¿Qué es el ARTE? ¿Quién define el ARTE?

A continuación, compartimos algunas citas de personajes que a lo largo de

la historia tuvieron algo que decir con respecto al arte:
“El arte es magia liberada de ser verdad” Theodor Adorno (1903-1969)
filósofo alemán de origen judío.
“Se reconoce la obra de arte por su vida propia. La obra de arte que no tiene
vida no es obra de arte”. MathíasGoeritz (1915-1990). Escultor, poeta,
historiador de arte, arquitecto y pintor mexicano de origen alemán.
“El arte para mí, es un acto humanitario y conlleva la responsabilidad de
crear un efecto en la humanidad, de hacer del mundo un lugar mejor” Jeff
Koons (1955). Escultor, pintor, fotógrafo, artista de instalaciones y
diseñador.
“El arte es la única tarea suprema y actividad metafísica en esta vida”.
Friedrich Nietzsche (1844-1950). Músico, poeta y filósofo alemán.
“Los espejos se emplean para verse la cara, el arte para verse el alma”.
George B. Shaw (1856-1950). Dramaturgo y crítico irlandés.
“En el arte, como en el amor, la ternura es lo que da fuerza”. Oscar Wilde
(1854-1900). Escritor, poeta y dramaturgo irlandés.
“El arte es una forma particular bajo la cual el espíritu se manifiesta” George
W. F. Hegel (1770-1831) filósofo alemán
“La forma en que uno ve depende de un estado emocional de la mente. Esta
es la razón por la que un motivo puede ser visto de muchas maneras, y esto
es lo que hace que el arte sea tan interesante” EdvardMunch (1863-1944),
pintor y grabador noruego.

Y para vos, ¿qué es el ARTE?

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 Punto y línea sobre el plano – Kandinsky
Uno de los métodos para comprender la visión humana desde el punto de
vista del arte fue propuesto por Vassili Kandinsky.
Kandinsky fue un artista plástico nacido en Moscú, Rusia, en 1866, quien
además de su obra artística publicó varios libros de análisis del arte. En
“Punto y Línea sobre el Plano” Kandinsky distingue tres elementos básicos:
el punto, la línea y el plano, que son analizados en profundidad.
El punto

Un punto sobre un plano

“El punto es el elemento primario de la pintura. Es la unidad más simple de
la imagen.
En el punto se sitúa el origen de la obra artística y es el origen del resto de
las formas naturales, no hay nada por debajo de él. No es ni un punto
geométrico ni una abstracción matemática. El punto es la forma más
concisa, más breve posible. Es tensión en sí mismo, sin dirección.”
“Podemos pensar en el punto como un círculo muy pequeño, pero en
realidad está condicionado por la herramienta con la que se lo haga. El
punto es percibido en relación al plano que lo contiene. Repitiendo el punto
y cambiando su tamaño y forma podremos alcanzar diferentes sonoridades
visuales.”
Kandinsky compara también el punto a una nota musical aislada, que
puede repetirse y variar de expresión.

2
 La línea

Línea sobre plano

La línea es la sombra que deja un punto al desplazarse en cualquier
dirección. Una línea es también el producto de una fuerza que se ha
aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o el pincel
por el artista. La línea es más dinámica que el punto y se puede dividir en
distintos tipos:
★ Línea homogénea: mantiene un mismo grosor en todo su recorrido.
★ Línea curva ondulada: en su recorrido va cambiando de dirección a
través de ondulaciones.
★ Línea quebrada: en su recorrido va cambiando de dirección a través
de segmentos rectos, generando vértices.
★ Línea discontinua: en su recorrido se corta, pero el ojo completa
visualmente el espacio vacío.
★ Línea texturada: se conforma a través de pequeñas formas, grafismos,
figuras.
★ Línea valorizada o modulada: en su recorrido cambia el grosor.

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 El plano básico

Plano básico
Es la superficie que recibe el contenido de la obra.
Kandinsky describe al plano delimitado por dos líneas horizontales (frías) y
dos verticales (cálidas). Su forma básica es el cuadrado.
El plano da dos posibilidades para colocar los elementos: una es que estén
colocados de tal forma que fuercen el sonido del plano y sus límites, y la
otra es que los elementos se encuentran sueltos en el plano, llegando a
flotar y sin conocer límites precisos.
Una de las formas de conseguir sonoridad en la imagen es a través de la
distancia entre las formas y los bordes.
La cercanía al borde aumenta el sonido dramático de la construcción, el
mayor acercamiento al centro le presta un sonido más lírico.
Cuando las rectas son reemplazadas por curvas, la suma de los sonidos
visuales aumenta.

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 Texturas
La textura es un recurso artístico, utilizado para generar distintas
sensaciones visuales o táctiles.
Las texturas visualesson aquellas que podemos percibir a través de la vista
y que se utilizan para simular la calidad o propiedad de un material, objeto,
etc. (si es rugoso, pinchudo, suave, rasposo, etc).
Ejemplos de texturas visuales creadas:

La textura táctil es aquella que se percibe a través del tacto, superficies o

elementos que al tocarlos los percibimos como rugosos, suaves, nos raspan,
a veces simplemente sobresalen de una superficie.

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 Arte Abstracto
El arte abstracto es una forma de expresión de sentimientos artísticos que
no utiliza figuración y propone una nueva realidad distinta a la natural. Usa
un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que
puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Es
decir que, en el arte abstracto no se representa nada de la realidad, no hay
elementos de referencia como objetos, animales, personas. Ejemplos:

PietMondrian Obra de Kandinsky

Obra de Jackson Pollock Obra de Marta Minujin

Arte Figurativo
Arte figurativo, figurativismo o arte representacional es el arte que, al
contrario del arte abstracto, se define como la representación de figuras,
entendiendo estas como objetos identificables mediante imágenes
reconocibles; siendo éstas verosímiles (realismo artístico), o con cierta
distorsión de la realidad. En ella se reconocen figuras, objetos, personas,
paisajes, etc. Ejemplos:

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 Obra de Vincent van Gogh Obra de Aída Carballo

Obra de EduardMunch Obra de Pablo Picasso

Colores Primarios y secundarios

La principal diferencia entre los colores primarios y secundarios es que los
colores secundarios surgen de la mezcla de los colores primarios, mientras
que los primarios no pueden obtenerse de ninguna mezcla.

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 El color: monocromía, complementarios, cálidos y
fríos
Círculo cromático: formado por los colores primarios (rojo, azul, amarillo),
colores secundarios, surgen de la mezcla de los primarios (naranja, violeta y
verde) y colores terciarios que surgen de la mezcla de un primario con un
secundario.

Podemos diferenciar distintos aspectos y propiedades que tienen los colores.

★ Colores complementarios: son los opuestos (enfrentados) en el
círculo cromático:
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 Amarillo - Violeta
Verde - Rojo
Azul - Naranja
★ Monocromía: es un color desaturado con blanco (desaturar: quitar la
pureza al color)
La siguiente escala de azul como pierde saturación a medida que se
agrega blanco, logrando distintas tonalidades de ese color:

★ Colores cálidos: son los que referenciamos con el sol, el verano, el

fuego, el calor:
Amarillo, naranja, rojo, etc.
★ Colores fríos: son los que referenciamos con el frío, el agua, el
invierno, el hielo:
Azul, verde, violeta, etc
División del círculo cromático de acuerdo a colores fríos y cálidos:

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 Tonos Acromáticos y escala de grises
Cualquier color que carece de fuerte contenido cromático se dice que es
insaturado, acromático, o neutral. Los colores acromáticos puros incluyen
negro, blanco y todos los grises; los neutrales incluyen marrones, tostados,
pasteles y colores más oscuros.

Figura - Fondo
Formas, colores y texturas rodean los objetos que observamos, les sirven de
marco y generan contrastes que los hacen resaltar o similitudes que los
hacen fundirse uno con otro. La relación entre las cualidades visuales de los
objetos y las de aquello que los rodean es lo que en Plástica se denomina
relación figura-fondo.

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Figura simple - Fondo complejo Figura compleja – Fondo simple

Figura compleja - Fondo complejo Figura simple - Fondo

simple

Indicadores de espacio
En el lenguaje visual existen algunos indicadores de espacio que son
recursos que se utilizan para dar profundidad a una imagen. Cuando
queremos representar en la bidimensión algo que está lejos, podemos
utilizar algunos de los siguientes recursos:
1) Disminución de tamaño 3) Diagonal de alejamiento
por alejamiento 4) Superposición
2) Disminución de detalle por 5) Transparencia
alejamiento 6) Perspectiva atmosférica
1) 2)

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3) 4)

5) 6)

Técnicas y conceptos artísticos

El dibujo valorizado: La luz y la sombra
¿Qué es el dibujo?
El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda
plasmada una imagen, sobre un papel, lienzo o cualquier otro material,
haciendo uso de diferentes técnicas. El dibujo es una forma de expresión
gráfica en un plano horizontal, o sea en dos dimensiones. Es también una
de las artes visuales.
¿Qué es la luz y la sombra en el dibujo artístico?
La luz en el dibujo no es más que ese máximo punto de claridad que existe
en un dibujo al momento de realizarlo, gracias a ella se pueden observar los
colores y texturas de los diversos objetos de la naturaleza.
La sombra en el dibujo, no es más que la variación de luz o ausencia de luz,
se destaca en aquellos lugares donde la luz que se quiere agregar al dibujo
no debería de llegar.

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 La técnica que combina las luces con las sombras se denomina claroscuro.
El claroscuro no es más que la sensación de volumen producido por el juego
de luz y de sombra sobre los objetos.

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Caligramas
Un caligrama es un tipo de poesía en el que lo escrito se combina con el
aspecto visual del poema, de manera tal que la caligrafía y la disposición de
las palabras construyen sobre la superficie de la página una imagen
alegórica al poema. Dicho de otro modo, se trata de poemas en los que las
palabras conforman una imagen y contribuyen visualmente al sentido de lo
dicho. Por esa razón, se considera que los caligramas forman parte de la
llamada poesía concreta o poesía visual.

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Grabado
El grabado es un arte gráfico, formado por distintas técnicas de impresión.
Destaca por imprimir diseños, letras o imágenes artísticas, utilizando
superficies duras para el proceso. Se trata de una disciplina antigua, que
utiliza en sus técnicas matrices de roca, madera o metal, para transferir por
presión estampados muy duraderos en materiales como el papel o la tela.

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Fotomontaje
El fotomontaje es una combinación de varias fotografías unidas para lograr
un efecto artístico determinado o para mostrar varias ideas en una sola obra
de arte. Las imágenes en el fotomontaje se logran cortando, pegando,
arreglando y superponiendo dos o más fotos o reproducciones de fotos
juntas, a veces en combinación con otro material no fotográfico como texto u
otras formas abstractas.

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Libro de artista
El libro-arte (también, libro objeto o libro de artista) es una pieza de arte
creada por un artista visual cuyo concepto implica que la obra tiene que
mantener alguna conexión de ideas, como es la presentación del material en
relación con una secuencia que dé acceso a sus contenidos. Esta definición
entre flexible o imprecisa y amplia o rica entorna el formato hacia una
caracterización de piezas concisas y limitadas conceptualmente hacia lo que
quiera reflejar el artista.

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Arte Objeto
El arte nace de la necesidad de expresarnos; por lo tanto, no hay ninguna
regla que nos limite cuando queramos usar nuestra creatividad.

Si no hay reglas en el arte, esto significa que podemos utilizar cualquier

objeto para crear una obra artística, incluso los más cotidianos, como, por
ejemplo, una rueda o una silla. Aunque parezca difícil de creer, existen
obras con materiales que nunca asociarías con el arte y aún así han
encontrado un espacio dentro del arte objetual.

Precisamente, al permitirnos crear con todo lo que tenemos a nuestro

alrededor, el arte objeto o arte objetual nos invita a cuestionarnos cuáles
son los verdaderos criterios que determinan que una obra sea considerada
como una pieza artística.

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Puntualmente, en 1913, Duchamp creó la primera
obra de arte objetual llamada “Rueda de bicicleta”,
que es simplemente una rueda de bicicleta
invertida insertada dentro de un banco de madera;
obra que, a palabras del artista, no tenía ninguna
razón concreta para crear. Así, se pondrían los
cimientos de lo que más tarde se conocería como
el arte objetual.

Fanzine
Un fanzine es una pequeña revista o publicación hecha con materiales
caseros sobre un tema de interés de quien lo hace. FAN: hace referencia a
ser fan de algún tema. ZINE: hace referencia a magazine (revista).

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 Bidimensión y tridimensión
Las imágenes bidimensionales poseen dos (bi) dimensiones, alto y ancho, se
desarrollan en soportes planos por medio del dibujo, la pintura, el grabado,
la fotografía, el cine, el video, aunque algunas puedan sugerir, gracias a
diferentes recursos estéticos (perspectiva, claroscuro, indicadores de
espacio), la tercera dimensión. En las imágenes tridimensionales podemos
apreciar de manera tangible el volumen, poseen las tres dimensiones del
espacio (alto, ancho y profundidad): maquetas, relieves, escultura y
arquitectura. Ejemplos:

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 Principales Movimientos Artísticos Contemporáneos
El impresionismo
La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX en
Francia y quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar
demasiado la identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se
definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica
que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario.
Se experimenta pintar en nuevos espacios, los artistas salen de sus talleres
y abocan su obra a pintar al aire
libre. A su vez, en esta misma época
nace la pintura envasada, lo cual
cambia rotundamente la vida del
artista pintor quien ya no se ve
obligado a fabricar la totalidad de
sus materiales de trabajo.
Resumiendo, este movimiento se
caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar («todo color es relativo a
los colores que le rodean»), el hecho de no ocultar la pincelada, y por
supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el color. De esta manera
las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a la que están
sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz arrojada sobre
ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.

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Por ello, y a partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon, los
impresionistas se centraron en la pintura al aire
libre, buscando plasmar el cambio de la
luminosidad, el instante.
La primera obra considerada emblemática del
movimiento es una pintura de Monet llamada
Impresión, sol naciente. Fue Louis Leroy, crítico
de arte, quien utilizó la palabra «impresión» para
dar un nombre peyorativo al grupo, considerando
que sus obras eran inconclusas, una mera
impresión lejos de la realidad.

Postimpresionismo
Estéticamente no hay un rasgo definitorio que una a estos autores, pero en
general todos los postimpresionistas utilizaron colores vivos, pinceladas
poco discretas y unas temáticas basadas en la vida real.
Todos ellos intentaron también dar un paso más en cuanto emoción y
expresión a la pintura y todos presentaron una visión particular de la
naturaleza, una visión subjetiva del mundo.
El término postimpresionismo nace en 1910,
cuando se hace una exposición en Londres
comisariada por el crítico Roger Fry llamada
precisamente así para unificar un poco la
muestra de cuadros de Van Gogh, Gauguin,
Seurat y Cezanne.

Realismo
El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fue la
representación objetiva de la realidad basada en la observación de los

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aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época. Esta
contemporaneidad facilitó a los artistas un amplio campo de representación.

El expresionismo

El expresionismo fue un
movimiento de vanguardia
surgido en Alemania a principios
del siglo XX, coincidiendo con el
fauvismo francés. Los
expresionistas alemanes no
escatimaron en mostrar lo morboso, lo prohibido, lo
obsceno.
El expresionismo viene a ser una deformación de la
realidad para expresarla de forma más subjetiva
(aunque, en definitiva, esa puede ser una definición
válida del arte: una deformación de la realidad). Se
pretende mostrar sentimientos, emociones, algo que
ilustre la naturaleza y el ser humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los
principios del arte (ahí tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El

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Greco, por citar solo algunos), pero fue en esta atmósfera pre-bélica de
Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación
y nivel intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e
intuitivo, donde predominará la visión interior del artista, “la expresión”
frente a la plasmación de la realidad, “la impresión”.
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte,
el sexo. Una forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con
una visión trágica del ser humano en la que el individuo va a la deriva en la
sociedad moderna, industrializada, donde se ve alienado y aislado.

Expresionismo Abstracto
El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico que surgió en los
años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el
mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense
dentro del arte abstracto.
Dentro de este movimiento se encuentra la ActionPainting («Pintura de
Acción» o «pintura en acción», también traducido como «pintura gestual»),
término acuñado por el crítico Harold Rosenberg en el año 1952 para
referirse a la obra de artistas como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de
Kooning.
Al expresionismo abstracto también
se lo conoce como Escuela de Nueva
York, pero esta denominación abarca
otras artes (música, diseño, poesía,
teatro). Pueden señalarse como
características formales de este estilo,
en primer lugar, su preferencia por
los grandes formatos. Trabajaban
normalmente con óleo sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en el
sentido de que eliminan la figuración.
No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos,
apareciendo figuras reconocibles.
Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la
concepción de la superficie de la pintura como allover (cobertura de la

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superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del
cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre
las distintas partes de la tela.
Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos,
presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que
actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas
obras.
Los expresionistas tomaron del surrealismo aquello que de automático tenía
el acto de pintar, con sus referencias a los impulsos psíquicos y el
inconsciente. Pintar un cuadro era menos un proceso dirigido por la razón y
más un acto espontáneo, una acción corporal dinámica. Les interesó, pues,
el «automatismo psíquico» que hiciera salir de su mente símbolos y
emociones universales.

Cubismo
Se conoce con el nombre de cubismo a un movimiento artístico del siglo XX
que irrumpió en la escena artística europea en 1907, marcando un fuerte
distanciamiento respecto a la pintura tradicional y sentando un precedente
vital para el surgimiento de las vanguardias artísticas.
Su estilo característico explora una nueva perspectiva geométrica de la
realidad, mirando los objetos desde todos los puntos de vista posibles, lo
cual fue una ruptura con modelos pictóricos vigentes desde el Renacimiento.
El término “cubismo” no obstante no fue propuesto por los propios pintores,
sino por el crítico Louis Vauxcelles, el mismo que en su momento puso
nombre al fauvismo, quien luego de acudir a una exposición de Georges
Braque (francés, 1882-1963) afirmó que sus obras “reducían el paisaje y el
cuerpo humano a insípidos cubos”, y procedió entonces a hablar del
cubismo. Al respecto afirmaría luego el pintor español Pablo Picasso,
considerado máximo exponente del movimiento, que “Cuando hacíamos
cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino
únicamente de expresar lo que teníamos dentro”.

Cubismo analítico (1909-1912)

El cubismo analítico o cubismo hermético fue la etapa inicial del

movimiento, cuyas pinturas eran casi todas monocromas y grises, enfocadas

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en el punto de vista. Este enfoque
era tal, que en muchos casos las
obras se volvían prácticamente
abstractas, ya que los planos se
hacían irreconocibles e
independientes del volumen del
objeto pintado.

Cubismo sintético (1912-1914)

El cubismo sintético añade color a la
tendencia cubista hasta entonces
monocroma.
El segundo período del cubismo nace a raíz
de la tendencia de Braque a incorporar, a
partir de 1912, números y palabras en sus
cuadros, así como la utilización de maderas, papeles decolorados y otros
materiales. Ese mismo año Picasso realiza su primer collage, y esta
incorporación de otros elementos añade color a la tendencia cubista hasta
entonces monocroma. Los cuadros cubistas se vuelven entonces más
figurativos y por ende más sencillos de interpretar, más dóciles, y en ellos
los objetos son reducidos a sus características elementales, en vez de a
volúmenes y planos superpuestos.

Surrealismo
Se conoce como surrealismo a un importante
movimiento artístico y estético nacido en
Francia en la década de 1920. Este movimiento
gozó de una amplia popularidad durante
décadas y tuvo vertientes literarias,
cinematográficas y en las artes plásticas. El
término surrealista proviene del francés y
significa literalmente “por encima” (sur-) del
realismo (réalisme), lo cual supone que los surrealistas intentaban crear un
arte que fuera más allá de las perspectivas limitantes del realismo.

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 El surrealismo se nutrió de muy diversas
fuentes estéticas y filosóficas, y sobre todo el
influjo de las teorías psicoanalíticas de
Sigmund Freud, cuya perspectiva en torno a
la mente humana y la dinámica de los
sueños sirvió de base a los surrealistas.
Lejos de ser un movimiento estable y
uniforme, el surrealismo se afianzó en la
búsqueda e innovación en cuanto a técnicas
artísticas, construcción de objetos y perspectivas pictóricas.
El surrealismo aspiraba a romper las barreras de la mente consciente,
aproximándose a eso que Sigmund Freud denominó “el inconsciente”. Para
ello aspiraba a la reproducción del ambiente de los sueños
fundamentalmente.

Dadaísmo
Se entiende por dadaísmo, movimiento dadá o simplemente dadá a un
movimiento artístico-cultural surgido en la Suiza de inicios del siglo XX con
la intención expresa de rebelarse en contra de las convenciones literarias y
artísticas que consideraba burguesas. Este movimiento luego se extendió a
los campos de la escultura, la pintura e incluso la música, pasando a
llamarse sus manifestaciones como arte dadá.
El término dadaísmo proviene del vocablo “dadá”,
inventado por sus fundadores, en el cual resumía la
filosofía del movimiento: la apuesta por el absurdo,
por el sinsentido y por la oposición a todo lo que
remitiera a una perspectiva racionalista de la vida.
En ese sentido, se consideró al movimiento dadá
como un “antiarte” o
un movimiento
anti-estético, para el
que eran muy
frecuentes los gestos y
los actos, tanto como
las obras mismas. Es
decir, se trataba de un movimiento con espíritu
de negación, de llevarle la contraria y provocar
al orden establecido.

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Se planteaba como un cuestionamiento constante a la existencia del arte y
de la poesía, de modo que en el fondo incluso se cuestiona a sí mismo. El
dadaísmo defendía el caos y la imperfección y se oponía a la idea de una
belleza eterna, a las leyes de la lógica y a la inmovilidad del pensamiento, y
sembró las semillas del cuestionamiento constante del arte moderno
respecto a qué cosa es o no es el arte, la poesía o la belleza. El dadaísmo era
provocador, escandaloso, y defendía el caos y la imperfección contra sus
valores contrarios.

POP ART
El Pop Art (“Arte Pop” en español) es un movimiento artístico surgido a
mediados del siglo XX (1950-1960) en Gran Bretaña y Estados Unidos, y
que constituyó una respuesta al expresionismo abstracto que imperaba en
las artes plásticas de la época.
Inspirado en la cultura de masas y el
imaginario del consumo capitalista, el Pop
Art se caracterizó por su estética popular
y comercial, que echó mano a la
publicidad, al cómic, al cine y a los
objetos de consumo más cotidianos. El
espíritu de este movimiento se resume en
la famosa obra de Andy
WarholCampbell’ssoupcans (1962), que consiste en 32 lienzos con latas de
sopa pintadas, de una marca muy popular en esa época.
Es importante entender que, al contrario de lo que a menudo se piensa, el
Pop Art no consistió en un movimiento artístico facilista, en el que todo
podía hacerse porque todo calificaba como arte. Por el contrario, era un
movimiento claramente político, que constituyó un espejo en el que pudiera
mirarse la sociedad de consumo de posguerra: todo se producía en serie,
empaquetado y listo para consumirse, de
manera masiva y vertiginosa, pero a la par
repetitiva, estandarizada. El Pop Art no es
un arte popular, es decir, no se trata de un
arte que reivindica las costumbres, el
folklore o el punto de vista tradicional de
los pueblos. Su nombre tiene que ver con
la categoría de lo “pop”, es decir, lo que se
pone de moda en la sociedad de consumo,

28
lo que figura en las portadas de las revistas y en la publicidad. Este nombre
fue empleado por primera vez para describir al
movimiento en 1956 en la revista Arc, pero su
invención se le atribuye a John McHale.
La consigna del Pop Art, tomada en préstamo del
célebre artista francés Marcel Duchamp, era que “el
arte debía ser, ante todo, inteligente”: debía invitar al
espectador a una reflexión.

Algunos artistas argentinos/as…

Antonio Berni
Antonio Berni nació en Rosario, el 14 de mayo de 1905. Después de su
primera formación artística en
su ciudad natal, aprovechó una
serie de becas para continuar su
aprendizaje en Europa. Regresó
a la Argentina en la década de
1930, época en que descubrió y
fue influenciado por el
surrealismo y el muralismo

mexicano. Luego, su interés por la realidad del

país le hizo replantear su rumbo en la pintura: se
alejó de la dimensión fantástica y se acercó a una
pintura más realista, vinculada a una defensa de
las clases sociales más desposeídas. Junto con
Juan Carlos Castagnino, Enrique Policastro y
Carlos Giambaggi fundó el Nuevo Realismo, y
colaboró con David Alfaro Siqueiros, el gran
muralista mexicano, en un mural en la casa de
Natalio Botana.

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Berni experimentó con diferentes técnicas, soportes, materiales, creó los
xilo-collages-relieves. Es tan potente el influjo de Berni que hasta es posible
entender el origen del arte contemporáneo local a través de Juanito Laguna
y Ramona Montiel.
Sus obras abrevaron en todos los estilos artísticos, a lo largo de toda su
vida, y en todos fue reconocido por su excelencia y singularidad. Ramona y
Juanito Laguna constituyen dos personajes paradigmáticos de su obra, que
expresan su preocupación por los excluidos y los marginales del sistema.
Berni murió en la ciudad de Buenos Aires, el 13 de octubre de 1981. Su
obra y su modo de concebir un arte no disociado del compromiso social lo
convierten en un símbolo de la búsqueda trascendental de un mundo más
justo, solidario y equitativo.
Xul Solar
Xul Solar nació en Buenos Aires en 1887 y falleció en el Tigre, provincia de
Buenos Aires, en 1963. En 1905 estudió Arquitectura, carrera que
abandonó rápidamente. En 1912 inició un periplo europeo, que lo llevó a
conocer varias ciudades. En esa época, tomó contacto con
la obra de los expresionistas alemanes. En 1916 conoció a
Emilio Pettoruti, con quien años después, en 1924, regresó
al país. Se interesó por la teosofía y la antroposofía y
profundizó sus conocimientos en materia de astrología. En
1920 presentó su primera muestra individual en Milán.
Instalado en la Argentina, tomó contacto con el grupo
Martín Fierro e inició una larga amistad con Borges. Realizó
su primera exposición individual en el país, en Amigos del
Arte, en 1929. Hacia la década del cuarenta, creó el
panjuego, una suerte de ajedrez con base en la astrología. En su afán
espiritualista, inventó lenguas como el neocriollo y la panlingua, destinadas
a mejorar la comunicación entre los hombres. Sus obras (acuarelas, en su
mayoría), además del tinte expresionista vinculado al manejo del color,
están impregnadas de una atmósfera místico-espiritual.

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Se llamaba en realidad Oscar Agustín Alejandro Shulz Solari, pero eligió el
seudónimo Xul Solar para acercarse a la luz del sol. Todo en su obra es
luminoso y cósmico. De esos temas hablaba con Borges, quien era su gran
amigo y vecino. Los artistas se visitaban mutuamente y, cuando uno se iba,
el otro lo acompañaba de regreso a su casa, para seguir conversando.
Hablaban sobre religión, astrología y planetas, porque Xul era un visionario,
inventor de juegos y escrituras raras, pintor de imágenes únicas. Sus
acuarelas son un mundo geométrico, lleno de seres fantásticos, banderas y
máquinas voladoras. Son imágenes complejísimas, aunque parecen fáciles
de hacer. Se necesita mucha imaginación y técnica para pintar así.

Marta Minujín
Marta Minujín nació en Buenos
Aires en 1943. En 1960 recibió una
beca del Fondo Nacional de las Artes
y se mudó a Paris. En 1963 realizó
su primer happening, La
Destrucción, en un terreno vacío en

31
el Impasse Ronsin. En 1964, Minujín recibió el Premio Nacional del Instituto
Torcuato Di Tella.
A fines de la década de 1970, en la Primera Bienal Latinoamericana en Sao
Paulo, Minujín presentó Obelisco inclinado (1978) y, en 1979, Obelisco de
pan dulce, en la II Feria de las Naciones. Creó, en 1983, El Partenón de
libros -una réplica del Partenón griego, cubierta por 200.000 libros-, para
celebrar la llegada de la democracia a la Argentina, luego del horror de la
dictadura llamada "Proceso de Reorganización Nacional". Fue en 1985 que
Marta Minujín le pagó la deuda externa argentina al artista estadounidense
Andy Warhol con maíz, el "oro latinoamericano".
Diversas colecciones de suma importancia cuentan con trabajos de Marta
Minujín: el Museo Salomon R. Guggenheim (New York, EEUU), la Colección
Chase Manhattan Bank (New York, EEUU), El Olympic Park (Seúl, Corea), el
Museo de Arte Moderno La Tertulia
(Cali, Colombia), el Walker Art
Center (Minneapolis, EEUU), el
Museo de Arte Moderno (Medellín,
Colombia), el Art Museum of
theAmericas (Washington DC,
EEUU), el Museo Nacional de Bellas
Artes (Buenos Aires, Argentina), el
Museo de Arte Moderno (Buenos Aires, Argentina), colección Costantini
(Buenos Aires, Argentina) y colecciones privadas en Francia, Italia, Brasil,
Colombia, Argentina, Estados Unidos y Canadá.
Benito Quinquela Martín
La vida de Benito Quinquela Martín es una leyenda. Fue abandonado el 21
de marzo de 1890 en la Casa de Niños Expósitos, Casa Cuna, y allí se fijó su
fecha de nacimiento por aproximación: el 1 de marzo. Ese día festejaría su
cumpleaños hasta el final de su existencia. En ese orfanato viviría su
primera infancia.

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 A los ocho años llegó a su vida el matrimonio
Chinchella. Su padre adoptivo, Manuel, era
genovés y criado en Olavarría. Su madre adoptiva,
Justina Molina, entrerriana, de Gualeguaychú y
de ascendencia indígena. Tenían una carbonería
muy modesta.

Benito cursó dos años de escuela primaria y

empezó a trabajar como colaborador en la
carbonería. De adolescente ayudó a su padre en
el puerto, como estibador. "Los estibadores fueron
el sujeto omnipresente en su pintura, un universo que conocía muy de
adentro, como era esa esperanza del trabajo y también el duro padecimiento
que significaba".
El barrio de La Boca significó un especial deslumbramiento para Benito. La
Boca era una babel, no solamente por la mezcla de lenguas, sino por la
multiplicidad de culturas. Había italianos, japoneses, chinos, uruguayos,
yugoslavos, griegos, turcos, negros.
Ese incesante trajín del trabajo del puerto,
un paisaje que no se parecía a ningún otro
de la ciudad de Buenos Aires, el paisaje del
río, los entornos más agrestes de la Isla
Maciel y de algunas partes de La Boca, la
arquitectura boquense, el colorido de esa
arquitectura, originó el eterno romance
entre La Boca y Quinquela.

"Las pinturas de Quinquela no son

paisajes sino escenarios. El escenario del
trabajo, del esfuerzo, de la transformación de la obra humana. El Riachuelo
es el desencadenante de esa gran obra que deriva en ciudades pujantes, en
sueños de progreso ". Su representación va a estar cimentada en el uso de
gruesas capas de materia que tomaba lo que era el volumen del objeto

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representado. El óleo aplicado con espátula va enfatizando esas direcciones
y esos volúmenes.
Los restos de Benito Quinquela Martín fueron enterrados en un ataúd
fabricado por él, años antes, porque decía "que quien vivió rodeado de color
no puede ser enterrado en una caja lisa". Sobre la madera que conformaba el
ataúd estaba pintado una escena del puerto de La Boca. Benito Quinquela
Martín tuvo una vida muy dura de esfuerzo, de trabajo. Aun cuando se
dedicó al arte, nunca dejó de sentirse un trabajador más. Falleció el 28 de
enero de 1977.

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