memoria de obra artística 2024

años de estudio obra en colectivo obra individual residencias artísticas pedadogía y gestión
pangraphia.tumblr.com
@carloz_________
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+51+969149584
Presentación

El siguiente portafolio es una recopilación de los trabajos más significativos que he realizado
desde mi etapa universitaria, pasando luego por una revisión de los proyectos en colectivo
hasta las exposiciones que he realizado de manera personal. Las líneas temáticas elegidas para
su organización están fundamentadas en la exploración técnica y conceptual. Aún cuando
mi formación es pictórica, la facultad de arte me brindó varias herramientas con las cuales
experimenté y otras que se fueron acoplando a partir de mis investigaciones personales. Este
portafolio documenta ese proceso creativo.

Como artista multidisciplinario, mi búsqueda se ha caracterizado por generar una combinación

entre pintura y escultura. Transformo los planos a través de pliegues (usando teoría del origami)
como base para crear obras tridimensionales. Mi enfoque se dirige hacia la interacción entre el
espacio y la forma, así como la conexión entre el observador y la obra de arte. Mi trabajo se inspira
en la naturaleza, la geometría y la relación inmediata con el contexto del espacio que lo contiene.

Desde el inicio mi búsqueda se centró en desafiar convenciones e incorporar progresivamente

nuevas formas de expresión a través de un proceso creativo que integre el color, el volumen y, en
ciertos casos, medios contemporáneos como la fotografía, el video y la performance. En última
instancia, mi trabajo es una exploración de la intersección entre el arte y la vida, con la esperanza
de inspirar una reflexión más profunda sobre nuestro mundo y nuestra relación con él.

Carloz A. Zevallos Carrillo

Índice

1 Obra en años de estudio

2 Obra en colectivo
3 Obra individual
4 Obra en residencias artísticas
5 Pedadogía de arte
6 Gestión cultural
7 CV
1 Obra en años de estudio
(2005 - 2010)
 Obras en años de estudio

Desde mi experiencia, la formación artística que recibí en la facultad de arte de la Universidad Católica se
divide en tres etapas: los años de estudios generales artes, el desarrollo de la carrera de pintura y la búsqueda de
un lenguaje personal en talleres durantes los últimos años.

En la primera etapa aprendí el lenguaje visual a través de las distintas disciplinas artísticas, llevé cursos de
dibujo al natural, dibujo geométrico, composición visual, grabado, escultura, artes integradas, diseño gráfico, diseño
industrial y pintura. Estos años fueron esenciales para decidir mi carrera, el acercamiento a la pìntura marcó mi
formación, debido que mi primera opción era seguir la carrera de diseño gráfico. El aprendizaje del estudio de la luz
a través del óleo, la paleta de doble triada cezanniana y la mística, que mis maestros y compañeros me inspiraron,
decantaron en la decisión de seguir la carrera de pintura.

Esta formación se ahondó en los años siguientes de carrera, en donde profundicé en la pintura y en el
descubrimiento del lenguaje pictórico a través de ejercicios que priorizaban el estudio de la luz, el color y sus
propiedades: el matiz, la saturación, el tono y la temperatura. Un ejemplo de esa etapa es el autorretrato presentado
a continuación.

En la tercera etapa, “los años de taller personal”, ahondé en mi búsqueda de un lenguaje, tuve un acercamiento
a referentes de arte contemporáneo y experimenté con la forma y la técnica, Me alejé del estudio formal del óleo. Es
en esa etapa en dónde me atrevo a mezclar lenguajes discímiles como la instalación, la pintura y el origami.

Mis referentes artísticos fueron variados, por un lado estuve muy influenciado por Carl Jung y su teoría de los
símbolos, las películas lisérgicas de AlejandroJodorowsky y las pinturas de Franz Kline, por otro lado me inspiraron
grandes maestros del origami como Robert Lang, Eric Gjerde y Akira Yoshizawa. Unía a estos intereses, al parecer
irreconciliables, la forma geométrica, como número y como símbolo. Esta búsqueda llegó a su síntesis con las
pinturas sobre papel, cartón y tela que fueron luego plegadas para crear así una amalgama instalativa presentada
en mi último año de estudio.
 (Arriba)
Música en la montaña
Tizas pastel sobre papel
80x120cm
2008

(Derecha)
Autoretrato de cuarto año de estudio
Óleo sobre lienzo
70x75cm
2008
Impresiones realizadas en el curso
de extensión “Técnicas de impresión
1 y 2”.
Usé como modelo de estudio un
papel arrugado, metáfora para “un
origami doblado con rabia”.

Piedras (corazones)

(Arriba)
1
Impresión xilográfica sobre tela
65x65cm
2009

(Izquierda)
2
Impresión xilográfica sobre tela
65x65cm
2009

(Derecha)
3
Impresión xilográfica sobre tela
65x65cm
2009
Exploración pictórica (expresionista
abstracta) que busca una
intersección posible entre la forma
símbólica y la forma geométrica de
“la cuadratura del círculo”.

16 círculos en blanco y negro

Pintura látex sobre papel
240x240cm
2009
 (Izquierda)
17 years periodical cicada
Trabajos realizados en el curso de “Técnicas Composición digital inspirada en diseño de Robert Lang
Medidas variables
de impresión”. La finalidad era la desconstrucción e
2009
interpretación de la imagen simbólica de una cigarra
a partir de un poema de Batsuo Basho y el mapa
(Derecha)
de dobleces del origami de Robert Lang (Origami
Insects), Quietud: el canto de la cigarra, penetra en las rocas
Tinta china y serigrafía gloss sobre papel
120x120cm
2009
(Arriba)
Composición tridimensaional en taller personal
Pintura acrílica sobre cartón, papel y tela plegados
350x350x100cm
2010

(Izquierda)
Propuesta de composición
Pintura acrílica sobre cartón
Medidas variables
2010
(Vista frontal y espalda)
Saving a tree just takes a little paperwork
Collage de plegados con páginas de National Geographic
25x15x8cm
2010
2 Carrera en colectivo
Obras en colectivo

En esta parte del portafolio he reunido las manifestaciones más significativas de mi

carrera en colectivo:

- Vejiga de Pez, grupo de artistas reunidos bajo ese nombre

- La participiación en la feria de arte independiente APUFF (Arte Por Un Final Feliz) Lima
- Otaking, proyecto desarrollado en conjunto con el artista Miguel Poma

Haré un breve resumen de las experiencias y presentaré algunos textos reunidos de los
eventos en cuestión.
Vejiga de Pez

Vejiga de Pez se inicia el 2011 por la iniciativa de Augusto Ballardo, amigo y

compañero de estudios de la universidad perteneciente a la especialidad de Grabado.
Él invitó a varios artistas a la creación de un grupo con un interés claro y común: la
producción de arte geométrico. Esta premisa simple nos llevó a embarcarnos a una
aventura que se aplazó hasta cuatro exhibiciones en distintos lugares independientes
e institucionales en Lima: Zona30, el Centro Cultural de la Escuela de Bellas Artes, la
Casa Inmobiliari y el Museo de Arte Contemporáneo. En dos oportunidades contamos
con la colaboración curatorial de Manuel Munive.

Los artistas participantes durante toda la experiencia del grupo fuimos: Augusto
Ballardo Arce, Carlos Zevallos, Muriel Holguin, Valentino Sibadón, José Ignacio Iturburu,
Franco Domenak, Alejandra Vera Andrés Chávez Alcorta, Rocío Cáceda, Juan Carlos
Urrutia, Danilo Filtrof, Jaime Rey de Castro y Elisa Mogollón.
Nota de prensa de la exhibición

ZONA INTERSTICIOS
VEJIGA DE PEZ estarán en Zona30 del 27/09-13/10

Un grupo de artistas jóvenes provenientes de las cuatro escuelas de artes visuales de Lima
-y un invitado extranjero- se reúnen bajo el críptico nombre de “Vejiga de pez” para realizar
una serie de obras ideadas especialmente para algunas de las habitaciones y los espacios
del antiguo edificio que Zona 30, proyecto de residencias y talleres para artistas.

Tal vez el factor generacional y el que todos se hayan formado -o se formen- como artistas
visuales en Lima sean los vínculos esenciales entre los participantes. Un tercer factor es, tal
vez, el hecho de que en sus propuestas artísticas “lo geométrico”, ya sea como estructura
biomórfica, como principio hermético, como pauta gráfica, entre otros “usos”, sirve como
punto de partida para sus indagaciones. Finalmente, la propia arquitectura del edificio se
encarga de englobar y afiatar el conjunto de las participaciones, articulando así un discurso
polifónico sobre las poéticas que animan el trabajo del artista actual, las condiciones
propiciadas cuando este se relaciona con otros en proyectos signados por lo furtivo y lo
efímero, y particularmente el reconocimiento y el uso que hacen de su propia ciudad cuando
operan en algunos de sus sitios emblemáticos y neurálgicos.

Los artistas participantes son: Augusto Ballardo Arce (PUCP), Carlos Zevallos (PUCP), Muriel
Holguin (PUCP), Valentino Sibadón (ENBA), José Ignacio Iturburu (ENBA), Franco Domenak
(ENBA), Alejandra Vera (Centro de la Imagen), Andrés Chávez Alcorta (Corriente Alterna), Rocío
Cáceda (PUCP/ASL-NY) y el venezolano Juan Carlos Urrutia (IUNA-Argentina)

Manuel Munive, 2011.

(Izquierda)
All that Jazz / Old Dad’s Jazz
Collage mural con tinta china, papel y cartón
Instalación in situ, espacio Zona 30
2011

(Derecha)
(detalle)
Máscaras de cartón
60x60x45cm cada una
2010
CASA TOMADA
LAS EXPERIENCIAS DEL COLECTIVO VESICA PISCIS

Los artistas jóvenes peruanos diseñan estrategias para experimentar, exponer y, en lo posible, comercializar sus obras
en un mercado paradójicamente incipiente y competitivo. Vesica Piscis es un colectivo artístico que se caracteriza por la
intervención efímera de arquitecturas limeñas en desuso.

Por Manuel Munive. Crítico de arte (Perú).

Durante los últimos años hemos visto como algunos artistas jóvenes, usualmente agrupados en “colectivos”, han
realizado y expuesto trabajos en inmuebles deshabitados del centro de Lima, Miraflores o Barranco. Dichos espacios,
disponibles temporalmente por haber estado fuera de uso o destinados a demolición, se convirtieron entonces en
talleres y recintos expositivos que, además de nuevas prácticas artísticas, han definido la creación de un nuevo público”,
también joven, dispuesto a acudir a estos lugares gracias a las convocatorias difundidas por las ineludibles redes sociales

Por un lado, artistas dispuestos a experimentar en espacios cuya conformación determina el trabajo al envolverlo
y contenerlo y, por otro, una cofradía de espectadores dispuestos a peregrinar a donde estas experimentaciones se
produzcan. Una vinculación fructífera.

El colectivo Vesica Piscis, integrado por artistas visuales jóvenes formados en la Facultad de Arte de la Universidad
Católica, en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en el Centro de la Imagen, realizó su segunda “incursión en la “Casa
Inmobiliari” (San Isidro, Lima)”.

El nombre del grupo -”Vejiga de Pez”, en castellano - alude a la figura geométrica resultante de la intersección
de dos circunferencias y a las sucesivas geometrizaciones que pueden realizarse a partir de aquella. Sus integrantes
comparten algunas premisas conceptuales y formales relacionadas con este principio geométrico y desarrollan una
praxis que consiste en generar proyectos personales destinados a realizarse en espacios arquitectónicos específicos.

Tal vez el factor generacional y el que todos se hayan formado como artistas visuales en Lima sean los vínculos
esenciales entre los participantes. Un tercer factor es, sin duda, el hecho de que en sus propuestas artísticas “lo
geométrico”, ya sea como estructura biomórfica, como principio hermético, como pauta gráfica o como táctica para la
exploración del espacio como recinto expositivo, sirva como punto de partida para sus indagaciones.
Finalmente, la propia arquitectura del edificio elegido se encarga de englobar y afiatar el conjunto de las participaciones,
articulando así un discurso polifónico sobre las poéticas que animan el trabajo del artista actual, las condiciones
propiciadas cuando éste se relaciona con sus pares en proyectos signados por lo furtivo y lo efímero y particularmente
el reconocimiento y el uso que hacen de su propia ciudad al operar cada vez en un sector distinto.

Las instalaciones de Valentino Sibadón (Lima, 1984) y Jaime Rey de Castro (Arequipa, 1960) coincidían en ofrecer
reflexiones sobre las implicancias de la “proyección” y la “representación” en el mirar. Ambas propuestas parecían
hablamos acerca de la representación-o el “arte”-como una ilusión (óptica).
Una carácter litúrgico enlazaba las instalaciones de Augusto Ballardo (Lama, 1986) y Muriel Holguin (Lima, 1988). El primero,
mediante textos de entonación bíblica, material gráfico catequético y una puntual articulación de iluminación de neón
había configurado un ámbito semejante al punto de reunión de una secta sincrética que recuperaba la naturaleza
hermética del culto cristiano. La segunda, retomó el collage para convocar una multitud de personajes recortados de
revistas antiguas, individualizados y dispuestos sobre pequeños bloques de madera que hacían de su obra una suerte
de juego de mesa “antropológico”.

Los marcos de las ventanas suspendidos por Elisa Mogollón (Lima, 1985), además de configurar un espacio cuasi
escenográfico, parecían aludir a una incisiva visión interior mediante la sucesión de los elementos que “enmarcan” la
mirada exterior. Y sus sombras resultaron también cruciales, como lo fueron en la percepción del trabajo de Carlos
Zevallos (Huánuco, 1986). Fluctuante entre la escultura y la maqueta arquitectónica, los plegables u origamis “fractálicos”
de Zevallos consiguen, con una iluminación adecua- da, que la sombra sea también substancia de sus piezas.

José Iturburu (Lima, 1981) y Franco Domenak (Piura, 1980) coincidieron en la ejecución de intervenciones murales.
El primero plasmó en dos tramos de las escalinatas del edificio planteamientos gráficos que evocaban el filodurismo
pictórico y, a la vez, la señalética corporativa. Por la rapidez del trazo, la intervención de Domenak se hallaba más cercana
a la impronta de la incursión graffitera.
 (Izquierda)
Composición sin título
Instalación con volúmenes de cartón
Instalación in situ, Casa Inmobiliari
2012

(Arriba)
Pez
Escultura en cartón
120x60x40cm
2012
 Felino y alado
Instalación collage, pintura acrílica, micas, cartulinas y cartón
Instalación in situ, centro cultural Bellas Artes. Medidas variables
2013
Nota de prensa del MAC LIMA
https://dialogusci.com/ejemplo/vol-iv-inmersion-vejiga-de-pez/

VOL. IV – INMERSIÓN // VEJIGA DE PEZ

El Museo de Arte Contemporáneo (MAC Lima) inaugura la instalación “Vol. IV – INMERSIÓN” del grupo Vejiga
de Pez, quienes en esta oportunidad han intervenido la laguna del museo con la finalidad de generar una
participación activa entre el público y las obras.

La temática de los trabajos permanecerá en relación a los conceptos que el grupo viene trabajando desde
su primera exposición (2011), es decir: una búsqueda por recodificar los espacios expositivos a través de la
intervención y la geometría.
En esta ocasión se trabajará en una escala redimensionada, vinculando sus propuestas en las características
naturales que el propio espacio de la laguna les brinda.

Vejiga de pez está conformado por cuatro artistas nacionales, y en esta cuarta ocasión, un artista invitado
desde México. Grupo que enfoca su mirada en el Arte y la sociedad actual, combinando y compartiendo sus
inquietudes particulares a través de un mismo lenguaje, la geometría.

Sin duda sus intervenciones, se desplazan en los diferentes movimientos del arte contemporáneo, pero es
oportuno destacar como cada uno de los artistas hace énfasis en la materialización del “espacio” como principal
herramienta del Arte, para poder redirigir la mirada del espectador según espacio intervenido, espacio que
termina de enlazar sus diferentes propuestas.

Augusto Ballardo, José Ignacio Iturburu, Valentino Sibadon, Carlos Zevallos y Danilo Filtrof (México)

2016
 VEJIGA DE Pez vol. IV
INMERSION
Registro de instalación grupal en la laguna
del MAC Lima
2016
APUFF LIMA 2013 - 2015

Fue una feria de arte independiente en la cual formé parte a través de Master Piss Galería,
plataforma de arte que reunía a artistas emergentes del momento y dirigida por Emilio Vargas
Vera. Tuve la oportunidad de participar durante las ediciones del 2013 al 2015.
Nota de presna para APUFF LIMA y Galería Master Piss socializada como evento de Facebook

APUFF LIMA 2013/ Primera feria chévere de arte en Lima.

23-28 abril.
(ENTRADA LIBRE)

APUFF Lima es un evento autogestionado por creadores locales que surge en el contexto de las dos Ferias
de Arte que tendrán lugar del 23 y el 28 de abril en Lima. APUFF Lima se concibe como un proyecto de difusión
de propuestas artísticas emergentes a partir del encuentro de iniciativas de creadores, colectivos, galerías
y espacios de creación; asimismo se plantea como un espacio de reflexión entorno a algunas cuestiones
derivadas de las lógicas del mercado artístico oficial.
APUFF Lima abrirá sus puertas del 23 al 28 de abril con una programación que incluye muestras con el trabajo
de galerías y creadores independientes, performance, presentaciones musicales y conversatorios. Asimismo,
incluye propuestas de intervención en el espacio público e invita a las personas interesadas a visitar los talleres
de varios artistas locales.
APUFF Lima reúne a: Water Espacio Crítico, Master Piss Galería, Terror Gallery, NNM.Gallery, Arte Manifiesto y
proyectos individuales de Wylly Medrano Zumaeta, Ana Cecilia Farah , Alessandra Rebagliati, Humberto Polar
Pin, David Sánchez, Elisenda Estrems, Hemilio Vargas y Aaron López. Otros espacios que participan son Taller
Santa Rosa, Taller Fumakaka, Cuarto de Azotea y Plataforma Afuera.

Programación:
Martes 23 abril.
6pm. INAUGURACIÓN.
Nos acompañarán con su sazón musical:
7 pm. Dj Berckemeyer. Dj Nofoto.
9 pm. Dj Qechuaboi.
 Proyectos participantes:

MASTER PISS es una galería sin espacio físico, una

plataforma para la difusión de artistas emergentes que
genera espacios de encuentro y discusión en torno al
arte contemporáneo.
Master Piss presenta: “Proyecto Paneles Móviles”. Artistas
participantes: Carlos Zevallos, Marinés Agurto, Debrah
Montoro, Joaquín Boz (Ar), Carlos Hernández, Miguel
Cabeza y Adriana Carpio.

WATER ESPACIO CRÍTICO es una plataforma para la

difusión y crítica artística.
Water Espacio Crítico presenta: Maria Isabel Noriega,
Carolina Arévalo, Alejandro León.

TERROR GALLERY es un espacio de exposición y

experimentación artística que respalda nuevos
lenguajes, nuevos artistas y nuevas teorías dentro del
arte contemporáneo.
Terror Gallery presenta: Pedro Cuevas (Ar), Joa Goldstein
(Ar), ArteArto (Pe).

APUFF NNM.Gallery es un espacio expositivo experimental

Registro de reunión de organizadores y galerías en NNM.Studio de arte digital y New Media-s (proyecto físico de NNM.
Fuente: Facebook Studio). Artistas participantes: Ignacio Álvaro (Pe), Johan
2015
Velit (Pe), Emilio Gomariz (Es).
Proyecto presentado en la primera edición de APUFF LIMA
(2013)

(Arriba izquierda)
Vacíos Expresos
Instalación de conjunto de fotografías
2013

(Derecha arriba)
Vacío Expreso 12
Fotografía digital
Medidas variables
2013

(Derecha abajo)
Vacío Expreso 8
Instalación con cartón corrugado
120x80x9cm
2013
Parte del registro de mi participación de la
segunda edición de la feria APUFF (2014)

(Izquierda)
Paradoxes
Teeaser Flyer para exhibición
Medidas variables
2014

(Derecha)
Paradoxes
Pintura acrílica sobre parabrisas
120x80x15cm
2014
 Otaking, One Shot
Otaking es un proyecto que nace en colaboración con el artista y
amigo Miguel Poma con la finalidad de crear una historia gráfica basada en
los fanáticos peruanos de la cultura popular japonesa o también llamados
“otakus”. El binomio de artistas inicia sus operaciones el año 2018 y gana
una oportunidad para exponer en la galería del Centro Cultural Peruano
Japonés “Ryoichi Jinnai” el 2019. Ese mismo año ganan uno de los incentivos
para creaciones literarias entregada por el Ministerio de Cultura del Perú.

El proyecto dio como resultado una variabilidad de productos, entre

los que se encontraban ilustraciones, pinturas, merchandising, esculturas y
posters. La historia estuvo basada en entrevistas a actores y realizadores
de historias gráficas en Perú, así como también a aficionados al manga y al
anime japonés durante los años ochenta y noventa. En este momento el
grupo se encuentra en proceso de una nueva creación.

Teaser poster de la exhibición

Otaking One Shot
Ilustración digital
2018
Texto curatorial para muestra
Otaking, de la creación de un mundo a partir del mundo

Sentado en la hemeroteca busco documentación para este proyecto y abro un diario de 1992. Detrás de algunas noticias de actualidad política me encuentro con un aviso
que vende un dispositivo electrónico de mensajería: “Kontakto, el sistema buscapersonas más avanzado del mercado”. Lo que terminó popularizándose con el nombre de Beeper
presumía de una memoria para 20 mensajes y una cobertura desde Lima hasta Ancón. Conducido por una nostalgia automática, saco mi celular y le tomo una foto al aviso, dos
minutos después la foto ya estaba almacenada en la “nube” del internet disponible ahora para todo el mundo.

Hoy, 26 años después, los que vivieron de cerca los años ochenta o noventa pueden reconocer los cambios que el mundo ha experimentado. La tecnología y sus avances han
modelado en gran parte los fenómenos de globalización que ahora se viven a velocidades que hubieran sido inimaginables en ese entonces. En ese sentido me pregunto ¿cómo es
que impacta este cambio a la cultura y la sociedad peruanas? ¿Éste avance tecnológico ha ido a la par de algún tipo de avance cultural?

Otaking, One-Shot, es el primer resultado de una pregunta amplia que dos artistas plásticos se plantean inspirados en los orígenes del fenómeno de la comunidad Otaku
en Perú: ¿cómo crear un mundo a partir del mundo? ¿Cómo conjugarlos? Son preguntas que plantean problemas globales, como los procesos de secularización e individuación del
peruano apasionado por la cultura popular japonesa. Procesos que toman como referencia un perfil extranjero gestado en una realidad distinta pero que modelan la identidad,
decisiones y emociones de los aficionados del anime y el manga del país. La siguiente muestra desarrolla una respuesta a partir de la creación de una historia secuencial con
influencias del manga shonen y usando como campo de cultivo una época convulsa, de cambios sociales, políticos y económicos como fueron las últimas décadas del siglo XX.

El mundo del otaku peruano parece haberse creado a sí mismo “como la higuerilla, como esa planta salvaje que brota y se multiplica en los lugares más amargos y escarpados”
*, en esos espacios en donde la cultura se adapta sin plan, se mezcla y se confunde con un entorno paradójico. Pero si en 1992 hubiéramos visto el futuro ¿la realidad que hoy se
presenta sería una visión utópica o distópica del Perú y su cultura? Si el acceso a la información aceleró los procesos de transculturización al mismo tiempo ha generado una fractura
de la lectura de “identidad peruana” única, generando en algunos casos más distancia e indiferencia entre nosotros. Habría también que cuestionarse si el sentido de pertenencia
otaku responde a valores comunes entre sus pares o apunta más bien a la creación de una individualidad que busca su diferenciación del conjunto a través del consumo y el cúmulo.

Este proyecto de narrativa secuencial, plantea resolverse como un referente visual de procesos culturales que navegan perdidos entre la marea de fenómenos enajenantes.
No pierde la fe en encontrar un resultado que comulgue con alimentar los sueños y deseos de nuevas generaciones con ganas de crear sus contenidos, sus propias historias,
historias que son posibles y modelan el mundo: nuestro mundo. Nos es importante pues no existe una entidad oficial que rescate o registre estos procesos, que dibujen los límites
y las fronteras ambiguas del cambio sin un debido cuidado de documentación o auto-referencia a la cultura peruana.

La historia del Perú y su realidad se conjuga entre las sombras de lo real y las luces de la esperanza de lo que puede llegar a ser si la acción del individuo se pone en marcha,
pero sobre todo ¿Cómo se recopilará y contará la historia contemporánea de aquí a 26 años más? ¿Bajo qué criterio seremos juzgados?

¿Cómo queremos ser recordados?

Carlos Zevallos Carrillo

Lima, Agosto, 2018.

* Referencia al cuento “Al pie del acantilado” de Julio Ramón Ribeyro.

Pieza parte de la exhibición del proyecto Otaking en el Centro Cultural Peruano Japonés
Mecha Moche
Máscara escultórica interactiva
Cartón plegado y pintura en spray
51x42x43cm
2018
Concepto de Personaje del proyecto Otaking: One Shot
Kilku, Daniel y Camilo
Ilustración digital
Medidas variables
2018
3 Carrera individual
Introducción portafolio personal 2011

El disparador creativo de mi trabajo se produce al jugar

con los elementos sintácticos de la imagen plana y del
espacio tridimensional a través del origami. Este medio me
permite penetrar en el significado de la imagen y resignificarlo,
pero manteniendo la integridad del soporte. El trastoque y
manipulación de la imagen se generan durante el proceso de
creación y experimentación con los materiales mismos. Creo
fielmente que este objeto resultante, más que un ejercicio
de mímesis de la realidad, es sobre todo un reflejo de mis
pensamientos, ideas, deseos, recuerdos y sueños.

Carlos Zevallos Carrillo

Mayo, 2011
 Empiezo con esta serie de fotos porque
ilustra bien el interés que tuve al acercarme al
milenario arte del origami, personalmente significa
para mi una herramienta de comunicación, a través
de la cual puedo encontrar caminos por donde
expresarme plástica y conceptualmente.
En este proyecto investigo nuevas formas
de pensar el pliegue a través de cambios físicos del
papel como metáfora visual.

Fire Folding
Progresión de plegado conceptual
Impresión en papel fotográfico
60x30 cm
2014
 Siguiendo con la línea de
investigación anterior, en este proyecto mi
planteamiento fue pensar en los dobleces
en relación a nuestro cuerpo. ¿Cómo es que
a través de doblar y desdoblar nuestras
extremidades percibimos o transformamos
nuestro entorno?
Inspirado en el famoso mito de
Platón, “Caverna” plantea un espacio
interactivo en donde el público proyecta sus
propias sombras con el pliegue y despliegue
de sus manos.
Esta meta-performance colectiva
es una crítica sutil a los límites personales
que conforman nuestra concepción de la
realidad a través de la experiencia de una
obra de arte contemporáneo. Cómo es que
la obra empieza y termina por construirse en
lo que el espectador entiende por arte y los
posteriores cuestionamientos que surgen
de los intentos por definirlo.

Caverna
Video Instalación
Cartulina, instrucciones y proyección multimedia
Medidas variables
2017

(Arriba izquierda)
Público interactuando con la obra

(Arriba derecha)
Mapa de instrucciones parte de la video instalación

(Debajo izquierda)
Registro de proyección

(Debajo derecha)
Registro de la usuario de instagram @fantozzilaura interactuando con la obra
 El año 2010 inicio individualmente un proyecto que denominé “The Outsider”, partí (Vista frontal y superior)
de la idea de crear una figura mesiánica que aparezca cerca a los procesos electorales del Sympathy for the devil (The Outsider project)
país y que lo rescate de su debacle inminente. Este proyecto fue creado durante el proceso Plegado de láminas escolares
electoral, del mismo año, tenía adentro en aquel tiempo cierto pesimismo frente al panorama 10x10x10cm
político y como parte del proyecto empecé a plegar propaganda política que me había sido 2010
repartida o encontraba en la calle.
Hasta la actualidad repito esta labor durante cada proceso electoral en el país, por lo
que se mantiene vigente y me sirve como archivo personal de la coyuntura nacional.
Creo que este proyecto me ha ayudado a entender mejor la política y por que no decirlo,
hasta apasionarme por ella: sus discusiones, sus vaivenes y sus decepciones.
 Esta pieza fue uno de los primeros Dodecaedro presidencial (The Outsider
acercamientos que tuve al mezclar la imágen project)
con el pliegue. Usé solo láminas escolares de Escultura de láminas escolares ensambladas
presidentes del Perú en su etapa republicana. 10x10x10 cm
Significa para mi una crítica social 2011
al sistema político de núcleo corrupto
constante través de sus caudillos; así
como también una denuncia al sistema
educativo nacional que se encuentra en crisis
hace décadas. En ambos casos problemas
esrtucturales de los cuales padece el país.

(Arriba)
XVII Star (The Outsider project)
Material de la obra: lámina escolar con
presidentes del Perú contemporáneo
2013

(Izquierda)
XVII Star (The Outsider project)
Ensamble con láminas escolares
10x10x10 cm
2013
 En este caso el trabajo presentado tiene dos
maneras para ser visto, la primera es la versión plana que
se trata de una visión bidimensional de la imagen. Es un
collage digital que se presenta como una visión reticular
del autorretrato, su carácter desconstructivo es un reflejo
del espejo al que proyecto mis miedos e inseguridades
personales. La seguna versión es el tejido teselar del
origami tridimensional que forma un objeto holográfico
que puede ser visto desde izquierda y derecha en donde
se proyecta mi rostro reconstruido como en la foto de
referencia original antes de la edición digital.
En ambos casos se trata del mismo objeto, pero en
distintas dimensiones de lectura, su significado fluctua
entre el 2d y el 3d.

(Arriba)
Autorretrato holográfico (versión desplegada)
Collage digital
Medidas variables
2011

(Derecha)
Autorretrato holográfico (versión plegada)
Vistas izquierda y derecha
Impresión digital sobre papel
21x 17x3 cm
2011
 (Arriba y derecha)
Autorretrato holográfico
Versión presentada para el concurso pasaporte para un artista
Instalación con cartulinas y papel
240x240x150 cm
2011

(Esquina izquierda)
Autorretrato holográfico (versión desplegada)
Collage digital
Medidas variables
2011
 Trabajo ganador del primer puesto en el concurso
Pasaporte para un artista 2014

(Arriba izquierda)
Estudio de (auto) retrato
Estudio de pixeles
Archivo digital
Medidas variables
2014

(Arriba derecha y debajo)

Estudio de (auto) retrato
Instalación in situ, cartulinas de colores, y proyeccion multimedia
200x180x150 cm
2014
Vistas de trabajo presentado en el concurso Fase 1, organizado por la
galería Revolver
Crystal
Instalación con cartón, crayolas, borrador e immpresiones digitales
Medidas variables
2013
Vacíos Expresos, texto curatorial

Este proyecto abarca una serie de al papel que el artista desempeña dentro del
reflexiones en torno a los vacíos del mural de panorama local limeño. ¿Cómo una sociedad Obra parte de la exposición individual en la Alianza Francesa de
la vía expresa, en la ruta de Miraflores. La obra se liga al concepto de obra de arte público?
¿Cómo se convierte en relevante o ajeno?
La Molina “Vacíos Expresos”
del artista peruano Ricardo Wiesse, realizada
entre los años 1990 y 1991, llamó mi atención ¿Refleja simbólicamente nuestra identidad
durante un viaje en el transporte público colectiva? ¿Es un síntoma del presente? Al ser (Izquierda)
del Metropolitano: el paso del tiempo, los consciente de la presencia de estos vacíos Lobo Expreso
avatares del clima y la falta de interés en su se activa su valor inadvertido y me involucra
Intervención digital de vacíos de la vía expresa
conservación han llevado a la obra de arte directamente con el contexto de la ciudad.
Tomo los vacíos como un detonante, un
Medidas variables
pública, más extensa de la ciudad, a su ruina. 2014
Sin embargo, su constante deterioro ha artificio, un punto de partida para la reflexión
dado paso a la creación de nuevas formas. y creación de las piezas de la muestra, en
Creo que éstas han generado una “imagen donde cada una de ellas hace evidente (Derecha)
maneras diferentes de abordar sus formas,
nueva” que, al ser pública, se expone a una
recorridos, representación, materialización,
Vacíos Expresos 2
serie de interpretaciones que el imaginario Collage con impresión digital sobre tela y restos del mural de Ricardo
colectivo le brinda. Las interpretaciones apropiación y significado.
Wiesse
están vinculadas al valor de la obra de arte y
Junio 2014 2014
Obra parte de la exposición individual 2d - 3d presentada en la
sala Luis Miro Quesada

Fountain
Réplica de la famosa pieza de Marcel Duchamp por su ciento aniversario
Cartulina foldcote, esticker holográfico
60 x 50 x 40 cm
2017

(Arriba)
Boceto inicial
Marcadores sobre folcote

(Medio)
Modelado tridimensional en 3ds max
Captura de pantalla

(Debajo)
Escultura en cartulina folcote
2D <-> 3D Doblez, despliegue

La manera en que nos relacionamos propician el paso del plano al volumen lo

aquí, con la obra de arte, refleja el instante que permite al artista jugar con los estados
económico social y político en el que se transitorios del objeto. Propone así, un
ubican nuestros cuerpos. En una sociedad reconocimiento de lo real y presente como
ensordecida por el ruido de la información, estado en permanente cambio. Es el rastro
donde nuestra conexión con las cosas se que deja el pliegue, lo que representa la
ve mediada por las dinámicas del mercado convivencia de dos dimensiones, plano y
y en la que los intercambios afectivos son volumen, el objeto como repositorio de la
restringidos por la inmediatez, el “abandono acción y del tiempo.
del cuerpo humano y su consecuente
sustitución por otras corporalidades (más El juego y la exploración de ese estado
técnicas y menos carnales)”. Vmos perdiendo transitorio / real a partir de las relaciones
esa sensibilidad ante la fricción que provoca geométricas así como el uso de proporciones
el encuentro frente con el objeto, de basadas en los números reconocidos por
aquello que nos conecta al mundo de lo los pitagóricos como sagrados, proveen a
tangible y esencial, nos concientiza sobre la los objetos y símbolos creados de un acento
territorialidad de nuestros cuerpos y sobre místico, cuya energía interactúa con el otro
la presencia del otro. en la búsqueda de esa fricción que lo ubicará
en el presente.
“La obra de arte como objeto, tiene la
capacidad de acumular energía y transferirla” Crear, entendiendo que la esencia de
en tanto sobre coja y conecte con el espíritu. las cosas parte de un estado de constante
Tiene también la capacidad de asentarnos transformación, vincula la obra con el
en el mundo y darnos un sentido de realidad cuestionamiento sobre la representación de
como presente aquí y ahora. La obra de la identidad individual y colectiva. El juego
Carlos Zevallos representa una búsqueda y deconstrucción de las proporciones de
constante por lograr manifestaciones aquellos símbolos que señalan al artista como
simbólicas concretas y tangibles que parte de una colectividad, institucionalidad,
compartan una conciencia de la realidad. nación, se hacen presentes para lograr una
El estudio de las proporciones numéricas nueva dimensión en la lectura de la obra. La
en la naturaleza y los objetos, así como la conciencia del cuerpo presente propone un
indagación en conceptos relacionados a la repensar de la realidad hacia la construcción
geometría como sistema de organización de nuevos sentidos.
del mundo perceptible le ha servido para
conectar esta inquietud y búsqueda Andrea Elera
personal. (Izquierda)
Texto curatorial para muestra personal 2D <-> 3D Doblez,
Ordenar el vacío, desarmar, volver a despliegue.escrito por Andrea Elera.
construir. Estos ejercicios se caracterizan por
utilizar el papel como soporte de sistemas (Derecha)
propios de trabajo. Son la exploración del Afiche oficial de la muestra
papel y las relaciones geométricas que Julio, 2017
2D <-> 3D Doblez, despliegue

2D <-> 3D Doblez, despliegue matéricos. Los óleos y tintas chinas comenzaron

Presente desde el nacimiento de las primeras como manchas en el papel, manchas que fueron
manifestaciones artísticas, el empleo y el extendiendose en el plano buscando ganar
continuo estudio de la línea, por medio del dibujo, terreno con pasos tímidos y calmados en algunos
permitió al hombre desplegar un amplio abanico casos, y con pasos ágiles y enérgicos, en otros,
de posibilidades. El sensible y seguro trazo visible logrando plasmar dos estados característicos del
en planas representaciones naturalistas sobre espíritu.
abruptos muros como los de las cuevas de
Lacaux y Altamira dio paso, conforme el hombre Origamis y esculturas en papel con limpias
agudizaba más y más la vista, a representaciones líneas trabajadas con ayuda de la tecnología se
tridimensionales en el plano. muestran también. Los incontables figuras que
surgen al plegar el papel poseen un formato
Por otro lado, ligada también al uso de la línea, nos básico del cual pueden resultar muchas otras
encontramos con el nacimiento de la escritura. variantes. Aquí destaca la importancia del trabajo
En la China antigua, por ejemplo, el plasmar de experimentación de la mano en contacto
conceptos abstractos, en forma de poemas, directo, sin intermediario, con el material lo que
sobre papel por medio de un pincel y tinta se le permite comprender la maleabilidad de éste y
volverían un arte. Los caligrafistas desarrollaron obtener, así, nuevos resultados.
un dominio tal de estos materiales que les
permitió equiparar la belleza espiritual de dichas Zevallos, sin embargo, no es ajeno a su contexto.
ideas con la belleza gráfica con la que dotaban su Es así que en sus obras refleja también temáticas
escritura. del ámbito local. Se ha apropiado del lenguaje
plástico de las técnicas antes mencionadas para
Esto sin embargo, no sería gratuito. Bajo los compartir inquietudes que parten de situaciones
preceptos filosóficos de búsqueda de la paz específicas dentro del entorno en el que vive.
promulgados por Confucio y Lao Tse, los artistas Problemas ligados a la urbanística, a la política, a
debían alcanzar un queilibrio mental que les la memoria y la identidad son abordados por sus
permitiera dominar sus movimiento corporales proyectos.
alcanzando la velocidad y confianza que la tinta
requiere. Es en este mismo territorio que nace el La interacción entre la obra y el espectador
arte de doblar papel: el origami. Esta técnica se demanda bastante del reciento de exposición. Las
vale también de la línea para crear volumen. No piezas se hallan rodeadas de amplios espacios, en
es la línea dibujada, sino el doblez, la línea que se un recorrido no lineal, espacial y temporalmente
crea al plegar el papel. hablando, en una representación austera que
resalta la intensión de representar la esencia
Esta individual de Carlos Zevallos nos aproxima misma. Finalmente, este formato deja ver también, (Izquierda)
a la versatilidad de la línea sobre y en el papel. la fragilidad y carácter etéreo propios de la esencia, Texto curatorial para muestra personal 2D <-> 3D Doblez,
La exposición se plantea como la muestra de una esencia que trasciende lo material para despliegue.escrito por Jerson Ramirez
un proceso de exploración aun no finalizado fundirse con las emociones del público.
sobre el permanente tránsito de la línea entre la (Derecha)
segunda y tercera dimensión. Distribuidas en la Registro de montaje de gigantografía
sala se pueden encontrar variados experimentos Jerson Ramirez Foto: Carloz, Julio, 2017
 Cyan el gato en el Jardin d´Acclimatation
Fotografía digital de registro: Haruka Otowa
Máscara de gato hecha en cartulinas
45x45x35 cm
Obra presentada en la exposición individual “Carpe Diem”, diciembre 2015.
París, 2015
 CARPE DIEM

‘Te he seguido como nos persiguen los días

Con la seguridad de irlos dejando en el camino…’
E. A. Westphalen

Se dice del presente que es un regalo, de las pocas cosas que el

ser humano tiene la seguridad de poseer. Jean Paul Sartre sostenía que
el pasado es inamovible, existente solo para entender quienes somos; y
el futuro, al no existir aun, será solo una consecuencia de las decisiones
tomadas hoy. Es en el presente en donde el ser humano tiene la
capacidad y responsabilidad de ejercer su libertad. ¿En ese sentido, no es
acaso hacer arte una manera por la cual también se deja en manifiesto
nuestra existencia en el mundo? Manifiesto como vestigio que se niega a
desaparecer o intento fallido por congelar sectores de ese constante flujo
del presente.

Esta muestra tiene como intención transportar “fragmentos del

presente” vividos durante mi estadía en Paris, que instalados al nuevo
contexto de la sala de exposición generen una reflexión sobre el espíritu
que estos aún guarden. Esta serie de piezas más que representaciones
de la realidad son una reconstrucción de la memoria personal de mi viaje
desde distintas disciplinas. Es el nuevo espacio y la visualización de ellos
los que descongelan ese afán del tiempo antes capturado.

El poema Carpe Diem de Horacio me dictó un consejo “Vive el día

de hoy”, y parecía casi imposible o contradictorio empeñarme a registrar
aquellos momentos inolvidables del viaje, sabiendo al mismo tiempo que (Izquierda)
iban acabando. El poema nos devuelve a ser consciente de la fragilidad de Texto curatorial para muestra Carpe Diem, noviembre del 2015.
estar vivos pero desde otro punto de vista nos proyecta también hacia
un posible futuro, a tomar decisiones que nos definan de nuevo en el (Derecha)
aquí y el ahora; en última instancia, como si detener el tiempo se tratase Pinturas de autorretato parte de la muestra. Acuarela y témpera
simplemente de sumergirse en el río del presente. sobre cartulina.
2015

Carlos Zevallos Carrillo

 Esta y las siguientes obras presentadas forman parte de
una serie que rescata y resignifica obras geométricas de artistas
peruanos. (Arriba)
Considero que la labor de este grupo de trabajos es rendir un Bandera 1, after Eduardo Moll
homenaje al linaje geométrico de la cultura peruana. Los antiguos Boceto en papel y final en aluminio
42x30x8cm
peruanos en sus telares y ceramios ilustraban ya su realidad a
2012
través de la geometrización de su mundo.
Las formas geométricas son símbolos, pero también
números. En la abstracción de estas formas la cultura pre hispánica
representaba la naturaleza, su cosmovisión y a sus dioses. Dentro
de la síntesis también existe la complejidad del significado que
hasta ahora nos cautiva cuando contemplamos los vestigios de
ese arte en nuestros museos.
 En medio de ese aprendizaje
de reconocimiento personal e
identitario los artistas peruanos
como Emilio Rodriguez Larraín han
recorrido el lenguaje geométrico
para realizar sus obras, nutridos por
la vertiente pre hispánica y también
por lenguajes de corrientes de
vanguardia del S XX como en el caso
la abstracción geométrica.
El poder rastrear esta influencia
me hace sentir parte de algo mayor y
de la formación de una tradición y la
alimenta con nuevas ideas, mientras
reconoce sus orígenes y reafirma su
valor identitario.

Apropiación y resignificación a través de

dobleces de la obra del artista peruano
Emilio Rodriguez Larraín.

Nasha 5, after Emilio Rodriguez

Larraín
Pintura acrílica sobre aluminio plegado
72x48x10 cm
2021
 Revival
“After Regina Aprijaskis”

Trabajar en el revival de una de

las mayores representantes de la pintura
peruana contemporánea es entrar a una
conversación profunda con los procesos
artísticos plasmados en sus obras.
Esta conversación proyecta no sólo los
procesos cognitivos desarrollados en la
pintura, como son sus planos de color, las
proporciones, la escala y el color, contiene
sobre todo la interioridad de Regina
Aprijaskis, su evolución artística y personal.

Ser consciente de esta conexión

intrínseca me hizo pensar en una respuesta
que interprete pero que no transgreda
el silencio de las obras originales. Los
dobleces realizados sobre las imágenes
son un comentario que interviene pero no
corta la continuidad del relato original, son
una ventana abierta a una nueva lectura
del paisaje generada por la volumetría
y la transformación del espacio interior
y exterior de las obras, pero que guarda
conexión con la naturaleza abstracto
geométrica de la obra.

Este revival “After Regina” no solo

es una oportunidad para reencontrarse
con los espacios que le dieron forma a las
pinturas (como es el desierto de Paracas
en el caso de RA63 de 1967), este revival es
un homenaje, una invitación a disolverse
en la expresividad y belleza de esta nueva
serie de obras adscritas al lenguaje del arte Apropiación y resignificación a través de dobleces de la
geométrico, peruano y contemporáneo.
obra de la artista Regina Aprijaskis
Octubre, 2021.
RA92, after Regina Aprijaskis
Pintura acrílica sobre aluminio plegado
72x48x10 cm
2021
 Esta pieza minimalista de cobre se presenta
como una representación simbólica del cambio y la
transformación. Con el tiempo, la obra adquirirá un
registro de su proceso de oxidación, una referencia sutil
a la importancia del paso del tiempo y a la inevitable
evolución de todas las cosas.

Además de su simbolismo, esta pieza minimalista

también tiene una conexión con la historia y la cultura
pre hispánica. La pintura de la pieza está inspirada en
las formas escalonadas y pirámides truncadas que se
encuentran en la arquitectura y los diseños textiles de
estas culturas, que a menudo representaban conceptos
abstractos a través de formas simples y elegantes. La
elección del material está dentro de la misma idea, el cobre
tiene una larga tradición en la cultura prehispánica y se
asociaba con los dioses y la divinidad. La elección de este
material es, por tanto, una ligera referencia a la historia y
cultura de Perú.

Aunque la pieza minimalista de cobre es una

representación visual de la evolución constante y el
cambio inevitable, también es un recordatorio de que,
a pesar de todo, algunas cosas mantienen una esencia
que perdura a través del tiempo. En el caso de la pieza,
la esencia básica de la forma sigue siendo la misma, a
pesar de las interacciones entre ellas y la forma en que
se pliegan y se doblan para crear la figura final. De esta
manera, la pieza se convierte en una reflexión sobre la
relación entre el cambio y la permanencia, y cómo ambas
fuerzas pueden coexistir en un objeto o en una idea.

Homenaje al cambio
Tríptico
Pintura acrílica sobre cobre
30x70x8 cm
2021
 1

“La obra “Sobre cómo esculpir un cuerpo ausente” es una

alegoría de la capacidad creativa del ser humano, de buscar sus
propias luchas y armas para combatirlas. La obra presentada es
un vestigio de ese proceso creativo y de su empleo por el artista
como parte de un proyecto performático continuo. El objetivo
de la obra es formar conciencia en el espectador del poder que
tiene para crear, transformar o destruir su realidad dentro de sus
posibilidades inmediatas.
La elección del material es un recurso irónico que busca generar
tensión en el significado del objeto, y por otro lado, revelar el
carácter efímero de la obra de arte. Su propósito no se agota en
su exhibición, si no en su constante uso, desgaste y reparación.“

“Descubrir el artificio es revelar una simulación.

Algunos confunden el relato del simulacro con la verdad.
Algunas simulaciones menores pueden suspender el curso
de simulaciones mayores. A esas simulaciones las llamamos
comúnmente juego.
El arte es una simulación que es aceptada por quienes la
comparten en provecho de reciclar o crear nuevos significados.
El significado justifica la experiencia simulada, la simulación en si
misma es solo efecto“

“Es un ejemplo de como el concepto de dualidad encierra

la idea de unidad. Nuestro cuerpo se conforma de ambos
significados en la distribución imperfecta de nuestra simetría
general. Los guantes tienen una diferencia de dimensiones casi
imperceptible de un 10% una sobre otra.”

“Todavía sigo descifrando la idea de tener las manos

cubiertas para golpear. ¿Se protegen los nudillos propios o las
Obra y textos presentados en la exhibición por los 25 años narices oponentes? ¿Quién elige? ¿Qué poder se tiene en elegir
dentro del artificio ajeno? ”
del concurso Pasaporte Para un Artista, año 2022.

“Sobre cómo esculpir un cuerpo ausente” Septiembre, 2022

Escultura performática en cartón microcorrugado
30x25x15 cm
2022
 (Arriba)
Art School Drop Out
Proceso de modelado en 3ds max
Captura de pantalla
2016

(Debajo)
Art School Drop Out
Escultura interactiva en cartón siendo usada por el público
Callao Monumental
39x36x28 cm
2016

Máscaras

La creación de máscaras es una serie constante en mi trabajo.

Forman parte de un afán por borrar la distancia de contemplación
entre el espectador y la obra. Hacer partícipe al espectador de la obra
de arte significa hacer que la obra cobre nuevos significados en su
activación a través del juego.
Las máscaras son un instrumento por el cual el ser humano
se oculta y al mismo tiempo revela otras partes veladas de si mismo.
El proceso de creación de cada una de ellas sigue el proceso de: idea,
dibujo, modelado 3d y el armado en cartón.
Este proceso se ha ido perfeccionando con el tiempo porque
las máscaras al ser usadas por el espectador también han sido
desgastadas y hasta destruidas. La obra es una protesis del cuerpo
que, como parte animada por el movimiento (el pliegue y despliegue),
está viva mientras está en uso. Este proceso de construcción y
reconstrucción constante los hace un elemento dinámico y versátil.
Esta cararcterística ha influenciado en mi el expandir los límites de la
idea del arte, acercándome a referentes más contemporáneos, entre
ellos los brasileños Lygia Clark y Hélio Oiticica y el alemán Joseph
Beuys con su concepto de Social Sculpture..
4 Residencias artísticas
 Cité International des Arts
Afiches publicados en las instalaciones de la Cite International
El año 2015 tuve la oportunidad de formar parte de una residencia artística en la prestigiosa Cité International
Des Arts, Paris
des Arts., París, Francia. Este fue resultado de ganar el primer premio en el concurso Pasaporte Para un Artista
2014, organizado todos los años por la embajada de Francia. Esta experiencia fue muiy enriquecedora, me permitió Invitaciones para día de Open Studio
conocer por primera vez Europa, visitar sus museos y nutrirme de primera mano con su cultura y también, porque Open Studio Carlos Zevallos
no decirlo, con sus problemas. Diseño digital
La vivencia en la residencia me dejó muchos amigos de todas partes del mundo con los que coincidí. Todas 2015
las semanas alguno de los residentes abria las puertas de su taller, lo que permitía al resto conocer su trabajo y
encontrarse. Yo realicé un par de estos Open Studios en mi taller, uno individual y otro junto a Intiñan Ayacucho,
que llegó para visitarme una semana y con el que aprovechamos para compartir un poco de nuestra cultura a los
residentes.
La experiencia personal duró un poco más de 4 meses.
 Fugaz, Callao Monumental XVII Estrella
Marcadores sobre papel
Desde el año 2016 hasta el 2018 formé parte del proyecto de Callao Monumental, con una residencia y dirigiendo un 70x43 cm
taller personal de origami. El taller iba dirigido a los residentes chalacos pero sobre todo a los niños de la comunidad 2016
del barrio de Castilla, para quienes el taller era totalmente gratis.
Lo que más rescato de esta experiencia es haber tenido la oportunidad de entrar a un ritmo mucho más acelerado
de ver y exponer arte de manera constante. En el Callao Monumental se exponía obra de muchos artistas de todo
tipo y categoría. Desde los consagrados como Victor Delfín, hasta autodidactas míticos como el caso de Lucuma.
Por otro lado, la convivencia en el barrio populoso está lleno de tramas y tejidos dignos de las novelas más mágico
fantásticas que me ha tocado conocer. La pobreza y la oportunidad conviven todos los días en un ambiente que es
atravesado por la experiencia estética y los pasillos de mármol del edificio Ronald.
 Hablar Piedras y Campo Adentro
Trabajo presentado en la exhibición “Hablar piedras”,
El año 2019 fui invitado a exponer a Madrid a la muestra denominada Hablar Piedras, Espacio Es Positivo, Madrid
comisariada por Jorge Villacorta y Violeta Janeiro. La obra que seleccionaron fue
la máscara interactiva de Tupac realizada a partir de los afiches de Jesús Ruiz (Arriba izquierda)
Durand durante la Reforma Agraria de Velazco Alvarado. y también una serie de Tupac v2.0
origamis de láminas escolares con figuras de santos locales. Máscara de cartón microcorrugado y pintura en aerosol roja
Durante mi corta estadia las instalaciones de Campo Adentro me brindaron 50x46x47 cm
hospedaje como parte de una corta residencia. 2019
Llevar de viaje la máscara de Tupac fue un acto simbólico, en el cual el
revolucionario procer nacional pisaba la tierra de sus verdugos para “renacer” (Arriba derecha)
animado por el espectador eventual. Público interactuando con la obra
5 Pedadogía artística
 Pintando con luz
Instalación en pasillo de la Ensabap
Micas de colores sobre ventanales
Medidas variables
2019

Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

Desde el año 2013 al año 2020* tuve el grato

privilegio de enseñar en la escuela nacional de arte, lo que
debe haber sido una de mis mayores etapas de aprendizaje
artístico después de la univerdad Católica. Tanto es así que
lo considero mi segunda escuela de formación artística. Tuve
la oportunidad de formar parte de los programas de pintura
y de educación artística. Dentro de ellos dicté cursos como
Taller de Arte, Introducción al color, y Pintura.
Las imágenes presentadas forman parte del registro
de una instalación realizada junto a los alumnos del programa
de educación, quienes en base a la teoría del color y la luz,
realizaron esta intervención para el curso de pintura en los
pasillos del segundo piso del primer patio de la escuela.

*Los años 2015 - 2017 no dicté en la Ensabap por mi

viaje a París y luego mi residencia en Callao Monumental.
6 Gestión Cultural
 (izquierda)
Social - Rollin Fest
Dibujo realizado durante el Rollin Fest, San Miguel,
Mixta sobre papel americano
500x200 cm aproximadamente
Lima. 2023.

Desde el año 2021 inicié un proyecto colectivo junto al artista Intiñan

Ayacucho llamado Yanaguara, el cual está enfocado en el intercambio de
experiencias vivenciales a través de la práctica pictórica grupal. Hemos delimitado
comandos de ejecución artísitca en donde los espectadores son protagonistas
de la obra. En estos momentos el proyecto se prepara a presentar su primera
muestra de resultados de sus dos primeros años de desarrollo.
A continuación dejo un texto teórico del proyecto

Social Concept

‘Social’ es un proyecto artístico que consiste en la generación de un

proceso colectivo de creación pictórica contemporáneo ideado y gestionado
por los artistas Intiñan y Carloz. Los autores entienden a la pintura como un
espacio de encuentro, unión, alegría y de transformación social. La acción
colectiva, referenciada en la teoría de una estética relacional (Bourriaud),
enfatiza las interacciones humanas y su contexto social por sobre las acciones
individuales y privadas. La apertura de su proceso lo asemeja al lenguaje mural o
la naturaleza de la urbe, donde la pintura se presenta como una experiencia de
intercambio entre sus integrantes y la disolución de sus individualidades.

La finalidad del proyecto es generar dinámicas artísticas de creación y

flujo colectivo que escapen de la cotidianeidad dentro de un contexto que, por
lo general, entiende a la pintura como un proceso individual o privado; y a las
relaciones sociales dentro de los parámetros comerciales de las redes sociales.
Para los gestores no existe una distinción entre arte y vida, sino una linealidad
constante entre uno y otra que la obra refleja como un lugar de coincidencia,
pero también de disputa, en donde las libertades personales colisionan y se
retroalimentan para formar una imagen impredecible (regulada en si misma por
las personas y el contexto en las que fue creada). La dinámica generada sería
una especie de antena que captura determinados puntos de aquella linealidad,
 no para representarla, sino para descubrir posibles caminos inexplorados de
relaciones sociales múltiples y viables.

Porque el modernismo está inmerso en un “imaginario de oposiciones”,

retomando la expresión de Gilbert Durand, que actuaba separando y oponiendo,
descalificando de buena gana el pasado y valorando el futuro; se basaba en el
conflicto, mientras que en el imaginario de nuestra época se preocupa por las
negociaciones, por las uniones, por lo que coexiste. Ya no se busca hoy progresar
a través de opuestos y conflictos, sino inventar nuevos conjuntos, relaciones
posibles entre unidades diferenciadas, construcciones de alianzas entre diferentes
actores. Los contratos estéticos y los contratos sociales son así: nadie pretende
volver a la edad de oro en la Tierra y sólo se pretende crear modus vivendi que
posibiliten relaciones sociales justas, modos de vida más densos, combinaciones
de existencia múltiples y fecundas. Y el arte ya no busca representar utopías, sino
construir espacios concretos.”*

Metodología

Es simple en sus formas, el comando es de expresión libre y está

determinada por las influencias del contexto sobre los participantes. Los autores
facilitan los materiales y el estímulo para que los participantes se atrevan a pintar
(muchas veces se encuentra reticencia en algunos participantes resultados
de prejuicios acerca del concepto de lo que significa saber pintar/dibujar). El
soporte es papel tabaco** de grandes dimensiones que recubren el entorno
arquitectónico. El desarrollo de la obra se extiende por varias sesiones con
diferentes actores. Dependiendo del caso, la actividad termina con la saturación
(Arriba) del área del papel y la superposición de varias capas traslucidas de pintura. El
Centro de operaciones Yanaguara tiempo está determinado por los artistas y la convivencia entre la obra y los
Cammy y Chun-Li autores. No existe una direccionalidad definida en la forma. El comando artístico
Pintura en una de las paredes del taller en San Miguel (detalle) es simple y los resultados indeterminados. Al final se registran los nombres de las
Medidas variables (inmensurables) personas involucradas en la creación durante el proceso.
2022

*Estética relacional, Nicolas Bourriaud, pag. 54-55

**Material de uso comercial que se haya con ese nombre en la zona del
mercado central de Lima. Es vendido por metros y tiene un ancho de 1.60 m
aproximadamente.

Carloz, Lima, octubre 2023

7 CV
Carlos Alberto Zevallos Carrillo 2014 Feria de Arte God in Colours
Huánuco, Perú 01/09/86 2015 Open Studio - Cité International des Arts, París
2016 ComparArte - Ministerio de Cultura del Perú
Formación académica 2016 Vejiga de Pez, “Inmersión” - Museo de Arte Contemporáneo
1993-1994 CE. Elisa Garay - Huánuco 2016 Colectiva “Dibujo sobre tela” - Forum galería
1995-2003 Colegio San Agustín Lima 2017 “Percepciones Contempóraneas” - Muestra colectiva de pintura en CC Cori Wasi
2004 Arquitectura y urbanismo– Universidad Ricardo Palma 2017 Finalistas del 45° Salón Nacional de Acuarela ICPNA
2005-2011 Artes Plásticas. Especialidad de Pintura – Facultad de arte de la Pontificia Universi- 2019 Hablar PIedras, exposición colectiva en Espacio Espositivo, Madrid, España
dad Católica del Perú 2019 Otaking, One Shot, muestra bipersonal con Miguel Poma, Galería Ryoichi Jinnai, Centro
2014 Curso de Historia del Arte Peruano en la Biblioteca Nacional del Perú Cultural Peruano Japonés
2019 Alto Tránsito, exposición colectiva en el CC El Olivar
Experiencia docente 2022 Exposición de finalistas de Concurso de dibujo organizado por CC Británico
2013-2014 Docente en instituto de arte y diseño Toulouse Lautrec 2022 Ningún Haiku – Exposición Colectiva, Galería Grau
2013-2014 Profesor en Escuela Superior de Bellas Artes
2018-2020 Profesor en Escuela Superior de Bellas Artes Exposiciones individuales
2021-2022 Director y profesor de taller personal Super Trouper 2014 “Vacios Expresos” Muestra individual en Alianza Francesa de La Molina
2015 Carpe Diem - Muestra individual en Alianza Francesa Miraflores
Exposiciones colectivas 2016 TEMPLO (Unknown Sources) - Rottenslat Gallery - Monumental Callao
2005-2010 Exposición Anual - Facultad de arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú 2017 2D <-> 3D, Doblez - Despliegue - Muestra personal en la Sala Luis Miro Quesada
2010 Colectivo “Desenfranquiciados” 7ma edición
2011 Colectiva de Dibujo “Observador-Dibujante” - Galería de la Escuela Corriente Alterna Premios y concursos
2011 Exposición de Egresados de la Facultad de Arte PUCP - CCPUCP 2008 Premio Winternitz Especialidad de Pintura, 4to año. Facultad Arte Católica
2011 Exposición de Finalistas del concurso Pasaporte Para un Artista - CCPUCP 2009 Premio Winternitz Especialidad de Pintura, 5to año. Facultad Arte Católica
2011 Work in progress - Colectivo “Vejiga de Pez” - Zona30 2011 Finalista en el concurso Pasaporte Para Un Artista 2011, Embajada de Francia en Perú
2011 Colectiva de fotografía “Sujeto-Predicado” - Galería Vértice 2013 Finalista concurso Face 1 - Revolver Galería
2011 Exposición Colectiva “Post-Paisaje” - Casa Pausa 2014 1er Puesto concurso Pasaporte Para un Artista, Embajada de Francia en Perú
2012 Exposición itinerante colectiva “Phormula” 2018 Ganador de apoyo a Proyectos Creativos de Libros de Literatura Juvenil, Ministerio de
2012 Exposición colectivo con Vejiga de Pez “Volumen 2” - Casa Inmobiliari Cultura del Perú
2013 “Analog” the Absolut Wall en conjunto con José Arturo Lugón
2013 Feria independiente Apuff Art Lima - NNM Studios Residencias artísticas
2013 Noche de Arte 2013 - U.S. Embassy Association of Lima 2015 Cité internationale des Arts. París, Francia
2013 Vejiga de Pez 3_dimensiones - Centro Cultural Bellas Artes 2016-2018 Proyecto Callao Monumental, Perú
2013 “Ni bosque ni noviembre” Gato Tulipán 2019 Casa Campo Adentro. Centro de Arte y Agroecología para el acercamiento a lo rural, Ma-
2013 Concurso Face 1 - Revolver Galería drid, España.
2014 “Paradoxes” Solo Show_Feria Apuff en NNM Studios
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