CONTEXTO HISTÓRICO

El Renacimiento es una corriente cultural y artística que surgió en Italia en el s.

XV y se extendió por el resto de Europa en el XVI. Es una época de la historia
europea privilegiada por su esplendor cultural y de gran influencia en etapas
posteriores.

Entre los intelectuales se impuso una nueva mentalidad, el Humanismo, que se

opone a la mentalidad tradicional de la Edad Media centrada en Dios y en la
religión (teocentrismo). El humanismo es una mentalidad racional, abierta y
crítica para la que el hombre (antropocentrismo) y la naturaleza se convierten
en centros de interés. Y el conocimiento ha de basarse en la razón que, a partir
de la experiencia, busca las leyes generales que rigen la naturaleza (armonía
divina del Universo).

Se inspira en la Antigüedad clásica porque ésta parte de los mismos principios

y por rechazo a lo medieval. El acercamiento a la Antigüedad clásica se
produce a través de las ruinas romanas presentes en Italia, de los textos
clásicos y de las aportaciones de los sabios bizantinos que llegaron a Italia
después de la toma de Constantinopla por los turcos.

La nueva mentalidad responde a las necesidades de la burguesía comercial y

financiera, que tiene gran fuerza en el norte de Italia y en los Países Bajos.
Esta clase social necesita el conocimiento científico para perfeccionar la
producción de mercancías mediante nuevos inventos y desarrollar el comercio
marítimo. Por ello, en la época del Renacimiento se producen los
descubrimientos geográficos y la aparición de los estados modernos que
protegerán los intereses de cada nación.

No supone una ruptura total con la Edad Media sino que resulta de una
evolución iniciada en los últimos siglos medievales en los que se fue
produciendo una secularización de la cultura y un mayor interés por el hombre
y la naturaleza.

CARACTERÍSTICAS GENERALES
La creación artística adopta un carácter experimental y racional siendo una
ciencia más dentro del conocimiento que es entendido como el conjunto de
todas las ciencias.

Las formas artísticas se basan en un conjunto de reglas elaboradas

racionalmente mediante cálculos matemáticos que buscan la armonía, la
proporción y el orden, lo que se exige a una obra de arte para ser bella. Las
obras humanas han de reflejar la armonía divina del universo.

La perspectiva, elaborada de forma científica y aplicada en todas las artes, es

el principal logro del Renacimiento.

Las obras de arte empiezan a ser valoradas por su belleza (al margen de su
utilidad) y adquirirlas da prestigio lo que hizo nacer el coleccionismo, los
estudios de Historia del Arte (Vasari) y el mecenazgo que llevaron a cabo
burgueses acaudalados (Medici), aristócratas, reyes o papas.

También se empezó a valorar el trabajo del artista (mecánico, anónimo y

artesanal en la Edad Media) que será apreciado por su dimensión intelectual.
Los propios artistas reivindican su nuevo status; rechazan su papel de
artesanos ya que dicen que no trabajan solo con las manos, sino que su obra
es resultado de una reflexión intelectual.

El Renacimiento se inicia en Italia y se desarrolla en tres etapas:

 Quattrocento (s. XV): período inicial. El principal centro artístico es la

Florencia de los Medici.
 Cinquecento (s. XVI): el foco principal es Roma donde los papas actúan
de mecenas de los grandes artistas. El estilo se empieza a difundir por el
resto de Europa.
 Manierismo (finales XVI): se empieza a romper con las normas clásicas.

ARQUITECTURA

CARACTERÍSTICAS

 El arquitecto aspira a hacer un edificio racional y objetivo aplicando un

conjunto de reglas que resultan de cálculos matemáticos. Esto se
traduce en orden, proporción y claridad.
  Las partes del edificio deben guardar una relación recíproca o
proporcionalidad. Debe existir un equilibrio entre las dimensiones de la
planta y la altura.
 El edificio ideal ha de ser simétrico en todos sus ejes, tanto vertical como
horizontal.
 El espacio interior es unitario, estático y delimitado, es decir, se ve de
una sola vez.
 Los edificios tienden a la horizontalidad que se subraya con molduras y
cornisas.
 Los espacios exteriores están muy cuidados, debido al gran interés por
el urbanismo y la belleza de la ciudad.
 Se adoptan las formas de la Antigüedad clásica que también se basaban
en reglas fijas (los ordenes); ahora se utilizan los cinco ordenes romanos
(dórico, jónico, corintio, compuesto y toscano).
 Una de las principales fuentes teóricas fue un tratado de arquitectura
romana, el de Vitrubio.
 Los elementos sustentantes son columnas y muros.
 Los elementos sustentados son el arco de medio punto, y las cubiertas
planas de madera o abovedadas.
 Los elementos decorativos son variados: tectónicos (columnas, pilastras,
frontones, arcos) u ornamentales (casetones, balaustradas, guirnaldas,
medallones).
 Los materiales utilizados son piedra y mármol.
 Gran variedad de tipos de edificios; religiosos y civiles (palacios,
villas,bibliotecas…)

QUATTROCENTO

FILIPPO BRUNELLESCHI

Considerado el padre de la arquitectura renacentista al introducir innovaciones

que rompen con el gótico. Trabajó con una mentalidad científica demostrando
grandes conocimientos de matemáticas y geometría que aplicó a sus obras
para conseguir perspectiva y proporcionalidad. Sus obras más famosas son
Cúpula de la catedral de Santa María in Fiori, iglesia de San Lorenzo, iglesia
del Santo Espiritu, Palacio Pitti, Capilla Pazzi y Logia del Hospital de los
Inocentes.

Cúpula Santa María in Fiori

La construyó concibiéndola como una doble cúpula con un espacio vacío en el

medio, que hace que el peso total sea menor, y en cambio, la rigidez es la
misma que si fuese maciza.

Descansa sobre un tambor octogonal de piedra cubierto de mármol. Como

elementos de soporte directos de la cúpula exterior actúan, por cada una de las
ocho caras, una combinación de hileras de sillares en el tambor y dos nervios
interiores escondidos; y en las aristas que se forman entre cara y cara una
serie de ocho nervios de cuatro metros de grosor. La cúpula interior, esférica,
está reforzada por nervios situados en los ángulos. Entre ambas cúpulas hay
un espacio vacío cuya finalidad es aligerar el peso de la estructura.

La cúpula es como una doble concha: una interna, construida en piedra, y una
externa recubierta de tejas rojas y con ocho nervios de mármol blanco, que se
alza sobre el tambor octogonal con una ventana circular en cada una de las
caras. Sobre la cúpula hay una linterna que sirve tanto para rematar ésta y
alargarla ópticamente como para iluminar el espacio interior.

La cúpula fue un encargo del gremio de tejedores de lana de Florencia;

responde al deseo de grandiosidad del pueblo de Florencia que en aquella
época vivía un momento de esplendor motivado por su actividad mercantil; con
ella Florencia quería destacar sobre otras ciudades rivales como Pisa o Siena.

Después del éxito conseguido con la construcción de la cúpula, este elemento

se convirtió en un distintivo de las iglesias renacentistas. Durante casi cinco
siglos, arquitectos tanto de Europa como de América reprodujeron las
soluciones propuestas por Brunelleschi y su concepción espacial de las
iglesias. El mismo Miguel Ángel al proyectar la cúpula de San Pedro en Roma
afirmó, reconociendo la maestría de la cúpula de Brunelleschi, que “quería
hacer a su hermana, más grande, pero no más bella”.
Iglesia de San Lorenzo

Edificio con planta de cruz latina dividido en tres naves a las que se adosan
capillas laterales.

La central, de mayor anchura y altura, presenta una arquería con arcos de

medio punto sostenidos por columnas corintias, cuyos capiteles sostienen
cubos de entablamento con arquitrabe, friso y cornisa. A mayor altura aparece
un muro perforado por amplios y esbeltos vanos de medio punto que permiten
la iluminación natural del interior del templo. La cubierta interior de la nave es
plana y decorada con casetones.

Las naves laterales presentan bóvedas que apean, a un lado, sobre las
columnas de la nave central y, al otro, sobre pilastras de orden corintio. Sobre
éstas, a los lados externos, encontramos óculos de iluminación. Las capillas de
los extremos, siete a cada lado, muestran un acceso con arco de medio punto y
se cubren con bóveda de cañón.

Por su parte, el transepto presenta en su frente cinco capillas. El ábside queda

enmarcado por dos columnas corintias sobre las que se alza una tribuna,
generando una doble altura en la que se aprecian sendos arcos de medio
punto. Adosados a ambos lados del transepto se encuentran dos amplios
espacios, que sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas
“Sacristía Vieja”, obra de Brunelleschi, y la “Sacristía Nueva” obra de Miguel
Ángel.

LEON BATISTA ALBERTI

Fue un gran estudioso de la Antigüedad y escribió numerosos tratados de arte

en los que trata de buscar reglas racionales: “De rea aedificatoria”, basado en
la obra de Vitrubio, “De pintura” y “De statua”. Su arquitectura sigue la tradición
racionalista de Brunelleschi buscando la proporcionalidad y la armonía. Entre
sus obras destacan Fachada Santa María la Novella, Palacio Rucellai, templo
Malatestiano e iglesia de San Andrés.

Palacio Rucellai

El palacio se estructura en tres niveles, marcados por el uso de los tres

ordenes clásicos: dórico en la planta baja, jónico en el primer piso y corintio en
el segundo. Los tres niveles están separados por un entablamento. En la
fachada se repiten los elementos y las formas con una geometría exacta, una
característica que aplicó en todos los palacios que construyó después.

Se convirtió en modelo para todos los palacios que se construyeron en Italia

durante el XV, como los palacios Strozzi, Pazzi y Pitti (Florencia), el palacio
Picolimini (Siena) y el palacio de la Cancilleria (Roma).

Fachada Santa María la Novella

Alberti diseñó una fachada telón delante de la iglesia gótica dividida en dos
cuerpos que toman como módulo el cuadrado para las proporciones; incluso
toda la fachada se puede inscribir en un cuadrado.

En el cuerpo inferior realiza la puerta principal que presenta el esquema

romano de arco de triunfo. La fachada es simétrica, centra en la primera planta
una puerta adintelada con tímpano enmarcada en un arco de medio punto
entre columnas verdes compuestas adosadas a la fachada. En las fachadas
laterales se encuentra, en la parte más inferior una arquería con dovelas de
mármol rojo y blanco. Sobre este cuerpo de arcos hay otro cuerpo que
completa el primer piso decorado en mármol blanco y verde.

Dividiendo este piso del segundo se encuentra una cornisa con decoración y
sobre ésta un frontón corrido decorado con elementos cuadriculados en
mármol. En el cuerpo superior coloca un ático en el que abre un óculo para
iluminar la nave central, y lo remata con un clásico frontón triangular. Para que
la sensación de verticalidad o desconexión no se diera coloca unas aletas
laterales con volutas a ambos lados del ático.

La base de la sensación de equilibrio y serenidad está originada por las

proporciones tan bien estudiadas de la fachada, y que están basadas en el
cuadrado, que además aparece en diferentes partes de la fachada como
elemento decorativo.

MICHELOZZO

Discípulo de Brunelleschi.

Palacio Medici-Ricardi
La fachada, de una simplicidad robusta, se divide en tres registros
arquitectónicos, separados por cornisas. El inferior destaca por la rusticidad de
los sillares, que se va atenuando en los registros superiores. Los rasgos
principales de la fachada son las ventanas geminadas, que se repiten
simétricamente. La fachada acaba con un gran entablamento de raíz clásica.

CINQUECENTO

Roma se convierte en el nuevo centro artístico donde se agrupan artistas de

diversa procedencia que se identifican con los ideales de grandeza del Papado,
y a partir del estudio de los restos de la antigüedad, crean un arte solemne y
grandioso. La arquitectura busca el equilibrio, la armonía y las proporciones
entre las partes; se eliminan los elementos decorativos superfluos para dejar la
simple estructura y se impone el modelo de planta central.

BRAMANTE

Su labor artística se desarrolló primero en el norte de Italia donde dejó obras de

gran sentido decorativo, pero después fue llamado por el papa Julio II y se
estableció en Roma. Aquí, estudiando las ruinas antiguas, renuncia a lo
ornamental y realiza obras en las que domina la estructura arquitectónica.

San Pietro in Montorio

El templo se divide en dos pisos. El primero comienza con una escalinata

circular que limita el peristilo de 16 columnas toscanas, sobre las cuales se alza
un entablamento clásico formado por arquitrabe, friso decorado con las
imágenes de los instrumentos del martirio de San Pedro, y cornisa. El superior
empieza con una balaustrada que envuelve un cuerpo cilíndrico a manera de
tambor. En él se suceden una serie de ventanas abiertas, ventanas ciegas y
nichos coronados con pechina. Sobre estos elementos se alza una cúpula
cuyos nervios confluyen en una linterna acabada en una cruz. En el interior hay
una única cela, de planta circular, con pilastras adosadas en la pared.

El templo, financiado por los Reyes Católicos, se edificó para conmemorar el

martirio de San Pedro en el lugar en el que la tradición sitúa el lugar donde fue
crucificado. Bramante recuperó la tipología del templo circular (tholos) de la
época griega, reformulada después en época romana (Panteon de Roma). Este
edificio se convirtió en un modelo a imitar durante el Cinquecento y fue un
referente en el cuadro Los desposorios de la Virgen de Rafael.

PALLADIO

Trabajó principalmente en Vicenza, uno de los centros del Renacimiento

veneciano. Escribió un famoso tratado “Los cuatro libros de la arquitectura” de
gran influencia en la historia de la arquitectura en el que recoge las normas
básicas de la construcción y explica como construir puentes, edificios
religiosos, civiles… Realizó edificios civiles como las villas y palacios para las
clases adineradas que imitaban la costumbre de los antiguos nobles romanos
de construir casas en el campo.

Villa Capra

Edificio de planta cuadrangular con una sala central redonda, cubierta por una
cúpula, en torno a la cual se agrupan simétricamente distintas estancias
geométricas, y con cuatro entradas iguales concebidas como una fachada de
un templo romano de orden jónico. El frontón y las escalinatas están
enmarcados por estatuas. El edificio se eleva sobre un podio para permitir la
contemplación del paisaje. Esta obra es un ejemplo de clasicismo por su
simplicidad y proporcionalidad geométrica.

Palladio se inspiró en las villas y templos romanos para crear un modelo que
tuvo gran influencia posterior, en la arquitectura inglesa del XVII (mansiones de
la nobleza), y sobre todo en Estados Unidos en el XIX, donde muchas
mansiones de las plantaciones sureñas siguieron este modelo (“estilo
neopalladiano”).

MANIERISMO

El Manierismo es un estilo artístico que surge y se desarrolla en Italia entre

1527 y 1594, en el que destaca la pintura. Los artistas trabajan “alla maniera”
de los grandes maestros del Renacimiento (Leonardo, Rafael…), de ahí su
nombre, pero recrean las formas con libertad. Miguel Ángel es el iniciador del
nuevo estilo al romper con las normas clásicas en sus últimas obras. El estilo
es el reflejo de una época en crisis (enfrentamientos religiosos y políticos
sacuden Europa), con una mentalidad más pesimista que busca la evasión de
la realidad. La desconfianza en la capacidad del individuo y en la razón hace
que en el arte se olvide el equilibrio armónico y sereno. En el manierismo se
manifiesta la angustia o el desequilibrio y se busca el efecto sorpresa, la
tensión y la ingeniosidad.

La arquitectura manierista se caracteriza por:

 Utiliza los elementos clásicos con libertad.

 Los espacios son comprimidos, agobiantes y angostos.
 Se acentúa el decorativismo, la monumentalidad y el dinamismo.

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

Iniciador de la arquitectura manierista con la Sala de lectura y vestíbulo de la

biblioteca Laurentina.

Cúpula San Pedro del Vaticano

Es una doble cúpula (Brunelleschi). Se alza sobre un tambor cilíndrico con

ventanas cuadradas separadas por columnas pareadas y coronadas por
frontones curvos o triangulares, y se remata con una bella linterna. En el
interior es semicircular y apoyada sobre cuatro enormes pilares unidos por
arcos con pechinas en sus esquinas. Por sus enormes proporciones y su
carácter dinámico, todo el edificio representa ya la transición al barroco.

VIGNOLA

Arquitecto y teórico formado en la escuela romana y discípulo de Miguel Ángel.

Entre sus obras destacan Villa Farnesio y la Iglesia de Il Gesú.

Iglesia de Il Gesú

Es la iglesia madre de la Compañía de Jesús en Roma. La nueva orden

religiosa, creada por san Ignacio de Loyola, se convirtió en la principal
impulsora de las ideas de la Contrarreforma católica que surgieron del Concilio
de Trento. Para construir la iglesia Vignola siguió las indicaciones del Concilio
que afirmaban los dogmas a los que se oponían los protestantes.
  La planta de salón o gran nave abovedada con capillas laterales se
explica por la importancia dada a la predicación y a la oración en común
frente a la relación personal con Dios del protestantismo.
 Las capillas laterales en forma de nicho para las misas por la
importancia dada a la eucaristía, sacramento negado por los
protestantes.
 La única nave y la iluminación tienen como finalidad centrar la atención
de los fieles en el altar mayor.

La fachada es de Giacomo della Porta, quien introduce elementos decorativos

que anuncian el barroquismo. Se distribuye en dos cuerpos y se remata con un
gran frontón y dos grandes volutas (influencia de Alberti) que unen el cuerpo
inferior más ancho con el superior. Los muros están decorados con pilastras y
hornacinas; las del piso superior están rematadas con frontones triangulares y
las del piso inferior con frontones curvos; el cuerpo central está resaltado con
columnas y frontones. Esta iglesia se convertirá en el modelo de iglesia
jesuítica para todo el mundo.

ESCULTURA

CARACTERÍSTICAS

 La escultura se libera de la arquitectura, ya que su mayor interés está en

el bulto redondo.
 Los artistas se inspiran en las formas clásicas, pero las reinterpretan
siguiendo los valores de la sociedad renacentista.
 Materiales empleados : mármol y bronce.
 La composición es geométrica y el movimiento contenido (excepto
Manierismo).
 La luz ilumina de forma homogénea.
 La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la
belleza formal capaz de producir placer estético.
 El hombre y la naturaleza son el centro de interés tanto en los temas
religiosos (todavía predominantes) como en los nuevos temas profanos
 (mitológicos, históricos y alegóricos). El retrato tiene un gran auge, como
expresión de la importancia del individuo en la sociedad.
 El cuerpo humano desnudo adquiere gran importancia, como ejemplo
máximo de la belleza perfecta, se representa de una manera realista
(con estudio de la anatomía y el movimiento), y se buscan las
proporciones basadas en el canon clásico de Policleto.

QUATTROCENTO

Se mantiene el gusto por el realismo anecdótico que procede del gótico, lo

curvilíneo y la delicadeza, pero surgen nuevos elementos como la
monumentalidad o severidad (Donatello) que se mantienen hasta el
Cinquecento.

GHIBERTI

Representa la transición entre la escultura gótica y renacentista. Su técnica

favorita era el trabajo en bronce destacando por los relieves en los que los
paisajes y la figura humana aparecen representados con gran detallismo. Su
fama se inició al ganar un concurso convocado por el gremio de comerciantes
de Florencia para decorar el baptisterio. Trabajó durante veinte años en la
Puerta norte del Baptisterio, lo que le obligó a crear un taller que se convirtió en
centro de formación de muchos artistas, entre ellos Donatello. La puerta está
formada por 28 medallones lobulados, a la manera gótica, pero la perfección
anatómica de las figuras, el naturalismo de los paisajes y el interés por la
belleza del cuerpo humano son elementos renacentistas. Destaca el Sacrificio
de Isaac, ganador del concurso.

Ante el éxito obtenido, el mismo gremio le encargó la decoración de la Puerta

del Paraíso que se convertirá en su obra maestra. Está compuesta por diez
relieves en bronce que representan historias del Antiguo Testamento.

Creación del mundo y expulsión del Paraíso

Representa la creación de Adán y Eva, y la expulsión del Paraíso. Situó la
escena dentro de un marco, en este caso un paisaje que representa el Paraíso,
adquiriendo así protagonismo por si mismo.

Utiliza el alto relieve en primer plano, medio en segundo plano y bajo relieve en
el fondo, con lo que crea un efecto de profundidad. La utilización de diferentes
tipos de relieve en una escena tiene influencia clásica (arco de Tito). En la
composición existen esquemas variados: verticales en Dios, diagonales en la
Eva creada y escorzos en los ángeles; toda esta composición crea un
dinamismo, pero contenido. La luz crea efectos de brillo por el dorado y
también de claroscuro por los diferentes tipos de relieve que crean entrantes y
salientes, y también por los pliegues.

Se crea un efecto de profundidad mediante la gradación del relieve, por la

perspectiva lineal ya que la disposición de las figuras crea un triángulo visual
que nos dirige hacia el fondo, por los efectos de difuminado y por la técnica del
“schiaciatto” (relieve en el que lo más próximo al espectador posee más
volumen frente a lo más alejado que aparece con relieve muy bajo, también se
denomina relieve pictórico).

DONATELLO

Principal representante escultura del Quattrocento. El tema principal de su obra

es la figura humana, a la que dotó de gran variedad de gestos y actitudes,
mostrando su realidad interna y sus diferentes estados anímicos, sus obras son
auténticos retratos psicológicos. No solo exploró lo anímico, también recorrió
las diferentes etapas de la vida: la alegría de la niñez y juventud, la plenitud de
la madurez y la decrepitud de la vejez. Entre sus obras destacan David, Profeta
Habacuc, Condottiero Gattamelata, San Jorge, Judith y Holofernes, Magdalena
penitente, San Juan Evangelista y Cantoria de la catedral de Florencia.

David

Representa el pasaje bíblico del enfrentamiento entre David y Goliat, justo en el

momento posterior a dicho enfrentamiento, cuando éste se ha salvado con la
victoria en favor de David. Aparece representado desnudo, a excepción de un
sombrero toscano coronado con hojas de laurel y unas botas altas, portando
con la mano derecha la espada con la que acaba de degollar a Goliat, cuya
cabeza pisa con la pierna izquierda, y en la mano izquierda la piedra.

Donatelllo vuelve la mirada a la escultura griega clásica y el profeta bíblico

aparece representado como si de un dios olímpico se tratara. Aparece
representado como un joven adolescente de anatomía blanda apenas
desarrollada y adopta la postura clásica del contraposto. El rostro imberbe del
joven David expresa serenidad y contrasta con el del vencido Goliat, cuyo
rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su
oponente.

Esta obra supuso la vuelta al desnudo como tema tras casi mil años de la
ausencia de éste de la historia del arte occidental. El tema bíblico del
enfrentamiento entre David y Goliat se convierte en una simple excusa para
representar el desnudo como hicieran los escultores clásicos. La influencia de
Praxiteles es clara tanto en la pose de la escultura como en el modelado del
cuerpo, de ambigua sexualidad.

Hay quien ha visto en el encargo de este tema por parte de la familia Medicis
una alusión al enfrentamiento entre la ciudad de Florencia, representada por
David tocado con el sombrero típico de los campesinos florentinos, y el ducado
de Milán, representado por la cabeza decapitada de Goliat. Más allá de la
explicación política del tema representado, el tema de David, de gran
proliferación en el Renacimiento y después en el Barroco, simbolizaba el triunfo
de Cristo sobre la muerte y el pecado. Algunos historiadores han cuestionado la
identificación del tema con David y consideran que se trata del dios Mercurio
con la cabeza del gigante Argos.

Condottiero Gattamelatta

Es la primera escultura ecuestre de grandes dimensiones de la época

moderna. Así mismo, es una de las primeras esculturas concebida como una
obra libre en relación con el entorno urbanístico, sin estar supeditada a la
arquitectura. Su posición elevada muestra el poder y la autoridad del personaje,
que domina el espacio circundante y a los observadores, que lo ven en un
contrapicado acentuado desde múltiples puntos de vista. El gesto altivo, el
bastón de mando y la manera como va vestido recuerda a un emperador
romano (Estatua ecuestre de Marco Aurelio).

CINQUECENTO

Roma sustituye a Florencia como centro artístico. En lo formal se impone la

monumentalidad, la grandiosidad y simplificación. El relieve casi desaparece
sustituido por el bulto redondo.

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

Nació en Caprese, pero siendo pequeño su familia se trasladó a Florencia,

donde pronto mostró sus dotes de artista. A los trece años entró en el taller de
los hermanos Ghirlandaio donde conoció las obras de Giotto y Massaccio.
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y
Roma al servicio de sus mecenas: la familia de los Medicis y los papas Julio II y
León X. Se sentía por encima de todo escultor trasladando a las demás artes la
plasticidad de la escultura. El concepto que tenía de la escultura lo expresó con
esta frase “Por escultura entiendo aquello que se hace a fuerza de quitar, pues
lo que se hace a fuerza de añadir se asemeja más a la pintura”. Su obra refleja
las diferentes etapas por las que pasa el arte renacentista.

Periodo juvenil. Expresión de la belleza ideal.

Es la época clasicista con gran influencia de Donatello. Los temas religiosos

son el instrumento para expresar el ideal de belleza: los rostros están
desprovistos de sentimientos y los cuerpos carecen de toda deformación física.
La composición es armónica y equilibrada produciendo una sensación de
serenidad. El modelado es perfecto: superficies pulidas y representación
anatómica perfecta.

Piedad del Vaticano

Realizada con tan solo 20 años, es la única escultura firmada por Miguel Ángel.
Realizada en mármol de Carrara representa a Cristo yacente en los brazos de
su madre (perfecto estudio anatómico de Cristo). Es una composición piramidal
y simétrica. Consigue la armonía a través de los contrastes: la serenidad y
belleza juvenil de la madre que insinúa timidamente el dolor, frente al cuerpo
adulto y tenso del hijo; el movimiento vertical de la madre frente a la horizontal
del hijo. Las imágenes están desproporcionadas a propósito: el volumen de la
madre está agrandado para acoger el cuerpo del hijo y dar mayor protagonismo
a ésta.

A la misma época pertenece la Virgen de Brujas.

Período de madurez. Aumento de la expresividad y movimiento

En esta etapa empieza a romper con el ideal clásico destacando:

 Un aumento de la expresividad que parece estar relacionado con el

descubrimiento del Laoconte que impresionó a Miguel Ángel.
 Una acentuación del movimiento.
 El abandono de la figura humana autónoma (a partir del David) para
crear grupos dentro de los que cada figura adquiere su significado.

David

Es una escultura de mármol de 5’17 metros de altura y 5’5 toneladas de peso.

Fue un encargo para decorar uno de los contrafuertes de la catedral, pero tanto
por sus dimensiones como por su calidad, se ubicó en la Piazza della Signoria,
centro político de la ciudad.

Recibió la orden de esculpir una estatua que representase a David, siendo

preceptivo usar para ello un gran bloque de mármol que había sido
abandonado 40 años antes por el escultor Agostino de Duccio. Mientras otros
autores habían representado el momento de la victoria sobre Goliat, M.A. nos
muestra el momento previo al enfrentamiento. Así, aunque la temática inicial
era religiosa, la escultura terminó en poder del gobierno, pasando a ser un
símbolo del buen gobierno y de la defensa de la patria. Se convirtió en un
símbolo de la ciudad y del Renacimiento italiano.

Se concentró en el aspecto humano del personaje, en las virtudes que hacen

que el ser humano se prepare para hacer frente a un gigante. Representa a un
joven musculoso en posición previa al combate. Apoya su mano izquierda (en
la que lleva la honda) sobre el hombro, mientras que en la derecha oculta la
piedra.

Entre sus principales características destacan:

 Escultura exenta o de bulto redondo.

 Adquiere una postura típica de la escultura clásica, el contraposto.
 Hay una contención entre tensión y relajación del cuerpo, mostrando el
estado emocional de una persona que está en estado de alerta y
preparándose para pasar a la acción.
 Consigue imprimir fuerza y expresividad en el rostro de David. Así
muestra poder y confianza en su expresión, además de una mirada
desafiante ante su enemigo. Una expresión fuerte y dramática conocida
como “terribilitá”, que será una constante en la obra de Miguel Ángel.

Moisés

Pertenece al sepulcro del papa Julio II, su mecenas. El proyecto original

consistía en una tumba exenta, a cuatro fachadas, con más de cuarenta
grandiosas estatuas, que se colocaría bajo la cúpula de San Pedro del
Vaticano. Este proyecto fue reduciéndose por motivos económicos y
personales (muerte de Julio II), hasta que M.A. lo diseña como un sepulcro
adosado a modo de retablo que se instaló en la iglesia de San Pietro in Vincoli.

El tema es bíblico: el profeta Moisés, al regresar de su estancia de cuarenta

días en el monte Sinaí, portando bajo el brazo las tablas de la ley, contempla
horrorizado como su pueblo ha abandonado el culto a Jehová y está adorando
el becerro de oro.

Tipología bulto redondo, cuerpo entero y sedente. Material mármol de Carrara.

La figura destaca por la fuerte expresividad, capta el instante en que Moisés
vuelve la cabeza y va a levantarse, lleno de furia ante la infidelidad de su
pueblo. Esta ira, la terribilita que le embarga, se expresa en su rostro, que se
contrae en un gesto ceñudo. M.A. ha abandonado los rostros serenos de su
primera época y opta por una expresividad acentuada, anuncio del Barroco.
Posiblemente sea producto no solo de su propia evolución personal, sino
también de la influencia que sobre él ejerció el descubrimiento del grupo
helenístico del Laoconte.

El modelado es perfecto, y el estudio anatómico de un naturalismo asombroso.

Las ropas caen en pliegues donde juegan luces y sombras dando volumen a la
figura. La composición es cerrada, y se estructura en torno a un eje vertical
desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya
figura queda enmarcada por dos líneas verticales en los extremos. Las líneas
rectas quedan compensadas por dos líneas curvas paralelas: la que forma la
larga y ensortijada barba hasta el brazo izquierdo, y la iniciada en el brazo
derecho estirado hasta la pierna izquierda. Existe un ligero contraposto
marcado por el giro de la cabeza y la simétrica composición entre brazo
izquierdo hacia arriba y derecho hacia abajo, así como pierna izquierda hacia
afuera y derecha hacia dentro. Con esta compleja composición el artista
sugiere el movimiento en potencia; los músculos están en tensión pero no hay
movimiento en acto.

Algunos han querido ver en Moisés un retrato idealizado del propio escultor o
de Julio II; otros piensan que puede ser un símbolo de los elementos que
componen la naturaleza, así la barba sería el agua y el cabello el fuego; para
M.A. podría simbolizar la fusión de la vida activa y la contemplativa, según el
ideal neoplatónico.

Sepulcro de los Medicis

El papa León X, hijo de Lorenzo de Medicis, encargó a Miguel Ángel la

construcción de una sacristía en la iglesia de San Lorenzo que sirviera como
panteón de su familia.

Realizó dos tumbas, una frente a la otra, para Lorenzo y Giuliano. Ambas se
sitúan sobre altos zócalos en los que hay tres hornacinas interrumpidas por
entablamentos. En la hornacina central están representados cada uno de los
duques en actitud sedente. Lorenzo, en actitud pensativa y relajada, como
símbolo de la vida contemplativa, junto a la Aurora y el Crepúsculo. Lleva el
casco de los generales romanos. Giuliano en actitud arrogante con un
movimiento contenido, como símbolo de la vida activa, con las figuras del Día y
la Noche. Lleva una coraza.

Los dos conjuntos tienen una estructura piramidal. Destaca el modelado de las
figuras alegóricas, que simbolizan el paso del tiempo, con exagerados escorzos
y gran inestabilidad.

Periodo final. Predominio de la idea.

Corresponde al período manierista, expresión de una época de crisis y

desconfianza en la razón. M.A. se aleja del realismo, no se preocupa por la
belleza ni por la perfección anatómica. Su principal preocupación es transmitir
una idea atormentada que refleja su espíritu pesimista. Desde el punto de vista
técnico utiliza el “no acabado” frente al perfeccionismo de épocas anteriores.
Las composiciones son desequilibradas. A esta época pertenece la Piedad
Rondanini.

MANIERISMO

La escultura manierista va a estar muy influida por el hallazgo en Roma del

Laoconte. Miguel Ángel se dejó influir por esta obra y dio un giro a su estilo
dotando a sus figuras de monumentalidad y dramatismo, y como él, otros
escultores. Se rompe con el equilibrio y la belleza clásica, y se busca la tensión
y el desequilibrio. El movimiento se acentúa y aparece la línea serpentinata o
helicoidal: las figuras giran sobre sí mismas y ofrecen al espectador distintos
puntos de vista produciendo la sensación de inestabilidad. El cuerpo humano
pierde las proporciones y se hace estilizado, alargado e irreal.

BENVENUTO CELLINI

Importante escultor y orfebre. Su principal obra es Perseo, representado como

un héroe que enseña la cabeza de Medusa.

GIAMBOLOGNA

Su principal innovación es la línea serpentinata. Entre sus obras destacan El

rapto de las Sabinas y Mercurio.
El rapto de las Sabinas

El grupo escultórico se organiza en torno a la figura principal de un hombre

joven que sujeta con fuerza a una mujer, a sus pies, agachado, hay un hombre
mayor con barba. El dinamismo y la expresividad son las principales
características de este grupo, uno de los mejores ejemplos de manierismo. Las
tres figuras se relacionan formalmente entre ellas por la unión de los cuerpos,
pero también existe un juego dinámico de las miradas que permite al
espectador seguir el desarrollo de la acción. Destaca el uso de la línea
serpentinata. También destaca el excelente trabajo anatómico con el que se
representan los cuerpos en tensión, y también la magnifica captación
psicológica de lucha y sufrimiento de los personajes, que se refleja en las
expresiones faciales.

PINTURA

CARACTERÍSTICAS

 Tema central el ser humano.

 Uso de la perspectiva que permite dar corporeidad a las figuras.
 Naturalismo.
 Incorporación de nuevas técnicas y medios pictóricos: pintura al óleo,
tela como soporte, esbozos preparatorios…
 Utilización técnica del claroscuro consistente en definir los contornos de
las figuras a través de los contrastes entre las zonas iluminadas y las
sombreadas.
 Predominio del dibujo sobre el color.
 Uso de esquemas formales geométricamente simples.
 Invención del retrato como reflejo de una individualidad personal y no
como constatación de la condición social del personaje.
 Reivindicación del paisaje, que tiende a dejar de ser un simple fondo
para convertirse en el tema principal de algunos cuadros.
QUATTROCENTO

La pintura renacentista italiana se inicia en Florencia en el s. XV. Sus

principales características se centran en torno al estudio de la figura humana, la
representación del espacio y de la luz. Hay diferentes escuelas con
características propias, pero es la escuela florentina la de mayor impronta en
este período. Entre sus características destaca la influencia de la pintura gótica
a través de Giotto; y la preocupación por el espacio y su dimensión, logrado
mediante la utilización de la perspectiva lineal.

En general, la temática es variada. Abundan las pinturas religiosas, las

mitológicas y los retratos. En cuanto a la técnica, además del fresco sobre el
muro, también se emplea el temple sobre tabla y el oleo sobre tabla.

FRA ANGELICO

Su obra está dotada de un fuerte componente espiritual. En ella, sobre todo en

sus Anunciaciones, se aprecian elementos de la tradición medieval (fondos
dorados, estilización de las figuras, actitud mística de los personajes…),
además de un gran sentido narrativo. Técnica temple sobre tabla.

La Anunciación

Es la tabla central de un retablo con episodios de la vida de la Virgen. Contiene

un nivel de detallismo muy alto; sobre todo el trabajo tan minucioso de las
plantas y flores del Paraíso. La representación del marco arquitectónico sirve
para dar perspectiva: un pórtico de mármol abierto donde vemos a la Virgen y
al arcángel Gabriel (Hospital Santos Inocentes).

Se representa el tema de la Anunciación tal y como lo narra Lucas en su

evangelio. Iconográficamente esta obra es una alusión al pecado original y a la
salvación del ser humano gracias a la anunciación hecha a la Virgen y su
concepción. Un ángel expulsa a Adán y Eva del Paraíso, que aquí está
representado como un gran jardín botánico, una imagen que hace referencia al
pecado original de Eva, a la cual se contrapone María (la nueva Eva), la única
sin pecado concebida, que es también el eje central de la escena, porque
gracias a su concepción se redimirá el pecado original.

El cuadro se completa con una predela en la que se narran cinco escenas de la

vida de la Virgen: nacimiento y matrimonio, la visitación, la adoración de los
magos, la presentación en el templo, y el tránsito.

MASSACCIO
Pintor de temas religiosos. Centra su atención en el volumen de las figuras, a
las que dota de un tratamiento escultórico. Aplicó una luz homogénea en la
representación de los cuerpos y en las indumentarias de sus personajes, que
unido a la utilización de la perspectiva, dio como resultado obras de gran
monumentalidad-

Tributo de la moneda

Representa un pasaje narrado en el evangelio de San Mateo, donde un

cobrador de impuestos del templo de Cafarnaún exige el pago de un tributo.
Cristo ordena a Pedro que pague, para hacerlo le anda pescar un pez en cuya
boca encontrará la moneda que necesita. Massaccio divide la historia en tres
partes. Siguiendo la tradición gótica algunos personajes aparecen
representados varias veces, priorizando la narrativa visual sobre la unidad de la
obra. Así nos muestra un esquema compositivo circular e isocefálico.

La parte principal está ocupada por la figura de Cristo, rodeado por los
apóstoles y el recaudador, que se encuentra de espaldas dialogando con Cristo
y San Pedro. Cristo se sitúa en el centro, con expresión bondadosa realizando
con su brazo un gesto imperativo, señalando hacia su derecha el lago del
mismo modo que San Pedro, mostrándonos de esta manera el lugar hacia
donde debemos dirigir la mirada. En contraposición, el recaudador señala hacia
la ciudad. Los discípulos poseen retratos individualizados de gran seriedad,
señalando la trascendencia del mensaje que trata de subrayar cristo: la
obligatoriedad de todo buen ciudadano de pagar sus impuestos.
El milagro, motivo del fresco, lo encontramos a la izquierda, configurando la
segunda escena de la obra donde aparece San Pedro arrodillado a orillas del
lago Tiberiades para extraer del interior de un pez la moneda que, el propio San
Pedro ya en la tercera escena, se encarga de entregar al recaudador. Esta
escena ya posee un marco arquitectónico, pues sucede en las afueras de la
sinagoga de Cafarnaún.

El paisaje también sirve para articular el espacio en el que se mueven las

figuras, generando una diagonal descendente desde el edificio de la derecha
hasta figura agachada de San Pedro. Posee colores grises y tonalidades frías
que recuerdan a las obras de Giotto permitiendo alargar la perspectiva, siendo
esto una de las grandes aportaciones de Massaccio a la pintura.

En cuanto a la luz, es una luz natural proveniente de la izquierda, generando un

juego de sombras y gradaciones tonales de los colores que permiten dotar de
volumen a las figuras. También le sirve para resaltar el rostro de Cristo como
elemento central de la composición.

La Trinidad

La escena recoge el momento de la muerte de Cristo acudiendo Dios Padre

junto al Espiritu Santo a acoger al hijo para llevárselo con él. En la parte
superior se nos muestra la Trinidad con Dios Padre, la paloma (Espiritu Santo)
y Jesús crucificado; en el segundo nivel aparecen la Virgen que mira al
espectador y San Juan (deesis); y en el tercer nivel dos donantes
representados a igual medida que las figuras religiosas, hecho que denota la
creciente importancia del ser humano. En la zona inferior se simula un altar
entre columnas y un esqueleto en un sarcófago, símbolo de la muerte, un
memento mori por el que han de pasar los hombres.

La composición es cerrada y simétrica. Destaca la ubicación de la escena en

un marco arquitectónico, que recuerda a la arquitectura de Brunelleschi y al
mundo clásico: pilastras de orden corintio con entablamento, en las enjutas se
observan dos tondos, bóveda de cañón decorada con casetones sustentada
por columnas de orden jónico, y gran detallismo al representar las calidades
matéricas (ladrillo para capiteles y elementos sustentados y mármol para
columnas y pilastras).
Importancia del dibujo que perfila y enmarca los colores. En la composición se
observan esquemas triangulares: base donantes y vértice cabeza de Dios; otro
es el formado por la cabeza de Dios y el brazo de la cruz. Distribución armónica
del color con predominio de las tonalidades del rojo en arquitrabe, arcos,
capiteles, Dios Padre, san Juan y un donante; y azules en la Virgen y donante
de la derecha que se distribuyen en diagonal. Primera pintura que emplea una
perspectiva racional correcta (punto de fuga pie de la cruz), técnica que
introdujo en Florencia Brunelleschi. El efecto de este recurso es que parece
que el espectador mire el interior de una capilla.

Se busca un sentido narrativo mediante la relación de los personajes: Dios

sujeta a Cristo, Juan mira hacia Cristo, María señala a Juan y a la vez mira
frontalmente al espectador y señala a Juan que con su mirada nos lleva a la
Trinidad.

PIERO DELLA FRANCESCA

Especialmente interesado en el estudio y empleo de la perspectiva, llegando a

recopilar en diversos tratados las leyes que rigen ésta. Imprimió a sus obras un
aura de tranquilidad y misticismo gracias al empleo que va a hacer de la luz y a
la creación de composiciones geométricas. Entre sus obras destacan El sueño
de Constantino, Retrato de los duques de Urbino y Madonna de Senigallia.

Madonna de Senigallia

Aparece la Virgen con el niño, acompañada por dos ángeles, todos situados en
un primer plano de una habitación, donde se unen la monumentalidad y la
intimidad. La estancia nos remite a un palacio renacentista. La característica
principal que articula toda la obra es el detallismo de la representación de los
objetos junto con el estudio de la luz. Ésta proviene de la ventana que hay en
una segunda estancia, detrás de los personajes.
La Virgen con el Niño es un tema pictórico habitualmente relacionado con la
maternidad y fertilidad. Era muy habitual encargar obras con esta iconografía
como celebración de una boda o un nacimiento; posiblemente se trata de una
tabla en relación con el matrimonio de la hija de Federico de Montefeltro,
Giovanna. La luz, la cesta con ropa blanca, la rosa que sostiene el niño o el
velo transparente de la cabeza de la Virgen nos remiten simbólicamente a la
idea de la fertilidad y pureza.

BOTTICELLI

Destacó como pintor de alegorías como El nacimiento de Venus y La

primavera.

CINQUECENTO

Características:

 Composiciones basadas en formas geométricas.

 Uso de la perspectiva de una forma más natural; se busca la
profundidad a través del uso de luces y sombras, y de los paisajes.
 Representación del cuerpo humano idealizado según los canones
clásicos y especial interés por representarlo en movimiento.
 Técnicas: grandes composiciones al fresco y pintura al oleo sobre tabla.
 El color se maneja de una forma más suelta y va ganando importancia
sobre el dibujo.
 Temas: pintura religiosa, mitológica y retratos.

LEONARDO DA VINCI

Prototipo de hombre universal, humanista y científico, se le considera uno de

los artistas más influyentes de todos los tiempos. Se formó en Florencia en el
taller de Verrochio; y trabajó en Florencia, Milán y Francia, donde murió. Sus
aportaciones más importantes a la pintura fueron: la perspectiva aérea que
perfecciona la perspectiva lineal, representando la atmosfera que envuelve los
objetos y figuras. Y la técnica del sfumatto, que consiste en difuminar los
colores y los perfiles dando a sus pinturas un aspecto misterioso.

Entre sus obras destacan La Anunciación; La Virgen de las Rocas; La dama del
armiño; La Gioconda;, La última cena; La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana;
San Juan Bautista; Adoración de los Magos; Autorretrato; Cabeza de
muchacha o La Virgen del clavel.

La Virgen de las Rocas

La escena toma como fuente iconográfica los evangelios apócrifos. Según

éstos, la Virgen descansó en una cueva durante la huida a Egipto y allí se
encontró con San Juan, acompañado por el árcangel Uriel.

La composición piramidal da estabilidad y firmeza al conjunto. El vértice

superior es la cabeza de la Virgen que con su mano izquierda parece proteger
a su hijo. A la derecha, el arcángel, mira hacia afuera y señala al niño Juan, al
que la Virgen acoge con su otra mano, y que se encuentra adorando a Jesús
que le bendice.

Toda la escena está llena de misterio logrado por el sfumato: los perfiles se
desdibujan, se funden las figuras con el paisaje, y los rostros aparecen llenos
de misterio como el de Uriel.

La Última Cena

Considerada como una de sus obras maestras y una de las más importantes
de la historia del arte. Se representa una de las escenas más emblemáticas del
Nuevo Testamento: la última cena de Jesucristo con los apóstoles, justo el
momento en que Jesús les comunica que uno de ellos va a traicionarle.

La obra fue encargada por Ludovico Sforza, duque de Milán, para el refectorio
de la iglesia de Santa Maria della Grazie. El motivo de la obra le fue
especificado por el propio Sforza quien deseaba que se pintase la última cena
según el evangelio de san Juan. Pero Da Vinci, en lugar de una representación
estática del momento pintando a todos los protagonistas sentados a la mesa,
decidió representar el instante de la revelación de Jesús y poner enfásis en la
reacción de cada una de las figuras.

Leonardo organizó a los apóstoles en grupos de tres (Santísima Trinidad) de la

siguiente manera. De izquierda a derecha, el primer grupo está formado por
Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés, que tienen la sorpresa reflejada en sus
rostros. En el segundo grupo aparecen los tres personajes principales: Pedro
con el rostro airado; Juan que mira al suelo o parece dormido (un personaje
que algunos interpretan como femenino e identifican con María Magdalena), y
Judas Iscariote, que aparece casi dando la espalda al espectador con la bolsa
de monedas (testimonio de su traición). El tercer grupo está integrado por
Tomás, Santiago el Mayor y Felipe, al lado de Jesucristo y con gestos de
incredulidad. El conjunto lo cierran Mateo, Judas Tadeo y Simón, quienes
hablan entre sí.

Por lo que respecta a la composición, sitúa en el centro la figura de Jesús,

resaltando su protagonismo y siguiendo la perspectiva lineal propia del
Renacimiento. Todas las líneas de perspectiva confluyen en él y para lograr dar
profundidad, el pintor abre tres ventanas al fondo, generando sensación de
profundidad y efecto de contraluz. Por otra parte, al tener la figura de Jesús los
brazos extendidos, se convierte también en punto de equilibrio. Por último, la
representación de un espacio arquitectónico de corte clásico también
contribuye a crear la sensación de prolongación o inserción de la obra en el
espacio del refectorio.

En este cuadro, Leonardo habría plasmado su concepción filosófica sobre la

triada platónica, esto es, los valores de la Verdad, la Bondad y la Belleza,
siguiendo la línea de la Academia Platónica Florentina de Ficio y Mirandola.
Una escuela de pensamiento que trataba de conciliar la doctrina cristiana con
la filosofía de Platón. Así, se considera que el último grupo a la derecha
representaría a Platón, Ficino y el propio Leonardo discutiendo sobre la
verdadera naturaleza de Cristo.

La Gioconda

Es el gran icono del arte occidental. Se conserva en Francia porque Leonardo

la guardaba entre sus pertenencias cuando murió. Tras su muerte, pasó a
formar parte de la colección de Francisco I y más tarde a la de Luis XIV.
Durante la Revolución Francesa fue llevada al Louvre, exceptuando una
temporada en que estuvo en el dormitorio de Napoleón.

Está considerada la obra pictórica sobre tabla más importante de Leonardo

porque concentra en muy poco espacio toda la esencia de su genio pictórico. El
personaje está representado con una ligera inclinación con las manos
entrecruzadas. El retrato de medio perfil se recorta sobre un paisaje en el que
Leonardo utiliza la perspectiva aérea y consigue así la sensación de
profundidad gracias a las gradaciones de color y al fondo azulón que hace que
las montañas se confundan con el cielo. Utiliza la técnica del sfumato que crea
una indefinición de los contornos, huyendo del dibujo como base de la
composición.

Desde que Leonardo pintó el cuadro, ha habido una gran cantidad de teorías
sobre la identidad de la persona retratada, aunque según Vasari es Lisa del
Giocondo, mujer de Francesco di Bartolomeo di Zanobi del Giocondo, quien
encargó la obra.

RAFAEL DE SANZIO

Sus cuadros se caracterizan por la ausencia de tensión y dramatismo y por un

gran equilibrio, amabilidad y serenidad, además de la consecución de una
belleza idealizada y una estudiada composición simétrica desarrollada sobre
amplios espacios de arquitectura clásica.

Entre sus obras destacan La escuela de Atenas, La disputa del sacramento,

Los desposorios de la Virgen, La Fornarina, El Parnaso, La Virgen del Jilguero
y Retrato de Julio II.

La escuela de Atenas

En el interior de un templo de inspiración romana, Rafael dispone

geométricamente distintos grupos de personajes, de manera que deja vacio un
espacio central donde sitúa a los dos personajes principales: Platón y
Aristoteles. Éstos se convierten en el punto de fuga de la perspectiva lineal a
partir de la cual se ordena toda la composición. A pesar de este equilibrio
formal, la obra destaca por su gran dinamismo, conseguido gracias a la
perfecta representación de los gestos, las expresiones y los movimientos de las
figuras. Técnicamente destaca la variedad cromática utilizada y la excelencia
del dibujo con el que el pintor perfila todos los detalles.

El cuadro integra las figuras de los representantes más destacados de las artes
liberales, de la filosofía y de las ciencias. Todos los personajes se situan
alrededor de los dos grandes filósofos de la Antigüedad clásica: Platón , con la
cara de Leonardo da Vinci y túnica roja, y Aristoteles con túnica azul. Destacan
Socrátes, a la derecha de Platón, con túnica verde; Pitágoras, sentado en el
extremo inferior izquierdo, con un libro y túnica rosada; Heráclito (como Miguel
Ángel), sentado y pensativo, en la parte baja de la escalera; Euclides con un
compás; y Zoroastro y Ptolomeo, con una esfera terrestre y el globo terráqueo,
detrás de Euclides. Rafael sale autorretratado con una gorra negra, mirando al
espectador. En el lado opuesto, y en la misma horizontal, otro personaje mira
también al espectador: Hipatia de Alejandría.

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

Dominó todas las formas de expresión artística y, al igual que sus

contemporáneos Leonardo y Rafael, fue considerado un genio polifacético:
pintor, escultor, arquitecto, poeta…Aunque él se sintió principalmente escultor,
y por ello trasladó a la pintura y arquitectura la plasticidad escultórica. Su
longeva vida le permitió estudiar a los grandes artistas del Quattrocento,
plasmar sus ideales clásicos en el pleno Renacimiento, asistir a la crisis de
éste, y en los últimos años de su vida participar de la nueva corriente, el
Manierismo.

Entre sus obras destacan Tondo Dori, La conversión de San Pablo, La

crucifixión de San Pedro, Bóveda de la Capilla Sixtina y Juicio Final de la
Capilla Sixtina.

Bóveda de la Capilla Sixtina

Fue el papa Julio II quien encargó a Miguel Ángel la decoración del techo de la
capilla, fundada por Sixto IV. La capilla es de planta rectangular de 40 metros
de largo por 13 de ancho, y una altura de 20 metros. Para decorar una
superficie tan extensa, Miguel Ángel optó por crear una arquitectura pintada
que dividiera la bóveda en compartimentos.

Así, en primer lugar, en las cuatro pechinas de las esquinas representa cuatro
escenas del Antiguo Testamento que narran la salvación del pueblo judío de
distintas amenazas: Judit y Holofernes, David y Goliat, la serpiente de bronce y
el castigo de Amán.
En las enjutas sobre los ventanales, ocho en total, y en los lunetos pinta a los
antepasados de Cristo en el orden citado en el evangelio de San Mateo. Entre
las enjutas y las pechinas crea pilastras fingidas con decoración escultórica
pintada para dar la sensación de estar realizadas en mármol. Entre ellas,
sentadas en tronos, sitúa las primeras grandes figuras de la composición, un
total de siete profetas y cinco sibilas.

Sobre las pilastras arrancan arcos, también fingidos, que dividen la bóveda en
diferentes tramos que permitirá al pintor separar las distintas escenas centrales
creando espacios rectangulares. Sobre el remate de las pilastras, en el
arranque de los arcos, descansan unas figuras masculinas jóvenes desnudas,
que adquieren las más diversas y complejas posturas denominadas “ignudi”.

En los rectángulos centrales representa los temas centrales de toda la

composición. Todos ellos provienen del Génesis, primer libro del Antiguo
Testamento, y son: Creación de la luz, Creación de los astros, Creación del
mundo; Creación de Adán, Creación de Eva, Pecado original y expulsión del
Paraíso; Sacrificio de Noe, Diluvio universal y Embriaguez de Noe.

La técnica utilizada es el fresco y destaca el predominio de la línea sobre el

color. Miguel Ángel le da un protagonismo absoluto al cuerpo humano,
prescindiendo prácticamente de detalles secundarios, animales o paisajes. Es
precisamente en estas figuras donde M.A. se muestra como un “escultor que
pinta”, como podemos observar en sus figuras humanas, grandiosas, de
musculaturas potentes y en tensión y de cuerpos que se torsionan adoptando
las posturas más complejas posibles.

La “terribilitá” que preside su obra escultórica también está presente en las

figuras como el Dios creador que, volando en violentos escorzos, crea el sol, la
luna y los astros con gestos y una violencia creadora nunca vista hasta
entonces. Entre las influencias más visibles en la obra de M.A., cabe citar a
Massaccio a quien hace un homenaje con el ángel de la expulsión del paraíso,
influenciado por el que pintó Massaccio en la Capilla Brancaci.

ESCUELA VENECIANA
Se caracteriza por el culto al color como elemento clave de la pintura, frente a
las escuelas florentina y romana donde prevalece el dibujo. Los grandes
maestros venecianos descubrieron para la pintura posibilidades que explotaron
los artistas del barroco.

Características:

 Culto al color, los contornos pierden nitidez.

 Preferencia por los tonos cálidos.
 Importancia de los temas secundarios, lo anecdótico y el detalle.
 Exaltación de la riqueza.
 Utilización de arquitecturas clásicas como marco de la escena.
 Contemplación poética del paisaje que se llenó de luces y se sintió con
pasión romántica a partir de Giorgione, cuya concepción paisajística fue
heredada por Tiziano.
 Distorsión de las figuras, forzadas dentro de la composición.
 Ruptura de la simetría.

GIORGIONE

Destaca por su riqueza cromática, el empleo del lienzo (en lugar de la tabla) y
un mayor protagonismo del paisaje (paisajes con figuras en vez de figuras con
paisaje).

La tempestad

En un paisaje tempestuoso vemos, cerca de un rio y con un pueblo al fondo,

dos personajes: a la izquierda, un chico, y a la derecha, una mujer
semidesnuda amamantando a un bebe.

El paisaje es el verdadero protagonista de la escena. Contiene referencias

clásicas, como las dos columnas, y también referencias de la época, como el
puente, las arquitecturas renacentistas de la izquierda, o la cúpula del edificio al
fondo. La fuerte tempestad que todavía no ha llegado al lugar donde están los
personajes permite crear una luminosidad muy potente que destaca la parte
inferior de la composición, concretamente a la mujer.

Es una de las obras más enigmáticas de la historia del arte por su significado
críptico y sus múltiples interpretaciones. Así, se ha asociado la figura de la
mujer con la maternidad o la virtud de la caridad por la presencia del bebe, y el
joven con la virtud de la fortaleza, relacionado con las columnas. El relámpago
se puede relacionar con la ira de Dios o con la de Zeus. Otras lecturas dicen
que es una representación de la Sagrada Familia en el descanso de la huida a
Egipto; la representación de adán y Eva con su hijo Caín, o el mito de Paris.

Está considerada como una de las primeras obras paisajísticas de la historia

del arte. Tendrá gran influencia, sobre todo en los pintores románticos del XIX,
como Friedrich.

TIZIANO

Fue el retratista de la escuela. Es el maestro de las formas blandas y redondas,

mostrando predilección por los desnudos femeninos. Tampoco dejó de lado las
fiestas, tema clásico de esta escuela y que alcanza uno de sus hitos en La
Bacanal.

Venus de Urbino

Fue encargada por Guidobaldo Il della Rovere, hijo del duque de Urbino, como
regalo de boda para su esposa, que solo tenia diez años. Representa una
Venus púdica clásica, pero con nuevos elementos de modernidad y la traslada
a un ambiente doméstico.

Está en el interior de un palacio veneciano renacentista, desnuda y recostada

sobre una cama, mirando directamente al espectador. Con la mano izquierda
se tapa el pubis, mientras que con la derecha sostiene unas rosas rojas,
símbolo de la fertilidad. Un perro a sus pies, símbolo de la fidelidad, duerme
plácidamente, y al fondo, dos damas preparan o guardan los vestidos en la caja
nupcial, hecho que a menudo se interpreta en relación con la caja de Pandora.
Delante de las damas una ventana deja ver un paisaje de estilo veneciano, un
recurso muy utilizado para dar profundidad a la composición.
Destaca el uso del color con pinceladas muy sueltas, que dibujan
perfectamente el cuerpo de Venus y el perro, y desdibujan las de las damas
que se encuentran en el fondo. Esta pintura representa la alegoría del
matrimonio y debía ser un modelo didáctico para Giulia: erotismo, fidelidad y
maternidad.

La obra tiene como modelo la Venus dormida de Giorgione, e influirá en obras

posteriores como Olympia de Manet.

Carlos V en Mühlberg

El emperador Carlos V está representado sobre un caballo negro, con

armadura, ante un paisaje boscoso de raiz germánica, para simbolizar el sitio
real de Mühlberg. Destaca sobre todo la pincelada libre y expresiva del pintor.
Se nota la influencia de la pintura de paisaje nórdica, no solo en los árboles,
sino también en los colores crepusculares del cielo. Un cielo apoteósico que
enfatiza la sacralización de la imagen del emperador.

Este retrato ecuestre constituye el momento culminante de Tiziano al servicio

de la casa imperial, donde pictóricamente llevó al máximo sus premisas de dar
más importancia al color y pincelada, y no tanto a la línea. La obra la encargó
María de Hungría, hermana de Carlos V, para conmemorar la victoria del
ejército del emperador ante los protestantes.

La obra representa al emperador como símbolo idealizado de la victoria del

cristianismo sobre el protestantismo. Es también una imagen pública del poder
imperial y de la fuerza militar, imitando las representaciones ecuestres clásicas
de los emperadores romanos, y fundiendo así la tradición cristiana y la clásica
en una sola imagen.

Todos los retratos ecuestres posteriores tomaran como modelo este cuadro,
pero sobre todo destaca el Retrato ecuestre de Felipe II de Rubens, y los
pintados por Velázquez para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

TINTORETTO

Refleja la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones manieristas.

Fue el maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de
los escorzos, del movimiento tenso e inestable, y del paisaje romántico. Logró
la profundidad en sus composiciones mediante la alternancia de zonas de
diferente intensidad lumínica, donde anticipa valores que se desarrollaron en el
Barroco.

El lavatorio

La composición utiliza un recurso manierista como el desplazamiento de la

escena principal, en la que Jesús lava los pies a Pedro, a la derecha del
cuadro, y en la otra esquina contrapone la figura de un apostol descalzándose.
En el centro y en primer plano, hay un perro, y más al fondo, la mesa de la
futura cena con las figuras de los otros apóstoles.

Los personajes están dispuestos teniendo en cuenta el punto de vista frontal

del espectador. La perspectiva está forzada y tiene su punto de fuga al lado
izquierdo de la composición, lejos del centro del cuadro. La profundidad se
refuerza con la mesa y las baldosas del suelo, que crean una gran diagonal
que va desde el grupo de Jesús y Pedro hasta la arquitectura clasicista del
fondo. De pincelada abierta, combina colores fríos como los azules con cálidos
como los rojos o marrones.

Representa un pasaje del evangelio de San Juan que narra el momento en que
Jesús se disponía a lavar los pies del apostol Pedro. Es una metáfora de la
depuración (confesión) que precede a la comunión. La Santa Cena está
presente en el fondo de la composición, en un cuadro dentro de un cuadro; a la
derecha, encima de la cabeza de Jesús. Algunos autores defienden que la
estructura de este cuadro influyó en la composición de Las Meninas, al igual
que el recurso del cuadro dentro del cuadro.

VERONÉS

Fue el pintor del lujo. Sus escenas se desarrollan en palacios de mármol, con
columnatas y balaustradas, y jardines con fuentes.

Las bodas de Canaá

Fue un encargo para la pared del refectorio del convento de San Giorgio
Maiore en Venecia. Verónes concibió la obra como una gran composición llena
de personajes y multitud de detalles. En 1797 Napoleón mandó desmontar el
cuadro y se lo llevó a Francia como botín de guerra, donde se conserva
actualmente.

Enmarcados en un espacio arquitectónico clasicista, los 132 personajes

convierten el tema biblíco de las bodas de Canaá en un acontecimiento
universal y profano. El Veronés hizo un gran ejercicio pictórico introduciendo a
todos los invitados de las bodas, entre los que se encuentran representados
casi todos los personajes y personalidades celebres de la época. Entre otros se
han identificado a Leonor de Augsburgo, Francisco I de Francia, María I de
Inglaterra, Solimán el Magnífico o Carlos V. El grupo de músicos es un
homenaje a los pintores venecianos, que personifica con los retratos del mismo
Veronés, con túnica blanca y viola da gamba; Tiziano de rojo tocando el
violonchelo; Tintoretto con el violín; y Bassano tocando la flauta.

La obra representa el primer milagro de Jesús narrado en el evangelio de San

Juan; durante una celebración nupcial, en la ciudad de Canaá, Jesús
transformó el agua en vino. En el centro están representados María y Jesús.