1.

Renacimiento y Humanismo
Los inicios del renacimiento los podemos ubicar el año 1400. Un grupo de artistas decide recuperar todas
las formas de arte romano. En el S.XV esa recuperación se fue extendiendo por Italia; en el siglo S.XVI. En
el renacimiento se retoma la antigüedad clásica en torno a dos conceptos: la perspectiva y la proporción.
Italia como tal no existía en el S.XV (era un conjunto de estados)

- Antropocentrismo como cambio de mentalidad (en Grecia y Roma también era así)
- Dios deja de ser el centro del universo (la sociedad de la edad media era teocéntrica)
- Mundo grecolatino
- Humanismo: corriente que intenta comprender al hombre en todos sus sentidos
- Aparecen los mecenas, gracias a ello el arte toma un impulso vital.
- En la edad media los artistas eran artesanos. En el renacimiento un artista se distingue del
artesano, trabajan con la mente.
- Orden, simetría, proporción, unidad. Esto se consigue a través de las matemáticas

En el año 1550 Vasari dio nombre a esta época (renacimiento); le tuvieron en cuenta los historiadores del
S.XIX. Vasari es considerado uno de los primeros historiadores del arte (también fue arquitecto, pintor y
escritor)

El renacimiento se opone a la edad media, es un punto de partida del mundo moderno. Se fundamenta en
un estudio científico, basado en el estudio de las ruinas de la antigüedad, especialmente romanas o
griegas. La pintura romana no se conoció hasta mediados del S.XVIII, habían quedado sepultadas por la
erupción de Pompeya.

Algo que caracteriza el arte del renacimiento como consecuencia política y social es que los artistas se
intentan acercar a una perspectiva más realista, más humana, fundamentada en lo visual (en el arte
medieval se fundamentaba en lo simbólico).

Un filósofo muy importante, Pico della Mirandola, consigue conciliar dos visiones.

Un elemento fundamental del renacimiento es el hecho de que para los florentinos había un salto muy
fuerte, rompía con lo anterior. El artista italiano sabe que está viviendo un periodo nuevo en el que se está
intentando revivir esa cultura grecolatina, que había sido sepultada por la edad media.

Para entender el renacimiento hace falta irse atrás.

S.XI: Europa occidental se expande. Reconquista cristiana, primeras cruzadas. Surgen las universidades,
toma de Constantinopla (1204). Ya se podía acceder a antiguos textos griegos que fueron traducidos al
latín. Se desarrolla la literatura en lenguas romances. En las artes plásticas se fue desarrollando el
esquematismo de la lata edad media por un arte más realista (llegó antes a la escultura):
S.XIII: Los artistas trataron de romper con ese esquematismo, dotando de mayor expresividad y
enfatizando la 3d. Para la conquista de la 3d son claves los trabajos de Giotto.

Giotto en 1300 ya había anunciado cierta revolución del renacimiento. El modelo de Giotto evolucionó a
partir del S.XV por 2 vías:

- Estudios de perspectiva de Brunelleschi

- Técnica al óleo

Hay ciertas nuevas maneras de vivir a principios del renacimiento (trecento-1300); es un tiempo laico; hay
una nueva percepción del tiempo. Se toma distancia del pasado muy reciente; el método que permite
este humanismo es la fundamentación en filología (fuentes escritas) con un carácter científico, método
laico, la única autoridad es la razón. Un ejemplo muy claro es la donación de Constantino.

Hablar de renacimiento es hablar de la vuelta al mundo clásico, hay que diferenciar entre el clasicismo de
la edad media y el del renacimiento; en la edad media la imitación es solo superficial; en el renacimiento se
unen el fondo y la forma, hay artistas que incluso copian obras; es interesante ver como los artistas se
inspiran en la antigüedad.

El renacimiento se alimenta de la antigüedad y de la naturaleza, son dos caminos fundamentales. En el arte

antiguo se basaban mucho en la naturaleza; por ejemplo en la Grecia clásica se escogía esa naturaleza
para representar de forma idealizada. Además hay un elemento muy importante, el humano, se quiere
representar al hombre con independencia de que sea feo o no.

Este interés por la cultura antigua está ligado a idea del humanismo cívico; se desarrollan las ciudades
estado; los ciudadanos intentaban aprender de los antiguos romanos, especialmente de la república; esto
conlleva un redescubrimiento de los textos clásicos, especialmente gracias a los conventos. Se habla del
estudio de Aristóteles y de Platón.

Temas del renacimiento: se va aceptar un nuevo tema, la mitología; se interpretan los mitos clásicos. El
artista no se limita a copiar de manera servil.

QUATTROCENTO

- Horizontalidad
- Materiales: ladrillos, sillares, mampuesto (lo contrario a la sillería, piedras irregulares)

1400: la alta cultura de la Europa occidental conocía el mundo clásico, sobre todo el aristotélico.

- Lo que va a ocurrir en Florencia no es el descubrimiento del mundo grecolatino, ni de cierto

realismo plástico, ni de una arquitectura más refinada. Se decide reinventar del mundo romano
como una insignia propia. Florencia disfrutaba de bastante autonomía, la industria textil y la banca
florentina.
El renacimiento empieza en 1400

Giotto

 Basílica superior de Asis. El pesebre de Greccio 1290-95.

- Plena edad media

- Fresco. Se representa un episodio de la vida de San Francisco.
- Una de las características es el uso de la perspectiva para reconstruir un espacio, las figuras
parecen planas.
- Giotto ya va aplicando los criterios de perspectiva lineal. Hay que notar que giotto describe esta
escena con personajes vestidos como contemporáneos. Detrás están los burgueses y os monjes. En
el último plano está el iconostasio (mármol), separaba el espacio de donde estaban los fieles y de
las mujeres, ellas no podían pasar más allá.
- Hay un efecto ilusorio de que las cosas se proyectan o bien hacia el fondo o bien hacia el
espectador.

 La renuncia a los bienes paternos.

Asís, 1290-95. Se representa un momento de la historia de S.Francisco de Asís. Fundó la orden franciscana.
Lo que se representa es el padre de san francisco, está viendo como su hijo decide abandonar la casa. La
mano del cielo es la mano de dios. El padre se ve preocupado/enfadado, parece inexpresivo pero hay que
compararlo con el arte medieval.
La evolución de la estructura y pintura llegó a la arquitectura (los avances del gótico permitieron la
evolución florentina).

Écfrasis: retomar un texto antiguo que describe una obra de arte y a partir de ahí intentar hacerla, un
ejemplo es la calumnia de Boticelli.

Brunelleschi (1377): encontró la ley de perspectiva

 Hospital de los inocentes, 1419.

- Transite tranquilidad, armonía.
- Los arcos de medio punto son correspondiente con el clasicismo
- Frontón en las ventanas
- Escalinata
 - Pilastra
- Hay referencia a la arquitectura griega: stoas (porticadas)
- Sirvió como hospital para los niños.
- Al fondo podemos ver una ventana donde dejaban a los niños recién nacidos donde dejaban a los
huérfanos (era un hospital para huérfanos).
- Hay claramente una serie de proporciones.
- Brunelleschi no busca una inspiración superficial en lo clásico, si no un estudio más profundo.

- Perspectiva lineal, también llamada monofocal: se puede decir que prácticamente es creada por
Brunelleschi, será un arquitecto que pretende racionalizar la representación de la naturaleza.
- En el arte del renacimiento se va a intentar dar una visión no cambiante de la naturaleza.
- El inventor es Brunelleschi, era íntimo amigo de Toscanelli (matemático que ayudó a crear ese
sistema de representación).
- En la edad media se utilizaba la perspectiva común, los personajes tenían un tamaño común en
función de la función social. La perspectiva lineal funciona de tal manera que tenemos que ver la
realidad como si fuera un cuadro. La perspectiva lineal es algo así como una pirámide en cuya cima
convergen todas las líneas; todas las líneas van a un foco común (monofocal). En la base de esta
pirámide sería el ojo humano (el espectador).
- Medallones

Brunelleschi comenzó haciendo escultura. 1401.

 Puertas de baptisterio del catedral de Florencia

Hay todavía líneas típicas del periodo gótico. Sacrificio de Isaac (1401): a Abraham Dios le pidió que
sacrificase a su hijo; es una prueba de la fe, son tan creyentes que hasta son capaces de ofrecer sus
hijos como sacrificio. En el relieve podemos ver como hay todavía influencia gótica, la
representación de los relieves, los animales son muy realistas; lo más clásico que hay es la
compleja postura de Isaac.
En 1402 Brunelleschi se marcha a Roma para estudiar obras clásicas, se limita a estudiarlos desde el punto
de vista de las proporciones. Para él el número era una forma de indagar, al unificar esas líneas, se
construyen una serie de reglas que permiten medir los cuerpos en el espacio. Brunelleschi crea nuevas
máquinas para poder construir incluso la cúpula de santa maría de fiore (para subir los materiales).

1420: Brunelleschi es elegido para construir la cúpula de la catedral. La cúpula todavía tiene influencias de
tradición gótica.

 Cúpula de Santa María de las flores (1409-1436)

- 1ª obra renacentista
- Doble cúpula hemisférica en el interior, apuntada en el exterior
- Sobre un tambor de planta octogonal (un tambor es una estructura
cilíndrica que suele estar sobre el crucero sirve para elevar la
cúpula). En cada lado tiene un óculo.
- La luz blanca penetra por los óculos
- Mismas proporciones que la cúpula de El Panteón

 Sacristia de la iglesia de San Lorenzo (1420)

- Vemos el alzado y la planta latina. La parte superior es el alzado. Planta centralizada.
- Prototipo de basílica renacentista
- Está construido de manera que este todo enfocado al altar (punto de fuga que luego se da en la
pintura)
- Bóvedas baídas (como un pañuelo)
- Interior: en cada pared vemos un gran arco; pechinas; en cada pared hay tres ventanas, esto se
refiere a la trinidad; quedan representados cada uno de los cuatro evangelistas; lo pagó la familia
medici; el mecenas se llamaba comitente.
- Columnas de orden corintio
 - Techumbre plana con casetones

Brunelleschi también puso en marcha la recuperación de la pintura romana con la invención de la

perspectiva cónica, que daba solución al problema del 3D.

 Iglesia del Santo Espíritu (1436)

- Planta de cruz latina

- Transepto muy amplio
- Las columnas dan la vuelta al crucero
- Las capillas laterales están dispuestas como ornacinas (más pequeñas)

En el S.XVIII se descubrieron pinturas originales romanas en Pompeya. Se pudo ver que la propuesta de
Brunelleschi no era nada clásica sino algo exclusivo de la Europa occidental del S.XV.

 Capilla Pazzi (cúpula)

Alberti (1404-1472)

Hace tratados sobre su arte. Muchos artistas hacían tratados sobre su arte. En el renacimiento se valora
mucho el trabajo de la mente; hay que idear la escultura. Alberti es arquitecto, él describe que es un
cuadro y que es la perspectiva. Recupera la idea de Vitruvio S.I a.C.

*Concinnitas: perfecta relación de las partes entre sí y la parte con el todo. Tiene que haber un equilibrio.

*Loggia: galería exterior formada por arcos sobre columnas, techada y abierta en uno o más lados.
Funciona a modo de galería o pórtico.

 Templo Malatestiano (Rimini) 1450

- Se intenta destacar que el artista es alguien que utiliza la cabeza, es capaz de concebir la obra, a
diferencia del artesano que solo crea
- Para todo artista la actividad intelectual se puede percibir gracias al dibujo
- Fue construido por malatesta (está enterrado allí)
- El trabajo del artista se fundamenta en la obra
- De statua, de pictura
- De re aedificatoria (asunto de la edificación): en este tratado destaca la importancia del proyecto
frente a la construcción del edificio. Contrapone a la arquitectura gótica. Exalta el sentido práctico
de los griegos y romanos.
- Para Alberti el arquitecto está muy preparado para cualquier tipo de disciplina.

 Santa Maria Novella

- Vemos elementos góticos como los arcos apuntados o el rosetón

- Hay elementos del lenguaje clásico como el frontón o las inscripciones latinas

- Desde el punto de vista de las proporciones: es como un gran cuadrado cuya mitad está bien
definida y la otra es la parte superior.
- Eurytmia: correctas proporciones del edificio
 Palacio Rucellai (1496)

- Alberti concibió un proyecto para el edificio. Este palacio está proyectado para ailustrar su libro de
rea aedificatoria. La arquitectura se debe tener más en cuenta la simetría y la proporción que la
cantidad de decoración
- Fue diseñado para la familia de comerciantes Rucellai
- 3 pisos, simetría. En el primer piso se imita el pus reticulatum (técnica que usaban los romanos)
- Exterior con apariencia de fortaleza
- Patio
- Almohadillado. Sillería
- Recuerda al coliseo
- Superposición de órdenes. Columnas adosadas a la pared (pilastras)
- Ventanas bíforas

 San Andrés de Mantua. 1470

- Bóveda de cañón con casetones

- Se inspira en el panteón
- Fachada de gran plasticidad (como muy moldeable)
- Arco de medio punto sostenido por pilastras
- Función simbólica
- Inspirada en las naves laterales de la basílica de Constantino
 - Las capillas se alternan
- 3 plantas con vanos
- Friso y frontón muy amplios

Pintura del quattrocento

- Búsqueda del naturalismo y realismo

- Se ve el cuerpo humano como un objeto de estudio
- Mayor libertad de movimiento
- Se representa la profundidad en el espacio a través del punto de fuga
- Importancia del dibujo
- Se usa la luz para unificar el ambiente
- Se sigue usando la tabla como soporte y el temple como técnica, pero a mediados del S.XV por la
influencia flamenco se empieza a usar el óleo sobre lienzo (es más fácil transportar u lienzo que
una tabla)

Masaccio (1400-1428)

Masaccio y Donatello son los fundadores del arte en el renacimiento. Van a intentar demostrar el estado
de ánimo de los personajes (en el gótico carecían de expresión). En la escultura se va a intentar recuperar
con naturalismo.

- Se inspira en Giotto
- Domina el espacio

 Tríptico de San Juvenal (1422)

 - Utilización del retablo con forma de arco apuntado.
- Pan de oro (láminas muy delgadas que se colocan sobre la pintura), era muy caro y los mecenas lo
utilizaban para demostrar su capacidad económica.
- Hay diversidad entre la tabla central y las laterales; las tablas laterales se inspiran en Giotto. En la
central hay elementos que nos hablan de las novedades del renacimientos; Masaccio había
conocido las novedades de la perspectiva geométrica, el trono se proyecta con dos líneas que
convergen, estructura triangular; intento de crear profundidad, sobre todo a través de los ángeles
y a través de la cátedra de mármol.
- Hieratismo. El gesto del niño es natural, se lleva la mano a la boca, está desnudo
- Las figuras de los lados son más planas
- Escorzo del brazo

Báculo = bastón

 Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles

 Virgen con el Niño y ángeles (1426)

- Pintura al temple
- La aureola señala la profundidad. Escorzo. La
aureola participa en el mismo espacio en el que
se ha producido la escena.
- Hay 7 niveles de profundidad. Los ángeles están
en primer plano, el siguiente nivel es el *****, la
virgen la cátedra, la virgen y el niño están en
distinto plano. El sexto nivel e slo que tiene la
virgen a la espalda. El último nivel es los ángeles
que están detrás de la cátedra. Sigue habiendo
jerarquía en cuanto al tamaño de las figuras.
- Contraste entre luces y sombras.
- Aspecto escultórico de las figuras
- Naturaleza: representación del niño
- Escorzo
-

 La trinidad (1427)
 - Inspiración en Roma y en Brunelleschi
- Vemos la figura de los donantes o comitentes;
realismo muy marcado en su figura
- Casetones
- El significado de esta obra: tenemos el altar de
una iglesia, hay un sepulcro en primer plano
donde se indica “yo fui como vosotros”; lo que
se narra es el recorrido de la salvación del ser
humano
- Por primera vez era posible representar el
mundo tal como el hombre lo percibía
- En las pinturas hechas con perspectiva todo se
ve con el punto de vista del observador
- Primer fresco donde se utiliza la perspectiva
lineal
- Composición piramidal
- Niveles: al fondo a Dios padre, luego a Cristo,
luego a San Juan y la Virgen, después a los
donantes y en primer plano un sepulcro

(Ver vídeo de 8 minutos): empire of the eye: the magic illusion: el primer pintor en apliar la pintura lineal fue Massacio, creó un
espacio basado en leyes matemáticas, simetría; toda la arquitectura es muy deudora de la arquitectura de brunelleschi; la luz
lateral nos permite notar muchas cosas de la superficie; todos los elementos de la arquitectura derivan de un estudio geométrico.

 Capilla Branacci, iglesia de Santa María del Carmine

 El tributo de la moneda (o el tributo de César)

- La misma historia divida en 3 escenas; no hay ruptura de las escenas.
- Llama la atención el volumen de los personajes
- Estudio del natural
- Parecen figuras pintadas, plasticidad,
- La profundidad se crea con la disposición espacial de los personajes
- Marco natural con riqueza clásica
- Sombra de los personajes en el suelo
- Tema: Cristo rodeado de sus discípulos y al recaudador pidiéndole a Pedro dinero. Jesús le dice a
Pedro “ve al lago y ábrele la boca a un pez y saca una moneda)

 Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal.

- Estudio del desnudo muy

exhaustivo
- Expresión del rostro
desgarradora (están saliendo
del paraíso)
1434: El gobierno de Florencia queda en manos de Cosme I el Viejo, patriarca de la familia Medici; en la
corte de los Medici han aparecido una serie de artistas que ya habían asumido el repertorio clásico como
Michelozzo o Fra Angelico o Piero della Francesca (Los personajes todavía eran muy planos).

En el S.XV todavía va a haber figuras dentro de la tradición medieval. También aparecen los pintores
flamencos del S.XV. Perdura hasta el S.XVI.

1450: los condotieri (jefes mercenarios de las tropas que habían participado en la guerra de Lombardía)
trataron de establecer cada uno una corte emulando la de los Medici en Florencia.

En el S.XV la corte de los Medici se rodeó de los llamados humanistas. La gran novedad de la corte de los
Medici fue la vuelta de la filosofía de Platón.

- Creación de una academia Neoplatónica en Florencia.

- En ese ambiente Neoplatónico se forma la última gran generación del quattrocento, entre ellos los
discípulos de Verrochio: Perugino, Boticelli, Leonardo.
- El arte cristiano era el dominante.

Con Lorenzo el Magnífico la obra de los Medici llegó a su cumbre.

En 1492 Los Medici fueron expulsados de Florencia.

Los papas se convirtieron en la cabeza visible de Italia.

Escultura del renacimiento

- El paso del gótico al renacimiento no fue muy bruto

- Naturalismo, se busca que la obra se parezca al modelo
- Se rechaza el misticismo y el simbolismo
- Tema principal: hombre (es el centro de todo), admiración por la figura humana desnuda, un
artista alo máximo que puede aspirar es a realizar una escultura humana perfecta
- Aparecen las esculturas de bulto redondo (independeintes)
- Perspectiva en la escultura
Ghiberti (1378)

Es él quien empieza un nuevo etilo en escultura

Trabaja en bronce

1401: los hilanderos (gremio importante) convocaron un concurso artístico. El vencedor recibiría el
encargo de la realización de las puertas del baptisterio. El objetivo del concurso era crear una puerta con
temas del antiguo testamento.

1401: Ghiberti (era orfebre) ganó el concurso para las puertas del Baptisterio de Florencia. Propuesta
sobre el sacrificio de Isaac. Se mezclan características del gótico tardío con el ideal antiguo de la belleza
física.

- Más tarde recibió el encargo para hacer otras puertas. En los paneles de la puerta se narran
historias del antiguo testamento. (Son conocidas como puertas del paraíso, Miguel Ángel dijo que
las puertas eran dignas de adornar las puertas del paraíso)
- La combinación de espacio y figura fue un logro fundamental para el arte de composición del
renacimiento.

 El sacrificio de Isaac (1401)

La anatomía está más detallada, el
estudio de Isaac es muy preciso; la
composición no es tan ordenada; los
pliegues son muy curvos; el altar donde
está Isaac se puede tratar de algo
romano, tiene decoración, decoración
en roleos, aparición de la profundidad,
pues se observa el escorzo del
ángel que viene a detener a Isaac.
Aparecen elementos propios del
renacimiento.

 Puerta norte (1404)

 - Quedan reminiscencias gótica
- Gran realismo y naturalismo

 Puertas al paraíso (1425)

- 10 relieves con escenas del antiguo testamento

- Recuadros (ya no hay casetones cuadrilobulados, a diferencia de la puerta norte)
- Uso de la perspectiva, los personajes más alejados están en bajo relieve y los más cercanos en alto
relieve

Donatello (1386)

Se forma en la cultura gótica. Discípulo de Ghiberti

Viaja en 1402 a Roma con Brunelleschi, Donatello vuelve a Florencia y se forma con Ghiberti (por aquel
entonces escultor gótico)

Su obra se característica por el realismo, la fuerza expresiva y el uso de la anatomía humana

 David de Donatello (1440)
- Tema muy importante en la cultura florentina; virtus civica (ciudadanos florentinos frente al
tirano). Paños que describen un aspecto muy decorativo; la actitud de las manos reflejan un
estudio; hojas de amaranto (en las obras clásicas se premiaba a los héroes), a los pies tiene la
cabeza de Goliat; escultura en bronce; el tema no está muy claro pero hay quien lo ha identificado
con Mercurio.
- Desnudo entero menos el sombrero florentino
- Estudio avanzado más avanzado; no está muy idealizado. Curva praxiteliana. La escultura nos
invita a rodearla.
- Equilibrio perfecto
- Lo encarga Cosme de Medici para representar la resistencia de Florencia contra Milán.

 Cantoría de Donatello (1438)

- Dos cantorías (una hecha por Donatello y otra hecha por Luca della Robia)
 San Juan evangelista (1408)

 Condotiero Gattamelata (1453)

- Jefe de los ejércitos mercenarios que trabajan para Venecia. La familia le encarga la obra a
Donatello.
- Se empezaron a realizar personajes ecuestres para tener dentro de las iglesias; es un monumento
conmemorativo; un condotiero es un soldado que tenía sus propios ejércitos; Padua tiene que
pedir permiso a Venecia para realizar la estatua, en la idea de república esta idea no estaba bien
vista; no es funerario.
- Recuerda al retrato de Marco Aurelio.
- Está vestido como un contemporáneo. Naturalismo implícito que podemos ver en detalles como
las venas, el rostro, el vientre del caballo.
- También está presente el peso de lo clásico, se inspira en los caballos griegos que habían sido
robados.
- Bronce
Donatello realiza un gran altar para la basílica de Padua. En esta escultura se puede observar la angustia y
desesperación de las figuras, rostros destrozados por el dolor.

 Relieve para el altar de la basílica del santo.

  Judith y Holofernes (1453)

- Representa Judith Holofernes, se narra el triunfo de la virtud frente al vicio; Judith es una joven
ebrea cuya ciudad estaba controlada por Holofernes.
- Esta escultura estaba inicialmente en el palacio de los Medici (seguramente fuese una fuente); se
representa el triunfo del pueblo sobre el tirano, lectura moral de la obra. Judith está vestida, en
cambio Holofernes está desnudo con las cejas muy marcadas y mucho pelo.
- Se puede asemejar a un triángulo, aunque lo rompe el movimiento del brazo de Judith, el cuerpo
de Holofernes está girado con la cabeza en sentido contrario. Basamento: niños, representación de
lo bacanal, alude a Holofernes (era un borracho) y el vicio.

En 1466 muere Donatello. Concibe las obras pero no las esculpe (la idea de que el artista pintaba o
realizaba todas sus obras es un mito, nadie podía pintar durante un día entero, lo hacían los discípulos.
Para la familia medici representa el descenso de Cristo al limbo, es una escena aturullada con muchas
figuras
 San Jorge

- Gesto muy marcado, muy serio, dignidad; está representado de manera simbólica, los hombros no
son naturalistas.
- Tiene el puño cerrado
- El escudo le da solidez
- No es una figura frontal, el torso está girado en diagonal respecto a la cabeza
- Mirada expresiva, arrogante, ceño fruncido, pupilas
- En el escudo de los Medici aparecen bolas
- Primera escultura de tamaño real desde la antigüedad. Concepción nueva de la figura humana
- Pieza única de mármol
- Relieve: schiacciato.

 Hababuc (1425)
 - Mármol
- Ropajes, parecen creíbles
- Postura del personaje, rostro
- Dos características de la escultura italiana: naturaleza y la antigüedad. Vestimenta como las togas
de Roma,

Entre 1470 y 1492 la cultura en Florencia se cierra en sí misma y no va a estar muy pendiente de lo que
pase fuera.

Antonio del Pollaiuolo.

 Battalla de diez hombres desnudos (1470).

- Desnudos
- Anatomía detallada
- Expresiones detalladas
- Movimiento
- Dos bandos
- Parecen atletas griegos
- Parejas contrapuestas
- Inscripción en latín
Destacan los mecenas privados. Doctrina neoplatónica: pretende una especie de suma entre los temas de
platón con la teología cristiana

Se debía percibir la realidad como algo que se mueve, dinamismo.

 Hércules y Anteo.

Triunfo de la virtud contra el vicio

 San Sebastián, 1475.

- Varietas. Los arqueros, los que están dados la vuelta con las ballestas.
- Mediante la razón el hombre podía contemplar lo divino

 Tumba de Sixto IV
 - Generó polémica en el S.XIX

Verrochio

 David (1476)

- Bronce. Técnica de cera perdida

- Postura orgullosa
- Anatomía de un niño
- Contraposto
- Menos dinamismo pero está en tensión
 Niño alado con el delfín 1478.
- Anatomía más rechoncha y propia del niño
- Está feliz

 Incredulidad de Santo Tomás, Orsanmichele (1483)

- Saca el pie del marco
- Tema del nuevo testamento. Santo Tomás no se cree que Jesús haya resucitado
- Bronce
- Diálogo y movimiento

 Bautismo de Cristo (1473)

- Trazado de Leonardo
- Paisaje alejado
- Escena contemplada por dos ángeles
-
 Condottiero Colleoni, 1496.
- El jinete transmite autoridad, liderazgo
- Fue un encargo
- La idea de la estatua ecuestre se remonta los emperadores romanos
- Fue un encargo de la república de Venecia
- Condottiero: mercenario que estaba al servicio de una ciudad y que comandaba un ejército
- Comparación con la estatua de Gattamelata de Donatello
- Autoridad
- Dinamismo
- Actitud desafiante
PINTURA

Botticelli (1444-1510)

Pasa casi toda su vida en Florencia, solo se ausentó un año para trabajar en la capilla Sixtina

A Botticelli le interesaba la belleza femenina

Pone final al quattrocento

Percibía la belleza como una unidad en la que el espíritu y la sensualidad no podían separarse.

Cultura neoplatónica

 Adoración de los reyes Magos (1475). Galería degli Uffizi, Florencia

- Novedosa y original en la forma de exponer el tema. El tema principal se sitúa en el centro (se solía
representar a la derecha)
- Como el cristianismo triunfa sobre la cultura pagana
- Pintado al temple
- Especie de pesebre que alterna un techo de madera y pacha con sillares de la antigua cultura
pagana (piedra)
- Fue pagada por un prestamista, algo que estaba muy mal visto en la cultura florentina.
- A los pies están los hijos del fundador de la familia Medici (también aparece el fundador)
- Es un afirmación de que a pesar de la muerte de uno de los miembros, la familia medici sigue
teniendo poder.
- Personaje de la derecha. Boticelli. Mira al espectador.
- Gesto muy revolucionario, el pintor se retrata en una escena sagrada acompañado por sus
mecenas, refleja el reconocimiento del valor del artista como sociedad.
Conjura de los pazzi (familia contraria a los medici). Esyos se ponen de acuerdo con el papa para echar a
los medici.

Retrato de Juliano de Medici (1478): hermano de Lorenzo de Medici

Bertoldo di Giovanni, Medalla de la Conjura de los Pazzi

San Agustín (1480).

- Iglesia de Ognissanti.

- San Agustín representado como obispo pero también como humanista

-Fresco pagado por la familia Vespuchi

- San Agustín se convierte en uno de los santos fundamentales (antes pagano)

- Está en su estudio. Reloj de sol, tratado de geometría. Elementos científicos.

- Está retratado como un erudito

- hay un elemento que nos señala la continuidad entre la cultura pagana y la cristiana: altar romano (está
fundamentándose sobre un altar romano).

- En el libro de la esquina de la derecha superior (foto): comentario divertido respecto a una pintur atan
seria
 La primavera (1477)
- Esta obra contrasta con el desarrollo del pensamiento artístico del S.XV
- Primer cuadro de carácter mitológico de ese tamaño, esto conllevo representar cuerpos paganos
de tamaño natural
- Diferentes escenas en el propio cuadro con movimientos
- Perspectiva: vemos a una figura que parece que está flotando
- Quizás las figuras sean un poco irreales, la pintura tiene un aspecto de fábula. Niega los principios
del renacimiento, lo hace de manera intencionada, quiere expresar una idea de gran valor
espiritual
- Se han reconocido hasta más de 200 especies de flores. Aunque el cuadro es conocido como la
primavera no era conocido así en su época, era conocido como El jardín de las Hespérides (crecen
unos frutos que conceden la inmortalidad)
- El cuadro fue encargado por un miembro de los Medici, primo de Lorenzo el magnífico. Esto es
interesante porque el laurel florece alrededor de la diosa Venus. Laurentus (laurel en latín)-
Lorenzo. El laurel, que es eterno, es una alusión a Lorenzo.
- Las frutas de los árboles son interpretadas como naranjas (se hace alusión a los medici, estos
usaron las naranjas en sus escudos debido al nombre científico de las naranjas)- eterna juventud.
- Metamorfosis de Ovidio
- Abundan figuras relacionadas con la mitología clásica: las tres gracias, Cupido en la parte de arriba
lanzando una flecha, Venus (no es la típica Venus desnuda), Mercurio (parte izquierda con su
símbolo, recuerda a la postura del David de Donatello)
- Convirtió La primavera en alegoría poética del renacimiento
 - Paisaje mágico. Sentido extremadamente refinado de belleza

 El nacimiento de Venus. Óleo sobre lienzo. 1477.

Primera pintura renacentista a gran escala de tema exclusivamente mitológico,

->Rosas sagradas de Venus: la rosa fue creada al tiempo que la diosa del amor. Con su belleza y fragancia
exquisitas, sus espinas recuerdan al dolor que estas pueden recrear

->Viento del oeste: Céfiro es la suave brisa que impulsa a Venus hasta la costa. Se le representa abrazado a
Cloris, su consorte.
->Rapto de Cloris: la ninfa cloris fue raptada por Céfiro del jardín de las Hespérides. Céfiro se enamoró de
su víctima, que consistió oen desposarlo, con lo cual ascendió al rango de diosa y se convirtió en Flora,
señora perpetua de las flores.

->El pudor de Venus: Boticelli escogió la postura de la llamada Venus Púdica, en la que la diosa cubre su
cuerpo con las manos. Otros artistas eligieron una representación más sensual.

->La Hora: una elegante ninfa se adelanta para recibir a Venus. Es una de las 4 Horas, espíritus que
encarnaban las estaciones. Su airosa túnica blanca, bordada de acianos, tremola al viento. Representa la
primavera, la estación del renacer.

- Trazos curvilíneos
- Galleria de los uffizi
- Aquí vemos a la Venus celeste (en la primavera es la Venus vulgar).
- Venus es hija de Ceus y Juno. No nace de manera natural, nace de los testículos cortados de
Neptuno tirados al mar.
- Hay una relación de los personajes de esta pintura como los de la primavera
- Idea de que el amor es la fuerza motriz de la naturaleza
- El paisaje es tan importante como los personajes
- A la izquierda de la obra una pareja de céfiros soplando la concha en la que está Venus
- Estructura piramidal
- Personajes ligeros
- Rica gama cromática
- Estructura ósea: Botticelli siempre destaca la estructura ósea que subyace bajo la carne. Sus
rostros tienen narices finas, pómulos pronunciados y mandíbulas recias.

Verrochio

 Virgen con niño

Paolo Ucello

 Batalla de San Romano (1456)

- Formaba parte central de un grupo de tablas

- Al temple
- Basada en la batalla de San Romano: los florentinos lucharon contra Siena (gana Florencia)
- Atmósfera irreal
- Escenas de caza al fondo
- Influencia del gótico (carácter medieval)
- Perspectiva con varios puntos de fuga. Las lanzas ayudan a crear esa perspectiva, así como
la colocación de los personajes.
- Separación del plano con el fondo
-

Perugino

 La entrega de las llaves a San Pedro (1482)

- Elección de Cristo sobre el apóstol Pedro para conducir la iglesia (pasaje bíblico). Jesús arrodillado
entrega las llaves del cielo
- Figuras en un segundo plano acentúan la profundidad -> pago del tributo a la izquierda y el intento
de lapidación de Cristo a la derecha
 - Espacio ficticio
- Simetría
- Perspectiva lineal combinada con la aérea
- La lineal se percibe el punto de fuga y en la disminución
- La aérea se observa en el cielo (hasta el blanco del horizonte)
- Destaca la arquitectura y el paisaje como fondo
- Elementos de prestigio como el templo y los arcos de triunfo. Templo al fondo con la idea de
reinterpretar el Templo de Jerusalén (se parece al que se representará en Los Desposorios de la
virgen de Rafael). Dos arcos de triunfo inspirados en el arco de Constantino. Se puede interpertar
como permanencia de la iglesia
- Luminosidad serena

Andrea Mantegna (1431-1506)

 Cristo muerto (1480): escorzo

- Virtuosismo de la perspectiva
- Pintada sobre lienzo
- Tonos apagados
- Sobre una mesa de mármol rojizo (era una reliquia)
- Personajes expresan su dolor
- Cuerpo proporcionado
- Pies en primer plano, brazos rígidos en segundo plano, torax en tercer plano y cabeza en
un cuarto plano
-
  La dormición de la virgen

- Esfumato, perspectiva aérea

- Arquitectura y paisaje

CINQUECENTO (pintura)

- Preocupación por el movimiento y la luz (luz más real)

- Mayor estudio de las sombras
- Composiciones sencillas
- Se olvidan del marco arquitectónico, lo que importan son las figuras, que adquieren cierta
monumentalidad
- Se abandona el contorno de la figura, pervive la búsqueda de la belleza ideal
- Sigue habiendo equilibrio y paz
- Pervive el desnudo
- Evoluciona hasta el manierismo
Baldassarre de Castiglione

El cortesano

LEONARDO DA VINCI

Leonardo nace en 1452 y muere en 1519. A final del siglo XV se produce una revuelta contra el humanismo
de carácter platonizante. Se supera la idea de perspectiva matemática con la idea de perspectiva
atmosférica. El naturalismo se extrapola a la idea de la expresión de sentimiento (afetti).

- Escribió el tratado sobre la pintura

- Es enviado a Milán. Allí se encuentra con Bramante.
- Para Leonardo el arte es una forma de conocer el mundo, según premisas científicas. No se trata
solo de reproducir la naturaleza sino de intentar comprender sus leyes. Se trata de observar las
cosas más allá de los convencionalismos. Representar la realidad.
- Para Leonardo toda supuesta ciencia que no se fundamenta en los 5 sentidos no tiene validez (esto
es algo que niega toda la cultura del neoplatonismo)
- Inspeccionó el cuerpo humano muy a fondo, diseccionó cadáver. Hizo dibujos excepcionales de
anatomía.
- Comparó la anatomía del cuerpo humano con el de la tierra
- Crea el esfumato (difuminar formas y colores, el personaje se funde con el fondo). Perfecta
distribución de luces y sombras.
- Escorzo

- 1473: Fecha de creación. Para saber cómo era en ese momento ese lugar. Esto es novedoso; la
idea de utilizar el dibujo para investigar. Dibujo autónomo, no está ligado a ningún tema sagrado o
profano.
  Bautismo de Cristo. 1475.

(Verrochio y Leonardo)

- La figura de Cristo es bastante rígida (pintada por Leonardo). Los cuerpos deben participar en el
detalle atmosférico.
- Perspectiva atmosférica (detalles al fondo).
- Lo que es interesante es que Leonardo se da cuenta de que entre nosotros y los objetos hay aire
- Técnica de sfumato (difuminar, suavizar contornos que están marcados por línea)

 Madonna Benois, 1478 (2 años antes que pinturas como la adoración de los magos)

Novedades en comparación en comparación con otras

vírgenes

- La sonrisa
- No tiene rostro melancólico, no está preocupada.
Está jugando
- El niño está moviéndose, no está muy idealizado.
- La madre se ríe de la torpeza. Queda
representado ese affeti, estudio psicológico
- Claroscuro (novedad)
- La ventana de la izquierda ilumina la pintura
- Estructura triangular
- El niño está girado, escorzo
- Parece una pintura sencilla es muy complicada
- Moti dell´anima
- Utiliza la oscuridad para fundir los elementos (la
manga de la virgen)
 Adoración de los magos

- Inacabada
- Composición piramidal, muy compleja
- Cuanto más lejos más, menos nítido.
- Lo que resulta es la presencia del resto de figuras
- Concibe la obra de arte como un organismo unitario. Preeminencia del grupo central
- La concepción de la perspectiva matemática es superada

 La última cena

- El momento más tenso de la cena, con los apóstoles

- Las manos muestran la simulación emocional de cada uno
- Jesús en el centro, simetría (perfecta construcción de la simetría)
- Casetones para indicar la simetría
- 13 expresiones tras decir: “uno de vosotros me traicionará”
- Agrupados en grupos de 3, contraste entre el asombro de los apóstoles y la serenidad de Jesús.
- Judas con su bolsa de monedas
- La luz tiene dos ángulos
- Novedad: no aparece el cáliz, evangelio de San Juan.
- Si nos fijamos en la mesa, nos podemos dar cuenta de que las figuras son más grande de lo
habitual
- Leondardo ve el mundo a través de los ojos, Boticelli por ejemplo no veía el mundo de forma
empírica. `
- Esfumato
- Composición orgánica, unitaria

- Carboncillo
- Claroscuro (hombro de san juan)
- Esfumato (se aprecia muy bien en el
rostro de la virgen maría)

 La mona lisa (1503)

- Sobre paisaje rocoso
- Lisa Gherandini
- Sigue el modelo de retrato florentino (sentada y con un paisaje al fondo)
- Tenía 2 columnas a cada lado que se han perdido
- 2 focos: el rostro (¿superioridad?) y las manos delicadas(parecen hechas por un escultor)
- Colores sombríos
- Al fondo vemos un paisaje parecido al de la virgen de las rocas (esfumato), el fondo parece de
niebla. Se aprecian dos paisajes de fondo, el horizonte del paisaje de la derecha, más alto, ofrece
una vista de pájaro sobre el conjunto y no hay modo de enlazarlo con el de la izquierda, cuya línea
de visión está a inferior altura. El punto de encuentro entre ambos paisajes queda oculto por la
cabeza de Mona Lisa.
- Falta de cejas
- Lleno de detalles: velo sobre el cabello, bordados, mangas de las manos brillantes. Los rizos del
pelo se funden con el paisaje rocoso
- Leve giro del torso
- Composición piramidal
- La nariz no parece dibujada, se define a través de las sombras

 Batalla de Anghiari (Rubens)

- Composición circular
- Representación de la violencia, movimiento, naturalismo en los caballos
- No son rostros típicos del renacimiento
- Gestos de furia, rabia
-

 Santa Ana, la virgen y el niño (1510)

Ludovico Sforza

En 1481 Leonardo es enviado a Milán.

 La virgen de las rocas, 1483

- No quiere representar una naturaleza perfecta

- Para Leonardo, el pintor reproduce las apariencias sensibles,
las formas
- Se debe recrear la naturaleza, para recrearlo hay que
comprender como funciona
- Interior de una gruta, unas figuras están más iluminadas que
otras.
- Si nos fijamos en las sombras reales, no es algo nítido.
- Pretende que la luz se interrumpa de manera interrumpida
- Composición triangular, no es un triángulo puro, pirámide con vértices girados.
- Misterio
- Representación de los niños: naturales, expresivos, la posición en la que tienen las piernas es
realista. Cruzadas. La actitud de los niños es como de personas mayores.
- La espalda se funde con el espacio, sfumatto.
  La Dama del Armiño (1485-90)

- Cecilia Gallerani
- Leonardo: “pintar el aspecto exterior de la figura es fácil pero no el interior”.
- Las manos son muy naturales y realistas
- Muy humanizada, rostro muy frágil
- Mirada profunda al horizonte, giro de la espalda y la cabeza da movimiento
- Da la impresión de que la figura se va a girar completamente
- Contraste entre luz y sombras
- El animal

Ghirlandaio

Última Cena, 1485-90

- Refectorio donde se reunían los monjes para cenar al final del día
- Ghirlandaio controla la perspectiva
- Ha colocado las figuras
- Figuras yuxapuestas
- Comparación con la de Leonardo: los personajes son más expresivos, no gesticulan, no hablan, no
se relacionan
- Refectorio: donde comían los monjes
- Escena muy renacentista, muy solemne
Santa María de las gracias, Milán
Bramante

Trabaja en Milán

 Santa Maria Presso San Satiro

- Bramante utiliza la perspectiva con un carácter ilusionista (ya no como un sistema matemático
para ordenar), esculpe el yeso y crea una ilusión en el que vemos un hueco que no existe
- Las pilastras van disminuyendo de tamaño
- Perspectiva acelerada
- La bóveda de cañón está prácticamente dibujada (solo hay 1 metro de profundidad)

Rafael (1483-1520)

Fue un niño prodigio. Llegó a Florencia con solo 21 años, allí ya pintó algún cuadro. La fama le llega en
Roma. Se benefició del mecenazgo del papa Julio II y de su sucesor, León X, que lo nombro arquitecto del
papado en 1514.

Rafael trabaja en la basílica de San Pedro sustituyendo a Bramante

Maestría en el dibujo. Variedad de colores.

 Coronación de María
- Elementos derivados del arte de perugino y por otro lado influencia de Leonardo (recuerda a la
Gioconda)

- Interrelación física y psicológica (como vemos por ejemplo en la última cena de Da Vinci)

- El esquema piramidal se simplifica

- Ternura de la virgen
- Carácter de naturalidad, cercanía
- En vez de los estados de ánimo de Leonardo
 Los desposorios de la virgen (1504)

- Profundidad
- Casamiento entre maría y josé
- La perspectiva empieza desde abajo
- Posee todos los rasgos clasicistas que se pretendían
aplicar a la arquitectura renacentista: planta central,
arcos de medio punto, proporciones basados en el
cuerpo humano
- Baldosas cuadradas para representar la proyección del
espacio
- Personajes distribuidos simétricamente
- Paseantes por la explanada para romper la monotonía
- -Jóvenes rompiendo palos -> historia del evangelio
-

 Estancias de Rafael (1508): Pinta 4 temas en cada pared (filosofía, teología, poesía y derecho)
- Estancia del Sello: pinta 3 obras en esta estancia. La elección de los temas están relacionada con
las actividades de las estancias.
1. Disputa del Sacramento
2. Virtudes
3. La escuela de Atenas
4. El parnaso

- Estancia de Heliodoro: no era un apartamento privado, cuando se realiza el papa julio II estaba en
una posición bastante débil
1. La expulsión de Heliodoro
2. La misa del Bolsena
3. Encuentro de León Magno con Atila
4. Liberación de San Pedro

- Estancia del Incendio del Borgo

 1. Batalla de Ostia
2. El incendio del Borgo
3. Coronación de Carlomagno
4. Justificación de León III

- Estancia de Constantino
1. Visión de la Cruz
2. Batalla de Constantino contra Majencio
3. Bautismo de Constantino
4. Donación de Roma

Disputa del Santísimo Sacramento. Stanza della Segnatura

Iglesia militante abajo, iglesia triunfante arriba

Misterio de la eucaristía, Cristo toma forma en la

hostia

Capacidad que tiene el alma de conocer la verdad a

través de la ciencia, de la filosofía y la religión

 La escuela de Atenas (1511)

- Arquitectura inspirada en Bramante
- Se estudia el cuerpo y las actividades individuales
- Se representan las ramas de filosofía que tenían relación con las ciencias terrenales
- Platón: señala al cielo, bajo su brazo tiene el Timeo. Representa la filosofía abstracta y teórica
- Aristóteles: señala a la tierra, tiene el libro de la ética. Representa la filosofía natural y empírica.
- Tiene cierta comicidad, los filósofos están representados con el rostro de personajes actuales
(Platón tiene el rostro de Leonardo Da Vinci); Heráclito tiene el rostro de Miguel Ángel (está
llorando); a la derecha está Arquímedes (con el rostro de Bramante); Rafael se retrata (en la
derecha pegado a la pilastra)
- Más personajes como Pitágoras, Diógenes, Euclides o Epicuro
- Homenaje a la arquitectura de la antigüedad. Hay una teoría y es que se está representando la
basílica del Vaticano (estaba en construcción)

- Dios de la razón: figura a la izquierda con una lira en la mano, Apolo. Armonía y sobriedad. Se basa
en la escultura del Esclavo moribundo de Miguel Ángel.
- Diosa de la sabiduría: a la derecha está Atenea

 La expulsión de Heliodoro
- Estudio anatómico
- Comparación con las otras pinturas de la estancia del sello
- Figuras en los laterales, parece que retrata dos sucesos distintos
- La parte de la derecha tiene más luz que la izquierda
- Abandona el tono de claridad, lenguaje más dramático
- Uso de claroscuro

- Contraposición de colores de la luz

- 3 episodios
- Fuentes de luz: antorcha, la luna
 - Sencillez de composición

- Dos figuras en la parte de arriba

-Influencia de Miguel Ángel

- Torsiones con influencia de miguel ángel

- Fondo de las nubes
- Telas que se abren como un escenario
- Angelitos a la altura del espectador
- La virgen no está aislada del resto de personajes
- La virgen parece caminar hacia nosotros
- Los santos aluden a la presencia del fiel, esto es una novedad
- Aunque los ropajes son complejos, la imagen es bastante sencilla
- Humanización de la divinidad

- Jesús acompañado de varios apóstoles

- Influencia de Miguel Ángel
 La bella jardinera
- Jesús y San Bautista
- Efecto plástico (porque ha estudiado la obra de miguel ángel)
- La pirámide se va dinamizando
- Los gestos son cada vez más naturales

- Se considera el inicio de la pintura de historia

- Colores muy vivos

- Imagen de un ambicioso cardenal

- Rafael va intentar crear una visión que ejemplifique el mundo circundante
- Hay un elemento de la pintura de Rafael (que podemos ver ya en el cortesano de castiglione):
sprezzatura (mostrar dificultad en las obras pero que parezca que no se ha esforzado, como quien
saca un 10 y dice que no ha estudiado)
 A finales del siglo, con artistas como Leonardo o Rafael, los artistas quieren ir más allá que limitarse a
representar la naturaleza.

Miguel Ángel (1475, Caprese -1564, Roma)

- Participó en el renacimiento pero también en los inicios del manierismo. Es interesante ver esa
evolución artística.
- 1496-1501 ya tuvo una primera instancia en Roma, a partir de ahí irá viajando entre Roma y
Florencia
- Polifacético
- El papa le encargó la capilla Sixtina
- Anatomía titánica
- Juicio final pintado más tarde
- Sus pinturas parecen esculturas
- Entorno de los Medici
- Influido por el pensamiento Neoplatónico (busca reflejar un idea)
- Introduce la sorpresa
- Lenguaje clásico con más libertad
- Enfrentamiento con Leonardo
- Observa mucho a masaccio y a giotto

(ARQUITECTURA)

 Cúpula de San Pedro del Vaticano (1589)

 - Él no llego a verla terminada
- Se sostiene sobre un tambor monumental. En este tambor alternan columnas pareadas con
ventanas, esas ventanas están alternadas por un frontón triangular y otro curvilíneo (eso le da
dinamismo)
- Cúpula nervada

 Escalera de la biblioteca laurentina (1516)

- Juega con elementos clásicos pero sin respetar las normas.
- Agobio espacial
- Tensión y dinamismo
- Peldaños convexos

(PINTURA)

La pintura tenía más valor cuanto más se acercaba a la escultura

En 1503 le encargan su primera obra pictórica

  Tondo Doni

- Sagrada familia en composición piramidal

- Figuras casi atléticas, músculos marcados.
Monumentales
- Volumen que se logra gracias a las sombras
- Se opone al esfumato
- 1 nivel: piernas de la virgen
- 2 nivel: torso de la virgen
- Nivel: niño y josé
- Nivel: san juan bautista
- Nivel: Desnudos del fondo
- Nivel: paisaje

En 1508 realiza la bóveda de la capilla Sixtina y 28 años más tarde tiene que realizar el juicio final también
en la capilla Sixtina. En la bóveda vemos colores vivos y en el juicio final se refleja el pesimismo (vemos la
evolución). Encargada por el Papa II. La capilla Sixtina tiene ese nombre por el papa sixtino. Fue una tarea
muy difícil ya que es un fresco.

 Bóveda de la capilla Sixtina (1508)

- Bóveda rebajada, la techumbre está ligeramente curvada
- Realiza un sistema arquitectónico en la misma bóveda e incluye 343 imágenes
- 12 lunetos, forma de media luna sobre la ventana. En esos lunetos tenemos personajes bíblicos.
Entre los lunetos hay sibilas (anunciaban la llegada de Cristo) y profetas.
- En el centro está la escena del génesis. Creación del mundo, Adán y Eva.
- Medallones, cariátides (mujeres como columnas), putis (ángeles)
- Funde lo clásico con lo pagano
- En la parte superior se pintan los hechos, la ley
 Sibila

- Dirección girada
- Escorzo doloroso
- Es irreal
- Serpentinata, movimiento helicoidal
- Inestabilidad
- Miguel Ángel decía que la pintura era mejor cuanto más se parecía a la escultura. La escultura
debía ser una linterna para la pintura

 Juicio final (capilla Sixtina). Lo termina de pintar en 1541, al fondo de la capilla Sixtina

Vemos en el centro a un Cristo juez sin barba, parece

que dirige la acción. Alrededor lo rodean la virgen, los
santos, los apóstoles, el patriarca

A la izquierda vemos la escena de la resurrección de

los muertos

A la derecha vemos la barca de Caronte llevándose a

los muertos al infierno

Bastante pesimismo (han ocurrido cosas como la

reforma y el saqueo de Roma, se ha perdido la fe en
el ser humano)

Agobio

Figuras desnudas que fueron criticadas

- Representación del juicio final o parousia
 - Los ángeles con trompetas anuncian el juicio final
- Abajo vemos como están resucitando los cuerpos
- Figura central (cristo)
- Ángeles sin alas
- El temor se transmite en los cuerpos
- Vemos a San Pedro con las llaves
- Fue descubierto en 1541
- Composición caótica y confusa
- Prácticamente no hay referencias arquitectónicas al espacio, a la perspectiva
- Este caos refleja los tormentos del propio Miguel Ángel
- El juicio final la figura de cristo refleja un gesto amenazante, todo lo contrario a una exaltación de
los valores
- Vemos a la derecha inferior como los ángeles pelean contra los demonios
- En la parte inferior vemos ángeles con trompetas
- En la derecha los que habían sido condenados
- Nada más terminado fue corregido, ordenan cubrir los genitales de las figuras

(ESCULTURA)

Miguel Ángel decía que la labor del artista era ir quitando piedra que ya aparecería sola la escultura.

- Esculturas grandiosas, monumentales

- Terribilidad: personajes con pasiones interiores
- El rostro de los personajes no muestran de forma clara que están sintiendo pero su mirada y sus
gesto muestran que dentro de sí sus personajes tienen una pasión interior. Esto rompe con el
clasicismo (ya no son personajes equilibrados)
- Se dedica a estudiar la escultura antigua

Etapa juvenil (1491-1505). Belleza ideal clásica

 Baco (1492)
 Virgen de Brujas
Mármol
Esquema piramidal
No expresa sentimientos
 Virgen de la escalera
Schiacciato

 La piedad (1499)
- Inspiración en unas estatuas características del norte de Francia o de Vesperbild
- Madre con el hijo muerto
- Mármol
- Composición piramidal
- La virgen María es muy joven, idealizada. Contrasta su serenidad con la tensión de Jesucristo.
- Jesucristo cae en un escorzo, se adapta a los mantos de la virgen
- También contrasta el desnudo de Jesucristo con el ropaje de la virgen maría
- Desproporción hecha a posta (sus piernas están hechas para que sus piernas puedan sostener el
cuerpo de Cristo), aunque no podemos ver esta desproporción
- Fue encargado por un cardenal francés (Legras)

 David (1501-1504)
- Dirige sus ojos al horizonte, rostro lleno de fortaleza y de ira (usa la terribilidad)
- A diferencia de otros David, es el momento anterior al encuentro
- Pasa sobre su hombro una honda
- Anatomía perfecta (venas, músculos)
- Porte clásico
- Mármol
- Canon de las 7 cabezas.
- 5 metros
- Donatello era el escultor favorito de Miguel Ángel y la mirada del David recuerda a San Jorge
- Representa las virtudes cívicas
- Loggia Lanzi

 Etapa de madurez (1505-1534)

- Disolución de su ideal estético clasicista

 Monumento funerario a Julio II

- El proyecto iba a ser un sepulcro exento

- El sepulcro no se llega a realizar (iba a haber más figuras)
- Escultura de Raquel (símbolo de la vida contemplativa)
- Escultura de Lía (símbolo de la vid activa)
- Escultura de Moisés (escultura central): expresividad. Terribilidad. Pasión interior. Anatomía muy
detallada. Sensación de enfado. Lo podemos relacionar con el David (de miguel ángel), gesto
fruncido, ira. Venas marcadas.
- En la base vemos figuras
- Manierismo. “Yo lo hago a mi manera”. En Italia es la forma concreta que tiene alguien de realizar
una obra.
- Para romper la norma hay que conocerla

 El esclavo moribundo

- Mármol
- Sensación de inestabilidad con movimientos contrapuestos de brazos
- Dirección de las piernas contraria a la cabeza

 Los sepulcros de Lorenzo y Giulanio

- Actitud pensativa
- A ambos lados están las alegorías (crepúsculo y aurora)
  Etapa de vejez: se desliga del concepto de armonía
- Se desliga del concepto de armonía

 Piedad Rondanini

- La virgen sostiene un estilizado e incorrecto cuerpo de Cristo

- Anti naturalismo
- Verticalidad
- Desolación

PROYECTO DE SAN PEDRO DEL VATICANO

Planta de cruz griega, inspiración clásica.

Está enterrado San Pedro

Bramante se inspira en la arquitectura antigua

Se pretendía que se pudiese hacer una asamblea en la que se reunieran todos los cristianos
SAN PIETRO IN MONTORIO

Se encuentra la roca en la que se puso la cruz donde fue crucificado san Pedro

Sufragado por los RRCC

Significado del círculo de Platón

Similar a un tholos griego. Templo de vesta.

Significado político

Arquitectura cerrada con riguroso estudio de las proporciones

Decoración limitada

Edificio austero y monumental

Vanos en los 2 pisos, balaustrada

Planta circular

La arquitectura de Bramante concilia el ideal clásico con el ideal cristiano. También lo logra Rafael.
 2. BARROCO

En el desarrollo del barroco influye de forma decisiva la Contrarreforma. Es una reacción frente al
renacimiento que ya se reflejaba en el manierismo. La iglesia se convierte en el mejor cliente del arte y los
papas en los nuevos mecenas con una propaganda que intenta convencer al espectador de la verdad
cristiana.

El barroco no es un movimiento homogéneo y cuenta con escuelas con personalidad propia. La monarquía
absoluta, el teatro o el poder de la naturaleza van a influir en esta etapa de crisis.

Se produce una ruptura del orden clásico con violencia y tremendismo.

ARQUITECTURA

Partiendo del lenguaje renacentista el barroco utiliza los elementos arquitectónicos de manera diferente.
Se van a desarrollar tanto la arquitectura religiosa como los palacios absolutistas. En estos palacios
encontramos 2 partes a diferenciar:

- Una fachada pública que mira a una plaza con jardín, lugar donde el soberano busca el contacto
con el pueblo.
- Una parte privada donde se desarrolla la intimidad real.

Las iglesias utilizan 2 tipos de plantas:

- Centralizadas
- Longitudinales

Las cúpulas no se prefieren circulares sino elípticas. El eclipse desafía la idea de perfección del círculo, el
barroco juega con la irregularidad, las figuras cóncavas y convexas, entrantes y salientes, luces y sombras.
Se busca llamar la atención con columnas salomónicas, frontones curvos y rectos, óculos, cornisas que se
curvan, cornisas que crean claro-oscuro en la fachada, etc.

El orden gigante de la columna rebosa el espacio que le corresponde invadiendo la fachada.

ESCULTURA BARROCA

Búsqueda del movimiento. Incorpora el uso de esquemas compositivos libres y no geométricos, la

representación de personajes y escenas no quietas. Además se concede importancia a la ropa.

Hay predicación por temas que posibiliten contrastes luz-sombra. Se busca el realismo, la expresividad y la
teatralidad. Las estatuas rematan construcciones, fuentes, fachadas, etc. Incorporándose a la arquitectura .
PINTURA BARROCA EN EUROPA

- En los países católicos La Contrarreforma tiene gran importancia en los temas. En Holanda apenas
tiene incidencia.
- La pintura sirve para difundir entre los creyentes los temas cuestionadas por Lutero
- La mitología no se interpreta con el rigor del Renacimiento
- En Holanda el artista no necesita mecenas porque trabaja con encargos de burgueses. Allí
predominan retratos, bodegones, paisajes y escenas cotidianas.
- La belleza perseguida por los pintores renacentistas no es un objetivo en el barroco. No rehúsan a
la vejez, a la fealdad, lo trágico, la deformidad a lo dramático que se realiza con el mayor
naturalismo posible.
- El cuadro barroco pretende convencer usando la emoción
- La luz es uno de los elementos importantes del cuadro y se usa dirigida, se crean contrastes luz-
sombra y ayuda a construir volúmenes. La luz ejerce un papel selectivo.
- Los cuadros están llenos de movimiento, escorzos y predominan diagonales y líneas cruzadas. Se
busca retratar un instante y la fugacidad de un momento
- La imagen pintada puede quedar recortada en el lienzo, sugiriendo que más allá de las
dimensiones del cuadro la escena prosigue
- El dibujo pierde importancia frente al color
- Se pretende que el espectador participe en la obra introduciendo un personaje en el cuadro que
mira al espectador
- Dos corrientes: clasicismo y naturalismo. El clasicismo enlaza con el renacimiento. El naturalismo
enlaza con Caravaggio

BERNINI

Gian Lorenzo Bernini. Nápoles 1598 – Roma 1680.

Tuvo como mecenas al papa urbano VIII.

Siempre citaba la admiración a la cultura antigua aunque ya no era renacentista

Antes que arquitecto se sentía escultor

Su escultura representa un gran dramatismo, reresentan siempre un instante de tiempo

G.L.Bernini. Cabra Amaltea. 1615.

Todavía adherido al manierismo

Demuestra su estudio sobre los elementos helenísticos

Logra dar una textura cálida sobre la fría materia del mármol
Para Bernini el arte clásico es una regla que hay que seguir para no caer en la repetición de la naturaleza y
en sus imperfecciones

Hizo esta obra con 15 años

Sepulcro Vigevano. H.1620. S.María Sopra Minerva.

- Mano sobresale, para acercarse al espectador

- Comunicación con el espectador (rasgo del barroco)
- Realismo (ojeras, bolsas de los ojos, textura de la ropa, la camisa tiene una textura diferente)
Eneas, Ascanio y Anquises, 1619

- Representa una de las figuras de la Eneida de Virgilio

- Serpentinata
- Movimiento helicoidal
- Se parece al rapto d elas sabinas de bologna
- Eneas sostiene a su padre
- En la escultura de bernini no todo está tallalo en un bloque de mármol, no tiene problema en
añadir partes
- Textura de la barba

El rapto de Proserpina, 1621

Proserpina es raptada por Hades (dios del infierno)

- Oxímoron, contraposición
- Recurre al naturalismo
- Virtuosismo de ser capaz de representar unas manos hundiéndose en mármol
- Líneas de fuerza que explican cual es la situación del momento
- Tratamiento emocional
- Influencia de el rapto de la sabina (máxima tensión y aspecto ascensional)
- La escultura realmente se percibe cuando giramos alrededor de ella
- Bernini nos ofrece una visión incompleta
- Arte de la persuasión: aquí lo persuade con las fuerzas
- Teatralidad: exageración de movimiento
- Funto frontal
- Más de un bloque para poner añadidos

David, 1624

- Supera el esquema manierista de la serpentinita

- A diferencia de los David del renacimiento vemos como los del renacimiento están más tranquilos,
este es mucho más activo
- Elementos que identifican al personaje en la parte de abajo: coraza y lira
- Bernini coloca al espectador en una posición muy peculiar, la figura ocupa mucho espacio y nos
introduce en medio del campo de acción

Apolo y Dafne, 1625

 - Momento exacto en el que la piel de Dafne se convierte en la corteza del árbol del laurel. Dafne
quería escapar de Apolo y ella acude a su padre para que la convierta en laurel.
- Mármol
- Rostro de sorpresa en Apolo porque Dafne se transforma. Rostro de terror en Dafne
- Cuerpos idealizados
- Movimiento. Las manos de Dafne van al cielo, desde sus manos podemos trazar una curva que
enlazaría con la pierna de Apolo.
- Dos líneas curvas y una diagonal.
- La escultura varía según la perspectiva
- Se inspira en el Apolo de Belvedere

Baldaquino (1624): sobre la tumba de San Pedro

Se lo encargan
Un baldaquino es una estructura que es una escultura portátil, hecha para proteger figuras (como las que
llevan en las procesiones de semana santa). Crucero de la basílica de San Pedro del vaticano: dos
esculturas. Columnas salomónicas

4 columnas salomónicas de bronce doradas con hojas de vid, símbolo de la eucaristía y abejas, símbolo de
la familia Bernini, el sol, 4 ángeles y volutas

Espacio más importante de todo San Pedro

Lugar al que acudían los fieles

Bronce dorado, su metal hay que fundirlo y es muy complejo.

Utiliza una estructura transparente que no interfiere con la visión del fiel

Ángeles sujetando las llaves de San Pedro

Establece relaciones de proporcionalidad con todos los elementos escultóricos

En el interior aparece una representación del espíritu santo

Bernini es un escultor que realiza obras muy importantes, también se va a dedicar al teatro. La celebración
de las obras de teatro es un signo de poder. Bernini es el sacerdote absoluto de las artes en Roma, nada se
hace sin que él lo vea.

San Longinos (1638)

- Gesto grandilocuente
- Ocupa mucho espacio
- Exalta la lanza, visión de exaltación
- Los pliegues de la ropa participan en la exaltación
Tumba de Urbano VIII (1647)

- Una de sus actividades s más importantes es la realización de monumentos funerarios

- Todo lo que vemos forma parte de un mismo complejo
- Estructura piramidal
- No todas las figuras son del mismo material (bronce y mármol): Bernini quiere desarrollar aspectos
pictóricos, de cromatismo
- El papa bendice de modo enérgico
- En el propio papa distinguimos dos tipos de materiales (bronce y bronce tratado)
- Virtudes en la parte de abajo (caridad y justicia), en el medio el sarcófago, también hay un
esqueleto grabando el nombre
- La invención de este modelo es de Giacomo de la porta (Tumba de Pablo III). Esto también nos
remonta a las tumbas de la familia Medici de Miguel Ángel

Fuente de Tritón
Éxtasis de Santa Teresa. Capilla Cornaro (1647)

Bel Composto: unión de todas las artes. Aquí va desde el suelo hasta el pavimento. En el suelo hay
mosaicos,

Ocupa el crucero sur de Santa María de las victorias

Representa la transverberación de Santa Teresa (el corazón es atravesado por una flecha)

Parece que todo se ha convertido en un escenario teatral

Santa Teresa aparece en el centro bajo un foco de luz superior junto a un Querubin que porta una flecha. A
ambos lados de la escena, 2 balcones con miembros de la familia cornaro (quien se lo encarga)

Plasticidad de la figura

Mármol de varios colores

Motivo central compuesto por diferentes elementos que forman una unidad: espacio arquitectónico,
escultórico, rayos (luz mística), la luz natural puede iluminar ese espacio.

Juego de telas

Rostro: representación claramente humana (no mística)

Capilla Cornaro (1647)

En esta obra bernini une la arquitectura, la escultura y la pintura para formar un conjunto magnífico. Todo
incluido una elección decorativa, cromática.

Mármol embutido.

Bel composto: se aprecie desde el suelo (pavimento) hasta

Relieve de la última cena sobre lapislázuli.

Frontón que se inspira en los clásicos, está partido, Bernini trata la arquitectura a veces como si fuera un
material escultórico.

A la altura de la capilla hay una vidriera con Santa Teresa de Jesús

Ángeles que se superponen a la arquitectura

Bernini logra dirigirla luz natural directamente a el grupo central

Obra teatral: a los lados tenemos, palcos.

Colores vivos.

Bernini construye un espacio extra desde el exterior de la iglesia.

Fuente de los cuatro ríos

- En la plaza Navona
- Representa los cuatro ríos que regaban los 4 continentes conocidos hasta ese momento
- Estructura piramidal
- Elementos de la naturaleza
- Disposición en diagonales de los 4 gigantes (que representan los ríos)

Cátedra de San Pedro (1663)

Para un nuevo papa

San Pedro del vaticano: columnas toscanas

 - Idea de proteger

Scala regia

Visión de Constantino, 1670

Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni, 1674

Pilastras cortadas en diagonal, oarece un sepulcro çDos citudes dibujadas a los lados

Aparece el espíritu santo arriba

Arco de medio punto

Expresión de la cara, tensión del cuello, manos, piernas dobladas

Pliegues
Tumba del papa Alejandro VII Gigi

Papa rezando de rodillas. Se representa la justicia y la prudencia (virtudes)

Telón realizado de mármol

Esqueleto con un reloj

Mármol blanco y de otros colores

Iglesia de San Andrés del Quirinal (1658)

- Planta centralizada
- Cúpula con influencia clásica inspirada en el panteón
 - Se sustituyen las capillas laterales por pilastras
- Juegos entre color y luz gracias a los mármoles
- En la entrada vemos 2 pilastras gigantes (corintias), entablamento y tímpano triangular
- Puerta de acceso como un pórtico semicircular con volutas
- Movimiento

Puente de Sant Ángelo

Columnata de San Pedro

- Primer espacio trapezoidal. De ese pequeño espacio nacen dos grandes brazos.
- Plaza elíptica
- Dos fuentes
- Un obelisco
- Los dos grandes brazos envuelven la plaza son un gran pórtico de orden toscano. Sobre el pórtico
hay una balaustrada que está rematada con columnas
- Servía para reunir a los fieles
- Antesala de la basílica de San Pedro
Plaza de forma elíptica, cerrada con una columnata coronada por esculturas. De la fachada de la iglesia
parten 2 brazos que simbolizan el abrazo de la humanidad y el trazado de los calles provocaba un efecto
sorpresa al llegar a la plaza.

BORROMINI (1599-1667)

Antagonista de Bernini.

Rechaza el carácter antropocéntrico que tenía la arquitectura hasta entonces, su arquitectura fue vista
como excéntrica

Trabaja con Maderno en el palacio barberini

Procedente del norte de Italia donde se seguía todavía la tradición gótica.

No tuvo mucho éxito, se acabó suicidando.

Iglesia San Carlo (1641)

 - Construye a partir de modos geométricos más propios del gótico
- Planta romboidal
- Columnas en intervalos de 4 y nichos y molduras. Sobre las columnas hay un entablamento y sobre
el entablamento hay unas pechinas y arcos de medio punto que sostiene una cúpula ovalada
(decorada con artesonados: pared decorada con huecos)
- En cada ángulo de los rombos hay una superficie cóncava (la curva se abomba hacia dentro)
- Construida con ladrillo (muy pobre), recubierta con yeso
- Dinamismo
- Orden gigante (la columna une dos niveles diferentes) y orden menor
- Espacio muy estrecho pero parece más ancho gracias a la modelación de los muros (entrantes y
salientes, efecto ilusionista)
- Cúpula: decoración con cruces cristianas y casetones, más profundad de lo que es (está abombada
y los casetones más reduciendo de tamaño

Sant´ivo alla Sapienza

- Curvas convexas y otro triangulo

- Planta absolutamente novedosa (hexágono estrellado)
- Efecto en el espectador: dilatación del espacio. Infinitud
- Querubines,
- Formas mixtilíneas
- Exterior de la cúpula: culmina el patio del siglo XVI, hay un juego, lo más llamativo de la cúpula es
la forma exterior (no es fácil de describir), parece que hay contrafuertes (o parecidos). Simbología
básica: llama del conocimiento, composición original parece casi oriental, Borromini tiene un
lenguaje propio, esquema casi aéreo, recuerda a la forma en la que se coronaba el baldaquino de
Bernini
- La decoración del interior es una mezcla de elementos orgánicos, líneas cóncavas
- Linterna estrellada en el final de la cúpula
Oratorio y convento de Filippini.

- Dos niveles en la parte inferior, un nivel en la superior

- Frontón curvilíneo
- Fachada mixtilínea, particular repertorio muy original

Cúpula de Sant Andrea delle Fratte

 - Emplea unos ladrillos más pequeños de lo habitual
- La planta parece de cruz griega apero con contrafuertes
- La obra de borromini tiene una connotación clarame
- Torre: caras en los capitales. Balaustrada.

Galleria Spada
 - Parece una obra de gran profundidad pero la galería es de 8 metros
- Se reduce la altura del techo
- La escultura hace de punto de fuga,
- El efecto de profundidad: las columnas van de mayor a menos tamaño
- De acuerdo con la idea moralizante del barroco

Este tipo de ideas también se aplica en la pintura

GUARINO GUARINI

Capilla de Santo Sudario (Turín)

Edificio de planta central por una cúpula de nervios entrecruzados

Iglesia de san Lorenzo

- Cúpula califal

PIETRO DA CORTONA

Santa Maria della Pace

- Encerrada en una plaza

- Curvas cóncavas y convexas
BARROCO PINTURA
ANNIBALE CARRACCI (1560)

- Clasicismo (enlaza con el renacimiento)

- Revitaliza la pintura
- Destaca el estudio de la naturaleza
- Influencia de Rafael y Miguel Ángel
-

Hombre comiendo judías (1583)

- Tema cotidiano

La carnicería (1583)

Bautismo de Cristo
 - Colorido
- Línea definida
- Se intenta transmitir al fiel las ganas de rezar
- Detalles como los pies en la arena,
- Annibale defendía que había que copiar todo lo más naturalmente posible, no idealizar
- Teoría de la elección (seleccionar las mejores partes de la naturaleza) frente a la teoría de la
imitación
- Es el fundador del clasicismo (barroco)

Asunción de la virgen (iglesia de Santa María del Populo) (1587)

- La virgen María parece que está ascendiendo

- Alteración del marco, para entender que la virgen está subiendo tenemos un ángel incompleto
Bóveda del palacio de Farnesio (1587)

- Historia de los amores de los dioses

- Escenas de la metamorfosis de Ovidio
- En el espacio central la historia de vaco y Ariadna
- Como si hubiera cuadros colocados en la bóveda
- Fue comparada con la capilla Sixtina (toma algunos elementos prestados, como los desnudos
sentados o la arquitectura ilusionista

El triunfo de Vaco y Ariadna (en la bóveda) (1586)

- Composición dinámica
- Ejemplos de trampantojo

CARAVAGGIO (1571-1610)

Propone la imitación directa de la naturaleza

Naturalismo (anticlásica)
Le costaba lo mismo pintar un bodegón que un cuadro sobre historias bíblicas. Esto rompe con la jerarquía
que había en cuanto a la temática. Caravaggio considera la naturaleza muerta o bodegón como un género
totalmente autónomo.

Defiende la psicología en la obra y el decoro (norma en la que solo se elegían los elementos que convenían
a la dignidad del tema)

Marchó a Roma y allí trabajo con un pintor manierista en un taller. Muy pronto entra a trabajar como
pintor de un cardenal

Realismo y tenebrismo. No idealización.

Los temas religiosos los pinta como temas cotidianos

Niño con un cesto de frutas (1593)

- Las hojas marchitas es una referencia al tempus fugit

- Cercanía física, no está idealizado
- Espontaneidad del modelo
- Expresión sensual

Chico mordido por una lagartija (1596)

 - Espontaneidad

Cesto con frutas (1596)

- Oleo sobre lienzo

- Se considera la primera naturaleza muerta de la pintura occidental
- Frutas del final del verano, antes de que llegue el invierno
- Tempus fugit
- Trampantojo, parece que la cesta penetra en el plano del observador

Baco (1598)

- Humanizado
- No tiene aspecto grandioso, parece un adolescente
- Sentido plástico
- Ofrece al espectador una copa
- Calidad de la vajilla y vegetales
- Rompe con los cánones de las escenas mitológicas
 - No hay tenebrismo como tal

La casa de Emaús (1596)

- El color está subordinado a la luz, el color se gradúa conforme a la luz que hay
- La luz viene de un solo foco
- Intención de captar la atención

Descanso en la huida a Egipto (1597)

- Oleo sobre lienzo

- Tema bíblico
- Momento de descanso de la sagrada familia, durante su huida a Egipto para salvarse de las
persecuciones de Rey Herodes
- Ángel ccolocado de espaldas
- La luz envuelve a la Virgen con su vestido rojo
- Naturalismo en los personajes

Magdalena penitente (1597)

 - Figura arrepentida
- Joven sentada en una silla pequeña con las manos en su seno. Objetos en el suelo
- La modelo es una prostituta

Judit y Holofernes (1598)

- La escena de que como salta la sangre no se había representado nunca

- Violento
- Artemisia Gentileschi
- Expresión de los sentimientos
- Dramatismo
- Judit y Holofernes de Artemisia Gentileschi
La vocación de San Mateo (1600)

- Caravaggio recibió el encargo de un comerciante para pintar dos óleos para la capilla Contarelli (la
vocación y el martitio)
- Cristo acompañado de San Pedro, señala a San Mateo. San Mateo dice “yo? Me estás señalando a
mí?”.
- Carácter simbólico de la luz, la luz de la revelación cristiana. Una persona pagana se hace cristiana
- La luz da estructura y rasga el espacio diagonalmente para buscar la figura de San Mateo
- Individuos concretos y reales

Martirio de San Mateo (1600)

- El santo aparece como un ser humano que está aterrorizado (está herido). Hay sangre.
- Composición circular, las figuras reaccionan de diferentes maneras
- Al fondo está Caravaggio
- Agitación en plena acción
- Matices de crueldad
La inspiración de San Mateo (1602)

- Para la decoración de la capilla Contarelli

- En la derecha es más pudoroso (fue elegida esta obra)

Martirio de San Pedro (1600)

- Crucifixión al revés
- Pies manchados
- Gesto muy moderno porque el rostro del santo es el de alguien conocido
- Expresión del color importante
Conversión de San Pablo (1600)

La conversión de San Pablo en el camino a Damasco (1604)

- El caballo es muy grande, tiene mucho protagonismo

- Mirar Salviati conversión San Pablo
- Saulo va a caballo y se cae, se queda ciego y se convierte al cristianismo
- Profundidad de los sentimientos de los personajes
- El personaje está en el suelo después de caerse pero su rostro está tranquilo porque acaba
de ver a Dios

Santo entierro (1604)

 - Vuelta a las raíces del mundo paleocristiano (cristiandad más humilde)
- No tiene idealización de la virgen

Muerte de la virgen (1606)

- Virgen que no sigue el ideal de belleza, parece una persona normal

- “La modelo podía ser una prostituta que se había ahogado en el río”
- La virgen se está muriendo pero se representa de forma natural

Salomé con la cabeza de Juan el Bautista (1609)

FEDE GALIZIA

Judith con la cabeza de Holocernes

- Muy conseguida técnicamente

- Rostro de holofernes: parece una máscara casi cómica, de dibujos animados,

La decapitación de San Juan Bautista (1608)

CORREGIO (1489)

Seguidor de la pintura de Rafael.

Esfumato

Mitología

Ascensión de san juan (1520)

- Ese momento mágico

- Esquema circular donde las figuras se desarrollan en torno al anillo

El rapto de las sabinas (1627) - ANÓNIMO

- Estructura de friso.
- Dinamismo.
- Está inspirado en el rapto de las sabinas de Giambologna
- Rapto de Proserpina
- Ariadna dormida inspiró una de las figuras
La asunción de la virgen (catedral de Parma) (1526)

- Cúpula octogonal
- La cúpula se desmaterializa
- Movimiento concéntrico de las figuras
- Eco directo en los grandes pintores del barroco ilusionista
- Claroscuro, sombras

GIOVANNI LANFRANCO

Triunfo de la divina providencia (1633). Palazzo Barberini

- Dedicado a exaltar al papa y a la familia barberini

- Composición confusa, oscura
- Celebra la divina providencia (aparecen abejas), aparece junto a ella la inmortalidad, 3 virtudes (fe,
esperanza y caridad), laurel
- Al ojo humano le cuesta detenerse en un aspecto en concreto
- Se desarrollan diferentes escenas
- Se narran algunos episodios propios de la vida del papa urbano VIII (a los laterales)
- Tema principal parece en la base
- Fresco en defensa de la familia barberini
GIOVANNI BATTISTA GAULLI

Con 22 años se presenta a un concurso y recibe la ayuda de Bernini

Triunfo del nombre de Jesús, Bóveda de la iglesia del Gesú

- Pechinas
- Exaltación del triunfo de la iglesia católica
- Estuco dorado de la bóveda de cañón interacciona con los elementos
- Gran sombra que se extiende
- Triunfo de la iglesia católica frente a la reformista
- Santos colocados sobre las nubes
- Se incita al fiel a adorar el nombre de Jesús (si lo están haciendo los santos también lo tienen que
hacer los fieles)
- Figuras de ángeles a los lados
- Las figuras del extremo es un perfilado de madera (vemos como sobrepasa el marco)
- Idea de perspectiva aérea
- Los pliegues y aspecto teatral derivan de bernini
- Arte cuadratura: técnica ilusionista aquí se usa para crear espacios infinitos

ANDREA POZZO

Se hace jesuita en 1661. Llega a Roma y le encargan un corredor. Inicialmente trabaja para el sobrino del
papa.

Andrea pozzo es un gran tratadista, realiza tratados para enseñar al artista como pintar obras en
cuadratura
Pasillo

- Anamorfosis: desde un punto de vista parece algo deforme pero desde el punto de vista correcto
adquiere forma humana
- El altar del final está pintado (es fingido), al igual que otros elementos como las volutas
- Efecto de la cuadratura. La técnica la va a aplicar de manera más precisa en los frescos de la iglesia
de san Ignacio

Bóveda de la iglesia de San Ignacio

- La arquitectura (arcos, columnas) en realidad está pintada

- Está pintada la alegoría de san Ignacio, la pintura tiene 17 m de ancho
- Pozzo pinta a personajes del antiguo testamento como guerreros (triunfo de la iglesia católica)
- Todas las figuras colocadas siguiendo las leyes lógicas de la perspectiva
- Escena central de la ascensión de San Ignacio que está siendo recibido por Cristo
- El padre pozo emite 4 rayos de luz que van dirigidos a los 4 continentes en alusión a como ha
llegado con su catequesis a los 4 contientes
- Poco después de esta pintura realiza uno de sus tratados
 - Cúpula pintada sobre tela (plana)

BARROCO EN ESPAÑA
Va a haber órdenes que encarguen cuadros a los artistas para las iglesias, también decoraciones.

Hay muchos artistas que se dedican a realizar tratados, uno de los más destacados era Palomino. Uno de
os tratados más importantes es “los diálogos de la pintura” y “arte de la pintura” de Francisco Pacheco y
“Museo pictórico” publicado en 1715 por Palomino. Tienen un carácter teórico pero son casi prácticos.
Reclaman que la pintura es una actividad noble que debería estar más valorada.

Los pintores tenían que luchar contra la idea de que hacían un trabajo manual.

Los artistas solían estar en gremios (como si fueran gremios de ¿artesanos?). Hay pintores que cuando
llegan a la ciudad tienen que hacer un examen ante un tribunal de artistas. Los gremios defendían más lo
local que el valor del artista.

- Velázquez pasa el examen con 18 años

VELÁZQUEZ

Comienza en Sevilla con un gusto por las tonalidades terrosas, bodegones y personajes populares.

En las meninas se representa a sí mismo como pintor y no como artesano, mira con orgullo al espectador
con la cruz de caballero, además junto a los reyes

Vieja friendo huevos (1618)

- En ese año Velázquez se casa con la hija de Pacheco

- Detalle de aceite en la olla, el mortero, el bronce; elementos representados de manera individual
- Luces y sombras
- Naturalista
- Inspiración en Caravaggio (tenebrismo, contraste)
- Bodegón (se consideraba un género vulgar)

Cristo en casa de Marta y María (1618)

Beuckelaer: Cristo en casa de Marta y María

Adoración de los reyes Magos (1819)

- Retrata a Pacheco
- El propio Velázquez se tratada como rey mago, su mujer es la virgen María
- Sencillez y virtuosismo, calidad de las telas
 - Escena crepuscular
- Barroco muy naturalista, hace que el espectador se implique

El naturalismo de Velázquez será cada vez más matizado

El aguador de Sevilla (1623)

- La luz incide más en los objetos, se filtra en la copa de agua

- Escorzo de la mano

Velázquez destaca mucho en el retrato, no es el naturalismo lo que le hace irse a Madrid si no el retrato.

La venerable madre Jerónima de la Fuente

 - Gesto casi amenazante

Retrato de Francisco Pacheco (1622)

- Vemos como poco a poco su forma de pintar se va aligerando

- Gola (cuello en italiano)

Retrato de Luis de Góngora (1622)

 - En las pinturas de Velázquez se aprecia la relación que tiene él con el retratado

Retrato de Felipe IV (1623)

Retrato del infante Don Carlos (1628)

 - Se han aplicado una serie de leyes suntuarias que hacen que la vestimenta sea más
sencilla (en cuanto a colores, no en materiales)
- Dificultad de escalas de negro
- Banda de toisón de oro
- Carácter pasota (se dedicaba a divertirse)

El triunfo de Baco (1628)

- Inspiración en Caravaggio
- Tema: celebración, alcohol
- Tema clásico, culto a Dionisos (Baco en Roma)
- Personajes dignificados, sus rostros no están castigados como con Caravaggio
- Técnica: Velázquez va pintando cada vez más suelta, se ven elementos propios de la pintura
italiana, pintura de mancha que emborrona la descomposición
Velázquez hace un viaje en 1628 a Italia, en principio era un viaje de 1 año, está en muhcas ciudades para
conocer la pintura, sobretodo en Roma.

La fragua de Vulcano (1630)

- Tema inspirado en la metamorfosis, también de las relaciones entre personas

- Apolo le dice a Vulcano que su esposa Venus es infiel (con Marte), además Vulcano está haciendo
una armadura para Marte
- Tema representado como una fragua cualquiera
- Las figuras ocupan un lugar muy importante
- Detalle de la pierna
- Tema mitológico tratado de forma satirizadora
- Vulcano manifiesta ira
- Uno de los arrieros que ayudan a vulcano tiene un gesto de sorpresa, ese gesti es producto de un
estudio por parte de Velázquez. Con Leonardo nace el “affeti” y continúa durante los años.
- Sorpresa
- La llegada de Velázquez a Madrid supone que en 1629 Velázquez pueda reencontrarse con
Rubens.

La túnica de José (1630)

 - Idea de la sorpresa
- Cuenta la historia de José (hijo de Abraham), lo tiran a un pozo y van a decirle a su padre que ha
muerto en manos de las fieras. Su padre demuestra sorpresa. El que está despaldas muestra
mucha elegancia.
- Claroscuro marcado
- Comprada para Felipe IV. El rey estaba muy influenciado por el conde duque de Olivares
- No solo narra un episodio bíblico, también hay una asociación de la figura de Abraham
- En el suelo un bastón como correspondía a los monarcas
- La única figura que no participa del engaño es el perro (perro fiel), anuncia engaño

Durante la estancia en Italia de Velázquez tuvo muchas influencias y referencias intelectuales, no quería
irse.

VICENTE CARDUCHO

Autorretrato (1630)
 - Sujeta un libro (el diálogo de la pintura)
- No niega su condición de pintor

JUAN BAPTISTA

Retrato de Antonio Palomino

- La Iconografía en España va a ser una ilustración de lo que exigía la contrarreforma
Durante la estancia en Italia de Velázquez tuvo muchas influencias y referencias intelectuales, no quería
irse.

- Los personajes no están detallados

- Elemento extraordinario: el paisaje, es el tema en realidad, Velázquez anticipa el impresionismo
con la representación de la luz
- No narración.
- El artista pinta el paisaje sin ningún tipo de excusa que justifique el realizado
De vuelta a España:

- Crea muy bien el espacio

- Llamativo en la corte
- Se muestra muy italiano
- Proporciones naturalista
- Casi no hay sangre
- 4 clavos:
- Subpedáneo
 - Actitud desenfadada
- Se ven evidencias de arrepentimiento

El cardenal infante. Fernando de Auestria

- Es representado con bastante dignidad a pesar de sus defectos
- Representación del espacio: no hay techo ni suelo, fondo liso, no hay punto de apoyo, no hay
líneas, sabemos el espacio gracias a su sombra

- Don Juan de Austria participa en la batalla de Lepanto

- Digno
- Postura forzadad
- Rostro desenfocado
- Difusión

- Marte es el dios de la guerra

- Personaje real, más bien triste
- Sentado, melancólico
- Imagen muy diferente con la que se suele representar Marte
- Afirmación del prestigio de Velázquez
- Detalle en la izquierda: trampantojo, el papel simula estar pegado
La rendición de Breda

- Singularidad: espinola (general de la banda rosa) evita que el vencido se arrodille

Las meninas (1656)

Representa un retrato de la infanta Margarita acompañada de su familia (familia como pequeña corte no
como familiares). Tiene una complejidad a aparentemente muy natural pero es fruto de una gran reflexión
de Velázquez. Menina: termino portugués que se refiere a damas, son personajes de la alta nobleza. A la
derecha personas con discapacidad física o mental. Al fondo vemos 2 figuras, un guardadamas y al fondo
en la puerta aparece un señor llamado José Nieto, el cargo de José Nieto era muy importante. Lo más
interesante es que Velázquez aparece sorprendido mientras pinta. El espejo del fondo se refleja Felipe IV y
Mariana de Austria. Juega a que el espectador se identifique con los propios reyes.

- Retrato de Margarita de Austria

- Perspectiva aérea: Velázquez logra la presencia perspectiva atmosférica, el aire ambiente, además
es una sala muy grande con grados diferentes de luz y también de profundad
- Cuando Velázquez pinta las meninas pinta también un retrato de Felipe IV (en su edad más
avanzada)
- Velázquez orgulloso con la orden de Santiago en la ropa. El rey visitaba a Velázquez en su estudio.
- 1658: la cruz de Santiago es añadida a posteriori

Las hilanderas (1657)

 - Pintura en parte conceptual, varios caracteres
- Es la fábrica de tapices de Madrid
- Aspecto teatral
- En primer plano vemos 5 mujeres que preparan la lana para la fabricación de tapices.
- En el centro hay una joven agachada
- Al fondo aparecen otras 5 mujeres sobre un fondo de tapices, el primer plano está ocupado por un
instrumento musical
- Fábula de Aracne
- No fue pintada para los reyes

COMENTAR OBRAS DE ARTE:

-Autor (mencionar detalles de su vida si se puede relacionar con la historia del arte. Brunelleschi por
ejemplo viaja a Roma y allí estudia obras antiguas que van a influir en su arte)

- Fecha (de manera precisa)

- Movimiento

- Materiales si no es arquitectura. Si es pintura: si es oleo, lienzo… Si es escultura ¡, si es madera o mármol

- Importancia del tema