Módulo 4: Arte y diseño del siglo XIX y XX

IN TR ODUCCIÓN AL MÓDULO

Introducción

UN IDAD 10: SIGLO XIX

Introducción a la unidad

Tema 1: La revolución industrial y su relación con el diseño

Tema 2: Arte del siglo XIX

Cierre de la unidad

UN IDAD 11: VAN GUAR DIAS AR TÍSTICAS DEL SIGLO XX

Introducción a la unidad

Tema 1: Arte del siglo XIX

Tema 2: Arte del siglo XX - Vanguardias

 Cierre de la unidad

UN IDAD 12: VAN GUAR DIAS AR TÍSTICAS DEL SIGLO XX (CON TIN UACIÓN )

Introducción a la unidad

Tema 1: Futurismo

Tema 2: Constructivismo

Tema 3: Dadaismo

Tema 4: De Stijl

Tema 5: Bauhaus (1919 a 1933)

Cierre de la unidad

CIER R E DEL MÓDULO

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Introducción
 M4 INTRODUCCIÓN AL ARTE Y DISEÑO
EaD Kennedy

00:52

Este módulo hará un recorrido por el arte europeo del siglo XIX y las primeras vanguardias históricas del siglo
XX. Analizaremos la evolución de los estilos, y las grandes manifestaciones artísticas y su relación con el

diseño. Conoceremos la primer academia de diseño gráfico de principios del siglo XX y como continua hasta
la actualidad su influencia.

Objetivos del módulo

Conocer las características de los principales movimientos artísticos y el estilo de cada uno. Valorar el
hecho artístico y su relación con el diseño. Conocer el origen e influencia de la escuela Bauhaus para el
diseño gráfico.

Contenidos del módulo

Unidad 10- Siglo XIX

1. La revolución industrial y su relación con el diseño

 a. La importancia de la revolución para el diseño

2. Arte del siglo XIX

a. Modernismo

b. Romanticismo

c. Realismo

d. Impresionismo

Unidad 11 - Siglo XX – Vanguardias

1. Arte del siglo XIX

a. Posimpresionismo

2. Vanguardias artísticas del Siglo XX

a. El Fauvismo

b. Cubismo

c. Expresionismo

Unidad 12 - Siglo XX – Vanguardias

1. Futurismo

2. Constructivismo

3. Dadaismo

4. De Stijl

5. Bauhaus (1919 a 1933)

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Introducción a la unidad

¿Por qué la revolución industrial propulsó el desarrollo del

diseño?

Contenidos de la unidad

1 La revolución industrial y su relación con el diseño

2 Arte del siglo XIX

En esta unidad desarrollaremos la importancia que tuvo la revolución industrial en el surgimiento del diseño
gráfico. Haremos un recorrido por los principales movimientos artísticos del Siglo XIX.

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Tema 1: La revolución industrial y su relación con el

diseño

La Revolución Industrial es el proceso de transformación económica, social y tecnológica que se inició en

la segunda mitad del siglo XVIII en el Reino de Gran Bretaña, que se extendió unas décadas después a gran
parte de Europa occidental y América Anglosajona, y que concluyó entre 1820 y 1840. Durante este periodo
se vivió el mayor conjunto de transformaciones económicas, tecnológicas y sociales de la historia de la
humanidad desde el Neolítico,que vio el paso desde una economía rural basada fundamentalmente en la

agricultura y el comercio a una economía de carácter urbano, industrializada y mecanizada.

La Revolución Industrial marca un punto de inflexión en la historia,

modificando e influenciando todos los aspectos de la vida cotidiana
de una u otra manera. La producción tanto agrícola como de la
naciente industria se multiplicó a la vez que disminuía el tiempo de
producción. A partir de 1800 la riqueza y la renta per cápita se
multiplicó como no lo había hecho nunca en la historia,pues hasta
entonces el PBI per cápita se había mantenido prácticamente
estancado durante siglos.
En palabras del premio Nobel Robert Lucas:

“Por primera vez en la historia, el nivel de vida de las masas y la gente común experimentó un crecimiento

sostenido (…) No hay nada remotamente parecido a este comportamiento de la economía en ningún
momento del pasado.”

- (Lucas, 2002)

A partir de este momento se inició una transición que acabaría con siglos de una mano de obra basada en el
trabajo manual y el uso de la tracción animal siendo estos sustituidos por maquinaria para la fabricación
industrial y el transporte de mercancías y pasajeros. Esta transición se inició a finales del siglo XVIII en la
industria textil y la extracción y utilización de carbón. La expansión del comercio fue posible gracias al

desarrollo de las comunicaciones con la construcción de vías férreas, canales o carreteras. El paso de una
economía fundamentalmente agrícola a una economía industrial influyó sobremanera en la población, que
experimentó un rápido crecimiento sobre todo en el ámbito urbano. La introducción de la máquina de vapor
en las distintas industrias fue el paso definitivo en el éxito de esta revolución, pues su uso significó un

aumento espectacular de la capacidad de producción. Más tarde el desarrollo de los barcos y ferrocarriles a
vapor así como el desarrollo en la segunda mitad del XIX del motor de combustión interna y la energía
eléctrica supusieron un progreso tecnológico sin precedentes.

En el siguiente vídeo conoceremos las bases del impresionismo:

 IMPRESIONISMO - HISTORIA DEL ARTE

Angel Rodríguez. IMPRESIONISMO - HISTORIA DEL ARTE. Recuperado el 18 de marzo de 2019.

https://www.youtube.com/watch?v=wbxYQoKrshU

La importancia de la Revolución para el diseño

¿Por qué decimos que la Revolución Industrial es importante para el Diseño?

La producción en serie de diferentes productos: maquinaria, textiles, objetos de uso cotidiano, etc, reveló

una muy baja calidad en ellos. Es entonces, que aparece un grupo de artistas y artesanos que proponen una
revalorización del trabajo de buena calidad, tanto en lo estético como en la materialización del mismo. Surge
el movimiento conocido como Arts & Crafts (Artes y Oficios) que dio nuevo valor a la artesanía y al artesano,
materializando la unidad de la forma, función y decoración.

Asimismo, la necesidad de ubicar en el mercado la mayor cantidad de productos que salía de las fábricas,

hizo que surgiera una nueva actividad relacionada: una publicidad incipiente que se traduce en los primeros

carteles y en la publicación de hojas o volantes, antecedente de los diarios y revistas. Estos factores

aunados fueron el origen del diseño como disciplina, tal como se lo conoce ahora.
El desarrollo de la litografía, fotografía y de las diferentes ramas de la ciencia y la tecnología, llevaron con el

tiempo a la necesidad de que “alguien” (el futuro diseñador), se encargara de estas actividades. Eso llevó,

más adelante, a la creación de las carreras de Diseño, insertas en la educación formal en escuelas y

universidades.

La producción de carteles a partir de la Revolución Industrial y del descubrimiento de la litografía por parte de
Senefelder en el siglo XVIII, alcanzó una producción rica en variedad y creatividad, mostrando la evolución

de la cultura en la que se manifestó y, por lo tanto, llevando al público en general el arte.

Imagen 1- Casino de Paris, cartel de Jules Chéret (1891)
 (https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Casino_de_Paris_poster_-_Jules_Ch%C3%A9ret.jpg)

Los carteles tuvieron, desde su origen, la función prescripta de propaganda y publicidad

El nacimiento del cartel tuvo que ver con:

Mejoras técnicas en la impresión litográfica (como consecuencia de la Revolución Industrial)

Presencia de Cheret. Los carteles de Cheret aparecen en el París renovado del Barón
Haussman como un estallido de color sobre las austeras paredes de los edificios. Críticos de
arte de la época, llamaron la atención sobre esta nueva situación de exposición pública de arte
en la ciudad. Por esto, se dijo que los carteles “son una galería de arte en la calle”. Jules Cheret
(1836-1933) es considerado el padre del Cartel moderno.

Cheret hizo suyo el lenguaje visual del arte popular que se usaba en los programas de circo y lo mejoró con
su experiencia de buen litógrafo, ya que era un maestro del dibujo. Sus carteles combinan la técnica y la
interpretación tradicionales del gran arte mural con el sentido del idioma popular. No fue el primero en usar

este género, pero si fue el que elaboró y codificó las normas artísticas por las que el cartel iba a
desarrollarse en el futuro:

Elaboración rápida y directa por el artista.

Simplicidad en el discurso que facilita la inmediata percepción.

Atrevimiento cromático que atrae las miradas.

Concisión en el texto escrito.

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Tema 2: Arte del siglo XIX

El siglo XIX es una etapa de crisis y transición que enlaza las últimas manifestaciones de un ciclo artístico,
originado en el Renacimiento, y, por lo tanto, de carácter “tradicional”, con el arranque de las denominadas
vanguardias artísticas del siglo XX.
Durante el siglo XIX se comenzó a cuestionar el tradicional concepto de “estilo artístico” y, paralelamente, se
plantearon por primera vez una serie de actitudes y problemas que condicionaron casi todo el devenir del
arte posterior, por lo que se trata de un periodo imprescindible para entender el Arte Contemporáneo.

Modernismo

A finales del siglo XIX, la reacción contra los historicismos y la frialdad neoclásica desarrollados durante el

siglo se hace cada vez más patente. Los nuevos materiales, el hierro y el cemento, aconsejan buscar las
formas artísticas en su propia estructura, y no copiarlas de estilos tradicionales. Mientras, la burguesía

comienza a desarrollarse en España; el modernismo nace de minorías sociales exquisitas con un carácter
tan individualista que resulta difícil de resumir en un programa homogéneo. Este movimiento ornamental,
que rompe con el pasado historicista y decora el fin de siglo con obras refinadas, se denominó en Alemania

Jugendstil, en Francia y Bélgica Art Nouveau, en Inglaterra Liberty y en España Modernismo.

 Modernismo Ilustración de Élisabeth Sonrel (1900)
https://www.pinterest.es/pin/327777679121819949/
 Reja de los pabellones Güell, Barcelona, de Gaudí, que desarrolla como motivo decorativo la
figura de un dragón. (https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Finca_Guell.jpg)

Sus características definitorias fueron su esteticismo, refinado, renovador, interesado por la obra de arte
total y la línea sinuosa, basada en los tallos vegetales, en las elegantes flexiones de los cuellos de cisne, y

en el ritmo ondulante de la rizada melena femenina. Su temática va desde la naturaleza a la geometría. La

manifestación más importante de Modernismo es la arquitectura, que reacciona frente a los historicismos

académicos. Se incorporan como materiales el vidrio y el hierro. La gran novedad es el tratamiento espacial
interno, en el que se utiliza la planta libre y la luz obtenida por grandes ventanales, claraboyas, etc.

El catalán Antonio Gaudí (1852-1926) está considerado como la

mente más creativa de toda la arquitectura contemporánea.
Formuló las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la
ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que la decoran.

Romanticismo

El romanticismo tomó como punto de referencia la Edad Media, con un apasionamiento y una fantasía sin
precedentes. En el arte se le relaciona con las creaciones fantásticas y con el paisaje.

El romanticismo abandona la inspiración de la Grecia y Roma clásicas, huye del realismo prosaico y de la
belleza externa para buscar cierta espiritualidad interior. Se manifiesta de una manera sentimental, incluso

lúgubre a veces. Los paisajes son melancólicos, con ruinas y tierras exóticas. La mujer es representada no
solo por su cuerpo bello sino como espíritu hermoso.
 Romanticismo: Saturno devorando a su hijo (1819-1823) de Francisco de Goya.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Francisco_de_Goya,_Saturno_devorando_a_su_hijo_

(1819-1823).jpg)
 Romanticismo: La libertad guiando al pueblo (1830), de Delacroix.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Eug%C3%A8ne_Delacroix_-
_La_libert%C3%A9_guidant_le_peuple.jpg)

La arquitectura actualiza estilos anteriores (Neo románico, Neo bizantino, etc.). En escultura dan más
movimiento a las figuras y se inspiran en la naturaleza, basándose en temas de la Edad Media y
contemporánea.

La pintura destaca por su rica policromía, cotidianidad y sentimientos pasionales. Las temáticas admiran las
fuerzas de la naturaleza, o abogan por temas orientales, mitológicos, feudales, históricos. Surge el

nacionalismo con fuerza.

El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y

favorecía, ante todo:
 La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón
dieciochesca, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el
sentimiento.

La primacía del genio creador de un Universo propio, el poeta como demiurgo.

Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.

El liberalismo frente al despotismo ilustrado.

La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre

debe mostrar lo que le hace único.

La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas.

La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación).

La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.

Realismo

Surge en Francia a mediados del siglo XIX, su principal representante es Gustave Courbet. El propio pintor
fue quien acuñó el término al dar nombre al pabellón que hizo construir para una provocativa exposición de
1855, alternativa al Salón de París, bajo el título “Realismo”. Allí expuso su obra El taller del pintor,
considerada el manifiesto del estilo, que provocó un sonoro escándalo en los medios artísticos por su anti-
academicismo y su crudeza, que se calificaba de obscenidad. Posteriormente, se identificó con el
movimiento especialmente a Honoré Daumier, Jean-François Millet y Jules Breton, y a otros pintores (Jean-
Louis-Ernest Meissonier, Henri Fantin-Latour, Thomas Couture, Jean-Léon Gerome, etc.) El crítico de arte
Jules Champfleury definió teóricamente la estética del movimiento.
El realismo, aparte de mostrar otras realidades, como estilo va a buscar la verosimilitud con lo que se

observa, hallará un método que refleje las condiciones atmosféricas, el retrato fiel de actitudes y de
personajes. Colores cercanos a la naturaleza en pos de mostrarla tal cual es. El artista se olvida de la
fantasía y de temas intrascendentes para la sociedad, lo que lo llevará a convertirse en vehículo de

denuncia. El arte renuncia de lo personal y subjetivo para convertirse en un fin social.

Realismo: El taller del pintor (1855) de Courbet.

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg)

Impresionismo

La pintura impresionista no posee argumento, sino Ahora, se quiere que la obra reproduzca la
estampas, escenas urbanas y campestres. El mundo percepción visual del autor en un momento
representado va a ser el de ocio, en interiores, y en exteriores determinado, la luz y el color real que
naturales usados como divertimento. El Sena, Argenteil, emana de la naturaleza en el instante en el
donde se hacían excursiones. En estos lugares es donde que el artista lo contempla. Se centrarán en
encuentran multitud de motivos los jóvenes pintores. Al pintar los efectos que produce la luz natural
al aire libre, la transformación de los lugares y de las sobre los objetos y no en la representación
acciones, así como de las luces implica una pincelada exacta de sus formas ya que la luz tiende a
rápida. Con ello se plasma el ambiente general más que difuminar los contornos. Ven colores que
detalles y menudencias. La realidad sensible se convierte en conforman cosas, y esto es lo que

una impresión, una visión que permanece en la retina. No se plasman, formas compuestas por colores
representa lo que se percibe, sino el momento mismo de la que varían en función de las condiciones
percepción. El medio que favorece la impresión es la luz o el atmosféricas y de la intensidad de la luz.
color puro. Todo esto hace que elaboren una serie de

un mismo objeto en diferentes

circunstancias atmosféricas y temporales,
no les importa el objeto, sino las
variaciones cromáticas que sufre este a lo
largo del día.

Los impresionistas eliminan los detalles minuciosos y solo sugieren

las formas empleando los colores primarios (azul, rojo, amarillo) y
los complementarios (naranja, verde y violeta). Utilizan pinceladas
sueltas, cortas, yuxtapuestas.

Características del impresionismo

Teoría de los colores

–
Fundamentalmente, existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul), y tres complementarios (violeta,
verde y naranja). Asociados los colores primarios dan el complementario del tercero, pero en vez de
fundirlos en el pincel ha de ser el ojo del espectador el que confunda los toques próximos de colores
primarios.

Plasmación de la luz
–
Los objetos solo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. El pintor recompone los colores en
sensación lumínica. Hay que dejar de pensar en la paleta y en los objetos y estudiar el color como una
modalidad de la luz y la pintura como un entretejido de tonalidades luminosas.

Apariencias sucesivas
–
Un mismo tema es pintado, repetidas veces sin más cambio que matices de iluminación, de intensidad
solar o de espesor de la neblina. El cuadro es simplemente un efecto de luz.

Coloración de las sombras

–
Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades
complementarias; en consecuencia, desaparecen los contrastes del claroscuro, y el dibujo se extingue o
reduce a leves trazos disueltos entre el color.

Pincelada suelta
–
Prefieren la mancha pastosa y gruesa. La pintura será tan suelta que, a veces, parece un dibujo
inapreciable, confuso, difuminado.
Técnica al aire libre
–
Los pintores huyen de los talleres al campo. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por
la temática, pero más todavía por el deseo de ver y reproducir los colores puros.

Principales representantes - Claude Monet

(1840-1926) es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo fidelidad absoluta al
movimiento impresionista. Deseaba pintar lo intangible. Su pasión por la atmósfera le condujo a diferentes
ambientes europeos: Londres, el Midi francés, la Provenza; y los fiordos noruegos. Una consecuencia de
esta ambición estética fue el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los
efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes. Sus series más conocidas son las
referidas a la Fachada de la catedral de Ruán, y las 12 pinturas de nenúfares sobre el agua, tituladas
genéricamente Ninfeas, donde las formas están disueltas en charcos de color.
 Impresionismo: Serie sobre la Catedral de Ruán de Monet (1892-1895)
(http://artegumiel.blogspot.com.ar/2017/01/serie-sobre-la-catedral-de-ruan-de.html)

Principales representantes - Auguste Renoir

(1841-1919) es el retratista con mayúsculas, su interés por la figura humana constituye su mayor
contribución personal al Impresionismo. Retrató varias veces a Monet, y dejó un retrato colectivo de sus
amigos, charlando despreocupadamente en los veladores del Moulin de la Galette. Poco después pintó a

Madame Charpentier y sus hijos, que le catapultó al éxito y le franqueó los cerrados ambientes de la
sociedad burguesa. Desde entonces, es el más popular de los impresionistas. Ello se debió también a que
hacia 1883 se produjo una especie de ruptura y recupera la línea. Esta crisis se observa en sus escenas
callejeras de París. Mientras en el "almuerzo de los remeros", compone todavía con manchas de color, en los
paraguas, vuelve al dibujo y a la enseñanza de los museos.
 Impresionismo: Almuerzo de remeros, de Auguste Renoir.(1881).
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pierre-Auguste_Renoir_-
_Luncheon_of_the_Boating_Party_-_Google_Art_Project.jpg)

Principales representantes - Édouard Manet

(1832-1883). El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical del campo únicamente
preocupado por el mundo visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en

todo al concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una
elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde esta perspectiva destacan obras como el Desayuno
sobre la hierba; en otras, como Olympia, destaca fuertemente el desnudo femenino con una luz frontal. Obra
destacada es, también, el retrato de Émile Zola.
 Impresionismo: Desayuno sobre la hierba, de Manet, 1863.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Edouard_Manet_-_Luncheon_on_the_Grass_-
_Google_Art_Project.jpg)

Principales representantes - Edgar Degas

(1834-1917) es el más atípico de los impresionistas. Excepcionalmente, pintó al aire libre y su concepción de
la pintura se basaba en el dibujo. Su inclusión en el movimiento se debe a su pincelada clara y al uso de
colores puros. Es el más clásico. Comenzó su aprendizaje siendo artesano de cerámica. La técnica y la
composición de toda su producción es muy personal. Degas emplea el pastel y sus composiciones resultan

instantáneas fotográficas, secuencias cinematográficas de primeros y primerísimos planos, mostrando la

deuda contraída hacia la cámara en sus encuadres y enfoques. Destacan obras como la Clase de baile, La
Estrella y El café – concierto Ambassadors.
 Impresionismo: La clase de ballet de Edgar Degas. (1871-74).
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Edgar_Degas_-_The_Ballet_Class_-
_Google_Art_Project.jpg)
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Cierre de la unidad
¿Por qué la revolución industrial propulsó el desarrollo del
diseño?

La necesidad de ubicar en el mercado la mayor cantidad de productos que salía de las fábricas, hizo que
surgiera una nueva actividad relacionada: una publicidad incipiente que se traduce en los primeros carteles y
en la publicación de hojas o volantes, antecedente de los diarios y revistas. Estos factores aunados fueron

el origen del diseño como disciplina, tal como se lo conoce ahora.

Bibliografía

Bazin, G. (1981). Historia del arte: de la prehistoria a nuestros días. Barcelona: Omega.

Gombrich, E. (1999). La historia del arte. Londres: Phaidon Press

Lucas, R. (2002). Conferencias sobre crecimiento económico. Cambridge: Harvard University

Press.
Meggs, P.B. y Purvis, A. (2009). Historia del diseño gráfico. Barcelona; RM.

Satué, E. (1988). El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días. Madrid: Alianza.
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Introducción a la unidad

¿Qué son las vanguardias?

Contenidos de la unidad

1 Arte del siglo XIX

2 Arte del siglo XX: vanguardias

Desarrollaremos las principales vanguardias artísticas del siglo XX: El Fauvismo, Cubismo y Expresionismo.

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Tema 1: Arte del siglo XIX

Posimpresionismo

Lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Este término engloba diversos estilos
personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las

limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta
de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión
a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron
una visión más subjetiva del mundo.
 Expresionismo

Jesús Martinez Verón. Expresionismo. Recuperado 18 de marzo de 2019. https://www.youtube.com/watch?v=C4xIvhz7yhI

Paul Cézanne

(1839-1906) alcanza la madurez pictórica a los 50 años, era hijo de un sombrerero enriquecido, que llegó a
fundar su propio banco. En 1886 moría su padre, librándole la herencia de penurias económicas y rompiendo,
también, la amistad con su condiscípulo de juventud Zola. Su concepción pictórica no descansa
exclusivamente en la mirada, sino en la vista y el cerebro. Este desarrollo mutuo de los sentidos y la reflexión
en el cuadro le llevan a forjar su credo artístico: En la naturaleza todo se modela según la esfera, el cono y el

cilindro.

El cubismo está a la vuelta de la esquina. La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y

diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso, aparece en sus bañistas, jugadores de naipes,

bodegones y paisajes. La serie de cuadros dedicada a La Montaña de Santa Victoria, condensa la novedad

de su arte: formas geométricas construidas con grandes pinceladas verdes, rojas y azules. Destacan,
también, obras como Los jugadores de naipes y el Bodegón con manzanas y naranjas.
 Posimpresionismo: Los jugadores de naipes (1892-95) de Paul Cézanne.

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Paul_C%C3%A9zanne,_1892-
95,_Les_joueurs_de_carte_(The_Card_Players),_60_x_73_cm,_oil_on_canvas,_Courtauld_Institute

_of_Art,_London.jpg)

Paul Gauguin

(1848-1903) es una novela de aventuras. Pasó la infancia en Lima y la juventud en París, donde siguió la
carrera de marino mercante y corredor de bolsa, hasta la quiebra financiera de 1883. Entonces, descubre su
vocación pictórica. Expone con los impresionistas, pero se aleja del grupo. Marcha a Bretaña en busca del
primitivismo, viaja luego a Panamá con el deseo de vivir como un salvaje. Cuando regresa a Francia funda
junto a Van Gogh el Taller del Mediodía, separándose más tarde por una discusión. Finalmente, la nostalgia
del trópico le llevan a los mares del sur.

Posimpresionismo: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? de Paul Gauguin

(1897). (https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Gauguin_-_D%27ou_venons-

nous_Que_sommes-nous_Ou_allons-nous.jpg)

Gauguin abandona a los impresionistas, porque estos no buscan en el fondo misterioso del alma. Ya en sus

primeros cuadros carga el acento en el mundo interior, utilizando una técnica decorativa que recuerda los
esmaltes y las vidrieras. La figura y el paisaje están contorneados con líneas negras. El tema bíblico de La

visión después del sermón presenta estas características, que serán ya constantes en toda su producción.

La mentalidad ingenua y primitiva la desarrolla en la Polinesia, retratando una civilización sin contaminar a
través de los indígenas, sus casas, sus playas y sus selvas. Su obra maestra es ¿De dónde venimos?

¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?

Características de Gauguin:

Simbolismo (exageración de las impresiones en un sentido lírico y poético).

Se inicia en el impresionismo con Pissarro, además posee gran influencia de los pintores
japoneses y egipcios.
 Pintó en estos lugares buscando la inspiración que él quería: París, Bretaña, Martinica, Arlés,
Tahití.

La luz pierde importancia en cuánto a la exaltación del color: colores planos aplicados a
grandes zonas uniformemente (como esmaltes o vidrieras).

Renuncia a la perspectiva geométrica y a las sombras (perfiles bien delimitados).

Temas exóticos (Bretaña, Tahití) en los que une lo que ve con lo que imagina (colores
inverosímiles en la Naturaleza).

Los colores están perfectamente delimitados, cosa que es propia del impresionismo (colores
difuminados).

Las formas son precisas y los colores uniformes,

No hay profundidad ni distanciamiento.

Sus cuadros tahitianos recuerdan a figuras egipcias, con manos rígidas, frontalidad.

Vincent Van Gogh

(1853-1890) es el artista del siglo XIX qué mayor entusiasmo ha provocado en nuestra sociedad actual.
Apasionado, sensible y desequilibrado mental, vivió 37 años, pero únicamente los nueve últimos los pasó
dedicado a la pintura, dejando 879 cuadros. Solo logró vender un lienzo en vida. Era hijo de un pastor, y sus
contactos con el arte se iniciaron en 1869, cuando entra a trabajar como marchante. La cadena de
desengaños amorosos que sufre ahonda su estado depresivo, llevándole a desatender el negocio, por lo que

fue despedido. Inicia entonces una frecuente correspondencia con su hermano Theo, en la que le revela por
carta la inquietud que atormenta su trágica existencia. Busca consuelo en la religión y decide convertirse en
evangelizador de los pobres.
Ante un nuevo infortunio, intenta salir de la crisis espiritual, volcándose en la pintura. Cultiva una temática
social, a base de tonos oscuros y grises, que resume en Los comedores de patatas. En 1886 Van Gogh fija

su residencia en París, donde alegra la temática de sus cuadros. Theo, le presenta a los impresionistas, y

aprende el valor de la pintura colorista y clara. Los dos últimos años de su vida transcurren en el sur de

Francia, donde su temperamento ardiente alcanza la madurez del genio. Vive en Arlés, pasando temporadas
internado en el hospital psiquiátrico. Su estilo se define por la línea firme del estilo de los japoneses y el color

como gran motor de la emoción. Pinta entonces retratos (El doctor Paul Gachet), paisajes (La iglesia de

Auvers-sur-Oise), noches estrelladas (La Noche estrellada), campos de trigales, olivos, cipreses, bodegones
(Los girasoles); representa escenas de interior, entre las que no falta su propia habitación (El dormitorio de

van Gogh en Arlés), y culmina la serie de 43 autorretratos.

La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:VanGogh-starry_night_ballance1.jpg)
 Imagen 4- Posimpresionismo : El dormitorio en Arlés (1888).de Vincent Van Gogh.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Vincent_Willem_van_Gogh_137.jpg)

Características de Van Gogh:

1. Busca expresar su interior, sus desequilibrios y su locura al sentirse perdido en sí

mismo.

2. Es un precursor del “expresionismo” (se intenta reflejar las vivencias personales

del autor en la pintura).

3. Pinta paisajes y figuras serpeantes muy retorcidas.

4. Toques irregulares de pinceladas largas, sueltas, deshechas, muy rápidas.

5. Líneas negras que aumentan el color expresando sentimientos.

6. Subordina todo al color, estridente y violento, y al dibujo muy ligero pero muy
sinuoso.

7. Transforma la realidad, la exagera y la deforma conscientemente.

8. Utiliza los colores puros en contraste unos con otros. Colores intensos.
Predominan los rojos, y sobre todo el amarillo (expresa más y mejor sus
sentimientos)
8 17

Tema 2: Arte del siglo XX - Vanguardias

Entre 1900 y 1914 es la época de la expansión colonial y rivalidad entre las potencias colonizadoras que
culminarán en la Primera Guerra Mundial (1914) y cuyos efectos dejarán su impronta en las vanguardias
artísticas coetáneas. En el inicio del siglo XX las vanguardias que se desarrollan van a revolucionar el
mundo del arte destruyendo toda unidad formal; el arte experimenta una gran transformación hasta perder
la representación de la realidad. Pretenden crear un arte adecuado a la nueva sociedad. Aparecen infinidad

de tendencias artísticas con maneras de ver y hacer arte completamente diferente: son las vanguardias.
Todas ellas tienen en común su carácter innovador y el estar en continuo proceso de renovación.

Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que

rompen con la tradición y convulsionan el mundo del arte causando
estupor cuando no rechazo.

El autor toma conciencia de su libertad creativa y expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos. El
artista en definitiva se libera de todas las ataduras y modas artísticas del momento y comienza a
experimentar. Todas las vanguardias tienen unos límites cronológicos precisos. Las vanguardias son
numerosas, pero todas se pueden encuadrar en dos posiciones básicas: una basada en la razón

(Racionalismo, Neoplasticismo y en parte el Cubismo) y otra en las emociones (Expresionismo, Dadaísmo y

Surrealismo).
El Fauvismo

Su nombre procede de la expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles. Los
pintores fauves se agrupan de manera pasajera entre 1905-1907 para seguir después caminos diferentes,
marcando, pues una de las características más acusadas de las vanguardias, su poca duración. Todos ellos
reciben una clara influencia de Gauguin y Van Gogh, con una pintura basada en el triunfo del color y la
intuición. El color adquiere un valor simbólico. Esta vanguardia supone una reacción contra el Impresionismo,

y en defensa del color y del objeto. Se distinguen por su violencia cromática. El color es el protagonista
principal del cuadro y se utiliza de una manera apasionada.

Aplican la pasta directamente del tubo sin alterarla con mezclas en el pincel o la paleta. El dibujo se realiza

con una línea gruesa de color, llegando a cambiar el colorido de la misma en una misma figura. El color se

independiza del objeto, se puede pintar un caballo verde o un mar violeta. Para respetar el objeto, que se
perdería entre tanto color, se recupera la línea con trazos gruesos y claros. La luz suele desaparecer y con

ella la profundidad y las composiciones tienden al plano único. Los colores destacan por su estridencia. No

hay armonía cromática. Para los fauves la pintura debe ser libre e instintiva, la naturaleza es un medio a

través de la cual el artista revela sus sugestiones mediante el color no es necesario el claro-oscuro ni el
modelado. Su pintura es plana pero con carga expresiva. Destacan pintores como Matisse, Derain,

Vlaminck, Dufy etc

 Fauvismo: La raya verde (1905) de Henri Matisse.
http://www.sisatime.co.kr/news/photo/201609/53460_17624_1548.JPG
Cubismo

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por
Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris y Guillaume
Apollinaire.

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias

europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la
ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los
fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo,
despectivamente, que era una pintura compuesta por “pequeños cubos”. Se originó así el concepto de
“cubismo”.
 Cubismo: retrato de Pablo Picasso (1912) por Juan Gris.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Juan_Gris_-_Portrait_of_Pablo_Picasso_-

_Google_Art_Project.jpg)

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a

principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata

las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta
así la llamada “perspectiva múltiple”: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La

representación del mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas

desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y
en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro
humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal.

Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces

acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la
presencia de la cola del mismo.

El cubismo pretende representar la “cuarta dimensión” de los objetos. Conocemos las tres dimensiones

(altura, anchura, y longitud). Pero las vemos desde una determinada perspectiva, por ejemplo, no vemos la
parte de atrás. Si queremos conocer bien un objeto tenemos que dar vueltas alrededor de él, y luego abrirlo

para ver cómo es por dentro. La cuarta dimensión vendría a ser la suma de todas las perspectivas. Los

cubistas tratarán de representar los objetos uniendo los diferentes puntos de vista. En un cuadro cubista una

persona puede aparecer de frente y de perfil. A veces se recurre a la transparencia, otras se despedaza el
objeto, que se convierte en un rompecabezas, y se colocan sus partes desordenadas por el cuadro. Se trata

de un arte cerebral.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran
sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello,

utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la
primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.
Cubismo: El portugués (1911). Por George Braque. (http://www.historiadelarte.us/las-
vanguardias/georges-braque-el-portugues/)
Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y
permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte
intrínseca de la misma.

El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el
tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.
La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que
fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la “crítica”, llegando a
considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos

los movimientos artísticos de vanguardia vinieron acompañados de textos críticos que los explicaban.

Cubismo analítico
–

Se desarrolla entre 1909-1911 como resultado de las investigaciones de Picasso y Braque.

Fase inicial del cubismo y la más ortodoxa.

Es un estilo muy racionalista.

Las formas y las figuras están tan fragmentadas y descompuestas que se hacen irreconocibles.

No existe distinción entre el fondo y forma, se produce la desaparición de la perspectiva

tridimensional.

Los objetos se descomponen estructuralmente, se fragmenta el tema en todos los puntos de vista
posibles, utilizando una gama cromática muy limitada.

El color pierde importancia y se limita al mínimo.

Sin ser obras abstractas la visión del cuadro nos resulta muy difícil, de ahí que a partir del cubismo
analítico se llega a la abstracción geométrica.
Cubismo sintético
–

Se desarrolla entre 1911 hasta 1914.

En El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo que abrió una nueva vía que llevó a
este segundo período del cubismo.

Los cuadros empiezan a perder el aspecto fragmentado y la realidad se reconstruye a base de planos
de color.

Los objetos se pueden ver desde diferentes puntos de vista, desde dentro y desde fuera.

Expresionismo

El expresionismo surge en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo francés, con el
que tiene no pocos puntos en común (rechazo de la mímesis, colores violentos)
Sin embargo, difiere de este movimiento por tener un matiz más pesimista.

El expresionismo viene a ser una deformación de la realidad para

expresarla de forma más subjetiva aunque en definitiva, esa puede
ser una definición válida del arte: una deformación de la realidad. Se
quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la
naturaleza y el ser humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte ahí tenemos los
casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco, por citar solo algunos, pero fue en esta atmósfera pre-bélica
de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual se unieron

para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predomina la visión interior del artista la
“expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”.
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una forma de reflejar
la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la

deriva en la sociedad moderna , industrializada, donde se ve alienado y aislado.

El expresionismo está dividido en tres periodos:

1 Etapa pre-expresionista.

2 Die Brücke: (El puente).

3 Der Blaue Reiter: (El jinete azul).

Etapa pre-expresionista

Dos figuras abrieron la puerta al expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y
Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En definitiva la disección del alma

humana.
 Expresionismo: El grito (1893), de Edvard Munch.

Edward Much
Este pintor noruego cree en la capacidad de transmitir emociones del arte y lo plasma a través de una línea

sinuosa y el ritmo de su pincelada. Sus figuras son etéreas, sus personajes solitarios, utilizando el color de

forma arbitraria. La fuerza del color y su línea permiten al artista reflejar su angustia. Su arte es fundamental

para entender las corrientes expresionistas del siglo XX. Es el auténtico precursor del expresionismo

alemán, de hecho, su obra “El Grito” realizada en 1893, se convierte en la portada del Manifiesto del grupo
“Die Brucke”, El Puente.
James Ensor
Pintor belga de carácter solitario y extravagante. Sus lienzos representan paisajes imaginarios y falsos,

recrea un mundo de máscaras y esqueletos. Posee una imaginación fantástica que se refleja en sus
pinturas de gran fuerza gracias a la utilización que hace del color. Posee una gran fuerza cromática. Critica la

sociedad a través de las máscaras y el juego del carnaval. Muestra la sociedad como una gran farsa, como

un espectáculo absurdo. Obras: “La entrada de Cristo en Bruselas”, “Máscaras disputándose un cadáver”.

Die Brücke (El puente)

En 1905 nace en Dresde “un puente para sentar las bases de un arte de futuro”. El grupo Die Brücke, liderado

por Kirchner, pretendió influir en la sociedad destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración

fluir libre y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista.

Un poco de crítica social los convirtió en enemigos de la juventud alemana. El color y sus temas fueron las

herramientas para ello: obras angustiosas y marginales. También las técnicas: les interesaban las obras

gráficas ásperas como la xilografía, con la que podían plasmar su concepción del arte de una manera

directa, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo que tanto admiraban.
 Expresionismo: El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Ernst_Ludwig_Kirchner_Zirkusreiterin_1913-1.jpg)

Der Blaue Reiter (El jinete azul)

 Expresionismo: El jinete azul (1903), de Vasili Kandinski.

http://www.elarteporelarte.com/clases-cultura-visual/jinete-azul-kandinsky-marc-jawlensky-

klee/

Surgió en Múnich en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en la que imperaba la
libertad creadora y otra vez la expresión personal y subjetiva de las obras. Se destacan artistas como

Kandisky y Frank Mark.

Distaban de Die Brücke por no tener una actitud tan temperamental, una plasmación casi fisiológica de la

emotividad. Der Blaue Reiter pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la esencia de

la realidad a través de la purificación de los instintos. En vez de deformar, optaron por depurar, llegando así a

la abstracción. Con Kandisky los colores se independizan hasta tal punto que le llevará a la abstracción. Para

este pintor de origen ruso la pintura debe ser una composición armónica entre forma y color en este sentido

los colores son también formas. Este movimiento se vio truncado con el comienzo de la Primera Guerra
Mundial.

Expresionismo: Tirol (1914), de Franz Marc.

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Franz_Marc-Tyrol_(Tirol)_(1914).jpg)
9 17

Cierre de la unidad

¿Qué son las vanguardias?

Las vanguardias son movimientos artísticos revolucionarios que rompen con la tradición y convulsionan el
mundo del arte causando estupor cuando no rechazo. El autor toma conciencia de su libertad creativa y
expresiva, inventando nuevos lenguajes artísticos. El artista en definitiva se libera de todas las ataduras y
modas artísticas del momento y comienza a experimentar.
Bibliografía

Bazin, G. (1981). Historia del arte: de la prehistoria a nuestros días. Barcelona:Omega.

Gombrich, E. (1999). La historia del arte. Londres: Phaidon Press.

Lucas, R. (2002). Conferencias sobre crecimiento económico. Cambridge: Harvard University

Press.

Meggs, P.B. y Purvis, A. (2009). Historia del diseño gráfico. Barcelona: RM.

Satué, E. (1988). El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días. Madrid: Alianza.
10 17

Introducción a la unidad

¿Por qué es tan importante para el diseño industrial y gráfico en

la actualidad lo que hizo la Bauhaus?

Contenidos de la unidad

1 Futurismo.

2 Constructivismo.

Dadaismo.

3
 3
4 De Stijl.

5 Bauhaus (1919 a 1933).

Continuaremos con el desarrollo de las principales vanguardias artísticas del siglo XX: El Futurismo,
Constructivismo, Dadaismo, De Stijl. La importancia de la escuela Bauhaus para el diseño industrial y gráfico
tal como hoy lo conocemos. Sus principales características de acuerdo a las etapas transitadas.

El siguiente vídeo, como consecuencia del 100° aniversario de la Bauhaus, realiza un breve resumen sobre
su surgimiento y los lugares donde se retomó dicha idea.

Bauhaus, la escuela que cambió el ARTE (y el MUNDO), cu…

cu…

El País (1 de abril de 2019). Bauhaus, la escuela que cambió el ARTE (y el MUNDO), cumple 100 años | Cultura. Recuperado

el 20 de diciembre de 2021: https://www.youtube.com/watch?v=Srnzmz0A-OU

Este vídeo a continuación nos cuenta sobre las celebraciones para el 100 aniversario de la fundación
Bauhaus:

Bauhaus cumple 100 años

DEUTSCHLAND.de. Bauhaus cumple 100 años. Recuperado 18 de marzo de 2019. https://www.youtube.com/watch?

v=Lt82VyokqUs

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11 17

Tema 1: Futurismo
Parte de planteamientos cubistas (fragmentación del plano) surge a partir de 1910 como una vanguardia
casi exclusivamente italiana, cuando sus integrantes, bajo la inspiración del poeta Marinetti, firman el
Manifiesto Futurista. Los pintores más representativos del grupo serán Boccioni que también es escultor,

Carrá, Russolo, Balla y Severini. El grupo estará vinculado al nacionalismo belicista italiano del momento.
Podemos entender el futurismo como un cubismo puesto en movimiento.

Lo importante no es fragmentar el objeto, sino captar su

movimiento.

De ahí que para conseguirlo acudan a técnicas como la fotografía (corrido fotográfico). A estos artistas el

cubismo les permitía la posibilidad de representar simultáneamente algo que sólo podemos ver de manera
sucesiva en el tiempo. Representar las diferentes fases, el movimiento, tratando de representar la velocidad.
El concepto básico del grupo es el de velocidad. Hay que expresar el mundo moderno, el mundo de la
máquina, los objetos inmóviles no tienen sentido.

Entre las características que nos pueden permitir clasificar el movimiento podemos destacar las siguientes:

Exaltación de la originalidad.

Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.

Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su

bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc.

Utilización de formas y colores para generar ritmos.

Colores resplandecientes.
Multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un
caleidoscopio o una película.

Futurismo: Dinamismo de un ciclista (1913) por Umberto Boccioni.

(https://es.wikipedia.org/wiki/Dinamismo_de_un_ciclista)
12 17

Tema 2: Constructivismo

Movimiento artístico surgido en Rusia en 1917, que tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o “Talleres
Superiores Artísticos y Técnicos del Estado” y se desarrolló principalmente en el arte, diseño y arquitectura
rusos.

Se basa en el cubismo, y estéticamente se relaciona con la

ingeniería y la arquitectura.

La Revolución Soviética buscó nuevas formas de expresión relacionadas con la aspiración de suplantar el

sistema capitalista por esquemas más democráticos de producción y distribución de bienes.Con esta

finalidad, artistas como Vladimir Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky, Naum

Gabo y El Lissitzky promovieron una estética y una aproximación al diseño que, entre otras cosas, se

asociaba a la producción industrial y decía adiós al ornamento complaciente.

Por tanto, sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni

objetos reales ni fantasías libres del artista. Además, la valoración del espacio y el componente
espacio/tiempo eran fundamentales.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético. Abandonaron el

ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda,

tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.

 Constructivismo: Cartel de propaganda rusa por Alexander Rodchenko.

(https://oscarenfotos.com/2013/05/11/alexander-rodchenko-la-revolucion-fotografica/)

Principales características:

Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el
producto son de gran importancia.

Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

Se dedicaron al diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior,

propaganda, ilustraciones, etc.
 La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del
espacio, el tiempo y la luz.

La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas,

lineales y planas.

Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

Los objetos son geométricos y funcionales.

Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos
modernos que simbolizan el progreso.

Uso de los colores naranja, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como en
objetos).

Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre un

fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

En el constructivismo se plantea, por ejemplo, que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino
que debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que permitan
que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre, madera, vidrio, yeso y
plástico.

Al mismo tiempo, los constructivistas rechazan la idea de que el arte

debe servir a un propósito socialmente útil y plantean un arte
estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología
moderna.

Luego el movimiento se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero y la
función de resolver necesidades sociales.
Pero a causa de la inestabilidad propia del tiempo que sigue a una revolución, se llevaron a cabo muy pocos
proyectos a gran escala, por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones, cerámicas y

grafismos.
13 17

Tema 3: Dadaismo

El Dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916. Esta vanguardia se extendió
por Europa y llegó hasta Estados Unidos. Influyó en el arte gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó
como una ideología o una forma de vivir.

Estaba en contra del arte, los códigos y valores de su época, la

Primera Guerra Mundial y los sistemas establecidos.

Su fundador fue Tristan Tzara. Una de las teorías del nombre Dadá, es que significa balbuceo o primer

sonido que dice un niño. Inmediatamente, identificaron este nombre con el nuevo estilo que buscaba
empezar desde cero, rompiendo todos los esquemas seguidos con anterioridad. Existen otras suposiciones

sobre el nombre de este movimiento, pero el concepto general que se intentó propagar era que

sencillamente no significara nada y fuese escogido al azar.

Buscaban impactar y dejar perplejo al público, que reaccionaba tirándoles cosas e insultándolos. En 1917 se
inauguró la Galería Dadá y Tristán Tzara comenzó su publicación. El dadaísmo se divulgó a través de

revistas, su manifiesto y en las reuniones realizadas en cabarets o galerías de arte.

 Dadaismo: cartel del Matinée Dadá (1923) por Theo van Doesburg.

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Theo_van_Doesburg_Dadamatin%C3%A9e.jpg)

Características en su contenido o temática

–

Protesta continua contra las convenciones de su época.

Actitud de burla total y humor. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor.

Medios de expresión irónico-satíricos, a través del gesto, el escándalo, la provocación.

Poesías ilógicas o de difícil comprensión (El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y
sonidos).

Inclinación hacia lo dudoso, rebeldía, destrucción, muerte y nihilismo y lo fantasioso.

Promoción por el cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la

contradicción, el caos, lo imperfecto, la intuición.
 Manifestaciones contra la belleza, la eternidad, las leyes, la inmovilidad del pensamiento, la pureza de
los conceptos abstractos, lo universal, la razón, el sentido, la construcción del consciente.

Negativo y en contra el modernismo, el expresionismo, cubismo, futurismo y abstraccionismo.

Consideran más importante al acto creador que al producto creado.

Características en su gráfica
–

Renovación de la expresión mediante el empleo de materiales inusuales.

Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano presentándolos como objetos artísticos.

Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos, diarios, telas, maderas, etc.).

Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y la provocación.

 Dadaismo: Rueda de bicicleta (1913) de Duchamp.

(https://arte.laguia2000.com/escultura/rueda-de-bicicleta-de-duchamp)
El mensaje dadá se difundió ampliamente, los artistas más reconocidos fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank

de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tuvo
repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró seguidores entre los intelectuales y

artistas que apoyaban el movimiento. En Francia tuvo escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta

italiano Ungaretti.

En poesía abrió el campo al surrealismo, creando un lenguaje sin límites. Los consejos de Tzara describen

como se realiza un poema dadá: recortar las palabras de un artículo de un periódico, meterlas en una bolsa

para mezclarlas y copiar las palabras según vaya sacando de la bolsa. En el caso de la pintura, se

desecharon formas y técnicas tradicionales, rechazando las corrientes del momento. Prevalecían las
imágenes incomprensibles, donde se destacaron los collages de desechos y recortes de diarios.

En la escultura prevalecieron los ready-mades del francés Marchel Duchamp. Los ready-mades son objetos

que han sido producidos en serie, normalmente destinados a un uso utilitario y ajeno al arte que se

transforman en obras de arte por el mero hecho de que el artista los elija y les cambie el nombre, los firme o

simplemente los presente a una exposición artística.

En Europa decayó en 1920 para finalizar en 1922. A mitad de la década del 50 resurgió en Nueva York. El
movimiento dada generó el camino para que nazcan otras corrientes, como el Surrealismo y el Pop Art.
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Tema 4: De Stijl

De Stijl (El Estilo) fue una vanguardia artística que surgió en Holanda en 1917. Su nombre proviene de la
revista fundada por Piet Mondrian y Theo Van Doesburg. Esta vanguardia no era solo un nuevo estilo, sino
algo de mayor alcance y significación. “De Stijl” afectó diferentes áreas artísticas (diseño gráfico,
arquitectura, diseño industrial, pintura) apuntaba a valores plásticos más puros y simples, siendo esta una
característica fundamental, que para 1920 hará que sus pinturas se conviertan en tramas de líneas

ortogonales que enmarcan plenos de colores primarios en forma de cuadrados o rectángulos.

En 1917 Piet Mondrian publica el primer manifiesto (titulado: “El nuevo modo de concebir la forma en la

pintura”, publicado en el primer número de la revista) que establecía las bases y características de esta

nueva estética (que más adelante se transformará en Neoplasticismo). Este nuevo arte no pretendía

reproducir o ilustrar la realidad como el arte tradicional. En su momento fue considerado una variante del arte

abstracto.
De Stijl: Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1921) de Piet Mondrian.
(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Piet_Mondriaan,_1921_-

_Composition_en_rouge,_jaune,_bleu_et_noir.jpg)
 De Stijl: Silla roja y azul (1917) diseñada por Gerrit Rietveld.

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rietveld_chair_1.JPG)

De Stijl se desarrolló en tres etapas:

1. La primera finaliza con la separación de algunos colaboradores y el ingreso de

Rietveld (creador de la silla roja azul) que aportó con su diseño una proyección de
la estética De Stijl en tres dimensiones. También en esta etapa exponen en la
Galería de Léonce Rosenberen París.

2. La segunda etapa abarca los años 1921 a 1925. Se elimina el uso de columnas,
simetría, y repetición de elementos (en fachadas). Llevando al estilo al
 Neoplasticismo (bautizada así por Mondrian). Con nuevas consignas referidas a
la arquitectura se va cerrando cada vez más el estilo. En la Revista Van Doesburg
será el vocero del Constructivismo, pero para 1923 nacerán sus diferencias con
Mondrian, al querer incorporar la diagonal (surgiendo así el Elementalismo).
Mondrian consideró esto como una traición a sus principios estéticos y en 1924,
deja de contribuir con sus artículos en el periódico por sus diferencias con Van
Doesburg, quien se aleja del grupo en 1925.

3. La tercera y última etapa de De Stijl abarca de 1925 hasta su fin en 1931. Stijl
combinó elementos del Constructivismo y el Suprematismo, esta tendencia llegó
hasta la Bauhaus y otros grupos, de quienes también se nutrió para lograr un
lenguaje específico.
15 17

Tema 5: Bauhaus (1919 a 1933)

Bauhaus, la primera escuela de diseño del siglo XX

Bauhaus, nombre derivado de la unión de las palabras en alemán “Bau”: construcción y “Haus”: casa,
superará la función de cualquier centro de enseñanza y se convirtiera no solo en la primera escuela de
diseño del s. XX sino en todo un movimiento artístico que se convirtió en todo un referente internacional de la

arquitectura, el arte y el diseño.

Fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura surgida de la unión de la Escuela de Bellas Artes con
la escuela de Artes y Oficios por medio del arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) y conocida
oficialmente como la Staatliches Bauhaus “Casa de la Construcción Estatal”.

Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, los procesos políticos y sociales
tuvieron gran influencia. Con el final de la primera guerra Mundial comenzaron a surgir movimientos
revolucionarios que aspiraban provocar una renovación radical de la cultura y la sociedad que con la
necesidad de encontrar nuevos caminos en cuanto a diseño y composición.

El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, era reformar la enseñanza de las artes para lograr una

transformación de la sociedad burguesa. Su contenido crítico y compromiso de izquierda causarían su cierre

en 1933.
Para Gropius la base del arte estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver al trabajo manual. Con ella

se trataba de unir todas las artes estableciendo así una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la

vida cotidiana, desde una silla para sentarse hasta la página que de un libro.

Por primera vez, el diseño industrial y gráfico fueron considerados como profesiones, ya que se

establecieron las bases normativas y los fundamentos académicos tal y como los conocemos en la

actualidad antes de la Bauhaus estas dos profesiones no existían del modo en que fueron concebidas

dentro de esta escuela.

Uno de los principios establecidos desde su fundación fue “la forma sigue a la función“, por lo que en

arquitectura los diferentes espacios eran diseñados con formas geométricas según la función para la que

fueron concebidos.

Bauhaus: logotipo diseñado en 1922 por Oskar Schlemmer.

(https://en.wikipedia.org/wiki/File:Bauhaus_logo.png)

La Bauhaus es sinónimo de modernidad, de colores primarios,

nuevas concepciones del espacio y de la forma e integración de las
artes.
La escuela tuvo su sede en tres ciudades: Weimar, Dessau y Berlín en las que se distinguen tres etapas:

1 La primera etapa en Weimar abarca desde la fundación de la escuela en 1919 hasta 1923.

2 La segunda etapa abarca de 1923 hasta 1925.

3 La tercera etapa transcurre desde 1925 hasta el cierre de la escuela en 1933.

La primera etapa en Weimar abarca desde la fundación de la escuela en

1919 hasta 1923

Desde el momento de su apertura se establecieron los objetivos de la escuela recogidos en el manifiesto de

la Bauhaus: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia
artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la
producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público”.
Con la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad se pretendía eliminar las diferencias

entre artistas y artesanos además de intentar vender sus propios productos realizados en la escuela para
dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. En 1923 el gobierno exigió a
la escuela muestras de lo que estaban trabajando por lo que se realizó la Primera Exposición de la Bauhaus.
 Bauhaus: Cartel de exposición Bauhaus (1923) por Joost Schmidt.

(http://urbancomunicacion.com/1595-2/)

Durante seis meses, los alumnos trabajaban en los distintos talleres. Así, bajo la metodología de “aprender

trabajando”, se formaban en las distintas áreas para descubrir sus preferencias y orientarse para su
posterior formación: trabajaban con piedra, madera, metal, barro, tejidos, vidrio, colorantes y tejidos mientras

se le enseñaba dibujo y modelado. Aprendían las pautas básicas de diferentes oficios y el trabajo con

materiales nuevos para la elaboración de edificios y todo tipo de objetos.

En este tiempo realizaban también un curso obligatorio “vorkurs”, conocido posteriormente como “Método

Bauhaus”, creado por el arquitecto Johannes Itten, donde se investigaba los principales componentes

visuales en textura, color, forma, contorno y materiales.

De esta forma, al salir de la escuela, salían con una formación completa: dibujo, modelado, fotografía,
diseño de muebles, escenificación, danza, tipografía…

Los pintores Paul Klee y Kandinsky se unieron a la escuela en esta primera época: Paul Klee dando clases
de composición en el taller de tejidos, su enseñanza se basaba en las formas elementales y el arte debía

hacerlas visibles y Kandinsky, en el taller de pintura mural y dando clases en el curso de diseño básico junto

con Klee.

Fase idealista, expresionista y de experimentación de formas, productos y diseños. Se utilizan las formas

geométricas básicas (el círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los tres colores primarios como base

aunque los colores principales fueron negro, blanco y rojo.

 Bauhaus: Cuna (1922) de Peter Keler. (http://urbancomunicacion.com/1595-2/)

La segunda etapa abarca de 1923 hasta 1925

A partir de 1923, la Bauhaus llevó a cabo un cambio de dirección con la incorporación como profesor de
László Moholy-Nagy, que supuso la introducción de las ideas del Constructivismo Ruso y el Neoplasticismo
(movimiento artístico iniciado en Holanda con el ideal de llegar a la esencia del arte eliminando lo superfluo).
Se abogaba por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. De esta época datan los escritos
teóricos más influyentes de la Bauhaus como los realizados por Kandisky y Klee.

Bauhaus: Tipografía Herbert Bayer. (http://25-horas.com/2014/01/13/la-forma-y-funcion-en-

la-bauhaus/)
Aunque la metodología estaba basada en una investigación de la esencia y un análisis de la función, la

influencia de la estética creada por la Bauhaus fue minoritaria y hubo que esperar a los años sesenta para

que estas ideas se popularizaran comercialmente.

En esta época Herbert Bayer, que estudió en la escuela durante 4 años, fue el publicista más destacado de
la Bauhaus y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En 1925, siguiendo el principio de eliminar

lo superfluo y dejar lo esencial, diseñó un estilo tipográfico en donde eliminó las mayúsculas y las serifas,

creando una fuente geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre Architype Bayer. Con estos

principios se estableció un nuevo estilo tipográfico y los fundamentos de la Nueva Tipografía.

La tercera etapa transcurre desde 1925 hasta el cierre de la escuela en

1933

La gran depresión desencadenó la necesidad del cambio de sede de la escuela en Dessau en 1925, una
ciudad industrial ansiosa por potenciar su oferta cultural. En esta nueva sede, la escuela se instala en el
edificio más emblemático de la Bauhaus diseñado por Walter Gropius: La Escuela Bauhaus (1925-1926), de

planta asimétrica, con pabellones a diferentes alturas y predominio de ventanas horizontales (característico
de la arquitectura racionalista).
 Bauhaus: edificio Bauhaus en Dessau (1926) diseñado por Walter Gropius

(https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Bauhaus-Dessau_main_building.jpg)

En esta época se llevaron a cabo grandes fiestas, generalmente temáticas: fiesta blanca, fiesta del metal, en

cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas con el objetivo de fomentar el trabajo en equipo y

promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos, ya que la escuela estaba considerada como

socialista y contaba con más de un enemigo.

En 1925, debido a las continuas presiones del gobierno, Moholy-Nagy abandona la escuela y dos años

después, Walter Gropius deja la dirección a manos del suizo Hannes Meyer. Junto con Gropius, varios
profesores abandonaron la escuela y en 1930 la dirección pasó a cargo de Ludwing Miës Van Der Rohe.

Con la llegada de los nazis a Dessau en 1932 vino el cese de la ayuda financiera a la institución por parte del
gobierno y la escuela se trasladó a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las
autoridades alemanas nazis para eliminar cualquier rastro de “cosmopolitismo judío” y de arte “decadente y

bolchevique”. La obra de la Bauhaus en Weimar y en Dessau fue nombrada Patrimonio de la Humanidad por
la Unesco en 1996.
Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos que fueron perseguidos por el régimen huyeron del
país y se instalaron en Estados Unidos donde siguieron con sus ideales y donde László Moholy-Nagy

estableció La Nueva Bauhaus: el Instituto de Diseño de Chicago.

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Cierre de la unidad

¿Por qué es tan importante para el diseño industrial y gráfico en

la actualidad lo que hizo la Bauhaus?

Porque con la Bauhaus por primera vez, el diseño industrial y gráfico fueron considerados como profesiones,
ya que se establecieron las bases normativas y los fundamentos académicos tal y como los conocemos en
la actualidad antes de la Bauhaus estas dos profesiones no existían del modo en que fueron concebidas
dentro de esta escuela.

Bibliografía
Bazin, G. (1981). Historia del arte: de la prehistoria a nuestros dias. Barcelona: Omega.

Droste, M. (2006). Bauhaus. Colonia: Taschen.

Gombrich, E. (1999). La historia del arte. Londres: Phaidon Press.

Lupton, E. y Miller, A. (2002). El ABC de La Bauhaus y la teoría del diseño. Barcelona: GG.

Meggs, P. B., & Purvis., A. (2009). Historia del diseño gráfico. Barcelona: RM.

Satué, E. (1988). El diseño gráfico. Desde los orígenes hasta nuestros días. Madrid: Alianza.
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