Artes Prehistorico: la figura humana

Las primeras obras de arte realizadas por el ser humano, marcas realizadas por las
personas con un objetivo estético, aparecen con la llegada del Paleolítico Superior y
la del humano Homo sapiens-sapiens, hace unos 35.000 o 30.000 años.
El arte de la Prehistoria se ha dividido en dos bloques principales, el arte mueble o
portátil abarca las representaciones realizadas sobre piezas que una persona de
complexión normal puede transportar, se ha clasificado como tal cualquier pieza con
una marca de origen humano. Por otro lado está el arte rupestre, son obras de arte
realizadas en grandes rocas o en paredes de cuevas, imposibles de mover, tiene
que ser el espectador quien se mueva a ver las figuras.
Las representaciones de seres humanos no son muy habituales en el arte
prehistórico, se pueden ver figuras masculinas y femeninas, aparecen figuras
completas, pero también parciales, y son más habituales en el arte mueble que en el
arte rupestre.
En lo que respecta al arte mueble, las más comunes son las imágenes que
representan mujeres, los retratos se consideran un tipo muy raro de representación,
cuando se habla de representaciones parciales, nos referimos a figuras que se han
interpretado como vulvas. A finales de la glaciación, aparecen numerosas siluetas
femeninas, conformando contornos estilizados.
Pero las principales representaciones femeninas y las más conocidas las
representaciones del cuerpo en la prehistoria son las Venus o "mujeres bonitas". En
estas esculturas de piedra destacan la cadera y el pecho sobre los demás
elementos. La mayoría carece de rostro y las extremidades cuando no son
ignoradas sólo se sugieren. Se trata de obras que expresan un gran manejo de las
formas. Líneas por lo general curvas definen los cuerpos de las Venus, cuyos
rasgos se han asociado con la fertilidad.
En el arte mueble son más raras las figuras que representan hombres, se hallan
muy pocas siluetas o retratos, en lo referente a las representaciones parciales, la
mayoría son signos interpretados como falos. Una gran parte de las figuras
masculinas representadas en este tipo de arte presentan características animales,
algunas partes de las figuras masculinas se transforman en animales.
Los temas también son limitados en el arte rupestre del Paleolítico Superior, y
nuevamente hay que distinguir figuras humanas o antropomorfos, zoomorfos o
figuras de animales, e ideomorfos o signos.
No es nada habitual encontrar representaciones de seres humanos en el arte
rupestre, especialmente masculinas, por ese motivo, tradicionalmente se ha
pensado que las figuras humanas pueden ser un tema tabú.
Las representaciones de hombres son escasas, existe una serie de figuras aisladas
identificadas como falos, pero son más comunes las imágenes completas
clasificadas como masculinas, catalogadas como tales por presentar pene o carecer
de pechos.
Se han encontrado también cabezas aisladas que pueden ser humanas, trabajadas
de frente o de perfil. De vez en cuando también se encuentran escenas de coito, o
situaciones en las que el hombre aparece como víctima, muchas veces esas
imágenes aparecen asociadas a representaciones de caballo.
Las representaciones de mujeres son más numerosas que las masculinas, pero no
habituales. Se trata a menudo de representaciones parciales, por ejemplo triángulos
con el vórtice hacia abajo y atravesadas por una raya en la mitad, que se han
interpretado como vulvas, aunque también hay vulvas de aspecto más naturalista.
En ocasiones, aparecen grietas de la roca (vulvas) o salientes (pechos) coloreados
en rojo o negro.
Hay pocas representaciones femeninas realistas y las que hay aparecen
relacionadas con el bisonte o el mamut. Cuando aparecen siluetas estilizadas, se
representan frecuentemente sin cabeza o piernas, marcando mucho la línea de los
glúteos.
Las improntas de manos son imágenes que llaman la atención en el arte rupestre,
no son muy habituales, tienen una cronología muy concreta, se limitan al
Gravetiense, y pueden ser un buen elemento de datación.
Esas manos aparecen pintadas en rojo y en negro, se ven en grupos homogéneos,
aisladas o acompañadas de animales, y muestran posiciones diferentes, se piensa
que pueden ser parte de un código comunicativo.
Atendiendo a la técnica utilizada para trabajarlas, se distinguen manos directas o
positivas e indirectas o negativas. Las directas se obtienen metiendo la mano en la
pintura y plasmándola enla roca. Paraobtener las indirectas, se pone la mano en la
pared limpia y se pinta por encima con una especie de spray obtenido con una
técnica llamada aerógrafo, de esa forma, mientras la marca de la mano queda en
blanco, lo que aparece pintado es el contorno.

Edad Antigua
Egipcios
En el arte de la pintura egipcia, la figura humana fue dibujada esquemáticamente,
así que no fue del todo de una forma realista, porque su intención no era retratar tal
cual al personaje como era visto en la vida real, la terrenal; su pretensión era
proyectar su esencia. Las imágenes de los egipcios debían perdurar después de la
muerte y los creadores de dichas pinturas tenían un código de reglas en las que se
basaban al realizar el trabajo artístico.
Las figuras humanas esculpidas o pintadas presentaban rasgos indefinidos y no era
en sí la representación de una persona en particular. Tal vez sea por ello que no
presenten tantos rasgos físicos a detalle. Si tenían un modelo de inspiración, no se
basaban en las características individuales concretas y la apariencia de las figuras,
ya fueran masculinas o femeninas resultan ser indefinidas, pero eso sí, proyectan
juventud.
En el arte egipcio, se dibujaban las formas estilizadas y simplificadas con contornos
a base de color y casi siempre las figuras masculinas eran pintadas con rojo ocre,
mientras que las figuras femeninas de amarillo ocre. Encontramos muchas obras de
arte donde los cuerpos solían retratarse de perfil; sin embargo, un detalle misterioso
es que tanto el busto como los hombros y el ojo aparecen de frente (no así las
piernas y pies que sí están de perfil).
La representación humana estaba regulada por unas estrictas proporciones que
tienen a la mano y al brazo como módulo de las demás medidas.La imagen de la
figura humana debe contener todas las partes a la vista de forma que no parezca
estar mutilada. Esto ocurre porque la representación tiene un carácter simbólico y
mágico y cualquier daño en la imagen puede repercutir en la persona representada.
Grecia
Representación de la figura humana en la pintura griega
Periodo Histórico y Características Artísticas
● Es un estilo elaborado por los antiguos artistas griegos
● Esta establece los fundamentos de la cultura occidental. De ella surgieron los
conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.
● Es un arte que esta de acuerdo con la realidad.( es realista )
● Idealiza a la figura humana
● Arte que se puede estudiar por artistas, tanto en la arquitectura como en la
escultura
● Recrea el «mundo ideal» y la «imitación de la naturaleza».
El tema de la representación humana en la pintura griega es parte del arte Clásico
ya que, el arte clásico se denomina por ser un arte que parte de la influencia de la
sociedad humanista. En este caso una de las cosas más importantes para la
población en la época del arte clásico era la belleza y la realidad. Por ello, los
artistas representaban las cosas de manera que parezca real y sea bello. En la
pintura griega uno puede ver que ellos representaban a las personas más bonitas
de lo que eran y guardando una perfecta proporción. Esto se debe a que para los
griegos había un vinculo entre las matemáticas y la belleza pues les pareció que lo
simétrico era más bello. A inicios del arte griego hubo influencia de la cultura egipcia
la cual pertenece al arte simbólico pero poco a poco se fue perdiendo pues se
dieron cuenta que la figura humana debía ser proporcionada real y bella por lo que
decidieron ser más detallistas en sus figuras.
La representación de la figura humana en la pintura griega, empezó con la
representación de los dioses. Estas imágenes idealizaban al ser humanos. A partir
de esto, se fue abandonando lo oriental, todo lo relacionado a la naturaleza. El
concepto de la belleza, es muy importante para los griegos al realizar su arte. Este
concepto estaba relacionado con las matemáticas, ya que la simetría y la proporción
llevaban a la perfección, y eso era lo que ellos querían demostrar en sus esculturas.
Su arte era muy realista, ya que, lograban expresar los gestos, movimientos,
expresiones, sentimientos que ellos querían. La técnica más usada era la de bulto
redondo*, porque con ella podían realizar la perfección de los cuerpos humanos.
Edipo y la Esfinge de Tebas
• Pintura que a simple vista puede causar la sensación de ver a un señor,
aparentemente de avanzada edad, que está conversando con ella, y por la posición
en la que está el hombre parece que está disfrutando mucho de la conversación, ya
que aparenta estar muy cómodo y relajado. Por su forma y el uso de los colores
podemos concretar que fue hecha en el período Arcaico, una de las clasificaciones
de la pintura en Grecia que se caracterizaba por el uso del color negro. La obra está
basada en un contexto religioso, ya que, está basada en una mitología, donde se
decía que la esfinge era el ser más sabio que habitaba en el mundo, y las personas
solían concurrir a ella, una vez que las personas estaban con ella, la esfinge les
decía cierto acertijo, si lo respondían bien, la esfinge moría, sino la persona que no
pudo responder correctamente al acertijo tenía el cruel castigo de la muerte. Pero
esta obra nos muestra a la única persona que pudo resolver al acertijo y que hizo
que la esfinge muriera, ya que pudo responder sabiamente al acertijo. Osea a
Edipo.
El tema de la obra es la olimpiada en Atenas. Esta pintura representa a un joven
griego antes de lanzar un aro. Como se puede ver el joven está desnudo pues en la
antigua Grecia era una costumbre participar desnudo en las olimpiadas esto se
debe a que para los griegos era muy importante exhibir sus cuerpos como símbolo
de perfección. Del mismo modo el artista de esta obra represento al personaje de
manera que se le notaran los músculos y se aprecie la proporción del cuerpo para
que se vea bello y perfecto. El rostro del atleta se muestra tranquilo y sereno pues
ya había ganado la competencia, ya que en su cabeza porta una corona de hojas de
olivos y ese premio le daban a los que ganaban. Además, en la mano izquierda el
competidor esta cogiendo a un gallo lo cual da evidencia de la victoria puesto a que
cuando un atleta conseguía la victoria le otorgaba al dios Zeus un animal como
agradecimiento.
Esta obra es una pintura en cerámica se utilizó el color plano es decir que no us
negro para el fondo y naranja para la escena. La pose del personaje muestra
equilibrio porque tiene una pierna adelante que es la pierna que indica la dirección y
la pierna de atrás apoya el pesó para que no se caiga al momento de lanzar el aro.
Es una composición cerrada pues todo esta centrado en una sola actividad y en un
solo personaje. En cuanto a la textura táctil se puede decir que es liso pues cuando
lijan y pintan la cerámica uno pasa su mano y avanza fácilmente.
Romanos
Desde el principio de su civilización, los romanos hicieron gala de una gran
genialidad para los retratos realistaesculpidos y desarrolllaron el gusto por mostar
escenas narrativas históricas.
El arte romano se centra más en Roma conquistadora y urbanista. Los romanos se
desmarcaron de la tendencia griega y exaltaron a los propios hombres. Se
destacaba la república y el imperio, los bustos, esculturas de gobernadores y
políticos , retratos de emperadores y arcos triunfales.
Se intentó representar a los personajes de forma más realista por lo cual se empezó
a tomar más en cuenta los detalles y rasgos. Se observan detalles como los ojos, la
barba y el cabello.
También se notaba una incongruencia entre la cabeza y el cuerpo, cuando las
facciones y expresiones de la cara mostraba signos de envejecimiento, el cuerpo
daba la impresión de una fuerza, una belleza y juventud eterna lo cual se debe a la
atención al detalle en los rostros con el fin de poder identificar al personaje.
Al momento de retratar o esculpir un cuerpo humano se tenía en cuenta
características como la asimetría y la postura.
Buscaron también la unidad y la integración al mostrar juntas a varias personas de
diferentes edades o jerarquías políticas.

Edad Media
Durante la Edad Media, en Occidente, los pintores se inspiraban tanto en la Biblia
como en los libros hagiográficos. En algunos casos también mostraban a grandes
personajes, como papas, emperadores y soberanos. Así encontramos un amplio
abanico de figuras humanas que adornan frescos y tablas.
Sin embargo, estas figuras no logran convencer ni pretenden hacerlo. Las figuras
que suelen pintarse de pie o de frente. Inmóviles y en posturas solemnes
(hieráticas), portan ropajes que apenas muestran las características físicas y
aunque tienen sexo, sus atributos son apenas distinguibles. Igualmente inútil
resultaría discernir la belleza de la fealdad en un cuadro pintado entre los siglos V y
XIII
Esta falta de realismo estaba asumida. La finalidad de la pintura en la Edad Media
no consistía en imitar la realidad. Procuraba la representación de repertorios en
donde las personas, la mayoría analfabetas; que los contemplaban, veían
representados grandes episodios de la historia o de la historia sagrada. Además, el
fin de estas obras, en su mayoría no era otro que el de incitar a los fieles a la
devoción y a la contemplación.
Por último, la posición y gestualidad de las figuras representadas. Durante la edad
media, Dios y los santos se pintaban de frente, sentados en tronos o solos y de pie.
El perfil es menos frecuente y se utilizaba en figuras que supuestamente se
desplazaban. En los primeros intentos de dar vida a la figura de la edad media.
Encontramos algún gesto como piernas cruzadas o de pies, uno encima de otro[3]
que eran posturas incómodas o forzadas y que procuraban no distraer la
representación del rostro. Estos primeros ejemplos de realidad física constituyen el
sustrato en el que germinará el estudio del cuerpo humano que desarrollamos en
este trabajo y que estamos ya en disposición de comenzar.
Las representaciones de la Virgen mostraban ya la figura de una mujer dejando
adivinar bajo su vestido unos senos contundentes y unos fuertes muslos. Es ahora
cuando atributos como la edad, el cabello, la corpulencia de los personajes permite
una diferenciación clara, definitiva.
Las figuras experimentan emociones que se reflejan en los gestos, sobre todo en
obras corales, en las que comparecen muchos personajes. En ellas, cada uno
muestra una actitud.