ISSN 1988-6047 DEP.

LEGAL: GR 2922/2007 Nº 22 OCTUBRE DE 2009

“GOYA. ANÁLISIS DE UN CUADRO:

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO”

AUTORÍA
MARÍA JOSÉ GARCÍA NOTARIO
TEMÁTICA
HISTORIA DEL ARTE. HISTORIA CONTEMPORANEA DE ESPAÑA.
ETAPA
ESO, BACHILLERATO

Resumen
Este artículo, cuyo eje central es la figura de Francisco de Goya y Lucientes, trata de hacer un repaso
por su biografía, sus etapas artísticas y sus principales obras, haciendo especial hincapié en un análisis
formal, estilístico, sociológico e histórico de uno de sus cuadros más famosos: Los fusilamientos del 3
de Mayo en Madrid, considerado no sólo una obra de arte sino un documento histórico y gráfico de
primer orden.

Palabras clave
Goya
Fusilamientos del 3 de Mayo
Historia del Arte
Pintura española
Guerra de la Independencia

1. INTRODUCCIÓN

Goya es considerado uno de los pintores universales del arte, tanto por su calidad de producción, la
fuerza de su personalidad y su temática comprometida como por la admiración e influencia que
despertó en los estilos artísticos posteriores y en las vanguardias del arte contemporáneo. Por lo tanto,
podemos decir que es el iniciador de nuevos caminos artísticos y técnicos.

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En cuanto a sus obras, podemos decir que estas son muy fieles con respecto a la época ya que fue un
ejemplo de artista comprometido con su tiempo: primero hubo de ser el pintor del espíritu de la razón y
de la esperanza, reflejando en sus lienzos la ilusión de la concordia española con su mundo de amable
costumbrismo; después, al concluir de su vida, sería como ningún otro artista, el denunciador de una
época de traición, fracaso y miseria. Los últimos años de su vida, con residencia en Francia, pudieron
proporcionarle una visión muy ilustrativa, desde fuera, de un país, el suyo, que a su muerte dejaba
enfrentado en las dos facciones que por mucho tiempo habían de quedar denominadas como "las dos
Españas".

Junto a una importante obra oficial, formada por retratos, pinturas de género, religiosas y de guerra,
Goya desarrolló una obra personal representada por los "Caprichos" y las "Pinturas Negras", donde de
forma simbólica, no exenta de ironía, manifestó sus preocupaciones más íntimas y dirigió sus críticas
hacia el mundo que le rodeaba. Inicialmente concebida como "Sueños", la serie de grabados de los
"Caprichos" atacaba los vicios del clero y de la alta nobleza, para lo que utilizaba un lenguaje que
debería ser entendido en su auténtica lectura por el público ilustrado al que iba destinado, evitando así
el peligro de la Inquisición.

2. GOYA (1746-1828): SU BIOGRAFÍA

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos (Zaragoza), villa natal de su madre, el 30 de

Marzo de 1746. Fue el tercero de cuatro hermanos.

Los Goya se trasladaron a Zaragoza por lo que Francisco pasaría allí su infancia y su juventud. Esto fue
debido a que su padre instaló en la ciudad su taller de dorador, allí Goya aprendió el oficio. Acudió a las
Escuelas Pías, donde conoció a Martín Zapater, al que le uniría una amistad para siempre.

A los trece años, en 1759 y hasta 1762, Francisco de Goya asiste a clases de pintura que imparte José
Luzán y poco después entra a trabajar en su taller. En verano, durante la vendimia, va a Fuendetodos, y
bajo la dirección de su propio padre realiza su primera obra, pinta “El armario de las reliquias” que
posee la iglesia y se complementa con la decoración del muro al que va adosado el armario.

Por dos veces, a los diecisiete y a los veinte años, concursa, sin éxito, para obtener una pensión en la
Academia de Bellas Artes de San Fernando; este doble fracaso le impulsa a viajar a Italia, donde
aprende la técnica del fresco, que le servirá, a su regreso a España, para conseguir su primer encargo
oficial en la Basílica del Pilar de Zaragoza.

Dos años después de su regreso a España, concretamente a Madrid, se casa con Josefa Bayeu,
hermana de Francisco Bayeu, pintor de la Cámara del Rey Carlos III. Este hecho favorecerá su ingreso
como pintor de cartones en la Real Fábrica de Tapices. Trabajó allí desde los veintinueve a los cuarenta
y cinco años, realizando sesenta y tres cartones para los palacios de El Escorial y El Prado.

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A la muerte de Carlos III en 1788, su sucesor Carlos IV y la reina María Luisa le nombran pintor de
Cámara, cargo que no abandonó hasta su exilio en Burdeos; comienza así a realizar los retratos
oficiales de los Reyes. Su fácil acceso a las colecciones reales le permite copiar y grabar varios cuadros
de Velázquez, asimilando así algunos de los secretos de su técnica.

A partir de ahora, Goya es ya un pintor consagrado: es elegido Académico de la Real Academia de

Bellas Artes de San Fernando. Sus grandes protectores, los duques de Osuna, y, más tarde, los de
Alba le introducen en la vida social haciéndole importantes encargos. Posarán para él los más
destacados personajes; los retratos que hará a partir de entonces le convertirán en el cronista oficial de
la aristocracia y los intelectuales de la época.

En 1792, durante un viaje a Andalucía, contrae una grave enfermedad que le dejó completamente
sordo. Esta circunstancia, unida a las graves consecuencias que la Revolución Francesa tuvo en la
Corte y para sus amigos ilustrados (destierros, encarcelamientos...), le sumirán en una profunda crisis
que influirá en su carácter y en su pintura.

Durante la Guerra de la Independencia 1808-1814, Goya acentuó su pesimismo y mantuvo una actitud
conservadora en su actividad pública, como se puede ver a través de sus históricos lienzos: El Dos de
Mayo y Los fusilamientos del Tres de Mayo; y de sus grabados Los Desastres de la Guerra.

A los setenta y tres años, sordo, enfermo y desengañado, compra la "Quinta del Sordo" a las afueras de
Madrid; allí se refugia con Leocadia Weiss, fiel compañera de su vejez, y ejecutará su obra más
personal e inconfundible: Las Pinturas Negras. Viviría allí hasta 1823, fecha en que regala la finca a su
nieto Mariano

En 1824 partía Goya hacia Francia, concretamente hacia Burdeos, en busca de tranquilidad y del cariño
de todos aquellos amigos que allí se encontraban. Vivió cuatro años más, con nuevas ilusiones que le
permitieron seguir intentando nuevas formas y técnicas en su pintura hasta su muerte en 1828.

3. CONTEXTO HISTÓRICO

La vida de Goya abarca un amplio espacio de la vida española, un espacio muy importante y
trascendental en sí mismo y en sus posteriores consecuencias.

Francisco de Goya fue un hombre situado entre dos épocas fundamentalmente: la etapa optimista de la
Ilustración, que concluye con el reinado de Carlos IV, y el periodo de invasiones y luchas partidarias
que se inicia en nuestro país a principios del S. XIX.

Durante su primera época reinaba Carlos III, monarca ilustrado que apoyó el liberalismo y trató de
modernizar la sociedad española. Así, Goya se dedicó mayoritariamente a pintar escenas cotidianas de
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la vida del pueblo en las que se reflejaba su optimismo y retratos de ministros importantes como el
Conde de Aranda, Gaspar M. De Jovellanos o el Conde de Floridablanca entre otros.

En 1788 subió al trono Carlos IV, cuyo valido fue Godoy. Este fue un monarca absolutista y a los pocos
meses de subir al trono estalló la Revolución Francesa. Así, Carlos IV cerró las fronteras de España
para que no se contagiasen las ideas francesas. Godoy firmó el tratado de Fontainebleau, que permitió
la invasión francesa de la península. El descontento popular supuso que se llevase a cabo una
resistencia nacionalista y finalizó con la subida al trono de Fernando VII tras el motín de Aranjuez. Este,
a su vez, abdicó en favor de Jose I, hermano de Napoleón. Durante esta época Goya trabajó en la
Corte de Carlos IV, donde pintó numerosos retratos de la familia real. Además siguió con sus temas
costumbristas entre los que destacan los "Caprichos".

Durante la tercera etapa de Goya se llevó a cabo la Guerra de la Independencia en España, lo que dio
lugar a la pintura dramática de Goya, que dejó de ser descriptiva. En 1814 se produjo el desastre
francés y por lo tanto la deposición de José I.

Tras la invasión francesa regresó al trono Fernando VII, pero el rey que anteriormente había sido un
monarca ilustrado se convierte ahora en un rey absolutista como consecuencia de la Restauración del
Antiguo Régimen en Europa. Los temas que interpreta ahora Goya son en su mayoría históricos.

4. ETAPAS Y PRINCIPALES OBRAS

1ª etapa (1746-1783)

EL QUITASOL (1777). Museo del Prado – Madrid-

Pertenece a la pintura pre-impresionista. Es una pintura al óleo sobre

lienzo. La luz es una característica muy importante. Su composición gira
en torno a un primer plano en el que se encuentran los dos
adolescentes. Es un cuadro bastante realista ya que refleja un momento
cotidiano de la vida del pueblo español. Predomina el color sobre el
dibujo y destacan las tonalidades claras que contrastan con el oscuro
del suelo o de la valla que hay en la parte izquierda.

REGINA MARTYRUM (1780).

Pertenece a la pintura española de estilo rococó. Se trata de un tema religioso,

la adoración a la Virgen, reina de los mártires.

La composición consta de un único plano, cuya figura principal es la Virgen,

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que está situada en el centro y que se rodea por ángeles y mártires. Las figuras cercanas y el fondo dan
sensación de perspectiva. Durante esta época la Iglesia encargó numerosas obras a los artistas. Estas
representan momentos religiosos y con ellas la Iglesia quiere expresar su poder.

EL PELELE (1791). Museo del Prado –Madrid-

Pintura española pre-impresionista. Se trata de un tema popular, concretamente es

un grupo de jóvenes manteando a otro.

Su composición gira en torno a un primer plano. Distinguimos movimiento en la

manta y en la figura que es manteada, a pesar de que su postura no sea muy
natural. Predomina el color sobre el dibujo y destacan las tonalidades cálidas pero
vivas, que contrastan con el oscuro de los vestidos.

2ª etapa (1783-1808)

SEBASTIÁN MARTÍNEZ (1792) Museo Metropolitan – Nueva York-

Perteneciente a la pintura española del propio estilo de Goya. Se trata de un retrato

cotidiano. Es una pintura al óleo sobre lienzo. Es una obra bastante realista ya que
refleja perfectamente la actitud del personaje. Esta obra representa a Sebastián
Martínez, que fue quien acogió y cuidó a Goya durante su larga y grave
enfermedad.

SE QUEBRÓ EL CÁNTARO (1794) Museo del Prado –Madrid-

Es un grabado perteneciente a la serie llamados "Caprichos". Se trata de un

tema costumbrista, concretamente una madre azotando a su hijo por haber
roto un cántaro.

Es un grabado en el que Goya utilizó la técnica del aguafuerte sobre una

lámina de cobre. La luz, que es nítida recae sobre las dos figuras centrales:
la madre y el hijo. El autor lo realizó como una crítica a la sociedad
“atrasada” de su tiempo.

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LAS MAJAS VESTIDA Y DESNUDA(1795?-1806)Museo del Prado –

Madrid-

Estos dos cuadros (óleos sobre tela) figuraban en la colección de Godoy,

valido del rey Carlos IV. Las famosas "majas" de Goya son obras míticas y
polémicas, tanto por la fecha de su realización y la figura que reflejan, como
por su primer propietario conocido, el destino que tuvieron y las críticas que
han suscitado. Se han relacionado tradicionalmente con la duquesa de
Alba, aspecto muy discutido también. Son dos de las obras más conocidas
del pintor en las que aparece una misma mujer, en la misma postura, una
vestida y otra desnuda. Con estos cuadros, Goya sigue los antecedentes de
Velázquez con la obra titulada la Venus del Espejo.

EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS (1797) Colección particular –

Zaragoza-

Este grabado, realizado con la técnica del aguafuerte, pertenece a la serie llamada
"Caprichos". Se trata de un tema fantástico, concretamente representa a un personaje
rodeado por numerosas criaturas nocturnas.

Esta obra fue pensada originalmente para la portada de los "Caprichos", pero
finalmente lo sitúa en el inicio de las escenas de brujas. Este es un momento en el que
Goya aprecia lo que ocurre en España con Godoy y por ello manifiesta su descontento. Las criaturas
nocturnas simbolizan las vulgaridades perjudiciales del mundo, la ignorancia y los vicios de la sociedad.

3ª etapa (1808-1814)

FERNANDO VII (1808) Real Academia de San Fernando –Madrid-

Pertenece a la pintura pre-expresionista y muestra el retrato ecuestre del rey

Fernando VII.

Las relaciones de Goya con Fernando VII no fueron especialmente cordiales. A

Goya le costó retratarle. Será el avance del posterior estilo expresionista de Goya,
una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las

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emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.

Con esta obra Goya quiere dar prestigio al rey de España en un momento en el que las tropas de
Napoleón amenazaban con lo que más tarde conseguirían: deponer al rey actual y colocar en su lugar a
un familiar del general francés.

EL COLOSO (1810) Museo del Prado –Madrid-

Se trata de un tema dramático que deja de ser descriptivo. Representa a un ser

superior sobre las tierras españolas, un desastre causado por este ser superior.

El simbolismo de este cuadro ha sido objeto de discusión. Se ha querido ver en

él la representación de Napoleón, de los efectos devastadores de sus
conquistas, la imagen temible de la guerra. Se considera como un precedente de
las pinturas negras.

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO (1819). Museo del Prado –Madrid-

Representa un tema mitológico, concretamente muestra a Saturno devorando a su hijo.

Es una pintura al óleo sobre un lienzo de pequeño formato. Esta obra refleja como
Saturno devora a su hijo tras saber que de no ser así este terminaría por destronarle. Se
considera uno de los precedentes de las Pinturas Negras.

4ª etapa (1814-1824)

FUSILAMIENTOS DE EL 3 DE MAYO (1814) Museo del Prado –Madrid-

Refleja una escena histórica vivida en Madrid durante la rebelión del

pueblo contra el ejército invasor francés. La pasaremos a analizar más
pormenorizadamente por lo que no vamos a avanzar nada más por el
momento.

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LA ÚLTIMA COMUNIÓN DE SAN JOSE DE CALASANZ (1819) Escuelas Pías
–Madrid-

Esta obra pertenece a la pintura romántica. Se trata de un tema religioso,

concretamente muestra a San José de Calasanz tomando su última comunión.

Con este cuadro religioso Goya dice adiós a Madrid y a la Corte. Infancia y vejez,
vida y muerte se dan cita en esta magistral obra. Durante esta época la Iglesia
encargó numerosas obras a los artistas. Estas representan momentos de la vida
de los santos y con ellas la Iglesia quiere expresar su poder.

DUQUE DE SAN CARLOS (1815) Museo Provincial –Zaragoza-

Es una pintura al óleo sobre lienzo. Esta obra fue encargada por el propio duque de
San Carlos, quien quería retratarse como un verdadero caballero, elegante e
importante.

5ª etapa (1824-1828)

JUAN BAUTISTA DE MUGUIRO (1827) Museo del Prado –Madrid-

Esta obra forma parte de la galería de retratos de compatriotas españoles que

convivieron con el pintor en Burdeos. El retrato de Juan Bautista de Muguiro
pertenece a la pintura impresionista, que intenta reproducir en el cuadro la
percepción inmediata de los objetos en toda su instantaneidad y pureza. Esta
técnica consistía en pintar mediante pequeñas pinceladas de colores puros.

Cuando Goya se ve obligado a abandonar Madrid se traslada a Burdeos. Allí

empieza una nueva vida y realiza pinturas más alegres y con más colorido,
aunque sigue pintando numeroso retratos para dar prestigio a las personas que
los encargan. Todo ello, recordando siempre a su España natal.

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LA LECHERA DE BURDEOS (1826). Museo del Prado –Madrid-

Se trata de un tema costumbrista, concretamente es el retrato de una dama. Este

retrato fue la única herencia que Leocadia Weiss recibió de Goya. El pintor vuelve a
cantar a la belleza, aquí como soporte y pretexto para pintar, algo que luego será
hábito entre los artistas posteriores.

EL FAMOSO AMERICANO MARIANO CEBALLOS (1825) Museo de Huesca

La imagen muestra un grabado perteneciente a una serie de litografías

recogidas en los álbumes de Burdeos. Se trata de un tema taurino,
concretamente representa una gran multitud de gente intentando lidiar a dos
toros bravos.

Esta litografía fue creada originalmente con la intención de venderla a los comerciantes ricos de la
América española y españoles que se encuentran en Burdeos. Pero al igual que con los Caprichos no
logra el éxito económico.

5. UN CUADRO Y UN CONTEXTO HISTÓRICO: LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO

IDENTIFICACIÓN Y LOCALIZACIÓN

Esta obra, titulada El tres de Mayo de 1808

o Los fusilamientos de la Moncloa fue
pintado en 1814 y se encuentra en el
Museo del Prado.
Sus medidas son 268 cm. por 347 cm.
ANÁLISIS FORMAL
La pintura está realizada sobre un lienzo
utilizando la técnica del óleo.
La composición se divide en dos partes
fundamentales; la primera, a la izquierda,
la compone un grupo de civiles, unos doce,
en distintas posturas; uno se tapa la cara,
otros ya muertos yacen en el suelo, otro
aparece rezando, otro con los brazos
abiertos... La parte de la derecha la conforman un grupo de seis soldados que apuntan con sus fusiles

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al grupo de civiles que tienen delante. En el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del
Príncipe Pío. Y al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la negra
noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición.

Goya utiliza en este cuadro una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los
negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la
gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de
la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en
su mayoría oscuros. Podríamos decir de esta composición que sigue un "crescendo" cromático que va
desde el blanco de la camisa del civil, hasta el negro de algunas vestimentas de los soldados.

Estilísticamente, no podemos olvidar aquí el peso de la escuela tenebrista, que sin duda debió influir en
Goya. Así, figuras como Ribalta o Ribera, que tanto arraigo tuvieron en España, y que aquí aún se
pueden apreciar. Mas, debido la gran variedad de estilos y tendencias que atravesó Goya a lo largo de
su vida, resulta inútil el tratar de englobar en su dilatada carrera esta obra, ya que si tratamos de
hacerlo, encontraremos enormes diferencias dependiendo del año en que fue pintada la obra.
Si tuviéramos que englobar esta pintura dentro de un género, la incluiríamos dentro de la pintura
histórica, es decir, aquella pintura que narra un acontecimiento histórico.
La ausencia de tradición de la pintura histórica en España y, sobre todo, de cuadros que narrasen algún
episodio de la historia reciente, (excluyendo sin embargo las escenas de batalla de Felipe IV para el
Salón del Buen Retiro), supuso una gran innovación en este género, aunque no la única, ya que Goya
se opone radicalmente al estilo neoclásico, que algunos han llamado " estilo restauración ", y el cual
Fernando VII había adoptado, quizás durante su exilio en la casa de Talleyrand, y que en consecuencia
los pintores de la corte adoptarían, (José Aparicio, Julio López... ). Este hecho podría pues explicar el
por qué no existen comentarios contemporáneos acerca de esta obra y el hecho de que hasta 1872, no
se incluyera este cuadro en el catálogo que publicaba el museo.
APROXIMACIÓN AL SIGNIFICADO

La obra pertenecía a una serie formada por cuatro pinturas más y de las cuales sólo conservamos dos:
el Dos de mayo y el Tres de mayo. Esta teoría, sostenida por Mayer, cita al pintor y coleccionista de
obras de Goya, Cristóbal Ferriz, que afirmaba que había otros dos cuadros más, aparte de los
anteriormente mencionados, haciendo así un total de cuatro, donde se representaban el levantamiento
en el Palacio Real y la defensa del parque de artillería. Encontramos un precedente en este hecho, ya
que una serie de cuatro escenas, en una serie de grabados fueron realizadas por Tomás López
Enguidanos en 1813. Dicha serie, recoge el levantamiento ante el Palacio Real, el enfrentamiento de
los patriotas y los franceses ante la Puerta del Sol, la muerte de Daoíz y Velarde en el ataque la parque
de artillería y el asesinato de los patriotas en el Retiro de Madrid.
Otra prueba que daría crédito, a la idea que Los fusilamientos de la Moncloa pertenece a una serie,
sería una idea de orden lógico, ya que la composición de los dos cuadros que aún se conservan de esta

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serie, dejan entrever la intención que fueron exhibidos como parte de un friso más amplio y de donde se
deduce que el Tres de mayo sería el friso final.
Diversos estudiosos proponen en sus obras como fuente de inspiración de Goya para esta obra,
distintos grabados de la época, como es el de La matanza de Boston, de donde Goya pudo recoger la
tradición de la imagen del pelotón de fusilamiento. El grabado de Francisco Jordán titulado A las once
de la noche del tres de Junio, (1812 ), donde un grupo de soldados entierran cadáveres de soldados
españoles y que quizás se podría corresponder con la extraña luz del cuadro de Goya. Otro de Zacarías
González Velázquez, El tres de Mayo de 1808 (1813 ), donde "Una serie de inocentes víctimas atienden
la ferocidad francesa empeñados en sofocar el heroísmo de los madrileños", y que atendiendo a lo que
González escribió en su obra, parece casi una descripción del cuadro de Goya. Nos encontramos
delante de una obra de gran importancia visual. Pero vayamos por partes, y enmarquemos esta obra
dentro de su momento histórico.
El cardenal Luis de Borbón, regente de la época, fue el encargado de preparar la vuelta de Fernando
VII y como era habitual, toda una serie de celebraciones fueron organizadas por el regente, (Monedas,
arquitecturas efímeras, procesiones... ), con la intención de reconocer al monarca. Previsto que llegara
el monarca a Madrid y jurase constitución de 1812, sin embargo, las intenciones del monarca eran
otras, por lo que se dirigió a Valencia con un grupo de sus partidarios, donde publicó un Real Decreto
que castigaba a quien reconociese la Constitución de 1812.

En 1808, con el Motín de Aranjuez, se había iniciado un proceso que derivó en la Guerra de
Independencia. El partido fernandino repuso a Godoy, por lo que Carlos IV abdicó a favor de su hijo
Fernando, quien buscó el reconocimiento en Murat y al no obtenerlo, se trasladó a Bayona para lograr
el reconocimiento de Napoleón, también sin éxito, por lo que Carlos IV dejó España en manos de
Bonaparte como jefe político de España. Desde ese momento y hasta 1814, España viviría una
situación ininterrumpida de guerra. No fueron estos años propicios para la creación artística, aunque sí
se multiplicaron las estampas, en muchas ocasiones difundidas desde la clandestinidad, y las cuales
recogieron los principales sucesos bélicos, iniciándose así un nuevo género: la sátira política.
Por lo antes mencionado, y desde Junio de 1808, los acontecimientos fueron analizados con un valor
indudablemente religioso. La circunstancia de que Carlos IV abdicara el 19 de Marzo, fue tomado como
una referencia de regeneración católica contra el intruso, ateo y demoniaco José Bonaparte.
Esta cruzada religiosa se fue consolidando cuando se recordaban los hechos del dos y el tres de Mayo,
y los cuales Goya tuvo en cuenta, ya que divide la composición en dos partes. La primera, la de la
izquierda, muestra a los héroes anónimos, según tres actitudes distintas:
A ) Personas muertas. B ) Personas atemorizadas ante la llegada inminente de la muerte. C ) El que
expresa su valor mirando de frente a sus verdugos. A la derecha se dispone el pelotón de fusilamiento
compuesto por rostros anónimos, y que se han venido a llamar la máquina de matar.
Evidentemente la parte izquierda es la que centra el drama. Mucho y muy variado se ha escrito acerca
de este grupo, y merece ser señalada la relevancia que adquiere el hombre de la camisa blanca, aquel
que no se calla, que no tiene miedo a morir por aquello que cree justo, por sus ideales. Muchos autores
han establecido una personificación de este personaje con la figura de Cristo, por lo que no resulta
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extraño, el que en sus manos encontremos, al igual que en las manos de Cristo, los estigmas de la
Pasión: es el reflejo de la muerte de otro inocente en manos de la barbarie, de la sin razón, lo que
vendría también a explicar el color blanco de su camisa, ya que el blanco es el color de la inocencia.
Nordström, a propósito de la postura que adopta el personaje que está a punto de ser fusilado, escribe
en su libro Goya, Saturno y Melancolía, de cómo la postura de este personaje recuerda al Cristo
crucificado, el mártir, víctima de su personaje antagonista: el anticristo, y que sería en este caso
Napoleón, lo que enlazaría con la idea antes expuesta de que fuera este cuadro una referencia a la
renovación religiosa, de la lucha entre el bien y el mal. Incluso menciona la importancia de una señora
con un niño en brazos, y que identifica con la Virgen María.

Goya pretende subrayar la barbarie de la guerra y la tiranía moderna, para lo que establece un
contraste entre las pasiones humanas de las víctimas y la eficacia deshumanizadora del pelotón que
dispara. Con su cielo oscuro y su lúgubre paleta, cuya monotonía sólo se rompe con el blanco farol que
refleja su luz en la víctima del centro, en sus pantalones amarillos y en el rojo de su sangre derramada,
ofreciendo una morbosa situación de la muerte. No es tampoco casual que aparezcan representados en
este cuadro los distintos estamentos de la sociedad, que no quedan a salvo de la llegada del maligno...
Esta obra no pasó sin pena ni gloria a la Historia del Arte, ya que no sólo simbolizó para muchos el
coraje y la lucha del español ante las incursiones ajenas, también supuso un importante manantial de
inspiración para pintores de la talla de Manet, con su Fusilamiento del emperador de México, o El
fusilamiento de Corea de Picasso (1950), donde una vez más se vuelve a evidenciar la influencia de
Goya.

5. BIBLIOGRAFÍA
- Ricart, J. y otros (2008). Colección: Grandes Maestros de la Pintura. Goya. Barcelona: Sol 90 para
Diario Público.
- Martín González, J.J. (1986). Historia del Arte. Tomo II. Madrid: Gredos.
- Hugh, T. (2008). Goya. 3 de Mayo de 1808. Barcelona: Planeta
- Díaz, L. “Análisis de las principales obras de Goya”, extraído de Internet el 9 de Octubre de 2009 con
la siguiente URL: http://html.rincondelvago.com/analisis-de-las-principales-obras-de-goya.html
- Fábregas Hernández, C. “Análisis de una obra de Goya. Los fusilamientos del 3 de mayo”, extraído de
Internet el 4 de octubre de 2009 con la siguiente URL: http://tom-
historiadelarte.blogspot.com/2007/05/anlisis-de-una-obra-de-goya-los.html

Autoría
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