“Año Del Fortalecimiento De La Soberanía Nacional”

UNIVERSIDAD NACIONAL HERMILIO VALDIZÁN

FACULTAD DE INGENIERÍA CIVIL Y ARQUITECTURA
ESCUELA PROFESIONAL DE ARQUITECTURA

INTRODUCCIÓN A LAS TÉCNICAS ARTISTICAS EDAD ANTIGUA Y MEDIEVAL MESOPOTAMIA

DOCENTE:

ARQ. CASTAÑEDA BRANCACHO, YINA

INTEGRANTES
REYES DE LA CRUZ, Jose Luis

Huánuco - Perú
2023

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 DEDICATORIA
A Dios por sus bondades infinitas, por
la vida y la salud por guiarme y alumbrarme
en las sendas de esta vida por buenos
caminos y librarme del mal.

A mis padres porque son el motivo de

mi superación por su apoyo infinito que a
pesar de muchas dificultades nunca
estuvieron conmigo, por sus consejos y su
motivación por tratar de salir adelante.

A mis docentes de la E.P.Arquitectura

por brindarme sus conocimientos en
el campo de la ingeniería y la
arquitectura.

Página | 2
 AGRADECIMIENTO
A mis familiares por su infinito
apoyo incondicional siempre dándome
sus buenos consejos y progresar en este
lapso de la vida. También a los docentes
de la E.P Arquitectura por brindarme e
instruirme en los conocimientos hacer
un constructo de un buen profesional

Página | 3
TABLA DE CONTENIDO

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TABLA DE ILUSTRACIONES

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 INTRODUCCIÓN

para comprender este informe que se tratara del arte del romanticismo, tenemos que entender el contexto
cultural de la sociedad en ese entonces, una sociedad cansada del rococó del clasicismo y cansada sobre
todo de su ritmo de vida una sociedad que apelaba mas a demostrar los sentimientos por mas frívolos
sombríos o alegres que fuesen, que no pintaba un palacio que pintaba una guerra, que no pintaba a un
conde que pintaba a un trabajador, que trataba de encontrar de nuevo en las cosas simples lejos de las
grandes ecuaciones matemáticas y más cerca del humano el placer diario. una nueva sociedad que se
identificaba con el nacionalismo arraigado y de alguna forma con la espiritualidad, como si fuera un
fantasma de la edad media que regresaba sin mas poder pero con gran influencia en las conciencias.

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1. RESEÑA HISTORICA DEL ROMANTICISMO

1.1. EL ROMANTICISMO CONTEXTO SOCIAL

el romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que todavía hoy
viven muchos de sus principios: libertad, individualismo, democracia, nacionalismo, etc. contexto: -
surge a fines del siglo xviii en gran bretaña. - surge de una serie de planteamientos estéticos basados en
subjetividad y el sentimiento, al tiempo que están interesados en la arquitectura gótica y la idea de lo
pintoresco. - ocupó la primera mitad del siglo xix - neoclasicismo y romanticismo aun dentro de sus
grandes diferencias, comparten el sustrato ideológico del liberalismo burgués y, en consecuencia, no
pueden dejar de estar interrelacionados en su origen. el triunfo del clasicismo mantuvo al naciente
romanticismo en una situación embrionaria durante décadas, pero a la vez ayudo a una mejor de su
ideario. la vinculación entre la estética neoclásica y el imperio napoleónico provoco como reacción,
sobre todo en los territorios centroeuropeos, la identificación del romanticismo como las nociones de
independencia nacional y sentimiento individual. fuente: historia del arte inicia la edad contemporánea.
surgió en alemania e inglaterra como reacción frente al frío racionalismo neoclásico. constituyó una
actitud de rebeldía y libertad, que dio cabida a la fantasía y la preocupación por el pasado. - recibió
como aporte inglés la preocupación por temas medievales. - en lo amoroso recupera el concepto del
amor cortés medieval en el sentido platónico; es decir, irrealizado. el romanticismo se opone a la rigidez
histórica y formal propia del clasicismo; vuelve su mirada hacia lo inmediato, ante lo que el artista toma
partido. en sus cuadros es el espíritu del artista el que se nos muestra, abanderado de las ideas del
romanticismo. entre 1770 y 1800 "europa se acostó absolutista y neoclásica y se levantó demócrata y
romántica". gracias a la revolución industrial inglesa (1760-1840), que desarrolla una clase burguesa y
sienta las bases del liberalismo; gracias a la revolución francesa (1789), que proclama los principios de
libertad, igualdad y fraternidad; gracias igualmente a la revolución americana con su declaración de
independencia (1776), que hace de los derechos del hombre su centro y establece la república como
forma de gobierno y al pueblo como fuente exclusiva del poder; gracias a todos estos hechos la libertad
reemplaza a la tiranía, el poder absoluto se ve limitado y la democracia se erige en ideal de gobierno.
el romanticismo arranca de la autonomía del sujeto como primer logro del pensamiento ilustrado es
fundamental para la concepción que el hombre romántico tiene de sí mismo y en relación a la
naturaleza.

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Caspar David Friedrich: El caminante sobre el mar de nubes. 1818. Óleo sobre lienzo. 74,8 cm × 94,8 cm. Kunsthalle de Hamburgo.

1.2. CARACTERÍSTICAS:

Théodore Géricault: La balsa de la Medusa. 1819. Óleo sobre lienzo. 4,91 m x 7,16 m. Museo del Louvre, París
 Subjetividad vs. objetividad. Se exaltaba la subjetividad, los sentimientos y los estados de
ánimo sobre la objetividad y el racionalismo del arte neoclásico. Se enfocaron en los

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 sentimientos intensos y místicos, como miedo, pasión, locura y soledad.
 Imaginación vs. inteligencia. Para los románticos, el ejercicio de la imaginación era
equiparable al pensamiento filosófico. Por ende, revalorizaron el papel de la imaginación en el
arte en cualquier de las disciplinas artísticas.
 Lo sublime vs. belleza clásica. Se opone la noción de lo sublime frente a la belleza clásica. Los
sublime se entendía como la percepción de la grandeza absoluta de lo contemplado, que no solo
place, sino que conmueve y turba al no corresponder a expectativas racionales.
 Individualismo. El romántico procura la expresión del yo, el reconocimiento de la identidad
individual, de la singularidad y la distinción personal. En la música, por ejemplo, esto se
expresó como un desafío al público en la improvisación artística.
 Nacionalismo. El nacionalismo fue la expresión colectiva de la búsqueda de la identidad del
individuo. En una época de cambios vertiginosos, era importante mantener el vínculo con el
origen, la herencia y la pertenencia. De allí el interés por el folclor

Eugene Delacroix: La libertad guiando el pueblo. 1830. Óleo sobre lienzo. 260 × 325 cm. Museo del Louvre, Paris

 Liberación de las reglas academicistas. Se propone la liberación de las rígidas reglas del arte
academicista, particularmente del neoclasicismo. Subordinan la técnica a la expresión individual
y no al contrario.
 Redescubrimiento de la naturaleza. El romanticismo convirtió al paisaje en una metáfora del
mundo interior y una fuente de inspiración. Por ende, se prefirieron los aspectos más salvajes y
misteriosos del paisaje.
 Carácter visionario u onírico. El arte romántico trae a la luz el interés por los asuntos oníricos
y visionarios: sueños, pesadillas, fantasías y fantasmagorías, donde la imaginación se libera de
la racionalidad.
 Nostalgia por el pasado. Los románticos sienten que con la modernización se han perdido la

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 unidad entre el hombre y la naturaleza, e idealizan el pasado. Tienen tres fuentes: la edad media;
lo primitivo, exótico y popular y la revolución.
 Idea de genio atormentado e incomprendido. El genio del romanticismo es un incomprendido
y atormentado. Se le distingue del genio renacentista por su imaginación y originalidad y,
también, por la narrativa de una vida atormentada

1.3. TEMAS ROMÁNTICOS

EGOCENTRISMO:
el alma del hombre es su enemigo interior, identificable con una obsesión incurable por lo imposible,
que priva del goce de la vida al individuo y hace que ésta le sea adversa. el alma romántica no es dada
desde fuera al individuo, sino que éste la crea cuando tiene conciencia de sus sentimientos.

LALIBERTAD: el reino
de la libertad absoluta es el ideal romántico, el principio de toda ética romántica: libertad formal en el
arte, entendida como necesidad del individuo para explorarse y explorar el mundo exterior, y para lograr
la comunicación del uno con el todo, en una marcha progresiva hacia la infinitud.
EL AMOR Y LA MUERTE:

el romántico asocia amor y muerte, como ocurre en el werther de goethe. el amor atrae al romántico
como vía de conocimiento, como sentimiento puro, fe en la vida y cima del arte y la belleza. pero el
amor acrecienta su sed de infinito. en el objeto del amor proyecta una dimensión más de esta fusión del
uno y el todo, que es su principal objetivo. pero no alcanzará la armonía en el amor.

1.4. LA RELIGIÓN DE LOS ROMÁNTICOS:

las
posturas románticas acerca de la religión son variadas. no obstante, en general la creencia no la fundan
los románticos en ninguna norma establecida, en ninguna moral instituida, sino en un sentimiento
interior y en una intuición esencial de lo divino que conduce a una unión mística con dios

las ideas expresadas a través la revolución francesa.

• libertad y nacionalismo
• valor del individuo, y consecuente exaltación del yo.
• por lo mismo reacciona también contra la industrialización y promueve la naturaleza, en paisajes y
animales; y la búsqueda de lo divino lo exótico en:
• el recuerdo de un pasado glorioso y misterioso, desde grecia hasta la edad media, especialmente el
gótico,
• una geografía en expansión donde se incluyen el mundo desconocido de áfrica del norte y el de las
tierras salvajes.
la fantasía y, sobre todo el drama, con:
• la obsesión de la muerte, la noche y las ruinas, la descripción de monstruos y criaturas anormales.

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2. PINTURA

2.1. CONTEXTO SOCIAL

La pintura romántica sucede a la pintura neoclásica de finales del siglo xviii, con unos nuevos gustos
desarrollados por todas las facetas artísticas del Romanticismo como la literatura, la filosofía y la
arquitectura. Está hermanada con los movimientos sociales y políticos, que ganaron cuerpo con la
Revolución francesa.
El término romántico, surgido en Francia en el siglo xvii para referirse a la novela, fue adaptado a
principios del siglo xix a las artes plásticas, en contraposición al neoclasicismo imperante. El
romanticismo en la pintura se extiende desde 1770 hasta 1870, prácticamente cien años, distinguiéndose
tres periodos:
1770-1820 o prerromanticismo , Apogeo romántico. ,Post-romanticismo
La pintura romántica se destacaba por composiciones que connotaban sentimientos y estados de ánimo
muy profundos del artista (como la introspección, la nostalgia y la melancolía).
Mediante una amplia variedad técnicas, como la pintura al óleo, acuarelas, grabados y litografías,
brindaba un espacio de liberación de estilos y de reglas que permitían expresar las emociones del artista.

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 La balsa de la Medusa

 El Prerromanticismo. Fuertemente influenciado por el Rococó, exaltaba las ruinas y poseía una
visión idílica del paisaje. Se representan escenas nocturnas, cementerios y otros paisajes en los que
se exaltaba la pasión y el sentimiento.
 Apogeo romántico. El momento cumbre de la pintura romántica se da entre 1820 y 1850, con un
predominio de temas relativos a la historia moderna, así como una nueva concepción del paisaje.
Francia fue el escenario principal de este período.
 Post-romanticismo. De 1850 a 1870 se dio el último período de la pintura romántica, en que se
debilitó el movimiento y cedió paso a un cierto manierismo, o en América Latina al costumbrismo.

Post-romanticismo.

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2.2. CARACTERISTICAS DE LA PINTURA DEL ROMANTICISMO

Entre las principales características de la pintura del Romanticismo destacamos las

siguientes:

 Es el primer movimiento cultural que se extendió por toda Europa. El Romanticismo surgió en
Francia, Alemania, Reino Unido y España.
 Su momento de mayor auge se data entre los años 1800 y 1850.
 Los pintores introducen la actualidad como tema de sus cuadros, con acontecimientos actuales y
composiciones llenas de dramatismo para reflejar todas las injusticias y crueldades cometidas en
guerras, revoluciones y otros hechos. Temáticas que no aparecían en la pintura neoclásica y
academicista.
 Los pintores románticos priman la subjetividad y la individualidad. Así, se busca explorar
estados emocionales y al psicológicos al objeto de mostrar cómo son los protagonistas de las
historias y acontecimientos que se desean plasmar, especialmente los héroes.
 Otros pintores se centraron en mostrar la naturaleza, pintando al aire libre y observando el
paisaje, la atmósfera y el cielo, elevando la pintura de paisajes a un nivel más elevado.
 El Romanticismo también estuvo relacionado con la aparición del
nacionalismo, reivindicándose el folclore, las tradiciones y paisaje locales. Los pintores
románticos ofrecieron toda una iconografía que ayudó a forjar a identidad nacional. Los ideales
de la Revolución francesa de 1789 son también una inspiración y lleva a los artistas a
comprometerse desde el punto de vista político y social.
 En esa reivindicación de la tradición, los pintores y artistas románticos pusieron en valor la
cultura medieval, introduciendo en sus pinturas todo el imaginario medieval y un tono
nostálgico que crea una atmósfera de paraíso perdido. También se busca inspiración en la
Antigua Grecia y todos aquellos momentos históricos que despierten admiración en el autor,
además de interesarse por lugares exóticos como el Norte de África, América del Sur y Oriente.
 Se busca la originalidad y la individualidad y, para dejar de lado el academicismo y se opta por
la obras inacabadas e imperfectas

2.3. PERIODOS DE LA PINTURA DEL ROMANTICISMO

 El Prerromanticismo, un momento con influencias del Rococó y en el que se tiende a idealizar

el paisaje.
 Romanticismo pleno. Una época en la que abundan temas históricos y se implanta un nuevo
concepto del paisaje, siendo Francia uno de sus principales centros.
 El Post-romanticismo, un último momento que dio paso al costumbrismo. La relación entre el
pintor y sus clientes varía y se produce un trato de igual a igual, creándose también grupos de
artistas que trabajan bajo un ideario común, pero sin renunciar a su individualidad como, por
ejemplo, los prerrafaelistas ingleses.

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 El caminante sobre el mar de nubes

2.4. TIPOS DE PINCELADA Y COLORES SE USABA EN EL ROMANTICISMO

El arte romántico se caracteriza por su manejo del pincel único y la cuestión del sujeto. Las pinturas
románticas con frecuencia representan la lucha del hombre con la naturaleza o contra sí mismo. Como
una reacción a la Ilustración, los tonos fueron más oscuros y se tuvieron en cuenta elementos góticos.
Los colores, a menudo oscuros, se eligen con cuidado para transmitir el humor y la expresión

Pinceladas detalladas

Los románticos se reconocieron como pintores neoclásicos. Al contrario de los impresionistas, que los
sucedieron, prestaron más atención al detalle. Las escenas eran siempre realistas y las figuras humanas
describían distintas emociones y expresiones. Para los cielos y los paisajes, se podían hacer pinceladas
más bruscas. Sin embargo, para las figuras humanas y los objetos se necesitaban líneas precisas. Los
románticos usaban el color como método principal para transmitir emociones, no las pinceladas
imprudentes o las figuras descuidadas.

Color
El color es uno de las características más importantes y únicas del arte romántico. Utilizado como una
de los modos principales de transmitir emoción, los románticos usaban colores fuertes y contrastes muy
marcados. En las pinturas, los cielos eran oscuros y nublados. El fondo era casi siempre negro o con
sombras oscuras. El negro y el blanco en el cielo expresa el miedo hacia una suerte de peligro
amenazante y desconocido. El rojo se usaba para los atardeceres y la ropa.

2.5. COMPOSICION Y TECNICAS DE LA PINTURA DEL ROMANTICISMO

En ese rechazo a los convencionalismos del neoclasicismo, el romanticismo supuso una renovación
estética y, por lo tanto, técnica

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 Se emplean diversas técnicas, desde el óleo a las litografías, acuarelas y grabados.
 La textura cobra importancia, reivindicándose una pincelada expresiva y libre.
 El color también recupera fuerza frente a la línea. Las formas se liberan.
 La luz adquiere una gran importancia al ser utilizada para imprimir un mayor dramatismo y
efectismo a las escenas representadas.
 Las composiciones están llenas de dinamismo, introduciéndose líneas curvas, movimiento y
teatralidad en los gestos y movimientos.

La Libertad guiando al pueblo – Eugène Delacroix

2.6. PINTURAS MAS REPRESENTANTES DEL ROMANTICISMO

El romanticismo fue un movimiento artístico y filosófico que cuestionaba los paradigmas racionalistas
que habían prevalecido a raíz de la Ilustración. En consecuencia, se empezó a valorar más las
particularidades, libertades, sentimientos y la subjetividad de los individuos. Cabe mencionar que no se
enfocaba únicamente en reivindicar el amor o la ternura, como podría pensarse, sino que pretendía
representar lo inquietante, lo sublime.
El sufrimiento, la soledad, el terror y la utilización de elementos paisajistas eran elementos bastante
recurrentes en las pinturas de aquel entonces. Asimismo, es relevante recalcar que el decoroso aprecio a
la Edad Media, la exaltación de la imaginación y la fervorosa oposición hacia la normativa clásica
configuraban las características principales del romanticismo. En ese sentido, repasamos cinco de sus
obras más cautivadoras

 La balsa de la Medusa – Théodore Géricault

Esta histórica obra representa el naufragio de 1816, el cual acabó con la vida de numerosos soldados
franceses. El artista evidencia un extraordinario manejo del realismo y logra plasmar la conmoción de
aquel suceso. Asimismo, se emplearon diversos estudios anatómicos para lograr representar de tal forma
a los protagonistas.

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 La balsa de la Medusa

 El caminante sobre el mar de nubes – Caspar David Friedrich

Definitivamente, una de las obras más bellas del romanticismo. La nostalgia, incertidumbre y el drama
adornan estratégicamente la obra. Friedrich optó por colocar a un hombre de espaldas para que el
espectador se adentre en el cuadro y experimente la soledad del protagonista

El caminante sobre el mar de nubes

 La carreta de heno – de John Constable
John Constable fue un paisajista inglés que le otorgaba deliberadamente un rol protagónico a la
naturaleza. La carreta de heno es su obra maestra y transmite la sensibilidad del artista.

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 la carreta de heno – de john constable

 La Libertad guiando al pueblo – Eugène Delacroix

Se trata de una de las pinturas más representativas del romanticismo y es considerada como un
símbolo de arte político. Asimismo, plasma la unión de los pueblos ante la opresión

La Libertad guiando al pueblo – Eugène Delacroix

 El beso – Francesco Hayez

La obra maestra de Francesco no solo permite apreciar la dulzura de la pasión juvenil o adolescente,
sino también elementos que reivindican el patriotismo y la relevancia militar.

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 El beso – Francesco Hayez

2.7. REPRESENTANTES DE LA PINTURA Y SUS OBRAS - FRANCIA

2.7.1. THEODORE GERICAULT

Nació en Ruan en 1791, y fue uno de los pintores más importantes de la historia del arte francesa, y
pionero en el romanticismo., En 1798 se trasladó con su familia a París, donde comenzó sus estudios
artísticos., La carrera artística de Géricault dura apenas 10 años, pero fue abundante y de mucha
calidad., Murió en 1824, a la edad prematura de 33 años.

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 theodore gericault

teodoro gericault atesora las características típicas del pintor romántico:

- es un artista disconforme con su entorno.
- tiene una personalidad melancólica.
- se encierra en la incomprensión, cayendo en la locura.
- tiende a la crítica de lo que le rodea.
- gericault tuvo una infancia difícil. la revolución acrecentó este
malestar, lo que despertó en él un carácter sensible. marchó a parís a corta edad y allí asistió al taller de
un pintor enteramente clasicista, con el que no se identificó. acudió a diferentes sesiones de parís, donde
descubrió a goya, cuya técnica le fascinó y también admiró el tenebrismo de Caravaggio.

retrato de un oficial de la guardia real a caballo

en esta
pintura se produce la exaltación de la guerra. utiliza una técnica bastante nueva ya que se rompe la
estructura clásica. pinta el caballo en diagonal hacia el fondo y muestra una indefinición del espacio
pictórico que lo rodea. también le da mucha importancia al color. en las obras de teodoro gericault
tienen gran relevancia los caballos, ya que éstos representan una fuerza vital bruta, lo que sirve como
vehículo para reconciliar la monumentalidad y la veracidad del arte clásico.

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 retrato de un oficial de la guardia real a caballo theodore gericault

LA BALSA DE LA MEDUSA

la primera obra romántica que se exhibió fue en el salón de parís de 1819 y fue “la balsa de la medusa”
de gericault en la cual resplandece tanto la forma como su fondo así como también su utilización del
color como elemento pictórico sobresaliente. gericault se inspira en un hecho real en el que por error del
comandante de una embarcación se produce un naufragio. por tanto, el tema es histórico y real. pretende
denunciar públicamente la incompetencia de algunos oficiales que están apoyados desde el poder no
sólo por amistad o por conveniencia, sino también por favoritismo. gericault escoge en esta pintura el
momento en que la esperanza hace su aparición, ya que se vislumbra a lo lejos un barco y un hombre se
levanta para hacer señales. resalta el claroscuro típicamente caravagista que dota a la escena de mayor
dramatismo

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 la balsa de la medusa theodore gericault

2.7.2. JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

más conocido como dominique ingres, (montauban, 29 de agosto de 1780 – parís; 14 de enero de 1867),
fue un pintor francés. ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente
defensor del dibujo. resulta a la vez clásico, romántico y realista. ingres constituye un claro exponente
del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido. algunas
de sus obras se enmarcan en el llamado «estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y
gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de fouquet. igualmente, es ejemplo de
orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un
sentido irreal del exotismo propio del siglo xviii.

BAÑO TURCO

es un cuadro de dominique ingres. esta obra orientalista representa un grupo de mujeres desnudas en un
harén. el erotismo del cuadro es suave y no provoca gran escándalo ni lo hizo en su época, a diferencia
de otros del mismo género, como el déjeuner sur l´herbe de édouard manet (1863). pero durante mucho
tiempo perteneció a colecciones privadas y no se exhibió de manera continuada hasta el siglo xx.
actualmente se encuentra en el museo del louvre de parís, francia, donde se exhibe con el título de le
bain turc. está considerada como la obra maestra de los últimos años de ingres. realización es ya un
anciano el que firma el cuadro erótico en 1862, no sin una cierta malicia, ya que él lo inscribe con
orgullo aetatis lxxxii ('a la edad de ochenta y dos años'). algunos años después (en 1867), ingres declara:

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todo el fuego de un hombre de treinta años. rectangular en su origen, el pintor le dará forma de tondo o
medallón en el año 1863, acentuando así el carácter furtivo de la mirada que lo contempla, que parece
espiar a través de una cerradura y otorgando una nueva dimensión a la obra, reforzando la cadencia de
los cuerpos desnudos
para realizar este cuadro ingres no recurre a modelos; se inspira en los numerosos croquis y cuadros que
ha pintado a lo largo de su carrera, ya que el desnudo femenino fue el tema principal de su obra. se
puede ver, por ejemplo, en las figuras de la bañista y la odalisca, que dibujó o pintó solas, sobre un
diván o un estanque. el primer plano está ocupado por una mujer vuelta de espaldas que está tocando
una especie de laúd. recuerda a la figura más conocida de ingres: la bañista de valpinçon, que reprodujo
de forma casi idéntica, variando la posición del brazo, de manera que aquí al estar un poco levantado,
deja entrever su seno. constituye el elemento central de la composición. igualmente, la odalisca con los
brazos levantados que se ve en primer plano, fue producto de un croquis
que hizo el pintor en 1818 y que representaba a su mujer (madeleine). la espalda de esta mujer de los
brazos levantados, es más larga de lo normal, incoherencia anatómica del artista que utilizaba con
frecuencia y de manera absolutamente consciente, sacrificando la verosimilitud por el efecto; quiere
pintar la belleza, su belleza, una belleza individual (por ejemplo las tres vértebras suplementarias de la
gran odalisca). los demás cuerpos están yuxtapuestos en diferentes planos, sin que se crucen sus miradas
y como haciendo un cadencioso ritmo figurativo. es de notar la curiosa osadía de ingres al representar en
este cuadro una escena de caricias lésbicas entre una de las mujeres (que aparece con corona como si
acaso fuera la valide sultan) y otra que parece algo menor en edad. en realidad gran parte de esta
composición pictórica parece gravitar en torno a ese tema; por ejemplo: la odalisca que tañe el laúd
parece hacerlo dedicado a esas mujeres tal cual se observa en la pintura. ingres puebla el cuadro de una
casi infinidad de mujeres, en posturas y actitudes distintas: estiradas, tomando café, charlando, bailando,
etc. son docenas de desnudas que están sentadas o tumbadas, alrededor de una piscina, sus posiciones
recuerdan, acaso por casualidad, a las posturas de las figuras del templo hindú de khajuraho, por ende
existe una especie de ritmo con reminiscencias musicales en esta pintura y lejos está de ser fortuita tal
apreciación: en el "primer plano" está la odalisca desnuda (que es la mujer que más iluminada aparece)
tañendo al laúd y casi frente a ella pero muy al fondo y en la penumbra la mujer que danza. muchas de
estas bañistas acaban de salir del agua y se las ve secándose o durmiendo. el mayor erotismo del cuadro
viene proporcionado por las dos mujeres que están a la derecha, una tocando el pecho de la que tiene a
su lado. en el primer plano, a la derecha, hay una manta roja y, sobre ella, una mesita con una serie de
objetos. forman un bodegón: una tetera plateada, una jarra de porcelana, una taza.

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 el baño turco dominique ingres

2.7.3. EUGENE DELACROIX (1798-1863)

se inclina sobre todo por los temas orientales, con el estilo más exaltado y rebuscado. tuvo una fuerte
personalidad, con un carácter pasional y turbulento, como su pintura viaja por inglaterra y por el norte
de áfrica, aunque nunca llegó a ir a italia, buscando en lugares más exóticos su inspiración. se percibe
cierta influencia en el tratamiento del color y de las anatomías. participante en la revolución del 1830,
pinta el cuadro que se ha convertido en el símbolo de todas las revoluciones decimonónicas, y que junto
a alguno de los cuadros de goya, podríamos considerar la primera pintura política: "la libertad guiando
al pueblo", representa a la libertad, alegoría de la revolución francesa como una matrona con el pecho
desnudo conduciendo a los ciudadanos entre las barricadas, esos personajes que aparecen detrás de ella
también tienen un claro sentido simbólico ya que están aludiendo a los distintos grupos sociales.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO

la composición, muy estudiada y que debe mucho a la “balsa de medusa” de gericault, concebida como
una pirámide ascensional, coloca en el vértice el brazo levantado con la bandera de la república en el
momento en que salta por encima de las barricadas; delacroix mantiene una iluminación propia del
romanticismo, con ese gusto por lo tenebroso y los fuertes contrastes de luz, divisándose al fondo las
torres de notre dame y el centro de parís. eugene delacroix fue el máximo exponente de este movimiento
en cuanto a pintura y su arte lo configura a medida va meditando e inspirándose en el arte flamenco,
italiano e ingles de louvre, a la vez se inspira en temas de leyendas antiguas o de la literatura romántica
se consagra como artista en 1823, y para 1830 presenta la que paso a ser su obra más famosa y símbolo
de las revoluciones del siglo xix, “la libertad guiando al pueblo”.

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 la libertad guiando al pueblo eugene delacroix

2.8. REPRESENTANTES DE LA PINTURA - ALEMANIA

alemania es la cuna del romanticismo europeo, y en el terreno de la pintura es también uno de los
lugares en donde alcanza un mayor desarrollo, sobre todo la pintura de paisaje. se trata de paisajes en los
que el gran protagonista del lienzo es la naturaleza, salvaje indómita, ante la que el hombre es sólo un
espectador que se siente abrumado por su poder y su grandeza, los románticos alemanes identifican la
naturaleza con dios, por lo que van a dar ese sentido místico al paisaje y su justifica su extraordinario
desarrollo. el pintor de paisajes románticos se pierde en la naturaleza buscando los lugares más
recónditos, dando a cada elemento de ese paisaje un contenido simbólico. en muchas ocasiones esos
paisajes se ven completados con ruinas, edificios de arquitectura gótica, que potencian la sensación de
misterio. además el tratamiento de la luz en ellos va a ser también buscando un mayor contenido
expresivo, con luces de amanecer, atardecer o incluso con paisajes a la luz de la luna. la pintura
romántica alemana confluyen todos los planteamientos estéticos del idealismo alemán, especialmente la
noción de lo sublime como objeto fundamental del arte, que busca del espectador se vea afectado por lo
representado de tal mal manera que se vea obligado a imaginar a partir de lo que el cuadro evoca.

2.8.1. DAVID FRIEDRICH

luego de la vertiente más idealizada, importante y poética del romanticismo surge el alemán david
friedrich quien pinta paisajes espirituales casi místicos pero con un matiz sombrío y extraño con una luz
tenue de diferentes puntos como si el mundo tuviera un camino sombrío y adverso por delante con
personas solitarios ante naturalezas nefastas y exuberantes, sus obras al igual que las de sus colegas
alemanes en la mayoría son transmiten un sentimiento como si quisieran capturar el latir de la naturaleza
en sus obras, dentro de las obras de freidrich cabe mencionar su “fraile junto al mar “ o su “naufragio de
la esperanza entre los hielos”. la obra representa a un viajero, al que se ha identificado con el propio
friedrich, que se encuentra de pie en lo alto de una montaña elevada, mirando un mar de nubes que
queda debajo. el viajero se encuentra de espaldas. viste de negro. adelanta una pierna y se apoya en un
bastón. se pueden ver los picos de otras montañas saliendo entre la niebla, mientras que una cadena de
enormes montañas ocupa el fondo. la gran extensión de cielo por encima de las alturas de las montañas
del fondo cubre gran parte del cuadro

.
el caminante sobre el mar de nubes david friedrich

“LA CRUZ EN LA MONTAÑA”

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elevados peñascos suspendidos en el aíre y como amenazando, nubes tempestuosas reuniéndose en la
atmósfera en medio de los relámpagos y el trueno, volcanes desencadenando todo su poder de
destrucción, huracanes sembrando tras ellos la devastación, el inmenso océano agitado por la tormenta,
la catarata de un gran rio… el efecto (wirkung) de un cuadro testifica mucho a su favor, siempre que el
efecto que se proponga la verdad, y la verdad atienda a la nobleza. si el cuadro opera anímicamente en el
espectador, si traslada su ánimo a una hermosa afección, ha satisfecho esa primera exigencia de toda
obra de arte

“la cruz en la montaña”

“FRAILE JUNTO AL MAR”

de entre su obra, fácilmente identificable por la magnitud que alcanzan los elementos de la naturaleza, la
luz tenebrosa y mortecina y el fuerte sentimentalismo, podemos mencionar algunos cuadros como "el
mar de hielo", o “cementerio en la niebla” "el monje junto al mar" simbolizando la precariedad del
destino humano con un tono entre sublime y melancólico. en el caso de el último cuadro citado sabemos
por el proceso de creación que fue eliminando barcas y otros motivos que resultaban anecdóticos, y
reflejó finalmente en el lienzo la imagen de una gran inmensidad elemental de un paisaje marino puro,
con la única figura de un fraile en las dunas, que hace que nos parezca que no hay nada que ver.

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 fraile junto al mar

ROCAS CRETACICAS DE RÜGEN

caspar david friedrich oil on canvas stiftung oskar reinhart, Winterthur

PAISAJE DE UNA TARDE CON DOS HOMBRES

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 caspar david friedrich oil on canvas the hermitage, st. petersburg

2.9. REPRESENTANTES DE LA PINTURA – INGLATERRA

en inglaterra el romanticismo se ve determinado por el temprano desarrollo de la revolución industrial y

la aparición de nuevos modelos sociales y económicos, ante los que los artistas reaccionan en muchos
casos refugiándose en su propio mundo artístico interior y muy personal. en un primer momento hay una
relación muy estrecha entre pintores y poetas. la importancia del paisaje en gran bretaña es básica, es el
género más cultivado y en el que nos encontramos las aportaciones más revolucionarias. el
romanticismo en inglaterra tomará un tono mucho más imaginativo, con imágenes oníricas, en las que se
mezclan el mundo de los sueños, con lo legendario o cierto misticismo, lo que ha llevado a que estos
románticos ingleses sean llamados "visionarios".

2.9.1. WILLIAM BLAKE (1757-1827)

mística y pintor, inclinado por los temas medievales y los más extravagantes delirios religiosos, realiza
sobre todo acuarelas y grabados, para la ilustración de diversos libros, como la divina comedia o la
biblia. en una línea muy parecida trabaja henry füssli (1741-1825), se inclina por los seres mágicos,
tomados en ocasiones de la mitología nórdica, que sumergen al espectador en un ambiente de pesadilla
como en el cuadro de "la pesadilla". otra rama de la pintura romántica inglesa que mezcla el mundo de
los sueños con lo las historias legendarias y cuyo resultado es un arte más imaginativo y mas onírico,
dando lugar a ser llamados los visionarios. dentro de las obras de william blake cabe mencionar a ”el
gran dragón rojo”.

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 el gran dragon rojo william blake

PINTURA: WILLIAM BLAKE ISAAC NEWTON 1795

william blake copper engraving with pen and ink and watercolour, 460 x 600 mm tate gallery, london

CHRIST AS THE REDEEMER OF MAN 1808

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 william blake pen and watercolour, 496 x 393 mm museum of fine arts, Boston

THE LOVERS' WHIRLWIND, FRANCESCA DA RIMINI AND PAOLO MALATESTA 1824-

27

william blake pen and ink and watercolour, 374 x 530 mm city museum and art gallery, birmingham

2.10. JOHN CONSTABLE (1776-1837)

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además de esta corriente visionaria se desarrolla en inglaterra una importante pintura de paisaje,
heredera de la tradición del siglo anterior. elige paisajes con nubes inestables, con una técnica novedosa,
basada en una pincelada densa, recurriendo incluso a la espátula, para dar toques de luz y de brillo en
sus paisajes; en ellos no trata de representar la naturaleza sino de sentirla, se trata del comienzo de una
visión subjetiva del mundo y de la naturaleza, que modifica, transforma en función de sus criterios
estéticos, sobre todo gracias al uso de la luz, como podemos ver en “la catedral de salisbury”, uno de sus
cuadros más logrados.

john constable

2.11. JOSEPH WILLIAM TURNER (1775-1851)

el paisajista más importante. los colores los difuminan en formas nebulosas, preocupándose por las
últimas investigaciones de los físicos sobre el color y la luz. la pincelada se hace cada vez neblinoso.
utiliza mucho la acuarela, que se adapta perfectamente a esos efectos vaporosos. mezcla temas
tradicionales del paisaje con otras mucha más innovadores, como el ferrocarril o el vapor de sus
maquinas, en muchos de sus cuadros como "lluvia, vapor y velocidad". turner se muestra como un
pintor que anticipa muchos de los aspectos de la pintura contemporánea, como la tendencia a lo no
figurativo, la abstracción, el movimiento... reflejando un mundo en transformación en donde los
conceptos anteriormente claros ahora aparecen borrosos y en movimiento. la pincelada es rápida y
continua, desdibujando los contornos y apareciendo sólo los puentes y la locomotora.

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 lluvia, vapor y velocidad william turner

2.12. REPRESENTANTES DE LA PINTURA – ESPAÑA

2.12.1. FRANCISCO DE GOYA (1746-1828)

su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. en todas estas facetas desarrolló un
estilo que inaugura el romanticismo. el arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura
contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo xx..

la familia de carlos iv francisco de goya

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SATURNO DEVORANDO A UN HIJO

una de las pinturas negras de goya, realizada durante el trienio liberal (1820–1823), y que, a bajo una
capa mitológica, alude a la famosa frase de vergniaud poco antes de ser guillotinado: «la revolución
devora a sus propios hijos»

saturno devorando a un hijo

LA MAJA DESNUDA 1799-1800

francisco de goya y lucientes oil on canvas, 97 x 190 cm. museo del prado, Madrid

la maja desnuda 1799-1800

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LA MAJA VESTIDA 1800-1803

francisco de goya y lucientes oil on canvas, 97 x 190 cm. museo del prado, madrid

la maja vestida 1800-1803

3. ESCULTURA

La escultura románica hereda ciertos caracteres bizantinos, persas, árabes y romanos, dando
lugar a obras sobre todo de carácter católico, las cuales servían como vehículo
propagandístico para acercar a la plebe la Palabra Sagrada.
La escultura del periodo románico destaca por su simetría y por su rigidez, exagerando
muchas veces las formas o las expresiones. Las esculturas solían tener un fuerte carácter
católico y se podían apreciar con mucha frecuencia en las fachadas y columnas de las
Iglesias.
Solía crearse en diferentes materiales, predominando la piedra y la madera policromada. Las
principales esculturas románicas solían ser crucifijos, Vírgenes con niños, diferentes santos y
simbología católica

3.1. CONTEXTO SOCIAL

la escultura romántica no es tan productiva como la pintura o la arquitectura. se caracteriza por su

energía y su dinamismo. se presenta muy pobre y desorientada en general. los escultores no se volvieron
a los modelos góticos, ni a los modelos románicos de la edad media. modifican apenas los modelos
neoclásicos, dándoles mayor movimiento e inspirándose más en la naturaleza. abandonan los temas
mitológicos y los de la historia clásica y se fijan en los de la edad media y contemporánea. el periodo
romántico en escultura responde a encargos oficiales para embellecer edificios o erigir monumentos
conmemorativos. es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros criterios que
desembocarán en un nuevo realismo. la escultura en el arte del romanticismo fue el patito feo de la
historia, ya que siendo propiamente clásica la mejor escultura y no entendiendo la escultura gótica como
entendían la arquitectura gótica (ya que la encontraban muy tosca), tenían casi una aversión por ella al
igual que por todo lo clásico, factor que hiso que casi no se desarrollara como medio de expresión
romántica. durante el siglo xix paris, se convierte en la capital artística. en francia tienen gran
protagonismo los salones de exposiciones porque en ellos se mide el grado de aceptación de los artistas.

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estos se esforzaban en presentar obras de gran calidad que sorprenderán al público. la escultura francesa
no alcanza la importancia de la pintura, ni por la cantidad de obras producidas, ni por el número de
figuras significativas. la escultura románica tiene un desarrollo posterior a la pintura, sus temas son
narrativos y comparte con la pintura la expresión de las pasiones humanas de forma agitada, perdiendo
las figuras de quietud y mesura. el material más utilizado es el bronce, pues ofrece más posibilidades de
modelado que el mármol, aunque se utiliza también otros materiales como el hierro fundido y el cinc. en
la década de los años treinta se aplica el descubrimiento de la electrolisis, que permite dar a la figura
apariencia de solidez metálica aunque se haya elaborado en material más económico.

Pórtico de la Gloria
3.2. CARACTERISTICAS

La escultura románica estuvo presenta sobre todo dentro de la arquitectura, a modo de decoración.
Dentro de la escultura románica podemos encontrar las siguientes características
 : La escultura románica se basa en el anti naturalismo.
 No hay cánones de proporcionalidad en las figuras, ni equilibrio entre masa y peso.
 Las figuras tienden a ser rígidas, carecen de movimiento alguno.
 Ausencia de volumen, las obras son planas y simétricas, predominio de la frontalidad.
 Suelen tener un carácter religioso.
 La escultura románica estará subordinada al espacio arquitectónico.
 Las figuras se ajustan según las forma y el espacio del capitel.
 Tenían una misión didáctica y decorativa.
 La escultura románica suele emplearse para la decoración de edificios religioso

3.3. EXPONENTES DE LA ESCULTURA Y SUS OBRAS

3.3.1. AUGUSTE PREAULT

el gran exponente de la escultura en el romanticismo fue auguste preault, artista que tenía una gran

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fuerza natural y una viva expresión lirica. durante el período de desorden el estudio de préault fue
saqueado y muchos de sus modelos de yeso fueron destruidos. dadas estas circunstancias, su trabajo ha
sido en gran parte marginado en la sombra por sus contemporáneos

el silencio auguste preaulet

3.3.2. RANCOIS RUDE

pero aun más
famoso que preault fue francois rude quien no escatimo en retrocesos históricos para desarrollar sus
obras, entre las cuales figura el bajo relieve del arco de la estrella titulada “la partida de voluntarios”
popularmente conocido como la marsellesa.

la partida de voluntarios francois rude

3.3.3. JEAM BAPTISTE CARTEAUX

ya
que se identificaba con el himno y con el espíritu nacional francés, rude tuvo un discípulo llamado
carpeaux, quien se centro mas en las fisonomías y darle un toque más real a la esculturas sirviendo de
puente hacia el realismo, autor de “la danza” un alto relieve que recuerda la obra de su maestro “la
marsellesa”. en "la danza", el personaje principal, ligeramente desplazado hacia la izquierda, es un genio
alado, totalmente desnudo, acompañado de un niño juguetón a sus pies, que anima a bailar a un grupo de

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jóvenes, casi desnudas, en torno a él.

la danza jean baptiste carpeaux

3.3.4. THEODORE GERICAULT

sus
esculturas muestran los mismos arrebatos, apasionados y violentos. en 1829 realiza la ninfa y sátiro en
piedra. la ninfa muestra una resignación ante el sátiro que se inclina sobre ella, esta obra supone una
expresión romántica muy adelantada en su tiempo.

la ninfa y el satiro theodore gericault

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 portrait de nadine dumas jean-baptiste carpeaux

la princesse mathilde (1820-1904) buste jean-baptiste carpeaux

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 Buste de mme noélie moret buste jean-baptiste carpeaux

4. ARQUITECTURA

el romanticismo va en contra del siglo de la razón y de las academias, grandes países se enfrentan entre
si mientras que inglaterra, francia, alemania y españa buscan en sus propias fuentes medievales la raíz
de su personalidad y empiezan a romper el lazo con lo greco-romano del clasicismo. hubo mucho interés
por la arquitectura gótica, que se presentaba en contraposición al estilo grecorromano. se construyeron
en estilo gótico: iglesias, edificios civiles, estaciones férreas. los países que adoptaron este estilo fueron
inglaterra y alemania, contra el dominio del arte mediterráneo.
4.1. CONTEXTO SOCIAL

La arquitectura del Romanticismo, un movimiento artístico y cultural que se desarrolló a

principios del siglo XIX en Europa, reflejó el espíritu de la época marcado por la emoción, la
imaginación y la conexión con la naturaleza.

Este estilo arquitectónico se inspiró en la nostalgia por el pasado y una reacción contra el
racionalismo del Neoclasicismo. A diferencia de la simetría y la uniformidad neoclásica, la
arquitectura romántica abrazó la asimetría y la diversidad, buscando un aspecto más
pintoresco y evocador.

Uno de los elementos más característicos fue la adopción de estilos arquitectónicos antiguos,
como el gótico y el neogótico. Los edificios románticos a menudo presentaban torres, arcos ojivales,
vitrales y elementos ornamentales detallados que evocaban la Edad Media.

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El movimiento romántico también influyó en la planificación urbana y la creación de parques y jardines
paisajísticos. Ejemplos notables incluyen el Palacio de Westminster en Londres y el Castillo de
Neuschwanstein en Baviera, que evocan un sentido de cuento de hadas.

A medida que avanzaba el siglo XIX, el Romanticismo arquitectónico evolucionó hacia el eclecticismo,
incorporando elementos de diferentes estilos históricos en una sola estructura.

A pesar de su breve apogeo, la arquitectura del Romanticismo dejó una marca indeleble en la historia de
la arquitectura, influyendo en movimientos posteriores como el historicismo y el Art Nouveau. Su
énfasis en la expresión personal y la conexión con la naturaleza sigue siendo una fuente de inspiración
para los arquitectos y diseñadores contemporáneos.

4.2. CARACTERISTICAS

Las principales características de la arquitectura del Romanticismo incluyen:

1. Elementos Góticos: Utilización de elementos arquitectónicos góticos o neogóticos, como arcos

ojivales, contrafuertes, y vitrales, evocando la Edad Media.
2. Asimetría: Preferencia por la asimetría y la irregularidad en la disposición de elementos, en
contraposición a la simetría del Neoclasicismo.
3. Naturaleza y Paisajismo: Integración de la arquitectura con la naturaleza y paisajes
circundantes, a menudo a través de la creación de jardines paisajísticos.
4. Diversidad Estilística: Tendencia a mezclar elementos de diferentes estilos históricos en una
sola estructura, lo que llevó al eclecticismo.
5. Carácter Evocador: Búsqueda de la creación de edificios que evocaran emociones y
sentimientos, como el misterio y la melancolía.
6. Detalles Ornamentales: Énfasis en detalles ornamentales y decorativos, como molduras,
gargolas y esculturas.
7. Inspiración Histórica: Uso de la historia y la mitología como fuentes de inspiración para el
diseño arquitectónico.

4.3. EXPONENETES DE LA ARQUITECTURA Y SUS OBRAS

4.3.1. CHARLES GARNIER

nacio el 06 de noviembre 1825, en parís y murió 03 de agosto 1898, parís. arquitecto francés del estilo
beaux-arts, famoso por ser el creador de la ópera de parís. fue admitido en la école des beaux-arts en
1842 y fue galardo nado con el gran premio de roma en 1848 para estudiar en italia. él ganó el concurso
de 1860 para la nueva ópera de parís. uno de los edificios más famosos del siglo, de la ópera (terminado
1875) se convirtió en un símbolo del gusto del segundo imperio, y su ecléctico estilo neo-barroco se
convirtió encaracterística de finales del siglo 19 beaux-arts de diseño. comandos de garnierde los
interiores de barrido fue igualado por su dominio del equilibrio, puntuacion,y la terminación de la masa
y superficie. garnier también influyó en el estilo de la arquitectura vacacional para los ricos con su
pequeño teatro para el casino de monte-carlo (1878), el casino y los baños envittel, y las villas que

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construyó en bordighera, en particular la suya propia (1872-1873). entre sus otros trabajos fueron el
observatorio de niza, un edificio de apartamentos, y el hôtel du cercle de la librairie de parís.

para la exposición de parís de 1889 concibió la exposition des habitationshumanas, que se convirtió en
el tema de su libro l'habitation humaine (con a.ammann, 1892). también publicó, en 1871, le théâtre, y
en 1876-81, le nouvelopéra de parís, una descripción monumental y la defensa de su trabajo.

LA ÓPERA DE PARIS

también conocida como opera garnier o como la opera antigua, es uno de los edificios más hermosos y
representativos de pari. el edificio fue construido por el arquitecto jean louis charles garnier entre los
años de 1861 a 1874 por orden de napoleon iii. charles garnier consiguió en el majestuoso edificio un
gran efecto neobarroco utilizando los elementos propios del manierismo italiano y francés. durante su
construcción se encontraron unas cavernas subterráneas, las cuales se dejaron a manera de escenario, en
estas se situó la trama del fantasma de la opera..

portada de la opera de parís

estilo neobarroco, su sistema constructivo es la mampostería, la piedra cortada y su fachada es

policroma. la ópera está concebida como una secuencia de volúmenes, claramente diferenciados en su
forma, reflejando su función interior.

Página | 40
 planta de la ópera

la fachada se encuentra ubicada sobre una escalinata, está compuesta de dos planos, uno muy ligero
compuesto de columnas a manera de cortina y otro que compone el edificio en sí.
en el primer piso, podemos ver una columnata monumental, una referencia a la columnata del louvre. en
el segundo piso se incluyen dos juegos de columnas, las más robustas con un fin estructural, y unas más
pequeñas y bastante coloridas, cuya policromía contrasta con el tono grisáceo de la mayoría de
construcciones parisinas de la época.

vista aérea del museo de louvre (al fondo columnata)

vista del primer nivel columnata

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 portada de la opera de parís

primer nivel columnata, segundo nivel, columnas estructurales y columnas policromas decorativas
coronando la fachada se encuentra un ático, rescatando uno de los principios básicos de la composición
clásica (una base, un cuerpo y una corona). portada de la opera de paris (detalle de atico).

coronando la fachada se encuentra un ático, rescatando uno de los principios básicos de la

composición clásica (una base, un cuerpo y una corona).
portada de la opera de paris (detalle de atico).

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 estatua de apolo con la lira

ubicada a 50 m del suelo es el punto más alto de la estructura. funciona también como pararrayos

el vestíbulo de generosas mamparas

es una antesala de la impresionante escalera, la que además de su monumentalidad, divide el flujo de

espectadores de acuerdo a su posición en el auditorio. el vestíbulo es policromo, con pilastras estriadas
en color dorado, sobre estas un cielo raso con frescos de diferentes escenas. se definen formas curvas
con rectas dándole movimiento al vestíbulo, es un claro ejemplo del estilo neobarroco.

4.3.2. KARL FRIEDRICH SCHINKEL

nació 13 de marzo 1781, brandeburgo y murió 09 de octubre 1841, berlín. fue un arquitecto y pintor
alemán romántico-clásica. el hijo de un arcediano, schinkel estudio arquitectura con el brillante friedrich
gilly (1798-1800) y en la academia de berlín de la arquitectura (1800-1802), seguido por varios años en

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italia. de regreso a berlín, pasando por parís (1805), se convirtió en un pintor. él diseñó los muebles de la
reina luisa en 1809 que, con su rica y de color claro peral, el juego de los granos encontrados, y la
simplificación de la forma romántica en un ambiente clásico, anticipó el período biedermeier próxima.
siendo arquitecto de estado de prusia en 1815, schinkel ejecutó numerosos encargos para el rey federico
guillermo iii y otros miembros de la familia real. sus diseños se basan en la recuperación de diversos
estilos históricos de la arquitectura, por ejemplo, edificios de estilo griego, como el königschauspelhaus,
berlín (1818), y el altes las museum, de berlín (1822- 1830). sus diseños para un mausoleo de louise
(1810) y el ladrillo y la terracota werdersche kirche, berlín (1821-1830), se encuentran entre los
primeros diseños del renacimiento gótico en europa. en 1824 schinkel visitó italia otra vez y en 1826
viajó a través de escocia e inglaterra. nombrado director (1830) de la oficina de prusia de obras públicas,
decoró apartmentsfor el príncipe heredero federico guillermo y agosto príncipe.su trabajo como
planificador de la ciudad dio lugar a nuevos bulevares y plazas de berlín. también se le recuerda por su
etapa de diseños y herrajes, diseñódecorados para obras de goethe, el baño todo el escenario en un
ambiente deilusión pintoresco.

KARL FRIEDRICH SCHINKEL

EL MUSEO ANTIGUO POR KARL FRIEDRICH SCHINKEL (1781-1841)

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 EL MUSEO ANTIGUO POR KARL FRIEDRICH SCHINKEL (1781-1841)

es un ejemplo espectacular del renacimiento griego. la entrada principal se parece a un templo dórico
visto desde el lado (ver fig. 169), pero con columnas jónicas suspendidos encima de una orden corintio
(comparar las figuras. 165 y180). el edificio destaca por su diseño audaz y proporciones refinadas.
schinkel, arquitecto de gran capacidad, se inició como pintor en el estilo de caspar davidfriedrich, y
también trabajó como diseñador de escenarios antes de unirse alpúblico de berlín funciona la oficina,
que más tarde dirigió. por lo tanto, sabía muy bien cómo hacer la infusión con las asociaciones de la
arquitectura romántica y unestilo teatral digna de piranesi. el primer amor de schinkel fue el gótico, y
aunquela mayoría de sus edificios públicos son de estilo griego, que conservan un fuerte elemento de lo
pintoresco. aquí la fachada monumental, con su amplia extensión de las columnas, se estira a una
anchura enorme. la cadencia se mide la intención de establecer un estado contemplativo apropiado para
ver el arte en un depósito de antigüedades. es característico del romanticismo que a los arquitectos de
tiempo puso en marcha el renacimiento clásico, sino que también comenzó un renacimiento gótico.
inglaterra era la mayor antelación aquí, como lo era en el desarrollo de la literatura romántica y la
pintura. las formas góticas no había desaparecido del todo en inglaterra.

4.3.3. BENJAMIN LATROBE

benjamin latrobe, en su totalidad benjamin henry latrobe (nacido el 01 de mayo 1764, fulneck, cerca de
leeds, yorkshire, esp.-murió 03 de septiembre 1820, nueva orleans, luisiana, ee.uu., nacido en gran
bretaña el arquitecto e ingeniero civil que estableció la arquitectura como una profesión en los estados
unidos. latrobe fue el autor de la propuesta más original del estilo renacimiento griego en la
construcción de estados unidos. latrobe asistió a la universidad de moravia en niesky, sajonia, y viajó
por francia e italia, la adquisición de un conocimiento avanzado de la arquitectura francesa.después de
regresar a inglaterra en 1784, estudió con el arquitecto neoclásicosamuel pepys cockerell. latrobe
también puede haber estudiado ingeniería enjohn smeaton, un ingeniero civil conocido. habiendo
comenzado su propia práctica alrededor de 1790, latrobe diseña hammerwood lodge, sussex, que
muestra sus combinacions posteriores sus combinaciones posteriores de audaces formas geométricas,
condetalles clásicos. latrobe fue también activo como un ingeniero, especialmente en el diseño
deabastecimiento de agua. sus planes más creativos, que implican los motores, barcos de vapor, y
proyectos similares, lo llevó a la ruina financiera. mientras quela supervisión de su proyecto de
abastecimiento de agua para nueva orleáns,latrobe contrajo la fiebre amarilla y murió. latrobe establecer
altos estándares dediseño y la competencia técnica que fueron adoptados por sus alumnos más
destacados, robert mills y william strickland.

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 BENJAMIN LATROBE

LA BASÍLICA DE BALTIMORE

la basílica de baltimore

la basílica del santuario nacional de la asunción de la bienaventurada virgen maría,

la obra más famosa de latrobe se encuentra la basílica de la asunción de la bienaventurada virgen maría,
la catedral católica de baltimore (comenzada en1805), una estructura severa, bellas proporciones

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ligeramente empañado por lascúpulas en forma de cebolla añadido, después de la muerte de latrobe, a
las torres por encima del pórtico. también en baltimore es la bolsa (1820). fue el primer católico
catedral, construida en el estados unidos , y fue el primer gran edificio religioso construido en el país
después de la adopción de la ee.uu. constitución . como co-catedral , es uno de los asientos de la
archidiócesis católica de baltimoreen baltimore, maryland . se considera la obra maestra de benjamin
henry latrobe , el "padre de la arquitectura americana".

LA BASÍLICA DE BALTIMORE

4.3.4. JAMES WYATT

nació 03 de agosto 1746, constable burton, staffordshire y murió 04 de septiembre 1813, cerca de
marlborough. el arquitecto inglés recordado principalmente por sus casas de campo romántico,
especialmente la extraordinaria neogótico fonthill abbey. en 1762, wyatt se fue a italia, donde
permaneció seis años. a su regreso a inglaterra, diseñó el panteón de londres (abierto 1772, demolido
más adelante), un edificio neoclásico inspirado en santa sofía en estambul. el panteón se wyatt uno de
los arquitectos más de moda en inglaterra. él sucedió a sir william chambers como topógrafo general de
la junta de obras (1796) y se dedicaba a la restauración de las catedrales de durham, hereford, lichfield,
y salisbury, así como el castillo de windsor, la abadía de westminster, y el magdalen college, oxford.
estos "restauraciones", más adelante le valió el epíteto de "el destructor" de estos renovadores
medievales del siglo 19 como awn pugin, que tenía un enfoque arqueológico más preciso. en el punto de
originalidad, las obras gravemente elegantes de wyatt en el modo clásico, como el heaton hall,
lancashire (1772), y el salón de heveningham, suffolk (c. 1788-1799), fueron superados por la
extravagancia de sus edificios neogóticos.

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 james wyatt

HEATON HALL
la entrada a la casa se encuentra en el lado norte, pero la fachada principal está en el lado sur. esto es de
un diseño palladio tradicional. cuenta con un bloque central con un arco de medio punto rematado por
una cupula flanqueada por las alas con columnas que terminan en los pabellones octogonales
octogonales que contienen la cocina y la biblioteca. las habitaciones principales de entretenimiento estan
en linea a lo largo de la planta baja. otro aspecto interesante de esta elevación es la manera sutil que
refleja un mayor grado de armonía con su entorno paisajístico que la construcción de casi cualquier otro
de su fecha.

heaton hall

4.3.5. HEINRICH VON FERSTEL

nacio en viena, 07 de julio 1828 y murio en viena, 14 de julio 1883 arquitecto austriaco. él era un
miembro de la segunda generación de arquitectos historicistas en viena, que continuó y desarrolló el
trabajo pionero de arquitectos tales como karl rosner, eduard van der null y agosto von siccardsburg. con
estos tres, representó a la época romántica a principios del historicismo en austria, fueron los maestros
ferstel de 1848 a 1850 en la akademie der künste bildendenen viena, y van der null & siccardsburg, en

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particular, son importantes las influencias tempranas. después de salir de la academia, ferstel se unió a la
firma de arquitectos de su tío friedrich stache (1814-1895), a quien ayudó hasta 1853en la construcción
de castillos y casas de campo de la alta nobleza de bohemia. la arquitectura doméstica siguió
desempeñando un papel importante en su trabajo. en poco tiempo, sin embargo, fue ganando
importantes concursos de arquitectura, como la competencia internacional (1855) para la iglesia
votiva(1856- 1879) en viena.

heinrich von ferstel

LA IGLESIA VOTIVA DE VIENA

diseñada en estilo neogótico, su construcción comenzó en 1853, y se terminó recién en 1879. se
inauguró el 24 de abril de 1879, en ocasión del jubileo de plata de la pareja real. la idea principal era
hacer un mausoleo de los austriacos famosos pero no llegaría nunca a materializarse. en la iglesia se
destaca el altar de amberes, altar tallado estilo gótico tardío.

la iglesia votiva de viena

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4.3.6. FRIEDRICH VON SCHMIDT

nacio en austria, 22 de octubre de 1825, murió en viena, austria, 23 de enero de 1891 fue un arquitecto
que trabajaba a finales del siglo xix en viena después de estudiar en la escuela secundaria técnica en
stuttgart con breymann y mauch, se convirtió, en 1845, uno de los trabajadores del gremio que trabajan
en la construcción de la catedral de colonia, en la que trabajó durante quince años. arquitecto en 1848
alcanzó el rango de maestro-trabajador. después de convertirse al catolicismo en 1858, se trasladó a
milán como profesor de arquitectura y comenzó la restauración de la catedral de san ambrosio. a causa
de la confusión causada por la guerra de 1859 se trasladó a viena, donde él era profesor en la academia y
el arquitecto catedral desde 1862, en 1865 recibió el título de arquitecto en jefe, y en 1888 fue
ennoblecido por el emperador. en el estilo neogótico en viena que construyó la iglesia de san lázaro, la
iglesia de los curtidores blancos, y la de los brigittines. luego construyeron una escuela, la escuela
secundaria, con una fachada de estilo gótico y el edificio conmemorativo erigido en el sitio del
anfiteatro que había sido destruido por el fuego. el último mencionado en el edificio gótico veneciano.
un gran número de pequeños edificios eclesiásticos y seculares de austria y alemania han sido diseñados
por él. su último trabajo fue la restauración de la catedral de pécs en hungría. su fama principal sin
embargo él ganó por su restauración de la catedral de san esteban, de viena.

FRIEDRICH VON SCHMIDT

EL AYUNTAMIENTO EN VIENA

también diseñó el ayuntamiento o el ayuntamiento, viena, con una sección central se proyecta tiene una
torre central que se eleva a una altura de 328 pies libres y está flanqueado por cuatro torres más
pequeñas. un gran patio y seis más pequeños están encerrados en el edificio amplio, las alas de los
cuales terminan en los pabellones. en la construcción de la iglesia parroquial de fünfhaus se atrevió
incluso a una fachada con dos torres en frente de conjunto sobre la estructura octogonal con una cúpula
central de alto y una corona de capillas. su lema era el de unir fuerzas alemanas de la libertad italiana. se

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modificó la tendencia a la altura de la gótica alemana por los miembros horizontales y muchas
modificaciones introducidas en la antigua norma del estilo con la esperanza de lograr un efecto más
general agradable. fue maestro y modelo para muchos jóvenes arquitectos, entre ellos federico
grünanger, schulek frigyes, imre steindl, y troll karl. una estatua de bronce de él en vivo, colocado antes
de que el ayuntamiento de viena. su hijo enrique era supervisor en la construcción de la catedral de
frankfurt y después profesor de arquitectura medieval en munich. él también diseñó la catedral de vaduz
y la catedral de san josé en bucarest. de 1870 a 1882, trabajó como arquitecto en jefe en la catedral de
san pedro y san pablo en neoromanesque đakovo como sucesor de karl roesner.

el ayuntamiento en viena

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5. CONCLUSIONES

 tanto la pintura como la escultura romanticistas se basaron exclusivamente en los sentimientos

del humano, en los sentimientos internos y externos y dentro de ello cabe mencionar los sueños,
una peculiaridad de este movimiento fue su extensión que abarcaba desde paisajes calmos hasta
paisajes tétricos y desde momentos históricos hasta momentos cotidianos , y es que a la larga así
sentimos los humanos no siempre amamos ni siempre odiamos no siempre reímos tampoco
siempre lloramos, lo que dejo este movimiento artístico fue la síntesis entre el sentimiento y el
arte propiamente pictórico.
 valioso para la humanidad el romanticismo ya que el hombre encontró en el un balance que
pronto perdería, un balance efímero y un despertar a la realidad, un sentido de nacionalidad y un
sentido de amor y sentimiento entre las masas.
 el romanticismo es un movimiento cultural y político originado en alemania y en el reino unido
(gran bretaña e irlanda del norte) a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria
contra el racionalismo de la ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.
 tuvo fundamentales aportes en los campos de la pintura y arquitectura. posteriormente, una de
las corrientes vanguardistas del siglo xx, el surrealismo, llevó al extremo los postulados
románticos de la exaltación del yo
 es propio de este movimiento un gran aprecio de lo personal, un subjetivismo e individualismo
absoluto, un culto al yo fundamental y al carácter nacional o volksgeist, frente a la universalidad
y sociabilidad de la ilustración en el siglo xviii.
 se fija la atención no ya en la cultura helenística, sino en el período de civilización románico-
cristiana de la edad media europea.
 frente a la norma inmóvil del clasicismo, de origen intelectual, se le da primacía a una
inspiración libre y apasionada, que no admite otras reglas que las que dicte el propio impulso
emocional del autor de la obra artística.
 apasiona la naturaleza tal como se presenta, con todo un torrente de vida, observada desde un
ángulo que tiende a acentuar los matices de grandiosidad y sublimidad.
 el gótico, entendido como el sistema constructivo más acorde con la naturaleza.

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6. BIBLIOGRAFIA

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materiales/far2/PINTURA-ROMANTICA-ANDREA-GONGORA-1.pdf
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5020.html
 https://www.culturagenial.com/es/romanticismo/
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intencion-artistica
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 https://vaventura.com/cultura/arte/historia-de-la-pintura-5-neoclasicismo-y-romanticismo
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 https://es.slideshare.net/gfuentesmartinez2/romanticismo-ppt
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literatura-El_Romanticismo_literario-04-de-junio..pdf
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