PELICULAS TEORIA DEL CINE

1. Nadar en el mar (Baignade en mer, 1895) de Louis Lumière:

https://youtube.com/watch?v=vAP2_Wq7CZk
Toma estática, escena fija de muelle en la playa, se ven niños tirándose al agua de a uno, es
como ver una foto pero con movimiento. Una escena cotidiana, familiar, una escena que se ve
real, no parece actuada. Niños jugando.

2. Cristal de lectura de la abuela (Grandma’s reading glass, 1900) de George Albert

Smith:
Grandma's Reading Glass (1900) George Albert Smith
Primer plano subjetivo, vemos un niño jugando con una lupa de su abuela, el niño apunta la
lupa a diferentes cosas y vemos primeros planos que nos muestran lo que ve el niño, el diario,
la jaula de un pájaro, el ojo de la abuela, además la imagen está recortada dentro de un círculo
representando la forma de esa lupa. Hay dos planos diferentes, uno que nos muestra a la
abuela y nieto trabajando y jugando, con una toma frontal, y luego vemos esos primeros planos
subjetivos que nos muestran la visión del niño.

3. Asalto y robo al tren (The Great Train Robbery, 1903) de Edwin S. Porter:
The Great Train Robbery
El enfoque narrativo, no fue particularmente innovador o inusual para 1903, le permitió incluir
muchas técnicas populares de la época, incluidas escenas montadas en planos amplios, un
efecto mate y un intento de indicar acción simultánea en múltiples escenas. wéstern, crimen,
acción, violencia. Por aquellas fechas, sucesos espectaculares que venían de aquellas tierras
eran tratados en los periódicos como acontecimientos de actualidad, exóticos y
sensacionalistas. No pasa desapercibido, al hilo con esta observación, que el cuidado puesto
en la narrativa de esta película la acerca a los límites de la no ficción o del documental. Al
mismo tiempo, el wéstern se convirtió, desde los primeros años del cinematógrafo, en el
género más adecuado para la experimentación: por su claridad, por su inteligibilidad y por su
exposición lineal.

Trabajando para los estudios de Thomas Edison, prestó especial atención a las obras de
Georges Méliès o de la Escuela de Brighton. En realidad, Porter ha pasado a la historia para
algunos como pionero de un lenguaje institucional. Por contra, otros lo consideran como un
mero plagiador, artística y técnicamente superado por sus coetáneos franceses y británicos. En
cualquier caso, con Asalto y robo al tren, el realizador estadounidense contaba a su favor con
la verosimilitud que le otorgaban hechos que estaban sucediendo o acababan de acontecer.

principales rasgos: : la situación de la cámara, todavía muy lejos de los personajes, que no se
perfilan de manera física ni sicológica y se apoyan en una gesticulación desorbitada; la
utilización de evidentes y burdos decorados que incluso se tambalean; y ante todo, ese término
cuya fama ha saltado de década en década. Un plano medio del jefe de los ladrones que era
enviado en rollo aparte, dejando al exhibidor la elección de su colocación al principio o al
acabarse la película. Visto al final, como hemos tenido la ocasión, se convierte en un elemento
que ayuda a no clausurar la obra. El pistolero mira a la cámara y dispara a los espectadores.
No se nos ocurre un trucodie mejor para alejar a estos últimos de la diégesis. Una quiebra
profunda e inquietante que distancia irremediablemente de la identificación con lo mostrado y
quiebra el sueño de omnisciencia.
se observa un intento de expansión del espacio diegético, especialmente en exteriores. Se
puede citar como muestra la escena del robo a los pasajeros (con el tren ligeramente en
diagonal, por ejemplo). También encontramos sutiles movimientos de cámara para acompañar
la trama y un intento de sintagma alternante entre la acción de los buenos y los malos.
Igualmente, un esfuerzo de continuidad de dirección en la entrada y salida de personajes. Unas
pretensiones, en definitiva, de búsqueda de unidad narrativa, con el objetivo de crear tensión y
realismo. A pesar de la ruptura de la cuarta pared, a pesar de “la mirada prohibida”.

Sin abandonar a los espectadores, en Asalto y robo al tren, ante su reacción mayoritaria con
el plano medio del bandido disparando a cámara, podríamos situarnos en contornos
pertenecientes a la sociología del cine. El comportamiento del público, gritando o huyendo
despavorido frente al “virtual” ataque, debe ser contemplado como una reacción lógica ante un
nuevo “lenguaje”.

cortes entre tomas, las cuales eran duraderas y todas de una

4. Viaje a través de lo imposible (Voyage a travers l’Impossible, 1904) de Georges Méliès:

‪George Méliès - Journey Through The Impossible (with soundtrack by La Pêche)‬
en Viaje a través de lo imposible se hace uso de la narrativa, de las maquetas y de los efectos
especiales.

proponen realizar un viaje alrededor del mundo. Son muchos los vehículos que se crean con
este propósito, entre ellos un submarino, un coche y un largo vagón de tren lleno de hielo.
En primer lugar, suben a bordo de un automóvil llamado “El carruaje imposible”, con el que
viajan a través de las montañas, pero se estrellan y son trasladados al hospital. Después de
haberse recuperado, suben a un tren junto con sus vehículos y viajan hasta la cima de una
montaña. Subiendo cada vez más, con globos atados al tren, llegan al espacio y el Sol los
“absorbe”.

Al no haber sonido, el espectador tiene que concentrar ese sentido en particular en la película
con el fin de seguir la trama que se está desarrollando. El tren es especialmente significativo:
fue visto como un invento que, literalmente, te puede llevar a cualquier lugar, y el hecho de que
esta película utilice el tren para expresar la aventura es un símbolo de las posibilidades de
expansión de la época.

Pionero de la ciencia ficción, sol animado (astros animados con rostros era común). Georges
Méliès fue un parisino que a principios del siglo XX se convirtió en uno de los mejores
innovadores tanto narrativa como técnicamente del naciente séptimo arte. Sino que además
resultaría todo un desafío técnico, ya que su duración excedería los 20 minutos -unas cinco
veces la duración promedio de una película de la época-. el argumento, ya que el mismo se
basa a partir de una sociedad geográfica que decide viajar a través del mundo. Tengamos en
cuenta que en esos tiempos las Terrae incognitae, plagadas con sus seres espectaculares y
civilizaciones perdidas, aún se consideraban como algo posible. Sin duda alguna, un «universo
alterno» en el cual me hubiese fascinado existir. el objeto de la misma no es el mostrar la
novedad de las «imágenes vivientes», sino el presenciar la historia relatada a través de un
medio cinético -es decir la película-.fotogramas fueron pintados a mano, efecto tan
«psicodélico» del color del film. Se trata a su vez de una de las primeras ‘colorizaciones’, lo que
le agrega un considerable valor histórico.. bandas sonoras de ambas películas, y la manera
que tenían de «reciclar» partes reconocibles de piezas musicales clásicas y populares de la
época -en especial la música de cabaret, una de las «pasiones» de Méliès-.
5. El operador de Lonedale (The Lonedale operator, 1911) de David Wark Griffith:
https://youtube.com/watch?v=9iGos7nDTLs
La trama de la película involucra a una niña que se hace cargo de una estación de telégrafos
después de que su padre se enferma. Después de que se entrega la nómina de la mina del
pueblo, dos vagabundos intentan robar el dinero. Su robo se frustra porque la niña puede
telegrafiar pidiendo ayuda y luego mantener a raya a los posibles ladrones hasta que llegue la
ayuda. The Lonedale Operator incluye "elementos de romance, drama, suspenso, western e
incluso un poco de comedia cerca del final".

A diferencia de la mayoría de las películas de la época, que tenían una trama simple
ambientada en un lugar, The Lonedale Operator "intercala tres espacios principales: el interior
de la oficina de telégrafos, los criminales afuera y el tren de rescate".
Aunque el público en 1911 no estaba acostumbrado a tal edición, ya que había más de 100
tomas en la película, el uso del telégrafo les ayudó a entender el corte transversal entre
escenas de tal manera que pudieran seguir la trama.

La película también es significativa por el uso de Griffith de un primer plano de una llave, que la
niña había fingido que era un arma. En el momento del estreno de la película, los primeros
planos aún eran poco comunes. The Lonedale Operator ilustra el creciente dominio del medio
por parte de Griffith.

6. El nacimiento de una nación (The birth of a nation, 1915) de David Wark Griffith:
https://www.youtube.com/watch?v=-gXQUXaZCNs

Diferentes tipos de planos, muchos cortes, muchas escenas, muchos escenarios, muchos
personajes, fundido de imagenes cuando aparecen escenas se ilumina de a poco, y cuando
desaparece se funde en negro. Hay cuadros de texto que explican un poco lo que va a
suceder. Hay movimientos de cámara, hay primeros planos, detalles, y hay planos subjetivos.
Interiores y exteriores, guerras, clases sociales, esclavos, Ku Klux Klan, vestuarios, muertos,
cámara rápida en las batallas con caballos, dinamismo, acción, disparos con armas sale humo,
busca algo de realismo, creíble, plano de los caballos corriendo de frente.
Rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía
parecer la simple filmación de una función teatral común.1
Los planos son alternados y no siempre fijos en un solo objeto o personaje, la cámara se
desplaza continuamente durante toda la escena, los planos y tomas pueden ser totales o
parciales (el director no exige grabar todo el escenario en una misma toma), etc.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre
planos "generales" que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el
espacio donde transcurre la acción y planos "cortos" donde se aprecia el detalle constituyen la
base del modelo de Griffith.

También destacan las diversas formas de tomas que hace el director desplazando la cámara,
ya sea resaltando una vista panorámica o un elemento muy específico de la escena, y filmando
a los actores en diversos ángulos parciales para resaltar gestos o emociones (abandonando el
viejo criterio de filmar individuos solamente de cuerpo completo)

Tras un fraude electoral cometido por los libertos (y consentido por las tropas del Norte),
miembros de la familia Cameron deben huir hacia el norte para escapar de la persecución de
las nuevas autoridades, después de que una hija de este clan muere al caer de un barranco
para evitar ser violada por un liberto protegido del nuevo gobernador.
En paralelo se muestra el surgimiento del Ku Klux Klan como una "milicia" destinada tan solo a
"imponer justicia" en favor de los blancos del sur. Conforme avanza la película los hombres del
"Klan" capturan y linchan al liberto que intentó violar a la joven Cameron. Los Stoneman se
unen a la "resistencia" de los blancos del sur y en el final se presenta una tropa del Ku Klux
Klan amenazando a los libertos negros con violencias si participan en la próxima elección,
quienes ante su vista se acobardan y abandonan sus derechos.

La película presenta a los antiguos esclavos, ahora libertos, dominando las instituciones de
gobierno y reuniéndose en las asambleas legislativas solo para bailar y emborracharse. A lo
largo de la película los individuos negros son presentados de forma grotesca como ignorantes
y lerdos, ansiosos de diversión y de sexo, forzando un marcado contraste con los blancos del
Sur.

emblema pionero de las más sofisticadas técnicas narrativas y que fue, probablemente, el
revulsivo necesario para el resurgir del Ku Klux Klan (que tomó, de hecho, parte de la
imaginería creada para la película).

Tras ver las primeras reacciones, Griffith incorporó el siguiente rótulo al

inicio de la película:
“UNA SÚPLICA PARA EL ARTE DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO:
No tememos la censura, porque no albergamos deseo alguno de ofender con improperios u
obscenidades, pero sí exigimos, como derecho, la libertad de mostrar el lado oscuro de lo
erróneo para así poder alumbrar el lado luminoso de lo justo. La misma libertad que se
concede al arte de la palabra escrita, el
mismo arte al que debemos la Biblia y las obras de Shakespeare.”

Su montaje, por ejemplo, no es tan sofisticado como las historias del cine nos han hecho creer,
desde luego no si lo comparamos con los estándares surrealistas de Eisenstein. La exposición
artificial y la composición en iris de Griffith son bastante primitivas al lado de los encuadres
funcionales de Eisenstein en La huelga, en los que los movimientos dinámicos de la
maquinaria y las formas arquitectónicas van cambiando el formato de la composición
directamente en la pantalla.

El criterio por el que Griffith construía sus secuencias parece relativamente literario y teatral al
lado del de Eisenstein, ¿quién puede decir que “literal” y “teatral” son necesariamente
expresiones peyorativas en este período de estéticas fílmicas más flexibles?

acontecimiento político
Lo mejor que se puede decir de Griffith es que no era plenamente consciente de todos los
aspectos involucrados en su tratamiento de la Reconstrucción tras la Guerra Civil.
Griffith no podía haber sido particularmente sensible al absurdo de hacer que sus negrísimos
villanos fueran interpretados por actores blancos con la cara pintada mientras mostraba
verdaderos extras negros en las escenas de la Reconstrucción.
tenemos la propia negritud (más allá de la leal Mammy y de los sirvientes tipo Tom) como un
índice de presunción sexual y social, y al héroe al que llega la inspiración para las túnicas del
Ku Klux Klan tras ver a niños blancos asustando a niños negros con sábanas blancas, que
representan esos fantasmas que habrían de hacer que toda una generación de personajes
negros cómicos reaccionasen con miedo abyecto y servidumbre ritualizada.
Pero estoy describiendo el maniqueísmo visual del racismo de Griffith con meras palabras,
poniendo negro sobre blanco, en un medio como es el escrito en el que “blanco” y “negro”
equivalen a sensaciones acromáticas para el ojo. Ser testigo de lo negro y lo blanco en la
pantalla es ser testigo del nacimiento de un tabú cromático que aún hoy sigue sin haberse roto

Mujeres infantilizadas con el pelo rizado, capaces de oponerse a sus amantes de clase alta, de
repente se convierten en la presa de negros engreídos, y estas pobres almas inocentes se
desmayan con lasciva modestia o se tiran por un acantilado con honor encomiable.
Si solo hablas de ella como un logro tecnológico o sobre la brillantez de Griffith, pues
me parece desafortunado. Pero si la utilizas como representación del racismo, la
supremacía blanca
y la historia de los Estados Unidos
a este respecto, pues es algo totalmente diferente

la película ha sido una de las más polémicas debido a que su argumento promueve
abiertamente el racismo, apoya sin ambages la supremacía de la raza blanca y describe en sus
escenas el supuesto heroísmo de los miembros del Ku Klux Klan, lo que avivó su hasta
entonces desgastada popularidad.

7. El gabinete del Dr. Caligari (Das cabinet des Dr. Caligari, 1920) de Robert Wiene
https://www.youtube.com/watch?v=feyzmMHURps

Primer filme expresionista alemán, influenciado también por romanticismo alemán, temas de
locura y protesta contra la autoridad.

Estructura narrativa enmarcada (narración enmarcada), Un prólogo y un epílogo establecen el

cuerpo principal del filme como una analepsis,

cine de arte, cine de terror, revolucionario, cine negro,

introduciendo técnicas como el giro argumental y el narrador no fiable al lenguaje de la

narrativa cinematográfica.

Presentación misteriosa, música misteriosa, visuales y diseño gráfico de presentación.

Separado en Actos. Efectos visuales, textos tipo comics, diálogos, efecto fantasmagórico,
azulado, primeros planos emociones, sonidos raros, música medio electrónica. Sets oscuros e
irreales,
Ciudad parece pintura expresionista, surrealista, cubista, escenario parece una pintura de
picasso,
Diferente iluminación, hay escenas con tono muy azul y otra por contraste muy amarillo (calido
y frio).
Personajes muy maquillados, primeros planos con emociones, planos generales, escenarios
utópicos, geométricos,

La cámara no juega un gran papel en Caligari, y es usada principalmente para mostrar los
sets.La fotografía tiende a alternar solo entre planos medios y ángulos rectos, y primeros
planos abruptos para crear una sensación de shock, pero con muy pocos planos generales o
paneos. La mayoría de las escenas se siguen unas a otras sin inter-cortes, lo que da a Caligari
un sentimiento más teatral que cinematográfico.

El estilo visual de El gabinete del doctor Caligari es oscuro, retorcido y estrafalario; distorsiones
radicales y deliberadas en perspectiva, forma, dimensión y escala crean una apariencia caótica
y desquiciada.

Los sets son dominados por formas puntiagudas y líneas curvas y oblicuas, con calles
estrechas y en espiral,90 y estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos
inusuales, dando la impresión de que pueden colapsar o explotar en cualquier momento

Considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán, cuenta la historia de un loco
hipnotista (Werner Krauss) que usa a un sonámbulo (Conrad Veidt) para cometer asesinatos.
El filme tiene un estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas, líneas oblicuas y
curvas, estructuras y ambientes que se inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y
rayas de luz pintadas directamente en los sets.

estilo gráfico fantástico en lugar de uno naturalista.

El tema del filme es la autoridad brutal e irracional; el doctor Caligari representa al gobierno
militar alemán, y Cesare simboliza al hombre común condicionado, como los soldados, a matar.
El filme refleja una subconsciente necesidad de un tirano en Alemania, y que es un ejemplo de
la obediencia alemana a la autoridad y la renuncia a rebelarse contra la autoridad trastornada.
Asimismo, dice que el filme es una premonición del ascenso de Adolf Hitler y el partido Nazi, y
que la adición de la historia secundaria convierte al filme de "revolucionario" a "conformista".
Otros temas que la película incluye son el desestabilizado contraste entre la cordura y la
locura, la percepción subjetiva de la realidad, y la dualidad de la naturaleza humana.

La mayor parte del resto del filme es una analepsis (escena retrospectiva) de la historia de
Francis, la cual toma lugar en Holstenwall, una sombría villa de edificios retorcidos y calles en
espiral.

La narrativa regresa al presente, donde Francis concluye su historia. En un giro argumental, sin
embargo, es revelado que Francis es de hecho un preso del asilo. Jane y Cesare son
pacientes también, pero Jane cree que es una reina, y Cesare está vivo. El hombre que
Francis cree que es el doctor Caligari es de hecho el director del asilo. Francis lo ataca, pero es
inmovilizado en una camisa de fuerza y puesto en la misma celda en la que el doctor Caligari
fue confinado en su historia. El director anuncia que, ahora que entiende la ilusión de Francis,
confía en que puede curarlo.

8. El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, 1925) de Sergei Eisenstein

https://www.youtube.com/watch?v=u13TMl9pnZA
Marea violenta, adelanta temática, marineros revolucionarios, vida del marinero ruso.
Variedad de planos, detalles, primeros planos, soldados durmiendo en hamacas, rostros de
personajes tienen importancia, planos del agua, de objetos, del barco, usa maquetas para
plano general del barco, filma peleas, violencia,
Tiene algo de humor, golpe en la cabeza, “descarga su rabia”, sonido sincronizado con
acciones de personajes, títulos a las escenas “humillado” y muestra a un marinero llorando por
el golpe que le dio el que se pegó en la cabeza y desquito su rabia.
Cuidado estético fotográfico, composición de imagen cuidada, formas, líneas, encuadre,
claroscuro, luz, contrastes,
Historia fácil de entender, continuidad narrativa, coherencia temporal y espacial.
Va presentando a los personajes progresivamente,
Sonido de disparo.
“Y quien fue el primero en llamar a la rebelión fue el primero en morir a manos del verdugo”.
Primeros planos de la gente, drama, llanto, énfasis en la emoción,
“abajo los verdugos” “abajo la tiranía” “abajo el opresor”
Bandera roja (lo unico que se ve de color).
De repente, soldados comienzan a disparar a la gente, en las escaleras, gente baja corriendo,
gente muriendo aplastada, niños ensangrentados,
Le disparan a una mujer que tenía un cochecito en sus manos, el cochecito comienza a caer
por la escalera. (vemos la aparición de sangre en primer plano).
Cámara frente al cañón. Plano final contrapicado.

es una película muda dramática e histórica de 1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi
Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando
la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.
La cinta está considerada como una de las mejores de la historia del cine, una de las más
estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje y una de las más influyentes de
todos los tiempos.

Con muchas imágenes expresivas en forma de álbum fotográfico, El acorazado Potemkin

representa la magnificación de la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en 1925, la primera década después de la Revolución rusa, constituye un rescate de

la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la
revolución rusa de 1917.

La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos
funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del
todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta es funcional en un nivel superior
de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), con la sucesión y
cambio constante en las cualidades de la acción, genera en el espectador una emoción que lo
lleva a realizar mediante un proceso psicológico una reflexión intelectual de acuerdo al tema
propuesto.

El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de

lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein
observa otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un
énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, y
en la que todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica del
régimen comunista, exaltando al hombre común, sobre todo al oprimido que decide romper sus
cadenas.

Escena de la escalera de Odesa

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de
la escena de la escalera de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y
los cosacos cargan a sablazos7 para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una
madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rueda escaleras
abajo al morir la madre. Otra mujer lleva en brazos a su hijo muerto por los disparos y se
enfrenta a los soldados.

9. Los bajos fondos (Les bas-fonds, 1936) de Jean Renoir

SUBTITULADA:
https://archive.org/details/LosBajosFondos.1936JeanRenoirAngeeParazoowoman.website

Paneo de cámara, planos subjetivos, Sonido, personajes hablan.

Mucho movimiento de cámara, va y viene todo el tiempo, casi que no se queda quieta nunca.
Recorre la puesta en escena y va presentando diferentes planos, personajes, lugares, objetos.
Mucho plano medio, primer plano, plano general, variedad,
Continuidad narrativa, progreso de la historia, drama, coherencia espacial y temporal, actores
mucho más expresivos, la historia se centra en los personajes y sus vidas.

En la década de los años 30, Jean Renoir venía utilizando la profundidad de foco (esto es,
manteniendo los segundos planos y el fondo tan nítidos como los primeros planos) de manera
naturalista

Un carismático y experimentado ladrón, Wasska Pepel (Jean Gabin), se hace colega de un

barón (Louis Jouvet) que acaba de quedarse sin blanca, en bancarrota total, tras dedicarse a
malgastar irresponsablemente los dineros públicos en sus aficiones más incontrolables, el
juego y las mujeres. El ladrón se debate entre el amor por dos mujeres que también andan
interesadas por él, Nastia (Jany Holt) y Vassilissa Kostyleva (Suzy Prim). El marido de esta
última es propietario de un tugurio bastante sórdido localizado en uno de los barrios más
marginales de la ciudad. Allí lleva Pepel al barón y será esa posada donde temporalmente
decidan instalarse hasta que se les ocurra una alternativa mejor.

Gabin estaba en la cima de su expresión cuando no tenía que forzar la voz. Ese inmenso actor
obtenía los máximos efectos con los mínimos detalles. Creé para él escenas que podían ser
murmuradas. No nos imaginábamos que ese estilo fuese a conquistar el mundo y que los
actores susurrantes iban a ser legión. Los resultados de esta moda no siempre son felices.
Jean Gabin, con un ligero estremecimiento de su rostro impasible, puede expresar los más
violentos sentimientos. Otro tendría que gritar para llegar al mismo resultado

Los bajos fondos es una panorámica sobre seres marginados: "un actor loco que se suicida,
una muchacha tísica que sólo espera la muerte, un anciano que se extingue poco a poco, un
soñador que predica el misticismo y un ladrón, Pepel (Jean Gabin), de quien la esposa del
explotador de tanta miseria se ha encaprichado, pero que es rechazada en todos sus intentos
porque es a su hermana a quien ama el delincuente",

"el resultado es un aguafuerte intenso, lleno de vigor, con un desfile rebosante de humanidad,
de figuras acogidas a un albergue nocturno".

Los últimos planos de Los bajos fondos, que a muchos recordarán los del filme de Chaplin
Tiempos modernos, "Se entiende fácilmente qué pudo seducir a Renoir de la obra de Gorki"
"lo encontramos casi por todas partes en la obra del cineasta: una notoria galería de
personajes salvajes, gamberros, gentilmente revolucionarios, más sociables que sociales y
cuya extraordinaria situación, de individualistas, tiende más a mostrar que a juzgar la condición
humana. Ya que los personajes de Renoir viven como piensan y recrean, en su disidencia, una
colectividad más pura que la nuestra."
Fiel no en el sentido de la específica situación de los personajes, de su puesta en escena y
hasta de sus actuaciones, de corte teatral. Casi todo el film transcurre en un único ambiente
(son dos, en realidad, aunque el «exterior» se usa poquísimo), una especie de pensión/refugio
de poca monta que aloja usualmente a ladrones, prostitutas, gente sin trabajo o ancianos
enfermos. Es ese el escenario en el que las distintas tensiones de esta clásica pieza se irán
desarrollando.

Ambientada en la Rusia zarista de principios dhhel siglo XIX, hay una universalidad en
los conflictos humanos y sociales que captura Los bajos fondos, obra teatral de Maksim
Gorki.ubicándola en un país indeterminado que parece una Francia
Los bajos fondos retrata una sociedad degradada a partir del punto de vista de unos
parias que malviven en un sórdido albergue. Este es un microuniverso en sí mismo donde el
relato concentra a personajes que, más allá del realismo de su caracterización,
desempeñan un papel simbólico: el noble decadente, el avaro de hipócrita sentimiento
religioso, la mujer inmoral, la virgen pura.
A través de su historial y de sus vivencias, y después del contraste inicial con la alta sociedad
de la que procede el barón caído en desgracia a causa de sus vicios, se constata un
fatalismo social, prácticamente congénito, en el que apenas hay resquicios para la
esperanza, que en el caso del protagonista, un ladrón de poca monta, se persigue a través de
la conquista de la inocencia y el amor que representa la joven hermana de la posadera. Pero
este envaramiento conceptual y el consiguiente maniqueísmo que en general posee el
discurso provoca que su tragedia pierda emoción natural.
La rigidez que se afloja si acaso, en destellos, como esa insólita e interesante
relación de amistad entre el aristócrata y el caco, luego progresivamente abandonada, o como
la invitación a soñar del viejo filósofo de la miseria. Igualmente, el lirismo de las imágenes de
Jean Renoir mira con calidez y piedad a sus personajes principales.
El protagonismo de Jean Gabin es análogo. Su forma de hablar -apenas un susurro- y de
mirar -un soslayo entristecido- expresan con rotundidad esa melancolía irreparable. Una
sensibilidad y una delicadeza que otorgan al filme relieve, textura, humanidad. La cual, de
Maksim Gorki, conduce a Charles Chaplin.

10. La fiera de mi niña (Bringing up baby, 1938) de Howard Hawks:

CASTELLANO: https://ievenn.com/la-fiera-de-mi-nina-1938-espanol/2415939/

Animación al inicio, mejora notoria de gráficos y diseño.

Escena personas con huesos de dinosaurios, anticipa la historia

Traducción al español. Paneos de cámara, se ve mas liviana, planos medios, planos generales,
comedia familiar, romántico,
Continuidad de la historia, variedad de planos, humor, comedia, simpático, personaje principal
inocente y bueno, torpe,
Personaje mujer es como que no escucha, es una pesada, intensa, hace todo mal, y se
entromete en la vida de él todo el tiempo,
Es como que el destino los obliga a juntarse, y el siempre sale perdiendo, coqueteo inocente,
es graciosa la situación, ritmo frenético, situaciones cotidianas convertidas en un complicado y
divertido juego de sentimientos, innovador, divertido, ágil,

La trama parte de un par de encuentros casuales entre la antagónica pareja protagonista.En

esos encuentros, como resultado de la química surgida entre ambos, se establecerán las
pautas sobre las que orbita la acción durante toda la película. Y ya desde el primer momento
Susan la atractiva e irresponsable protagonista se revelará como una amenaza constante para
la armonía, seguridad y dignidad del apocado David.

La comedia descansa sobre la pareja convirtiéndola en su eje central, Hawks integra y

contrapone dos universos distintos: el mundo del saber y la moralidad establecida (él) frente al
mundo de la libertad y la irresponsabilidad (ella). Este choque de opuestos desatará una serie
de caóticos acontecimientos que mantendrán el pulso cómico a lo largo de toda la historia.

Ella, más resuelta y agresiva, será la que tome la iniciativa. Con todo tipo de artimañas
conseguirá manipular al indefenso David para mantenerlo junto a ella y conquistarlo a pesar de
su resistencia. Esta agresividad femenina será la que consiga situar a su oponente en
situaciones verdaderamente descabelladas, impensables e incluso peligrosas, para finalmente
reducirlo y dominarlo.

Las rígidas barreras que limitan el cuadriculado mundo de David caerán ante la avasalladora
irrupción de Susan en su vida. Junto a ella pasará por situaciones que despertarán
sensaciones desconocidas para él y con las que tras un proceso de asunción y de maduración
personal se identificará. Será entonces cuando David alcance el grado de libertad e
independencia que le permitirá relativizar la importancia de sus antiguas prioridades y a valorar
la compañía de la mujer de la que se ha enamorado como su bien más preciado.

David, paleontólogo, tiene que hablar con un abogado importante para que le financie un
proyecto de museo, y desde que conoció a ella (Susan) es como una piedra en el zapato que
le impide hacer lo que realmente tiene que hacer.

es una película estadounidense del género de comedia, fue considerada «cultural, histórica y
estéticamente significativa»
David, cuya mayor preocupación es terminar de ensamblar el esqueleto de un brontosaurio al
que le falta un hueso (una "clavícula intercostal"). Está a punto de casarse con una mujer de
personalidad rígida y, por otra parte, tiene que dar una buena impresión a Mrs. Random, una
adinerada mujer que está planteándose hacer una generosa donación de un millón de dólares
a su museo. Sin embargo, el día anterior a su boda, David conoce a Susan Vance (Katharine
Hepburn), una joven alocada que resulta ser la sobrina de Mrs. Random.El hermano de Susan,
Mark, le ha enviado desde Brasil un leopardo amaestrado llamado "Baby", para que ella se lo
entregue a su vez a su tía. Susan confunde a David con un zoólogo, y prácticamente lo obliga
para que la acompañe a su casa del campo para hacerse cargo de Baby.La situación se
complica aún más cuando Susan comprende que se ha enamorado de David, y decide
retenerlo en la casa el mayor tiempo posible para evitar que se case.

11. La diligencia (Stagecoach, 1939) de John Ford:

ORIGINAL BLANCO Y NEGRO: https://youtube.com/watch?v=Rkr_eayfJpA
COLORIZADO: https://youtube.com/watch?v=x22hiyZENZ4&t=1652s
Montaje de continuidad, cambios de eje, largos travelling, encuadres fotográficos de Bert
Glennon, la historia en la Francia ocupada por el ejército prusiano,

obra-puente que asimila aspectos de la tradición westerniana anterior con sus elementos
iconográficos como sombreros o grandes pistolas.
primer western sonoro de John Ford (1939), ha pasado a la historia del cine como una de las
mejores películas de todos los tiempos, paradigma de las formas clásicas del cine
norteamericano.

En La diligencia encontró Welles una medi­da exacta entre tipología social americana,
profundización psicológica de los persona­jes, lírica en imágenes y epopeya histórica, recogidos
en una historia sencilla, y narra­dos con una realización también pulcra y una puesta en escena
de western, género donde mejor se movía Ford, aunque no exclu­sivo. André Bazin lo resume
metafóricamen­te en el libro ¿Qué es el cine?: “La diligen­cia evoca la idea de una rueda tan
perfec­ta que permanece en equilibrio sobre su eje en cualquier posición que se la coloque”.

La diligencia comienza en Tonto, aldea de Texas donde las damas distinguidas y pu­ritanas
expulsan a una prostituta, Da­llas, que se ve obligada a tomar una diligen­cia con destino al
Oeste. En la diligencia viajan un médico borracho -también ex­pulsado del pueblo-, un jugador
profesional con aspecto de caballero sureño, un via­jante de licores con apariencia de clérigo,
un hombre circunspecto, una dama, hi­ja y mujer de militares, que desea reunirse con su
esposo, el sheriff, que va en busca de Ringo Kid (John Wayne), cowboy fugitivo, del que
sospecha que va a matar a los ase­sinos de su hermano, y un banquero que es­capa con el
dinero de sus clientes en una ma­leta. Todos ellos se ven obligados a convi­vir en el estrecho
cajón de una diligencia, lo que da pie a Ford a desarrollar uno de sus temas favoritos: el
conocimiento y la acep­tación del otro, a través de un viaje lleno de peligros en el que el
trayec­to físico comporta otro moral.

Bola de sebo
El relato referencia de Maupassant se de­sarrolla en la segunda mitad del siglo XIX en Ruan,
ciudad invadida por el ejército de Pru­sia. Allí, algunos comerciantes deciden tras­ladarse a El
Havre, ciudad defendida por el ejército francés, a bordo de una diligencia. Ocupan su interior
-además del cochero- tres matrimonios y dos monjas, que repre­sentan la ley, y dos personas
que escapan a ella: Cornudet, fiero demócrata, y Rousset, prostituta, a la que apodan “Bola de
sebo”, y a la que los distinguidos compa­ñeros de viaje obligarán a ofrecer sus servi­cios al
enemigo para salvar el pellejo.

“Los elementos ofrecidos por el relato de Maupassant -según el catedrático Rafael Utre­ra en su
artículo “La diligencia: de la li­teratura al cine” (Nickel Odeon, nº 26, 2002)- se apoyan en cuatro
factores básicos: un viaje con un destino común; un con­junto de pasajeros, pertenecientes a
diferentes clases sociales, que se debe obligada convivencia; un enemigo al que obedecer o
combatir; un sacrificio personal como ele­mento benefactor que redunda en los demás, sean
amigos o enemigos”. Todo esto le sir­ve a Ford para su película; pero, a diferencia de Bola de
sebo, La diligencia no preten­de ser una crítica mordaz contra los burgue­ses de su tiempo,
aunque sí “un declara­do ataque al puritanismo” norteamericano desde una mirada más
amable.

Es una estructura de tres actos con puntos de giro y subtramas propios de una fórmula clásica.
Existen algunas semejan­zas con el cuento de Maupassant: simili­tudes fonéticas en los lugares,
antagonistas, coincidencias en detalles que ac­túan co­mo metáfora, etc. Al margen de es­tos
aspectos, el guionista decidió profundi­zar más en la psicología de los personajes, en sus
códigos de valores y en sus relacio­nes in­terpersonales y dotó al texto de ve­rosimilitud.

Al final, quedó un guión modélico, clave en la evolución del género. La diligencia es una
obra-puente que asimila aspectos de la tra­dición westerniana anterior con sus elemen­tos
iconográficos como sombreros o gran­des pistolas. Y asienta las bases de los westerns del
futuro, caracterizados por una pro­fundización psicológica de los personajes desconocida hasta
el momento.
Ford nos legó así una de sus obras maestras, la summa, el romancero o el cantar de gesta del
Oeste Americano, fundamental en la formación de los Estados Unidos y en la con­ciencia de los
estadounidenses. Todo el Far West, con sus representantes de la civili­zación norteamericana y
sus prin­cipios de va­lor, lealtad y camaradería, es­taba metido en esa diligencia que corría a
galope por los im­presionantes paisajes de Mo­nument Valley.

12. El ciudadano (Citizen Kane, 1941) de Orson Welles:

ESPAÑOL: https://ievenn.com/ciudadano-kane-1941-espanol/2414099/

SUBTITULADA:
https://m.vk.com/video289724640_456239031?list=62af1d239a223b27db&from=wall28972464
0_17

Ciudadano Kane, película con la que revolucionó la concepción cinematográfica del personaje,
la narración y la puesta en escena. Su obra se ha distinguido por sus constantes innovaciones
técnicas y el elevado nivel artístico de sus películas.

La historia se desarrolla a partir de la muerte del magnate de la prensa amarilla de nombre

Charles Kane. El día que muere, en su mansión Xanadú, pronuncia su última palabra:
“rosebud”. Un noticiario da cuenta de la personalidad del multimillonario, de su imperio
económico, su cadena de diarios, emisoras y fábricas. De sus ambiciones políticas, finalmente
frustradas. De su vida sentimental con Emily Norton, sobrina del presidente de los Estados
Unidos con la que se casó.Y de su idilio con una atractiva cantante, para quien construyó un
teatro de ópera. Todo se sabe de Kane menos una cosa ¿qué significa “rosebud”? Un
periodista comienza la investigación, entrevistando a los allegados más cercanos a Kane con el
objetivo de descifrar el contenido de dicha palabra.

Sin embargo, con el paso del tiempo, muchos de estos elementos se han olvidado y hoy
parecen nuevos. El estilo «pop» de la caracterización de los personajes, por ejemplo, parece
moderno y se lee mejor que en su época. Es probable que el público contemporáneo disfrute
más con el histrionismo extravagante de Orson Welles que las generaciones precedentes,

«exagerado sentido de la teatralidad”,

Iluminación, cámara y óptica

La puesta de luces de esta película es especial y está inspirada en el modo de iluminar,
generalizando, del cine expresionista alemán.

En Ciudadano Kane la luz aparece con un juego de luces y sombras que ayudan a dar mayor
dramatismo y valor psicológico a cada una de las escenas, dirigiendo a los espectadores a los
centros de atención generados por el contraste lumínico que aportan al estado anímico de
cada uno de los personajes. Se distinguen dos estilos: una luz de contrastes suaves
relacionada con la juventud y la llegada al poder de Kane, y una luz muy contrastada con
fuertes penumbras (expresionista) que caracteriza a la corrupción y la decadencia del
personaje. La escena en la que Kane escribe su declaración de principios es bien notable el
uso de la iluminación con fines dramáticos y expresionistas.
Welles, en su utilización aún más extrema de la profundidad de campo y en su manera de
distribuir a los actores en una composición general, volvió a la utilización coercitiva de la
iluminación artificial que pertenecía al teatro. Utilizaba la luz al modo de los reflectores en las
tablas, sombreando u oscureciendo todo aquello que no fuera relevante. Si recurría a la
profundidad de foco, no era para crear un efecto naturalista sino el sorprendente efecto
dramático de mostrar alguna acción primordial que ocurría en el trasfondo

La fotografía se convirtió con Toland en un elemento fundamental para dotar de significado a la

imagen. “Cuando fotografiaba algo decía Wyler, quería ir más allá de las luces y captar los
sentimientos”. Su trabajo tenía una gran potencia visual y narrativa. Iluminaba los rostros de los
actores no buscando la imagen bonita o estética de estos, sino una mayor profundidad
emocional, la luz se convierte en un instrumento dramático por sí misma. Dotó a la imagen de
contenido potenciando las posibilidades narrativas que la luz y las sombras le ofrecían”. (1)

Orson Welles no solo utiliza a los personajes para relatar la historia sino que también se basa
en los movimientos de la cámara, encuadres, composición en el plano, uso de la cámara
subjetiva, y la utilización de espejos para la desfragmentación de los personajes.

Utiliza encuadres complejos, apoyado en la utilización de las ópticas gran angulares que
deforman los personajes y desvían las líneas de la perspectiva clásica a semejanza de
recursos similares utilizados por el cine expresionista alemán que en sus comienzos utilizaban
para los fondos telas pintadas e iluminados desde abajo generando sombras extrañas y líneas
de fuga irreales.

Abundan las posiciones de cámara en contrapicado, y también en picado enalteciendo o

disminuyendo a los personaje y sus interlocutores. También realiza tomas desde abajo
integrando los pisos en el decorado como así también los techos.

Welles utiliza frecuentemente un montaje abstracto, metafísico o simbólico para resumir largos
períodos de la acción (la evolución de las relaciones de Kane con su primera mujer, la carrera
como cantante de Susan). Pero este procedimiento muy antiguo y del que abusó el cine mudo,
encuentra aquí un nuevo sentido, precisamente por contraste con el extremo realismo de las
escenas en las que los sucesos son íntegramente respetados. En vez de un montaje bastardo,
en el que el evento concreto está medio disuelto en la abstracción de los cambios de plano,
tenemos dos modalidades esencialmente diferentes de relato. Se capta esto muy bien cuando,
tras la serie de sobreimpresiones que resumen tres años de suplicio de Susan y que terminan
sobre la lámpara que se apaga, la pantalla nos arroja brutalmente en el drama de su
envenenamiento.

13. Monsieur Verdoux (1947) de Charles Chaplin:

SUBTITULADA/ESPAÑOL: https://gnula.nu/comedia/ver-monsieur-verdoux-1947-online/

inspirada en la historia real del francés Henri Landru, un asesino en serie de mujeres durante la
Primera Guerra Mundial

Monsieur Verdoux es una comedia negra o, como la llamó su director, recurriendo a la

paradoja, una “comedia de asesinatos” que, basada en una idea de Orson Welles9, relata la
vida de un asesino serial ficticio pero inspirado en el caso real de Henry Landrú.
El verdadero Barba Azul era un hombre de buenas maneras, que
 enamoraba mujeres solas, a las que luego de despojarlas de sus bienes, asesinaba. Se
deshacía de los cuerpos de sus víctimas descuartizándolos o incinerándolos. Su historia de
muertes coincidió con el desarrollo de la Primera Guerra Mundial. El asesino llevaban un
registro minucioso de sus crímenes en un cuaderno de tapas negras10 hasta que un día fue
reconocido por la hermana de una sus víctimas, iniciándose el camino que lo llevó a la
guillotina en 1922. Tal es la historia del verdadero Barba Azul.

En Monsieur Verdoux, Charles Chaplin se despoja totalmente de su personaje vagabundo para

encarnar un asesino, que luego de treinta años de trabajo honesto en un banco, bajo los
efectos de la depresión económica del ’30, es despedido, ingresando así, en el cada vez más
numeroso ejército de desocupados. La imposibilidad de mantener a su esposa discapacitada y
a su pequeño hijo lo lleva a probar suerte en el oficio de Barba Azul. El personaje emplea una
metodología similar al verdadero criminal y compartirá con él la misma suerte: el cadalso.

El film comienza con la imagen del epitafio, “ Henry Verdoux. 1880 - 1937“ y el relato en
primera persona, en el que el personaje narra, desde la tumba, los avatares de su vida y la
sucesión de circunstancias que lo llevaron a convertirse en un asesino. Su relato cuidado,
denota una educación esmerada y su tono monocorde y desapasionado parece no
corresponder a una historia de crímenes sino más bien a la descripción de una tarea rutinaria y
monótona.
matar al sexo opuesto” , “empresa estrictamente comercial“ admite sin pasión ni
arrepentimiento. Su objetivo era sobrevivir en medio de la crisis y mantener a su familia,
disociando totalmente el objetivo final de los medios que empleaba. El director refuerza hasta
la exageración los rasgos de hombre contemporáneo y civilizado : Verdoux es amable,
tolerante, mesurado, jamás pierde los estribos ni cuando está “a punto de perder la cabeza.”en
la guillotina.
Tampoco es agresivo, por el contrario, se conduele hasta de un gusano, y reprende a su hijo
por maltratar a un gato, “la violencia genera violencia” pronuncia con mucha naturalidad. En
todo el filme no hay una sola escena agresiva ni de muerte. La violencia no se hace visible
pero sin embargo...
En la sobreactuación del personaje, en el juego de contrasentidos, en algunos gags y ciertas
situaciones paradójicas pervive la comedia como estrategia narrativa.
El cálculo racional es otra de las características de su conducta Verdoux: lleva una contabilidad
escrupulosa de los bienes mal habidos, busca el máximo de rentabilidad y eficiencia en sus
inversiones y está bien informado sobre el mundo de los negocios. De su pasado de cajero
conservó el saber rutinario, la destreza en contar billetes.

Los Rasgos de la Modernidad.

El tipo ideal de sociedad moderna reconoce como rasgos característicos la economía
industrializada, el desarrollo de la ciencia, el sistema capitalista involucra relaciones de
producción burguesas, el trabajo asalariado, el mercado, la idea de cálculo racional - y el
estado burocrático centralizado.

La economía capitalista.
El capitalismo es representado en el film no como una economía dinámica, próspera y estable,
sino sumergida en la Gran Depresión de los años treinta. El corrimiento cronológico con
respecto a la historia real responde a la intención de Chaplin de mostrar el estallido de la
sociedad moderna en todos sus aspectos, entre ellos la crisis del sistema capitalista.
El desempleo y la miseria que provoca la crisis lo sufre Verdoux en carne propia: sin
alternativas honradas y normales, excluido del mercado de trabajo, Verdoux , inicia el camino
del crimen.
14. La soga (Rope, 1948) de Alfred Hitchcock:
SUBTITULADA/ESPAÑOL: https://gnula.nu/intriga/ver-rope-la-soga-1948-onlie/

ESPAÑOL: https://ievenn.com/la-soga-1948-espanol/2420602/
COLOR
obra maestra
parece ser una sola toma,
exterior, interior, un asesinato con una soga, parece ser un plano secuencia que la camara
nunca corta, filma espaldas de los actores para pasar de una escena a otra, entonces x eso
parece q camara no corta.
Edición minimalista, solo 4 cortes, tecnología limitante, el autor lleva la tecnología al límite.
Juega mucho con el montaje en sus pelis, pero en esta parece q no hay montaje, hace el
montaje en el guion, monta cada plano con la camara, en vez de cortar el rollo.
Montaje durante la filmación, no es un montaje clasico,
impronta teatral,
Experimentación
lo técnico es muy importante para el y así manipula al espectador
Simple argumentación y simple en cuanto a lo técnico
Simulación de plano secuencia
Filmación en el atardecer, mostrar el atardecer en términos de luz, de a poco se va haciendo
de noche,
Estética del color, mostrar tonalidades, genera sensaciones,
ultima parte quedó muy naranja y tuvo que volver a filmar todo,
Ventanal del fondo, nubes que se movieran paa que pareciera real y no un dibujo
Coreografía de actores, camara, muebles, nubes, fondo, luz
Sonido. Hicieron suelo especial para que no sonara el movimiento de camara,
Final hace 3 tiros por la ventana, se escuchan voces reaccionando a esos tiros, suena una
sirena que va llegando al lugar, quería que la sirena fuera real, entonces se graba un sonido
real de una ambulancia, por eso parece tan real porque era real

Argumento muy bueno, Simpleza aparente, 2 hombres (nihilistas) que matan a uno lo ponen en
baul y organizan fiesta, el baúl queda siempre ahí, por eso el espectador queda atento, porque
hay suspenso.
Contexto de epoca de Hollywood, pareja de asesinos nunca lo dicen pero Hitchcock da a
entender que son novios (gays), desliza y no lo dice porque no podía, porque era código Hays,
regula contenido de peliculas, censura. Código moral. Lado comercial (apto para todo publico,
mas gente lo ve, mas dinero).

Suspenso creado con el entorno de los personajes, y los movimientos de camara, y hay
dialogos con doble sentido oscruo y chistes acidos. Thriller con tintes de comedia negra.

15. Rashomon (Rashōmon, 1950) de Akira

Kurosawa:
SUBTITULADA: https://archive.org/details/rashomon-subtitulado-espanol

ESPAÑOL: https://ievenn.com/rashomon-1950-espanol/2414956/
SUBTITULADA: https://vimeo.com/583380448

Rompe paradigmas, pelicula extranjera premios Oscar,

Ruptura en narrativa, forma nueva de ver el cine, forma nueva de explorar comportamientos
humanos,
Trama sigue caso de una mujer abusada sexualmente y su esposo es asesinado por el mismo
bandido.
Peli cuenta como estos tres personajes cuentan una version diferente de los hechos, y como
se va intentando resolver caso que parece no tener solucion.
Peli teatral, solo 6 personajes.
Personajes secundarios son presentados primeros, leñador y sacerdote. Otro personaje es un
cinico.
Flashbacks vemos como fue el juicio y como fue el asesinato
Esos tres personajes son la herramienta narrativa, son los que analizan lo que paso en la
historia, simbolizan a la audiencia y diferentes perspectivas de como percibimos condicion
humana.
Padre representa la bondad ,
Cinico justifica todo con que es nuestra humanidad, maldad esta dentro de nosotros,
Personajes principales, bandido está al borde de la locura, simboliza lado salvaje del ser
humano.
Samurai y su esposa, personajes más controlados.
Personajes se van quebrando mientras van contando la historia.
Hisotria transcurre dentro de un juicio, y te van contando lo que pasó a través de flashbacks.
Cada uno de los interrogados está contando su propia versión de los hechos, y las 4 versiones
son totalmente diferentes.
Primero el Bandido
Dspues Mujer
Despues hombre muerto - Chaman convoca al muerto para que cuente su historia, narrativa
innovadora, algunos piensan que se inspiró en ciudadano Kane pero la realidad es que no
había visto la peli hasta años despues, es una idea original.
En Japón fue mal visto por ser muy gringa,
Estudio de la condición humana frente a como contemplamos la verdad y el poder de la
verdad, y como a traves de mentirnos a nosotros creamos una ilusión de como percibimos la
realidad,
Bandido- se glorifica, la historia para el fue una forma de glorificarse
Mujer, se justifica por las acciones que ella tomó
Samurai- se ve como victima, muerte honorable al suicidarse.
Por ultimo, version del leñador, punto de vista objetivo, es la verdad absoluta supuestamente
para la pelicula, pero la naturaleza de este personaje, que roba y miente ante corte para no
divulgar que robó daga, hace que su version sea cuestionable.
Personajes con moral dudosa, y eso hace que se exponga la condicion humana.
Desorden, caos, personajes diferentes a lo que dicen en el juicio.
La mujer lo deseaba aunque la violo, penso que lo iba a sacar de la rutina, controversial, hasta
cierto punto el bandido era su salvacion, hace que su moral tmb caiga en lo dudoso.
Samurai, no era nadie honorable como el decia, porque en el conflicto el no hizo nada para
evitar que eso pasara, el la rechaza porque estuvo con dos hombres y ya no quería estar con
ella. Ella se enoja. Ella dice que ninguno de los dos es un hombre, que no tienen valentia, no
luchan por lo que queiren, Y ahi ellos se pelean, porque fueron desafiados por la mujer, y
entran en pelea patetica. Luchando con temor solo por su hombría. Uno muere, el samurai por
pura suerte. Muerte nada honorable.
Pelea sin sonido, mediocre, cobarde, ninguno deja de temblar, decontruccion de personajes,
Ninguna verdad es absoluta. Solo la muerte y el nacimiento.
Justifica la bondad en las personas, en escena que encuentran al niño. Leñador adopta al niño,
y el Padre vuelve a recuperar la fe en la humanidad. Balance entre humanidad y maldad. El
mundo es gris.
peli en BYN le da el significado de que el mundo es gris, nada es blanco o negro.

Primera toma directa al sol. Camara y movimiento.

Fotografia, tomas intervenidas por arbol y plantas.
No sabemos cual personaje es bueno y malo. Por tantas versiones que hay, no logramos
identificarlos. Ramas y arboles tapando personajes ayudan a desorientar al espectador y a ver
confuso.

Narrativa, angulos de camara innovadores, placenteros de ver, bien ejecutados, idea de que
todos tenemos una perspectiva diferente de la realidad y de ver las cosas. Se puede aplicar al
cine.

16. Umberto D. (1952) de Vittorio de Sica:

ESPAÑOL: https://m.youtube.com/watch?v=LGPrOe6gU5k
SUBTITULADA: https://m.ok.ru/video/2146962311825

Pelicula neorrealista italiana. Nuevo realismo de italia. 2da guerra mundial terminó y Mussolini
estaba al poder, fascismo, totalitarismo,
Termina Guerra, Mussolini fusilado, Italia quedó devastada. Así surge neorrealismo italiano.
Desolación de Italia. Tema: vejez, soledad, pobreza. Es muy triste.
Cuenta historia de Umberto, anciano, jubilado, no le alcanza la plata y la dueña intentará
sacarlo.
Personaje Umberto, Flike perrito, criada de la casa donde se hospeda que tmb sufre ya que
esta embarazada y no sabe quien es su padre, otro personaje es la villana es la casera que
quiere sacarlo porque no le pagó.

Se centra en los jubilados, países modernos envejecen,

Presenta a un hombre italiano que vive en roma jubilado, no tiene familia, solo tiene un perro.

Primera parte de peli vemos ancianos protestando, para que gobierno aumente sus pensiones,
este es el marco para toda la pelicula. Marcha disuelta por la policía.
Personajes a favor y en contra de la manifestación.
Argumento gradual de la intensidad.

Umberto prefiere darle la comida a su perro que a el, dps quiere vender un reloj (se le acaba el
tiempo de vida) y le pagan mucho menos.

María juventud, inocencia, incertidumbre, quiere vivir

Casera, adultez, viveza, avaricia, solo quiere dinero
Umberto, vejez, desilusión.

Umberto se encuentra en conflicto social, pensión, alquila, le es complejo vivir y solventar sus
gastos, pasa por momentos dificiles, se enferma, tiene que ir al hospital, el medico no le da
pelota.

Pierde al perro, despues lo encuentra, se anima a pedir monedas por la calle, pero se
arrepiente, escena muy triste. Importante, porque muestra caracter del personaje, no es un
pobre que esta contento con eso, se averguenza y no quiere pedir limosnas. Decide mandar al
perro a pedir monedas. Grabada en panteón, columnas fisuradas, entorno habla del personaje,
que se siente un anciano que vida ya ha pasado, Panteón antiguo templo homenajeaba a
antiguos dioses.

Se recupera y vuelve a su casa, se encuentra con modificaciones, sus cosas ya no estaban

ahí, le robaron todo, le rompieron todo.
Esta en permanente lucha y la sociedad no lo ayuda.
Soledad, frustración, complicaciones laborales y personales, como solucionar para seguir
adelante?
Cuarto destrozado igual que el personaje.

Movimientos lentos de cam, que se acercan a personajes, a la mente del personaje. Interior del
personaje.

Vestimentas al principio son claros, hospital viste de blanco, y luego se viste de negro.

Casi un documental, familiar, realismo, cosas que nos pueden pasar.

Final, se ve la partida de Umberto con su mascota, se quiere suicidar en vías de tren y el

perrito lo salva. Se va caminando y nos deja la intriga de que sucederá con Umberto. Limbo.
Director al final nos deja un guiño de esperanza, niños jugando con la pelota y salen de cuadro.

Fotografía pulcra, planos medios, interior del personaje, expresiones, sufrimiento. Planos
generales cuidados, tiene muchas diagonales, como trazando un camino, inconscientemente
puede mostrar el camino de los personajes. Proyección, perspectiva que no sabremos.
Diagonales de vía del tren donde se tratara de suicidar.

Sonido, música, tonada suena debajo de las imágenes, Melodía que se va repitiendo de
diferentes formas a lo largo de la composición.

17. Los misterios de Picasso (Le mystère Picasso, 1958) de Henri-Georges Clouzot
SUBTITULADA: https://vimeo.com/335671350

“No explica nada”.

Misterio, se espera que se vaya a revelar el misterio o una verdad, algo que esclarece idea
oculta.
Diferente a otros filmes de arte, no explica a Picasso sino que lo muestra,
Lección: ver trabajar a un artista no puede dar la clave de su genio sino ni siquiera de su arte.
la simplicidad del material es ejemplar y la escasez de intermediarios entre el objeto y el
espectador es ъnica. El misterio Picasso es un film translъcido, hecho de obviedades y en ese
sentido aspira a algo absoluto. Es precisamente la naturaleza de esas obviedades lo que
constituye el enigma.
La pantalla se confunde con una hoja mientras la cбmara permanece inmуvil a medida que
aparece un dibujo. En realidad, no aparece sino que se constituye. Contrariamente a nuestra
primera impresiуn, no se trata, como en algunas pelнculas animadas, de un dibujo elaborado
de antemano que se irнa revelando de manera gradual ante el espectador. No estamos frente a
trazo en movimiento sino a todo un cuadro animado por la vida: algo se ha creado. En realidad,
crear suena impreciso, improvisar me parece mбs justo.
El Misterio Picasso es un documental y como tal detenta su parte de voyeurismo, es decir, una
clara disociaciуn entre el objeto y la mirada, algo que se percibe en particular en una segunda
etapa.

En Pintura, difícilmente tenemos acceso a los primeros e íntimos instantes de un cuadro, aun
cuando no se pensaba siquiera que podría llegar a serlo. Uno se instala delante de la obra
concluida (¿cuándo está concluido un cuadro?)
En Cine podemos volver a rodar la misma escena tantas veces como se desee, se puede
cambiar de plano, etcétera. En Literatura se puede volver a empezar un párrafo o modificarlo y
aun asignarle otro lugar cual si fueran piezas sueltas, en busca de lo que se quiere expresar.
Lo mismo en Música. Pero en Pintura ésto pareciera incontrolable. El trazo o el color corregido
muchas veces no puede recuperarse, en caso uno se haya arrepentido del súbito cambio. Ya
es algo distinto e individual. Irrecuperable. No se pueden repetir ni recuperar las palabras o
escenas, como en un libro o una película.

Nos desvela, de cierta manera, parte de este íntimo inicial enfrentamiento entre el pintor y el
lienzo en blanco. Nos hace testigos de la espontaneidad del artista, de sus múltiples
disyuntivas respecto incluso de las forma y el camino deseado o soñado para su pintura.
Apreciamos cómo lo que se pensaba sería una cosa, en medio o un poco antes, desvía al
artista de su primigenia concepción. Y esto en Picasso resulta casi natural. Tres líneas
diagonales, trazadas con aparente desdén, terminan siendo el sostén de enrevesadas pinturas
cubistas, propias del genio de Málaga. Aquellos que piensan encontrar alguna historia en este
filme, tendrán una gran desilusión. El Misterio Picasso tampoco es un biopic; es simplemente el
puente, a manera de un breve documental, que Picasso le extiende al público para que acceda
a su proceso creativo. Cosa obvia, lo pintado ahí es producto de la espontaneidad y del fértil
imaginario del artista, y no la reproducción de ninguna obra de nadie.

Lo que nos parece que sería un pez en alguna pecera, acaba por convertirse, a mitad del
proceso, en el ampuloso dorso de una gallina que, sobre el final, es un rostro casi humano
inmerso en una realidad impropia para un pez. Ese es Picasso. Pienso que para los entendidos
o dados a la pintura, esta película les parecerá motivadora, cuando no reveladora. Tanto como
lo hubiera sido para los escritores haber podido gozar de un filme que hubiera grabado las
famosas lecturas que solía tener Flaubert en voz alta, de sus obras en proceso, en los jardines
de su casa. Lo audiovisual posee la potencia de lo inmediato. En esto el cine está en ventaja;
Picasso lo sabía y por ello aceptó la propuesta de su viejo amigo, Clouzot, el director del
documental, para filmarlo empleando para su época, modernas técnicas cinematográficas. Una
vez desvelado el misterioso proceso de creación del genio, quedamos quizás más lejos de
poder imitarlo y entenderlo, y comprobamos que en arte, no hay norma ni manual que funcione,
si no se posee talento

* 18. Al final de la escapada (A bout de souffle, 1959) de Jean Luc-Godard

Ver Pelicula Al final de la escapada Online en Español y Latino

Obra controversial, irreverente, cambia reglas elementales de narrativa cinematografica.

Libertad creativa, improvisación, filmada sin guion,
Rebeldes ideas, hincapie en imagen por encima de la palabra.
Sucesión de fotogramas podía contar historia por sí misma.
Nouvelle Vague,
Se rompe con bagaje tecnico, tira el instructivo de como hacer una peli. Toma recursos del cine
negro,
trama se vale de aparente estructura policial, pero luego se ve la libertad creativa que gira el
barco hacia un camino nuevo y sin estelas
Caracteristico de la nueva ola francesa en sus comienzos, actores consagrados, influencia de
posguerra, neorrealismo italiano (miserias).
Interiores, exteriores, iluminacion natural, o hecha con spots (unen estas dos corrientes)
Nouvelle Vague parece haberse quedado en concepto estetico y superficial de la revolucion
argumental. Neorreliasmo retrata miserias, sensibilidad social, empatía con damnificados, arte
como denuncia)

Recursos esteticos desconcertantes, montaje disrruptivo, salta el eje de acción y se divierte

haciendolo de manera repetitiva. FIlmación larga y en vez de quitar escenas enteras de menor
importancia, recorta retazos de pelicula, cada secuencia se ve deliberadamente discontinuada.
Esto explica el gusto del director por el corte en si mismo,

Uso y manejo de camara, silla de rueda, fluidez en travellings,

Musica tipo jazz, pianos y orquesta.

Atmosferas de espontaneidad. Paris de fondo, hermosura de la ciudad, reproducción ética y
estética de la ciudad.

Combina géneros comedia, policial negro, drama de amor, western,

* 19.Sombras (Shadows, 1959) de John Cassavetes

20. Detrás de un vidrio oscuro (Såsom i en spegel, 1961) de Ingmar Bergman

ESPAÑOL: https://www.youtube.com/watch?v=qfhVhuxkUIw
SUBTITULADA: https://archive.org/details/BergmanComoEnUnEspejo

Historia enmarcada. Historia dentro de otra historia.

Historia transcurre en isla, personajes solo 4, mar baltico
David escritor viudo de mediana edad padre de 2 hijos
Minus adolescente aspirante a escritor de teatro
Karin joven enferma psiquiatrica
Martin médico de profesión esposo de Karin

Acontecimientos que durante 2 días y una noche le suceden a esta familia. La enfermedad de
Karin, y relaciones con su padre, esposo y hermano hilos dramaticos.

Temas: creacion artistica, existencia y naturaleza de dios, frontera mundo real y espiritual,
suicidio e incesto.

Aparece representación teatral. Minus el artista. Karin princesa de castilla muerta. Martin hace
intervenciones musicales. Espectador David.

Obra de teatro sirve como universo dramatico alternativo. Minus y karin se ponen en escena
para abordar temas que fuera de la obra no pueden.
Karin usa la obra para tratar temas que le interesan, reprimidas e inconscientes.
Obra de teatro Es como un sueño que todos comparten como actores o espectadores.

Paralelo entre teatro y film, examinar hasta qué punto la obra refleja los temas importantes de
la película.
Metanarración de ambos personajes de Minus, porque es un artista.
Karin, pirncesa de castilla parece que no actúa, está más en sintonía que su hermano. Karin
encarna papel de adolescente que murió en parto, mas que princesa parece novia o virgen, y
fuera de la obra se ve en actitudes infantiles frente a su padre y esposo, apatía sexual.
Minus y Karin interpretan amantes, Karin es cariñosa con su hermano, incesto implícito de los
hermanos dentro y fuera de la obra de teatro.

Karin, escucha voces desde el otro lado de la pared, no puede mas vivir en dos mundos, obra
va mas alla de la metanarracion y funciona como simbolo del conflicto interno de Karin.

Permite a los personajes ser otros, reconfigurar las relaciones con los demás personajes.
Ficción se infiltra en la realidad.

Karin se permite ser infantil con su hermano adolescente, lo que no puede con su padre.
Dentro de la obra son amantes, y fuera de ella comportamiento muy cariñoso traspasa todo
límite. lo deja a el confundido y a ella con culpa.

dramas de alta intensidad como el de esta película, donde lo que vamos a presenciar es la
vivisección del alma de cuatro seres humanos, según Bergman.
Una vez más este brillante director elige el detonante de una enfermedad psíquica, que puede
verse de diferentes maneras, como una esquizofrenia o como la imposibilidad que tienen
algunos seres humanos de hacer frente a la vida.

El vidrio oscuro, si seguimos a Platón a través de la caverna, somos nosotros mismos. Esa es
la razón por la cual el título original que dio Bergman a su película fue “Como en un espejo”.

A través de nuestros sentidos -nuestro vidrio oscuro- percibimos la realidad que a la vez no es
la que está fuera de nuestros sentidos sino la que –paradoja de la condición humana- está en y
dentro de nuestros propios sentidos. Por lo tanto los sentidos no nos revelan la realidad, sino
todo lo contrario: nos protegen de la realidad. Eso significa que más allá de la realidad de
nuestros sentidos existe la realidad de otros sentidos que no son los nuestros. Los ojos del
lince ven otra realidad, los oídos del perro escuchan otra realidad, y el vuelo de la mariposa
cruza otra realidad.

Gracias a nuestros sentidos vivimos nuestra realidad la que al estar subsumida en otra realidad
es sólo una sub-realidad. Eso quiere decir que la realidad es y será siempre sub-realista
(surrealista). El surrealismo es, por lo mismo, simple arte imitativo ¿Se entiende entonces por
qué digo que nuestros sentidos son nuestro vidrio oscuro y que el vidrio oscuro no es más que
la imagen de nosotros mismos (espejo) en nuestra propia realidad?

Sobre cada realidad hay otra realidad. Y quizás, por sobre todas las sobre-realidades existe
una realidad no alcanzable por ningún sentido y luego, una realidad sin sentido, la que al no
tener sentido es la realidad verdadera: la del fuego que nadie puede ver sin enceguecer; la de
la llama a la que nadie puede acercarse sin morir.
21. La naranja mecánica (A clockwork orange, 1971) de Stanley Kubrick
ESPAÑOL: https://www.facebook.com/peliculas.peliculas.969952/videos/109308177278845/
SUBTITULADO/ESPAÑOL: https://cuevana3.fm/37/la-naranja-mecanica

Alex jóven hedonista, sociópata, maltratador,

3 compañeros, Los Drugos. Caminan y merodean por Londres practicando la ultra violencia,
viendo a quien maltratar, violar, tienen 14 años, fanáticos del sexo y violencia.

Vuelco, cuando Alex es aprehendido por la policía, como no quiere pasar en prisión, se somete
a tratamiento Ludovico. Arreglamiento de su ser. Tiene que ver imágenes violentas mientras lo
drogan con sustancias que lo hacen sentirse mal. Para cuando quiera actuar mal se sienta mal
y no lo haga.

NARANJA MECANICA- titulo hace referencia a “tan raro como una naranja mecanica” explica
lo que le pasa a Alex, ser organico controlado por drogas.
Lo
Alex antagonista.
Critica al conductismo, escuela de psicologia, psicologos conductistas, estudiar cosas
tangibles, negaba la mente como fenómeno. Estimulo respuesta. Violencia, enfermerdad
mental eran conductas mal aprendidas. Condicionamiento era un aprendizaje , experimentos
con animales, cada vez que perro veía comida babeaba, hacía un ruido cada vez que le daba
comida, entonces el perro cada vez que escuchaba ese ruido salibaba aunque no hubiese
comida.

Critica a la sociedad, control político, y hegemonía.

Intención del director era plantear el libre albedrío, decidir entre lo bueno y lo malo y tomar
nuestras propias decisiones. Alex es un títere de la sociedad, del estado y de la ciencia. Ya no
puede tener sus propias decisiones, deja de ser él.

Escena icónica cuando está en el tratamiento, representa la teoría psicológica del conductismo,
relacionar estímulo con la respuesta.
Limitar al hombre entre la elección del bien y el mal.

Mientras estos jovenes hacen destrozos los adultos responsables de ellos aparecen pegados a
la televisión como elementos idiotizantes de las masas. En la peli, los adultos viven sumergidos
en un mundo de colores, con plena ignorancia de lo que hacen sus hijos. El decorado es
sexual, pop art, mucho color, objetos de arte y diseño. En la peli vemos otras bandas haciendo
desastres, es un problema social. La peli muestra hipocresia de sociedad que encierra a Alex
mientras instituciones tmb practican violencia de forma ordenada y legal. Policia violenta, el
hombre de la carcel es violento, el encargado del caso de Alex es violento, víctimas del joven
son violentos. Todos son violentos. Violencia institucional legal. Tratamiento que le hacen es
violento.

Alex al principio de la peli representa al hombre natural, en su estado básico y real. Pero
cuando es sometido a la curación eso representa psicológicamente el proceso de la
civilización. La liberación que siente el publico al final corresponde a su propia ruptura con la
civilización. Uno nace malo y lo quieren hacer bueno.
Planos y contraplanos, minuciosamente planeados y ejecutados.
Una misma escena la filmaba 30 veces hasta que se sintiera satisfecho.

Música, movimientos de personajes, están coreografiados.

Caídas armoniosas visualmente.

Alex melomano obsesionado con Beethoven, pretexto para embalsamar cada una de las
frecuencias con música clásica, nos lleva a diferentes estados de ánimo.

Vemos lucir a dirección, producción, arte, actores, música, diseño.

Lo hermoso y lo violento, no podemos apartarnos de sentir ver una obra de arte aunque sea
horrible lo que sucede en la pantalla.
Mucha violencia, algunas partes fueron censuradas, algunos jóvenes imitaban actos violentos
de la peli.

Lo técnico/
Planos expresivos y bellos, recursos gran angular, zoom out, camara subjetiva, montaje
acelerado y desacelerado.
Espectador se siente identificado con el protagonista mas alla de lo que hace, usa la voz en off
para potenciar este efecto, narracion es una confidencia de alex al espectador donde busca su
apoyo y comprension. El protagonista mira a la camara varias veces, para mayor complicidad
entre espectador y personaje.

Musica contribuye a este efecto, crean sensacion de estar presenciando una coreografía.
Secuencia de enfrentamiento entre bandas. Camara hace lenta panoramica de arriba abajo
mostrando un teatro abandonado, alusión a tragicomico espectaculo que se verá a
continuación.

Paradoja entre los gustos del personaje, melomano, fan de beethoven, contraste con
naturaleza violenta. Paradoja, novena sinfonia himno a la alegria, paz y armonia, todo lo
contrario a lo que busca el protagonista.

Arte y simbolismo,
reune simbologías y diseños en escenografías y locaciones. Juega con los colores, pasa del
blanco a colores llamativos, parte de la decoración es sexualmente explicita, casa instructora
de yoga, maniquies.
Koroba Bar, leche materna confort y confianza, maniquies sacan leche, ubicaciones en
posiciones sexuales de color blanco, drogas fluyen de ellas. Bar refleja naturaleza de Alex
infantil y violento a la vez.