TEMA 3.0.

UNA (PRE) HISTORIA DEL CINE

Roman >Gouvert
Gubern uno de los más importantes de la historia del cine. Su historia empieza en las cuevas de
Altamira (13.000-18.000 a.C.), quiso mostrar el movimiento de un animal, su problema fue que no había
tecnología suficiente para hacerlo.

200 a. C. Teatro de sombras (Asia: Polinesia, China, India): Representaciones que contaban historias con
siluetas o con las manos, se ponía la luz y se creaban figuras. Es un intento de crear imágenes móviles.
Llegaría importado a occidente.

107-113 d. C. Columna Trajana (Roma). Es un monumento funerario al emperador trajano, pero el interés
que tiene es que se trata de un intento de presentar una imagen secuencial (imágenes de las grandes
hazañas de Trajano, contar una historia de manera continuada en imágenes de manera cronológica). Es
más cercano al comic que al cine porque es imagen fija pero secuencial.

1659 linterna mágica: se considera el verdadero pre-cine, cámara oscura con una lente y una lampara de
aceite (con una chimenea por la que saca el humo). La linterna mágica invierte la cámara oscura, se pone
la imagen sobre un cristal semitransparente pintados, como si fueran diapositivas, y la luz sale, se
convierte la cámara oscura en el primer proyector de imágenes. Le faltaba movimiento, pero tampoco es
fotografía porque eran grabados. Si que se hacían pases de cámara oscura y con el tiempo se crearon
movimientos en la imagen superponiendo placas de cristal. La linterna mágica es el límite al que puede
llegar el mito sin el soporte de la ciencia, es decir, para avanzar hacia el nacimiento del cine es necesario
que llega la tecnología más desarrollada que llegaran de la mano de varios estudios:

1824, Peter Mark Roget desarrolla su estudio de la persistencia retiniana, las imágenes que se forman en
la retina tardan una milésima de segundo en desaparecer de la retina, la retina graba las imágenes durante
un momento. Esto significa que si ponemos muchas imágenes seguidas rápido se percibe la imagen en
movimiento o si ponemos dos imágenes fijas se perciben como una. A partir de esto surgen juegos ópticos
como el taumatropo (1824) dos imágenes separadas en una sola, fenaquistiscopio o fenaquistiscopio
(1832) disco que se ponía en un palito y se hacía girar delante de un espejo y la persona mira por el agujero
y ve la imagen en movimiento más sofisticado que el anterior porque son más de dos imágenes (es una
imagen en movimiento muy breve y cíclica), zootropo 81834) ⑪ parecido al fenaquistiscopio, pero en un
cilindro y praxinoscopio (1877) en vez de mirar por la rendija se pone el espejo en el cilindro. Con esto se
ha conseguido la síntesis del movimiento, recomponer las partes que conforman el movimiento original
(en dibujos separados). Lo que nos da una ilusión de continuidad. El zootropo y praxinoscopo son los
antecedentes a los dibujos animados.

En California en 1870 los aficionados a la hípica discuten sobre el movimiento de los caballos a galope. El
grupo de Leland Stanford: sostiene que hay un momento en que ninguna de las patas toca el suelo. Grupo
de James Keene: dice que en todo momento hay al menos una pata en contacto con el suelo. Discuten
sobre cómo se mueven los caballos. Esto tiene que ver que para resolver la disputa se puede fotografiar
un caballo en movimiento y le pillamos en ese momento, en se momento era mucho más fácil decirlo que
hacerlo. Para intentarlo contactaron con Eadweard Muybridge (aprenderse el nombre) estudioso de la
fotografía, lo intento durante varios años, pero en el año 1877 hizo que fuese posible porque los tiempos
de exposición eran menores y las cámaras poseían un obturador. Muybridge coloca 12 cámaras
fotográficas una detrás de otra y según pasaba el caballo por delante de la cámara se hace la foto.
Muybridge con esto consigue descomponer el movimiento de un caballo al galope en 12 fotografías. Es
un paso más hacia el nacimiento del cine.

1882 se tratan de hacer este tipo de experimentos, pero con una sola cámara, la escopeta fotográfica una
escopeta que hace fotos (Etienne Jules Marey). 1888 cambia la escopeta por la cámara de palca fija
cronomatografica (la fotografía en el tiempo) hace muchas fotos sobre una misma imagen y sobre el

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mismo soporte, se crea el movimiento de 20 imágenes sobre un soporte (hacer el jabalí de Altamira, pero
en fotografía).

Muybridge invento en 1879 el zoopraxiscopio que era un praxinoscopio, peor en vez de dibujos utiliza
fotografías cronográficas, ahora si tuviéramos un principio de casi una imagen cinematográfica. En el
zoopraxiscopio utilizaba un disco de cristal n vez del disco de cartón anterior, tenía que dibujar sobre la
fotografía (es un dibujo hecho sobre una fotografía).

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TEMA 3.1. NACIMIENTO DEL CINE

Todo listo para inventar el cine: “descubiertos todos los elementos que hacen posible su nacimiento…”
¿Qué faltaba? Combinar el principio de la linterna magina con un dispositivo de arrastre intermitente de
la película, que la desplazase entre una fuente de luz y el objetivo de la proyección.

El pre-cine dice Roman Gubert que una vez descubiertos todos los elementos que hacen posible su
nacimiento (el cine iba a nacer sí o sí) entramos en la zona difusa en la que aparecen presuntos o reales
inventores del cine, muchas personas que hacen lo mismo a la vez, la maquinaria que haga posible el cine.

La historia oficial del cine es en la que vamos a hacer hincapié, pero en la historia no oficial había más
inventores de los que conocemos hoy en día.

El cine es un invento colectivo fruto como un conjunto de hallazgos y descubrimiento de procedencia

diversa, consecuencia ante todo del progreso científico de una época más que del esfuerzo de un hombre.

Todo listo para inventar el cine: combinar el principio de la linterna mágica con un dispositivo de arrastre
intermitente de la película, que la desplazase entre una fuente de luz y el objetivo de la proyección. Asi se
obtendrá la proyección sucesiva de fotografías en la pantalla, y la persistencia retiniana del espectador
haría esto.

Edison: a partir de la idea de la cronofotografía (idea de Marey) y de la película Kodak de celuloide a

Edison se le ocurre un método para cronofotografíar. Este método se basa en utilizar un rollo de película
de celuloide con perforaciones laterales para su arrastre, las perforaciones funcionaban tanto para para
filmar como para reproducir. Asi, Edison pudo registrar breves fragmentos de imagen en movimiento que
luego reproducía en máquinas llamadas kinetoscopios. Edison inventa las filmaciones muy breves con
visionado individual (e incómodo).

El inventor del cine depende de cómo lo estudiamos: si lo estudiamos desde la tecnología Edison y si es
por su uso social (Lumière).

En las películas del analógico el 50% de las cosas que vemos es la pantalla en negro la continuidad entre
fotograma y fotograma la hace nuestro cerebro, en cambio en el digital todo el rato vemos imágenes.

El invento de Louis Lumière: se le ocurre un mecanismo que permite el arrastre intermitente de la película.
Una manivela arrastra la película a 16 imágenes por segundo. Los hermanos Lumière patentan el 13 de
febrero de 1895 un “aparato que sirve para la obtención y visión de pruebas cronofotograficas”, no
pensaban que estuvieran creando el cine y no le veían un uso comercial. Lo llaman cinematógrafo, del
griego kinema (movimiento) y graphos (escribir/dibujar), escribir el movimiento, con esto podían plasmar
la imagen en movimiento. El aparato Lumière servía indistintamente de tomavistas y cambiando las piezas
de sitio de proyector.

La presentación del invento: los Lumière escogen una pequeña sala, en el Gran Café del número 14 del
Boulevard des Capucines, en París. Reparte invitaciones entre varias personas cuya asistencia les
interesaba el director del museo Grevin, el director del teatro Robert Houdin, algunos cronistas
científicos… Solo algunos de ellos asistieron. Colocan un cartel a la puerta del café.

Esto sucedió el 28 de diciembre de 1895, los Lumière proyectan 10 películas una tras otra (de menos de
un minuto cada una). No acude mucha gente y recaudaron un total de 35 francos. Sin embargo, las
poquísimas personas que presencian la proyección regresan a sus casas profundamente impresionados.
La proyección pública de los Lumière cierra el ciclo de las experiencias de laboratorio, el cine ha nacido el

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28 de diciembre de 1895, pero no justo porque la tecnología ya estaba de antes es mejor decir que es
“bautizado” en esa fecha. Los Lumière cobran entrada para ver todos juntos en una sala una película.

A partir de esa fecha lo que pasaba en los laboratorios se abre al público general. La diferencia de los
Lumière y Edison es que los Lumière hacen el visionado público, conjunto. Dos semanas después de esas
proyecciones el cinematógrafo cobro importancia y asistían a estas proyecciones muchas personas.
Mientras tanto, el director del Teatro Robert Houdin, lo utilizo en el espectáculo de magia que tenía en
su teatro.

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3.2. PRIMEROS PASOS DEL CINE

Los Lumière empiezan filmando escenas cotidianas. Su planteamiento visual es sencillo y absolutamente
básico: plano fijo y profundidad de foco. Cuando acaba el plano, acaba la película. Emplean el primer
trucaje (también básico), proyectando la demolición de un muro hacia atrás. El muro parecía
recomponerse mágicamente.

operadores Lumière por el mundo: pronto el público pide más películas, películas nuevas. Cuando todo el
país ha visto todas las películas del mundo, lógicamente la gente pide más. Para seguir aumentando su
catálogo, los Lumière lo que hacen es enviar por todo el mundo a operadores de cámara con un proyector
para llevar a París “Paisajes y escenas de tierras lejanas” (Gubern). Los parisinos a lo mejor ya habían visto
trenes llegar, partidas de cartas, pero a lo mejor lo chinos no, nos tenemos que poner en la mente de que
no existe esa inmediatez de hoy en día y no se conocía en el momento presente lo que pasaba en el resto
de países. “con ello surgió lo que hoy llamamos noticiario o reportaje de actualidades, y de sus exigencias
narrativas nació el montaje de los diversos trozos de película impresionada”. Ahora algunos cafes ya
tenían una caja con manivela para proyectar los eventos importantes como la coronación del Zar. Aún no
estamos en en el nacimiento del montaje, estamos en el momento de asentamiento de las bases de la
necesidad de películas más largas.

En 1897, el catálogo de películas de los Lumière conta ya de 358 películas, en el boom del cine. Un año
después, despiden a sus operadores porque piensan que el boom se pasa y en 1900 abandonan el cine.
La era del cine Lumière no dura ni si quiera 5 años completos y los Lumière pasan a la historia.

Aunque la historia haya marcado a Edison y a los Lumière como creadores del cine, había
simultáneamente otras personas haciendo cine anteriores a ellos dos. Por ejemplo:

- Louis Le Prince en 1888 filma “Roundhay Garden Scene”, había creado un cacharro que podía
grabar la imagen en movimiento y pretendía presentar su obra en NY en 1890. Sin embargo, en
septiembre de ese mismo año desapareció misteriosamente en un viaje en tren entre Dijon y
París. Nadie sabe qué pasó, pero nunca bajó de ese tren.
- León Bouly, tras experimentar con la cronofotografía, en 1892 patenta un dispositivo llamado
cinematografo, capaz de filmar imágenes en movimiento. En 1893 deposta una segunda patente
del dispositivo, que permitia filmar y proyectar, pero no existen pruebas ni documentos que
atestigüen ninguna proyección exitosa del invento. Finalmente, en 1894, Bouly no consigue
seguir pagando su patente y esta queda libre. Los Lumière la compran.
- Alice Guy entró a trabajar en 1894, ella trabaja como secretaria de la Compañía General de
Fotografía. En marzo de 1895, Gaumont y Guy acuden a una demostración privada del
cinematógrafo de los Lumière. Si en diciembre publican las películas, han tenido que ser grabadas
meses antes. Guy ve inmediatamente el potencial del cinematógrafo para contar historias que
era lo que no estaba haciendo el cine de los Lumière (con contadas excepciones porque había
una “El regador regado” que si contaba una mini historia). En agosto Gaumont compra la
empresa y se involucra en la creación cinematográfica. Gaumont nombra a Guy jefa de
producción, y comienza a filmar y supervisar películas para la compañía, con el nombre de la
empresa Gaumont. Es una empresa que hoy sigue existiendo.

En 1896, tan solo un año después del nacimiento “oficial” del cine, Alice Guy filma El hada de las
coles, pionera en varios aspectos: es la primera película que dura más de un minuto, es la primera
película en utilizar trucajes cinematográficos, es la primera película narrativa de ficción. Aquí
tenemos a una persona visionaria que no usa el trucaje por casualidad. También fue pionera en
empezar a definir un lenguaje para el cine nuevo medio expresivo que era el cine. Experimentó

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 con: tamaños de encuadre (planificación), los Lumière grababan en plano general; yuxtaposición
de planos; iluminación, atrezzo, caracterización… no estaba claro que el espectador entendiese
que de un plano 1 se pasa a un plano 2 en otro encuadre y que estos iban seguidos mostrando
una continuidad en la historia. Incluso el hada de la película de Alice Guy era una persona
disfrazada, eso era una novedad.

En 1906 Guy realiza la pasión o la vida de Cristo, es la primera superproducción de la historia: 30 min de
duración, 25 decorados y más de 300 extras. En marzo de 1907 se casó con el cámara Herbert Blaché y se
mudó a EEUU. Creó junto a su marido la productora Solax en 1910, y Blaché Features en 1913. Realizó
hasta mil películas.

Tras su divorcio, Alice Guy regresó a Francia y abandonó el cine. Guy fue desplazada o directamente
borrada de los libros de historia, que atribuyeron la autoría de sus películasa sus directores de fotografía
y redujeron su papel a secretaría y “posible amante” de Gaumont y abrió muchos caminos para mucha
gente que vino después.

El color, el sonido y el 3D

Guy junto a Gaumont realizó un centenar de peliculas sonoras. Dicen que el cine nace mudo, pero es
mentira. Es cierto que hasta el siglo XX el modo de ver la película era de forma muda, peliculas mudas, el
cinematografo llega después del fonógrafo, si está ahí el cinematógrafo y el fonógrafo y después el
gramofono ¿qué impide que se juntes estas dos tecnologias? El cromófobo era un aparato creado por
Gaumont que permitió sincronizar la filmación del cinematógrafo con la grabación sonora del fonógrafo.

El sonido, desde prácticamente el nacimiento del cine se experimentó con la posibilidad de unir
cinematografía y fonografía, en una larga serie de iventos que iban desde el kinetoscopio de edison al
cronofono de Gaumont. El kinetofono no tuvo mucha difusión, porque con el básicamente las imágenes
servían de simple acompañamiento visual para las grabaciones fonográficas. Otros aparatos cmo el
cronofono tampoco tuvieron una gran implantación debido a su complejidad y carácter poco práctico,
tanto para grabar como para reproducir. En general, los problemas que había eran entre la imagen y
sonido, el hacer que esto se sincronizara, en una película de 30 segundos era fácil, pero en cuanto estas
películas cuentan historias y la manivela se giraba a mano, esto se volvía un problema. Luego cuando los
discos tenían un motor parecía que se conseguía esa sincronización, pero a nada que hubiese un pequeño
salto en la imagen o en el sonido ya esto se desincronizaba. Por eso el cine continuó siendo mudo, pero
no era sin sonido del todo porque existían los explicadores. Las limitaciones tecnológicas de los aparatos
de grabación de sonido hacían que fuera imposible filmar y grabar a la vez, primero grababan las voces y
a continuación reproducción. Desde los inicios del cine ya se hacían experimentos con el sonido, pero
como no se podía sincronizar era inviable.

El 3D, otro tanto sucedió con las imágenes estereoscópicas. Desde el surgimiento de la fotografía se
hicieron experimentos con la imagen tridimensional. Pero su aplicación a la imagen en movimiento,
aunque factible para piezas breves, necesitaba de tecnología que no eran viable para el modelo de cine
que estaba teniendo éxito: el de la proyección en grupo instaurada por los Lumière.

La combinación en la mente de ambas perspectivas hace que tengamos una sensación de profundidad y
distancia. Existen ya desde los años 40 películas en 3D con gafas 3D. junto a los experimentos de la
fotografía en color (desde la tricromía al autocromo),

Algunas películas se coloreaban a mano con pincel, fotograma a fotograma.

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En otras se utilizaban tintados que daban un color uniforme a las escenas. Ese color venia en función de
lo que se quisiera transmitir. Para escenas de día, se bañaba de color amarillo; para escenas de noche, se
bañaban en color azul oscuro.

Un mago y una cámara.

Georges Méliès, ilusionista que pensó en nuevas posibilidades para su espectáculo de magia. El director
de teatro Robert Houdin de parís había presenciado la primera proyección pública de los Lumière.
Considerando que el nuevo invento abría nuevas posibilidades para su espectáculo, trato de comprarles
un cinematógrafo a los hermanos. Estos se negaron, puesto que querían explotar ellos mismos su invento.

Quería ir un poco más allá porque desmonta uno de sus aparatos para hacer magia para crear una cámara
de producción propia.

Méliès compró un proyector y varias películas de Robert Paul y Edison, y comenzó a proyectarlas en su
teatro. Finalmente fabricó su propia cámara en el taller de su teatro, utilizando piezas de algunos aparatos
de magia, y comenzó a experimentar con ella.

Al principio, Méliès filmaba películas muy similares a la de los Lumière. Sus filmaciones, como Partida de
naipes.

Un día mientras filmaba una escena de exteriores, se le atascó la manivela, deteniendo un momento la
filmación y retomándola unos segundos después. Al revelar la película, Méliès descubrió que, en la
imagen, un tranvía se transformaba como por arte de magia en un coche fúnebre. Al efecto de dejar de
grabar y segundos más tarde volver a hacerlo se le llama paso de manivela y generaba un efecto de
transformación.

Sus películas pasaron de ser escenas cotidianas a números de magia filmados, que luego proyectaba en
su teatro como parte de su espectáculo de ilusionismo. A partir de ahí, Méliès comenzó a incorporar a sus
obras rasgos del teatro y la pantomima, pero también del music hall y el circo.

Él era cineasta porque era ilusionista, entonces para Méliès era una prolongación de la magia.

Lumière vs. Méliès

Para Truffaut: El cine se divide en dos corrientes: la documentalista como la de los Lumière y una más
ficcional representada por Méliès centrada en recrear el mundo de una manera nueva.

Una forma de filmar absolutamente primitiva, en la que los planos eran fijos.

El cine escapa de la feria

A principios del siglo XX, el cine se veía como atracción, como entretenimiento; el cine se desplaza poco
a poco de las barracas de feria a los teatros como el de Méliès y las salas específicas para ver películas. En
EEUU surgen os nickelodeones, donde por 5 centavos se puede entrar a ver una película. Surgen películas
cada vez más largas, complejas y sofisticadas hasta llegar a 1906.

En 1906: primer largometraje. The Story of the Kelly Gang, de Charles Tait. Las películas ya duran muchos
más minutos, hasta 1 hora algunas.

Pero antes de eso, la imagen cinematográfica tendría que romper su rigidez y crear un lenguaje articulado,
complejo y expresivo para poder sostener una historia de esa longitud.

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Las limitaciones de lenguaje venían dadas por las limitaciones técnicas. Un largometraje entero de trenes
llegando uno detrás de otro, podría llegar a saturar al espectador, por eso aquí empiezan a surgir ideas
que rompan con el plano único fijo en PG, había que empezar a pensar historias que pudiera contar la
cámara. Todo esto dependía del montaje y estaba por inventar, no existía.

El MRP (Modo de Representación Primitivo)

Es el lenguaje común básico y sin desarrollar de las películas. Importaba:

- Distancia de cámara
- Cámara fija
- Frontalidad
- Luz plana
- Autarquía de los planos, es decir, cuando acaba un plano acaba la película.
- Falta de clausura. Como no había conflicto no había nada que resolver

Desanclar la cámara

Con Méliès eso no existe: movimientos de planos y planos cercanos de concepción teatral. Méliès quería
concentrar a un grupo de personas en un hipotético patio de butacas para que se viese bien, quería
centralidad. El siguiente paso será desanclar la cámara del suelo y poder moverla: distintas escalas de
plano y movimientos de cámara. Para el espectador no significaba que estábamos moviendo las cosas,
sino acercando o alejando la cámara.

Primeros titubeos del lenguaje

1896, Alexandre Promio realiza el primer travelling. Lo que hizo subido a la góndola era arriesgado, nadie
sabía que estábamos haciendo, se estaba moviendo la cámara o la góndola. El espectador podía pensar
que el edificio se estaba moviendo, ya que era la primera vez que veían una cosa así, pero se demostró
que los espectadores comprendían que era la cámara que se estaba moviendo. En este mismo año,
Dickson y Skladanowsky, se dice que fueron los primeros movimientos de panorámica, moviendo la
cámara sobre su eje. No existen documentos que afirmen qué día se filmó cada cosa.

En 1900, James Willamson filma El ataque a una mansión china el espectador entiende que no son dos
películas distintas sino una miesma película que cuenta una historia en dos planos fijos generales,
yuxtaposición de dos planos en continuidad. En los primeros años, al espectador le costaba entender los
cambios de puntos de vista y la continuidad entre escenas, así que era frecuente que se repitiera la misma
escena varias veces al cambiar la perspectiva. En 1901, Williamson filma Fire!, donde cambia de punto de
vista para narrar el salvamento de un incendio sin repetir acciones (esto ya no era necesario porque la
gente lo entendía). Aparece el montaje.

Edwin S. Porter crea en 1903 el primer western de la historia, una película del oeste llamada Asalto y robo
de un tren. Porter introduce el primer plano: la película acababa con la imagen de un bandido que dispara
a cámara. Este final provoca una fuerte reacción emocional en los espectadores. Antes se patentaba las
películas imprimiendo los fotogramas en papel. De repente, después de ver la película entera, ver la cara
del personaje (ver sus ojos) de la persona que te va a disparar sobresaltaba al espectador. La importancia
de esto era la cercanía, la capacidad de verle la mirada al personaje malvado.

David W. Griffith se considera el padre del lenguaje cinematográfico. Pero esto no es cierto, no inventa
el montaje, ni los movimientos de cámara ni los tipos de planos. Lo que Griffith hizo fue sistematizar todo
esto, cogió todos los inventos los incorpora a sus piezas, por eso se considera que consigue unificar todo
en una especie de lenguaje maduro, una especie de forma de contar las cinematografía nueva. Grandes

19
producciones: El nacimiento de una nación (1915), Intolerancia (1916) … estas películas pueden durar 2-
3 horas o más, porque el espectador podía quedarse ahí viendo esa película todo ese tiempo ya que
contaba una historia que enganchaba al espectador. Las películas empiezan a crecer en longitud.
Multiplicidad de puntos de vista, posiciones de cámara, escalas de plano… todo ello articulado de forma
continua y coherente, entendible para el espectador. Se abre la puerta a un nuevo paradigma, se pasa de
películas breves a largometrajes.

El relato cinematográfico. Griffith escoge una vía diferente a la de Lumière y a la de Méliès. Aplica los
esquemas de la novela del siglo XIX, creando largas historias de ficción. Poco a poco, se impondrá este
tipo de películas de ficción narrativa.

La herencia de la novela. También en esos años surgen las narraciones seriadas, heredadas del folletín
literario (novelas que se entregaba semanalmente por capítulos).

- Melies: El proceso Dreyfus (1899)

- Louis Feuillade (de Gaumont): Fantomas, a la sombra de la guillotina (1913) o Los vampiros
(1915)
- Charles Brabin: What happen to Mary

El MRI (Modo de Representacion Institucional). Es un nuevo modo de contar visualmente las historias.
Ahora destaca la proximidad (planos cercanos), escolaridad (distintos tamaños), decorados e iluminación
(frente a la iluminación plana llega la iluminación y decoración artificial con cierta intencionalidad),
continuidad entre planos, clausura (las películas cuentan una historia, pero todas se cierran, aunque
tengan final abierto, pero todas tienen un cierre un desenlace).

El lenguaje cinematográfico ha llegado a su madurez.

20
3.3. BREVE HISTORIA DEL CINE MUDO

El Star System. De repente como lo que se filman son personas, surge la necesidad de ver a esas personas
otra vez en otros filmes, debido a esto surgen las estrellas de cine. El nombre de los actores se convierte
en valor comercial y surge el Star System, es decir, las películas se basan en la fama de los actores/ actrices
que salgan en ella. Esto comienza en torno a la década de 1910.

La guerra de las patentes: Edison contra el mundo. Edison empieza a formar una asociación (trust) de
producciones cinematográficas, para tener el control sobre lo que se hacía, lo que se exhibía y el dinero
que se grababa. Edison se las apaña para cobrar por todas las películas de EEUU diciendo que el cine lo
había creado él. Fuera del trust de Edison quedan muchos creadores, en su mayoría empresarios de origen
judío, que se autodenominan como independientes, ya que deciden seguir filmando sus películas.
Entonces, Edison se enfada y se empieza a dedicar a requisar las salas, los equipos… de los
“independientes”, no dejándoles otro remido más que el de marcharse. Entonces los independientes se
asientan en Los Ángeles y comienzan a establecer los estudios cinematográficos.

Nace Hollywood. En 1912, Adolph Zukor ficha a la estrella Mary Pickford, al director Edwin S. Porter y
funda Paramount Pictures. Su modelo de negocio se basa en: programa semanal, grandes estrellas;
contratación en bloque (block booking), si he dirigido 10 películas y solo dos son de Mary Pickford, las
otras 8 no las va a querer nadie, entonces lo que hacia la productora era vender las 10 peliculas en lote,
en paquetes; y contratación a ciegas (blind booking), es decir, vendían las películas de los personajes
estrellas sin dejar que las vea el comprador ya que tenían un valor comercial muy alto y sabía que era una
estrategia segura.

Paramount Pictures sube como la espuma, tiene un éxito tremendo. A partir de esto, se crean nuevas
empresas productoras.

Las grandes producciones. Empiezan las grande productoras a operar en Hollywood. Los largometrajes
sustituyeron definitivamente a las películas cortas como piedra angular de la exhibición. Películas grandes,
relatos épicos, bíblicos o históricos. Con Thomas H. Ince, surge con fuerza el western.

El western. Surge con tanta fuerza porque era la mitología propia del país, “historia de un país sin historia”
(Gubern). Creación de arquetipos: el héroe, el villano, la chica, el sheriff, el juez, la prostituta de buen
corazón. Permite explorar los paisajes y transmitir una grandiosidad épica. Panteón de héroes propios:
Buffalo Bill, Davy Crockett, Jesse James, Billy el Niño…

Otros arquetipos. Mas allá del western, también empiezan a crearse arquetipos y esquemas que van más
allá de las fronteras de Hollywood. Alginos de ellos son: El “boy meets girl”, el final feliz, el héroe y la
ingenua/ El galán y la vamp, el “salvamento en el último minuto” de Griffith.

Rasgos estilísticos del Hollywood mudo. Se empieza a asentar el “estilo invisible” (que haya estilo pero
que no se note), es decir, que el espectador no se dé cuenta de los cambios de planos haciendo que entren
en la historia. El estilo invisible es el uso funcional del lenguaje cinematográfico subordinado al guion.
Lenguaje visual conciso; cámara a la altura de los ojos; movimientos de cámara solo para seguir a los
personajes; montaje preciso; economía narrativa; empleo del plano americano (prioridad del
funcionalismo sobre la estética). También proliferan los esquemas narrativos elementales (buenos vs.
malos, persecuciones, angustias y final feliz).

El cine mudo evoluciona. Cecil B. DeMille se aparta del esquematismo para abordar la dimensión
psicológica del conflicto narrativo: sentimientos, motivaciones internas. Para este autor es importante
tanto las acciones como qué sienten los protagonistas, todo esto va a dar complejidad a las historias.
Emplea la iluminación artificial: la luz angulada, siluetas, sombras inquietantes, más simbólicas que

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naturalistas; con esto se va creando una intencionalidad. Los actores ya no son símbolos abstractos, sino
seres movidos por pasiones y sentimientos.

Charles Chaplin. Nace en Londres en 1889. Viene de familia muy pobre. Su madre actuaba en los teatros
de variedades. Aprende la pantomima y en 1907 es contratado por el director teatral Fred Karno. En 1913
firma un contrato con la Keystone, primero como actor. Luego acaba dirigiéndose a sí mismo. Crea el
personaje de Charlot, el vagabundo. Aporta una dimensión humana a los arquetipos cómicos del slapstick
(es la comedia física, aquella que se basa en que alguien se tropieza, se choca con una pared…, se basa en
el cuerpo del actor). Crítica social y humanismo. Risa+ ternura.

El documental. En 1922 Robert J. Flaherty estrena Nanuk el esquimal (Nanook of the North). Nace con un
punto importante de nacionalización. Se vuelve al realismo de los Lumiere. Flahety filma la vida de una
familia de esquimales, pero interviene en la realidad y la moldea para construir una narrativa.

Otros géneros: Cine criminal, cine de animación, cine fantástico y de terror.

Más allá de Hollywood.

- Rusia: avances narrativos y en el montaje

- Alemania: el expresionismo
- Francia: el impresionismo
- Países nórdicos: importancia del paisaje y tradición literaria.

Los avances rusos. Con el triunfo de la revolución rusia en 1917, el cine adopta ek discurso revolucionario
(“de todas las artes el cine para nosotros es la mas ”) frente a la idea del arte por el arte, creencia en el
poder transformador del arte.

Surge el Constructivismo: arte basado en la simplicidad de formas y arte como una herramienta más de
la revolución contra la tiranía.

Vesvolod Pudovkin sigue la senda narrativa de Griffith. Entre todas sus películas destacamos la Trilogía
revolucionaria: La madre (1926), el fin de San Petersburgo (1927) y tempestad sobre Asia (1928).

En 1922: Lev Kuleshov realiza su famoso experimento con el montaje, demostrando que dos planos
yuxtapuestos se leen como una misma idea que surge de la suma de ambas.

El montaje dialéctico. Frente al montaje clásico (concatenación de planos), Eisentein propone un montaje
derivado del choque entre planos, pasamos de montaje que uno va tras el otro, Eisentein quiere que un
plano choque con otro. Si tenemos una cara y un plano de sopa significa hambre, y esos dos planos son
completamente independientes. Su teoría sobre el montaje se deriva del estudio de los ideogramas
japoneses, en los que de dos naciones yuxtapuestas…

Por lo tanto, el significado conjunto es distinto a la mera suma de sus partes. Gubern dice que “partir de
elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas difícilmente representables en sí
mismos”.

En El hombre de la cámara (1929), Vértov juega con la velocidad de la imagen, saltos en la continuidad,
travellings y recursos de montaje. Vértov y Yelizaveta Svilova (montadora) fundan el movimiento Cine-
Ojo, esto consistía en buscar la captura del mundo, rechazaba el cine convencional en busca de la verdad
y se desprendía de la artificiosidad del guion, los decorados o los actores profesionales.

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Tras la PGM, muchas de las cinematografías europeas entran en declive, no hay mucho dinero para
producir, la gente no tiene ganas de ir al cine asique la demanda de pelis era baja. EEUU se impone en
todo el mundo occidental, ya que coloniza todas las pantallas de toda Europa. Alemania sin embargo se
adapta a la situación y esquiva ese declive. Nace la UFA (Universum Film A.G.), creada por el alto mando
alemán: una compañía estatal de `producción
los lumière contaban
Expresionismo alemán. En 1910 surge el expresionismo en la pintura. Se extiende al teatro, la poesía, la las cosas tal
y como son ,

música… y años después lega al cine. Se caracteriza por todo lo contrario a la mirada Lumière, es decir, se los alemanes do contabal

tal y lo veícu/sentían
caracterizaba por retratar el mundo tal y como él lo veía y sentía. En el cine: interpretación afectiva y
como

subjetiva de la realidad, rechazo de lo normal, querencia por lo irracional, gusto por la distorsión y la
oscuridad. El expresionismo se basa en la interpretación del mundo sensible.
expresionista

Celestilo
Película funcional: El gabinete del doctor Caligari (Robrt Wiene, 1919). Decorados estilizados, encuadres
anómalos. La función del espacio no es decorativa, sino dramática y psicológica (no sirve para situar los
personajes en un lugar sino en una emoción, en una situación). Exteriores recreados en estudio. Regreso
a la teatralidad estática de Méliès.

El Kammerspielfilm. Muchas veces busca una verosimilitud, quiere historias realistas. Muchas veces se
considera como una tendencia opuesta al expresionismo. Buscaba eliminar los intertítulos y prescindir de
ellos: la obra debe ser comprensible por sí misma. No era tan extrema o exagerada la interpretación. Sin
embargo, no renuncia a cierta estilización. Multitud de primeros planos e interpretación naturalista. Obra
cumbre: El último, de F.W. Murnau (1924), en esta película consigue un solo intertítulo en toda la película,
consiguió que la película se entendiese entera con solo un intertítulo.

F.W. Murnau. Nosferatu (1922) es otra de las películas más destacables del movimiento expresionista.
Tiene elementos que no son expresionistas como escenarios naturales (esto es más propio del
Kammerspielfilm). El ultimo (1924), narración plenamente visual (solo un intertítulo en toda la película).
Murnau también se irá a Hollywood donde rueda Amanecer y Tabú, luego muere en un accidente de
coche.

Otros cineastas de Alemania. Paul Leni: El hombre de las figuras de cera (1924) y el Hombre que ríe (1928)
en Hollywood. Fritz Lang filma algunas

Francia: el impresionismo. Caracterizado por: búsqueda de la belleza estética. Interés por la psicología de
los personajes. Idea de la fotogenia: diferencia entre el objeto en si y el objeto filmado. Según Louis Delluc,
la fotogenia es el particular aspecto poético de los seres y de las cosas susceptible de ser revelado
únicamente por el cinematógrafo; esto quiere decir que la cámara podía revelar al mundo la belleza de
las cosas (aspecto poético). Algunos cineastas impresionistas: Jean Epstein y Louis Delluc.

(NO ESTUDIAR SOLO LEER Y ENTENDER) Cineastas como Jean Renoir, hijo de un pintor impresionista, con
el cine sonoro evolucionó al realismo, a partir de La golfa (La Chienne, 1931), aunque no abandona sus
rasgos impresionistas. Luego hará cintas más políticas y finalmente también él se irá a EEUU.

Las vanguardias artísticas alcanzan de lleno al cine, especialmente en Europa, son más rupturistas, deseo
de innovación formal (Abstracción, dadaísmo y surrealismo (crear obras que sobresalgan del
subconsciente); <<voy a crear películas que no cuenten nada>>, <<voy a crear películas que no se
entiendan>>). Tres movimientos fundamentales:

- Cine abstracto: rechazo

- Cine dadaísta: se oponen a la idea de razón, no tiene que haber una lógica entre dos imágenes.
Este cine si es figurativo. Pretende no significar nada.
- Cine surrealista: tiene que ver con el subconsciente. Querían ir más allá de la realidad.

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