HISTORIA DEL ARTE I

1º Año “Profesorado de Artes Visuales”

Trabajo Práctico N° 5
“Arte Renacentista”

Profesor: Guanes, Daniel.

Alumna: Cuellar, Sofía Milagros

Cohorte 2023
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1º Año “Profesorado de Artes Visuales”

QUATTOCENTO

1.A). La burguesía en una clase social, que proviene de la Edad Media, empleada para
referirse a los habitantes “burgos”: partes nuevas de las ciudades medievales en las que
predominaba esta clase media dedicada al comercio. A diferencia de los aristócratas,
los burgueses no poseían títulos nobiliarios, pero llevaban un nivel de vida muy
superior al del campesinado.
La aparición de esta clase social, fue fundamental para la transición del sistema feudal
al moderno. Esto se debe a que los burgueses no estaban sujetos a ningún señor feudal,
pero si acumulaban sus propias riquezas monetarias volviéndose así de aluna manera
“poderosos” e independientes del claro y la aristocracia.
La burguesía estaba formada por comerciantes que poseían talleres en los que trabajan
artesanos humildes. Esta clase impulso nuevas reformas en la forma de vida y en las
costumbres que terminaron con el sistema feudal.
Uno de los conflictos principales era la falta de circulación de dinero y las monedas
variaban de un pueblo a otro. Los comerciantes se organizaron en “gremios” de
mercaderes, que unificaron la moneda, construyeron bodegas para almacenar las
mercaderías y crearon bancos para guardar las ganancias, además de que tenían total
control de las rutas comerciales y la distribución de los productos.
Sus actividades mercantiles fueron adquiriendo importancia en la sociedad
renacentista, ya que a diferencia de los nobles su poder no dependía de la cantidad de
tierras y siervos que poseían sino del capital que poseían para hacer negocios.
Las ciudades-Estado italianas fueron un notable fenómeno político del norte de la
península itálica entre los siglos X y XV, por el cual las principales entidades políticas
de la Italia septentrional, durante la Edad Media, eran ciudades de reducido territorio,
pero elevado poderío político y financiero.

b). El Renacimiento intentó recuperar los estudios y las artes que habían sido tan
importantes durante la época clásica: como la filosofía, matemáticas, arte y la poesía.
Este movimiento cultural estuvo impulsado por la burguesía, quienes desarrollaron
sus vidas en la ciudad. Esto los convertía en una clase culta y refinada que se interesaba
por el arte y la cultura.
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Es por ello, que utilizaban parte de su dinero para impulsar
proyectos artísticos o financiar la carrera de un artista. Esto los
convertía en los mayores coleccionistas de arte de la época y se los denominaba
“mecenas”.
En el marco del Renacimiento, el término mecenas era comúnmente asociado a
aquellas personas adineradas que tomaban bajo su protección y patrocinio a
jóvenes artistas carentes de recursos económicos. Esto último con la finalidad de
apoyar el avance del arte y la cultura renacentista en la Europa occidental del siglo
XIV.
De este modo, surge la necesidad de apoyar el arte ya que esto les permitía a los artistas
participar de las “cortes” en donde conseguían no solo contacto con la alta sociedad,
sino que también se patrocinaban.
Los gobernantes de las ciudades como los Médici en Florencia y los Gonzaga en
Mantua buscaban ser representados a sí mismos y a sus familias como exitosos; por lo
que presentaban un gran interés en que se los asociara, por ejemplo, como héroes del
pasado, reales o incluso mitológicos. En este marco, el arte adopta diferentes temáticas
tanto en la pintura como en la escultura. Teniendo en cuenta el surgimiento del
humanismo, el hombre cobra un rol protagónico, presentándose como figura principal
en las obras, estas se caracterizan en gran parte por resaltar el desnudo, tema que, desde
el punto de vista religioso, podía representar el pecado y obscenidad.
Es por ello, que las representaciones varían de lo sagrado a lo secular, ya que sus
temáticas no estarán tan focalizadas exclusivamente a la religión a pesar de que las
figuras como los pontífices y la iglesia lo deseasen así.
c). la reform de la iglesia católica tiene se relaciona con el movimiento religioso que se
produjo en Europa durante el siglo XVI y que tuvo, como principal consecuencia, la
aparición de las iglesias protestantes y, por consiguiente, la ruptura de la unidad del
cristianismo occidental.

d). Durante el quattrocento (primer periodo del Renacimiento, desarrollado en el siglo

XV, que tuvo como centro cultural la ciudad de Florencia) surgen las primeras reformas
sociales reflejadas en el cambio de pensamiento, reemplazando el teocentrismo por el
humanismo. Este importante avance, permitió que el arte adoptara un nuevo carácter
influenciado por los principios de los modelos artísticos de la antigüedad, es decir,
basándose en parte en el canon clasicista griego y romano.
Los artistas, retomaron las figuras simples y armoniosas, y rechazaron la excesiva
decoración del gótico. Esto a su vez, garantizo la presencia del hombre como centro
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del arte, marcando así el interés por representar un ideal de
belleza. De este modo, la figura de los pintores, escultores y
arquitectos ya no se limitaba a la de un simple artesano en un taller, sino que ahora los
artistas eran reconocidos públicamente (razón por la cual firmaban sus obras) y
buscaban la fama, asimismo nace “el taller del maestro” (lugar donde los artistas
recibían pedidos de los clientes).
Su formación en las artes abarcaba e integraba otras disciplinas como la ciencia y la
humanística, ya que con ellas podía comprender otros aspectos del hombre como la
anatomía permitiéndole trabajar la proporción, entre otras cosas.
Las influencias del humanismo le dieron una nueva visión al arte, tomando al humano
como centro de interés y papel principal en la obra, pintándose fundamentalmente sin
importar lo que quisiese representar. Este cambio de pensamiento, le dio origen al
antropocentrismo.
Este periodo llega a su fin en los años 1492, por a la huida de muchos de los artistas
provocados por el teocrático Savonarola (un predicador italiano) que protestaba en
contra del poder jerárquico de la iglesia creando la “hoguera de las vanidades” en donde
todas las pertenencias de lujo que representaran poder tenían que quemarse y además
por la muerte de Lorenzo Médici, quien tenía bajo su protección a muchos artistas.
E). CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA RENACENTISTA DEL
QUATTROCENTO:
 En disciplinas como la arquitectura de modo general, se diseñaron edificios
religiosos y civiles adaptados a la medida del ser humano, teniendo en cuenta
este aspecto y de la toma de elemento arquitectónicos griegos, el renacimiento
no busca la monumentalidad como en épocas anteriores. Algunos de los artistas
más importantes de este ámbito son:
• Brunelleschi y su obra “La Cúpula de la catedral de Florencia”.
• León Battista Alberti y su obra “La Fachada de Santa María Novella”
(Florencia).
Los edificios buscaban la perfección y por sobre todo la simetría, para ello se
basaban en cálculos matemáticos logrando obtener de esta forma la máxima
armonía y proporción.
Al ser el hombre como centro, las medidas de arquitectónicas se redujeron a
nivel de escala humana, por lo que las plantas de los edificios además de utilizar
formas geométricas básicas como el cuadrado, rectángulo y circulo, se basa en
la concepción espacial de la estructura tratando de lograr una regularidad
geométrica.
Se retoman elementos de ordenes clásicas antiguas como las columnas (en
especial la jónica y las compuestas), ya que esta primera representó la feminidad,
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y, por lo tanto, las columnas solían ser esbeltas, mientras

que el capitel (el coronamiento de la columna) estuvo decorado con volutas. El
compuesto, tal como lo indica su nombre, fue una mezcla de las órdenes jónicas
y corintias, por lo que el capitel combinó las volutas con las hojas de acanto.
Además, el típico arco ojival, que caracterizó al gótico, fue abandonado, y en su
lugar se volvió al arco de medio punto.
Se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en algunos
casos son almohadillados. Al ser construcciones de menos altitud, los muros son
retomados ya que el peso es menor al que se proponía en el gótico. Y, además,
se emplean las bóvedas de arista o de cañón, aunque es la cúpula la solución más
representativa ya sea para cubrir partes del edificio o el edificio entero. También
se utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer decoradas con
casetones.
ARTISTA: Filippo Brunelleschi

Inicia su actividad artística como orfebre y escultor.

 1401: Concursó para fundir las segundas puertas del Baptisterio de
Florencia pero fue derrotado por Ghiberti.
 Marcha a Roma, junto a Donatello, con el propósito de estudiar de cerca
la estatuaria clásica, pero las ruinas de la Ciudad Eterna cambian su
vocación hacia la arquitectura, entregándose desde entonces a este arte.
 1418 Nuevo concurso: construcción de la CÚPULA DE LA
CATEDRAL DE FLORENCIA. El veredicto de los jueces es ahora
diferente y se alza vencedor.
 Aunque no desconocida por los antiguos, la construcción sin cimbras,
exigida por la grandiosidad de la cúpula, significaba inventar de nuevo el
sistema por el cual ésta se cerraba a medida que subía.
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La Catedral de Santa María del Fiore, de Filippo Brunelleschi, es de los mayores

ejemplos de la arquitectura renacentista.
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Características de la obra de Brunelleschi:

Se reemplaza la La altura de los módulos

bóveda de crucería se ve aumentada por la
por CUBIERTAS DE inclusión de un
MADERA, cuyo fragmento de
soporte es mas entablamento sobre el
ligero, económico y capital, simulando un
fácil de emplear cimacio

Capitel corintio de ocho

volutas
Perspectiva lineal, es
empleada para generar
espacios más
armoniosos, donde la
vista del usuario La utilización del arco medio punto es exclusiva,
pudiera captar todos ya que su semicírculo representa algo “racional”
Utilización de la columna
los elementos ya que y sus formas y dimensiones dependen de
de fuste liso cuando
están diseñados a su únicamente el radio. Este tipo de arco puede
construye pórticos y
altura representarse fácilmente con figuras geométricas
basílicas.
y acompañan a la armonía y simetría del resto de
la construcción.

La proporción es marcada por soportes

entre los módulos que se encuentran
relacionadas matemáticamente con las
partes del edificio.
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La luz, se vuelve un elemento
fundamental para crear unidad espacial.
Capilla Pazzi, Florencia A diferencia dl gótico, no se intenta
crear una sensación de divinidad a
través de ventanales pintados. Sino que
el hombre está a la altura y puede
apreciar cada espacio, sin que la luz
modifique su experiencia.

la luz ahora permite al ojo del hombre

medir el edificio, esa arquitectura
hecha a su medida.

Enfatiza además la
En cuanto a los colores aparece el
perfección Utilización de un fondo blanco para contrastar y
bicromatismo que es la utilización de dos
geométrica del resaltas las proporciones geométricas realizadas
colores para la decoración de espacios y así
diseño, como el por el otro color y dar claridad a las pinturas.
enfatizar la atención a las obras pictóricas.
arco medio punto
Las paredes están revocadas con cal y la
y pilastras
membratura de gris oscura obtenida por la piedra
estriadas
serena
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-Utilización de
formas
geometricas.

-Reducción de
tamaños de
plantas.

-Proporciones
basadas en las
matemáticas.

ARTISTA: León Batista Alberti (1404-1472)

Teórico y máximo exponente de la cultura humanista del Quattrocento.
 En sus diez libros sobre “DE RE AEDIFICATORIA" defiende por vez primera el aspecto
intelectual del arquitecto, como dibujante de planos e inventor de maquetas.
 Algunas de sus ideas sobre la arquitectura son:
 Concebir la BELLEZA como EURITMIA, armonía entre las partes y el todo, sólo apreciable
desde un punto de vista intelectual
 EQUILIBRIO, manifestado particularmente por la simetría
 Como no existe ningún modelo perfecto en los especímenes que la naturaleza genera, el artista
debe extraer de ellos los rasgos más válidos para confeccionar un tipo ideal.
 La proyección arquitectónica debe partir de premisas antropocéntricas: la medida del hombre
debe generar la de los edificios.

En 1446, el comerciante Giovanni Rucellai le encarga un palacio que se convertirá en

prototipo de la mansión ciudadana del Renacimiento.
- Alberti estima que las casas privadas de los mercaderes acaudalados deben tener la misma
dignidad que los edificios públicos, pero sin ser ostentosas.
-Deben llamar la atención por la comodidad y no por la apariencia
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1º Año “Profesorado de Artes Visuales” SE INSPIRA EN EL
COLISEO CON TRES PISOS
CORINTIAS DE ORDENES
DECORADAS ARRIBA SUPERPUESTAS

PILASTRAS SIN MUCHO

RELIEVE.
CORINTIAS SENCILLAS
SE ENCARGA DE SEPARAR EN LA MITAD.
PROPORCIONALMENTE
LAS VENTANAS

UTILIZACIÓN
ABUNDANTE DEL ARCO
MEDIO PUNTO ESTILO TOSCANO,
PLANTA BAJA
RÚSTICA

ENTABLAMENTO
REEMPLAZANDO UNA
CORNISA El palacio Rucellai es una obra arquitectónica florentina del
siglo XV que se ubica en el 18 de la via della Vigna Nuova.

La Fachada de Santa María Novella

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F). ESCULTURA DEL CUATTROCENTO: CARACTERÍSTICAS

Alcanza una total independencia del marco arquitectónico y se desarrolla absolutamente libre a
comparación de la edad media donde estuvo mucho tiempo sujetada al mismo. Si bien en periodos
como el gótico flamígero se presenciaban ciertas obras de altísimo relieve separadas de la
arquitectura, sus obras se limitaban al ámbito religioso. Sin embargo, el renacimiento desarrolla e arte
de la escultura como una disciplina independiente.
La escultura se rige por los cánones antiguos de los griegos y romanos, retomando de este modo la
búsqueda por el naturalismo, la belleza, el equilibrio, y el tratamiento anatómico.
Anteriormente todas las representaciones estuvieron sujetas a lo sacro, a lo divino y religioso
impuesto por la iglesia, pero en el renacimiento aparecen nuevas temáticas enfocadas en el
humanismo, poniendo al ser humano como centro de estudio e interés, apareciendo asimismo
temáticas como el desnudo. Este pretende la exaltación del cuerpo humano.
Los principales materiales que se emplean son el mármol y el bronce, el cual se llega a trabajar
magistralmente con la técnica de la acera perdida. Además, se emplea excepcionalmente, la terracota
vidriada. El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del Aschiacciato
o relieve pictórico con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva.
Aparece una escultura decorativa que toma los motivos de los edificios clásicos como el Ara Pacis y
la Domus Aurea de Nerón . Esta decoración se hace a base de guirnaldas, cuernos de la abundancia,
medallones, candelieri. Esta decoración aparece en pilastras, muros y bóvedas.
Los temas están tomados de lo religioso, aunque más humanizado que en el periodo anterior. Estos
temas se mezclan con los paganos donde se incluye la simbología alegórica clásica y el retrato laico
Los artistas son hombres muy preparados técnica y humanísticamente. con gran interés por aprender,
experimentar y crear nuevas formas y técnica. Son muy valorados socialmente y protegidos por los
mecenas.

RESUMEN GENERAL:
 Libertad del artista: podía desarrollar un estilo más personal en la ejecución de la obra.
 Perspectiva: además de las esculturas exentas, se realizaron relieves en los que se utilizaba
la perspectiva. Dichas obras se concibieron, igual que en la pintura, como un escenario con
varios planos.
Influencia cláscia
 Naturalismo: existió una voluntad muy clara de representar las figuras de manera natural.
Esto se reflejó sobre todo en la plasmación del cuerpo humano (en la musculatura y en
el contraposto), es decir, en cada obra se realizaba un estudio anatómico.
 Belleza: el naturalismo se ligó al ideal de belleza clásico. Los artistas estudiaban las obras
escultóricas grecorromanas e intentaban reflejar la belleza de la misma manera.
 Idealismo: las figuras no parecían sufrir sino que se mostraban en un estado agradable e
idealizado.
 Temáticas:
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 Religiosos: el arte continuó estando fuertemente influenciado por el
hecho religioso, de manera que en la escultura abundaron las escenas
de la vida de Cristo (Virgen con el niño, crucifixión, descendimiento, etc.) y la representación
de santos.
 Mitológicos: se reprodujeron pasajes o personajes de la mitología clásica.
Materiales:
Mármol, alabastro y bronce.

ARTISTAS: Lorenzo Ghiberti

LAS PUERTAS DEL PARAÍSO DEL BAPTISTERIO DE FLORENCIA. GHIBERTI
En ellas Ghiberti trabaja especialmente en dos grandes cuestiones: la perspectiva y la composición.
Ghiberti lo trabaja en estas puertas de varias maneras.
Por una parte a través del tamaño de las figuras, que se vuelven más pequeñas según se alejan.
Por otra parte utiliza ciertas ideas ya planteadas por Brunelleschi, utilizando las arquitecturas y la
disposición de las figuras creando líneas de fuga que se unen en el punto más alejado (punto de fuga).
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Relieve hueco Figuras más cercanas se

para las figuras encuentran con mayor relieve y relieve aplastado o La obra se divide
más lejanas las del fondo con menor. Esto se stiacciato. simétricamente en dos grupos
trabaja para crear la perspectiva y laterales muy equilibrados.
la profundidad en un plano

La aparición de elementos
arquitectónicos para reforzar
el peso visual.

Donatello :
Este artista destacó tanto en la escultura monumental como en los relieves. En estos últimos, supo
representar la perspectiva mediante la técnica del stiacciato, que significa relieve aplastado.
Trabaja principalmente en Florencia y en Padua, y su escultura avanza hacia el clasicismo. Llegó a
dominar todas las técnicas y los materiales. Se distingue por captar la figura humana en todas las
edades de la vida del hombre y ser capaz de llegar a la profundidad psicológica de los personajes.
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La escultura "David" de Donatello, realizada en

bronce, representa al personaje bíblico que
derrotó al gigante Goliat. En este análisis, se
observa el estilo artístico clásico de Donatello,
influenciado por la antigüedad greco-romana.
La figura de David muestra proporciones
realistas y una postura relajada, en contraste
con representaciones más dramáticas de la
época. La vestimenta detallada y los pliegues
de la ropa reflejan la habilidad técnica de
Donatello. La postura única de David,
apoyándose en una pierna y sosteniendo la
honda sobre su hombro izquierdo, aporta
naturalidad a la escultura. La cabeza
decapitada de Goliat a sus pies simboliza la
victoria del bien sobre el mal. La expresión
facial de David es introspectiva, sugiriendo un
momento de reflexión después de la victoria.
Donatello utiliza la técnica del bronce a la cera
perdida, destacando su innovación técnica. La
escultura es considerada pionera en la
transición del arte medieval al enfoque
renacentista en la representación del cuerpo
humano. En resumen, la obra "David" de
Donatello destaca por su realismo, su
innovación técnica y su representación única
del personaje bíblico.

Andrea del Verrocchio.

Andrea del Verrocchio nació en Florencia en 1435. Su verdadero nombre era Andrea di Michele di
Francesco de Cioni. Su carrera se desarrolló durante el Renacimiento, fue pintor, escultor, orfebre,
pero principalmente pasaría a la historia por haber sido el maestro de uno de los más grandes genios
de la pintura: Leonardo da Vinci.
Verrocchio trabajó para la corte de Lorenzo de Medici. Entre los alumnos de su taller no solo
estuvo Leonardo da Vinci, sino también Il Perugino (quien posteriormente sería maestro de Rafael
Sanzio) y Ghirlandaio (quien sería maestro de Miguel Ángel).
La única pintura firmada de Verrocchio es la Virgen con Niños y Santos, que se encuentra en la
Catedral de Pistoia.
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La escultura "David con la cabeza de Goliat" de

Andrea del Verrocchio representa el momento
en que el joven David, después de vencer al
gigante Goliat, sostiene la cabeza de su vencido
oponente como un símbolo de su victoria. La
composición destaca la figura triunfante de David
en un estado de calma y reflexión, mostrando
detalles anatómicos realistas y una expresión
facial concentrada. A pesar de la victoria, la
escultura transmite una sensación de reflexión
sobre las consecuencias morales de sus acciones.
La posición diagonal de la cabeza de Goliat
agrega dinamismo a la composición, y la elección
del bronce como material refleja la habilidad
técnica avanzada de Verrocchio. La obra
simboliza la derrota del mal y la victoria de la
justicia, mostrando la influencia del arte clásico y
destacando el impacto artístico del Renacimiento
italiano.

Andrea del Verrocchio, David con la cabeza de Goliat, c.1465. Museo Nazionale del Bargello,
Florence. Material:bronce con trazos de dorado- Tamaño: 120 cm

G). CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA:

-La pintura se independiza de la arquitectura.
- Los artistas empiezan a gozar de mayor libertad creativa (transición del artesano al artista) y su obra
una consideración de carácter no sólo manual sino, también, intelectual (humanismo).
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- Las obras reflejan el amor por el hombre y la naturaleza, inspirándose en la
antigüedad clásica (obras literarias, manifestaciones plásticas). El
antropocentrismo se convierte en el eje de la nueva mirada que estos artistas aportan.

Técnicas y soportes:
- Pintura mural: se mantiene la tradición del fresco, pero va perdiendo importancia, poco a poco,
aunque se conserva para la decoración de muros y bóvedas.
-Pintura de Caballete: irá ganando importancia; sobre tabla y, en menos ocasiones, sobre tela; se
emplean las técnicas del temple (primera mitad del siglo XV) y del óleo (a partir de la segunda mitad
del siglo XV), como consecuencia de la influencia de la escuela flamenca.
Los Temas (variedad):

° Religiosos: siguen siendo los más importantes pero dejan de ser exclusivos.
Los temas religiosos tradicionales se interpretan con el nuevo espíritu renacentista, se humanizan o
se proponen lecturas neoplatónicas, en consonancia con el resurgir de la filosofía platónica.
- La Virgen con el Niño es uno de los más frecuentes, pero tratado con gran dulzura y delicadeza.
- Surgen nuevos temas como La Sagrada Conversación que representa a la Virgen entronizada
acompañada de Santos.
- A veces se representan anacronismos en ambientes y vestidos, ya que los donantes aparecen vestidos
a la manera del s. XV pero en escenas que, según la tradición, se desarrollan en Palestina o en el
próximo oriente.

° Mitológicos (con un sentido alegórico, la mayoría de las veces)

Son temas específicamente humanistas: los artistas se inspiran en descripciones literarias (la
Metamorfosis, de Ovidio, por ejemplo) y en las obras escultóricas de la antigüedad clásica. Se quiere
exaltar los valores que representan estos temas mitológicos (belleza, perfección, virtud, etc.). Se da
importancia al desnudo (no sólo como expresión de la belleza física, sino como expresión de la belleza
espiritual; equilibrio, en definitiva, entre la dimensión humana y espiritual del ser humano. Se
mantienen los anacronismos en la vestimenta igual que en los cuadros de tema religioso.

° Retratos.
Alcanzan gran importancia por la influencia del humanismo e individualismo renacentista. Se
representan los rasgos físicos y psicológicos del personaje aunque existe una cierta tendencia a
la idealización.
La figura se representa normalmente de perfil o de tres cuartos (ligeramente vuelta hacia el

espectador); primero se representa sólo el busto pero más tarde será representado el cuerpo completo.
Las figuras se colocan sobre distintos tipos de fondos: monocromos y neutros, celajes ambiguos,
paisajes que no guardan relación con los personajes.
Existe entre los artistas un deseo de verdad en la representación de la Naturaleza.
Se concede tanta importancia al tema como a la belleza de las formas y la armonía compositiva.
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Se concede gran importancia al dibujo; predomina la línea sobre el color, por
lo que los contornos y dintornos suelen aparecer muy definidos.
Preocupación por la perspectiva: mediante ella pueden conseguir una mejor representación de la
Naturaleza, así como la ilusión de la representación espacial (tridimensionalidad). Primero se utiliza
una perspectiva central, de tipo lineal, con el punto de fuga excéntrico e incluso se intenta despertar
la ilusión de espacios fingidos. A fines del siglo XV la perspectiva lineal es sustituida por la aérea.
Otro elemento básico es la luz y su influencia en la composición, en la perspectiva y en el color.
Mediante la luz refuerzan el efecto de las líneas y los volúmenes (intentos ya realizados por Giotto);
aunque se conoce el claroscuro (Piero della Francesca, por ejem.), se prefieren las luces cenitales y
uniformes, que aportan claridad a la composición.

La figura humana es el centro de la representación: los estudios anatómicos, el intento de

establecer un canon ideal de las medidas del cuerpo humano, la importancia del desnudo, el afán de
dotar a las figuras de volumen y relieve, constituyen los ejes de la representación pictórica.

El paisaje va ganando importancia aunque lentamente. Se busca el naturalismo, pero el paisaje sigue
apareciendo como un telón de fondo con una total desconexión entre él y las figuras. Sin embargo, se
procura que exista una correcta proporción entre el tamaño de las figuras y el ambiente. El paisaje
sirve para obtener los efectos de profundidad y para enmarcar las figuras.
Se utilizan composiciones complicadas con varias figuras principales e incluso varias escenas en el
mismo cuadro, manteniendo el sentido narrativo de épocas anteriores. El tema principal siempre
ocupa el centro rodeado de numerosos elementos secundarios. Se mantiene una disposición
simétrica de las diferentes figuras.
ARTISTAS: Masaccio
Las obras de Masaccio reflejan su enfoque en la representación realista y la perspectiva en el arte, lo
que lo convierte en un pionero del Renacimiento temprano.
Prescinde totalmente del goticismo.
- Carácter escultórico de las figuras: formas robustas, monumentales, llenas de dramatismo.
Reencarna la monumentalidad de Giotto pero las figuras se funden mejor con el ambiente.
- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea efectos de luz y
sombra para aumentar la sensación de profundidad.
- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.
obras:
• Santísima Trinidad. Santa María Novella. Florencia.
• Tributo de la moneda. Frescos de la capilla Brancaci, iglesia del Carmine, Florencia.
• Expulsión del paraíso. Iglesia del Carmine. Florencia.
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La obra maestra de Masaccio, conocida como
la Santísima Trinidad, representa la Trinidad
cristiana en la Capilla de Santa María Novella en
Florencia. La composición es geométrica y
simétrica, creando un triángulo equilátero con
las figuras divinas. Masaccio utiliza de manera
pionera la perspectiva lineal, dando
profundidad al espacio y siguiendo principios
perspectivos que convergen en un punto
central. La representación realista de la
anatomía humana, especialmente en el cuerpo
de Cristo, es característica del Renacimiento y
contrasta con el estilo gótico anterior. Las
expresiones faciales transmiten emociones,
añadiendo una dimensión emocional a la
escena teológica. El simbolismo, como la
paloma representando al Espíritu Santo y la
calavera simbolizando la victoria sobre la
muerte, enriquece la iconografía. Masaccio
emplea el chiaroscuro para crear contraste y
modelar las figuras tridimensionales. La obra,
un hito en la historia del arte, influyó en el
Renacimiento al incorporar innovaciones
técnicas y conceptuales.

- Fra Angélico
Profunda religiosidad: huye de lo trágico.
- Rasgos curvilíneos, finos contornos, actitudes serenas (influencias sienesas)
- Colores vivos, de gran riqueza cromático.
- Goticista: abundante uso del dorado; figuras alargadas y curvilíneas; colorido preciosista.
- Renacentista: volumen y espacio
obras:
• Anunciación. Museo del Prado.
• Frescos del Convento de San Marcos. Florencia.
• Frescos de la capilla de Nicolás V. Vaticano.
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La Anunciación de Fra Angélico es una obra destacada que representa el momento en que el Arcángel
Gabriel anuncia a la Virgen María que concebirá al Hijo de Dios, según el relato bíblico. La
composición es equilibrada y simétrica, con gestos y expresiones que reflejan serenidad y devoción.
El uso de colores suaves y la iluminación contribuyen a la atmósfera celestial de la escena. Detalles
arquitectónicos, como columnas y arcos, indican la influencia renacentista en la representación
perspectiva. La obra está llena de simbolismo, como la paloma y el lirio, que representan la presencia
divina y la pureza. Fra Angélico, un fraile dominico, infunde su obra con una profunda espiritualidad,
y esta pieza es una contribución significativa al arte renacentista por su enfoque en la belleza ideal y
la armonía. En resumen, La Anunciación de Fra Angélico es una obra maestra que combina habilidad
técnica, expresión espiritual y simbolismo rico en consonancia con los principios renacentistas.
- Sandro Botticelli
Formación neoplatónica: intenta conjugar la mitología pagana con el cristianismo.
- Composiciones melancólicas e idealistas.
- Gran dibujante: predomina la línea sobre el color. Dibujo nervioso de línea ondulantes que forman
arabescos.
- Prestó especial atención a la figura femenina.
Obras:
• La Primavera
• Nacimiento de Venus.
• Virgen del Magnificat.
• Virgen de la Granada.
• Historia de Nastaglio degli Honesti. Museo del Prado.
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La "Virgen del Magnificat" de Botticelli presenta a la Virgen María en una actitud de oración,
sosteniendo un libro que representa el Magnificat. La composición equilibrada y simétrica destaca la
figura central de María, rodeada por elementos arquitectónicos que añaden solemnidad a la escena.
Detalles iconográficos, como la corona de flores y los ángeles, simbolizan la pureza y la presencia
celestial. La paleta de colores suaves crea una atmósfera serena, y la atención meticulosa a los detalles
anatómicos muestra el estilo característico de Botticelli. Las expresiones faciales transmiten devoción
y conexión espiritual, mientras que la presencia de flores, especialmente las rosas, añade simbolismo
a la obra. La pintura refleja la influencia del humanismo renacentista, mostrando un interés en la
humanidad y la búsqueda de la belleza y la armonía. La conexión con la poesía, particularmente a
través del Magnificat, agrega una dimensión poética y espiritual a la obra.
- Andrea Mantegna.
Las obras de Andrea Mantegna, destacado pintor del Renacimiento italiano, se caracterizan por varias
cualidades distintivas. Mantegna fue pionero en el uso sistemático de la perspectiva, logrando efectos
notables de profundidad y monumentalidad en sus pinturas. Su interés en la anatomía humana y
animal se refleja en la meticulosidad con la que representaba detalles anatómicos. Además, era un
hábil grabador, y su dominio de esta técnica se evidencia en la precisión de sus grabados. Gran parte
de su obra se centró en temas religiosos y mitológicos, y mostró un fuerte interés en la arquitectura
clásica, incorporando elementos arquitectónicos para crear una sensación de monumentalidad.
Mantegna experimentó con el claroscuro para resaltar contrastes entre luces y sombras, y prestó
especial atención a los detalles en la representación de la ropa y las texturas. Sus composiciones eran
innovadoras, a menudo representando figuras en ángulos inusuales o dispuestas en formas
geométricas complejas. Introdujo la perspectiva aérea en sus paisajes y mostró una tendencia a
representar figuras con una apariencia escultural, con contornos claros y formas definidas.
HISTORIA DEL ARTE I
1º Año “Profesorado de Artes Visuales”
Obras:
- El tránsito de la Virgen.
- Cristo muerto (extraordinario ejemplo de cuerpo representado en escorzo)

La pintura "Cristo Muerto" de Andrea Mantegna es una representación conmovedora del cuerpo de
Cristo después de la Crucifixión. Mantegna emplea una perspectiva inusual, mostrando el cuerpo
desde una posición baja para intensificar la solemnidad de la escena. El realismo anatómico es
evidente en los detalles, desde las heridas de la crucifixión hasta la posición de las manos,
transmitiendo autenticidad y dolor. El rostro de Cristo refleja una expresión profunda de tristeza y
sufrimiento, acentuado por la iluminación y el uso de claroscuro. Mantegna demuestra su habilidad
técnica al representar texturas realistas y utilizar colores sobrios para enfocar la atención en el
sufrimiento de Cristo. La pintura sigue la tradición iconográfica cristiana, presentando a Cristo como
el "Ecce Homo". Detalles simbólicos, como los clavos cercanos al cuerpo, añaden profundidad
simbólica. La influencia de la escultura clásica se percibe en la disposición cuidadosa del cuerpo y la
composición geométrica que guía la mirada del espectador.