MÓDULOAPRECIACIÓN DE LAS

ARTES
CAPITULO 6: HISTORIA DEL ARTE

Objetivos:
a.) Identificar la historia subyacente, la filosofía de la época o los
movimientos.
b.) Clasificar los diversos movimientos artísticos citando sus
características importantes, como factores históricos, personas
influyentes, cuestiones sociopolíticas y artistas, formas de arte y medios
predominantes.
c.) Presentar la historia y movimientos de las artes a través de una línea
de tiempo.

En este tema se presentará un resumen cronológico de los principales movimientos,

estilos, períodos y artistas que han contribuido a la evolución y desarrollo del arte visual.

Historia del arte de la Edad de Piedra (2,5 millones-3000 a. C.)

El arte prehistórico proviene de tres épocas
de la prehistoria: Paleolítico,
mesolítico y
Neolítico. Lo más temprano
grabado el arte es
los petroglifos de Bhimbetka (un conjunto
de 10 cúpulas y un grabado o ranura)
encontrados en un refugio de roca de
cuarcita conocido como cueva del Auditorio
en Bhimbetka, en el centro de la India, que
datan de al menos 290.000 a. C. A este arte rupestre primitivo le siguieron, a más tardar
en el año 250.000 a. C., figurillas sencillas (p. ej. Venus de Berekhat Ram [Altos del
Golán] y Venus de Tan-Tan [Marruecos]), y del 80.000 a. C. por los grabados en piedra
de la cueva de Blombos y las cúpulas del refugio rocoso de Dordoña en La Ferrassie.
La cultura y la creatividad prehistóricas están estrechamente asociadas con el tamaño y
la eficiencia del cerebro, lo que impacta directamente en funciones "superiores" como el
lenguaje, la expresión creativa y, en última instancia, la estética.

Arte egipcio (desde 3100 a. C.)

Egipto, posiblemente la civilización más grande en la historia
del arte antiguo , fue la primera cultura en adoptar un estilo de arte
reconocible. Los pintores egipcios representaron la cabeza, las
piernas y los pies de sus sujetos humanos de perfil, mientras
representaban los ojos, los hombros, los brazos y el torso de frente.
Otras convenciones artísticas establecían cómo debían
representarse los dioses, los faraones y la gente corriente,
regulando elementos como el tamaño, el color y la posición
figurativa. Una serie de maravillosas pinturas encáusticas egipcias
en cera, conocidas como retratos de Fayum, ofrecen una visión
fascinante de la cultura helenística en el Antiguo Egipto. Además, el

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estilo único del egipcio.
La arquitectura presentaba una serie de enormes cámaras funerarias de piedra,
llamadas pirámides.
Para obtener más detalles sobre el arte egipcio y su historia, haga clic en el siguiente enlace:
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egyptian-art

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Arte griego antiguo (c.1100-100 a. El arte griego antiguo se divide
C.) tradicionalmente en los siguientes períodos:
(1) la Edad Media (c.1100-900 a. C.). (2) El
Período Geométrico (c.900-700 a. C.). (3) El
período de estilo oriental (c.700-625 a. C.). (4)
El Período Arcaico (c.625-500 a. C.). (5) El
Período Clásico (c.500-323 a.C.). (6) El
período helenístico (c.323-100 a. C.).
Lamentablemente, casi toda la pintura griega
y una enorme pérdida, dejándonos con una
colección de ruinas o
proporción de la escultura griega ha Copias romanas. También conocemos la
sido arquitectura griega en gran medida a través
de sus ruinas. A pesar de este pequeño legado, los artistas griegos siguen siendo muy
venerados, lo que demuestra lo verdaderamente avanzados que eran.

• Edad Oscura
Después de la caída de la civilización micénica (siglo XII a. C.), Grecia entró en
un período de decadencia, conocido como la Edad Media, porque sabemos muy
poco sobre ella. La escultura, la pintura y la arquitectura monumental casi
cesaron.
• Período geométrico
Luego, alrededor del año 900 a. C., estas artes (creadas principalmente para
familias aristocráticas que habían alcanzado el poder durante la Edad Media)
reaparecieron durante el período geométrico, llamado así por los diseños
decorativos de su cerámica.
• Período oriental
El siguiente período orientalizante se caracterizó por la influencia del diseño del
Cercano Oriente, en particular los patrones curvilíneos, zoomorfos y florales.
• Período Arcaico
El período Arcaico fue una época de experimentación gradual; la forma
escultórica más preciada era el kouros (pl.kouroi), o desnudo masculino de pie.
A esto le siguió el período Clásico, que representa el apogeo del arte griego.
• Período clásico
La arquitectura griega floreció, basada en un sistema de "órdenes clásicos"
(dórico, jónico y corintio) o reglas para el diseño de edificios, basadas en
proporciones de y entre las partes individuales.

CPAG Para obtener más detalles sobre el arte griego antiguo, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.khanacademy.org/humanities/ancient-art-civilizations/greek-art/
beginners-guide-greece/a/introduction-ancient-greek-art

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Arte romano (c.200 a. C.-400 d. C.)

Arquitectura
A diferencia de sus vecinos intelectuales griegos, los romanos
eran principalmente gente práctica con una afinidad natural por
la ingeniería, los asuntos militares y la construcción del
Imperio. La arquitectura romana fue diseñada para asombrar,
entretener y atender a una población creciente tanto en Italia
como en todo su Imperio. Así, los logros arquitectónicos
romanos quedan ejemplificados en nuevos sistemas de
drenaje, acueductos, puentes, baños públicos,
instalaciones deportivas y anfiteatros (por ejemplo, el Coliseo 72-80 d.C.),
caracterizados por importantes avances en materiales (por ejemplo, la invención del
hormigón) y en la construcción de arcos y cúpulas de techo.

Pintura, Escultura
Si la arquitectura romana era singularmente grandiosa, sus
pinturas y esculturas continuaron imitando el estilo griego,
excepto que su propósito principal era la glorificación del poder y
la majestuosidad de Roma. El arte romano temprano (c.200-27
a. C.) era detallado, no idealizado y realista, mientras que los
estilos imperiales posteriores (c. 27 a. C. - 200 d. C.) eran más
heroicos. La pintura mediocre floreció en forma de murales al
fresco estándar en el diseño de
interiores, mientras que se
ejecutó pintura sobre paneles de
mayor calidad. al temple o en
encáustico pigmentos. romano
La escultura también variaba en calidad: además de
decenas de miles de bustos de retratos de emperadores
y otros dignatarios de calidad media, los escultores
romanos también produjeron algunas maravillosas
esculturas históricas en relieve, como la escultura en
bajorrelieve en espiral de la Columna de Trajano , que
celebra la victoria del Emperador en la guerra de Dacia.

Para obtener más detalles sobre el arte romano antiguo, haga clic en el siguiente enlace:
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guide-greece/a/introduction-ancient-greek-art

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Pintura china

La pintura china es una de las tradiciones artísticas continuas más

antiguas del mundo. La pintura de estilo tradicional se conoce hoy
en chino como guóhuà ( chino simplificado :国画; chino tradicional :
國畫), que significa "pintura nacional" o "nativa", a diferencia de los
estilos de arte occidentales que se hicieron populares en China en
el siglo XX. . La pintura tradicional implica esencialmente las
mismas técnicas que la caligrafía y se realiza con un cepillo
bañado en negro
tinta o pigmentos coloreados ; No se utilizan aceites. Al igual que
ocurre con la caligrafía, los materiales más populares sobre los que
se realizan pinturas son el papel y la seda. La obra terminada se
puede montar sobre pergaminos, como pergaminos colgantes o
pergaminos . La pintura tradicional también se puede realizar sobre
hojas de álbumes, paredes, lacados , biombos y otros soportes.

Considere estas tres ideas importantes que ayudan a hacer de la pintura china lo que
es:
• El pasado es la base del presente y del futuro y exige respeto. Los pintores
aprenden su oficio copiando a maestros anteriores.
• Como seres humanos, no somos más que una pequeña partícula en la amplitud
del espacio y el tiempo.
• Dicho esto, una buena pintura revela el carácter del artista, lo que a su vez
contribuye al significado de la pintura. Para comprender realmente una obra, es
útil conocer al artista y la época en la que vivió.
Como resultado, las obras de arte que van desde el año 200 a. C. hasta obras
contemporáneas pueden considerarse pintura tradicional china. La pintura china se
realiza sobre papel o seda, utilizando una variedad de pinceles, tintas y tintes. Los
temas varían, entre ellos: retratos, paisajes, flores, pájaros, animales e insectos.
Al igual que la caligrafía , la pintura tradicional china, o guohua ( 国画/gwor-hwaa/),
se realiza utilizando un pincel humedecido en tinta negra o pigmentos de colores,
generalmente sobre papel o seda . La obra terminada se puede montar en rollos y
colgar. También se han realizado pinturas tradicionales en paredes, porcelana y lacas.

Hay dos técnicas principales en la pintura china:

• Gongbi (工笔/gong-bee/), literalmente "pluma de trabajo", es un estilo meticuloso,

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rico en color y pinceladas detalladas. Se utiliza a menudo para retratos o temas
narrativos.
• Xieyi (写意/sshyeah-ee/ 'escritura'), que significa "mano alzada", es un estilo de
pintura más flexible y generalmente se usa en paisajes. Xieyi presenta a menudo
formas exageradas y expresa los sentimientos del artista. También se le llama
shuimo (水墨/shway-mor/ 'agua-tinta'), que significa 'acuarela y tinta'.

Para obtener más detalles sobre las pinturas chinas y su historia, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.chinahighlights.com/travelguide/culture/painting.htm

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Ukiyo-e (impresión Los ukiyo-e ( 浮 世 絵 ) son grabados en
japonesa) madera japoneses que florecieron durante
el Período Edo (1603-1867). Se originaron
como cultura popular en Edo (actual
Tokio ) y representaban a geishas
populares, luchadores de sumo y actores
de kabuki del mundo del entretenimiento.
Ukiyo-e, literalmente "pinturas del mundo
flotante", recibió ese nombre porque sus
temas estaban asociados con la
impermanencia y el desapego de la vida
ordinaria.

Al principio los ukiyo-e eran monocromáticos, pero a mediados del siglo XVIII se
hicieron grabados policromados. La técnica de impresión en madera permitió la
producción en masa, lo que significó asequibilidad y, por lo tanto, llevó a la popularidad
de estas impresiones. Posteriormente, nuevos géneros de ukiyo-e, como compilaciones
de cuentos y pinturas de paisajes o acontecimientos históricos, fueron bien recibidos. A
principios del siglo XIX surgieron varios artistas destacados del ukiyo-e, como Hokusai,
Hiroshige y Utamaro, que crearon grabados famosos que se celebran hasta el día de
hoy.

Para obtener más detalles sobre Ukiyo-e y su historia, haga clic en el siguiente enlace:
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Historia del arte del Renacimiento (c.1300-

1620)

Fuertemente influenciado por el gótico

internacional , el resurgimiento europeo de las
bellas artes entre aproximadamente 1300 y
1600, conocido popularmente como "el
Renacimiento", fue un fenómeno único y (en
muchos aspectos) inexplicable, sobre todo
debido a (1) la peste negra ( 1346), que acabó
con un tercio de la población europea.

El arte del Renacimiento se fundó en el clasicismo : una apreciación de las artes

de la Antigüedad clásica, una creencia en la nobleza del hombre, así como avances
artísticos tanto en la perspectiva lineal como en el realismo. Se desarrolló en tres
ciudades italianas principales: primero Florencia , luego Roma y por último Venecia . La
cronología del Renacimiento suele enumerarse de la siguiente manera:

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• Protorrenacimiento (c.1300-1400)
Este período introductorio fue instigado en gran medida por el
estilo de pintura revolucionario de Giotto (1270-1337), cuyo ciclo de
frescos en la Capella Scrovegni (Capilla de la Arena) de Padua
introdujo un nuevo realismo en la pintura que desafió muchas de
las convenciones iconográficas entonces en uso.

• Renacimiento temprano (c.1400-1490)

Provocado en parte por el descubrimiento de una copia de De
Architectura ("Diez libros sobre arquitectura") del arquitecto
romano del siglo I Vitruvio (c.78-10 a. C.), y el magnífico
diseño de Filippo Brunelleschi de 1418 para la cúpula de la
catedral gótica de Florencia ( 1420-36), este período de
actividad se centró en Florencia.
Considerado como el apogeo del Renacimiento italiano y sus
• Alto Renacimiento (c.1490-
1530) ideales estéticos de belleza y armonía, el Alto
Renacimiento se centró en Roma y estuvo dominado por
la pintura de Leonardo Da Vinci.

La arquitectura renacentista empleó preceptos derivados

de la antigua Grecia y Roma, pero mantuvo muchas
características modernas de invención bizantina y gótica,
como cúpulas y torres.

• Renacimiento del Norte (c.1400-1530)

En el norte de Europa (Flandes, Holanda, Inglaterra y Alemania), el
Renacimiento se desarrolló de manera diferente. Un clima más
húmedo, inadecuado para la pintura al fresco, fomentó el uso temprano
de óleos, mientras que las diferentes habilidades y temperamentos
llevaron a la temprana adopción del grabado y a la invención de la
imprenta por Johannes Gutenberg en la década de 1450.

Para que tengamos una descripción general total de la Historia del Arte, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.khanacademy.org/humanities/art-history

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Manierismo (1530-1600)
El manierismo es un estilo que surgió en 1530 y perduró hasta
finales de siglo. Lleva el nombre de maniera, un término italiano
para “estilo” o “manera”, y se refiere a un enfoque estilizado y
exagerado de la pintura y la escultura.

Este estilo surgió en parte como reacción contra las formas

idealistas del Alto Renacimiento y en parte como reflejo de tiempos
difíciles: Martín Lutero había iniciado la Reforma, mientras que la
propia Roma acababa de ser saqueada por mercenarios. Los
artistas manieristas introdujeron una nueva expresividad en sus
obras, como lo ejemplifica la maravillosa escultura El rapto de las sabinas de
Giambologna y el fresco del Juicio Final de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. También
conocido como Renacimiento tardío, el manierismo se considera un puente entre el Alto
Renacimiento y el período Barroco , que adoptó la estética ornamentada del
subconjunto y la adaptó como extravagancia.

Características del arte manierista

• CIFRAS EXAGERADAS
Una de las principales formas en que los artistas manieristas llevaron las
técnicas del Alto Renacimiento “un paso más allá” es mediante la exageración .
Iniciados por Parmigianino, un artista italiano, los manieristas rechazaron las
proporciones realistas y en su lugar representaron figuras con extremidades
imposiblemente alargadas y cuerpos en posiciones extrañas.

• DECORACIÓN ELABORADA
Los adornos lujosos son otra forma en que los manieristas llevaron la
sensibilidad del Renacimiento al límite. Si bien las figuras del Alto Renacimiento no
solían incorporar patrones en su trabajo, los artistas del Renacimiento temprano como
Sandro Botticelli sí lo hacían.

• COLORES ARTIFICIALES
Finalmente, los manieristas abandonaron los colores naturalistas utilizados por los
pintores del Alto Renacimiento y en su lugar emplearon tonos artificiales (y a menudo
estridentes).

Para que tengamos una descripción general del arte del manierismo, haga clic en el siguiente enlace:
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Historia del arte posrenacentista

Arte Barroco (c.1600-1700)

Fue durante este período que el Catholic Counter La reforma

se puso en marcha en un intento de alejar a las masas del
protestantismo. El patrocinio renovado de las artes visuales y la
arquitectura fue una característica clave de esta campaña de
propaganda y condujo a un estilo más grandioso y teatral en
ambas áreas. Este nuevo estilo, conocido como arte barroco, fue
efectivamente el punto culminante del manierismo dramático.

La arquitectura barroca aprovechó al máximo el

potencial teatral del paisaje urbano, ejemplificado en la
Plaza de San Pedro (1656-67) en Roma, frente a la
Basílica de San Pedro con cúpula. Su arquitecto,
Gianlorenzo Bernini (1598-1680) empleó una serie de
columnatas cada vez más amplias en el acceso a la
catedral, dando a los visitantes la impresión de que
están siendo abrazados por los brazos de la Iglesia
Católica. Todo el enfoque está construido a una escala
gigantesca, para inducir sentimientos de asombro.

Para que tengamos una visión general del arte barroco, haga clic en el siguiente enlace:
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baroque-art-in-europe-an-introduction

Arte Rococó (c.1700-

1789) Este nuevo estilo de arte decorativo, conocido como
rococó , impactó sobre todo en el diseño de interiores,
aunque también se vieron afectadas la arquitectura, la
pintura y la escultura. Esencialmente una reacción
contra la seriedad del barroco, el rococó era un estilo
alegre, casi caprichoso, que creció en la corte francesa
en el Palacio de Versalles antes de extenderse por toda
Europa. Los diseñadores rococó emplearon toda la
gama de yeserías, murales, tapices, muebles, espejos,
otros adornos para brindar al dueño de casa una experiencia estética
completa. porcelana, sedas y

Para que tengamos una descripción general del arte rococó, haga clic en el siguiente enlace:
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Arte Neoclásico (Floreció c.1790-1830)
En arquitectura, el neoclasicismo derivó de las formas "clásicas" más sobrias del
barroco practicadas en Inglaterra por Sir Christopher Wren (1632-1723), quien diseñó la
Catedral de San Pablo. Otro regreso más a las órdenes clásicas de la Antigüedad
grecorromana, el estilo se caracterizó por estructuras monumentales, sostenidas por
columnas de pilares y rematadas con cúpulas clásicas del Renacimiento. Empleando
innovaciones como cúpulas en capas, dio mayor grandeza a palacios, iglesias y otras
estructuras públicas.
Los pintores neoclásicos también buscaron
inspiración en la Antigüedad clásica y enfatizaron
las virtudes del heroísmo, el deber y la seriedad.
Entre los principales exponentes se encontraban
el artista político francés Jacques-Louis David
(1748-1825), el retratista e historiador alemán
Anton Raphael Mengs (1728-79) y el maestro
francés del estilo artístico académico , Jean
Auguste Dominique Ingres (1780-1867). ).
Para más información sobre la historia de la pintura, la escultura y la arquitectura durante este período,
véase: Arte neoclásico .

Movimiento Romanticismo (floreció c.1790-1830)

En contraste con los valores universales
propugnados por el neoclasicismo, los artistas románticos
expresaron una respuesta más personal a la vida,
confiando más en sus sentidos y emociones que en la
razón y el intelecto. Este idealismo, al igual que el
neoclasismo, fue alentado por la Revolución Francesa, por
lo que algunos artistas se vieron afectados por ambos
estilos. La naturaleza fue un tema importante para los
románticos, y el estilo está ejemplificado por la Escuela
Inglesa de Pintura de Paisaje , la pintura al aire libre de
John Constable (1776). 1837), Corot (1796-1875) junto con
miembros de la Escuela Francesa de Barbizon y la
Escuela Americana de pintura de paisajes del Río
Hudson , así como el más expresionista JMW Turner (1775-1851). Sin embargo, podría
decirse que el mayor pintor de paisajes románticos es Caspar David Friedrich (1774-
1840). La pintura narrativa o histórica fue otro género importante en el Romanticismo:
Los principales exponentes incluyen: Francisco Goya (1746-1828)
Enrique
Fuseli (1741-1825), James Barry (1741-1806), Theodore Gericault (1791-1824) y
Eugene Delacroix (1798-63), así como exponentes posteriores de la pintura orientalista
y malhumorados prerrafaelitas y simbolistas.

Para más información sobre la historia de la pintura y la escultura románticas, véase: El

romanticismo en el arte .

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Realismo (c.1845 en adelante)
A medida que avanzaba el siglo XIX, la creciente
conciencia de los derechos del hombre y el impacto
social de la Revolución Industrial hicieron que
algunos artistas se alejaran de los temas idealistas
o románticos en favor de temas más mundanos,
representados en un estilo de naturalismo más
realista. . Este nuevo enfoque (hasta cierto punto
anticipado por William Hogarth en el siglo XVIII,
véase Pintura figurativa inglesa ) fue ejemplificado
por el estilo Realismo que surgió en Francia durante
la década de 1840, antes de extenderse por Europa. todos los géneros, en particular
Este nuevo estilo atrajo a pintores de Courbet Gustave Millet (1814-75) (paisaje,
(1819-77) (pintura de género), Jean Francois vida), rural
Honore Daumier (1808-79) (vida urbana) e Ilya Repin (1844-1930) (paisaje y retratos).

Impresionismo (c.1870-80)
El impresionismo francés , defendido sobre todo por Claude Monet (1840-1926),
fue un estilo de pleinairismo espontáneo y sensible al color cuyos orígenes derivaron de
Jean-Baptiste Camille Corot y las técnicas de la escuela de Barbizon -cuya búsqueda
era representar los efectos momentáneos de luz natural.
Los impresionistas buscaron reproducir fielmente
momentos fugaces al aire libre. Por lo tanto, si un
objeto aparecía de color púrpura oscuro, tal vez
debido a una luz fallida o reflejada, entonces el
artista lo pintaba de color púrpura. Los esquemas
de color naturalistas de "estilo académico",
ideados en teoría o al menos en el estudio, no
permitían esto. Como resultado, el impresionismo
ofreció un lenguaje pictórico completamente nuevo, que allanó el camino para
movimientos artísticos más revolucionarios como el cubismo, y los historiadores y
críticos a menudo lo consideran la primera escuela de pintura moderna.

Postimpresionismo (c.1885 en adelante)

Esencialmente un término general que abarca una serie de desarrollos y
reacciones al impresionismo, el postimpresionismo involucró a artistas que empleaban
esquemas de color de tipo impresionista, pero que no estaban satisfechos con las
limitaciones impuestas por la mera reproducción de la naturaleza. El
neoimpresionismo con su técnica de puntillismo fue iniciado por Georges Seurat y
Paul Signac (1863-1935), mientras que los principales Post Los impresionistas incluyen
a Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y Paul Cezanne. Inspirándose en el sintetismo de
Gauguin y el cloisonnismo de Bernard, el grupo postimpresionista Les Nabis promovió
una forma más amplia de arte decorativo; otro estilo, conocido como Intimisme , se
ocupaba de escenas de género de interiores domésticos e íntimos. Otro movimiento
muy importante, más antiimpresionista que postimpresionista, fue el simbolismo (floreció
entre 1885 y 1900), que influyó en el fauvismo, el expresionismo y el surrealismo.

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Art Nouveau (finales del siglo XIX - principios del siglo XX)
Art Nouveau (promovido como Jugendstil por la
Secesión de Munich (1892) y berlín
Secesión (1898),
como Sezessionstil en la Secesión de Viena (1897), y como
Stile Liberty en Italia, y Modernista en España) derivaron de
William Morris y el Movimiento de Artes y Oficios en Gran
Bretaña, y también fue influenciado tanto por el movimiento
artístico del Renacimiento Celta como por el Japanonismo.
Su popularidad surgió de la Exposición Universal de París de
1900, desde donde se extendió por Europa y Estados
Unidos. Se destacó por sus intrincados patrones fluidos de
líneas sinuosas asimétricas, basados en formas vegetales
(que se remontan a las culturas celtas Hallstatt y La Tene),
así como siluetas y formas femeninas. El Art Nouveau tuvo
una gran influencia en el cartel, el diseño y la ilustración, el diseño de interiores, la
orfebrería, la cristalería, la joyería, así como en la pintura y la escultura.

Arte de la joyería (c.1880-1917)

(d ?)) Para ver ejemplos increíbles de auténtica joyería artística, creada por los más grandes orfebres de
Rusia, consulte: Huevos de Pascua de Fabergé .

Colorismo: Fauvismo (1900 en

adelante)
El término "Fauves" (bestias salvajes) fue
utilizado por primera vez por el crítico de arte
Louis Vauxcelles en la exposición Salon
d'Automne de París de 1905 al describir las
pinturas de colores vivos de Henri Matisse
(1869-1954), André Derain (1880-1954). y
Maurice de Vlaminck (1876-1958). Otros
fauvistas incluyeron al posterior cubista
Georges Braque (1882-1963), Raoul Dufy
(1877-1953), Albert Marquet (1875-1947) y
Georges Rouault (1871-1958). Mayoría
seguidores
del fauvismo pasó al expresionismo o
otros movimientos asociados a la Escuela de París .

Arte expresionista (c.1900 en adelante)

El expresionismo es un estilo general de pintura que tiene como objetivo

expresar una interpretación personal de una escena u objeto, en lugar de representar
sus características reales. A menudo se caracteriza por pinceladas enérgicas, pintura
empastada, colores intensos y líneas atrevidas. Los primeros expresionistas incluyeron
a Vincent Van Gogh (1853-90), Edvard Munch (1863 1944) y Wassily Kandinsky (1866-

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ARTES
1944). Varias escuelas expresionistas alemanas surgieron durante las tres primeras
décadas del siglo XX. Entre ellos se encontraban: Die Brucke (1905-11), un grupo con
sede en Dresde en 1905, que mezclaba elementos de

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ARTES
arte tradicional alemán con estilos postimpresionista y
fauvista, ejemplificado en obras de Ernst Ludwig Kirchner,
Karl Schmidt-Rottluff, Erik Heckel y Emil Nolde; Der Blaue
Reiter (1911-14), una asociación informal de artistas con
sede en Munich, entre los que se encontraban Wassily
Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Paul Klee; Die Neue
Sachlichkeit (década de 1920) una publicación Grupo
satírico-realista de guerra cuyos miembros incluían a Otto
Dix, George Grosz, Christian Schad y, en menor medida, Max
Beckmann.

El expresionismo se extendió oportunamente por todo el mundo, generando numerosas

derivaciones tanto en la pintura figurativa (ej. Francis Bacon) y el arte abstracto (ej. Marcos Rothko).
Véase también: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).

Cubismo: inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y

Georges Braque (1882-1963) y considerado "el" movimiento
revolucionario del arte moderno, el cubismo era un estilo de
pintura más intelectual que exploraba todo el potencial de lo
bidimensional. plano de la imagen al ofrecer diferentes
vistas del mismo objeto, típicamente dispuestos en una serie
de fragmentos superpuestos: algo así como un fotógrafo
podría tomar varias fotografías de un objeto desde
diferentes ángulos, antes de cortarlas con tijeras y
reorganizarlas al azar en un plano. superficie. Este "
cubismo analítico " (que se originó con "Las señoritas de Aviñón" de Picasso)
rápidamente dio paso al " cubismo sintético ", cuando los artistas comenzaron a incluir "
objetos encontrados " en sus lienzos, como collages hechos a partir de recortes de
periódico.

Abstracto o no objetivo

El primer movimiento internacional de arte moderno que surgió de Estados

Unidos fue un estilo de pintura predominantemente abstracto que siguió una dirección
expresionista basada en el color, en lugar de un lenguaje cubista, aunque también
incluye una serie de otros estilos, lo que lo convierte más en un movimiento general.
Destacan cuatro variantes en el expresionismo abstracto

dadaísm
o El dadaísmo o dadaísmo fue un movimiento
artístico de la vanguardia europea de principios
del siglo XX, con sus primeros centros en Zúrich,
Suiza, en el Cabaret Voltaire ; El dadaísmo en
Nueva York comenzó alrededor de 1915 y,
después de 1920, el dadaismo floreció en París.

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Desarrollado como reacción a la Primera Guerra Mundial , el movimiento dadaísta
estaba formado por artistas que rechazaban la lógica , la razón y el esteticismo de

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ARTES
sociedad capitalista moderna , expresando en cambio tonterías , irracionalidad y
antipatía protesta burguesa en sus obras. El arte del movimiento abarcó medios
visuales, literarios y sonoros, incluidos el collage , la poesía sonora , la escritura
recortada y la escultura. Los artistas dadaístas expresaron su descontento hacia la
violencia, la guerra y el nacionalismo, y mantuvieron afinidades políticas con la extrema
izquierda radical.

Surrealismo (1924 en adelante)

En gran medida arraigado en las tradiciones antiarte del movimiento dadaísta
(1916-24), así como en las ideas psicoanalíticas de Sigmund Freud y Carl Jung, el
surrealismo fue el estilo artístico más influyente de los años de entreguerras. Según su
principal teórico, André Breton, buscaba combinar el inconsciente con el consciente
para crear una nueva "superrealidad": un "surrealismo". El movimiento abarcó una
amplia gama de estilos, desde la abstracción hasta el realismo de la vida real,
típicamente salpicado de imágenes "irreales".
Surrealistas importantes incluyeron a
Salvador Dalí (1904-89), Max Ernst (1891-
1976), René Magritte (1898-1967), André
Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-
55), Joan Miró (1893-1983). , Giorgio de
Chirico (1888 1978), Jean Arp (1886-1966) y
Man Ray (1890-1976). El movimiento tuvo un
gran impacto en toda Europa durante la
década de 1930, fue el principal precursor del
conceptualismo y continúa encontrando
adeptos en las bellas artes, la literatura y la
cinematografía.

Para una comprensión más vívida del arte surrealista, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.parkwestgallery.com/what-is-surrealism-art/

Constructivism
o El movimiento hacía hincapié en la construcción y la ciencia,
más que en la expresión artística, y sus objetivos iban mucho
más allá del ámbito del arte. Los constructivistas intentaron
influir en la arquitectura, el diseño, la moda y todos los objetos
producidos en masa. En lugar de preocupaciones pictóricas
por la composición, los constructivistas se interesaron por la
construcción . Más que surgir de un impulso expresivo o de
una tradición académica, el arte debía construirse.
Un nuevo arte constructivista miraría hacia la producción
industrial; abordar al artista como un ingeniero, más que como
un pintor de caballete; y servir al proletariado. Los
constructivistas utilizaron formas geométricas escasas y
materiales modestos. Desde pinturas hasta carteles y textiles, crearon un lenguaje
visual a partir de formas que se pueden dibujar con instrumentos utilitarios como

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ARTES
compases y reglas. Colocaron la cultura visual bajo el microscopio, analizando
materiales como madera, vidrio y metal, para juzgarlos por su valor y aptitud para su
uso en imágenes y objetos producidos en masa.

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ARTES
Para una comprensión más vívida del constructivismo en el arte, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-constructivism-brought-russian-revolution-art

De Still Arte Expresionismo Abstracto

"Expresionismo abstracto" nunca fue una etiqueta ideal para el movimiento, que se
desarrolló en Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. De algún modo pretendía
abarcar no sólo el trabajo de los pintores que llenaban sus lienzos con campos de color
y formas abstractas, sino también aquellos que atacaban sus lienzos con un vigoroso
expresionismo gestual. Aún así, el expresionismo
abstracto se ha convertido en el término más
aceptado para un grupo de artistas que tenían
mucho en común. Todos estaban comprometidos
con el arte como expresión del yo, nacido de
emociones profundas y temas universales, y la
mayoría fueron moldeados por el legado del
surrealismo , un movimiento que tradujeron en un
nuevo estilo adaptado al estado de ánimo de
ansiedad y trauma de la posguerra. . En su éxito,
estos pintores neoyorquinos despojaron a París de
su liderazgo como líder del arte moderno y prepararon el escenario para el dominio
estadounidense del mundo del arte internacional.

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Si desea descubrir más sobre el expresionismo abstracto en el arte, haga clic en el siguiente
enlace: http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/abstract-expressionism.htm

Arte óptico
Los artistas han estado intrigados por la
naturaleza de la percepción y por los
efectos ópticos y las ilusiones durante
muchos siglos. A menudo han sido una
preocupación central del arte, tanto como
los temas extraídos de la historia o la
literatura. Pero en la década de 1950
estas preocupaciones, unidas a nuevos
intereses en tecnología y psicología,
florecieron hasta convertirse en un
movimiento. El arte op u óptico suele emplear patrones abstractos compuestos con un
marcado contraste entre el primer plano y el fondo, a menudo en blanco y negro para
lograr el máximo contraste, para producir efectos que confunden y excitan la vista.
Inicialmente, Op compartía el campo con el arte cinético : los artistas de Op se sentían
atraídos por el movimiento virtual y los artistas cinéticos se sentían atraídos por la
posibilidad del movimiento real. Ambos estilos se lanzaron con Le Mouvement, una
exposición colectiva en la Galerie Denise René en 1955. Atrajo a un gran número de

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ARTES
seguidores internacionales y, después de celebrarse con una exposición panorámica en
1965, The

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ARTES
Responsive Eye, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, captó la imaginación
del público y provocó una locura por los diseños Op en la moda y los medios.

Arte pop
El arte pop, que surgió a mediados de la década de
1950 en Gran Bretaña y a finales de la década de 1950 en
Estados Unidos, alcanzó su apogeo en la década de 1960.
Comenzó como una revuelta contra los enfoques dominantes
del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que
debería ser el arte. Los jóvenes artistas sentían que lo que les
enseñaban en la escuela de arte y lo que veían en los museos
no tenía nada que ver con sus vidas ni con las cosas que veían
a su alrededor todos los días. En lugar de ello, recurrieron a

Minimalismo

fuentes como las películas de Hollywood, la publicidad, los envases de productos, la

música pop y los cómics para crear sus imágenes.
Se puede considerar que el minimalismo o el arte
minimalista extiende la idea abstracta de que el
arte debe tener su propia realidad y no ser una
imitación de otra cosa. Generalmente pensamos
que el arte representa un aspecto del mundo real
(¡un paisaje, una persona o incluso una lata de
sopa!); o reflejar una experiencia como una
emoción o sentimiento. Con el minimalismo no se
intenta representar una realidad exterior, el artista
quiere que el espectador responda sólo a lo que
tiene delante. El medio (o material) de
en que se hace, y la forma de la obra es la realidad. El pintor minimalista Frank Stella
dijo acerca de sus pinturas: "Lo que ves es lo que ves".

Arte conceptual
El arte conceptual es un movimiento que valora las ideas por encima de los
componentes formales o visuales de las obras de arte. El conceptualismo, una
amalgama de varias tendencias más que un movimiento estrechamente cohesivo,

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ARTES
adoptó innumerables formas, como performances, sucesos y efímeros. Desde
mediados de los años 1960 hasta mediados de los 1970 Conceptual
Los artistas produjeron obras y escritos que
rechazaban por completo las ideas estándar del
arte. Su principal afirmación -que la articulación de
una idea artística es suficiente como obra de arte-
implicaba que concierne a tales como
estética, expresión, habilidady
comerciabilidad eran todos estándares irrelevantes
por los cuales arte
normalmente era juzgado. En verdad, es
Es irrelevante si este tipo de arte extremadamente
intelectual coincide con las opiniones personales de cada uno sobre lo que debería ser
el arte.

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ARTES
Para tener una visión general virtual del arte abstracto, haga clic en el siguiente enlace:
https://www.youtube.com/watch?v=3kdzGAjG26s

Realismo El nombre Fotorrealismo (también conocido como

fotográfico Hiperrealismo o Superrealismo) fue acuñado en referencia
a aquellos artistas cuyo trabajo dependía en gran medida
de fotografías, que a menudo proyectaban sobre lienzos
permitiendo replicar las imágenes con precisión y
exactitud. La exactitud a menudo se vio favorecida aún
más por el uso de un aerógrafo, que fue diseñado
originalmente para retocar fotografías. El movimiento
surgió en el mismo período y contexto que el arte
conceptual , el arte pop y el minimalismo y expresó un fuerte interés por el realismo en
el arte, por encima del idealismo y la abstracción. Entre varios practicantes masculinos
del fotorrealismo hay interés en temas de maquinaria y objetos industriales como
camiones, motocicletas, automóviles e incluso máquinas de chicles, mientras que
Audrey Flack , la única practicante femenina, infunde a sus obras una mayor emotividad
y la fugacidad del vida.

Arte de instalación
Las obras de arte de instalación (también descritas a veces como “
ambientes ”) a menudo ocupan una sala completa o un espacio de
galería por el que el espectador tiene que caminar para
involucrarse plenamente con la obra de arte. Algunas
instalaciones, sin embargo, están diseñadas simplemente para ser
visitadas y contempladas, o son tan frágiles que sólo pueden verse
desde una puerta o desde un extremo de una habitación. Lo que
diferencia el arte de instalación de la escultura u otras formas de
arte tradicionales es que es una experiencia unificada completa, en
lugar de una exhibición de obras de arte individuales y separadas.

REFERENCIAS

http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art.htm
https://www.khanacademy.org/humanities/art-history

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