1° ES

Unidad 1: El Espacio Plástico Bidimensional

Elementos del lenguaje plástico visual.

Son los que nos permiten describir y analizar una imagen por cómo está compuesta

Explorando el punto, la línea y el plano

Punto: es el elemento más básico y pequeño en el arte. Puede ser tan pequeño como un simple
punto en una hoja de papel o tan grande como una roca en un paisaje. Los puntos pueden ser
usados solos para crear énfasis o pueden ser repetidos para formar patrones.
Línea: Es una serie continua de puntos que se extiende en una dirección. Las líneas pueden ser
rectas, curvas, diagonales, quebradas, gruesas o delgadas. Las líneas pueden expresar movimiento,
dirección, energía y fluidez. Son fundamentales en el dibujo y pueden ser utilizadas para delinear
contornos, crear texturas o dividir espacios.
Plano: Un plano es una superficie bidimensional que se extiende en altura y anchura, pero no en
profundidad. Es como una hoja de papel o una pantalla de televisión. Los artistas utilizan planos para
componer sus obras, creando una sensación de espacio y profundidad.

Elementos del lenguaje visual. Explorando la forma, el volumen, la textura y el color

Forma: La forma se refiere a las áreas definidas por líneas o bordes. Puede ser geométrica, como un
círculo o un cuadrado, o orgánica, como las formas encontradas en la naturaleza. Las formas pueden
ser simples o complejas y son fundamentales para la composición de una obra de arte.
Volumen: Mientras que el plano es bidimensional, el volumen agrega la dimensión de profundidad,
creando objetos tridimensionales que ocupan espacio. El volumen nos permite percibir la forma y la
estructura de los objetos en el arte, dándoles una sensación de solidez y presencia física.
Textura: Se refiere a la apariencia táctil o visual de la superficie de un objeto. Puede ser suave,
rugosa, áspera, brillante, mate, entre otras características. La textura agrega interés visual y táctil a
una obra de arte, y puede ser representada tanto en superficies bidimensionales como
tridimensionales. Puede ser sugerida mediante el uso de líneas, patrones, sombreado o materiales
reales, dependiendo del medio utilizado.
El color :El color es una propiedad de la luz que se percibe a través de los ojos y se interpreta por el
cerebro. Es una de las herramientas más poderosas de un artista para expresar emociones, crear
contrastes y establecer atmósferas en una obra de arte.

El marco.
las imágenes y obras de arte además de estar realizadas con diferentes formas colores texturas,
líneas y demás elementos tienen lo que se llama marco, es el límite de la imagen, es el elemento que
indica en la imagen que estoy observando que termina, podemos observar en un cuadro pintado,
tiene un formato rectangular y la imagen esta realizado sobre papel, es todo lo que sucede aquí, la
figura con sus colores, detalles y su sombra y el fondo que en este caso es blanco la imagen tiene
ciertas dimensiones, tamaño, esto quiere decir que tiene límites, que en algún momento mi imagen
termina, ese límite es el marco, en este caso el marco está realizado con madera. Marco es lo que
contiene todo lo que está en la imagen, me muestra dónde termina la imagen que observo y la
separa de lo que sucede por fuera, a este tipo de marco lo llamamos marco explícito ya que lo
podemos percibir tanto con la vista, como con el tacto. Lo podemos ver y tocar al mismo tiempo es
un marco regular esto quiere decir que tiene todos sus lados iguales o parejos, los marcos que
tienen sus lados diferentes y desparejos se llaman irregulares que suelen utilizarse con imágenes
abstractos existen muchos tipos de marcos diferentes, los podemos encontrar con diferentes
grosores, formas y materiales. Por ejemplo el movimiento MADI: es una corriente artística derivada
del arte abstracto iniciandose en el rio de la plata en la ciudad de buenos aires en el año 1946.
Quienes iniciaron con este movimiento artistico fue el uruguayo carmelo arden quin, rhod rothfuss
también uruguayo y gyula kosice, nacido en la antigua checoslovaquia y nacionalizado argentino. Los
elementos caracteristicos del arte madi son: marco irregular, poligonalidad. El uso del marco
irregular en la obra madi rompe con el formato tradicional, cuadrado o rectangular, afirmando un
discurso artistico de vanguardia. El arte madi es un arte figurativo.
Y el marco implicito

El Formato y sus dimensiones. Incidencia del tamaño: grandes escalas, pequeñas escalas.
Influencia de la superficie en la composición. Relación soporte y color
El formato se refiere al tamaño y la forma física del lienzo, papel u otro soporte utilizado para crear
una obra de arte. Las dimensiones de este formato pueden variar enormemente, desde pequeñas
escalas, como un cuadro de miniatura, hasta grandes escalas, como una pintura mural.
La elección del tamaño del formato puede tener un impacto significativo en la composición de una
obra de arte. Por ejemplo, en una escala más grande, el artista puede tener más espacio para
desarrollar detalles complejos o crear un impacto visual más poderoso. Las obras en grandes escalas
pueden tener una presencia dominante en un espacio físico, lo que puede afectar la manera en que
la audiencia interactúa con la obra.
Por otro lado, las obras en pequeñas escalas pueden ser más íntimas y detalladas, lo que permite al
espectador acercarse y examinar los detalles de cerca. Esto puede crear una experiencia más
personal y contemplativa.
Además del tamaño, la superficie del soporte también influye en la composición. Por ejemplo, un
lienzo texturizado puede afectar la forma en que se aplica la pintura y cómo interactúa con la luz,
creando efectos visuales interesantes. Del mismo modo, un papel liso puede permitir líneas más
suaves y detalles finos.
La relación entre el soporte y el color también es crucial en la composición. Algunos soportes
pueden afectar la forma en que los colores se ven y se mezclan entre sí. Por ejemplo, el color puede
aparecer de manera más vibrante en un lienzo blanco brillante en comparación con un lienzo de
color natural. Además, la elección del soporte puede influir en la manera en que se aplica el color y
la textura final de la obra.
En resumen, el formato y las dimensiones de una obra de arte tienen un impacto significativo en su
composición y en la forma en que se percibe. La elección del tamaño, el soporte y la relación con el
color son decisiones importantes que los artistas deben tomar para comunicar eficazmente su visión
creativa.

Funciones del color y la textura en la composición: El color y la textura son elementos

fundamentales en la composición visual. El color puede transmitir emociones, establecer relaciones
espaciales y crear un sentido de armonía o contraste dentro de la obra. Por otro lado, la textura
puede agregar profundidad, interés visual y tactilidad a la obra. La dimensión de la superficie
también juega un papel importante en la forma en que se perciben y se interactúa con el color y la
textura en la composición.
El color, la textura y la superficie aplicado en diferentes entornos La función del color, la textura y
la dimensión de la superficie pueden variar según el entorno en el que se presente la obra. Por
ejemplo, una obra de arte exhibida en una pantalla de monitor puede tener requisitos diferentes en
términos de brillo, contraste y resolución de color en comparación con una obra expuesta en una
pared de un salón de clases. Del mismo modo, la forma en que se percibe y se interactúa con una
obra de arte en una prenda de vestir o un pasacalle puede diferir significativamente de la
experiencia en otros entornos. Es importante considerar estas diferencias al crear y presentar obras
de arte en diferentes contextos.
2°ES
La composición en el arte se refiere a la organización y disposición de elementos visuales dentro de
una obra para lograr un efecto estético y comunicativo específico. La composición es fundamental
en todas las formas de arte visual, incluyendo la pintura, la escultura, la fotografía, el diseño gráfico y
la arquitectura. Algunos de los elementos principales que componen la composición artística
incluyen:
Línea: Las líneas pueden ser rectas, curvas, diagonales, horizontales o verticales. Estas pueden dirigir
la mirada del espectador o definir la forma y estructura de la obra.
Forma: Las formas son áreas delimitadas por líneas o bordes. Pueden ser geométricas (como
círculos, triángulos, cuadrados) o orgánicas (formas naturales).
Espacio: Se refiere a la sensación de profundidad dentro de la obra. Puede ser bidimensional (altura
y anchura) o tridimensional (añadiendo profundidad).
Color: El color puede ser utilizado para evocar emociones, establecer un estado de ánimo o enfatizar
elementos específicos dentro de la obra.
Textura: La textura se refiere a la calidad superficial de los objetos representados. Puede ser suave,
áspera, rugosa, etc.
Equilibrio: Es la distribución visual de peso dentro de la composición para crear armonía. Puede ser
simétrico (equilibrado) o asimétrico (desigual).
Proporción: Se refiere a la relación entre las diferentes partes de la obra y cómo estas se relacionan
entre sí.
Énfasis: Es el punto focal o el área de mayor interés dentro de la composición que guía la atención
del espectador.
Ritmo: La repetición de elementos visuales a lo largo de la obra para crear un sentido de
movimiento y flujo visual.
Contraste: La diferencia entre elementos visuales, como color, forma o tamaño, que crea interés y
drama en la obra.
Estos elementos pueden combinarse de diversas maneras para crear composiciones únicas y
expresivas que transmitan mensajes, emociones o ideas específicas al espectador. La habilidad del
artista para manipular estos elementos juega un papel crucial en la efectividad y el impacto de la
obra de arte.
Encuadre
Es el fragmento seleccionado por la vision del artista para reflejar en su obra de arte.
Coherencia de composición a partir de la puesta en cuadro
La coherencia en la composición se logra cuando todos los elementos dentro del encuadre trabajan
juntos para transmitir un mensaje o una sensación específica. Esto implica tomar decisiones
conscientes sobre qué incluir y qué excluir del encuadre para mantener la armonía visual y narrativa.
Análisis de formas de organización plástica y visua
Aquí entramos en el terreno de cómo se distribuyen y organizan las formas, líneas, colores y texturas
dentro del encuadre para crear un impacto visual. Es importante estudiar cómo estos elementos
interactúan entre sí para generar una composición visualmente interesante y significativa.
Identificación del Marco con la Profundidad de Campo: El marco del encuadre no solo delimita lo
que vemos, sino que también puede sugerir la profundidad en la imagen. La profundidad de campo
se refiere a la distancia entre el objeto más cercano y el más lejano que aparecen nítidos en una
imagen. Jugar con la profundidad de campo dentro del encuadre puede crear efectos visuales
intrigantes y guiar la atención del espectador hacia ciertos puntos de interés.
El Centro y el Descentrado: La ubicación de los elementos dentro del encuadre puede afectar
significativamente la forma en que percibimos una imagen. Tradicionalmente, colocar un objeto en
el centro del encuadre puede transmitir estabilidad y equilibrio, mientras que descentrarlo puede
generar tensión o dinamismo. Es importante explorar cómo estas decisiones afectan la
interpretación de la obra.
Marco-Límite: en Campo y Fuera de Campo: El marco del encuadre no solo establece lo que está
dentro de la imagen, sino que también define lo que está fuera de ella. Lo que decidimos incluir o
excluir del encuadre puede tener un impacto dramático en la narrativa visual. A veces, lo que está
fuera de campo puede ser tan importante como lo que está dentro, ya que invita al espectador a
imaginar lo que no se muestra directamente.