PRIMER BARROCO

Como hemos visto en la introducción general al Barroco, en este periodo

conviven dos formas compositivas diferentes, dos “prácticas”. Una en el estilo de los
siglos anteriores y otra que sigue las innovaciones de las nuevas corrientes. En 1605
Monteverdi las bautizó como “prima prattica” y “seconda prattica”, aunque también
reciben el nombre de stile antico/stile moderno o stylus gravis/stylus luxurians (estilo
severo/estilo ornamentado).

En este periodo también se aplican a la música los principios de la retórica, que

unido a la evolución de conceptos que ya venían del Renacimiento como la música
reservata y los madrigalismos, desembocará en la representación vehemente de
sentimientos (afectos) genéricos según unos complejos catálogo de códigos.

La diferenciación idiomática en la composición dará lugar a estilos compositivos

diferenciados y el desarrollo de los instrumentos de cuerda. La familia del violín se
desarrollará profusamente en Italia, mientras el Francia se comenzará a cultivar la viola
como instrumento de arco. Surgen prestigiosos constructores de instrumentos como
Stradivari, Amati, Guarneri (discípulo del anterior).

El ritmo, que pasa a ser entendido en “compases”, también va a tener dos

modalidades, un ritmo métrico y regular y otro libre y “antimétrico” usado en los
recitativos.

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

Antecedentes:

• los dramas litúrgicos medievales unificaban canto, teatro y música en sus

representaciones y por ello pueden considerarse como el antecedente
más temprano de la ópera.
• Dramas pastoriles, a los que se añadía música (Ej. Orfeo de Poliziano,
datado en 1480).
 • A estos se pueden añadir los ciclos de madrigales o comedias de
madrigales, que representaban una serie de escenas generalmente
cómicas con unos sencillos diálogos que enlazaban las partes cantadas.
La más famosa es L’amfiparnaso de Orazio Vecchi datada en 1597.
• Los intermedios o intermezzi de carácter pastoral, alegórico o mitológico
que se insertaban en ocasiones sociales importantes, generalmente eran
montajes musicales espectaculares con coros, solistas y conjuntos
instrumentales. Los intermedios y las comedias madrigalescas solían
precisar dos estilos diferentes para las narraciones y los diálogos.

Gracias a estos antecedentes, la Camerata Fiorentina o “Camerata Bardi”,

tomando la tragedia griega como modelo desarrolló las primeras óperas. El ideal
estético de la camerata se puede resumir en la idea del “recitar cantando”.

Girolamo Mei se ocupó de realizar una profunda investigación sobre el papel que
la música desempeñaba en el teatro griego dando a conocer sus hallazgos en cuatro
libros que presentó a sus colegas de la Camerata, De modus musicis antiquorum (1562-
1573). Mei llegó a la conclusión de que los griegos conseguían fuertes efectos
dramáticos con un canto solista acompañado.

Vincenzo Galilei, en su tratado Dialogo della musica antica et della moderna

(1581), siguiendo las teorías de Mei, ataca al contrapunto imperante en favor de una
línea melódica única, según Galilei, si varias voces cantaban diferentes melodías y
palabras en ritmos y registros diferentes, jamás podrían plasmar el mensaje emocional
de los textos. Para Galilei el método ideal de musicalizar textos era seguir el discurso
natural de las palabras y las inflexiones naturales del habla.

En este tratado, Galilei atacaba también más o menos frontalmente los

planteamientos de Gioseffo Zarlino. Lo que provocó la respuesta de su discípulo
Giovannni Maria Artusi, que atacó a la nueva forma de componer en un escrito titulado:
L'Artusi, overo Delle imperfettioni della moderna musica (El Artusi o imperfecciones de
la música moderna).
 Monteverdi se sintió aludido (y lo era) en dicho escrito y decidió contestar con
otro escrito, introducción a su quinto libro de madrigales. Donde menciona su
planteamiento sobre la prima prattica y la seconda prattica.

De entre los miembros de la Camerata, Giulio Caccini, era maestro de canto y

desarrolló todo un tratado del arte de cantar donde recoge varias piezas en el nuevo
estilo de monodia acompañada (voz solista con bajo continuo): Le nuove musiche
(1602). El estilo de Caccini es principalmente silábico, aunque admitía cierta
ornamentación y virtuosismo vocal en ciertos lugares considerados adecuados según el
texto.

Ottavio Rinuccini y Giacopo Peri, llegaron a la conclusión de que las tragedias

griegas se cantaban en su totalidad. Así, en 1597, publicaron Dafne, como primera obra
dramática pastoral totalmente acompañada por música. Más adelante, en 1600, Peri y
Caccini publicaron L’Euridice. (Según autores, estas se consideran las primeras óperas
de la historia, aunque la Dafne no ha llegado completa a nuestros días).

En Roma, Emilio de’ Cavalieri en 1600 estrenó la Rappresentazione di anima et

di corpo. De carácter religioso, es considerada por algunos como una ópera, y por otros
como el nacimiento del género del Oratorio.

El Orfeo de Monteverdi se representa en Mantua en 1607, con ocasión del

cumpleaños de Francesco Gonzaga. Se considera por muchos como la primera ópera
con un estilo plenamente desarrollado, a pesar de los antecedentes de Peri, que
también son óperas. Aunque Monteverdi escribió un amplio catálogo de óperas, solo se
conservan las partituras completas de tres de sus obras: L’Orfeo, Il ritorno d’Ulisse in
patria y L’incoronazione di Poppea, estas dos últimas en su periodo veneciano. (En ellas
se plasman los tres temas típicos de la ópera del periodo: la mitología, la literatura
clásica y la historia). Una de las especiales características del Orfeo es su nutrida
orquesta, de composición variada, incluye laúdes y clavecín (que se escondían detrás del
decorado) familia completa de cuerdas y vientos variados: flautas, cornetas, trompetas,
trombones etc. El total una orquesta de hasta 40 instrumentos y un total de 27 números
puramente orquestales distribuidos a lo largo de la obra.
 En las décadas siguientes, la ópera migra a Roma, donde se desarrolla con un
estilo en el que quedan más claramente definidos el recitativo y el aria como partes
diferenciadas. El recitativo es más parecido al habla que los de Peri o Monteverdi y las
arias eran melodiosas y generalmente estróficas. La tradición del madrigal va a verse
reflejada en numerosas piezas concertadas a lo largo de las obras. Se desarrolla una
obertura en dos movimientos, uno lento de sucesión de acordes y otro más vivaz con
estructura de canzona. Andando el tiempo esta forma se desarrollaría como el esquema
aceptado para las oberturas de los ballets y empezará a conocerse como “obertura
francesa”.

El desarrollo operístico se desplaza a Venecia en los siguientes años. El Propio

Monteverdi compondrá para Venecia sus otras dos óperas conservadas “El mecenazgo
de la música como instrumento de diplomacia se intensificó durante la segunda mitad
del siglo XVI, especialmente entre los cardenales de Roma y de los principados italianos
de las familias Medici, Este y Gonzaga. Mientras, en los centros mercantiles como
Venecia, Nápoles, Hamburgo y Londres, los teatros de ópera que dependían de
abonados o del alquiler de palcos exigían una nueva clase media”1. En Venecia la ópera
se convirtió en espectáculo público representado en los teatros2 (anteriormente solían
ser representaciones únicas para celebraciones puntuales en la corte) Además en
Venecia, la ópera desarrollará las características esenciales que regirán la ópera de los
siglos siguientes:

• Concentración en el canto solista, con una relegación de la música

instrumental a un segundo plano.
• Separación plena del recitativo y el aria.
• Introducción de esquemas distintivos para las arias, perdiéndose la inicial
subordinación de la música al texto. A partir de la ópera veneciana, el
texto no será más que la excusa para la construcción de la estructura
musical.

1
CLAUDE V. PALISCA “Baroque” Grove Music On line. Traducción de Pilar Ramos López. Tema 1, Historia de
la música II, Universidad de La Rioja. p. 11.
2
En Venecia, en 1637 se inauguró el primer teatro de ópera público, el Teatro San Cassiano. Con gestión
privada.
 Ilustración 1 interior del teatro San Cassiano de Venezia, grabado de la época

En Roma se desarrollará de modo independiente la ópera sacra y el oratorio y

posteriormente, el centro operístico migrará a Nápoles, donde la paleta orquestal se
enriquecerá y organizará con gran precisión.

ORATORIO

Como hemos mencionado antes, el primer oratorio se atribuye a Emilio de’

Cavalieri y data de 1600.

El oratorio nace por la adopción de la monodia de la cantata, el madrigal y la

ópera aplicado a los Esercizi ortarii3. se diferencia en dos: entre oratorio latino y
oratorio volgare.

Oratorio latino (en latín): se circunscribe al s. XVII y los textos son extraídos casi
en su totalidad del Antiguo Testamento, con interpolaciones poéticas bastante libres.

3
Ejercicios oratorios, ejercicios espirituales que se realizaban con la oración y la lectura de libros
espirituales y pasajes bíblicos por parte de una comunidad religiosa que se reunía en un “oratorio”, el más
conocido y origen del género fue el oratorio de San Felipe Neri en Roma.
 Oratorio volgare (En lengua vulgar, italiano): es el más difundido y guarda
mayores conexiones con la ópera. Se interpretaban en dos secciones, separadas por un
sermón; su música se asemeja a la de óperas y cantatas de cámara del periodo.

MÚSICA DE CÁMARA VOCAL

La música de cámara vocal puede verse ejemplificada en los 8 libros de

madrigales de Monteverdi. De estos, los 4 primeros libros de madrigales están escritos
para 5 voces a cappella en lo que el propio Monteverdi llama “prima prattica”, esto es,
en estilo polifónico contrapuntístico tradicional, aunque introduce novedades como
disonancias más arriesgadas y un lenguaje armónico cada vez más innovador.

A partir del 5º libro (publicado en 1605), los madrigales aparecen

predominantemente como canto solista o dúos y tríos acompañado de bajo continuo.
En estos madrigales, es frecuente la presencia de interludios musicales que se vuelven
a escuchar varias veces a lo largo de la pieza; ese carácter recurrente les da el nombre
de “ritornelli”.

El libro octavo, denominado como “Madrigali guerrieri et amorosi”, auna

diversos tipos y formas: desde madrigales a 5 voces, solos, dúos, tríos con continuo y
grandes obras corales. Dentro de este libro destaca una obra en género teatral: “Il
combattimento de Tancredi i Clorinda”. En él los instrumentos no solo acompañan las
voces, sino que también sugieren elementos presentes en el texto, como entrechocar
de espadas o galope de caballos propios de la representación del combate. En este
madrigal Monteverdi presenta un estilo que denomina “concitato” consistente en la
rápida repetición de una nota mediante sílabas pronunciadas por la voz o
instrumentalmente con trémolos medidos en las cuerdas.
 MÚSICA INSTRUMENTAL

La música para teclado experimentara un gran desarrollo en este periodo. Por

música para teclado entendemos cualquier instrumento de la familia del órgano, el clave
y el clavicordio.

En Italia el primer músico que llevó al instrumento el nuevo estilo expresivo fue
Girolamo Frescobaldi, que estudió con Luzzasco Luzzaschi, heredero de la tradición
veneciana. A partir de 1608 fue organista en San Pedro en Roma.

Tocata

El género principal desarrollado por Frescobaldi será la Tocata. La tocata proviene de la

tradición de tocar en órgano los madrigales y los motetes a cuatro o cinco voces. La
tradición veneciana de la que Frescobaldi es heredero, le dio a la tocata una cierta
estructura reconocible, en cinco secciones:

1. acordes con trinos.

2. pasaje brillante figurado, con variedad rítmica y contornos amplios.
3. contrapunto imitativo.
4. disonancias y cromatismos.
5. retorno al pasaje brillante figurado de la sección 2.

Frescobaldi, en los prefacios a sus colecciones de obras, incluía amplias

indicaciones sobre el modo de interpretarlas. Entre otras muchas indicaciones, requería
un tempo firme y los trinos ascendentes. Las obras de Frescobaldi en sus inicios seguían
asentadas en una concepción rítmica mensural y hay abundante yuxtaposición de ritmos
binarios y ternarios. A medida que evoluciona incorpora elementos expresivos propios
del género operístico.

Frescobaldi también desarrollará otros géneros como las Variaciones y las obras
contrapuntísticas.
 Variaciones

Las variaciones siguen la tradición tardo renacentista de variar melodías

conocidas. En el s. XVII las variaciones tienden a repetir una línea de bajo estándar en
cada variación. Los tipos de variaciones más habituales serán:

• Passamezzo: originado en una danza de compás binario popular de

mediados del XVI a mediados del XVII.
• Romanesca: es una fórmula melódica y armónica, basada a menudo en
un bajo ostinato, empleada en música de danza, abundante en
variaciones, sobre todo del XVI y del XVII.
• Passacaglia: Apareció inicialmente en la música popular española, como
una serie de acordes en libros para guitarra. Suele tener un patrón de
cuatro acordes y se construye sobre un bajo obstinato, que se repite
constantemente, con un movimiento muy animado y marcado.
Frescobaldi en ocasiones añade notas cromáticas a estos patrones.
• Ciaccona: en origen es una danza asociada con las indias occidentales y
acompañada por castañuelas. También se construye sobre un bajo
obstinato, y suele tener ritmo ternario y tempo moderato.

Obras contrapuntísticas

Dentro de ellas Frescobaldi desarrolla los ricercares, canzonas, fantasías y

caprichos.

• Los ricercares, al estilo de los motetes, eran imitativos en cuanto a la

textura, de carácter serio y ritmo majestuoso, con movimientos por
grados conjuntos en la melodía.
• Las canzonas derivan de las antiguas chansones parisinas del s. XVI. Son
más vivas rítmica y melódicamente que los ricercares. Suelen presentar
alguna repetición con el tema inicial preferentemente compás binario
que se repite tras una sección central homofónica en compás ternario.
 • Los caprichos y fantasías tienden a exponer simultáneamente varios
temas usando la aumentación y disminución rítmica y la inversión
melódica.

También se desarrollarán en Italia en este periodo la música para conjunto

instrumental, principalmente violines y familia del violín, pero también conjuntos de
instrumentos de viento.