Fundamentos del Arte Selectividad

1. Goya
Francisco José de Goya y Lucientes nació en 1746 en Aragón, fue un pintor muy destacado
en su época y en toda la historia del arte a niveles mundiales. Destaca por no encuadrarse
en ningún estilo ya que varía a lo largo de su vida y etapas, empezando por el
barroco-rococó, pasando por el neoclasicismo hasta llegar al romanticismo. También
destaca su evolución como pintor por lo que su vida se divide en 5 etapas.

1ª Etapa, 1746-1775 (en esta etapa encuadramos a Goya en el estilo rococó): Goya nace
en un pueblo llamado Fuendetodos, en una familia con un padre artesano y una madre de
familia noble. Su formación empieza cuando se marcha a Zaragoza e ingresa en la
academia de dibujo, pero Goya lo que quería era viajar a Italia y estudiar allí, no le
concedieron la beca así fue que tras ahorrar pudo ir en 1771. A su vuelta a España,
después de inspirarse de Miguel Ángel, es cuando le empiezan a encargar obras más
importantes y religiosas, como La Gloria para la basílica del Pilar (un cuadro de colores
cálidos y terrosos, de carácter rococó). Goya en esa etapa se casa con Josefa Bayeu,
hermana de Francisco Bayeu quien más tarde le engancharía en la real fábrica de tapices,
con la que tuvo un hijo años más tarde.

2ª Etapa, 1775-1792 (en esta etapa seguimos encuadrando a Goya en el estilo rococó pero
también en el neoclásico): Esta etapa empieza cuando Goya comienza a trabajar en la real
fábrica de tapices, siendo él quien hace los bocetos (El quitasol, La gallinita ciega, el baile a
las orillas del Manzanares). En este periodo, el pintor perfecciona su técnica. Sus tapices
empiezan teniendo un enfoque a la caza (Cazador y Perro en traila) y terminan con una
temática de crítica social, El pelele. Mengs junto a Velázquez fueron inspiración para el
pintor, que además les inspiraron para hacer su propia versión del cristo crucificado. Mengs
era un pintor de corte, lo que Goya aspiraba a ser.

Fue aquí cuando empieza su faceta como retratista, fue muy importante para esto la
relación que tenía con el Infante Don Luis, hermano de Carlos III que por entonces estaba
reinando. Goya pinta La familia del Infante Don Luis, cuadro en el que aparece el mismo
retratado como clara influencia de Velázquez. Goya poco a poco va subiendo de prestigio
hasta ser nombrado subdirector general de la Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Finalmente, a sus 43 años, es nombrado pintor de corte, de la cámara de Carlos III, luego
de Carlos IV. Los años 90 empezaron muy bien, con subidas económicas; hasta 1792 que
cae enfermo de saturnismo, una enfermedad provocada por un pigmento tóxico de la época
que le produjo vértigo, náuseas, psicosis y sordera.

3ª Etapa, 1792-1808 (encuadra el inicio del romanticismo): Durante los años que está
convaleciente se muda a Cádiz, artísticamente le vino muy bien para su progreso porque
empieza a pintar para él, pinta más libremente (El corral de los locos, El naufragio y El
interior de la prisión), principio de su etapa romanticista. Igualmente continuaba con su
faceta como retratista, pero solo retrataba a sus cercanos, como El retrato de Jovellanos, El
retrato de Moratín, el de la Condesa de Chichón y el de la Duquesa de Alba, se decía que
era su amante. En esta etapa también realiza Los Caprichos, una serie de grabados que
abarcaban temas sociales de entonces. En 1800 pinta uno de sus cuadros más famosos La
familia de Carlos IV, ese mismo año también pinta a Godoy de manera muy idealizada. En
1801 pinta Las majas.

4ª Etapa, 1808-1819: Empieza con el estallido de la guerra de la independencia con José I

Bonaparte, la mayor parte de la población lo apoyaban mientras que el porcentaje restante
eran afrancesados que lo apoyaban, Goya al mostrarse indiferente lo tacharon como tal.
Goya mientras tanto fue nombrado periodista de grabados con los que criticaba la guerra.
Cuando Fernando VII vuelve en 1814, Goya tiene que no es un afrancesado y pinta cuadros
patriotas (2 de mayo y 3 de mayo). Uno de sus cuadros más destacados de la época es El
coloso.

5ª Etapa, 1819-1828: El pintor vuelve a caer enfermo y se muda a una casa de campo
llamada la Quinta del mudo. En esa casa, goya pinta sus muros y hace las llamadas
pinturas negras (Saturno devorando a sus hijos, El aquelarre, El perro hundido) Esta última
pintura es la obra más moderna y un guiño al expresionismo y al surrealismo. Goya se
marcha a Burdeos, siendo esta su etapa más tranquila, pinta obras costumbristas como la
lechera de Burdeos. Finalmente fallece en el año 1828
 2. Romanticismo
El romanticismo surge tras la pérdida de fe en la razón, dada la revolución francesa, las
guerra napoleónicas y las crisis que ocasionaba el antiguo régimen. Como reacción ante
tantos conflictos, nace el romanticismo, una sensibilidad basada en darle prioridad al
sentimiento, al yo interior y al propio individuo. El romanticismo es una manera de sentir, no
solo un estilo artístico.

Quienes se identificaban con esta corriente eran la pequeña y mediana burguesía, en el

ámbito político sobre todo.

1. La pintura romántica

Se caracteriza por la expresión, la reafirmación de la individualidad del artista y

especialmente por la intensidad emocional. De todas las artes, la pintura era la más
destacada ya que en ella veían la mejor manera de manifestar sus sentimientos personales
y proyectar su visión de la naturaleza. La escultura y arquitectura quedan en un segundo
plano.

Gracias al romanticismo se produce una gran evolución en la pintura del siglo XIX. La
naturaleza le dio un gran desarrollo a la pintura del paisaje, en el cual el autor proyecta y
exterioriza su interior con la intención de comunicar una emoción o sentimiento al
espectador.

Esta corriente también se caracteriza por el gusto por lo exótico, en la libertad en cuanto a
academicismos, la defensa del genio del artista, el costumbrismo. A veces se veían pinturas
de cementerios o ruinas expresando el paso del tiempo y el pasado nacional, con esto
vemos el compromiso político de la mayoría de artistas, en el sentido nacionalista
independista del momento.

Un concepto necesario para entender este estilo es lo “sublime”, lo que va más allá de lo
mesurado, la naturaleza que desborda al ser humano, la grandiosidad.

Los temas predilectos y recurrentes del romanticismo son: lo exótico, lo fabuloso y

fantástico y lo religioso.

Los precedentes del romanticismo son Henrich Füssli y William Blake, supusieron una
ruptura con el estilo anterior, se les considera pre-románticos por realizar obras oníricas
proyectando lo sublime.

2. El romanticismo inglés. (Naturaleza sublime y trascendental)

Los protagonistas son John Constable y William Turner, aportando a la pintura sus paisajes
románticos donde muestran su interpretación de la naturaleza.

William Turner (1775-1851), parte de la tradición pictórica de Claudio de Lorena y de la

perspectiva de Canaleto. Representaba una naturaleza con vida por poderosas fuerzas
cósmicas, es la máxima expresión romántica de lo sublime; definía los objetos mediante el
color sobre un espacio con apariencia infinita. Establecía en sus obras un juego dialéctico
entre la naturaleza y el hombre.

En sus obras representa al hombre y a la sociedad siendo expuestos ante la inmensidad de

la naturaleza, llegando a ver una desmaterialización del paisaje. Sus pinceladas no son
lineales, son curvas e irregulares, privando al espectador de tener un punto de referencia.

En 1819, Turner viaja a Italia, sus obras cambian y ahora le da más importancia a la luz y el
color, elementos que usa de manera revolucionaria para ilustrar ya no solo el objeto sino
también el medio por el que el color se propaga (medios que vemos en sus obras: humo,
vapor, niebla, nubes).

Lo vemos por ejemplo en su obra Lluvia, vapor y velocidad, con el que además Turner se
convierte en uno de los representantes de la pintura moderna. En esta obra se combina lo
sublime con la naturaleza y los propios elementos del cuadro: la locomotora, el puente y el
vapor; destaca también la temática del cuadro que más tarde tendrá mayor protagonismo: la
velocidad. En el salón de París de 1824, el romanticismo inglés influenciará al romanticismo
francés, estilo que da paso al impresionismo.

3. El romanticismo alemán. (Dios y el hombre)

La división en pequeñs estados de Alemania no facilita la formación de una capital artística

como París o Londres. Desde la época de Durero no hay en Alemania una tradición
pictórica del mismo nivel que en Francia o en Inglaterra. Además es de los primeros centros
en los que primero se manifiesta el romanticismo en el ámbito literario y musical, la pintura
queda en un segundo plano aunque igualmente su panorama se llena solo con el pintor
Friedrich.

Caspar David Friedich (1774-1840), es el pintor más destacado por su naturaleza entendida
como trascendente y sublime, donde el ser humano cumple un papel insignificante ante
esta. Sus paisajes reflejan la figura de Dios y su propia espiritualidad entre Dios y el
hombre. Los cuadros de Friedrich son expresiones de una conciencia dominada y oprimida.

Su obra más destacada es El caminante sobre un mar de nubes (1818), vemos a un

hombre de espaldas al espectador en un altar de una gran montaña ante la magnitud del
paisaje, símbolo de la obra de Dios. Otros cuadros de este autor nos lleva a contemplar la
naturaleza como el contrapunto de la soledad del yo, una visión de un Dios inalcanzable.
Fraile capuchino junto al mar, Salida de la luna sobre el mar, entre otros.

4. El romanticismo francés. (El hombre)

La pintura romántica francesa va por caminos diferentes de la alemana e inglesa. Los

autores que destacan son Géricault y Delacroix quienes se centran más en la energía del
individuo y los animales y su libertad, siendo esa su representación de la naturaleza y del
sentimiento religioso.

Theodore Géricault (1791-1824), sus temas son contemporáneos. En su viaje a Roma en

1816, es influenciado por las obras de Miguel Ángel. Sus temas son las escenas de cacería,
combates y retratos de locos. Su obra más significativa es La balsa de la medusa (1819), es
realmente un alegato político contra la pasividad del gobierno cuya incompetencia provoca
este naufragio. Este tema plasma las emociones más negativas y desagradables como la
desesperación, el terror, la locura y la muerte. Los cuerpos nos recuerdan a los de la capilla
sixtina, poseen la grandeza de personajes clásicos que son sometidos por la fuerza de la
naturaleza.

Eugene Delacroix (1793-1863), es el continuador de la obra de Géricault y se caracteriza

por lo mismo que él. E el salón de París de 1822 presenta su obra La barca de Dante con
claras influencias de Miguel Ángel al igual que la obra de Géricault. Delacroix se posiciona
como máximo exponente del romanticismo francés en el año 1824 con su obra La
mantanza de Quíos. Sin embargo su cuadro más importante es La libertad guiando al
pueblo que conmemora la revolución de 1830. Con ese cuadro nos muestra como Delacroix
se identifica con la lucha del pueblo contra la opresión que supone la restauración
monárquica. Delacroix se convierte en un contrarrevolucionario. La composición de la obra
se asemeja a La balsa de la medusa. Delacroix y su fascinación por el color se acentúa tras
sus viajes al norte de África y a Londres, con la pintura de los romanticistas ingleses. Vemos
el protagonismo del color en obras como La muerte de Sardanápolo y Mujeres de Argel en
su habitaciones.
 3. Las primeras vanguardias.

1.Pintura impresionista.

Tienen origen en la exposición de la casa del fotógrafo Nadar donde los artistas no
normativos que no podían exponer en los salones parisinos oficiales, presentaban sus obras
allí. Fue en ese salón de dónde surge el término impresionista después de que un crítico de
arte viera Impresión: sol naciente de Claude Monet.

1.1. Los precedentes del impresionismo

● La captación de luz viene de la pintura veneciana y de Velázquez.

● Los instantes lumínicos, la disgregación de imágenes y la vivencia personal de la
naturaleza son inspiración de Constable y Turner
● El realismo, la observación de un momento concreto y de la naturaleza viene de la
escuela de Barbizon y J. Camile Corot que influenciaron a Pisarro y a Monet.
● El costumbrismo proveniente de Goya.
● La estampa japonesa
● La fotografía influyó en la búsqueda de nuevos caminos de expresión pictórica.

1.2 Édouard Manet (1832-83)

Se le considera precursor del impresionismo. Manet empieza rechazando los

academicismos, su formación parte de los maestros como Tiziano, Tintoretto, Velázquez y
Goya, con los que se familiariza en sus visitas a distintos museos.

Su entrada al mundo de la pintura la realiza en el salón de los rechazados de 1863 con su

obra El almuerzo sobre la hierba, cuadro que escandaliza al público y a la crítica por su
manera de tratar lo formal y el desnudo. Las tres figuras que vemos parecen estar
desconectadas entre ellas, acentuado por el contraste entre la figura femenina desnuda y
las demás masculinas vestidas. La figura del fondo parece estar flotando debido a una
especial representación de la perspectiva. Las manchas son colores planos, cuenta con una
fuerte oposición de tonos, las pinceladas son sueltas y gruesas; y la importante sensación
de abocetamiento. Podemos apreciarlo también en El pífano.

Igualmente se puede apreciar en La Olympia en la que se representa una Venus más

cercana al mundo de la prostitución que al de los dioses. Se le suma su mirada directa al
espectador y destaca el contraste entre la tez pálida de la Venus, su vestido, las flores de un
blanco puro contra la sirvienta de fondo y su piel oscura.
2. Características del impresionismo y sus principales representantes.

Convocaban reuniones donde artistas como Monet, Renoir, Pisarro, Degas, entre otros; se
juntaban en torno a Manet para discutir sobre el arte para fijar sus ideas y los caminos que
convienen seguir. Las características comunes que reunían sus representantes era:

● Se desarrolla en el siglo XIX en Francia

● Pintaban escenas cotidianas, paisajes al aire libre, naturaleza cambiante,
representaban el mismo escenario a diferentes horas del día para ver como la luz
afectaba.
● El uso del color y la luz para unificar la pintura.
● Las pinceladas sueltas formando manchas yuxtapuestas
● Manchas de colores directas al lienzo sin mezcla previa
● Omiten el contorno, pasan al volumen
● Presciden de la perspectiva basada en las reglas de geometría y emplean una
perspectiva de primer plano hasta la línea del horizonte.

2.1 Claude Monet (1840-1926)

Su objetivo principal era fijar la inmediatez del momento por lo que decide pintar motivos
acuáticos pintando en las orillas del Sena y en Argenteuil (donde instaló su estudio en 1871
gracias a la ayuda económica de Manet) los efectos de la luz sobre el paisaje. Con los
cuadros que pintaba ya cumplía dos reglas del impresionismo, la fijación sobre la
iluminación y la exclusión de perspectiva. Pinta El puente de Argenteuil.

El color es fundamental, sustituye líneas por manchas, pinceladas cortas y energéticas y

combina colores según las leyes de simultaneidad. Los objetos y el reflejo de estos tienen la
misma contundencia y solidez.

Además representa la misma escena repetidas veces a diferentes horas del día para ver
como la luz influye al objeto y al escenario. La catedral de Rouen, la cual pintó 40 veces, La
estación de Saint Lazare y Las Ninfeas.

2.2 Camille Pisarro (1830-1902)

Aprendiz de Turner, influenciado por Corot y Millet, amigo personal de Monet y Cézanne; y
profesor de Gaugin. Pisarro es de los mejores representantes de la nueva visión de la
naturaleza. Pintaba sobre todo pueblos campesinos en los que veía el efecto de la luz. Su
etapa más significativa fue cuando unió la armonía cromática, la solidez de las formas y sus
estructuras en un equilibrio sutil, que influenciará a Cézanne en su obra. Entre sus obras
destaca Tejados rojos.

2.3 Alfred Sisley (1839-1899)

Se inspira en Pisarro y Monet. Representaba los efectos de la luz en sus escenarios pero
con la diferencia de unir todos los elementos del paisaje con la atmósfera, como en La
inundación en Port-Marly. Irá evolucionando hasta hacer las pinceladas más cortas, Nieve
en Loveciennes.
2.4 Berther Morisot (1841-1895)

Adquirió la técnica de Corot de la pintura al aire libre y fue modelo de Manet en El balcón.
Además se casó con Eugène Manet, hermano de Édouard Manet.

Morisot pintó sobre todo escenas de mujeres con niños y paisajes (playas o vistas urbanas),
escenas intimistas, femeninas, serenas y atemporales. Su técnica se caracteriza por
pinceladas grandes, sueltas, libres, amplias y en todas direcciones, dando un aspecto
transparente y tornasolado. La llamaban la pintora del blanco.

Empezó a exponer con 23 años en el Salón de París, más tarde se unió a las vanguardias
de las exposiciones impresionistas comenzadas en 1874 con su obra La cuna.

Hasta finales del siglo XIX, la historia del arte no reconocía a Morisot y la dejaba en un
segundo plano, estando en primer plano los hombres. Gracias a la voluntad de romper con
la tradición, la trascendencia de sus modelos y su capacidad la convierten en La gran dama
de la pintura. Una de sus obras más reconocidas es Mujer en su baño.

2.5 Mary Casat (1845-1926)

Estudió en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania con 15 años. Entre 1866 y 1874
estudia y pinta por Italia, Holanda y España, finalmente viaja a París y se instala allí hasta
fallecer. En esa etapa vemos una gran maduración artística gracias a la influencia de viejos
maestros como Rembrandt y Velázquez; y las enseñanzas de Pisarro. Degas fue quien
ayudó a Casat a integrarse en el mundo del impresionismo. También le influenció la
estampa japonesa.

Sus pinceladas eran sueltas y los efectos de la luz se reflejan en aspectos cotidianos, sin
embargo Casat pintó pocos exteriores. Tenía preferencia por los interiores y las escenas
sencillas, momentos dulces, apacibles y relajados, donde el protagonismo se lo llevaba la
figura femenina. Sus obras más destacadas son Baño de la mañana y Madre que alimenta
al niño.
 3.1. Escultura Impresionista

El impresionismo se dio en la escultura al igual que en la pintura, esta disciplina buscaba

nuevo lenguaje que concordara con los nuevos planteamientos escultóricos del siglo XIX.

1.Aguste Rodin

François Aguste René Rodin es un escultor francés nacido en 1840 en París. Es

considerado el padre de la escultura moderna ya que su obra significa una ruptura con lo
académico. Las obras de Rodin replantean las ideas del realismo, ajustandose a los
pensamientos del impresionismo como la valoración del objeto y la importancia del efecto
lumínico.

Se puede ver en La Catedral, vemos dos manos derechas de dos personas diferentes
entrelazándose. El material empleado es la piedra aunque más tarde se realizarían
repeticiones en cobre. Al principio esta obra se iba a titular de otra manera, terminó con ese
nombre por el libro Las catedrales de Francia del mismo autor

Su escultura parte de la tradición renacentista, de Miguel Ángel, quien le influencío en la

tensión contenida y el vigor junto a la profundidad psicológica.

Es el primer escultor que consigue el reconocimiento de que sus obras se den por
finalizadas, gracias a su habilidad de modelado que replanteaba nuevos criterios para la
configuración del espacio escultórico mediante superficies y volúmenes con ángulos duros
sobre los que la luz crea fuertes contrastes. Vemos esta técnica en Los burgueses de Cálais
y su obra inacabada La puerta del infierno.

Esta última obra es un conjunto de esculturas en colaboración de Camille Claudel,

encargado por el ministro de Instrucción pública y Bellas Artes de Francia para la entrada
del museo de Artes Decorativas de París. Se trataba de una puerta de 30 m de altura,
compuesta por diferentes figuras inspiradas en la Domedia de Damente, Las flores del mal
de Bandelaire y el libro de Metamorfosis de Ovidio. Rodin se inspiró del Baptisterio de San
Juan, de la Catedral de Florencia y la Catedral de Orvieto. Nunca se hizo la obra en
conjunto pero si las esculturas que la iban a componer.

Balzac es una obra que logra una combinación entre la forma y el sentimiento. Rodin inicia
un ciclo de escultura contemporánea denominada apoteosis wagneriana.

El beso fue una obra controversial ya que trata de una figura femenina y masculina
desnudos en la que es ella quien seduce y no el hombre. La fuerza de esta escultura es el
lenguaje universal y la manera no tradicional de tratar el tema. Además esta escultura no
tenía un ángulo concreto para observarla, sino que desde podías apreciar distintos instantes
desde todas las perspectivas. El sentimiento de las figuras se expresan a través del
movimiento y del lenguaje corporal. La anatomía no es fiel a la realidad, tiene un brazo más
largo que le da énfasis a la pasión.
Sin duda la obra más reconocida de Rodin es El pensador hecha entre 1881 y 1882, con la
finalidad de que formase parte de La puerta del infierno. Vemos un hombre desnudo con
actitud reflexiva llena de movimiento. La figura involucra todo su cuerpo en la acción: piensa
con el torso, con los brazos, con las piernas. Es una escultura cerrada en sí misma: el torso
inclinado, la mano derecha apoyando la cabeza, el codo derecho sobre la pierna izquierda,
la mano izquierda descansando sobre la misma pierna. El acabado poco pulido que crea
fuertes sombras trasmite al espectador el sufrimiento del pensador.

Esta obra fue nombrada como innacabada, había zonas directamente sin trabajar haciendo
contraste con zonas pulidas con el objetivo de potenciar la importancia a la expresividad y
no a la forma como tal. Sus obras consideradas como no finalizadas debían completarse
con la imaginación. La técnica que empleaba para modelar era con las manos y los dedos,
aportaba rugosidad y esto vitalidad.

2. La escultura española a finales del s. XIX e inicios del s. XX. Mariano Benlliure.

Fue uno de los escultores más importantes de la época. Destaca su habilidad en el

modelado con la que aplica un realismo casi pictórico y por su dominio en la composición de
monumentos urbanos en las ciudades españolas e hispanoamericanas. Adquirió fama junto
a su amigo Joaquín Sorolla, un gran pintor.

Mariano recibió su formación en París, su maestro fue Francisco Domingo Marqués que
además le influenció.

En 1879 viajó a Roma donde puso contacto con las obras de Miguel Ángel inspirádole, en
1887 vuelve a Madrid para instalarse definitivamente. En Madrid participa en las
Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, contó con el apoyo de la crítica convirtiéndolo en
uno de los artistas mas influyentes de su época.

Se caracteriza por un sentido narrativo, realista y minucioso, una minuciosidad realista que
aporta un detalle excesivo y pictórico. Se preocupaba en captar el movimiento, el aspecto
transitorio y dinámico de la vida. Se interesó por temas populares pero prefería el retrato y
los monumentos conmemorativos.

Su primera medalla se la llevó en 1887 con la imagen del pintor Ribera. Otras obras son: el
monumento Isabel la católica y Colón, situado en Granada, tratado con gran minuciosidad.
Su obra más innovadora es el monumento al poeta Antonio Truebaen Bilbao, por el que
ganó otra medala de honor en la Exposición Nacional de 1895.

Otras estatuas son las de María Cristina, Emilo Castelas, la reina Bárbara de Braganza, la
del general San Martín o la de Simón Bolivar. Sus esculturas alcanzan una gran nobleza,
como la de Alfonso XII, la del General Martínez Campos o la de Primo de Rivera.

Una de sus esculturas principales es el entierro a Joselito, un monumento funerario.

Representa un número de personas formano un conjunto compositivo cerrado pero con
mucho movimiento ya que todas las figuras caminan hacia la misma dirección y cumplen la
misma acción que es trasladar el ataúd.
 3.2. Postimpresionismo

Algunos impresionistas desarrollan un arte carácteristico que los llevan a un progresivo

alejamiento del primer impresionismo. El impresionismo se basa en la ruptura de las
tradiciones pictóricas que abre paso a la experimentación. El postimpresionismo lo
protagonizan: Toulouse-Lautrec, Vicent Van Gogh, Paul Gaugin y Paul Cézanne.

Se caracterizan en ver el mundo de otra manera, el artista adquiere un papel creativo,

rechazaban el realismo ya que ellos iban más allá de la realidad objetiva. Le dan un nuevo
uso al color que será fundamental, al igual que en el primer impresionismo el pigmento se
aplicaba directamente en el lienzo, la pincelada se convierte casi en un relieve. No tenían
preferencia por ningún tema en concreto sino por la obra en sí. Omitían los detalles
secundarios.

1.Principales representantes: Vicent Van Gogh y Paul Cézanne.

1.1. Vicent Van Gogh (1853-1890)

Su pintura trata de su búsqueda personal e íntima en el arte sobre el sentido de la vida, el

porqué de la soledad y la ausencia de amor. Su tristeza parte de una sociedad que lo
rechaza y un profundo sentimiento de falta de compromiso moral en cuanto a las personas
que sufren y están marginados, lo podemos ver en Comedores de patatas.

Formado en la tradición pictórica holandesa de Rembrandt y Hals, y el realismo de Millet a

quien imitaba a sus inicios. Cuando Van Gogh viaja a París es aceptado por los
impresionistas, artistas de un movimiento en el cual dentro había enfrentamientos por
diferentes tendencias artísticas.

Lo que querá con su obra era expresar la intensidad de los sentimientos del ser humano,
con formas energéticas y angulosas y colores que parecían crear torbellinos, como nos
muestra en La noche estrellada.

Tras una etapa de depresión y conflicto interno decide cambiar su arte-representación por
arte-expresión. Entonces la pintura gana independencia y se convierte en protagonista. Van
Gogh abre un camino al expresionismo. Con su serie de cuadros Los girasoles, quería
expresar alegría creando una armonía con gamas de azules y amarillos.

Pinta El dormitorio de Arlés, que destaca por la expresividad de sus figuras y la intensidad
de sus colores (manchas planas y colores complementarios ccomo influencia de la estampa
japonesa), la perspectiva y los encuadres se distinguen en una perspectiva clásica pero
apreciando varios encuadres y puntos de fuga; ese rasgo en los paisajes cambia y la línea
de horizonte es más alta, dejando más espacio para el suelo que para el cielo.

Vicent Van Gogh fallece, por asesinato o suicidio según las fuentes, en el año 1890.
Semanas antes de morir pinta Trigal con cuervos.
1.2. Paul Cézanne (1839-1906)

Ya en 1880 consideraba que las técnicas del impresionismo no iban a llegar lejos por lo que
decide abandonar la representación instantanea de la naturaleza y pasa a experimentar las
relaciones entre lo que ve, lo que siente y lo que se conoce. Cézanne es considerado uno
de los pintores más revolucionarios, trata de elaborar una filosofía estética basada en sus
experiencias mendiante la pintura.

Su concepto de espacio se basa en la superposición de instantaneidades en un mismo

plano, introduce en sus obras diferentes puntos de vista. Melocotones y peras. En Los
jugadores de cartas construye y estructura con el color los volúmenes, el espacio, las
masas, la luz y las perspectivas. Otro ejemplo de indiferencia hacia la perspectiva correcta
es Naturaleza muerta con Cupido en yeso.

En 1904, descompone la naturaleza en figuras casi geométricas y sus pinceladas se

vuelven más gruesas y agresivas. Monte Saint-Victoire.
 4. El Cubismo

1 Las claves del cubismo.

El cubismo es un movimiento de las vanguardias surgido en Francia en el siglo XX, fue

revolucionario y causó grandes repercusiones en el ámbito artístico. El término de cubismo
aparece con una crítica de Louis Vauxcelles a la obra de Georges Braque (uno de los
principales artistas de la corriente) L’estanque, el crítico menciona que la pintura parecía
estar compuesta de cubos. Además de Braque, el cubismo también lo protagonizaron los
españoles Pablo Picasso y Juan Gris. El cubismo es una corriente de carácter formalista
(valoraban más las formas que el hecho de tener una implicación política o social).
Realizaban obras experimentales, buscando nuevas formas de expresión. A pesar de que
se acerca a la abstracción, nunca llega a esta.

La mayor inspiración fue Cézanne que también había intentado la geometrización

anteriormente y se había fijado en el arte primitivo (como Picasso). Los cubistas
reaccionaron en contra del uso del color de los fauvistas, es por eso que empiezan usando
gamas cromáticas de grises, verdes y marrones. Dejaron de imitar la realidad según la
veían.

El cubismo fue el punto de arranque de todo el arte vanguardista del siglo XX, se puede ver
en el Art Decó, en la Bauhaus y en el neoplasticismo de Mondrian. El comienzo de la
primera guerra mundial fracciona el cubismo y de ahí sale el purismo, el constructivismo
ruso y el cubismo órfico.

El punto de partida del cubismo lo hizo Picasso en su etapa negra o protocubista, con la
obra Las señoritas de Aviñón, en este se muestran cinco prostitutas de dicha calle de
Barcelona. Al principio no gustó y quedó en el olvido hasta unos años más tarde, en 1920
que lo compra un coleccionista, en 1925 lo publican los surrealistas y en 1937 se expone.
Usa una técnica de grandes planos con colores rotos, no hay separación entre los
contornos de las formas y tampoco hay sensación de profundidad. La composición del
cuadro está influenciada por Últimas bañistas de Cézanne y otras obras suyas. También se
fijan en el estilo artístico de la escultura arcaica griega, egipcia, ibérica y africana primitiva.

El espacio se trabaja de forma dinámica. La figura se representa en varios planos desde

distintos puntos de vista, se rompe el sentido del volumen y la perspectiva tradicional.

El cubismo tuvo dos fases: el cubismo analítico (1908-12) y el cubismo sintético (1912-14).
Su época de máximo esplendor fue de 1909 a 1911. Después del primer año (1907)
comienza el cubismo analítico, el más enigmático de todos: la forma y el fondo se confunde,
el elemento se descompone en planos, la paleta cromática se reduce a colores sombríos y
las referencias a la realidad se pierden (La guitarra de Braque)

En 1912 aparece el cubismo sintético hasta 1914: se reconstruyen los elementos y la

realidad, dejan de ser fragmentados y se forman con planos de colores. Los objetos se
siguen viendo desde diferentes puntos de vista. Esta fase la inició Braque con sus
innovaciones como el collage (realizar obras con formas sencillas a partir de materiales
diferentes como el papel) que lo podemos ver en Naturaleza muerta, violín y frutero o Violín
Jolie Eva de Picasso, y la tipografía.

1.1 Diferencias entre cubismo analítico y sintético.

La diferencia más notoria es la fragmentación de los elementos en distintos puntos de vista,

el analítico roza lo abstracto pero nunca lo llega a ser, en cambio el sintético coge partes
más representativas y es más simple.

Otra diferencia es el color, el analítico coge colores sombríos y apagados y la paleta es más
reducida; el sintético es mucho más colorido.

Una innovación que tiene el sintético y el analítico no, es el collage, se empleaba el óleo y
se pegaban periódicos, partituras, telas, cuerdas…

1.2 Características generales del cubismo

● Rechazo del modelado clásico y la perspectiva

● Geometrización, esquematización y simplificación de las formas
● Representación de elementos en distintos puntos de vista, superponiendo los planos
● Prioridad de las formas y líneas, creando volúmenes en contra de la luz y del color
 4.1 Pablo Picasso

Pablo Ruíz Picasso (1881-1973) es considerado uno de los artistas más importantes de la
historia del arte, el padre de la pintura contemporánea, un revolucionario visual y conceptual
que abarcó la pintura, la escultura, la cerámica, el grabado y hasta la escenografía de
ballets. Cuenta con un gran número de obras.

Picasso pasó y experimentó con varios estilos a lo largo de su carrera, es por eso que su
vida se divide en varias etapas:

1 Etapa de formación (1895-1901)

Nació en Málaga en 1881, durante su infancia y adolescencia viajó por A Coruña, Madrid y
Barcelona, donde se formó en la Escuela de Artes de La Llotja desde los 14 años; más
tarde pasaría a la Escuela de Artes de San Fernando. Siguió su formación en París.

Le influenciaron Goya, Velázquez y El Greco en sus visitas a los museos, le ayudaron a

tomar rapidez en el trazo y al cromatismo sombrío de sus ambientes. También le influenció
el modernismo catalán, que le transmitió el afán de representar la figura humana en
situaciones cotidianas: Ciencia y caridad, La muchacha de los pies descalzos.

2. Etapa azul (1901-1904)

El motivo de esta etapa y su melancolía fue el suicidio de un amigo Carles Casagemas, que
además se volvió un tema recurrente para sus obras. En las pinturas de este periodo
plasma una tristeza representando las condiciones de vida de las clases marginadas en
Barcelona a principios del siglo XX, Mujer con los brazos cruzados.

La gama cromática se vuelve fría, los fondos vacíos y desnudos hacen que resalte la figura
de los personajes, personas esbeltas y alargadas (influencia de El Greco). El viejo
guitarrista, La vida y La tragedia.

En 1904, Picasso ya está instalado en París, donde comienza una nueva etapa de su vida
en la que despierta nuevas inquietudes.

3. Etapa rosa (1905-1906)

Cambia la gama drásticamente a colores más vivos y cálidos, de ahí el nombre de la etapa.
Se interesa por una temática circense, dado que vivió al lado de un circo, por los ambientes
parisinos atractivos, también pintó desnudos pero en menor medida. En las escenas que
pintaba mostraba un trazo suave y una apariencia sencilla, La familia de saltimbanques o
Muchacho con pipa.

En esta etapa recibe la influencia del arte primitivo africano, íbero, romano, y anticlásico.
Empieza a surgir el cubismo.
Entre la etapa rosa y cubista se encuentra su periodo negro o protocubista, en la cual pinta
el famoso cuadro Las señoritas de Aviñon (1907). Sus amigos y su público no entendían la
obra, tampoco entendían a qué se debía el cambio de un estilo a otro cuando la etapa rosa
le iba bien económicamente siendo un estilo más figurativo, pero Picasso renunció a un
estilo que el mercado le diera una aceptación directa. Tardó en entenderse y venderse: en
1920 lo compra un coleccionista, en 1925 lo publican los surrealistas y en 1937 lo exponen.

Las características de este cuadro son los trazos angulosos, los planos descompuestos, la
apariencia de máscaras africanas (influencia del arte primitivo africano). Esta es la obra
incipiente del cubismo.

4. Etapa cubista (1908-1916)

Esta etapa contaba con las características de la obra anterior sumando la eliminación de la
perspectiva. Pinta bodegones, influenciado por Cézanne, y retratos con tonos sombríos y
apagados: grises, verdes, marrones.

El cubismo se divide en dos etapas: la analítica y la sintética.

4.1 El cubismo analítico (1908-1912)

Después de la reacción de su entorno sobre Las señoritas de Aviñón, esta etapa realmente
le fue bien, subió su prestigio y su cotización. Esta etapa a pesar de ser la menos emotiva
en la pintura, coincide con una etapa de infelicidad tras su ruptura con Fernande Oliver.

Esta época para Picasso, al igual que para George Braque (representante junto a Pablo del
cubismo), significó un momento de investigación y experimentación.

Las características son el geometrismo descompuesto, ahora los elementos se

descomponen en planos desiguales, el volúmen y la profundidad de los objetos
desaparecen. Los colores son apagados y tienden a la monocromía. Los temas recurrentes
son los bodegones y retratos, sobre todo de músicos: El retrato de Ambroise Vollard. Era
más importante la experimentación que la representación.

A partir de 1911 este estilo empieza a rozar la abstracción, los planos se descomponen más
y los elementos se hacen irreconocibles. El hombre del clarinete es una obra que a simple
vista no parece contener ninguna figura, es el título el que ayuda a reconocer las formas.
Ante el peligro de tocar lo abstracto, Picasso y Braque retroceden y vuelven a algo más
figurativo.

Además Braque trae innovaciones, una de ellas el collage: una técnica que consiste en
superponer materiales (papel, partituras, hules de plástico, cuerdas…) en el lienzo,
haciendo la obra más sencilla y aportando texturas, Naturaleza muerta con silla de rejilla. La
otra novedad es la tipografía, que aporta un significado simbólico.
4.2 El cubismo sintético (1912-1916)

Violín Jolie Eva además de representar este estilo, también fue una declaración de amor
para Eva Gouel. Aquí el color empieza a ser más vivo, los objetos ya no se descomponen
en varios planos sino que se sintetiza en sus formas más representativas y vuelve a ser
más fácil de descifrar. El collage causa un nuevo efecto visual, más tarde se usará en el
dadaísmo. Vive la France.

El cubismo termina bruscamente con el estallido de la primera guerra mundial, solo Picasso
y Juan Gris continuaron su evolución. Picasso también introduce una novedad: los
estampados de puntos.

5 Etapa neoclásica (1917-1925)

La guerra, la muerte de Eva Gouel y su matrimonio con Olga Koklova un año después,
influenciaron en su producción artística. La técnica y temas del cubismo siguen pero
combinando la vuelta a un estilo neoclasicista. La gama es más contrastada y en grandes
planos, se aleja de la monocromía.

Representa ambientes familiares que transmiten paz y tranquilidad. En 1921 nace su hijo
Paul que lo inspira a la hora de pintar: Retrato de Olga en un sillón, La siesta, Mujer e hijo a
orillas del mar, presentan rasgos de gigantismo.

6. Etapa surrealista (1925-1939)

Se inicia con La danza (1925). Aparece dadas las consecuencias de la segunda guerra
mundial, la guerra civil y la ascensión del fascismo. En esta etapa, Picasso es nombrado
como director del Museo del Prado pero él lo rechaza. Plasma el pesimismo y el rechazo a
la guerra en sus obras, recurre a elementos oníricos y surrealistas, representa a personajes
alargados, monstruosos y deformes como expresión del terror y sufrimiento. Figuras a las
orillas del mar, La crucifixión, Bañistas y El sueño.

Aunque Picasso no se identificaba con los surrealistas, las revistas lo enmarcaron en este
estilo, hizo obras surrealistas.

Esta etapa termina con El guernica (pasa a la etapa expresionista), en el que renuncia al
color para representar el dolor e ira que sentía, convirtiendo la gama de grises en un
símbolo; además la composición era sencilla y moderada.

Durante la segunda guerra mundial, su estilo es expresionista, pasa una etapa de

pesimismo a la que se le sumó la muerte de su amigo escultor Julio González.

7. Etapa Vallauris. Cerámica (1947-1954)

Se instala en Vallauris e inicia una etapa de calma donde abandona la pintura

temporalmente y se dedica a la escultura y a la cerámica. Representa su tranquilidad con
palomas y la luz mediterránea. Realizó aproximadamente 600 piezas.
8. Última etapa. (1954-1973)

Siguió experimentando con el cubismo y estudió a los maestros clásicos: Velázquez, Goya,
Delacroix, Monet; realizando versiones de sus obras.

Hace una versión de las Meninas de Velázquez, del fusilamiento del 3 de mayo de Goya y
de Maximiliano de Manet.
 5. El fauvismo

El fauvismo nace en Francia, considerado centro artístico del mundo y París la capital del
arte europeo. Además Francia servía de residencia temporal o definitiva para los artistas
dado que era un ambiente menos conservador y por sus salones independientes o de otoño
donde los artistas exponían sus obras alejadas de lo académico.

De todos los -ismos destacan el fauvismo y el expresionismo alemán; el fauvismo fue el

primero (1905), después fue el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo. Los pintores de la
época van experimentando y pasando por diferentes estilos, de ahí la aparición y
desaparición de tantos movimientos en tan poco tiempo.

El término fauvismo aparece con una crítica de Louis Vauxcelles en la que hablaba sobre
una exposición que contaba con una escultura renacentista en el centro de la sala y está
rodeada de cuadros fauvistas, Louis habla de las pinturas comparándolas con “fauves”
(fieras en francés).

1 Características

Las características comunes se consolidaron en la exposición del Salón de Independientes

de 1906 y de Otoño de 1907.

● Uso arbitrario del color: se independiza el color del objeto, es decir, una figura
humana podía ser naranja, el tronco de un árbol rojo mientras que sus hojas eran
azules. Los colores eran más brillantes, la pintura iba directa al lienzo sin mezclarla
previamente, las pinceladas eran suaves. Usaban colores complementarios y
algunos renunciaron al negro.

● Buscaban causar un impacto visual.

● La obra adquiere su propia identidad y autonomía.

● Renuncian a la profundidad, tenían un carácter de abocetamiento (influencia de

Gauguin): simplifican las formas, los contornos eran gruesos y las manchas planas.

● Los temas de las obras eran los del impresionismo pero incluyendo a la figura
humana como protagonista.

● La influencia clara era el postimpresionismo y el arte primitivo africano. Sus

influencias eran Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat.

2. Henri Matisse (1869-1954)

Las figuras principales del fauvismo fueron André Derain y Henri Matisse, junto a Maurice
Vlaminck y Raoul Dufy.
Pero sin duda el fundamental fue Henri Matisse, combinaba la racionalidad de Picasso y la
dureza del expresionismo alemán llegando a un arte contemplativo.

Matisse se formó en la escuela parisina de Bellas Artes, donde conoció a los demás
integrantes del movimiento, fue estudiante de Gustav Moreau quien le influyó en la suavidad
y la tenacidad de las luces. El postre.

Primeramente se inició en el simbolismo y más tarde en el expresionismo. En 1989 ya

pintaba cuadros a los que se les considera protofauve, con colores brillantes, gama
reducida, fuertes contrastes y sombras a base de colores complementarios.

Representó sobre todo figuras femeninas, contaba con su pareja como musa, lo hacía con
colores muy intensos. Mujer con sombrero y Retrato de la raya verde. Mantuvo el color
como protagonista en sus obras. Después del fauvismo siguió experimentando, lo que le
convierte en un gran maestro del siglo XX. Pinta La danza, con simplicidad en el dibujo,
colores intensos en grandes espacios, contornos negros, manchas amplias y sin contraste.

A partir de 1910 le influenciaron las civilizaciones del norte de África y de oriente. Con 80
años, Matisse seguía experimentando e innovando, lo vemos en Desnudo azul IV.
 6. El modernismo (art noveau)

1 La arquitectura modernista.

En la arquitectura siempre se veía lo mismo, desde finales del siglo XIX se empieza a sentir
una necesidad de renovación, la base social de este cambio es de la burguesía enriquecida.
Este movimiento presenta las líneas curvas y la ornamentación superficial y excesiva,
contra los academicismos y los valores establecidos.

Esta corriente nace en Bélgica, país que desde finales del siglo XIX ya se encontraba
industrializado. Además Bruselas se consideraba el centro contemporáneo europeo y la
ciudad artística vanguardista por excelencia. A partir de ahí el modernismo se expande
rápidamente por toda Europa, en cada país de una manera diferente resultando una gran
variedad de matices y detalles.

La mayor manifestación del modernismo es la arquitectura. Las características son:

● Nuevos materiales: hierro, cristal y cemento.

● Estructuras visibles como parte de la decoración.
● Contrastes de luces y sombras.
● Plantas asimétricas e irregulares con movimiento y líneas curvas de carácter
barroco.
● fachadas igualmente asimétricas que distribuyen los vanos de forma irregular, se
usan arcos rebajados, escarzanos y conopiales de estilo neogótico.
● Se introduce el color mediante azulejos, pintura, etc.

Dentro de esta corriente surgen dos grandes tendencias: la primera surge en Bélgica y de
ahí se expande por Europa incluyendo España con Gaudí, se caracteriza por su excesiva
decoración; en cambio la otra vertiente se desarrolla en el centro europeo, sobre todo en
Austria, no es decorativista sino sobrio, serio y estructural, la decoración la buscan en líneas
geométricas fuertes.

1.1 Victor Horta

El mayor representante de la primera línea es Victor Horta, rechazó lo clásico y renunció a

los límites de lo convencional. Su mayor influencia es su propio padre, quien le enseñó la
importancia del detallismo, no solo diseñaba el edificio, también se encargaba del mobiliario.

La primera obra del estilo es la Casa Tassel en Bruselas, con influencia barroco y rococó.
Horta descubre que el metal puede emplearse para uso decorativo haciendo formas curvas
de manera estética. Esta obra cuenta con una armonía ondulada y una decoración de
carácter lineal.

Estas características también las vemos en la Casa Solvay, pero la verdadera obra maestra
del arquitecto es la Casa de Pueblo en Bruselas: un edificio con una fachada ondulada, en
el interior se encuentra un gran salón de actos donde las vigas metálicas están visibles
tienen un diseño curvado. Se emplean soportes inclinados para ganar amplitud y seguridad.
Otro arquitecto belga muy importante pero de la segunda tendencia es Henry Van de Velde,
su arquitectura es totalmente opuesta a Horta. Hace edificios más simples, con menos
decoración y se centra en que lo bello solo está en lo útil.

2. Antonio Gaudí.

2.1 El modernismo catalán.

En el caso de Cataluña, el modernismo va ligado a un proyecto político, el catalanismo: un

movimiento de reivindicación y recuperación de la lengua y cultura propia que además
coincide con un desarrollo socioeconómico, una consolidación del capitalismo industrial y un
momento de estabilidad política. Esto le dio a la burguesía catalana un lugar idóneo para la
inversión y el crecimiento.

Este estilo contiene rasgos y símbolos propios de la cultura como el uso de formas y
motivos arquitectónicos históricos, uso del escudo de Cataluña o la representación de su
patrón Saint Jordi. En esta corriente nos encontramos arquitectos como: Doménech y
Montaner, Puig y Cadafach, sin duda el más destacado fue Antonio Gaudí.

El modernismo catalán lo que buscaba era crear una cultura moderna como el resto de
Europa, también contando con la arquitectura nórdica como referencia. Emplearon nuevos
materiales: el hierro laminado, el vidrio industrial y perfeccionaron la construcción con
ladrillo.

2.2 La arquitectura de Gaudí.

Gaudí fue el representante más importante del modernismo en toda la península ibérica.
Fue quien inventó los arcos parabólicos y las columnas inclinadas que permitían prescindir
de los arbotantes. Se caracterizaba por ser un naturalista romántico que representaba
mediante las obras artesanales sus creencias, es por eso que Gaudí era también ceramista,
ebanista, paisajista, escultor, etc. El amor que tenía por la naturaleza lo plasmaba en sus
decoraciones.

Detrás de la simplicidad de sus obras se encuentran cálculos minuciosos. Sus edificios

transmiten una extraña sensación de espacio conseguida gracias a una proyección en los
materiales con formas funiculares, como es la parábola catenaria. La tradición fue muy
importante en sus obras y estilo dado su conocimiento sobre los estilos históricos, además
empleó técnicas antiguas que le permitió construir grandes espacios abovedados. Los
factores que más influyeron al arquitecto fue la ayuda económica de parte del Conde Güell,
la gente que le ayudaba y le entendía y un profundo sentimiento religioso.

Sus obras maestras se encuentran en Barcelona y en alrededores de Cataluña como el

Palacio Episcopal en Astorga y la Casa de los Botines en León. Su actividad constructiva
duró desde 1885 hasta 1914, el Palacio Güell fue de las primeras obras del modernismo
catalán. Realiza el Parque Güell, una de sus obras maestras, se caracteriza por sus rasgos
oníricos e infantiles. En ese parque se reúnen importantes monumentos: pórticos dóricos
con columnas inclinadas, edificios de mosaicos policromados y tejados puntiagudos, bancos
cubiertos de mosaicos, elementos falsos (palmeras, columnas) como decoración.
La casa Milà o La Pedrera es un edificio con una estructura de buhardillas, con la fachada
ondulada, armoniosa y sobre todo variante. No cuenta con paredes de carga sino que usa
pilares y vigas metálicas como apoyo. Para darle la forma deseada a las vigas recurrió a
técnicas de ingeniería naval. En la azotea se sitúan las chimeneas, esculturas con formas
de guerrero decoradas con trozos de cristal de botellas. La azotea tiene una gran variedad y
un vanguardismo en sus formas. A esta parte del edificio se accede mediante ocho
escaleras de caracol decoradas con baldosas de mármol.

Realiza la Casa Batlló donde muestra su plenitud artística y su libertad creativa. Pero sin
duda su obra más reconocida es la Sagrada Familia, que además también es su obra más
compleja y donde representa el proceso evolutivo de su modernismo. Los planos han sido
transformados desde sus inicios en 1833. El volúmen y el espacio se deben a sistemas de
revelación revolucionarios. El edificio se comenzó por la cabezera, de manera que en 1893
ya estaba el ábside muy avanzado, en 1910 la fachada estaba casi completada. En 1936 se
perdieron gran parte de las maquetas, croquis y planos que se habían realizado.
 7 La Bauhaus

La Bauhaus fue, además del ejemplo de arte moderno, la escuela de arte más influyente de
la historia. Era una escuelta de arquitectura, diseño y de artes aplicadas, la fundó Walter
Gropius en 1919 en Alemania. Fue clausurada por los nazis en 1933.

Siguió la influencia del movimiento Arts & Crafts con su reivindicación del arte para el
pueblo por el pueblo, la integración de todas las artes y la valoración del trabajo de los
artesanos. Los precedentes de la escuela fueron el Taller de Viena y la Asociación alemana
de artesanos de Múnich.

El contexto en el que se produjo la Bauhaus fueron grandes transformaciones sociales y

económicas sumadas por una gran inestabilidad política dado el aumento de los
totalitarismos y la derrota alemana en la primera guerra mundial. Culturalmente se vivió el
auge de las primeras vanguardias.

La escuela Bauhaus fue fruto de la combinación de la Escuela de Arte y de la Escuela de

las Artes Decorativas de Weimar. La Bauhaus cambió de sede tres veces y por lo tanto tuvo
tres etapas: la primera (1919-25) cuando la fundó Walter Gropius, convirtiéndose en el
primer director, en Weimar; la segunda con Meyer de director en Dessau (1925-30) y la
última con Mies Van Der Rohe en Berlín (1930-1933).

1 Objetivos.

La escuela tenía tres principales objetivos:

● Unir el arte con la industria, formando un arte moderno, funcional y sin ormentación
e integrando todas las artes en una (un arte “total”).

● Dirigir un arte hecho por el pueblo para el pueblo pero, sin renegar de la industria.
Rechazaban la ornamentación y los lujos y preferían el cubismo, las formas
depuradas y el geometrismo.

● Reformar los estudios artísticos mediante una formación basada en un programa

más eficaz e intrépido, impartiendo una formación muy amplia (pintura, mobiliario,
escultura, arquitectura, metales, etc.). Contaban con profesores como Klee,
Kandinsky, Schlemmer y Breuer; eran artistas o artesanos. Se inspiraban en las
teorías de la Asociación de artesanos de Múnich como que el diseñador es la unión
de creador, artista y experto en materiales y tecnología.

La formación contaba con tres años de curso, después de hacer un curso preliminar.
La Bauhaus era una especie de hermandad entre el profesor y el alumno donde en
ocasiones el aprendiz participaba en la realización de los diseños y los proyectos.

En cuanto al estilo, cambió bruscamente en 1923, abandonaron el expresionismo y

el romanticismo alemán y pasaron a un estilo más frío y racionalista con influencias
del De Stijl y vanguardias rusas.
2. Arquitectura

Los diseñadores de la Bauhaus querían partir de cero. Gropius, considerado gurú de

la arquitectura moderna, junto a representantes y alumnos de la Bauhaus aspiraban
a un estilo que se ajustase a unos valores sociales que tuviesen en cuenta a los
obreros y al pueblo, querían hacer una arquitectura “antiburguesa” que se alejase de
un exceso de ornamentación y fuese funcional, logrando aplicar sus diseños en
barrios populares.

Las principales características del estilo, junto a la desornamentación y lo funcional,

eran los grandes cristales y las cubiertas planas.

Gropius realiza La Bauhaus en Dessau, su obra maestra, que cuena con las
características ya dichas pero también con una planta en forma de doble L, varios
ejes y volúmenes como los de Kandinsky y Klee. Además predominaban las líneas
rectas y el edificio se seccionó en varias partes para alumnos y profesores. Los
materiales eran acero, hormigón y vidrio, la estética se encuentra en la desnudez de
los elementos arquitectónicos.

Gropius también diseña la Fábrica Fagus y la Torre Pan Am.

3. Interiores

En cuanto a la decoración se caracteriza por tener espacios sobrios y abiertos sin

ornamentación y con mucha luz, lo colores que se usaban era el blanco y el gris y en
ocasiones los colores primarios. Los principales diseñadores fueron Gropius, Marcel
Breuer y Mies van der Rohe.

Gropius diseñó el sillón F51 para su despacho en la Bauhaus de Weimar.

Marcel Breuer, conocido por sus muebles de acero tubular y sus edificios de
hormigón, diseña la silla Wassily que fue el primer diseño hecho de acero tubular, su
estructura es de acero cromado y el asiento, brazos y respaldo son primero de tela y
después de piel. Este diseño se caracteriza por su ligereza, su elasticidad y
transparencia.

Rohe también usaba acero cromado en sus muebles, hizo la silla D42 y el sillón
Barcelona para el pabellón alemán para la exposición universal de Barcelona en
1929, la cual tenía forma de X hecha de acero cromado y dos cojines forrados en
piel.

4. La Bauhaus en España.

Llegó más tarde y se centró en la renovación arquitectónica. Destacan Mercadal y

José María Sent.
5. El impacto de La Bauhaus.

Se trasladaron a Estados Unidos dada la ascensión nazi, allí creció la construcción y

formación de escuelas como el instituto de Diseño en Chicago. Gropius mientras
trabajaba en Harvard, Rohe dirigió el departamento de arquitectura en el instituto de
tecnología de Illinois. Los productos de la Bauhaus se siguieron produciendo y en
masa, al igual que su método de enseñanza artística.

En 1979 se inauguró el archivo Bauhaus en Berlín, diseñado por Gropius y otros

diseñadores de la escuela, hoy en día es un museo.

En 2019 por el primer centenario de la escuela se abre un mueo en Berlín diseñado

por el español Hinz Zabala.

El impacto de la escuela fue esencial en el diseño contemporáneo y sus efectos

todavía perviven. Consiguieron un estilo propio sin que este estuviera entre sus
objetivos.
 8. La arquitectura de la primera mitad del siglo XX.

1 El funcionalismo.

El funcionalismo se basa en su época, sus innovaciones y sus arquitectos. Las

innovaciones fueron los nuevos materiales, el vidrio, el cristal y el hormigón; las
cubiertas ligeras y con menos apoyo, la ascensión vertical (rascacielos).

Sus características son la simpleza de las formas para adaptarse mejor a la función,
como las líneas rectas, los ángulos rectas y las superficies planas. También vemos
formas geométricas. Se renuncia a los elementos decorativos, “menos es más”,
llegado a una pureza formal. Se le da mas imporancia a la estructura, los demás
elementos la acompaña.

El funcionalismo es la unión del arte con la industria, establece unos valores que
piensan en la clase obrera centrándose en hacer edificios que primero cumplan las
necesidades, lo que abarató los costes de la construcción.

2. Mies van der Rohe.

Fue director de la Bauhaus de 1930 a 1933 que se cerró la escuela dada la

ascensión nazi, por entonces Rohe ya era un arquitecto reconocido y había
colaborado con la asociación alemana de artesano y había realizado sus obras más
importantes.

Antes de ser director conoció a Mondrian que le influenció en su manera de entender

el espacio y la arquitectura. En 1937 dejó Alemania por la situación en la que se
encontraban y se marchó a Estados Unidos, allí trabajó en el departamento del
Instituto de tecnología de Illinois, centro que alargó la Bauhaus. En su estancia
realiza la Casa Farnsworth en 1951. Sus influencias además de Mondrian, fueron
Adolf Loos, Gropius y la propia Bauhaus.

Los materiales que usaba en sus obras fueron característicos, usaba el acero, el
ladrillo, el vidrio, el mármol y la piedra. Empleaba muros cortina de vidrio para sus
rascacielos, formas geométricas y espacios abiertos. Estos rasgos se pueden
apreciar en el edificio Seagram de Nueva York.

3. Le Corbusier.

Fue un arquitecto funcionalista de gran impacto, las corrientes posteriores a él tienen

gran influencia de su obra. Su estilo se denomina racionalismo (muy parecido al
funcionalismo), el manifiesto de esta corriente es la Carta de Atenas, donde deja
claro los principios de esta nueva arquitectura: pilares de hormigón para sustentar el
edificio, terraza jardín, planta libre y muros cortina. Estos principios los vemos en sus
obras el Palacio de las Naciones de Ginebra, Ville Savoye y Villa la Roche.
En este manifiesto del urbanismo del siglo XX también se incluyen los principios de
la ciudad del futuro: la habitalidad, el ocio, la comunicación y el trabajo. El primer
principio habla de los espacios verdes que rodean las viviendas estando además
alejadas de zonas de circulaciones densas. Este principio también implica
condiciones sobre la densidad de población. Una ciudad incuye lugares de ocio,
trabajo y lugares de comunicación. Todo esto es necesario para una buena
planificación urbanistica.

Las viviendas deben ser dignas, prácticas y funcionales. Se piensan en viviendas

como concentraciones de trabajadores de las ciudades. Además debían ser
construídas en serie, siendo colectivas. Predominan las líneas rectas. La
arquitectura es a su vez urbanismo. Las casas Gitrohän, el convento de Santa María
La Tourette.

4. Frank Lloyd Wright

Estudió ingieniería civil y en 1887 trabajó en el estudio de Adler y Sullivan, una gran
influencia para él. En 1893 abrió su propio estudio en Chicago.

Su estilo es el organicismo, estilo que reúne gran parte de las características del
racionalismo pero teniendo más en cuenta la naturaleza, jugando con líneas curvas
e integrando el espacio interior con el exterior. Se define como la filosofía que crea
una armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.

Frank siempre rachazó los estilos neoclasicistas y victorianos de finales del siglo
XIX, para él la forma del edificio debía estar vinculada a su función, al entorno y a los
materiales empleados. Wright fue pionero en la utilización de nuevas técnicas
constructivas, como los bloques de hormigón armados prefabricados, el aire
acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción. Sus obras
muestran parecido con las casas japonesas que se complementaban muy bien con
la naturaleza.

En 1909 y 1911 viaja a Europa donde le influirá el cubismo. Años más tarde realiza
el Hotel Imperial deTokyo con el que desarrolla un nuevo método de construcción
resistente a los terremotos. Su obra maestra es la Casa de la Cascada en
Pennsylvania (1935-1937), construida sobre una roca y una cascada con un estilo
moderno e integrado en la naturaleza. Adapata la arquitectura a las formas
desiguales del paisaje y los materiales en su estado natural. Consta de tres plantas
construidas a partir de una composición geométrica. La asimetría y el
desplazamiento de los volúmenes reflejan el desorden orgánico. Cada zona de la
casa se adapta a sus funciones. Combina la ecología con el progreso.

En su etapa final abandona los volúmenes cúbicos y la composición ortogonal y se

inclina por curvas y formas extravagantes. Museo Guggenheim.
 9. La escultura de Henry Moore y Antoine Pevsner.

1 La evolución de la escultura.

Para hablar de escutlura no se pueden nombrar unas características generales o

movimientos y tendencias específicas sino de artistas, que se encuadran en varios
estilos. En esta época, la escultura no tiene reglas estrictas ni cambios notables
entre estilos. Destacan las posibilidades infinitas con los materiales, sus temas son
más variados y se eliminan los temas religiosos. Se añade el vacío a la obra, ahora
tienen más movimiento, se descomponen en planos y se emplea el geometrismo.
Esta escultura investiga los caminos hacia la abstracción.

2. Henry Moore (1898-1936)

Henry buscaba su propio lenguaje en la escultura, sus influencia fueron las

tendencias romanticistas y victorianas, artistas renacentistas y góticos, culturas
americanas prehispánicas como la tolteca-maya (que más tarde le inspira para hacer
figura reclinada); y artistas contemporáneos. En los años 20 le influencia el
vorticismo, que le hizo fijarse en Brzeska y Eipstein, y las esculturas arcaicas, en su
serie de esculturas de madre e hijo. Mmoore coleccionaba variedad de objetos
naturales que les sirvieron de inspiración para sus formas orgánicas.

En los años 30 su escultura pasa a ser abstracta, representaba la figura humana en

este estilo. Los historiadores lo clasifican dentro de la escultura orgánica, Moore se
identificaba más con lo figurativo representando la figura humana, sobre todo el
cuerpo femenino, y su relación con la naturaleza. Sus obras se vuelven más
abstractas y experimenta con los vacíos y agujeros, con formas cóncavas y
convexas.

Las consecuencias de la segunda guerra mundial, el holocausto y la era de la

bomba atómica crean en los años 40 una necesidad de volver a los orígenes
preculturales y prerracionales del arte. A partir de 1945 sus esculturas se vuelven
más grandes y a finales de los 40 empieza a modelar en arcilla o yeso antes del
acabado en bronce.

Una de las formas que más usaba era la figura reclinada, después de inspirarse en
una estatua tolteca-maya. Esa pose le llevó a una experimentación que seguía la
abstracción. Sus principales temas son las figuras femeninas reclinadas, grupos de
mare e hijo y abstracciones de la figura humana. Recurría a formas onduladas, a
vacíos y a formas biológicas inspiradas en la naturaleza. Moore es considerado un
escultor biomórfico.
3. Antoine Pevsner.

Fue un escultor ruso además de pintor, primero se formó científicamente junto a su

hermano lo que le aportó un carácter investigador para su arte. En 1911 abandona la
Academia de Bellas Artes de San Petesburgo y viaja a París donde se pone en
contacto con los pintores cubistas que le influenciaron y pusieron su interés en el
cubismo.

Durante la primera guerra mundial se exilió en Osio y en 1917 vuelve a Rusia a

trabajar como profesor en Moscú.

En 1920, Antoine y su hermano Naum publican el manifiesto Realista que explica

que el arte tiene un valor totalmente independiente y una función que desempeñar
en la sociedad, ya sea capitalista, socialista o comunista, también trata su idea del
constructivismo e intenta traducir sus conceptos de realidad absoluta y esencial en
formas de espacio y tiempo. Dan forma al espacio mediante la profundidad más que
por el volúmen y rechazan la masa como base de la escultura.

En 1923 conoce a Duchamp y abandona completamente la pintura para dedicarse a

una escultura constructivista. En 1930 se instalan en París y lideran un grupo
constructivista abstracción-creación. En los años 30 sus obras se exponen en
Ámsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

Se caracteriza por el uso de bronce y nuevos materiales, introduce el color,

abandona la figuración, realiza obras de base científica basada en estudios de
matemáticas y geometría, tiene como finalidad esculpir el espacio y el vacío con
formas (helicoides), materiales y líneas.