Esto estaba mirado con superioridad. El poeta tenía un mayor reconocimiento
gracias al pensamiento de que sus actividades son dignas. Las actividades físicas no son
dignas, propias de esclavos, mujeres y de aquellos que necesitan una base para vivir.
Aquellos que someten a otros para que les mantenga el sustento son dignos.
La música va a ser un estudio de la armonía, con un sentido de conocimiento pero aquel
que toca un instrumento ya no es digno, ya que requiere usar las manos. Las
preocupaciones de aquellos que definen la vida hermosa y válida eral la guerra (mejorar
el destino de la ciudad), la política (orden y justicia de la ciudad) y el deporte (cultivar el
cuerpo. Físico + virtud).=)
Los poetas podían repartir el vino: la primera ronda era para la salud, la segunda para el
amor, la tercera para el sueño y las siguientes vinculadas a la desmesura. Esto es una
forma de controlar los banquetes. Cultos a dioses.
Si todas estas prácticas están vinculadas a la religión (música, danza, construcción de
templos…), no hay que mirar a la estética o al arte para saber lo que hay detrás. Hay una
red de significaciones. Poco a poco, comienza a destilarse de la importancia al arte y la
experiencia estética.

Esto tiene que ver con su concepción de la religión: hay elementos comunes pero pocos.
Cuando se habla de la sangre y el cuerpo de cristo → sacrificio en el ritual. Esto está
presente en todas las formas religiosas. Supone entregar algo a los dioses a cambio de su
bendición o favor. (Sacrificios humanos, animales…). En Grecia aún hubo sacrificios.
Hay dos grandes corrientes diferenciadas:
1. Elementos religiosos de la sociedad culta, que tiene un estatus, de gente que ha
viajado… Religión de la sociedad oficial: Religión Olímpica.
La conocemos gracias a la poesía de Homero y Hesíodo. Es la manifestación de una Grecia
emergente y racionalista: busca explicar las cosas que ocurren en la naturaleza, en la
sociedad y en los hombres. Para ello acuden a los dioses: si hay tormentas es por Zeus, el
sol se mueve gracias a Apolo, el mar por Poseidón… Las acciones vienen dadas por los
dioses, quienes determinan el destino, la bonanza y la mala suerte de las ciudades. El
destino tiene un sentido fundamental en Grecia, las acciones no pueden cambiar.
CATACTERISTICAS DE LOS DIOSES. Pero, ¿quiénes son estos dioses? Son fuerzas naturales
personificadas en formas humanas idelaizadas (Antropomorfos). Hay aspectos humanos
que quedan marcados en los dioses (Afrodita: amor, Zeus: justicia…).Los dioses no se
distinguen de los seres humanos, pues tienen rasgos, pasiones y conceptos humanos pero
son superiores. Se ha llegado a decir que es una religión de hombres dioses. Es una
religión positiva, que carece de demonios y magia, es naturalista. No tiene misterio y su
objetivo es explicar dando al mundo la forma humana. Es un mundo clave y ordenado,
cosmos. En él se puede actuar y hay armonía. La naturaleza permite el gobierno de los
mejores, divide la jerarquía social.. Los humanos piden cosas a los dioses para que les
ayuden, pero el hombre no tiene que esperar nada de los dioses en el sentido moral.
Hybris: conducta que excede los límites. es un concepto griego que puede traducirse
como ‘desmesura’. No hace referencia a un impulso irracional y desequilibrado, sino a un
intento de transgresión de los límites impuestos por los dioses a los hombres mortales y
terrenales. En la Antigua Grecia aludía a un desprecio temerario hacia el espacio personal
ajeno unido a la falta de control sobre los propios impulsos, siendo un sentimiento
violento inspirado por las pasiones exageradas, consideradas enfermedades por su
carácter irracional y desequilibrado, y más concretamente por Ate (la furia o el orgullo).
. Los dioses tienen una historia y un origen lo que significa que no son los responsables del
mundo. El temor que tienen los humanos a los dioses es el mismo que se pueden tener
entre ellos, lo que cambia la relación con ellos: no son fuerzas sobrenaturales.
Las narraciones vivas tratan sobre las gestas de héroes y dioses. La arquitectura permite la
reunión en los lugares de culto, templos. Y la escultura permite la representación y
acercamiento de los dioses. La figuración está al servicio de los dioses pero representan a
seres humanos con ideales de bellezas, medidas… humanas. No hay nada sobrenatural.
No es una religión revelada, no es un dogma, no opera con una religión trascendente. No
es una palabra fija y permanente, cambia.
No hay nada que concierne al origen del ser humano, el hombre está en el cosmos pero
no hay corte entre lo humano y lo no humano, aunque tenga posición privilegiada no
especial ni es el centro de la creación.
Los seres humanos no tienen promesa de inmortalidad. Algunos podrán ser reconocidos
después de su muerte pero ya. Muchos historiadores de Grecia, piensan que ya que es
una civilización racional que busca explicaciones a fenómenos y que aunque haya fábulas,
no buscan magia. El jerarquía que está detrás, hace que los héroes estén mas cerca de los
dioses que de los hombres corrientes.Va a ser considerada como una conquista
civilizatoria.

La religión judeo cristiana tarda en alcanzar esto.

2. En Grecia hay ecos de formas religiosas más primitivas, con el origen en el
neolítico. Cercanas a Egipto. Puntualidad mayor, se dice que se remonta a un
pasado oscuro: cultos mistéricos. Por ej el culto al Dionisio.
Puede tener orígenes orientales. Dan lugar a los modelos órficos (Orfeo y Elensis).
Religiones egipcias. Son cultos exotéricos. Requieren una iniciación y un exceso en los
ritos, acompañados de música y danza (ya no de poesía). Lo que se busca algo más
vinculado al alma cono diferenciado del cuerpo. Se vincula a bebidas como vino. Está en
juego una visión dualista en el que el alma debe ser liberada del cuerpo en el que está
encerrada. La música y los ritos llenan el alma. Tienen mucha importancia, y a partir del S
VI aC tienen un peso bastante fuerte, sobre todo los cultos a Dionisio, el dios por
antonomasia del transporte que permite el trance poético. Esto llega a los banquetes.
Menos sofisticación que los banquetes aristocráticos.
Se van creando nuevos ritos que proceden de ritos agrícolas por ej Tenemos vestigios
egipcios que se fusionan con los griegos. Estos ritos, al resurgir en dicho siglo, se reforma.
Destaca Orfeo, considerado como creador de la música. Es con el que se originan los
cultos junto a Dionisio. Lo que introduce Orfeo es la existencia del alma separada de la del
cuerpo. Dudas sobre la existencia de Orfeo. Su música tiene efectos. Lo que encarna Orfeo
en la música, influye en todos los ámbitos. Hace bailar a todos los seres: animales,
humanos, rocas… cambia el cauce de los ríos… Tiene una gran potencia.

Ambas remiten a formas religiosas politeístas y ofrecen una visión distinta del ser
humano. Podemos decir que la religión olímpica, que llega a la religión pública, es que
también los cultos mistéricos, como los órficos, adquieren relevancia, llegando a la
creación de sectas, seguidores de unas creencias de forma cerrada y absoluta. Lo que
implica esta tradición es una versión de la religión mística que busca la salida del alma. No
se opone a la religión pública. No hay conflictos pero sí que puede entenderse que está en
contraposición.
Toda la ritualidad de apoya en el cuerpo y el alma. El alma es inmortal. El alma al no morir
en el cuerpo, se reencarna en otros cuerpos. Había que ponerle fin y liberarla. Querían dar
origen a nueva forma de vida. No consiste en que el humano siga su naturaleza pero para
los órficos se da la disciplina del cuerpo con prácticas y sacrificios, educación del alma,
para poner fin a la reencarnación. Hay que purificar lo divino. Si la religión oficial afirmaba
la vida como es, la órfica aspira ser una doctrina de salvación que aspira a crear individuos
marginales, vagabundos, viajantes… Versifican muchos poemas órficos pero lo más
importante es que aunque pueda parecer una secta minoritaria, va a ser decisivo para
entender la filosofía pitagórica, a Heráclito y a Platón. Lo que se busca es liberar el alma
del cuerpo.
La danza, para llegar a la sensación de un espíritu que se separa del cuerpo, hacer que los
sentidos nublen la cabeza ;y la música, que puede llevarte al trance, están relacionadas
con lo Dionisio. De forma controlada y es espacios acotados. Siempre bajo el control de
Apolo.
Katharsis: es de alguna manera, una purificación.

"Primero llegarás a las Sirenas, las que hechizan a todos los hombres que se acercan a
ellas. Quien acerca su nave sin saberlo y escucha la voz de las Sirenas ya nunca se verá
rodeado de su esposa y tiernos hijos, llenos de alegría porque ha vuelto a casa; antes bien,
lo hechizan estas con su sonoro canto sentadas en un prado donde las rodea un gran
montón de huesos humanos putrefactos, cubiertos de piel seca. Haz pasar de largo a la
nave y, derritiendo cera agradable como la miel, unta los oídos de tus compañeros para
que ninguno de ellos las escuche. En cambio, tú, si quieres oírlas, haz que te amarren de
pies y manos, firme junto al mástil para que escuches complacido, la voz de las dos
Sirenas; y si suplicas a tus compañeros o los ordenas que te desaten, que ellos te sujeten
todavía con más cuerdas".
“‘Vamos, famoso Odiseo, gran honra de los aqueos, ven aquí y haz detener tu nave para
que puedas oír nuestra voz. Que nadie ha pasado de largo con su negra nave sin escuchar
la dulce voz de nuestras bocas, sino que ha regresado después de gozar con ella y saber
más cosas. Pues sabemos todo cuanto los argivos y troyanos trajinaron en la vasta Troya
por voluntad de los dioses. Sabemos cuanto sucede sobre la tierra fecunda’. Así decían
lanzando su hermosa voz. Entonces mi corazón deseó escucharlas y ordené a mis
compañeros que me soltaran haciéndoles señas con mis cejas, pero ellos se echaron hacia
adelante y remaban … Cuando por fin las habían pasado de largo y ya no se oía más la voz
de las Sirenas ni su canto, se quitaron la cera mis fieles compañeros … y a mí me soltaron
de las amarras (Odisea, canto XII)

William Etty – The Sirens and Ulysses (1837)

Leon Belly – Ulysses and the Sirens (1867)

MÍMESIS
El concepto de mímesis, de origen griego, lo solemos utilizar como imitación o copia.
Acabó usándose con esta concepción en el S IV a.C. pero tenía otra distinta.
Estaría ligada a rituales religiosos, incluso agrarios, con la celebración de formas de culto
de los que se espera la fertilización de la tierra. En segundo lugar, a una serie de prácticas
que acelere las cosechas y de celebración de la producción. De aquí. Pasa a otras formas
llegando al teatro. Tiene un contacto con un mundo trascendente.
Elemento mimetizado – elemento mimetizador. Hace presente algo trascendente. Por
ejemplo, los monolitos son formas que surgen del culto a los muertos, que de alguna
manera aparecen fijados en el suelo y permiten hacer presente a un ser que ya no está
entre nosotros, que está en otra realidad.
En un primer momento las formas de mímesis no se vinculan a lo parecido.
¿Cómo se establece la mímesis entre dos elementos? No con una copia, sino con un culto.
Adquirir un carácter pétreo alude a la muerte, por ejemplo Medusa. El hecho de que la
piedra aparezca fuera del ciclo de vida orgánica.
El monolito permite encarnar el muerto, el culto hace presente el otro mundo en el
nuestro. Es una forma ritual que pone en contacto dos mundos.

En fiestas rituales, los griegos encarnan seres, dioses, héroes o animales principalmente,
es decir, en este momento ‘primitivo’ de la mímesis en la Grecia arcaica, no remite a las
artes plásticas, sino que tiene más que ver con un elemento ritual en la danza, en la
música, la mímica. Con determinados cantos o gestos se invoca a un mundo místico.
Detrás de ‘mímesis’ podríamos encontrar la palabra ‘mimo’, aquel que actúa de una
determinada manera invocando una realidad.

Etimología y origen: ‘Mimeisthai’ Encarnar algo alejado del mundo actual. Se usaba para
referirse a un cambio de personalidad en un contexto determinado, que es lo que sienten
aquellos que realizan los ritos al alcanzar otros personajes en el culto. Se convierte en
héroes, muertos… Se suspende el tiempo presente.
A menudo, hay máscaras, pero no buscan imitar, sino invocar.

Se recuerda el mundo pasado en el que los griegos y los dioses convivían, una época muy
importante para la historia griega. La festividad, no lo narra (Esto lo hacen los mitos y los
poetas), sino poner en pie y encarnar este momento, volver a hacerlo presente.
Todos toman parte activa en la fiesta, no se limitan a observar. No hay distinción entre
quienes participan y el público. Se entiende en sentido literal.

En estas festividades, en la ‘choreia’, poco a poco se separan los personajes y realizan

representaciones dramáticas. Esto cambia toda la historia. Esto es el origen de lo que será
a la tragedia.
Lo que era un elemento ritual, sin dejar de ser un elemento de culto a un dios (Dionisio),
el hacer presente mediante la mímesis no será algo literal, sino que la representación
dramática lo convierte en ficción y en historia. Esto cambia completamente el sentido de
la mímesis. Ya no se trata de que la realidad cambie en los actuantes, sino que se
establece una diferencia entre quien representa las figuras místicas (de forma ficticia y
actuada) y entre quien lo contempla.
La ficción ha de ser convincente y verosímil, ya que lo observa desde fuera, para que
pueda dar verosimilitud.
Ahora, la mímesis busca encarnar y atraer al espectador, engañarle de alguna manera. Lo
que porpone la tragedia, es una simulación del pasado, eficaz si es percibida como creíble.
SI el espectador puede entregarse es como si estuviera viendo ‘la verdad’.

Las costumbres de los espectadores, cambian la temática y concepto de la mímesis. Obliga

a una forma de representación, de encarnar a los personajes para que sean más
reconocibles y asimilados. Se evoluciona a un efecto más fuerte y un sentido más profano.
Se reescriben los mitos.
Los cambios revelan y demandan unos actos, como mujeres bárbaras (mito de Jasón, un
argonauta que es matado por Medea y no es condenada).

La máscara es la presencia del otro mundo, pero podemos observar la simbología como
del vino en la sangre de Cristo, pero si se toma en otro momento no tiene este sentido. En
la tragedia griega, el otro mundo es una ficción y la máscara, la representación y alusión al
personaje para hacer más creíble el mito.
Con el desarrollo de la tragedia, y con ella el arte dramático, se pone en escena la realidad
psicológica de los personajes. La diferencia que tiene con la poesía o el mito es que no lo
narra, sino que lo encarna, ya que es un arte de presencias (común con las artes plásticas).
Introduce aquí la semejanza y el parecido, como forma de entender la similitud. Esto es lo
que da paso a que cultos como Platón o Aristóteles, lo entiendan como copia.
De hecho, Platón la refiere en música y poesía (musiqué) y en escultura y pintura (techné),
las unifica.

"Techné, en Grecia, ars en Roma y en la Edad Media, incluso en una época tan tardía
como los comienzos de la época moderna ..., significaba destreza, a saber, la destreza que
se requería para construir un objeto, una casa, una estatua, un barco, el armazón de una
cama, un recipiente, una prenda de vestir, y además la destreza que se requería para
mandar también un ejército, para medir un campo, para dominar una audiencia. Todas
estas destrezas se denominaron artes: el arte del arquitecto, del escultor, del alfarero, del
sastre, del estratega, del geómetra, del retórico. Una destreza se basa en el conocimiento
de unas reglas, y por tanto no existía ningún tipo de arte sin reglas, sin preceptos" (W.
Tatarkiewicz)
Mousiké “Los griegos incluyeron la música y la poesía en el campo de la inspiración. En
primer lugar existía una afinidad psicológica entre ambas artes; se las consideraba a
ambas como producciones acústicas, y creían que tenían ambas un carácter maníaco, que
era fuente de inspiración. Segundo, se practicaban juntas, pues la poesía se cantaba y la
música se vocalizaba, y además se pensaba que ambas eran elementos esenciales de los
‘misterios’” (W. Tatarkiewicz).

Distinción entre techné y musiké

Los griegos no tienen una concepto de arte, sino que tienen conceptos como por
ejemplo"ars" del que proviene la palabra "arte". Sin embargo, hace referencia a lo que
nosotros conocemos como arte. "Téchne" se traduce al latín como "ars". "Musiké" hace
referencia a "música". Para ellos corresponden a esferas distintas que no podemos
entender desde nuestra forma de pensar.
Téchne se refiere a actividades constructivas, entre las cuales esta la arquitectura, la
escultura, la pintura,... musiké se refiere a actividades expresivas. Por decirlo de alguna
manera, la expresión "arte" viene de la expresión "ars" que viene a su vez de "téchne".
Hay todavía usos coloquiales del concepto de arte que resuelven esta diferencia. Hay una
linea que permite unir ambas expresiones con lo que hoy entendemos por arte. Sin
embargo, no es una linea recta, ni sencilla.
Durante la Antigüedad y la Edad Media "ars" significaba "destreza", destreza para
construir determinados objetos, desde templos a una prenda de vestir, un ejercito, un
campo, una audiencia (a través de la palabra)... el arte de la retórica, el estratega, el
artesano... todo ello son artes. Lo fundamental de esta destreza, de este "saber hacer", de
construir algo que no viene dado por la naturaleza es pensar que estamos en los aurores
de la sociedad, en un entorno muy civilizado. Ahora bien, ¿que constituye esta destreza?
El artista, el que tenia la téchne, tenían en comun con el resto que seguían una serie de
reglas para llevar a cabo su actividad. No hay arte sin reglas y sin preceptos, y estas se
aprenden y se desarrollan. Para ello se necesitan tanto destrezas manuales como las de un
estratega, hablar de asuntos públicos. En este momento, socialmente estaba mejor
reconocido lo segundo. Hay una serie de actividades que se unifican bajo este concepto,
distinguiendose por la técnica y no por el producto que tratan. Es la habilidad de tratar
estos productos lo que hace que se distingan unas actividades de otras.
El hecho de que el criterio de distinción no sea el producto sino la manera de tratarlo hace
que no haya una palabra en comun. La música no forma parte de la téchne, pero la forma
de tocarla si. No hay un concepto comun para saber tocar la lira o la flauta.
Evidentemente, no hay una separación entre artes y oficios, y que lo que nosotros
entendemos por "ARTE" ellos lo entienden como "BELLAS ARTES". No solo en la
Antigüedad sino hasta mucho mas tarde. El artista tiene una posicion ambivalente y
realiza su actividad a cambio de dinero, no tiene una posicion reconocida.
¿Como se producen las artes?¿cuales son los criterios para vivirlas? Estos criterios dicen
mucho de las practicas sociales. Los filósofos llegan a un punto en el que se plantean, si
todo son artes, ¿como podríamos clasificarlas? Los sofistas decían que el arte se divide en
unas artes que se cultivan por su utilidad y otras porque producen placer. ¿Esto supone un
concepto cercano a las bellas artes? ¿O mas bien plantea problemas? En cualquier caso
comienza a haber una noción mas diferenciada de lo que es arte. En segundo lugar, Platón
decía que existen dos tipos de téchne, las artes productivas y las artes imitativas. Por
ultimo, y de manera muy influyente en la Edad Media es dividir las artes en aquellas que
requieren un esfuerzo físico (escultura) y aquellas que requieren un esfuerzo mental
(retórica). Para nuestro entendimiento actual este es un planteamiento falso. Esta
distinción entre artes vulgares, mecánicas, físicas, y las artes liberales, que requieren un
esfuerzo mental hizo que se dividiese la enseñanza de las escuelas en dos grandes
secciones: a la primera de las cuales llamaron Trivium y a la segunda Quadrivium. El Trivio
comprendía la gramática, la dialéctica y la retórica; y el Cuadrivio, abrazaba la aritmética ,
la geometría, la astronomía y la música.
Dentro de las artes mecánicas estaban el arte teatral y la arquitectura, pero ni siquiera
estaban recogidas la pintura y la escultura, porque en cuanto su utilidad se consideran
actividades marginales.
En realidad el concepto de arte que recoge las bellas artes no llega hasta el s. XIX, como
muchos otros conceptos como Estado o nación.
Hay una serie de actividades expresivas que no se consideran parte de la téchne: la
música, la danza y la poesía que se asocian mas con la musiké. Esta es una especie de don
para conocer e interpretar a las musas. La poesía en este tiempo era cantada, y se
acompañaba con instrumentos musicales y bailes. La música y la danza estaban por tanto
al servicio de la poesía, por lo que es esta ultima la que mejor recoge el termino musiké.
No se considera una destreza, una habilidad, algo que tenga normas, sino que atiende
básicamente a la inspiración divina. Es en este sentido en el que podemos ver que la
musiké esta por encima de las otras artes. Tanto la poesía como la música están
vinculadas al universo sonado. Cuando pensamos en las artes solo pensamos en las artes
plásticas, pero en Grecia por ejemplo estaba mucho mas civilizado este elemento sonado.
¿De donde viene la inspiración? Las musas se entienden como una especie de pitonisas,
aquellas que comunican los mensajes de los dioses. En primer lugar, las musas dan un
conocimiento del pasado e incluso del futuro. Es el poeta el que debe hacer legibles estos
mensajes, darles voz.
La diferencia entre poesía y téchne es inmensa, el poeta tiene una inspiración social. La
téchne se puede aprender. La musiké no. Es necesario recibir una inspiración y saber
interpretarla.
La poesía era una forma de saber y representar, estaba vinculada al mito, daba sentido a
la realidad. Es una disputa endogamica en la que no estaba en juego la poesía, sino las
artes.
Esta forma de inspiración era denominada por los griegos como "enthousiasmos"
("thous"= dios) que significaba "estar en dios".
La cuestión es que los poetas eran figuras admiradas, son visionarios capaces de
interpretar los mitos. Siempre van limpios, lo que en esta época, pesa mucho y hace una
distinción. Su trabajo no es aparente, pero para llevarlo a cabo se necesita algo mas que
inspiración.
Los artesanos lo único que pueden esperar es un buen salario, hacen un trabajo que
mancha. Al requerir esfuerzo corporal provoca cansancio.
Si solo miramos al pensamiento, no entenderemos lo que esta en juego. Si solo
clasificamos las artes, no entenderemos los bienes artísticos.
La religion griega esta vinculada a cultos y a ritos, es un religión racionalista que rige la
vida publica. Esta religión es lo que nosotros conocemos como mitología griega. Son
dioses antropomórficos que se comportan como hombres.
Existe una religión aun mas antigua, menos occidentalizada, de cultos místicos, que quiere
liberar al alma del cuerpo, mas vinculada a la búsqueda del extasis, la música, la danza.
Es esta dualidad la que permite entender formas culturales distintas y distinguir una
dimensión mucho mas racional y civilizada de los dioses olímpicos de otra mucho mas
subterránea y vinculada a elementos menos racionales, que tienen que ver con rituales
mágicos.

TEMA 3 – MITO Y EPOS: LA ESTETICA EN EL PERIODO

PRECLASICO

El mito es una forma de relato muy especial, es una forma de narración.

Los seres humanos viven en el cosmos, pero este no está hecho para ellos, tiene un orden.
En este cosmos, los seres humanos, nacen, crecen y desarrollan diferentes actividades.
Los dioses tienen un gran papel en sus vidas. Estas divinidades que encarnan potencias
naturales como el sol, el mar, la muerte... tienen una concepción animista, que da
voluntad a la naturaleza con espíritus que hacen por ejemplo, que corra el viento. Estos
dioses tienen rasgos humanos y pasiones, siendo los protagonistas de los mitos.

La narración de héroes, ocupa el centro de la poesía, también nacida en un culto y ámbito

cercano al arte. Está asociada a un carácter colectivo y social, como expresión de fuerzas.
Por ello, la poesía no se celebra en solitario. Así, se van recogiendo mitos.
La poesía se realiza de carácter oral, cuyo poeta adquiere la influencia de las musas y
poseen determinadas funciones de privilegio.
Se puede pensar en una sistematización de una serie de relatos.

El mito es un relato, existiendo un consenso en que haya una diferenciación entre el mito
y el logos. Este último es una forma de discurso, y el mito en verdad es una narración que
no se opone a ello, lo concibe de forma diferente y usa también el discurso y la palabra.
La mitología griega tiene vínculos con la religión pero se trata más bien de un género
literario popular, aquello que se dice, se cuenta y explica la experiencia. Es de carácter
oral. Surge entre el S XII y VI - IV a.C.
Al decir que el mito es literatura, hay que tener en cuenta que aplicamos la literatura para
una narración sin distinción de realidad y ficción. Esto hace que conforme la cultura y
civilización griega dé unas formas de resolución del mundo, cómo es y de donde venimos.
Con la historia cambia todo el mito.

Hoy entendemos el mito como una serie de narraciones basadas en dioses, y sus
creaciones. Tratan teogonías: narraciones sobre el origen de los dioses, fábulas de cómo
surge el planeta o una divinidad. El mito cuenta cómo llegó a ser. El mito tiene que
explicar y lo transmite con sentencias, cuentos... que van de boca en boca y de generación
en generación.
Genera costumbres y tradiciones, compartiendo usos sociales. De hecho, se acaba
instituyendo por ley la lectura de Homero en público. Da formas de entender la moral,
qué es bueno y qué no lo es.
Los mitos se presentan como narraciones de lo que ha sido y su orden. Las leyes ya están
establecidas y no son cuestionables. Las creaciones de los dioses no pueden explicarse de
otra forma.
Cuando alguien tiene un problema, se le cuenta un mito, dándole consejo y consuelo.
La tradición no es como se presenta la actualidad como un obstáculo a las nuevas formas.
En esta época, las cuestiones se transforman pero se sigue narrando oralmente,
recreando con técnicas y versos. La poesía sería una forma de arte popular, recogiendo
estas significaciones culturales y transmiten los relatos de la comunidad griega.
Hasta el S IV no se da una determinada asociación de lectores. Los hechos se mantienen
en la memoria individual. Pero es la memoria colectiva la que mantiene viva la tradición,
con una explicación constante a lo largo del tiempo.
Es muy complejo el hecho de que se mantenga inalterable las narraciones orales. Se da
gracias a una gran memoria, atención y reglas mnemotécnicas. El elemento rítmico y
rimado de la poesía aspira a que los versos citados se recuerden para transmitir la
tradición. Reviven las costumbres.
Son grupos de palabras hechos para ‘engranarse’, adiestradores de memoria. Recogen
gran información.
Se dan enumeraciones de versos: caballeros, caballos... En la Odisea y la Ilíada. Hace que
el poeta sea un ‘almacén ‘ de saberes, ofreciéndole un lugar sagrado.

El mito es el antecesor de la historia, la física, biología... Son la forma de resolver enigmas

como epidemias. Los textos sagrados de la época son los textos poéticos, que tratan los
mitos o leyendas de héroes.

No tenía sentido formular el origen de los mitos, no se preguntan de dónde salen o si el

poeta se lo está inventando. Se lo creían y lo tomaban como fuente clara de información.

Están basados en parámetros distintos a los nuestros, pues nosotros nos basamos en
argumentar y explicar según la ciencia, la argumentación y la experimentación. No quiere
decir que sea verdad pero es nuestra fuente. ‘A 100º el agua hierve’ es una explicación
natural, que vale para todos los casos; los griegos usan la explicación de forma individual
por obra de los dioses o por un determinado motivo, elementos puntuales: ‘Zeus se
enfadó y comenzó una gran desdicha metereológico’.
Los mitos no narran historias, sino localizarlas y situarlas en momento y espacio preciso,
junto a los personajes presentes, aspirando a resolver enigmas o sucesos. Estos sucesos se
aplican a la experiencia.
Los mitos van perdiendo efecto cuando aparecen otros principios explicativos como con
los presocráticos (S VII a.C).
Comienzan una serie de narraciones que se preocupan qué ha pasado y cómo: la historia.
Se han trasladado los mitos de generaciones en generaciones, por padres, madres,
abuelos...
Pero los mitos que conservamos hoy en día, son en forma escrita de epopeyas, cantos... y
hay que tomarlas con precaución. Esto hace que los mitos sea un tema de eruditos:
clasificables y estudiables. Esto es lo que hacen algunos como Virgilio. Crean mitologías,
previamente orales, que son accesibles como historias para todos.
Pasa lo mismo que con la obra ‘Hamlet’ de Shakespeare, la cual la recoge por escrito pero
era una versión oral de hace tiempo.
Estas mitologías se convierten en elementos culturales con efectos relevantes en la vida.
En la época de Virgilio se cree que los mitos son historias verídicas, no hay diferencia entre
la filología y la historia. pero nosotros ya lo diferenciamos. Las narraciones míticas no eran
cuestionables.
Para nosotros, algo escrito puede ser cuestionable.
El paso del mitos al logos, no significa que el logos demuestre que el mito es mentira.
Para los griegos, estas narraciones suponen una relación nueva con la naturaleza. Los
dioses ya no marcan el curso de las cosas en un cosmos ordenado originalmente.

TEMA 4 – LA TRAGEDIA Y SU FUNCION PAIDEÚTICA EN

LA POLIS
La tragedia (siglo V) esta vinculada a formas de culto, tiene un elemento ritual. Es un
elemento vinculado a la vida publica de la ciudad. Un simil actual de la tragedia es un
espectáculo. Había competiciones, certámenes donde presentan una obra ante una
festividad y una de ellas gana. Pueden generar efectos en las masas, respuestas emotivas
e intelectuales
Aquí también surge el teatro y la tragedia, muy distinto de los romanos ( diferencia entre
cultura y barbarie).
Se preguntaban por el origen de la tragedia, de los rituales griegos por que saldría algo tan
trágico. Viene de una composición musical de Dionisio, por tanto vinculado a ritos
religiosos y danzas de sátiros.
Poco a poco se buscan mas personajes y se va pareciendo al teatro actual.
Otros tipos de canto son la comedia, combinación de palabra, gesto y música. En su origen
las representaciones trágicas estaban vinculadas a la presencia de mascaras, como
elemento mágico que hacían presente otro mundo. Invocan la presencia de la divinidad
entre los seres humanos. Pasaron de ser una invocación de lo sobrenatural a ser una
invocación donde los actores encarnaban a un personaje.
Va ganando peso el dialogo. La tragedia se nutre de mitos y elementos históricos,
narraciones que corrían de boca en boca. La tragedia transforma esta tradición oral
introduciendo estas historias en el drama, se escenifican. El mito pasa de la narración a la
realidad presente. Ocurre cuando la narración mítica no tiene un poder cuestionable
porque esta perdiendo contacto con la mentalidad griega con la aparición de la filosofía, la
física, etc. Existen como cultura pero ya se habla del presente, de la vida publica, las
tensiones de la ciudad, dejando atrás el pasado heroico y los mitos.
El universo trágico se sitúa entre dos mundos: un pasado mítico y los valores públicos de
la polis ateniense. Cultura mas racionalista. Esta tensión entre ambas constituye la
especifidad de la tragedia.
La tragedia tiene que ver con el elemento de espectáculo, elemento de relación con el
mito, elemento de un arte publico que entiende la tragedia como educativa. Una ciudad
que se convierte a si misma en teatro.
Se han conservado apenas textos, 7 de Esquilo, 7 de Sófocles y 7 de Eurípides. El autor no
se dedicaba solo a escribir la obra, sino que era un poeta compositor y director de escena.
Es un arte colectivo pero que corresponde a una elaboración individual, un responsable
único. Es el poeta trágico el que pone en pie una historia ante el publico de la ciudad.
Las de Esquilo están relacionadas con lo sobrenatural. La acción trágica corresponde a
fuerzas mayores al ser humano. Trasgresión de la ley divina presente en muchos mitos
que ha llevado a un castigo. También de temática histórica. No busca presentar
caracteres, ni personajes definidos.
Con Sófocles si que son personajes mas realistas. Los personajes si que sufren
En Eurípides, el peso de personajes individuales es mucho mayor. Figuras mas psicológicas
que pasan de lo divino a lo humano. Los personajes son esclavos. También aparecen
personajes con rasgos patológicos que tienen que ver con el sufrimiento
Es decir, es el paso de la representación de lo mítico, a una expresiva y realista.
Los personajes trágicos, desgarrados, pueden ser al mismo tiempo culpables e inocentes.
Proceso progresivo de desencantamiento del mundo, seres humanos con sentimientos y
pasiones.
La tragedia no puede entenderse como genero literario, sino como institución
fundamental (fiesta popular en determinadas temporadas del año –“las dionisias”-) de
Atenas en el siglo V antes de Cristo, con el máximo esplendor de la ciudad. La tragedia
aparece como genero artístico vinculado a las formas democráticas. Tiene que ver con que
se entiende como un arte publico educativo.
Son conscientes de su importancia en la educación. No es posible que ningún político
quede en la ignorancia. Buscan ser conscientes de una solidaridad, se vuelven unos
espectadores de otros. Se generan así, momentos de emoción compartida.
En definitiva, el teatro era un espectáculo abierto a todos los habitantes de la ciudad. La
ciudad se hacia teatro y representaba una historia con el objetivo de educar. La literatura
y la escritura no estaban muy desarrolladas. Lo que se busca es llegar a unos ciudadanos
capaces de formular sus leyes, autogobernarse. La ciudad estaba orgullosa de si misma.
Hacia falta la implicación de todos para el desarrollo de la política. La población accedía en
masa a verlas. Eran pagadas por la polis, y se buscaba a gente adinerada para su
representación. Duraba todo el día.
El teatro trágico no es un teatro de evasión, busca emociones. Necesita reflexión para
entenderse. Para todos los públicos: mujeres, hombres, esclavos, libres, atenienses,
extranjeros…
Hay códigos que acompañan a la puesta de escena. Se elige a los poetas trágico que van a
competir cada año, por sorteo. Esto da lugar a una gran expectativa. Al día siguiente de la
representación de las 3 obras ¡trágicas, se reúnen en asamblea para ver si las
representaciones han sido adecuadas o no. Aquí se ve la importancia política que tenían.

Modo de lenguaje vinculado a una escritura que permite la critica. Surgimiento del
pensamiento abstracto y filosofías esquemáticas. La tragedia teatral que trata temas
políticos, vinculado a formas de conocimiento. Aquello que va sustituyendo el rol de la
tragedia en la vida publica, no es tanto otra forma de representación dramática como la
comedia, sino la filosofía sofistica, una nueva forma de educación. Primeros pasos de
política, filosofía, historia, geografía, y numerosas disciplinas. Este interés intelectual por
desentrañar la naturaleza d las cosas es lo que va a marcar el tipo de exploración critica.
Siglo V. También va ser el siglo de tucidides, que narra la guerra del Peloponeso. Distinto
al mito. Narrativa histórica. Surgen formas de pensar políticas. Se esquematizan y
diferencian entre si diferentes formas de gobierno. Desde solón hasta Pericles.
Las tragedias creemos que ponen en escena, temas atemporales. Pero responden a
tensiones de momento histórico muy especifico, que no tiene nada de atemporal.
Corresponden a un tiempo y u lugar.
El publico goza por una historia que conoce y puede anticipar. No busca saber el fin de la
escena, sino ver la encarnación del mito en persona y sus reinterpretaciones. El publico se
dirige al actor en escena (por ejemplo gritando). El enfoque de los mitos no es heroico,
son episodios donde se concentra la suerte del individuo de forma dramática, carácter de
desgarre, que concentra una enorme tensión por una crisis que debe resolverse. Tensión
entre voluntades divinas y humanas. La tragedia no es un escape a la realidad, no es para
evadirse; son problemas que atañan a todos y buscan que la sociedad no se vuelva
apolítica, sino que todo el mundo conozca la realidad. Trata problemas comunes.
Hacen al espectador empatizar con otras personas. Compasión, identificarse con el
personaje.
Cuando Aristóteles escribe su poética, la tragedia había terminado. Algunas de las
dimensiones fundamental de como debe entenderse la tragedia: es una imitación que
utiliza acciones humanas, es ficción.
Estética de la tragedia: ambivalencia de la seducción de las formas artísticas. Genera
emociones muy fuertes que son positivas y peligrosas al mismo tiempo. La tragedia desata
sentimientos y pasiones exacerbados. La tragedia tenia mucho mas poder que la poesía.
Hay conciencia de ello.

TEMA 5 – NOCIONES DE LA BELLEZA EN LA GRECIA

CLÁSICA

1. Belleza como armonía: Pitagóricos

Vqinculado a la objetividad de la belleza (orden del cosmos). Idea de la belleza como
proporción, como simetría.
2. Belleza como placer o goce: Sofistas
Punto de vista muy diferente a los demás. Belleza puramente estética. Subjetivo, bello es
aquello que me gusta.
3. Belleza como “lo adecuado”: Sócrates
Adecuado al fin para el que sirve.
4. Belleza vinculada al conocimiento: Platón
Unión de lo verdadero, lo bello y lo bueno. Platón esta muy influido por los pitagóricos.
La belleza no es algo autónomo, tiene que ver con el cosmos, la naturaleza…disciplina o
pensamiento filosófico. Un cosmos dentro del cual los hombres viven. La discusión de lo
bello surge en Grecia, les interesa lo bello en si, que hace posible que destaquemos unas
cosas de otras: orden del cosmos, ordenado y armónico. Resuena el orden y la armonía
del mundo. La belleza es el orden inteligible. Es algo que puede responderse sin que la
respuesta sea un misterio, se deja lo mítico atrás. La belleza es un atributo del mundo.
Vinculado a una forma de conocimiento. No es el orden de lo sensible, sino de lo
inteligible. Percibían mas belleza en los geómetras (uso de las matemáticas) que en los
escultores. Euritmia: aquello que remite a un orden y una proporción sensible,
adquiriendo con el tiempo el mismo significado que armonía o simetría. La simetría
apunta el orden del cosmos, orden divino de la naturaleza. Aquello que remite el orden
visual, acústico.

1. Belleza como armonía: Pitagóricos

Son los primeros en darse cuenta de que la belleza es armonía, aquello que remite al
orden, lo que esta bien. El secreto de la armonía esta en las matemáticas. La armonía para
nosotros es algo musical. Para los pitagóricos es reflejo del orden implícito de las cosas, no
visible a primera vista. Pitágoras fue muy influyente a nivel político. Se le atribuyen
muchos escritos, de los cuales no ha llegado ninguno a nuestros días. Para los pitagóricos,
Pitágoras era una divinidad.
¿Quiénes son los pitagóricos? Una especie de confraternidad de carácter político,
filosófico y religioso, que comparten un modo de vida semejante.
Tiene tres dimensiones: termino filosófico y científico, para encontrar la salvación del alma
y su reencarnación; el elemento religioso moral, encarnar un estilo de vida distinto del
predominante; y una dimensión política.
¿Qué significa la armonía? Unión de dos cosas que no son idénticas, implica el consenso
de cosas visibles. En términos musicales, la armonía consiste en la jerarquización de varias
notas. No es una ausencia de contrastes, sino una consistencia equilibrada. No es una
unidad monocorde. De fondo esta una visión matemática del universo, comprensión de la
naturaleza de carácter matemático, que tiene una expresión privilegiada. La armonía es
algo intelectual y mística, mucho que ver con as matemáticas como principio del cosmos.
Permite que el mundo este ordenado. Pitágoras fue el primero en utilizar la palabra
cosmos para referirse al universo. Esto surge de la música (tono: octava, cuarta, quinta).
Utilizan el tetraktys, para ellos un modelo de perfección. Van a ser muy influentes para
Platón. La antigüedad creía que el centro del universo era la tierra, rodeada de esferas
concéntricas con diferentes panetas y astros. Pensaban que le movimiento del universo
sonaba. El conjunto de los sonidos de las ocho esferas creaba un sonido celestial que
sonaba en el cosmos y genera la música de las esferas, una música perfecta que revela el
orden de un universo bien hecho que no oímos porque nuestros oídos son imperfectos o
porque estamos acostumbrados a oírlo. Universo armonioso, regular y ordenado =
modelo de toda belleza.
Carácter místico que no se puede reducir al arte, creencia en el cosmos.
Los pitagóricos creen que el alma y el cuerpo forman parte de la armonía. Las
enfermedades, por ejemplo, rompían ese equilibrio.
La música no es solo un conjunto de sonidos, sino un medio de expresión inteligible. La
música es la ciencia de la armonía, estudia el equilibrio matemático que atraviesa la
realidad. Orden inmutable y eterno de la naturaleza.
Actúa sobre la “psyche” – alma. Puede influir y cambiar el comportamiento de los
humanos. Actúa sobre el alma humana acorde con el universo. Equilibrio de las pasiones,
de distintos deseos. La música influye positivamente. La música es tanto una ciencia como
un arte superior, que ayuda a la purificación del alma. La música para domesticar el alma.
Lo que fundamenta la belleza es la medida y proporción. Esto nos permite hablar de que
algo es bello.
“Todo arte es un sistema de percepciones y el sistema es el número” (Sexto Empírico)

2. Belleza como placer o goce: sofistas

El fundamento de la belleza se basa en el placer. No hay un canon, la medida de la belleza
esta en cada individuo. No hay un criterio objetivo de gusto, no puede establecerse. No
tiene un significado mas allá del placer. Hay que entender como el gusto se conforma
culturalmente: concepción normativa de la belleza. El placer en el que se funda la belleza
no es solo por los gustos, sino el ambiente en el que crece. Este es el papel a la hora de
definir lo que es bello. Creciente independencia de los sofistas con respecto a la tradición.
La comprensión de lo que es bello es relativa. Idea de noción de belleza marcada por la
relativización.
La producción de objetos que sirven para necesidades sociales (construir casas, zapatos…).
Habría un tipo de habilidades y destrezas que no sirven como habilidades útiles, sino que
producen placer y goce (poesía, música, escultura). El arte se esta liberando del culto, del
rito. Producimos porque nos gusta. El arte esta cobrando un sentido propio.
Distinción de las bellas artes anticipada por los sofistas. Su noción de placer esta
relacionada con la belleza y el arte. El hecho de que las artes estén hechas para producir
placer no significa que no sean útiles. El placer remite a un refinamiento de las
necesidades humanas.
Es algo que hace al ser humano mejor, porque lo enriquece. La música, por ejemplo, sirve
para moralizar al ser humano. La música es útil porque produce placer. El placer mismo
nos hace mejores.
Para entender lo que esta en juego en esta noción del placer, hay que entender la
distinción entre forma y contenido. Si hablamos de poesía, el placer que produce, lo que
importa no es su contenido, sino que lo que hace de la poesía poderoso es el modo en el
que expresa lo que expresa: el ritmo, el sonido de las palabras… contenido provocador
que rompe con la tradición, capaz de seducir al oyente. Independientemente de que e
contenido sea verdadero, moral, ético, la poesía tiene el poder de convertirse en algo que
produce placer. Esta distinción (entre forma y contenido) permite decir que hay otra
forma de belleza en el sufrimiento (ejemplo: la violencia en las películas provoca placer).
Poder de la estilización, aquello que estamos mostrando podemos convertirlo en
placentero.
Lo que buscan es conocer las técnicas del arte que producen placer. La propia coherencia
interna de la obra artística. Tiene que estar construida de tal manera que el efecto sea
jugar con el oyente y llevarle a donde uno quiera. El objetivo del arte aquí es persuadir de
algo. Esta vinculado al gozo. Bello es aquello que produce placer y el gozo es la medida en
que vemos el arte como algo bueno.
No hay una ley de lo que es bello, sino que depende del goce, del placer, con un fuerte
poder de seducción.
3. Belleza como “lo adecuado”: Sócrates
El punto de vista de Sócrates reconoce que existe algo así, como cosas que son bellas por
si mismas, pero también distingue una noción de belleza en la cual una misma cosa puede
y puede no ser bella. Lo bello como lo adecuado.
Sócrates decidió no escribir nada, porque para el la filosofía era algo para decir, algo como
una actitud. No sabemos exactamente que fue lo que dijo. Entre sus discípulos han escrito
teorías suyas pero no se pueden conocer con exactitud. Uno de los personajes de los
diálogos de Platón es Sócrates. Genofón tiene un texto también, llamado los textos de
Sócrates.
Sócrates centra su interés en el ser humano. Llego mas lejos de los sofistas a la hora de
entender la sofisticidad del ser humano. Tienen una conciencia intelectual. Dimensión del
“yo consciente”.
Dos dimensiones:

 Lo bello es lo útil. Dimensión con la relatividad de la belleza, como algo adaptado.

Hay muchas cosas bellas, distintas entre si, es difícil encontrar un denominador
común. El cuerpo de un luchador es un cuerpo hermoso, pero es distinto del
 cuerpo hermoso de un corredor. Del mismo modo, un escudo es hermoso porque
protege, una jabalina es hermosa por su velocidad y fuerza.
Las mismas cosas pueden ser bellas y feas al mismo tiempo, el cuerpo de un luchador
puede resultar feo si lo vemos de día, pero mientras lucha nos parece bello. Una cosa es
bella cuando es acorde con su finalidad. La belleza de cada cosa va a tener un criterio
especifico. La excelencia que se le atribuye (la excelencia de la jabalina es la distancia que
puede recorrer, la excelencia de un escudo es su protección, si esta lleno de oro y con
agujeros, no es bello).
La idea de belleza tiene que ver con que las cosas estén bien hechas. Los criterios para la
belleza no van a ser universales, va a depender de la excelencia de cada objeto. Este
criterio no es subjetivo, sino que corresponde a la finalidad el objeto. Objetividad e la
belleza basada en su finalidad.

 Distinción entre las diferentes artes. Artes que producen cosas que no existen en la
naturaleza (zapatos, camas, mesas); Y artes que imitan cosas que ya existen en la
naturaleza (pintura y escultura). Esto implica una cierta operación de las artes a la
hora de considerar lo bello. Se idealiza la naturaleza a través de las artes imitativas,
de la escultura y la pintura. Las cosas no vienen con los criterios de perfección
como armonía y perfección, sino que corrigen los errores de lo natural para
acercarse al modelo de perfección. Visión idealizada de las cosas. Opera desde un
ideal de belleza. Las artes cuando imitan están operando con un ideal de belleza
que tienden a condensar. Hay también formas de belleza vinculadas con las belleza
del alma, el arte es capaz de hacer visible cosas que no lo son a simple vista. Las
virtudes del alma como idea implícita. Esto construye el ideal de toda belleza, que
no eta en el cosmos, sino en atributos humanos.

4. Belleza vinculada al conocimiento: Platón

Antagonista de los sofistas. Descendiente de Solón. Venia de cuna aristocrática. 427-347
a.C.. Platón no tiene una estética. Sin embargo, los conceptos fundamentales, como la
belleza, tienen mucha importancia. Hay que entender la belleza con su teoría del
conocimiento y su metafísica, doctrina de las ideas. La idea sofistica del arte por el arte,
esta muy lejos de Platón. Autorperfeccionista y que evoluciona. 36 dialogos. Marca el
platonismo y toda la edad media.
La belleza cobra mucha importancia (el banquete). El modo en que Platón entiende el
amor se parece bastante poco a lo que s ha entendido como amor platónico. Concepción
en que el amor a lo bello no es solo el atractivo de los cuerpos.
Lo que esta en juego, es una moción de belleza atravesada por una tensión entre lo
sensible o de las cosas y lo inteligible o de las ideas (mito de la caverna). Hay un puente
entre ambos mundos. La belleza es lo que nos permite mediar entre lo sensible y lo
inteligible. La belleza es la única de las ideas inteligibles que tiene una manifestación
sensible. Platón se pregunta que es lo bello en sí, las cosas son bellas en virtud de la idea
de belleza.
Una ocupación, algo que hacer, es bella. Una ley es bella. Elementos que van mas allá de
lo estético y se vinculan al conoci miento. La idea de belleza esta relacionada a la idea de
bien y de verdadero. La belleza no esta por encima de los dos, pero tiene un rol
diferencial. El concepto de lo bello difiere muy poco de lo bueno. Nada que sea bello
puede contener un elemento de mal o de engaño. Esta vinculado a que la belleza es el
modo en el cual se manifiestan, cobran forma sensible, el bien y la verdad. Esto permite
hablar de la belleza inteligible, muy por encima de la belleza sensible, que solo es un
camino para acceder a la belleza inteligible. Hace que las cosas empíricas sean bellas.
La belleza es una propiedad objetiva de las cosas. No es una reacción objetiva de
determinadas cosas, es algo que existe por sí. No puede cambiar, lo bello es bello y se nos
impone como una ley que no podemos evitar.
Lo bello es difícil, es decir, es difícil llegar a una definición de lo bello. Dificultad para
definir con precisión el carácter de lo bello. Continuidad entre las cosas bellas y la idea de
belleza. Platón trata de llegar al sustrato de todas las cosas bellas, una belleza que remite
mas allá del mundo de lo sensible.
Las cosas son bellas porque participan de la belleza, y no al revés. Es decir, partir de
objetos singulares y a partir de ellos llegar a la belleza. La idea de belleza es previa a los
objetos bellos.
No es bello en un aspecto y feo en otro, como decían los sofistas. Los cuerpos bellos son
caducos, la idea de lo bello no.
El placer que produce, por ejemplo, la música, es sensible. Participa de la ley de la belleza.
El buen arte es el que se basa en la proporción, y el mal arte aquel que quiere provocar
emociones, que busca reacciones.
En la realidad inteligible, es eterno, inmutable, ajeno al espacio del tiempo…es
dependiente del mundo sensible, caduco. Lo que buscamos es conocer algo que ya hemos
visto. Cuando contemplamos los objetos bellos observamos mas allá de toda mediación
conceptual que pudiera vincularlo con formas cambiantes. La idea de belleza es que no
quede nada ms que lo inteligible.
Lo inteligible se vuelve sensible y lo sensible participa de algo inteligible. La justicia y la
prudencia no son sensibles.
La idea del amor-eros es una idea poco terrenal. El amor a lo bello, que tiene que ver con
el amor a la belleza en sí. Permite que nos vayamos elevando en los distintos grados de
belleza como si fuera una escalera. Seria la sede del bien, la sabiduría, la felicidad, etc.
Eros como un deseo de belleza, a partir del reconocimiento de una carencia: veo algo que
me gusta pero no es suficiente para colmar nuestro deseo de lo bello. Las cosas bellas nos
atraen pero no son suficiente. Estamos atravesados por una condición que nos hace
buscar lo incondicional, el estado de deseo es volver a contemplar la belleza misma, la
belleza en sí. El punto de partida en el deseo de fusionarnos, de volver a la idea
condicionada de lo bello, parte del deseo de los cuerpos bellos, de los cuerpos hermosos y
de la experiencia mas física del amor. Lo bello como algo que nos llama, que nos atrae,
nos apela. (kalon=kalein=lo bello nos llama, nos atrae). Lo que nos llama se manifiesta en
el mundo sensible pero no se encuentra en este mundo. (Fedro 251 a-b).
La belleza en Platón no es ajena a la emoción, genera un deseo poderoso. La belleza es
deseo, al menos de fundirse con esa belleza. Lo deseamos de manera inmediata. Idea del
eros como realidad de una carencia que no puede ser colmado. Este deseo busca paliar
una carencia. No se palia ni siquiera cuando se logra aquello, es un deseo insaciable.
Lo que desata este deseo no es del orden de la belleza corpórea. Camino de ascensión
desde los objetos bellos hasta le belleza en s. es un camino a través de las cosas bellas
hasta llegar a la belleza. Los primeros pasos corresponden al deseo de fundirse con uno y
muchos cuerpos bellos. Poco a poco se va elevando a un nivel de virtud y de
conocimiento, para llegar mas allá del conocimiento.
Platón dice que hay que elegir un cuerpo concreto para enamorarse, pero hay que
enamorarse de todos los cuerpos bellos. (Banquete 210)la belleza trasciende estas
bellezas singulares. La belleza corporal nos atrae pero no es suficiente. Podemos pasar al
amor al alma. Llegamos a la elevación al mundo de las ciencias, cercano a la sabiduría.
Esto nos conduce al mundo inteligible que es la idea de belleza. La búsqueda de la belleza
no se resuelve en el concepto de lo bello, sino en el “basto mar de lo bello”. Remite a que
lo bello no puede hacerse captable en una cosa o en otra, rebasa sus diferentes
manifestaciones. No se agota ningúna manifestación sensible, moral, político,…
El hecho de que el objetivo sea este parte de que ninguna idea puede saciar. Lo bello mas
allá de sus diferentes manifestaciones. Si vamos ascendiendo en las cosas que tienen en
común participar de la belleza, el objetivo es llegar a un tipo de contemplación de la
belleza mas allá.
La belleza es algo por lo que merece la pena vivir, la belleza en si.
La experiencia de lo bello es una idea, que reconoce en las cosas de la vida terrenal. Pero
la experiencia de lo bello culmina en la posibilidad de contemplar a partir de esas cosas,
esa idea que no esta, que no se agotan, en la que las ideas participan. Ascendemos a
partir de esta escalera que son distintas manifestaciones.
Lo bello en si no se reduce a sus manifestaciones sensibles, sin embargo, es la condición
(conocer lo bello en si) para reconocer las múltiples manifestaciones de lo bello
¿Cómo se manifiesta entonces la relación entre la idea de lo bello y lo bello en si? – en la
proporción, es la mas bella de las relaciones. Es el principio que da forma a la realidad.
Establece una armonía entre el todo y las partes. Funda el equilibrio entre el cuerpo y
alma. Equilibrio entre fuerzas y estratos sociales.
Con Platón la idea de belleza se ha ampliado mas allá del ámbito de lo sensible, que si las
cosas son bellas es a causa de su proporción. Lo bello tiene una dimensión intelectual,
espiritual, abstracta.
La belleza real, de las cosas, seria únicamente un reflejo de la belleza ideal.
El grado de la belleza de ls cosas depende de la idea de lo bello, en su menor o mayor
instancia.

TEMA 6 - ARTE, ARTIFICIO Y VERDAD: LOS SOFISTAS Y

PLATÓN
El arte está separado de una realidad ambigua. No son un objeto como lo demás. Espacio
inseparable de la vida cotidiana. Se juega un ámbito de experiencias que puede
relacionarse con la ficción. Artes imitativas, que no son la realidad. Es un ámbito de
apariencia, de ficción. Esa representación de algo no es la cosa misma. Lo que convierte al
arte en arte en eta separación de la realidad, que es un ámbito de juego y ficción, que
permite experimentar. El arte es un ámbito de apariencias, que se puede juzgar sin
necesidad e someternos a como son las cosas. Da lugar a un ámbito de discusión. ¿Qué fin
tiene el arte? Tiene sus porpias reglas, tiene un ámbito propio. Permite libertad al artista
como las llamadas “licencias poeticas”. El arte es magia liberada de la mertira de ser
verdad.
Recuerda a esta idea del mito de medusa.
El arte tiene un espejo ante la realidad, que dentro del ámbito de la imitación (donde
también entra la poesía) esta en juego el poder del arte y la verdad del arte. ¿Es el arte
verdad?.
Solón pensaba que l poesía eran todo fabulas. Homero y Hesíodo creían que la poesía era
verdad.
¿es lo mismo la ficción que la mentira? Si la poesía es un arte imitativo, lo ocurrido en las
tragedias no tiene por que ser realidad, sino creíbles. Tienes q ser posibles en la realidad.
Creían que la poesía podía crear contenido no existente. La poesía es una ficción que
embauca, que va a tener su legitimidad y va a resultar interesante. La polémica tiene que
ver con la distinción entre un uso fiable y un uso ornamental del lenguaje. Ambos
requieren de técnica. Pero se considera que el uso meramente ornamental puede ser
peligroso porque puede desviarnos.
El potencial del arte es ambivalente, que seduce, una seducción verdadera o no. El modelo
de esta capacidad de hechizar que puede ser peligrosa, tiene su símil en el modelo del
canto de las sirenas. Genera un placer intenso que nos lleva hacia el. Es un placer tan
intenso que puede hacer que nos veamos desprovistos de nuestra voluntad. Puede
convertir en horror en algo que podemos disfrutar (mito medusa) o pervertir. En el ámbito
del arte podemos permitirnos comportamientos emocionales, que en la vida tienen que
ser controladas. La vida es un ámbito de estricto control de las emociones. Dejarse llevar
por ellas es muy peligroso, y el arte despierta este deseo.
Gorgias- nace en Sicilia. Vive en Atenas. Uno de los primeros filósofos sofistas.
Planteamiento mas radical en cuanto a que dice que las palabras no deben estar
vinculadas a la realidad. No están vinculadas al ser, por lo que provocan fascinación y
emociones fuertes, permite persuadir, emocionar. Da cuenta de una prosa con nuevos
elementos políticos. Una forma de hablar y argumentar seductora = poder del lenguaje.
¿han de ponerse limites a este poder de la palabra? Puede influir a magistrados, en la vida
publica.
La función de la palabra va s re ejercer una fascinación, que en la poesía, crea ilusiones (en
general el arte), y de este modo, seducir la imaginación. Su función es una magia, produce
una especie de encantamiento. La palabra esta dotado de una magia, que puede influir en
el estado de animo. Gorgias habla de las palabras como un pharmakon. El poder de la
palabra con respecto al alma es el mismo que los pharmakos tienen con respecto al dolor.
Se desarrolla toda una literatura del lenguaje. No hay un vinculo antológico entre el
lenguaje y el ser, es decir, las cosas no pueden convertirse en palabras.
La experiencia que tenemos de la realidad se produce mediado por el lenguaje. Produce el
significado de la realidad. Las palabras no están sometidas a un vinculo con el ser. El
lenguaje tiene una dimensión proyectiva. Dado que las pabras no están sujetas a
significados estables, aquello feo o injusto puede verde bello y justo. De fondo a todo esto
esta la retorica. No hay algo así como un logos objetivo. No es anda inmutable, nada que
dice si las cosas son correctas o no.
Gorgias dice que el soberano es el lenguaje, porque puede influir soberanamente y
adeñuarse del alma. Conquista/orienta sus pensamientos apelando a lo que esta mas lejos
de la razón, dirigiendose a las pasiones. Esto nos hace identifciarnos con lo que pasa como
si fuese algo bueno. La poesía debe provocar emociones fuerter, seducir, emocionar. El
lenguaje no imita las cosas, las produce. Según Gorgias, La poética le subyace una técnica,
capacidad de combinar significado, sonido, tono, etc. Hay que saber utilizarlo para excitar
emociones y dar poder. Instrumento que fascina y seduce, hace irresistible aquello que en
la realidad no me gustaría ver. La representación artística nos permite disfrutar de algo
que en la realidad no lo hacemos. El texto mas famoso donde Gorgias habla de esto es el
“Encomio de Elena”, que busca tratar el poder cautivador de la palabra como algo que
parece malévolo o ambivalente pero se trata de explicitar. Elena, seducida por los
discursos de Paris, lo deja todo y se va con él. Así, comienza la guerra de Troya.
El lenguaje tiene la capacidad de anular la voluntad. La función del artista es engañar,
porque crea ilusiones poéticas. El que es engañado es mas sabio, porque se presta a estas
emociones poéticas.

Platón no esta de acuerdo con esto. Son dos extremos. La poesía no debe hacer eso
porque es peligroso. El arte es engaño poético (apaté). Su legitimación viene dada por el
placer que suscita únicamente.
El arte es un artificio, una fabrica de sueños. Se trata de que el arte debe sr verosímil,
debe parecer verdadero, jugar con las apariencias solo como apariencias. El engaño pasa a
ser una categoría estética. Se esta comenzando a cobrar un carácter nuevo en el papel del
artista. Es un creador de mundos ficticios capaz de una seducción con un poder casi
divino, de crear mundos que produzcan fascinación y generen emociones. Ruptura del
campo narrativo.

En Platón, llega el culmen sobre las relaciones entre artificio y verdad. Si el arte puede
tener una razón de ser, no es en si misma, sino que se basa en la función y la verdad, que
es la función publica.

Platón supone el cénit en el debate de la existencia autónoma del arte y su desviación de

la realidad.
Sólo accede a la existencia del arte si tiene un buen uso en cuando a la realidad y la
verdad. El arte que provoca emociones será un mal arte para él, nocivo y dañino.
Platón defenderá que aquellos que se dediquen a confundir la realidad, provocar
emociones y perturbar la razón con el arte deberán ser expulsados de la ciudad,
especialmente los poetas.
Hay dos puntos importantes:
- Contexto histórico: las esferas del culto, del saber y del arte estaban unidas
(Homero encarna el culto a los dioses y héroes, un conocimiento más allá de los mortales
y producía arte con sus escritos).
La estética, aquello que produce fuertes respuestas por su forma, se trata de un ámbito
que se separa del culto y del saber. El control y búsqueda de respuestas estéticas ‘devora’
otros ámbitos culturales. Esto perturba a Platón.
- Surgimiento de la filosofía como ámbito propio, separado de la literatura y de los
cultos: ya se daba antes y se escribía en verso, pero comienza la conciencia de que debe
ser separada de la poesía. Puede relacionarse con el mito y el logos: un razonamiento
abstracto alejado de los mitos.
Es una mera disputa en la que cada cual defiende ‘a los de su gremio’. Se centra en la
orientación de la educación, que estaba en manos de los poetas. La tragedia se entiende
como un elemento educativo (eudeútico). Si queremos un verdadero mero de educación
hay que centrarse en un ámbito racional como la filosofía. Se produce el paso de la
escultura oral a la escrita.

Platón medirá el arte por su uso social. Platón evitará el extralímite de sus usos
preferentes en autores y referentes como Gorgias, de hecho, por él desaparecería.
Establece críticas en muchos ámbitos culturales pero se centra en la poesía. Lo importante
es el lugar social del arte, el cual no tenga derecho propio por los placeres que puede
producir.
Platón será el antagonista de Gorgias.
Si a algo se opone Platón es a la retórica del arte, que lo entiende como un método de
persuasión.
Platón posee un diálogo (‘Gorgias’) en el que presenta a Sócrates y Gorgias.
Especifica dos métodos de persuasión:
- Episteme: saber objetivo: se funda en un conocimiento de cómo se centra la
realidad. Hace mejor a quien la escucha pues le abre los ojos y oídos al saber.
- Doxa: se suele traducir como ‘opinión’. Es un tipo de persuasión basado en
percepciones subjetivas. Persuade por aquello que le parece a un objeto. Convenciones y
preferencias estéticas en el arte. Para Platón son insuficientes.
El ‘halago del oyente’ no permite un conocimiento y la retórica es una técnica que hace
más eficaz el engaño, por lo que no puede tener un elemento formativo: degrada la
realidad y a quien lo escucha. El lenguaje no es un vehículo para la verdad y conduce al
oyente como si no fuera capaz de pensar por sí mismo.
Da una crítica al lenguaje artificioso (poesía, disputas, asambleas…): ‘no podemos dejar
que las instituciones estén en manos de aquellos que saben usar el lenguaje para degradar
a la sociedad’.
Los poetas y retóricos tienen ‘fármacos’ para el alma para producir emociones (Gorgias)
pero en verdad para Platón podrían ser como ‘unos cocineros que preparan degustosos
platos que simplemente engañan al paladar’.
Si alguien quiere dedicar el bien a la virtud y a la verdad, no puede dedicarse a la verdad y
a la poesía, deberá dedicarse a la filosofía.
El soberano sólo puede ser la verdad y la palabra debe transmitirla. El filósofo no es libre,
está al servicio de la verdad.
El artista para Platón no es un soberano, el artista no puede manejar sus medios
arbitrariamente. El artista es un medium entre el mundo apreciable y el mundo
transcendente.
La inspiración artística se trata de elementos que superan al sujeto (verdad, belleza y
bondad) y esto es lo que le pone en contacto con el mundo trascendente. El artista
responde a una verdad sobre la que no decide.
El buen artista es el que produce obras por amor a lo verdadero, a lo bueno y a lo bello.
Ninguna creación basada en la ilusión, y por lo tanto en el engaño, no puede considerarse
hermosa.
El arte como techné, enseñado como oficio, Platón no lo acepta. El arte es un ámbito de
inspiración por quien logra un contacto con la verdad (mito de la caverna: quien logra salir
de las sombras).
Platón se ancla en la musiké.
La poesía que proviene de actividades manuales no le interesa. Le importa aquella que se
plantea como maníaca (‘locura’).
Aquí interviene una distinción entre dos esferas:
- Mundo de las formas (eidolon): son realizaciones imperfectas de la idea perfecta.
Idea de cama + sus copias que responden a su idea. Lo que les hace ser ‘camas’ son
imitaciones sensibles de la idea perfecta. Son aquello que percibimos por los sentidos, el
mundo de las formas.
- Mundo de las ideas (eidos): las ideas puras. Mundo trascendente no apreciable por
los sentidos. Nos permite movernos en el mundo de la experiencia, ya que si no
tuviéramos la idea de cama no podríamos reconocer el resto de camas como copias
imperfectas. Se alcanza con el intelecto.

A partir de las cosas se conocerán sus formas puras. El verdadero conocimiento se trata
con aquel mundo superior inteligible que acaba produciendo el desprecio a las artes.
Las obras de arte, en la mayoría de los casos, son físicos. Tienen una peculiaridad en
cuanto a espacio y tiempo, quieren ser vistas de un determinado modo (por sus
materiales, formas…) que les hace peculiares. Hacen que sea una obra y no otra.
‘Las manzanas de un bodegón de mi casa no son las manzanas de Cezanne. Las manzanas
de este autor tienen otra percepción y buscan otro objetivo’.
A Platón le interesa que el lenguaje esté hecho de ideas y no de cosas y copias concretas.
Pero el arte es una representación de singularidades.

Platón no hace justicia al arte, ni lo pretende. La noción estética de los sofistas está mas
cerca de nuestra percepción. Pero es necesario entender que lo suyo no es ‘una rabieta’
contra el arte. Es una disputa sobre la educación ¿Cómo debe educarse a los guardianes
de la polis? Debe basarse en la episteme, en el conocimiento de la verdad absoluta. Las
formas puras tienen un riesgo de dogmatismo pero tienen la verdad.
Los eidolon siempre están por debajo de los eidos.
Hará una crítica a las artes imitativas:
- Nivel de las formas puras, inteligible: idea de cama.
- Nivel de las formas sensibles: nuestras camas.
- Nivel de la copia de la representación sensible: representación de nuestras camas.
La producción en serie tratada en el S XX: se producen muchos objetos a partir de un
modelo, el cual no existe en ningún sitio. Las diferentes camas en serie son encarnación de
un diseño que no existe. Montamos la cama con respecto a su idea. Estarían dos niveles:
el que tiene que ver con su diseño, entidad inteligible y las copias basadas en ella, entidad
sensible.
Producción en multitud que se basan en un modelo abstracto. Todo tiene los mismos
elementos pero si hacemos una foto para ponerlas en el catálogo ya sería otro nivel.
El Doríforo encarnaría una realidad inteligible inexistente: el canon.
La idea de cama no puede porducirse. Los artesanos producen ejemplares en cuanto al
modelo, pero al hacer esto indica que poseen un conocimiento.
Se trata de un saber práctico relacionado con el uso de los objetos. El artista no tiene esto.
Puede dibujar la cama pero no sus propiedades. En cuanto a un instrumentos: hay flautas
mejor o peor hechas, esto depende del conocimiento del artesano pero un artista no
puede crear una flauta. Aunque la represente, no puede crearla ni crear sus sonoridades,
lo cual no implica conocimiento sobre la flauta.
Son apariencias sensibles. Visión superficial.
Platón establece la metáfora del espejo: el espejo puede reflejar todo lo que le pongamos
pero sólo capta su apariencia sensible, no sus capacidades o propiedades.
¿Existe la idea de lo bello, por ejemplo, previa a todos los elementos bellos sensibles? Sí,
tiene un nivel abstracto y superior, previo a todo pues es el elemento verdadero. Es un
ente de razón que no depende de la creación humana. El humano sólo se encarga de
descubrirlo. La idea preexiste a lo sensible.
¿Qué hace ser una cama que no le haga ser un sofá? Sus elementos primitivos e
inteligibles que componen la idea. Entra en juego la eternidad de las ideas. Las ideas se
encuentran en el hiperuranio, lugar eterno, previo e inmortal.

Lo importante es la crítica a las artes imitativas. Artes que son meras apariencias y ficción,
son menos interesantes. No podemos ponernos los zapatos de Van Gogh, pero sí unos
zapatos sensibles.
El peligro está en confundirnos en las singularidades de las cosas. El pintor puede
representar todo aquello que puede ser real, pero copia la apariencia de una cosa que se
trata de una imitación de una ida, copia de la copia. El problema es que los pintores crean
sombras.
El público confunde los elementos producidos artísticamente con la realidad.
‘El busto de Sócrates’ no contiene la esencia de Sócrates. Suponiendo que esté bien hecho
sólo posee su forma física. Para aquello que le conocieron puede evocar al recuerdo de su
persona pero para los que no le conocieron no implica nada. Los retratados expresan con
su retrato que se capte su presencia física y ofrecen una idea a transmitir de su persona,
pero para Platón esto es negativo.
El último termino para Platón es que la realidad sensible es engañosa. Según veo algo de
lejos o cerca, varía. En la oscuridad o plena luz del día lo veré de una forma que quizás no
sea la suya. Nuestros sentidos no ofrecen la realidad. Se debería ver cómo en realidad es
pero nuestros sentidos deforman. No podemos quedarnos con la apariencia sensible. Los
amantes del arte nos perderemos, el doble en las obras artísticas pues nos dejaremos
llevar por los efectos ópticos y visuales de la obra. Desviación de la verdad.
Si queremos conocer algo no debemos creernos su representación Debemos basarnos en
sus medidas (peso, altura…) lo cual nos ofrece la verdadera cualidad del objeto. Visión
racional y matemática que nos permite encontrar el eidos de las cosas.
Platón distingue entre el arte que copia con el objetivo de gustar y aquel que va más allá
para captar el verdadero ser.
Los elementos subjetivos nos alejan de la realidad. La verdad se determina con la forma
pura.
Establece una ‘condena’ a la pintura y a la poesía. La poesía imita pasiones humanas.
Pintores y poetas, pueden parecer que saben pero en verdad no conocen nada. Quien
tome por verdad lo que representan, llevan al engaño y a la ignorancia.
Los poetas hablan de cualquier cosa. Homero nunca dirigió una ciudad o una batalla pero
sin embargo, las describe y organiza. Parece que tiene un conocimiento para la guerra
pero no.
¿Cómo vamos a dejar en manos de Homero la educación militar? Nos está engañando
porque sabe usar muy bien el lenguaje.
¿Cómo vamos a dejar que alguien dirija la ciudadanía si sólo sabe representarle?
Los poetas no son los legítimos educadores. Imitan relatos que incluso no pueden tener
referencia a la realidad, mera ficción. No conocen la virtud y la verdad, sólo seducen. No
apelan a la razón humana y no distinguen entre bueno y malo, justo e injusto…
El primer motivo de rechazo de los poetas es que nos enredan en artificios, quizás
enormemente placenteros, pero no aluden a la realidad.
En la medida de que la poesía se queda en la ilusión, no sirve. Es un placer del que hay que
desconfiar.
Estimula sentimientos que nublan la razón. Alejamiento de la virtud.

‘Todo arte imitativo hace sus trabajos a gran distancia de la razón […] No tienen ningún fin
sabio y verdadero. No contribuye a la formación de la razón. Es seductora, pero frívola e
incluso, peligrosa’.
-‘La República’.
Dan la pérdida de control sobre uno mismo. No buscan hacer mejor al oyente, apelan a la
parte que quiere descontrolarse. El arte es regresivo. La imagen de ser humano para
Platón se basa en la virtud que consiste en el control, en la ‘domesticación’ del hombre. ‘El
hombre es como un animal que debe someterse a la razón’. Tiene una opinión muy fuerte
y establece un régimen perverso del alma.
Destierra la poesía que no se atenga al elemento útil del culto.
La poesía homérica no nos conduce a los conceptos justos e injustos. Hay que reducir la
seducción del arte: hay que quitar cuerdas a algunos instrumentos para que no seduzcan
tanto.
Platón censura, expulsa a los poetas y deforma aquellos instrumentos que permitan
realizar arte.
*La filosofía es el conocimiento basado en la racionalidad por lo que se incluyen físicos y
matemáticos también.
*Platón no es pitagórico pero se acerca mucho a ellos, en cuanto a la inmortalidad del
alma e ideas, la racionalidad…

TEMA 7 – ARISTOTELES: EL ARTE COMO MIMESIS, ENTRE

EL PLACER Y EL CONOCIMIENTO
Discípulo de Platón. Estudio con el 20 años. Continuador que va a intentar llevar a Platón
mas allá de lo que había llegado él. Continuación del arte, sociedad y educación. Un
concepto de ocio nada que ver con el actual.
Conoce muy bien el arte de su época, que le convierte en el primer autor con estética en
la antigüedad, la poética. Hace un intento de teoría del arte. Responde a una emoción
donde Aristóteles esta intentando tratar un punto medio entre gorgias y Platón.
El arte tiene una esfera propia, unas leyes propias. La esfera del arte no puede ser la
soberana absoluta, sino que hay que conocer su ámbito.
El arte no va a ser considerado solamente algo irracional.
(libro VIII – la política) : arte, ocio y educación
La educación sirve a cosas útiles. Cultivo de la especificad el ser humano. Capacidad de
cultivar el alma, que le distingue de la mera animalidad. Hay un elemento mas allá de esto,
que también debe ser educar. Formas de disfrute y educación que incluyen la música y la
poesía, que permiten educar.
Nos educan porque ens aspecto técnico nos transmite, en el caso de la música, melodías y
ritmos. Además de educar, nos divierte, nos gusta, nos entretiene, hay una dimensión
lúdica que tiene que ver con un doble concepto de recreación.
DOS FORMAS DE RECREARNOS

 Paidía (diversión): relajarnos y distraernos de los quehaceres cotidianos del

trabajo o la subsistencia. “son una pausa en la pena”. Es una forma de diversión
atada al mundo del trabajo. No es mas que lo que nos permite volver a este.

 Diadogé: aúna placer y la belleza moral, es el cultivo de la dimensión humana en

nosotros. Es el privilegio de quien puede dedicarse al ocio.
Signo de excelencia. Dedicado a aquellos que no tienen la necesidad de trabajar. Exige una
forma activa de cultivarse a uno mismo.
Nos hace mas diferenciados y nos permite entender mejor las diferencias armónicas, y
esto, cmo algo que nos permita juzgar mejor gustos musicales. Este es su fin.
“El disponer de ocio parece ser la base misma del placer, de la felicidad y de la vida
dichosa.”

Existe un arte para aquellos que no pueden cultivarlo a causa de la necesidad de trabajar.
Y existe un arte dedicado a aquellos que pueden cultivarlo de forma relajada. No es una
división del arte, sino una división social.
La música y la danza es diversión fácil, reposo alegre y despreocupado. Es provisional.
La idea de cultura es una perfecta desnaturalización d elas desigualdades sociales. El
trabajo deforma le alma, lo incapacita para tomar virtudes. Le impide al hombre a
dedicarse a ejercicios de la virtud. El trabajo priva de ocio la inteligencia y la degrada. Un
arte libre y educado y un arte mundano.
Esta en juego aquí una división entre trabajo físico y trabajo espiritual, sin necesidad de
satisfacer ningún tipo de necesidad.
El arte requiere desigualdad social. Implica la exclusión de una buena parte de la
humanidad.
Una educación solamente con el objetivo de ser útil no es digna para los hombres libres.
También hay que educar la capacidad de disfrutar del ocio, disfrutarlo como un fin en sí
mismo. Debe darse a los hijos porque es liberal y hermoso, no porque sea útil. Ha de
cultivarse porque es preferible al trabajo. El fin del trabajo es vernos liberados de la
necesidad de la subsitencia. Pero, hay gente, encadenada a la necesidad de trabajar. El fin
del trabajo es la capacidad de disfrutar.
Pasar por alto esto desde una educación que se restrinja a aquello que es útil, excluye a la
sociedad que lo necesita.
Educar la mirada y el oído no porque sirva para algo, sino porque guste. No es su fin crear
profesionales, sino crear capacidad visual diferenciada de mirada.
La música debe cultivarse solamente en la juventud e infancia. Solamente aprendiendo a
tocar instrumentos podrán desarrollar el odio. Si se convierten en profesionales, solo
consiguen servirse a la servidumbre de su publico.
(libro: P. Bourdieu, La distinción)

Aristóteles dice que para tocar un instrumento:

- No debe ser en ningún caso un elemento que lleve a la profesionalización. Porque
los profesionales dependen del reconocimiento del publico.
- Tener la propia ley que decide sobre el propio gusto: autonomía.
- Debe ser algo que solo se haga de joven o de niño. Nos adiestra el odio. Placer
contextualizado.
- ¿Qué instrumentos se tocan? La flauta y la citara no son peligrosas ero son muy
difíciles. La flauta, además, debe evitarse tocarla, porque la flauta impide la toma
de la palabra. (como la tienes en la boca no puedes hablar, y no es conveniente).
Son instrumentos muy técnicos hay que usar unos mas simples.
Isegoría: capacidad de todos para tomar la palabra

Fundamento de la formación de la música (libro VIII): la música es un arte imitativo. Esta

siguiendo aquí a Platón. La música imita caracteres, formas de ser. En los ritmos y las
melodías, se dan imitaciones de caracteres y rangos morales que pueden ser positivos o
todo lo contrario.
La música tiene una capacidad para desatar pasiones de laque otras artes carecen, la
pintura no. El elemento estatico (el arte) dificulta la emotividad.

La catarsis esta en contraposición del valor educativo del arte.

Nos encontramos aquí ante una rehabilitación, puesta en valor, del arte de producir
emociones. Convierte este elemento emotivo, en algo intelectualizado. Sirve de alguna
manera a un equilibrio de las emociones.
Por lo tanto, es una via intermedia ente Gorgias y Platón, porque no quiere inflar las
pasiones ni eliminar cualquier sentimiento emotivo. Lo que hace, es mas bien, un rescate
de la emoción a través de la expresión artística en la medida que genera una experiencia
estética capaz de volver mejores a los seres humanos.
Catarsis significa purificación. Tiene una serie de implicaciones: Poner en claro, eliminar
aquello, que pueda contaminar la identidad originaria de algo. Como un agua purificada
de fango, el grano trillado, un lugar despejado y libre de estorbos, una purificación moral
de forma que se expile una culpa. La catarsis remite por un motivo donde hay una culpa.
Es una especie de significado medico. Relacionado con la funcion sicagogica del arte,
capacidad de influir. Permite un descargo de las pasiones. Es precisamente aquello que
desechaba Platón.
El arte no nos carga on elementos sentimentales que nublan nuestra capacidad de
emoción, sino que nos descarga del peso de la movilidad y nos permite un placer
enormemente beneficioso.
La búsqueda, necesidad que responde la música religiosa, es para dar salida a emociones
comprimidas, sensaciones que llevamos dentro. De que esas emociones no nos pesen, un
desahogo. (ejempl: música góspel). Reconocimiento de la capacidad el arte para convertir
a los seres humanos en mejores, una especie de exorcismo donde el alma se descarga. Los
cantos catárticos producen una alegría inocente, que no debe ser condenada. Es positivo.
La comedia: ¿por qué es catártica la risa en la comedia? La risa tiene un componente
violento. Lo convierte en un humor indoloro, una alegría inocente. El elemento del que
mas información tenemos es el vinculado a la tragedia. En la tragedia aparece un tipo de
placer catártico ante el que el público también se sobresalta, pero, de alguna manera, esta
mas intelectualizado que la música y la comedia. Podríamos decir, el placer que genera la
tragedia esta vinculado a la forma en la cual se crea esa imitación que en realidad es una
representación. Este tipo de catarsis tiene que ver con la construcción de una trama, con
como empatizamos con una trama.
Esto desata un miedo que viene con la vulnerabilidad humana, que le acompaña una
respuesta emocional. Una respuesta vinculada al elemento intelectual, de comprender lo
que esta pasando, entender la situación por la que esta pasando el personaje. Reflexión
sobre la propia fragilidad. Puede desviarnos de la tentación de caer en comportamientos
arrogantes, carente de compasión.
Es un carácter distinto de la emoción. Mas refinado y racional.
¿Qué elementos permiten que un composición poética este bien lograda? Capacidad de
conectar y mantener el interés del, espectador, de no dejar que pierda la intensidad del
contacto con la historia.
La poesía, el arte, y la música con artes imitativas. No se entiendo como copiar un modelo
(como decía Platón), son que es una forma de representación, que no son un reflejo ni
debe medirse por si se parece a la realidad, sino que debe medirse por su intelecto.
Vincular la poesía y la música con la pintura y la escultura, es decir, establecer un marco
para estar artes que han sido resumidas en un mismo marco.
¿Cómo imita la pintura? Con la figura y el color ¿la poética? Con el lenguaje ¿la danza?
Con el ritmo y movimientos ¿la música? melodias ….entonces, ¿en que se distinguen?
Distinción por los objetos de imitación, acciones, pasiones y caracteres. Imitan
encarnando aquello que imitan o exponiendo . lo que las distingue entre si son los medios.
Representa a través del lenguaje.
La representación de la realidad en el arte no indica su postura, del mismo modo que la
música y el teatro, si imita caracteres. Implica que la imitación nos enseñe un ámbito
general, o particular.
El arte imitativo produce un placer legitimo porque es intelectual y lo hace valioso.

Mimesis: Apaté: el engaño. El arte como un engaño. El espectador u oyente traza un pacto
con aquel que esta narrando. Ficción bien construida. Elemento de verosimilitud.
Elemento de catarsis, que tiene sus derechos. A esto deberían aspirar todas las artes.
Catarsis: ¿como legitima arsitoteles el placer estético? Tenemos un tendencia natural a
imitar. ¿de donde viene este placer estético? De un elemento de índole conceptual.
Reconocemos aquello que es imitable, y esto nos produce placer. ¿Qué se imita? Lo que
se reconoce son acciones, los motivos que llevan a las acciones

LA POESÍA Y LA HISTORIA
La poesía esta justificada porque produce un placer especifico, que cosiste en reconocer
elementos de la imitación.
Intento de salvar la poética. En una obra que esté bien hecha los elementos captan y
producen emociones en el espectador. La tecné igual. No hay que copiar para esto los
personajes, hay que representar una trama
Tenía una visión representativa. Lo importante no son los personajes sino la trama
La poesía es mucho más emocionante por tanto que la historia
La historia cuenta lo que ha sucedido y la poesía no tiene que narrar lo que ha sucedido,
sino lo que podría suceder. Narra aquello que podría suceder a partir de los caracteres de
los personajes
No es un saber contingente, capta lo verosímil, no se mueve en el ámbito personal sino
universal, los temas de la poesía son las pasiones universales humanas, analizar sus
modelos o parámetros
La poesía nos permite un conocimiento de las pasiones, es otra forma de conocer la
realidad
Hay que tener conciencia de que no es el ámbito de la verdad única, sirve para cosas
distintas
Cada obra poética tiene un propósito distinto, una buena obra es una buena
caracterización de los personajes dentro de una trama verosímil. La tragedia coge un mito,
se anudan unos elementos que la solucionan de manera que se desata una situación
dramática
Desarrolla las peripecias: cambio de signo en mitad de la acción, capta la acción, canon a
lo que se debe dirigir
La anacronis: el personaje toma conciencia de algo que se le era ocultado y cambia
completamente su forma de verloTodos estos son recursos al servicio del poeta, no
servirse de nada externo a los medios artísticos
Cómo se trabaja a partir de sus herramientas, propone Aristóteles, intenta hacer un
tratado sobre la techné del poeta
El poeta trabaja bien si produce a partir de sus medios específicos. Buena obra
Una buena obra de arte es aquella en la que no falte ni sobre nada
Todo el conjunto tiene elementos particulares pero no debe haber nada superfluo La
forma artística tiene que dar lugar a un completo
Reconoce que la norma que rige el arte es una norma que no rige en la realidad, reconoce
la especificad de una obra bien hecha. Crear emociones a partir de una ficción. La catarsis,
emociones legítimas dentro del placer, reconoce que el tipo de placeres que produce el
arte tienen un ámbito de reconocimiento.

TEMA 8 – LA ESTETICA HELENISTICA: PLOTINO

INTRODUCCIÓN PERIODO HELENISTICO
Aristóteles muere en el 322 a. c y hay un discípulo, Alejandro Magno, famoso por sus
conquistas, intento de expandir la política griega creando una civilización que marca este
periodo hasta el 313 d. C. El helenismo no es un periodo revolucionario, pero es un paso a
un mundo nuevo, están vinculados a las conquista de Alejandro magno.
La discusión sobre la belleza reconoce poco la autonomía del arte, no se acerca con
muchos autores a esto, es algo vinculado a la verdad, la virtud y el orden del cosmos, pero
en el helenismo va a haber tratados de pintura, escultura, tratados de las artes
El arte no era considerado como un ámbito específico. El arte como representación de la
realidad con la artes imitativas y la creación, solo Aristóteles habla de esto.
El interés de la idea de creación. El arte debe regirse por las leyes más que inventar sus
propias leyes, como la música, por eso, la idea de que el mundo tiene sus leyes y el arte es
una creación es lo que dice que el arte esté vinculada con las matemáticas…
Expone cómo se entiende el arte, decadencia política de Grecia, que es una potencia
cultural: artística y filosófica. Forma unidades políticas muchas más amplias: macedonia,
Egipto, siria y pergamo, que viven su importancia y su ocaso, decaen porque realmente lo
que tiene importancia y el surgimiento de roma
Pasa a ser roma a ser el imperio de occidente que somete al mundo conocido, entra en
decadencia al final de este periodo. El elemento que sustituye a roma cuando entra en
decadencia: cristianismo (380)
El cristianismo da paso a la edad media
Tiene dos grandes fases el helenismo:
1. hasta la conquista de Egipto en el año 30 a.c
2. hasta la cristianización del imperio romano por Constantino
Es un periodo en el que grecia tiene una función cultural muy importante pero NO es el
centro del proceso. La cultura helénica es cuando grecia se aislaba llamándose a si mismo
como griegos y a los demás bárbaros
La cultura helenística es otra cosa, la expansión de la cultura griega para que deje de ser
una cultura local, con las expansiones de Alejandro Magno. Pasa a ser una cultura
universal. Proceso sin antecedentes. Grecia será una provincia débil con una cultura
dominante
La lengua griega: komé, vehículo del saber en todo el mediterráneo incluso hacia Asia.
Cultura elaborada en Grecia que se expande en todo este mundo que va a exportar un
modo de entender la civilización, somete Grecia también a la influencia de las culturas
orientalizantes
Alejandría iba a ser importante como potencia filosófica
No hay diferenciación entre que es griego y que es bárbaro porque todos aceptan los
ideales de los modelos de educación helénica, cualquiera que se funda en esta cultura,
tiene que ver con una aculturación
Ecúmene: mundo unificado con una sola cultura, escenario mundial.
Se generan escuelas de retórica con los valores forjados en Grecia, idea de la filología:
conservación de obras críticas, preservar los textos originales evitando su deformación,
cultura grande que hay que salvar como un acervo cultural
Se referían a los bárbaros como esclavos por naturaleza, algo que deja de verse así
Las bases de esa cultura pueden ser compartidas, pasando a ser estos aquellos que no son
civilizados.
Sienta las bases Alejandro quitando la barrera entre griegos y bárbaros con una
hermandad en su cultura que provoca un cosmopolitismo
La organización de la comunidad política cambia por los territorios extensos, poblaciones
muy grandes, las ciudades pasan a una cierta irrelevancia
Las comunidades políticas son verticales y universales y crecen las desigualdades sociales
con el periodo de crisis se desestructuran los vínculos sociales. Los pobres están
abandonados a su suerte
Implica un cambio muy fuerte y cada vez los ideales que se refieren a todos dejan de
aspirar a toda la población. Afectan al arte, deja de ser el patrimonio de todos los
ciudadanos, pasa a ser un privilegio, en la medida que Alejandro hacia oriente va
descubriendo materiales preciosos para producir obras artísticas, arte como patrimonio
de los ricos
Esto cambia el rol político del arte, desaparece, deja de tener una función pública, en
occidente hay un surgimiento de la república romana
Roma desarrolla un mundo propio, Roma es famosa por sus carreteras, sus acueductos…
el latín poco a poco sustituye al griego
En Roma el carácter e la economía son distintos. Vinculada al saqueo, impacto sobre al
arte ya que no tienen acceso a él. No tienen relación sobre la cultura y muy pocos de ellos
lo cultivan. Grecia seguirá siendo la que tiene más acceso
Roma tiene una cultura que busca rodearse de lo colosal.
La literatura en el helenismo es más marcada a la erudición, separado del público
mayoritario, público instruido, es un arte de evasión: géneros pastoril y bucólico, por el
desencanto del modelo político
Abre ventanas hacia mundos
En las artes plásticas hay colosalismo, lujo. Roma en el s I va a dar lugar roma sus primeros
autores: Horacio, plineo, cicerón… son obras en latín que tienen aportación al ámbito de la
estética que sistematizan este saber, aplica desde un conocimiento de las tradiciones
Los cambios son en los modos de vida y la representación, se pasa del intento de explicar
el mundo o la realidad al intento de explicar cual sea la realidad en crisis al salvaguardar
una buena vida, vida feliz. Los individuos pasan de sentirse ciudadanos a súbditos de
monarquías absolutas, el destino de la vida pública no está en manos de los ciudadanos
La filosofía se pasa a retirar al cultivo del ámbito privada, ámbito de felicidad en un mundo
que se desmorona. Las emociones pasan a segundo plano
PLOTINO: neoplatónico que no es representativo de todas las representaciones pero hace
aportaciones significativas
Búsqueda de la eudaimonia. Esto responde a que la importancia que había tenido la
filosofía, se ve sustituido por entidades mas grandes. Buscar un ámbito de independencia
para que los individuos lleven su vida. Tiene que ver con la educación y las normas civicas,
que pasan a segundo plano.
Uno de los elementos con mas fuerza aquí es el dinero (tyché). Una divinidad imprevisible
que sustituye a los antiguos dioses.
No cuentan tanto las virtudes civicas, la racionalización..Esto pasa a segundo plano. Ya no
es un ciudadano bien formado, sino un funcionario. Un soldado va a ser sustituido por un
mercenario. Sabio despreocupado de los asuntos públicos. Momento de crisis de la vida
pública. Que tiene que ver la belleza y el arte con el orden del cosmos.
El arte va a aparecer aquí como un arte de escape, de evasión. El destino del sabio no es
el de un sabio político, sabiol, sino de un sabio apolítico. No dejarse llevar por los reveses
que va a traer consigo la vida publica.
El sabio se dirige al individuo y entiende que la comunidad a la que se dirige ya no es su
ciudad, sino que va s ser la comunidad el mundo, para todo el genero humano. El saibó se
siente miembro de una comunidad sin fronteras.
Se busca recuperar para el idividuo aquello que se ha perdido en las comunidades. La
autosufiencia, la libertasd e acción, la utarquia.
En este momento, las ciencias progresan muchísimo. Sin embargo, los filósofos creen que
estas ciencias carecen de una visión integral. Buscan plantear una visión global de que la
conciencia que se ha perdido era el bienestar y los patrones para ajustar la conduta que
diferencia de un comportamiento adecuado a uno inadecuado.
Se ha perdido la tradición, las creencias, etc. La filosofía se va a plantear aquí como un
saber de salvación. Como dar sentido a mi vida, como atenerme a algo. Por eso, hay
numerosas escuelas filosóficas que tienen carácter de grupos religiosos, casi de sectas.
Se entiende sobre todo como un fármaco. La falta de valores convierten al filosofo
portavoz de una verdad distinta.
El filosofo ya no es alguien que busca la verdad, ya no busca el saber. El filosofo es el que
tiende a la sabiduría. Vision y cosmovisión de la vida que puede ofrecerle a otros.
El filosofo predica una verdad consolidada, que funciona com una doctrina de salvación.
Su ideal no es investigador, sino libre autárquico y feliz.
Esto tiene que ver con las escuelas filosóficas. Que ofrecen cosmovisiones, visiones del
mundo. Estas escuelas van a sser neoplatonismo, neoaristotelismo (desarrollo cintifico) y
las nuevas escuelas: epicureísmo, estoicismo y escepticismo.
Estas escuelas tienen que ver con un ideal de vida sin influencia política. No busca regular
los asuntos de la comunidad, sino modos de vida para encontrar la felicidad, que la vida
publica ya no ofrece.
Se fundan en el helenismo, en griego, y con el paso de los años, pasan al latín.
En roma se dara luego la escuela ecléctica, su principal representante Ciceron, unir las
escuelas en un saber que permitiera dar cuenta en los avances de moral y concepción de
lo bueno en todas ellas.
En la medida en la que buscan una visión del mundo coherente. Las dos principales son:

 la epicúrea (escuela hedonista. La virtud es cultivo del placer. Buscan evitar el

dolor y el sufrimiento . centra la virtud en el placer). La belleza no es mas que una
froma de placer. Si el placer es una paz interior, el arte puede intervenir poco a
esto. Es una visión ascética. Esto les lleva a minusvalorar el arte y la belleza

 la estoica. Seneca. (importancia de la razón. Libertad interior, imposibilidad de

mantenerse impasibles al destino). Ambas escuelas buscaban ofrecer recetas para
alcanzar la felicidad a través del conociemiento en un entorno represivo y
oprimente. Buscan el cultivo de la interioridad. Se desentienden todos ellos de la
felicidad colectiva, porque entiendesn que es un lastre. La iunica preocupaion es la
autonomía, la independecnia, la utarquia, la autosuficiencia. El estocismo tuvo
relevacncia importancia porque no era religión popular, buscaban no tanto
cultivar la felicidad, como influir en la vida social desde una confianza en el oder
de la razón, la libertad del ser humano, etc. El valor moral debe defenderse.
Confianza en el ser humano pero sin el poder publico. No les interesa la belleza
sensible (arte) sino la belleza moral. Su idea del mejor artista va a ser la
naturaleza.
Introducen la importancia de la fantasía como capacidad creadora. Artista como un ser
con capacidad creativa, que pronto va a desplazar el concepto de mimesis. Los estoicos
sigues distinguiendo las artes de una forma tradicional, en función de su requiere esfuerzo
físico o no.

El sabio se libera de su entorno, a través de un egoísmo positivo, para conseguir una vida
buena.
Pretenden responder a todo con serenidad de animo. Los estoicos hablan de
impasibilidad.
Lo que permite entender estas escuelas es una fase de transición. Todavía no ha surgido
no se ha impuesto un nuevo ordenamiento de la vida publica que ella no va a tener el
mismo carácter y que si va a ser una doctrina de salvación, que es el cristianismo. Es una
búsqueda de una sociedad al margen de los social.
Derrota de la confianza en las capacidades del ser humano frente a la impotencia de la ,
un poder divino que se revela, una verdad relevada.
En conclusión, tenemos muy poca reflexión en el arte en general, lo que mas hay es
Aristóteles con conceptos como catarsis y fantasía. Lo aplican a la poética, y al resto de las
artes. Hay una serie de estética, aplicaciones de las distintas escuelas, y estéticas de arte
especificas. Es una época que sistematiza, pero no es una época en la que se avance
mucho sobre la reflexión del arte.

PLOTINO
Donde hay un mayor avance es Plotino, siglo III (escuela neoplatónica). Asume muchas
cosas de la escuela de Platón. Filosofo idealista y mística. Introduce la idea de una trinidad
creadora e inteligente. Va a desarrollar una estética que luego será apropiado por el
cristianismo. Mucha influencia en la edad media.
Nace en Alejandría, Egipto y muere en Italia. Representante de un nuevo platonismo.
Tiene todavía sus pies en la antigüedad pero ejerce una filosofía escolástica y cristiana
trascendente.
El cristianismo va a rechazarle por pagano. Van a adoptar sus ideas pero rechazándole.
El continua el pensamiento de Platón, con una serie de innovaciones, sobre todo en como
se entiende, lo que justifica el mundo no corporal. Utiliza matices diferentes.
Se une a el, el pensamiento racionalista de Platón con religiones místicas como el
cristianismo. Desde le punto de vista de su producción, escribió 54 tratados. La primera de
ellas son sus escritos a la belleza.
Para entenderla, lo fundamental es acordarse de Platón: el mundo que da cuerda a
nuestros sentidos no es real, sino el que esta mas allá del cielo. Plotino dice que el mundo
corporal es efectivamente un mundo que no es el autentico, y coincide con Platón en que
el acceso al otro mundo podemos tenerlo a través de una mente liberada. Busca acceder a
una transcendencia que proviene de la capacidad creadora de una entidad inteligente,
una especie de divinidad, el noûs. El mundo físico es el mundo de la corrupción. Va a tener
mucha influencia.
Manqueismo; idea de que existe un principio del bien y un principio del mal. Todo aquello
imperfecto, que no es luz, corpóreo. Es la iniciación del mundo de las ideas y una fuente
de degradación.
Aquello que merece la pena del mundo, viene de como se plasma, la materia inteligible.
La belleza es el resplandor sensible de las formas puras, de lo inteligible.

Plotino va a decir que no es suficiente, que no es adecuada. Que aquí no esta la

explicación ultima. Contraposición de dos mundos distintos.
Lo bello es aquello que explica la razón divina del mudo. Comprender el mundo como
belleza significa ser capaz de captar en lo sensible la idea que lo sostiene, que implica
conducirlo a su principio divino del que proviene.
Esto permite entender la multiplicidad.

Critica a la belleza como simetría y proporción. Debe hacer un principio unitario en la

belleza. La belleza, mas que una proporción, tiene que ser una cualidad. La proporción no
seria la causa de la belleza, sino uno de sus efectos. La belleza deriva de un rasgo unitario
que no esta en la metrica, sino en la forma, es un componente inteligible. Deriva de una
realidad espiritual.
Es corrupción, es degradación, pero se hace bella al configurar una idea. Esto permite
entender que hacer que algo sea bello.
La materia es la fuente de toda corrupción, a no ser que trasluzca algo inteligible, una
figura unitaria que la confiera una forma. Esto permite hablar de belleza, nos permite
descubrir la raíz espiritual de las cosas.
TEMA 9 – LA ESTETICA EN EN EL MEDIEVO (completar)
EDAD MEDIA
Nos enfrentamos a que la Eda Media es una época muy larga. Hasta el siglo xv no se
acaba. Son 1.000 años de oscuridad. Es un milenio largo porque es muy difícil entenderlo
como unidad, porque pasan muchas cosas.
Esta época esta entre dos de esplendor: la antigüedad y el renacimiento.
Decae la alfabetización.

Esta visión de la edad media no es adecuada, puesto que si que ocurren cosas. Se
constituye aquí Europa. El Mediterráneo va a ser muy importante, porque se conocen
civilizaciones, cosas…basada en la cristianización. Caída del imperio romano.
transformación de la cultura seguido de la época de Alejandro Magno. Se pasa de una
cultura urbana a una rural. Economía industrial. Peste.
Es un modelo e civilización que tiene su matriz en la cristianización de Europa, es decir,
Europa no va a ser algo ya cristianizado, sino que es la fuerza activa que mueve este
periodo. La religión tiene un papel importantísimo. Se relaciona con la salvación del alma,
y busca constituirse como poder hegemónico. Papado como forma de poder político.
Se admitían distintas ordenes (ej, franciscanos) mientras fuesen capaces de unirse a la
legión.
Importancia del latín culto y un latín vulgar. Centralidad el texto bíblico. Cultura libresca,
de comentario de texto que son fuentes de autodidacta. Es una cultura sumamente
erudita.
Esto se refleja en el arte, con elementos implícitos que no tienen que ver con el dogma de
la iglesia, por ejemplo.
No hay un particular desarrollo de lo estético. No hay una visión estética del mundo como
en la antigüedad griega. Las obras de artes no son obras de placer estético, sino que están
orientadas a mostrar el culto a lo religioso. El arte tiene un papel poco autónomo,
prácticamente funciona, basado en las exigencias religiosas.
¿Qué no es la Edad Media? imágenes estereotipadas de este periodo problemática. Tiene
dos lados: un periodo oscuro y un tiempo que destaca por su construcción de
monumentos.
La monarquía se construye por oposición a la Edad Media.
Periodo e barbarie, falta de gusto estético, que no ocurre nada que merezca ser
mencionado. Periodo insuficiente sobre el que se alza la monarquía. Esto construye una
visión peyorativa, basada en un desdén.
Por otro lado, es la época de las catedrales, el romanticismo, época erudita, elementos
hermosos (recuperación del gótico.)
Esta en juego aquí el rechazo de una sociedad que se esta imponiendo basada en la
ilustración que se ve como un periodo de caída frente a la modernidad.
Esto es lo que construye esa visión de la edad media, que no tiene nada que ver con lo
que ocurrió realmente.

Una visión más ajustada: espacialmente y temporalmente. La edad media es una

civilización europea, es decir, es eurocéntrico. Escisión del imperio romano de oriente y
de occidente (395). Se alimentan de la herencia antigua y sus desarrollos. No cae Bizancio,
pero en occidente, se crea un nuevo modelo de civilización, la cristianización (padres de la
iglesia y San Agustín). Genera una civilización continente.
Lógica de la cristianización vinculada a diferentes procesos. La huella que deja en la
península ibérica, que fue un periodo de conquista. También se construye por oposición a
un enemigo externo (las cruzadas).
Creación del camino de Santiago, que tiene que ver con un modelo colonizador que
genera unidades territoriles y políticas.
Esto es lo que marca la edad media europea.

Periodización: tiene un elemento de construcción. El comienzo de fecha según la

cristianización del imperio romano, la caída del imperio romano o el cisma entre ambos
imperios. Cualquiera de estos momentos (siglo iv-v) son validos. Quizá el mas empleado es
la caída del imperio romano (476). Terminaría con el descubrimiento de América en 1492.
Esta periodización tiene rasgos perturbadores. Los movimientos son paulatinos y no se
cumplen en todas partes igual: guerras de religión europeas.
La modernidad no despunta hasta el siglo xvii.
  Renacimiento carolingio: Necesidad de fijar la biblia a una reforma de la escritura.
Textos de los padres de la iglesia para evitar que se adultere. Que permita
establecer las injerencias de los textos. Se sientan las bases de la civilización
cristiana. Silos viii y ix.

 Renacimiento siglo xii: enorme importancia del saber y la cultura. Filosofía y

teología. Vuelta masiva a las obras de la antigüedad, fundamentalmente latín.
Implica un cambio en los modos de vida. Ciudades como centros culturales.
Creación de universidades. Surgen escuelas laicas, no solo compuestas por gente
dedicada al sacerdocio. Tiene lugar la literatura poética cortesana y caballeresca.
Comienza a aparecer la novela, con un contenido profano y con elementos
corteses y cantares de gesta.
Surgimiento de una cultura que va a apuntar mas allá de los estrictamente religioso.

 Renacimiento siglo xv-xvi: marca un cambio de época pero no de civilización.

División de una alta y una baja edad media, que tiene que ver con la separación de
una cultura monástica (silo vi-xii) y una cultura vinculada a las universidades.
Surgen los monasterios en el sur de Francia y van yendo hacia parís, Italia… surge aquí una
cultura monástica vinculada a la cultura pagana.
A partir del siglo xii interés por los clásicos latinos y ampliación de ciencias y autoridad que
cabe estudiar. Ampliación del saber que ha de conocerse.
Esto concluye con una nueva vision del arte.

En el modo del que ellos usan a los sabios de la antigüedad, no se limitan a recibir sus
obras leyéndoles en el plano religioso sino en el saber científico
Sxiii no se centran en un saber moral al leer a platón, a Virgilio… son obras científicas, la
fuente de un saber especializado
Es interesante y útil ocuparse de los saberes de la iglesia pero los sabios de la edad media
nutren ya que cobran un significado distinto
A partir del sxii hay una serie de materiales de un sabio para saber destripar la antigüedad
ARTE
Las artes liberales y no liberales se siguen llamando así, no hay un concepto de las bellas
artes
Entre esas artes estarían trívium la dialéctica, la retórica y la gramática..
El quadrivium aritmética, geometría, la astronomía y la música.
No buscan repetir a los antiguos sino volver a ellos para ser más fuertes que ellos. Santo
Tomás de Aquino hace una innovación fuertísima pero dice volver a Aristóteles
No hay un Aristóteles ni un platón, pero se apoyan en ellos para ver más lejos

SABIO
El sabio pensaba sobre el buen gobierno de la ciudad, buscaba no como en el helenismo
estar unidos a la visión del cristianismo de la cultura medieval. A partir del sxii y xiii son
sabios urbanos
La cultura monástica es una cultura que da la espalda a la verdad
Es un saber cada vez más autoreferencial, se encierra en un monasterio, de biblioteca,
hace que el conocimiento se haga más erudito.
Tenemos sabios separados de la realidad y un mundo separado de la cultura, no
alfabetizado en la mayor parte más allá de la iglesia ya que la iglesia hace las veces de
cultura
A partir del sxii y xiii empiezan a formarse distintas formas de culturas populares. La
poesía: la juglaresca, la sátira, la crítica… es llamativo porque al intentar cristianizar esto,
es una manera de llegar al pueblo y contar con cantos y poemas algunos de los preceptos
que transmite la iglesia
El público debe estar entretenido, se buscaba trovadores que transmitieran y se jugaba
con los significados litúrgicos con momentos eróticos y cómicos. Es una manera de
vehicular a través de imágenes fáciles
El arte es en muchos sentidos un vehículo a quien dispone la cultura. Esto es lo que marca
la dificultad de esta época
DIOS Y ARTE
Dios es el artífice del mundo
Se da crédito al dios del génesis, el mundo existe porque dios ha querido, no hay una
preexistencia
No se crea la materia. Tiene repercusiones importantes a cómo se entiende la belleza
El cosmos no va a ser algo mágico ni sagrado, ahora al mismo tiempo el mundo adquiere
valor en correlación con su artífice
El mundo tiene un significado que va más allá de lo sensible, dios pone su sello por tanto,
para poder revelarse a nosotros ha tenido que esconderse. Un terreno simbólico. Es en la
edad media cuando se descifran esos símbolos superpuestos—juego
Lo que captan nuestros sentidos son alegorías que hay que desencriptar
La rosa significa la sangre de los mártires y tiene espinas, simboliza el derramamiento de
sangre pura e inocente. También significa el amor físico, simboliza también la discreción
de la borrachera del vino. Todas estas pueden usarse para jugar con ello y esto solo puede
jugar los sabios. Esto lo hace interesante
Esta forma alegórica es importante en el arte y en el mundo como obra divina, dios ha
creado el mundo a su imagen y semejanza y el mundo se convierte en algo que nos puede
hablar
Fernando arrabal: el mundo es un libro escrito por el héroe dios..
A partir de lo visible llegas a los suprasensible—vinculado a un mundo en el que lo visible
es un símil—hay un principio de semejanza pero también de diferencia al no llegar a la
perfección de dios.

BELLEZA
La belleza como proporción y la belleza como luz

Importante para ver la idea de la belleza unida a la verdad y la bondad, ya que la verdad es
revelada y esta es bondad
La belleza es fundamentalmente inteligible/interior/del alama pero al mismo tiempo con
matices de belleza sensible ya que en el mismo mundo no puede no haber belleza.
Reconocer en el arte los signos de dios.--- por eso son hermosas las cosas, placer no
estético
En el arte y en el cosmos es el reflejo de dar cuenta de que participa
El concepto de la belleza como no ser en sí mismas sino porque han sido creadas por dios
La belleza material lleva a que nos interesemos en remontarnos al orden que dios ha
creado. Se apoya en una noción platónica y neoplatónica
En el arte de la edad media se introducen cosas que no había, imágenes de sufrimiento,
monstruosas… parte del cristianismo representa a cristo con un sufrimiento que no puede
representarse desde el canon de la belleza griega
No hay una representación específica, la belleza es el cuerpo mortificado, llamativo al
salirse de lo clásico, la reflexión estética va por detrás de este ya que la referencia actual
no quiere enfrentarse a sus parámetros que le sorprenderían
La belleza como proporción recupera la consonancia con el mundo y la resignifica con el
hecho de que dios recompone todo en su orden, es una pluralidad en un todo armónico
Necesidad de la confluencia
Hay una novedad con la estética antigua: hay un orden bello del mundo que remite a una
multiplicidad de cosas, el orden del mundo es un orden de cosas distintas pero su creador
solo puede ser uno, dios. El orden del mundo y el creador mundo es algo separado ya que
dios no pertenece al mundo

La luz: El saber, la belleza…. Como algo contrario a las tinieblas, dimensión metafísica,
rasgo definitorio de este momento. Es etérea e impalpable, lo bueno no es algo sensible,
deben liberarnos de ello. La luz nos remonta más allá de él El elemento en el que cobra
importancia
Tiene que ver con el gótico ya que surge vinculado a una necesidad de dar lugar a una
espiritualidad que dé lugar a una luz El gótico va ganando color, vidrieras…

 El arte cluniacense: La belleza material es la que nos lleva más allá de lo sensible,
no hay que rechazarlo ya que son cosas preciosas. Puedo liberarme. Las riquezas
El paso por las riquezas sensibles es indispensable

 El arte cisterciense:Influyente, respeta al anterior pero se posiciona distinto, la

belleza excesiva en las catedrales desvían la mirada de lo que de verdad importa.
Busca una simplicidad absoluta, que nada distraiga, significativa de dónde se da el
juego
La creación artística nos remonta a dios, arquitectura gótica. Lo que es importante es el
juego ambivalente del dios creador ya que el mundo aparece como una obra
arquitectónica
ARTISTA Y NATURALEZA
Todo aquello que parezca como nuevo va a aparecer como una ruptura. Apelar a la
novedad era una provocación. Por ello, los creadores no se presentaban como creadores,
sino como imitadores. No se presenta algo nuevo, sino que retoman ideas antiguas.
(Tomas de Aquino, por ejemplo, da una vuelta a Aristóteles). Permite regresar a fuentes
incorruptas.
No hay una exaltación del artista. No crea el artista, cuando crea imita e imita la
naturaleza. La naturaleza está perfectamente hecha, tiene un propósito. Esta idea es que
se imita pero nunca puede ser como ella, el arte siempre cojea detrás de la creación
divina. Des virtualización del arte.
El arte va más allá de los sentidos y transmite la cultura hegemónica, la arquitectura juega
un papel ya que se busca el impulso de las alturas pero también es importante en la
escultura y la pintura. El acceso a las imágenes era algo muy poderoso

ARTE Y CULTURA
Enorme importancia. Forma comprensible a eventos morales que impregnen, las
imágenes en el arte era dentro de la cultura hegemónica un juego.
Los grandes autores están vinculados a esto. Tapices de la dama y el unicornio:
representacion de los 5 sentidos, y un sexto sentido oculto.