RENACIMIENTO

Es un movimiento de revitalización cultural comprendido entre los años 1300 y 1650

aproximadamente (S.XIV – S.XVI). Surgió en Italia y paulatinamente se extendió por el resto
de Europa. Durante este periodo se produjeron cambios muy importantes en la estructura
ideológica, política, social, económica y artística del hombre, los cuales se venían forjando
de épocas anteriores. Este movimiento apuntaría a dos definiciones: Primero, algo que
existió y renace, es un renacer de la cultura clásica (Grecia y Roma) y por otro lado, es
como una vuelta a la vida, un renacer después de un periodo de decadencia.

Con respecto al aspecto social, desde el siglo XIII en adelante se produce el ascenso de la
clase burguesa que adquiere gran poder debido al comercio, la construcción de navíos, y
luego del S.XV, por la organización de los Bancos.
La burguesía se caracteriza por su sentido comercial, el apego a la riqueza, la inclinación
por el mundo sensible y la afirmación del individualismo. Esta aspira el prestigio de la
nobleza y trata de adoptar su modo de vida; la nobleza, a su vez, se adapta al espíritu
económico, mercantil y racionalista de la burguesía. Así la sociedad logra cierta nivelación,
por un lado el ascenso de la clase media y por el otro el descenso de la aristocracia.
Esta sociedad es menos jerárquica y mas preocupada por lo

Con respecto a lo político, con la expansión comercial y la formación de un mercado

territorialmente mas amplio (a partir de la ampliación de las rutas comerciales había el
Atlántico luego de 1492, con el descubrimiento de America) surge la necesidad de una
división de poderes, que la lugar a un proceso de centralización que termino con la
formación del Estado Moderno (S.XV – XVII). Este se posiciona por encima de la sociedad.
Implico la centralización y monopolio del poder, la administración, las finanzas y el control de
los súbditos.
Se desarrollo una mentalidad racional, conformando un Estado fuerte, independiente de la
Iglesia y dirigido por un Príncipe.

En relación a lo económico, luego de 1300, la industria del comercio y de la creación de

navíos, y (a partir del S.XV) la organización de Bancos, se asentaron dando lugar a una gran
acumulación de capiteles que decanto en una economía de consumo monetaria y en el
capitalismo comercial.
Los grandes centros que polarizaron el comercio fueron el Norte de Europa e Italia.
Principales productos: telas, cultivos y artículos exóticos, especias.
Con respecto a la religión y cosmovisión, la Iglesia pierde gran parte del poder que tenia en
la Edad Media. El hombre renacentista fue cristiano aun cuando en su concepción religiosa
se aparto de las rígidas normas medievales. Por ello que anticlerical y antiescolástico, pero
no antirreligioso. Hubo un regreso a la figura del hombre, que ya no es a la imagen y
semejanza de Dios, sino la medida y referencia del Universo. Esto sucede a causa del
regreso al antropocentrismo clásico y al abandono del geocentrismo medieval.

Las nuevas corrientes de pensamiento se manifestaron a través del “Humanismo” que fue
un nuevo movimiento intelectual, denominado así, por ser el hombre el centro del
pensamiento. Los humanistas no dependían de la Iglesia, sino que respondían a una cultura
urbana, buscaban la libertad del individuo. Tenían una formación muy completa, eran
pintores, escultores, escritores, etc. Por ello, con los humanistas se llega a la idea de
genialidad, lo que era un saber en la Edad Media es ahora un saber racional
burgués.
Este movimiento se oriento a estudiar las obras de la Antigüedad. Como el Renacimiento
implicaba aparentemente un retorno ala antigüedad, los humanistas se dedicaron a estudiar
y exhumar las obras clásicas, preferentemente de origen grecorromano.

En el campo de las artes, se produjeron grandes cambios: pintores, arquitectos y escultores

dejaron de ser simples manipuladores de materiales, y así nació el Artista Renacentista.
Estos comenzaron a firmar sus obras, incluso ascendieron socialmente gracias al prestigio
alcanzado con sus trabajos. Plasmaron en sus obras el gusto por el equilibrio y la
racionalidad, propios de la época (formas clásicas), en este periodo, el estudio científico se
aplica a Todo, para un artista renacentista una obra de arte debía tener las mismas
características que un teorema científico. No hay construcciones azarosas, surge la idea de
PROYECTO, detrás de toda obra hay un boceto.
Con respecto a la escultura, se basa en un acentuado naturalismo. La figura se estudia con
gran detalle y se representan desnudos de acuerdo con las pautas clásicas. Hay una
tendencia al monumentalismo. Los temas principales con religiosos y monumentos
ecuestres.
En relación a la pintura, indica equilibrio y armonía. Esta atraviesa tres momentos: en un
primer momento tiende al realismo, se ve un intento de profundidad y búsqueda de
perspectiva, aparece la vegetación pero el espacio sigue siendo irreal. En el segundo
momento, hay un realismo mucho más creíble, los seres humanos aparecen asentados en
la tierra, se observan vicios del gótico como la simultaneidad, es decir, plantear tres
situaciones en una. Y el tercer momento refleja el alto Renacimiento, con la burguesía
consolidada, se observan lujos y detalles. Posteriormente surge el Manierismo donde el
realismo se ve afectado por la tendencia a la deformación de las representaciones.
Por otro lado, hay dos líneas pictóricas que atraviesan el Renacimiento: La línea idealista
neoplatónica, donde predomina la composición y el color; y la línea aristotélica realista,
donde predomina lo real, la corporeidad del ser human, la copia, mostrar el personaje tal
cual es.
Algunas innovaciones técnicas en el campo de la pintura son: la técnica “Sticiatto”
(aplastado) donde se ve la idea de profundidad en relieves (se aplastan los diferentes planos
unos contra otros); el “sfumatto”, el cual se trata de variaciones cromáticas, los cuerpos
adquieren volumen gracias a las variaciones de los colores; la técnica “il soto insu” que
significa de abajo había arriba, consiste con formas reales, se reemplaza el temple y el
fresco por el óleo (que permite corregir gracias a su secado lento); surge la
“PERSPECTIVA”, idea de profundidad, proporciona la idea de distintos planos.
Con respecto a la temática, si bien el 80% de las obras son religiosas (sobre todo la
reproducción de la Virgen con el niño), el elemento netamente burgués es el desnudo, el
cual es repudiado por la Iglesia.
El ser humano es el gran protagonista del Alto Renacimiento. La pintura es principalmente
mitología narrativa. El tema por excelencia es el RETRATO, donde los individuos son
representados en un primer momento de perfil.

Los artistas buscaban soluciones a los problemas visuales y formales, por lo que se
desarrollo la perspectiva el cual fue un descubrimiento del arquitecto Brunelleschi. Este
sistema matemático permitió por primera vez poder representar con exactitud un objeto
tridimensional sobre el espacio bidimensional, l que da profundidad y sensación de volumen.
Permite unificar el espacio, haciendo que todas las líneas horizontales y verticales converjan
en un único punto, que es el punto de fuga. Los pintores Masaccio y Uccello fueron los
primeros en aplicar las reglas de Brunelleschi a la pintura.
Aparece el , es la representación de figuras en profundidad que están superpuestas, que
tiene que ver con el acortamiento de las distancias a la mirada del ojo humano, es decir, es
la representación de una figura en forma oblicua con respecto al observador, de manera que
algunas partes de la misma, parezcan mas cercanas y otras mas lejanas.
La composición en la pintura tiene que ver con como se organiza la obra. Esta tiene
equilibrio de todos los elementos (color, figura, línea, etc.), hay una simetría; figura y fondo
se diferencian claramente, es de unidad múltiple, es decir, muchas unidades que se pueden
separar visualmente y diferencian debido a que se trabaja mucho en los detalles, la clave
lumínica es media-alta, apoyada por la búsqueda de claroscuro (efecto luz y sombra), la
temperatura del color es calida, es cerrada y lineal, planimetrica.
Perspectiva atmosférica o aérea: sensación de atmosfera envolvente que rompe con el
entorno. Superposición de gamas de colores.
Proporción aérea: sirve para traspasar un boceto a un soporte de mayor tamaño. Es
plantado en función de la naturaleza, una proporción que responde a un esquema numérico
y se plasma en la pintura.

Arte del Renacimiento

El renacimiento nace en Florencia, Italia, en los primeros decenios del S.XV. A finales del
mismo se habrá difundido por toda la península y a principios del S.XVI, mientras Roma
sustituía a Florencia como centro artístico, se conseguían los resultados más clásicos. S.XV
(Quattrocento), S XVI (Quinquicento).
Las formas mas típicas derivan de dos bases principales: la reintroducción de los ordenes o
formas características del arte clásico (griego y romano) y la aplicación de la perspectiva;
conjuntote reglas graficas y matemáticas que permiten reproducir sobre una superficie
plana, con exactitud el aspecto de la realidad.
Sus exponentes se consideraban herederos e hijos del arte clásico, rechazando, en cambio,
toda relación con experiencias artísticas posteriores al arte clásico.
La perspectiva es solo uno de los tantos descubrimientos revolucionarios (pintura al óleo,
preparación del fresco mediante cartones, redescubrimientos de las estatuas ecuestres, el
sticciato en los bajorrelieves, el uso de tirantes metálicos en los arcos, etc.) este fue un
elemento decisivo para el arte ya que permitía proyectar la obra.
Hasta entonces en el arte lo que había contado era la corporación (gremio medieval) de
ahora en adelante se convierte en historia de cada uno de los individuos que se dedican a
ella (Brunlleschi, Alberti, Miguel Ángel, Da Vinci, Rafael, Masaccio, etc).
Características que eran típicas de la arquitectura del Quatroccento: recuperación de orden
arquitectónico, los amplios arcos de medio punto, simplicidad de la composición general,
subordinación de la escultura, limitada o zonas precisas.

Arquitectura

Nacería en Florencia por obra de Brunelleschi. La creación tenía un carácter personal, pero
su valor era colectivo. Sus formas estaban basadas en una serie de reglas que podían ser
estudiadas y perfeccionadas socialmente, en un lenguaje común. Adopción de las formas
arquitectónicas clásicas, sobre todo las romanas. Brunelleschi estimaba que una
arquitectura basada en estos principios seria más coherente con los nuevos ideales
elaborados en el nuevo siglo, que las góticas todavía en auge.
Visión del mundo fundamentada en la razón. Lo racional, base de la arquitectura clásica.
Cada proyectista partía de la regla común y daba su interpretación aplicada al caso
concreto. Los que iban después de él podían seguir desde donde él se había detenido;
descartaban los elementos negativos y adoptaban soluciones positivas hasta llegar a la casi
perfección. A este conjunto de formas y relaciones se las llamo “ORDEN
ARQUETECTONICO”.
Las decisiones las tomaba solo el arquitecto, centralizando en sus manos toda la parte
creativa del trabajo, dejando a los otros (escultores, pintores, decoradores etc) la obligación
de ejecutar sus ordenes. Ya que las maestranzas no aceptaban de buena forma esto, un
modo de superar esta dificultad fue que los que encargaban la obra reconocieran la
autoridad que rechazaban los colaboradores, camino elegido por los arquitectos
renacentistas; pero contrapartida fue que la arquitectura renacentista quedo como producto
exclusivo de las clases elevadas. Es difícil encontrarla fuera de las grandes ciudades. El
nuevo movimiento no tenia interés por la estructura del edificio, solo les importaba el
aspecto final que tendría, generándose dos consecuencias: una arquitectura de carácter
“dibujado” mucho más que “construido” y por el otro, el abandono de toda búsqueda
estructural.
Resultado de esta fue la concepción de que el edificio se constituía por dos partes: la “caja”:
paredes que constituía el armazón y la decoración superpuesta a esta caja que era “la piel”.
La caja mural debe responder a dos exigencias: que se puede construir con mínimo
esfuerzo, ya que no es el elemento principal, y que se construya de forma que permita
percibir con facilidad el aspecto matemático y geométrico del nuevo arte, por lo que se
adoptarían formas simples y de evidencia sintética. Relaciones entre longitud, altura,
profundidad también simples y fácilmente determinables.
Las estructuras también se simplificaran: las bóvedas se preferirán las de cañon y baidas en
lugar de las de crucería, aunque mientras se pueda se renunciara a la bóveda
reemplazándola por cubiertas de madera que llevan muros de soportes mas ligeros,
económicos y fáciles de hacer, o se introducirán entre una y otra bóveda tirantes metálicos
para alivianar los empujes. En cuanto a los aros, el arco apuntado queda desterrado y
cualquier otro que no fuera el de medio punto, el único racional.
Se sufrió una absoluta simplificación de todos los aspectos constructivos.
La decoración que se aplica a esta caja recupera los órdenes clásicos. En el S.XV se
emplearon exclusivamente el corintio y el compuesto que se distinguen por su capitel de
hojas de acanto, adoptando múltiples variaciones según las exigencias: generalmente en
sentido de una mayor esbeltez.
En el S.XVI el uso de órdenes fue más riguroso y mucho más variado. Añadieron a los dos
elementos primitivos (columna y entablamento), un tercero, el pedestal, que se divide a su
vez en tres partes. Fijaron proporciones estables entre los principales componentes y
también una unidad de medida (el modulo) para cada orden.
El tema principal de la época medieval había sido la Iglesia, en el Renacimiento se añadió la
mansión de la rica clase de mercaderes que en aquel momento empezaba a consolidarse: el
palacio.
Para ambos los problemas eran establecer la forma adecuada de la planta y el alzado, y fijar
la organización de las fachadas.
En cuanto al palacio, para la planta: cuatro cuerpos resumidos alrededor de un patio central;
un cubo con un vacío en el centro. Patio centra cobre el cual se abrían las puertas de las
habitaciones que se comunicaban entre si por corredores en forma de pórtico, es decir por
las galerías del patio.
Las fachadas que debían organizarse entonces, eran las que daban al patio y a la calle. La
primera tenía un tema obligado, establecido por la galería. Una o mas series de arcos
apoyados sobre series de columnas o transformando la logia superior en un corredor
cerrado (una serie de columnas, en la parte baja, con una serie de ventanas encima) en el
primer piso y si los había en los superiores. Generalmente un entablamento separaba un
piso de otro, y una serie de pilastras correspondían en los pisos superiores a las columnas
del pórtico.
La organización de la fachada de la calle era mucho mas complicada, el Renacimiento
adopto tres formas de esquema:
-El primero (Brunelleschi) y que tuvo éxito durante casi todo el S.XV: la fachada
“almohadillada” (revestimiento de los muros con grandes piedras encuadradas,
revestimiento utilizado en toda la fachada, interrumpiéndose solo por las ventanas y una fina
cornisa decorada que separa un piso de otro. Muy usual en el S.XV, regular y racional pero
subjetivo, sin vinculaciones geométricas entre las diferentes partes.
-Pronto apareció un segundo tipo en órdenes superpuestos: primera tentativa, Alberti.
Fachada también almohadillada, pero las ventanas separadas por las pilastras y cada piso
correspondía a un orden diverso: Toscana en el primer piso, o planta baja, para terminar con
el compuesto en el ultimo piso, y entre un piso y otro ya no había una cornisa decorada sino,
el entablamento correspondiente al orden de la columna de abajo.
-En el Quinquecento aparece un tercer y más refinado tipo de palacio: de ventanas
superpuestas. Separación entre los distintos pisos indicada solo por una franja decorada y la
fachada remata en una magnifica cornisa. Los ordenes se usan también superpuestos, pero
apenas en las ventanas de los distintos pisos, las cuales cada una constituía un pequeño
edificio en si misma, completado por una cornisa y un tímpano. Toda la arquitectura del
edificio se resume en un solo elemento al que se le confía casi toda la función: la ventana.
De as tres soluciones es la más refinada y destinada a crear escuela en años venideros.
En lo que respecta a la Iglesia el problema de la fachada se resolvió con facilidad. Mas
complicado era la estructura general del edificio. Por tradición la Iglesia cristiana tenia una
planta en forma de cruz. Era un esquema poco compatible con las tendencias del
Renacimiento, ya no existía ninguna regla que uniera entre si las dimensiones de los
distintos brazos de la cruz, pero era imposible abandonarlo de pronto. En un principio
durante todo el quatroccento se limito a modificar el interior. Abolidas las grandes bóvedas
de crucería románica y gótica, el techo de a nave central era plana, ya no era necesario
grandes y gruesos muros ni grandes pilares, las paredes volvían a ser simples muros rectos,
sostenidos por columnas únicas por arcos de medio punto y que podían ser renovados.
Esto hacia que el espacio interior de la Iglesia se sintiera como una “fuga”, como una serie
de líneas convergentes hacia un único punto. Afloraba acá la perspectiva. Brunelleschi dio la
demostración práctica y reglas para aplicarla, esta permitía proyectar. El uso de la
perspectiva hacia que el centro geométrico, el punto importante de un edificio tendiese cada
vez más con el centro de perspectiva.
La típica Iglesia del Renacimiento, de cruz griega, con los cuatro brazos iguales, y la de
planta circular. Una cúpula cubría el espacio central, mostrando el punto importante.
El palacio y la Iglesia fueron los tipos de construcciones principales pero no los únicos.
Durante el S.XV el campo en Italia gozo de paz. El señor y ciudadano rico adquirió la
costumbre de construir no un palacio sino una villa, una mansión extraciudadana. Subsistía
la necesidad de guarniciones militares que se ubicaron en edificios concebidos para ello.
Nació así la fortaleza, con funciones exclusivamente militares, proyectándose pronto,
teniendo en cuenta el poder destructivo de las armas de fuego.
Mientras la villa es para residir, la fortaleza es para defender. Torres redondeadas, espesas,
cada vez mas bajas para resistir los cañonazos.
La cúpula es el elemento dominante de casi todas las Iglesias Renacentistas.
La arquitectura renacentista tuvo dos tendencias:
- La aspiración a no racionalizar el estudio de la ciudad como el de los edificios.
- Formal, la arquitectura renacentista había sido desarrollada por artistas del centro de Italia
mientras en el resto de la península continuaban las formas góticas. Cuando se difundió por
el norte de los Apeninos, los arquitectos le dieron una versión muchos menos rigurosos y
más decorativos. En Italia esta tendencia tuvo poca importancia. No así en el exterior. En
España como Francia y otros países de Europa era variante de la arquitectura renacentista,
termino por ser más conocida y apreciada que la original.
En España la introducción del Renacimiento dará lugar a un fenómeno similar, la llamada
Arquitectura Plateresca.

Pinturas.

Ninguna época artística es tan rica en pintores de primera categoría como el Renacimiento
pleno: monumentalidad, representación fiel del cuerpo humano, proporción entre las partes.
El renacimiento ha ocupado cerca de dos siglos con obras variadísimas y numerosas pero
de grandes libertas, primer y más típico carácter de la pintura renacentista. Libertad de los
esquemas rígidos y prefijados del arte gótico, y libertad de las imágenes con respecto a los
encuadramientos arquitectónicos a los que quedaban supeditadas. En los esquemas las
imágenes están compuestas, no encajadas.
La perspectiva que en principio menos importante para la pintura que para la arquitectura,
no se adopto enseguida, ni se aplico integral y constantemente. La pintura se basa en el
dibujo.
La pintura viene a disponer durante el S.XV y principios del S.XVI de una serie de técnicas
nuevas y nuevos medios de expresión que potencian en mucho sus posibilidades
expresivas, reduciendo el coste y esfuerzo necesarios para la realización de una pintura o
un fresco.
En la segunda mitad del Quatrocento se importa a Italia desde los Países Bajos la pintura al
óleo: técnica más cómoda y eficaz que el temple usado hasta entonces, dando capacidad
de representar la realidad. Se introdujo la tela como soporte, en lugar de la tabla de madera
utilizada hasta entonces, aumentando durabilidad y facilidad de transporte.
La evolución del dibujo llevo a que el cuadro definitivo fuera precedido por una serie de
esbozos preparatorios, facilitados por el uso de la perspectiva, mejor calidad del papel,
aparición de nuevos medios de escritura (nonguina, pastel) utilizados junto a los antiguos
(carbonillo, pincel, pluma, punta de plata). Los frescos se hacen más fáciles de hacer
gracias al uso de cartones elaborados en el estudio, que se transportaban sobre el muro
mediante la técnica del estarcido.
El tema clásico de las pinturas es la representación del hombre y de su ambiente. La mayor
innovación fue la búsqueda de un realismo mucho mas acentuado en la representación de
las cosas. En cuanto a la representación del hombre y su ambiente, los pintores del
renacimiento se agrupan en dos corrientes: los productos de ambas son renacentistas, pero
las formas son muy diversas.
En la primera corriente, “innovadores” o “progresistas”, sus obras son las que mas se
diferencian de los resultados del pasado, expresan con más claridad los valores de la nueva
época. Nueva manera de representar al hombre y sobre todo a su realidad física,
corporeidad de las figuras. El amiente en el que se mueven y se colocan las figuras puede
referirse con precisión a la realidad, lo cual lo permite la perspectiva.
Puede ser pintado de diferentes maneras pero el nuevo arte lo hace a través del dibujo.
Sus personales o paisajes con dibujos coloreados. Esta escuela comienza con el primer
grande de la pintura del Quatrocento, Masaccio, considerado el iniciador de la nueva
manera de hacer.
La cima de esta tendencia la conseguirá Miguel Ángel, su producción con una corporeidad
característica de las figuras, hinchadas, macizas y heroicas, sean sus representaciones del
cuerpo humano, casi único interés del artista.
La corriente totalmente opuesta y que también conviene con ella a lo largo de todo el
Renacimiento, es la denominada “conservadora”. Resistencia a abandonar completamente
los resultados obtenidos por generaciones pasadas. La “elegancia” es lo que era la
corporeidad para los innovadores. La elegancia obtenida a través de la línea, dibujo de un
objeto mediante sus contornos. Beato Angélico, Botticelle, Cronach, exponentes de esta
tendencia que no rechazan novedades del Renacimiento: perspectiva, naturalismo y estudio
de la anatomía, pero su interés no esta en la corporeidad física, como si a la elegancia del
gesto, del ropaje y del color.
Lo que varia es la forma de concebir al cuadro. Para unos son tres los elementos que
cuentan: espacio delimitado por la escenografía, ubicación de las figuras en ese espacio y
destacar la figura individual dentro del grupo del que forma parte. Para otros, los
conservadores, el soporte es una superficie sobre la que se representan escenas mediante
dibujos y colores. Lo que verdaderamente cuenta es el esquema según el cual se divide tal
superficie y la elegancia con la que las figuras lo realizan.
Otro género que estaba destinado a tener un gran éxito es el retrato. En el Renacimiento los
clientes empezaron a pedir retratos con parecidos y los pintores a producirlos.
El fondo sobre el que se recorta la persona ya no es liso, sino real: un paisaje recogido en
sus justas líneas y con sus colores exactos. También el rostro del personaje ha sufrido el
mismo proceso: perfil real, donde se indican con precisión los rasgos dominantes, las
características físicas individuales.
Adquiere confianza en sus propios medios llegando a abolir del todo el paisaje natural del
fondo, reaplazándolo por un plano uniforme sobre el que se destaca el personaje. La pintura
al óleo, con sus colores pastosos y calidos, sustituyo gradualmente a la pintura al temple de
colores más fríos, de superficie mas lisa y de uno mucho más difícil, si se adapta para pintar
un retrato que tiene que dar ilusión de realidad. El paisaje también tendía a convertirse no ya
en un fondo, sino en un tema principal e incluso autónomo de un nuevo tipo de cuadros. La
tendencia hacia el género paisajístico empieza en el Renacimiento pero no llegara a su
plenitud.
El interés por los aspectos del mundo físico llevo a la aparición de paisaje y reproducción de
fenómenos naturales.
Por un lado la atención se desplaza hacia el paisaje natural, representación de escenas
agrestes y de fantasías. Por el otro presentación de ambientes urbanos y arquitectónicos,
reales o imaginarios.
Durante los S.XV y S.XVI se produjeron excelentes ejemplos del paisaje pero no llegaron
nunca a excluir totalmente la figura humana del cuadro.
En escenas de presentación de la arquitectura tiene importante valor la perspectiva.
La construcción de la perspectiva casi siempre es central, todas sus líneas convergen en un
solo punto.
La mayoría de las obras pictóricas renacentistas eran de tema y derivación religioso, santos,
episodios de la Biblia, temas simbólicos y rituales, eran encargos de este tipo los que
mantenían con vida el arte. Pero el tema que prevalece sobre todos los demás fue la
“Representación de la Virgen con el Niño”. Algunos artistas como Rafael, hicieron de él su
tema favorito. Así también había manera dominante de expresar ese tema: madre e hijo
formando una pirámide, sus líneas exteriores comprendidas en un triangulo, que tuviera
como base los pies de la Maddona y las faldas de sus mantos, y como vértice la cabeza de
la Virgen. Esquema fijo, típico para las Maddonas del renacimiento, con posibilidades de
modificación del mismo con empleo de medios cada vez mas sofisticados como la
contraposición o el claroscuro, técnica de definir los contornos de las figuras no mediante el
dibujo sino con los pasos de luz y sombra, contraste entre partes en la luz y partes
sumergidas en la sombra, todo difuminado como si el cuadro se observara a través de un
velo.
Renacimiento:
1 lineal
2 cerrado
3 claridad absoluta
4 planimetrico
5 unidad múltiple

- renovado interés por el pasado grecorromano clásico. Imitación de las formas clásicas.
- interés centrado en el hombre  “Humanismo”
- progresos científicos, medicina, matemática, física, astronomía.
- perspectiva lineal  permite representar las tres dimensiones del espacio y casos en una
superficie plana. (Arquitecto: Brunelleschi; Pintor: Masaccio)

Renacimiento Español:
1er Renacimiento  “Plateresco”: Riqueza decorativa, idea de espacio centralizado,
exuberante decoración en general en espacios góticos, trabajos en plata. (1520 – Se
extendió por los dos primeros tercios del S.XIV)

2do Renacimiento  “Clasicismo Herreriano”. Estilo más sobrio y exclusivamente

arquitectónico, adoptando un renacimiento netamente italianos. Ej.: El Escorial, falto de
decoración.

Obras pictóricas:
“La Academia de Atenas”

(Fuente:
http://enebro.pntic.mec.es/~sbep0000/imag/pinaco1/rafaelfrescoescueladeatenasimageHJ2.j
pg)
(Fuente:
http://bp3.blogger.com/_sD9yQTE5QZQ/ReRyKkSLDRI/AAAAAAAAAyc/uPw12LkI6Yo/
s1600/personajes.jpg)

Titulo: “Academia de Atenas” de Rafael Sancio

Fecha/Época: 1509-1510
Dimensiones: base de mas de 7,7 m
Comitente: Papa Julio II
Ubicación actual: Biblioteca de las estancias vaticanas
Tema: la Gloria de la Eucaristía, la custodia con la Hostia, abajo, y la figura de Cristo
Técnicas: Pintura al fresco.
Soporte:
Aspectos estético-formales:
Formas: cerrado
Paleta colores calidos
Relación figura-fondo
Perspectiva: utiliza el punto de fuga, proveniente del centro del arco de medio punto
Uso de la luz: media-alta
Línea
La Academia de Atenas es un fresco realizado por Rafael en el año1509 – 1510 y pertenece
al estilo renacimiento italiano. La escena ocurre en un templo de inspiración romana, se
observa boveda de cañon, crucero en el que soportan una amplia cupula sobre pechinas, en
un rico armazón constructivo de mármol en el que se destacan esculturas de dioses
paganos (Apolo y Minerva), de clara influencia clasica.
Es su fresco recoge el ambiente atemporal en una escuela sde filosofia griega donde la
mente estaba en continuo movimiento, en búsqueda de la verdad, a través del dialogo, del
compartir ideas, del aprendizaje de los discípulos de las teorias de sus maestros.
Incorpora grandes filósofos y pensadores de la antigüedad, destacando en el centro la figura
de Platón con su dedo mirando al cielo lo que indica la supremacía de las ideas y junto a él,
Aristóteles con la palma de la mano hacia la tierra dando prioridad a la experiencia y su ética
sujeta en el otro brazo. A su lado, encontramos a Sócrates dialogando con jóvenes. En un
primer plano se encuentra Zenon Pitágoras, Diógenes en los peldaños de la escalera y
demás personajes como Epicureo, Heraclito, Euclives a la derecha junto a sus discípulos,
Zoroastro y Ptolomeo. Estos personajes se ubican de manera simétrica, dejando un espacio
central vacío para contemplar a los protagonistas.
La obra se caracteriza por poseer un fondo celeste iluminado con un potente foco de luz que
resalta la monumentalidad de la construcción.
Según los pares polares de Wolffin, esta obra perteneciente al renacimiento se caracteriza
por ser:
- cerrada: ya que se encuentra contenida en un espacio definido, que seria el templo.
- lineal: en la obra se produce un salto de valor (la clave lumínica es media – alta) que da
como resultado una línea que define a cada personaje y objetos materiales que se perciben.
Es característico del renacimiento ya que en este, toda obra es un proyecto a partir de un
dibujo que luego se llena de color, generando dicho contraste.
Se observa en los saltos de color en los ropajes, uso de líneas rectasen el diseño del piso.
- Superficial: ya que hay personajes que se presentan en primer plano y otros en segundo y
tercero (planos diferentes que integran al conjunto formal).
- Unidad multiple: ya que la obra contiene formas cerradas visualmente, pueden ser
separadas como un rompe cabezas.
- Claridad absoluta propia de las obras renacentistas. Donde no hay dudas de lo que hay en
su fondo.

“La expulsion del paraíso”

(Fuente: http://www.epdlp.com/fotos/masaccio03.jpg)

Titulo: “La expulsión del Paraíso” de Masaccio

Fecha/Época: 1425 - 1428
Dimensiones: 208 x 88 Cm.
Comitente:
Ubicación actual: Iglesia del Carmine. Florencia
Tema: escena bíblica
Técnicas: fresco
Soporte: yeso
Relación con el contexto:
Aspectos estético-formales:
 Formas cerradas
Paleta uso de colores calidos
Perspectiva
Uso de la luz media alta
Línea

La expulsión del Paraíso es uno de los seis frescos realizados por el pintor italiano del siglo
XV Masaccio para la capilla Brancacci en Santa María del Carmine, Florencia. Retrata a
Adán y Eva expulsados del Jardín del Edén por la espada del ángel.
Se ve como el artista no se limita a unas formas, otorgando a sus figuras una expresión
vivísima, conmovedora y llena de dolor, consecuencia del motivo representado, la expulsión
del Paraíso tras su pecado, que implicaba graves consecuencias para el hombre, como
dejar de gozar de la presencia directa de Dios, además de ver profundamente herida su
naturaleza.
Masaccio le da gran movimiento a la escena, especialmente apreciable por las estrechas
dimensiones de esta representación, representa, a su vez, la puerta del Paraíso a la
izquierda, donde se empieza a levantar el pie derecho de Adán, y el audaz escorzo del
ángel, señalando con su mano hacia el exterior, lo que nos permite imaginar un extenso
espacio por delante, hacia el que van Adán y Eva.
En los rostros de los personajes, se resalta el dramatismo, la actitud de Adán al tener las
manos sobre el rostro, como tambien el paisaje se muestra seco y severo, por donde se
encaminan las figuras. Por los efectos anatómicos y volumétricos a través de la iluminación
empleada, se dice que los cuerpos estan inspirados en las estatuas clasicas y en las obras
de Donatello. El fondo azul-celeste nos muestra la busqueda de la perspectiva
delquattocento.
En 1670, llega al poder el Gran Duque de Toscana, el cual considera a la desnudez como
algo desagradable, y ordena que se pintaran hojas de higuera en freco-seco, para tapar las
zonas comprometidas de la figura. En el año 1990 se llevo a cabo una restauración, en el
que se le quito la pintura añadida, el polvo y la suciedad, volviendo al color original y se
eliminaron las hojas que se habian puesto para tapar a Adan y Eva.
En el cuadro se ve el trabajo de la profundidad, gracias al manejo de las luces entre las
figuras.
Analizando el cuadro con los pares polares de Wolfin, podemos decir que la obra es:
- lineal ya que se puede observar claramente el contorno y los limites de las figuras, como
tambien se observa en la simplicidad del fondo.
- superficial, se denota que esta trabajado en planos, por un lado el angel, luego Eva y
Adan. No hay una relación a prestancia con el fondo.
- cerrada
- unidades multiples, puedo realizar un recorte visual de cada figura.
- claridad absoluta, si bien no es totalmente pareja como en otras obras, se ve una total
claridad en todo el cuadro. Me permite conocer todo lo que rodea a los personajes, como
tambien a estos mismos.

Escultura

Motivos son: acentuado naturalismo; constante búsqueda de la semejanza; un fuerte interés

por el hombre: por la forma de su cuerpo, por su potencialidad expresiva; gusto por la
profundización y perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos y ostentación de
estos conocimientos; tendencia al monumentalismo; recurrir a esquemas compositivos, a un
conjuntos de formas simples; falta de la integración con las otras partes y sobre todo con la
arquitectura, ya no era posible.
El arquitecto no solicita la ayuda del escultor, pintor, decorador, vidriero, etc para hacer más
valiosos sus edificios, trata por todos los medios de reducir y eliminar estas aportaciones
inútiles para apreciación de su esquema matemático y lógico. No se logra este resultado al
limite pero logra confinar estatuas y pinturas a lugares prefijados y aislados a un nicho
adecuado, para que se vea que son añadidos quitándole la mayor parte de su espacio físico
y expresivo y parte de la función de decorar y completar los edificios que antes tenían.
El naturalismo consiste en la búsqueda de un aspecto de las estatuas lo mas cercano a la
forma natural, lo cual esta presente en todas las escultura renacentistas.
El hombre forma parte también de la naturaleza, para el Renacimiento como para la
antigüedad es la medida de todas las cosas. El Renacimiento se interesa por el hombre en
cuando conjunto de huesos y músculos, en cuanto individuo.
Donattelo pasó por primera vez desde el Imperio Romano a representar un cuerpo humano
desnudo (el David). Los esquemas curvilíneos se convirtieron en una regla del
Renacimiento.
Naturalismo, realismo, atención por la figura humana, estudio de la anatomía, esquemas de
composición basada en la unión y contraposición de las curvas, algunas características.
Atención por búsqueda técnica de dos formas: afinamiento de los medios existentes o una
exploración de medios nuevos.
Los artistas podían dar al material (mármol, piedra, bronce, madera, terracota) la forma
deseada sin detenerse por obstáculos técnicos que ya habían enseñado a vencer escultores
precedentes y a la vez idearon nuevos métodos para realizar sus obras.
En la escultura la perspectiva permitía llegar hasta el fondo de la búsqueda del realismo,
hacia posible el proyecto de obras perfectamente proporcionadas y captadas en posturas
naturales, pero sobre todo permitía colocar figuras una junto a otra y mantener entre ellas la
relación que existe en la realidad.
Donatello añadió un segundo método característico del bajo relieve renacentista “el
stiocciatto” (aplastado) artificio en el artificio.
En un bajo relieve las figuras del primer plano se realizaban con un relieve mayor con
respecto a las figuras que en la escena representada se pretendían en segundo plano,
artificio cuestión de milímetros que sugieren profundidad. Donatello reduce el espesor del
plano ideal en el que se realiza el proceso, aplasta los planos de la composición uno con
otros.
Naturalismo, realismo, capacidad de técnica y proyección, hizo que el Quatrocento se
volviera a formular un tipo de escultura que se había abandonado: el monumento ecuestre.
Monumentos decisivos de este tipo solo fueron dos.
Todos estos resultados pertenecen al S.XV. El S.XVI posee una infinita lista de pintores,
serie de arquitectos pero no produjo escultores de igual altura.
Miguel Ángel resume toda la experiencia de la escultura renacentista. En sus obras se
puede seguir la evolución en la escultura de la segunda mitad del Renacimiento.
Los esquemas en que se agrupan las figuras son simples, geométricas, Ej.: la Pietta, dentro
de un esquema piramidal, uno de los predilectos en el renacimiento. A medida que el
maestro progresa en los años, los músculos se hinchan, los cuerpos se contorsionan y los
esquemas que componen las figuras se hacen cada vez mas complejos, no siempre es
geométrico a menudo es movido, flexible y adherente al movimiento de los cuerpos
representados,
Nunca es retorcido o roto, los movimientos de las figuras a veces son mis vivas, pero nunca
descompuestos.

Arquitectura del Renacimiento (Schulz)

Exponentes de esta época la consideraron una ruptura con la arquitectura medieval.

Se produce una reintroducción intencional de miembros antropomórficos clásicos como
pilastras corintias y jónicas, junto con arquitrabe plenamente desarrollado.
También se recurre al uso exclusivo de relaciones geométricas elementales y una enérgica
centralización del espacio.
Las formas de la arquitectura medieval son reemplazadas por una adición de elementos
espaciales y plásticos independientes. Nuevo concepto de perfección domina la mente del
maestro.
Se aprecia una acentuación enérgica del carácter plástico de los miembros. El espacio
renacentista muestra un nuevo deseo de orden geométrico, homogéneo, armonía y
perfección son valores absolutos, manifestándose en todos los edificios, sean eclesiásticos
o seculares pero con diferente intensidad.
Se creía en un cosmos ordenado, pero imaginaban el cosmos en términos numéricos y
consideraban a la arquitectura como una ciencia matemática, cuyo fin era hacer visible el
orden cósmico. Así surgió un nuevo interés por la perspectiva como herramienta de
descripción del espacio y adquirió gran importancia el problema de la proporción, hallando la
clave de la armonía en toda creación, a través de la proporción hallando la clave de la
armonía en toda creación, a través de relacionar las proporciones con el cuerpo humano
como en la antigüedad.
Sus obras eran sentidas como cósmicas y humanas.
El espacio se manifiesta en el nivel ambiental más comprehensivo: el geográfico.
La ciudad del Renacimiento aspira una idea formal, esta constituye el centro de un pequeño
estado autocrático. Entre todas las ciudades la mejor es la que tiene planta circular, en el
centro de la ciudad ideal hablamos el “Palacio del Señor” que domina una amplia plaza.
El tratamiento del espacio renacentista se oriento hacia una idea de perfección formal pura.
La nueva concepción del espacio interior urbano se expreso como aspiración a una
geometrización general y así calles y plazas fueron definidas por edificios que parecían estar
constituidos por idénticas unidades estereometricas.
La arquitectura del Renacimiento es el producto de una civilización urbana. Los principales
tipos edilicios del Quatroccento tenía la misión de dar sentido a un ambiente urbano.
 La Iglesia seguía siendo el tema edilicio más importante, pero su forma tuvo que
adaptarse al nuevo concepto de orden (geometrización general y acentuación de
centralización).
Para la composición se utilizaba el principio “aditivo”, cada elemento espacial conservaba
su grado de independencia dentro del conjunto.
Gracias al nuevo rol del señor y la aristocracia surgió un nuevo tema edilicio: “El palacio
urbano”. Símbolo de poder, manifestación de la cultura, base de la autoridad aristocrática.
Este fue geometrizado y humanizado con la introducción de órdenes clásico, el tipo
fundamental se desarrollo en Florencia: volumen cuadrangular cerrado, centrado en un patio
circundado por dos o tres filas de arcadas superpuestas.
El palacio era una sede familiar y sus dimensiones y articulación indicaban la posición de
dicha familia en el contexto único.
La articulación renacentista tenía dos propósitos:
- la antropomorfizacion, a través de la introducción de ordenes clásicos.
- geometrizacion, mediante el uso de formas geométricas elementales y relaciones
matemáticas simples.
Muro almohadillado, perforado e interrumpido solo por las ventanas distribuidas
irregularmente. Sucesión de arcos semicirculares.
Distinción entre el exterior algo reservado y el interior más expresivo.
En los patios se encuentran elementos antropomorfos.
Uso de pilastras clásicas como articulación mural interior.
Superposición de órdenes clásicos en las fachadas
Interiores de las iglesias articuladas mediante la repetición regular de miembros clásicos.
Tratamiento exterior similar.
Luz neutra y uniformemente distribuida de los interiores quattrocentescos.
Introducción de volutas para la transición entre el primer y segundo plano.
Empleo de pilastras y balcones en los ángulos de los edificios para definir el cruce de calles.
El significado funcional reemplaza a la perfección de la forma.

Obras arquitectónicas:
“Basílica de San Pedro” (interior/exterior)

(Fuente: http://www.cronicas-da-lilian.com. (Fuente:

http://www.voyagerguide.com
br/imagens/vaticano-p089.JPG)
/img/pics/roma_9.jpg)
(Fuente: http://static.flickr.com/ (Fuente:
http://agaudi.files.wordpress.com/
43/110720088_102ed10c35.jpg) 2007/02/basilica-de-san-pedro.jpg)

(Fuente: http://www.laeditorialvirtual.
com.ar/Pages/MartosDenes/LosDeicidas/Ima
ges/TronoDeSanPedro.jpg)

Tema: Iglesia
Emplazamiento: se halla al suboeste del Vaticano
Significado: simboliza la unidad del cristianismo después del quiebre de la espiritualidad de
la reforma.
Función: lugar de consagración de fieles
Características constructivas:
Técnicas columna salomonica, jonica, dorica, corintio, toscana, arcos de medio mundo,
boveda de cañon,
Materiales: piedra mármol, bronce
Tecnología
Elementos compositivos
Fachada es de importancia secundaria en relación a su interior.
Planta: en forma de cruz latina
Cerramiento

La Basílica de San Pedro es el mayor templo de la cristiandad. Se encuentra situado en la

orilla del Tiber, dentro de la ciudad de l Vaticano. Es uno de los ejemplos de la Arquitectura
italiana que sufrio grandes cambios a lo largo de su construcción. Cabe destacar que fue
una de las iglesias que se comenzo a construir en el Renacimiento y culmino en el Barroco,
haciendola asi perteneciente al ultimo periodo mencionado.
Para su construccion se convoco a concurso el cual fue ganado por Bramante. Este empezo
el proceso de construccion en 1506. planteo una planta de cruz griega y una gran cúpula
central. Se recurre a esta forma ya que es una iglesia de la contrarreforma, y lo que busca
es atraer nuevamente a los creyentes. Por una cuestion de gustos e interes, el sucesor de
Julio II, contrata a Rafael para que continue la iglesia (ya que este era idonio en pintura).
Este siguió con ideas obtenidas de Bramante. Luego le sucedió Antonio Da Sangallo.
Lo que se había llegado a construir fue decisivo para los volúmenes interiores de la Basílica,
el nivel del pavimento quedo determinado dando lugar a las criptas.
En 1547, Pablo III, le dio a Miguel Angel la dirección de todas las obras de San Pedro. Éste
retoma de Bramante la forma de la cúpula pero abandona las dos torres de los extremos.
Para 1564 fallece Miguel Angel y queda terminado el cuerpo cilindrico que sirve de base de
la cupula (el cimborio).
En 1606 Pablo V entrego la direccion de la obra a Carlo Maderno quien cambio el diseño de
Bramante y Miguel Angel, que era de forma de cruz griega en otra de cruz latina a la que
añadio tres arcadas y el portico de la entrada. En los siguientes 20 años, Maderno construyo
la fachada barroca para completar la obra.
En 1626 Urbano VIII (1623 – 1644) consagro la Basílica en el 1629 nombro como arquitecto
de la Basílica a Gian Lorenzo Bernini. A este se le encargo la tarea de diseñar el baldaquino.
La actual Basílica se construyo en 176 años.
Interior de la Basílica:
El atrio realizado en los años 1608-1612, está considerado como una de las obras más
valiosas de Carlo Maderno. El portal central tiene fecha 1455: en él, están representados
San Pedro y San Pablo y, en la parte inferior, sus martirios. A la derecha, se encuentra la
Puerta Santa, en bronce de 1950: cada Jubileo la puerta se abre ante la presencia del Papa.
En el lateral izquierdo del vestíbulo se encuentra el monumento ecuestre que representa a
Carlomagno, y en el lateral derecho, la estatua del emperador Constantino a caballo, hecha
por Bernini en 1670.
La estructura del interior, con planta de cruz latina, se debe a la intervención de Maderno,
(como ya se ha dicho anteriormente) que a partir de 1600, llevó a cabo la construcción de la
basílica y realizó las tres alas de la nave central y las dos naves laterales, logrando crear un
conjunto unitario con el octágono central. Espacio decorado con gran cantidad de estucos,
mosaicos y estatuas de estilo barroco.
La iglesia tiene 187 metros de largo; el ancho entre las naves laterales mide 58 metros y
140 en el crucero; la altura máxima de la bóveda en la nave central es de 46 metros. La
nave central se encuentra recorrida por grandes pilastras acanaladas, entre las que se
abren hornacinas con 39 figuras de santos fundadores de órdenes y congregaciones
religiosas. El techo presenta estucos dorados realizados en 1780, bajo Pío VI.
En la nave de la derecha, dirigiéndonos hacia el altar, hay numerosas obras de gran valor
religioso y artístico. En la primera capilla, es posible ver la Piedad, obra maestra de Miguel
Ángel, realizada en 1499.
La Virgen, de rostro joven, como resignada ante el destino, sostiene en su regazo el cuerpo
muerto de Cristo. El articulado juego de los pliegues de las vestiduras y del velo de la Virgen
revelan una fuerza física, en contraposición con los refinados rasgos del rostro,
característicos del Quattrocento. La capilla siguiente es la del Santísimo Sacramento.
Escultura de bronce dorado, fue realizada por Bernini en 1674, y sucesivamente completada
con la inclusión de dos ángeles arrodillados. Al final de la nave lateral derecha se halla el
monumento fúnebre a Gregorio XIII.
En la nave central, se encuentra la estatua de San Pedro bendiciendo, obra en bronce.
Los ángulos de la nave longitudinal con el crucero, están cubiertos por cuatro imponentes
pilastras de planta cuadrada. En sus caras internas, unas hornacinas alojan cuatro estatuas
de dimensiones colosales, personificaciones de otros tantos momentos cruciales de la
Pasión de Cristo: San Longino, el soldado que traspasó con la lanza el costado de Cristo y
que luego se convirtió al Cristianismo, obra de Bernini en 1638; Santa Elena, madre del
emperador Constantino, que llevó a Roma la cruz y los clavos de la Pasión; Santa Verónica,
que con un lienzo habría enjugado el rostro de Cristo en la vía Dolorosa y, finalmente, San
Andrés, hermano de Pedro, crucificado en Grecia. 
En el centro de la iglesia se encuentra el altar papal, coronado por el famoso baldaquino en
bronce, de Bernini, realizada entre los años 1624 y 1632. Con sus 29 metros de altura, fue
encargado por el papa Urbano VIII Barberini (1623-1644) para que llenar el “vacío” debajo
de la cúpula y crear un movimiento ascendente.
El baldaquino está formado por cuatro columnas salomónicas en espiral con estrías, ramas
de olivo y laurel, con capiteles corintios; la cubierta, con volutas y estatuas angulares de
gran elegancia. 
Debajo del baldaquino, en el nivel inferior, se encuentra la “tumba de San Pedro”. Sobre el
baldaquino se encontramos la cúpula, decorada en su interior en los años 1603-1613.
El Altar de la Cátedra es una de las obras maestras escultóricas de Bernini. En la parte
interna de la ventana ovalada, cerrada por una lámina de alabastro con rayos que dividen la
superficie en doce sectores como los doce Apóstoles, se encuentra la paloma del Espíritu
Santo. A su alrededor se extiende una extraordinaria nube de ángeles y “putti” que coronan
la Cátedra en bronce de san Pedro.
La obra fue terminada en 1666, bajo el papa Alejandro.

Renacimiento Español

La influencia del Renacimiento en España se produce a mediados del S.XV. El contexto de

su difusión fue distinto al italiano y dio lugar a diferentes manifestaciones artísticas,
especialmente arquitectura.
Este nuevo enfoque en el arte, la literatura y la ciencia recibió el impulso de varios
acontecimientos históricos nuevos, como la unificación del reino cristiano con la toma
definitiva de Granada y las sucesivas expulsiones de musulmanes y judíos y el
descubrimiento de America.
A diferencia de Italia, España se mantuvo fielmente católica, prevaleciendo por largo tiempo
el poder de la nobleza y el alto clero. El renacimiento Español se desarrollo bajo la
preponderancia del Reino de Carlos V, quien logró convertirse en emperador a raíz de las
bastas extensiones de tierras heredadas de sus padres y abuelos, entre ellos los nuevos
territorios americanos. Esto permitió a España establecer importantes contactos comerciales
con diversas partes de occidente y oriente, lo que trajo aparejado la incorporación de nuevos
elementos culturales,
La arquitectura de España pasó por dos fases: Plateresco y Herreriano.
El Plateresco surgió a partir de 1520, cuando el quatroccento italiano estaba llegando a su
fin, y se extendió por los dos primeros tercios del S.XVI. Se caracteriza principalmente por
su extraordinaria riqueza decorativa. Candelabros y seres fantásticos que cubren fachadas,
puertas, retablos o sepulcros, son muy empleados. La columna “abalaustrada” llega a
convertirse en uno de los temas característicos.
Otros elementos que se emplean con insistencia son los medallones con bustos o cabezas.
La decoración es planimetrica.
La personalidad mas destacada es Lorenzo Vázquez de Segovia, la segunda figura que
llena el segundo tercio.
Salamanca: es la ciudad plateresca por excelencia, tanto por el número de sus monumentos
como por la exquisita finura de su decoración, debida a gran arte a la de su piedra
ligeramente rosada. La influencia árabe (arte mudéjar) con sus trabajos en piedras, el
delicado artesanado de la madera policroma, la utilización de arcos en herradura y la
influencia del gótico florido, se vieron reforzados en el Plateresco.
La segunda fase de la arquitectura española se conoce con el nombre de Herreriano. A
mediados del S.XVI, algunos arquitectos deciden emplear un estilo más sobrio y
exclusivamente arquitectónico, adoptando un Renacimiento netamente italiano. Lo que
importa así son las proporciones y formas, por lo cual no hay decoración. El monumento que
hace triunfar esta reacción contra el Plateresco es el “Monasterio de San Lorenzo de el
Escorial”, encargado por Felipe II a Juan de Toledo, totalmente falto de decoración y en
respuesta a un riguroso clasicismo.

(Otro):
En España es importante notar que coincidió con el Descubrimiento de América, lo que
originó que entrasen en la península enormes cantidades de oro, plata, maderas preciosas,
etc. Esta entrada de riquezas hizo que España, durante gran parte de esta época, fuese el
país más rico y poderoso del mundo. Si a estas riquezas añadimos la aparición de
importantes escritores, pintores, artistas de todo tipo, etc., se entenderá por qué hubo una
época, dentro del Renacimiento español, que se llamaría ‘Siglo de Oro’. Aquella unión de
riquezas, escritores de primera línea, arte, etc., es algo que jamás se ha vuelto a dar en
parte alguna del mundo. En aquél Siglo de Oro ningún país podía igualarse a España ni en
cuanto a riquezas, ni en cuanto a ejércitos ni en cuanto a vida cultural. Medio mundo estaba
bajo la bandera de España.
No confundir Renacimiento con Edad Moderna. La Edad Media dura del siglo V al siglo XV
(descubrimiento de América en 1492), es decir, mil años. A continuación viene la Edad
Moderna. El Renacimiento aparece a últimos de la Edad Media, unos cien años antes de
que la Edad Moderna comenzase.
El Renacimiento se caracteriza por dos rasgos esenciales:
1. Redescubrimiento de la cultura clásica griega y romana.
2. Humanismo, es decir, la consideración del hombre, del ser humano, como centro de
todas las cosas (en la Edad Media había sido la religión el centro de todo). Se valora la
inteligencia, la mente, así como el cuerpo, y no sólo el alma, como sucedía en épocas
pasadas.

Durante el Renacimiento se producen muchos cambios de todo tipo en la vida de los

hombres:

a) El Descubrimiento de América no sólo permitió conocer nuevas culturas sino que

también supuso la entrada en Europa de enormes riquezas. Esto afectó muy principalmente
a España.

b) Muchos campesinos se trasladan del campo a la ciudad en busca de una vida mejor y
más fácil.

c) En el mundo religioso se buscó una vuelta a los orígenes humildes del cristianismo, a
una religión más auténtica. Esto acabaría llevando a la comunidad cristiana a dividirse en
dos mundos: católicos y luteranos.

Durante la Edad Media la iglesia católica había reunido un enorme poder, tanto político
como económico. Poco a poco se levantaron voces de protesta contra esto, pidiendo a la
iglesia que volviese a ser lo que fue en un principio, es decir, que volviese a ser pobre y a
ponerse de lado de los pobres, dejando a un lado las riquezas de este mundo y dedicándose
más al alma.
En el siglo XVI, un monje alemán llamado Martín Lutero expone públicamente, por escrito y
a las puertas de una iglesia, sus protestas contra esa situación. Por ese motivo, a sus
seguidores se les conoció tanto por ‘protestantes’ como por ‘luteranos’. Fue el comienzo de
una división dentro de la iglesia cristiana que aún continúa hoy en día y que produjo en
aquellas épocas muchas guerras de religión.
Los protestantes o luteranos no obedecen a ningún papa; por tanto, no obedecen a Roma.
Consideran que nadie debe decir a los creyentes qué es lo que la Biblia dice, sino que,
dicen, ésta se escribió para que cada cual la interpretase según su conciencia. Aparte de
esto, hay otras diferencias con los católicos, como admitir el matrimonio de los sacerdotes.
Dentro de la iglesia luterana o protestante hay muchas ramas (anabaptistas, presbiterianos,
testigos de Jehová, etc.).
La cultura renacentista en España.
En España, el Renacimiento estuvo influenciado por dos tipos de factores: externos e
internos. Los externos eran, por supuesto, los que vinieron del extranjero, y los internos eran
aquellas circunstancias propias de España que no se daban en ningún otro sitio.
- Factores externos.
a) La principal influencia externa vino de Italia, cuna del Renacimiento. De allí vino el
humanismo, el teatro renacentista, etc.
b) La conquista de América fue muy importante, tanto por las riquezas que supuso como
por el descubrimiento de nuevas civilizaciones.
c) Las relaciones internacionales de España con el resto del mundo supusieron un
incremento del vocabulario, lo que se reflejaría en el la Literatura, el teatro, etc.
d) El erasmismo tuvo muchos seguidores en España, aunque fueron perseguidos por la
Inquisición, que conseguiría prácticamente aplastar este movimiento dentro de la península.

- Factores internos.
El Renacimiento en España no sólo se nutrió de ideas venidas de fuera, sino que aquí
también aportó ideas y circunstancias propias, nacidas dentro del país.

a) La Inquisición fue traída (que no creada) a España por los Reyes Católicos para defender
a la iglesia católica de la recién nacida iglesia luterana o protestantes y de las ideas de
personas como Erasmo de Rótterdam. También se ocupó de que ningún descendiente de
judíos o musulmanes ocupasen cargos en la administración del Estado, el ejército, la
enseñanza, etc. Creó el llamado ‘Índice’, una lista de libros prohibidos y que deberían ser
destruidos en cuanto se encontrasen; principalmente se trataba de libros sobre las reformas
de Lutero y Erasmo.
En el libro de texto, incorrectamente, se dice que la Inquisición fue creada por los Reyes
Católicos. La Inquisición había nacido mucho antes, concretamente en el siglo XIII, de
manos del papa Gregorio IX (y los Reyes Católicos gobernaron en España en el siglo XV).
Lo que sí es cierto es que los Reyes Católicos le dieron en España no sólo un gran
desarrollo sino mucha mano libre y poder para actuar con plena libertad, con lo que mucha
gente en todo el mundo piensa que la Inquisición fue un invento español. Nada más lejos de
la realidad, ya que la Inquisición actuó con igual fuerza en Francia, Italia, etc., que en
España.

b) Las Universidades ejercieron un importantísimo papel en la cultura de la época. En la de

Alcalá de Henares, Madrid, se publicó en el siglo XVI la ‘Biblia Políglota Complutense’,
primera Biblia escrita también en castellano y no sólo en latín, como hasta entonces se
hacía. Ello permitió a mucha gente conocer de primera mano la palabra de Dios, y no
conocerla sólo por lo que los religiosos decían en los púlpitos. Por supuesto, aquello no fue
bien visto por la Inquisición, ya que si la gente podía ahora leer la Biblia en su propia lengua
(el latín sólo era hablado por los más cultos y no por el pueblo llano), podrían interpretarla
libremente y no conforme a la interpretación ‘oficial’, la de la iglesia católica, lo que podría
ayudar a que apoyasen las ideas protestantes.

Arquitectura

Plateresco: extraordinaria riqueza decorativa, cubren las fachadas temas decorativos (dos
primeros tercios del S.XVI). Elementos como la columna abalaustrada llegan a convertirse
en tema característico del plateresco. Medallones con buscos o cabezas en basamentos,
entre paños. Es frecuente en este país por el fuerte gotisismo el exterior del edificio sea de
repertorio renacentista mientras el interior continua con bóveda de crucería. Los elementos
arquitectónicos se destacan intensamente (Salamanca).

Herreriano: (ultimo tercio del S.XVI) a mediados de siglo el gusto empieza a fatigarse de
tanta decoración y algunas arquitecturas deciden emplear un estilo mas sobrio y
exclusivamente arquitectónico (El Escorial)

“Escorial”

(Fuente: http://www.gospain.org/
(Fuente:http://www.galeon.com/cantabria-g/
Spain_pictures/escorial.gif)
Biografias/CarpH/Herrera/Escorial00.jpg)
(Fuente: http://sapiens.ya.com/jrcuadra/sendas/avantos/6-%20Escorial.JPG)

Fue encargado por Felipe II para conmemorar la victoria de San Quintín contra las tropas
francesas. El propio monarca supervisó su construcción. Con esta obra, Felipe II quiso
demostrar su poder. El Escorial se construye con funciones diversas: monasterio, palacio,
panteón de la Familia Real y centro cultural (por ejemplo, gracias a su grandiosa biblioteca)
y artístico. El primer arquitecto
de El Escorial fue Juan Bautista de Toledo, que inicia su construcción en 1563. A los cuatro
años muere y continúa la construcción Juan de Herrera. Éste prescinde de algunas torres
del proyecto inicial y las reduce a las cuatro torres angulares y a las dos de la fachada de la
iglesia, y por último la cúpula de la iglesia.
La planta del edificio es de un riguroso geometrismo rectangular. Se construye en
torno a la iglesia del monasterio y con varios patios en el interior: Patio de los Reyes y Patio
de los Evangelistas. La arquitectura del Monasterio de El Escorial se caracteriza por su
monumentalidad, sobriedad y austeridad, prescindiéndose casi totalmente de la decoración.
El material utilizado es granito de la Sierra de Guadarrama.
La fachada de la basílica del monasterio de San Lorenzo de El Escorial, obra de Juan de
Herrera, domina majestuosamente la entrada meridional a través del patio de los Reyes. En
la imagen se aprecia la austeridad del conjunto semejante a una inmensa piedra
berroqueña.
BARROCO

Surge en Italia (Roma) a fines del S.XVII, posteriormente se extiende por toda Europa,
America y parte de Oriente. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que
reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una
nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma Protestante. Esto fue llevado a
cabo por Martin Lutero y Calvino.
Lutero criticó la venta de las indulgencias. Ésta práctica consistía en el perdón de los
pecados de que los fieles pagaran una suma de dinero. Sostuvo la libre interpretación de la
Biblia, la anulación de algunos sacramentos (todos menos el Bautismo y la eucaristía) y la
abolición del culto a la Virgen y a los Santos. La difusión de estas ideas protestantes impulsó
a la Iglesia católica a realizar una serie de reformas en su organización interna, lo que
decantó en la llamada Contrarreforma o Reforma Católica y el Concilio de Trento, que no va
en contra de algo, sino que busca una adaptación a los nuevos tiempos.
Reforma todos los dogmas pero revisa la disciplina eclesiástica y el cumplimiento de los
votos. Como consecuencia de todo esto surge una nueva religión: El Protentastismo, y
Europa queda dividida en dos bloques: Cortesana y católica (Italia, España, Polonia, Austria,
Francia y Flandes) y Protestante y burguesa (Holanda, Países Bajos e Inglaterra).
La Iglesia fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehiculo de
propaganda y control ideológico, y busco persuadir, atraer y conmover a los fieles. Por lo
cual exige a todos los artistas llevar a cabo un arte sencillo, fácil de leer, que cualquier fiel
que se aproxime a una Iglesia pueda comprender de inmediato. Así, los santos dejan de
vestir como cortesanos para aparecer como pordioseros, con rostros vulgares.
Por otro lado, el arte fue utilizado como instrumento del absolutismo monárquico, siendo
ideado de acuerdo a sus objetivos y satisfaciendo los gustos y placeres extravagantes de la
realeza.
El Barroco fue tomando los elementos utilizados durante el Renacimiento y el empleo en la
construcción de los templos y catedrales, que buscaban representar la gloria y el poder de la
Iglesia, siempre con una rica decoración, al igual que los palacios muy lujosos y decorativos
que tenían como adjetivo exaltar el poder de los reyes absolutistas.
La pintura es planteada a través de color, estando las figuras mas determinadas por las
mandas del color que por la línea, y la luz es utilizada en diferentes grados de intensidad y
en variadas direcciones, apareciendo diversos contrastes y sombras. Se iluminan ciertos
sectores, aquellos que interesa que se definan, es decir, la luz da lugar al núcleo de
atención, el lugar que el artista intenta resaltar. En el tratamiento del espacio hay un
predominio de curvas, escorzos, quiebres, ondulaciones y distintos elementos decorativos
que dan sensación de movimiento, dinamismo, amplitud y profundidad, configurando así una
organización de los componentes así indivisible en lo que estos se encuentran fusionados
con el fondo, formando un solo conjunto, una sola unidad.
Por otra parte, las obras barrocas muestran una intensa espiritualidad que aparece con
frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y lo macabro, pero desde un sentido triunfal
y solemne, representando calaveras, cadáveres, etc. Los contrastes y contradicciones son
my frecuentes, aparecen por un lado las figuras religiosas, monarcas y nobles, y por otro,
personajes de la vida cotidiana, vulgares y hasta grotescas. A esto se le suma la constante
búsqueda de los artistas por representar los sentimientos interiores, las pasiones y los
temperamentos, reflejándolos en el tratamiento de los rasgos fáciles.
Con respecto a la perspectiva, en punto de fuga central del Renacimiento se va a correr
junto con el objeto que allí se posiciona. La perspectiva tenia un giro, se complejiza con
diversos puntos de fuga, de altura. El artista se incluye en la obra. Hay diversos elementos
que se incorporan en la obra, para tal fin: juego de espejos, telones, ventanas que se abren
y disfamación del exterior de la obra como si se mirara por una cerradura.

Diferencias entre Europa cortesana y católica, y burguesa y protestante:

En los países de Europa cortesana y católica, como España, Italia, Francia y Bélgica, entre
otros, el arte barroco estaba fuertemente vinculado a la Iglesia Católica y a los monarcas,
representando en sus obras temas religiosos y escenas de la visa de la realeza. En España
la pintura se distingue por su forma realista y concreta, cargada de emoción, my vinculada a
lo religioso y en menor grado el retrato. El principal tema es el amor divino.
En Bélgica (antiguo Flandes) arte flamenco, bajo la influencia de Rubens, se destaca por su
estilo lleno de vida, en el que el movimiento y el dinamismo de las figuras abunda.
En cambio, en los países de la Europa protestante y burguesa como Holanda, Inglaterra y
gran parte de Alemania, el Barroco abandonó notoriamente los temas religiosos, abundando
las escenas de carácter profano y de la vida cotidiana en sus representaciones. En Holanda,
por ejemplo, la pintura cobra gran relevancia y refleja un detallado manejo de la luz, siendo
sus géneros más importantes el paisaje, los bodegones, las flores, el retrato, el ganado y la
marina (Rembrandt, Van der Helst, Jan Verneer).
Por otra parte, la ciudad del barroco se ve como la imagen de su gobernante cuya
importancia se mide por su tamaño y por el número de sus habitantes. La ciudad se va a
estructurar en torno a un centro, al que confluyen grandes vías, rectas de amplias
perspectivas. Las plazas serán uno de los grandes elementos, reflejo y símbolo del poder
civil o religioso, entendidos como escenarios de fiestas y representaciones.
El Barroco realmente expreso nuevos valores. Todo fue enfocado alrededor del hombre
individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.

ARQUITECTURA

“Palacio de Versalles”

(Fuente: http://images.encarta.msn.com/xrefmedia/sharemed/targets/images/pho/t054/
T054743A.jpg)
(Fuente: http://web.educastur.princast.es/BARROCO/versall.htm)

Tema: Palacio
Emplazamiento: se halla a varios kilómetros de la ciudad.
Significado:
Función: residencia real, alberga todas las funciones del gobierno
Características constructivas:
Técnicas: arcos de medio punto, cornisas cortadas por estatuas, hornacinas, pilastras
Materiales piedra, y mármol de colores.
Elementos compositivos
Fachada principal: almohadillado, con columnas y pilastras jonicas, cornisa continua
rematada por estatuas en su parte superior,
Planta:
Cerramiento:
Relación con el contexto

El origen de este palacio esra en un pabellosn de caza construido por Philibert le Roy para
Luis XIII. Luis XIV lo utilizo para retirarse a el con su elegida fuera de los comentarios de la
corte. No obstante, se vio atraido por este paraje e hizo tres ampliaciones, que concluyeron
en 1710 proporcionando el aspecto actual, aunque nos algunas modificaciones.
Su grandiosidad espacial es debido a que Luis XIV obligo a la corte y a los nobles a vivir
junto a él en una posición subordinada, evitando nuevas revueltas de la nobleza, que ya
había sufrido durante su infancia,consiguiendo asi el triunfo de la monarquia absoluta.
La primera reforma fue acometida por Le Vau, y supuso el embellecimiento del patio central,
asi como la construcción de nuevos pabellones para invitados, establos y cocinas. La
segunda ampliación fue mas importante y tras desechar la idea de demoler el palacio
primitivo para la construcción de uno nuevo, se opto por conservar la parte original del
palacio (el patio de mármol), haciendo una especie de envoltura del mismo hacia los
jardines. La tercera y ultima ampliación se encomendo a J.A Mansard. Esta fue la mayor de
todas y supuso triplicar la superficiedelpalacio mediante laconstruccion de dos alas laterales,
asi comola redecoración de la fachada al parque construida anteriormente. el resultado fue
un palacio con una longitud de casi 500 metros.
La distribución interiorha cambiado a lo largo de los siglos. Su decoración original estuvo a
cargo de Le Brun, el cual le confirio un aspecto triunfal, y en cada rincón glorifico a un
mecenas equiparándole con el sol. La obra maestra de dicho artista es la galeria de los
espejos, dentro del propio palacio, de 73 por 73 metros, escoltada por dos salones no
menos importantes, el salon de la guerra y el de la paz.
Las salas mas importantes son las estancias de estado, dedicadas cada una a un planeta y
a su correspondiente divinidad, decoradas con mármoles policromados. El resto estan
decorados con terciopelo de color carmesí y verde.
Los aposentos interiores del rey son los mas actuales, son de carácter privado y se
encuentran decorados con boisieres o paneles dorados.
Los aposentos del delfín en la planta baja poseen una finura decorativa, decorados con
boisieres policromos.
Se halla el ala lateral norte donde se destaca la capilla palatina y la opera. Por otro lado en
el ala sur, se construyo la galeria de batallas, en el que se hace un repaso de la historia de
Francia.
El palacio de Versalles, es quizas el monumetomas espectacular de la monarquia absoluta.
Construido entre 1661 y 1756. se halla cerrado en tres de sus lados por el edificio. Como ya
se hizo mension anteriormente, a ambos lados se extienden unas alas que en conjunto
forman la fachada que da al jardin, y que posee un tratmiento repetitivo, a base de ordenes
de pilastras gigantes colocadas sobre la planta principal
Los grandes jardines de trazado regular y geometrico, fueron producto de la idea de servir
de recreo para los habitantes e invitados del palacio. Estos caminos y bancadas se
encontraban con estatuas y estanques. Las calzadas daban la sensación de infinites, ya que
culminaban perdiéndose en el horizonte.

(Otro):
El estilo de la arquitectura del Palacio de Versalles es barroco y surge un arte majestuoso al
servicio del Estado. Los grandes palacios de la época suelen tener un gran cuerpo alargado
y dos alas hacia el jardín. Las cubiertas son de estilo francés, que forman grandes cuerpos
prismáticos, muy altos, en los que se abren buhardillas. La construcción del
Palacio se hizo con las siguientes características: predomina un eje longitudinal, que tiene
como centro un gran patio, que organiza todo el conjunto y muestra una escala monumental,
la cual responde al poder que quería mostrar Luis XIV, a su vez este eje longitudinal es
contrarrestado con una fachada alargada. El palacio era la primera construcción dentro del
entorno, hasta entonces un lugar lleno de zonas pantanosas. Primeramente se inicia la
construcción del Palacio para iniciarse una trama urbana posterior, por ello desde su inicio
se plantean espacios públicos que acerquen la ciudad al castillo. Se van desarrollando
nuevos jardines, construcciones de ricos nobles, hasta crear una ciudad que vive entorno al
palacio. Una de las características del diseño es la simetría del conjunto. Está dividido,
simétricamente, por un eje principal. Dicho eje está en el mismo sentido de la mirada de los
peatones cuando acceden al lugar para enfatizar su profundidad y disminuir la fachada
horizontal. El eje transversal lo constituyen los volúmenes del palacio y se encuentran
subdivididos, todo sin dejar de mantener la simetría del palacio. Se
tiene en su totalidad elementos lineales y totalmente perpendiculares entre sí, volúmenes
macizos y horizontales que se contrastan con el eje longitudinal ordenador del palacio.
El Palacio tiene el lenguaje basado en lo que posteriormente se llamaría el
clasicismo francés. Están muy marcados, por un lado, los edificios y, por otro, las calles que
comunican dichos edificios. Todos los elementos que forman el conjunto están edificados
dentro de un gran orden, con una gran proporción general y una exquisita armonía, todo ello
pese a la diferencia de épocas de construcción y materiales, pero en todo momento
mantiene una composición simétrica, como una máxima nunca rebasada.
Uno de los elementos característicos de este palacio barroco, es la galería de los espejos,
se trata de una galería compuesta por grandes ventanales que dan a los majestuosos
jardines y del otro lado grandes espejos que reflejan estos jardines, este es un claro
elemento barroco ya que busca la infinidad, lo ilimitado.
Los jardines completamente orientados al Gran Canal, contienen numerosas esculturas y
monumentos, y otros edificios con el Grand Trianon y el Petit Trianon, esta última residencia
de María Antonieta. El
conjunto que forman el palacio y los jardines fue declarado Patrimonio Cultural de la
Humanidad por la UNESCO en 1979.
ESCULTURA.

+Gregorio Fernández, retablos, pasos procesionales e imágenes de devoción, siempre en

madera, forman su abundante producción que realizó con un estilo muy personal, basado en
la representación de la exaltación religiosa imperante en la época, que él interpretó de forma
sencilla y realista, buscando acercar la obra a la sensibilidad del pueblo. No obstante su
interés por plasmar expresiones y rasgos individuales no le impidió dotar a sus esculturas de
un profundo sentido místico, aunando lo concreto y lo espiritual, cualidad esencial del
barroco español. Entre sus retablos destacan el del Monasterio de las Huelgas Reales
(Valladolid, 1613). También realizo cristos para las procesiones de Semana Santa.

Algunas de ellas todavía se usan.

+Juan Martínez Montañés, este escultor de la escuela

andaluza era llamado “el dios de la madera”. Visitó Madrid en 1635 para esculpir el retrato
de Felipe IV que formaría parte de la estatua que hoy puede admirarse en la plaza de
Oriente. Murió en Sevilla a consecuencia de la peste, siendo sepultado el 18 de junio de
1649 en la parroquia de Santa María Magdalena. Sus obras se caracterizaban por la
serenidad y elegancia clásica de los elementos.
 Inmaculada

PINTURA

+José Ribera, valenciano, en sus pinturas se aprecian influencias flamencas ya que en la

Via Margutta habitaban un buen número de artistas flamencos con los que tuvo estrecha
relación. Sostiene un estilo naturalista heredado de Caravaggio. Usa los claroscuros y el
realismo en sus obras, como “Martirio de San Bartolomé”.

“Martitio de San Bartolomé”

+Diego Velázquez, es consideraso uno de los mejores pintores de la historia, ya que su es

capaz de conseguir un realismo extraordinario dominando la técnica, la luz, el color y la
perspectiva. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde
permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Durante estos primeros años
obtiene bastante éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas a
alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV,
gran amante de la pintura. A partir de ese momento, empieza su ascenso en la Corte
española, realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos. La
década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos
para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los retratos ecuestres, y para la Torre de
la Parada, como los retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando sus
excelentes retratos, el de Martínez Montañés o La Dama del Abanico, obras mitológicas
como La Venus del Espejo o escenas religiosas como el Cristo Crucificado. Paralelamente a
la carrera de pintor, Velázquez desarrollará una importante labor como cortesano,
obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y Aposentador Mayor de Palacio. Esta
carrera cortesana le restará tiempo a su faceta de pintor, lo que motiva que su producción
artística sea, desgraciadamente, más limitada. En 1649 hace su segundo viaje a Italia,
donde demuestra sus excelentes cualidades pictóricas, triunfando ante el papa Inocencio X,
al que hace un excelente retrato, y toda la Corte romana. Regresa en 1651 a Madrid con
obras de arte compradas para Felipe IV. Estos últimos años de la vida del pintor estarán
marcados por su obsesión de conseguir el hábito de la Orden de Santiago, que suponía el
ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta muy poco, destacando Las Hilanderas y Las
Meninas. La famosa cruz que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar en
la organización de la entrega de la infanta María Teresa de Austria al rey Luis XIV de
Francia para que se unieran en matrimonio, Velázquez muere en Madrid el 6 de agosto de
1660, a la edad de 61 años.

“Meninas”

Titulo: “Las meninas” de Velásquez

Fecha/Época: 1656
Dimensiones: 3,21 m de alto y 2,81 de ancho.
Comitente:
Ubicación actual: Museo del Prado
Tema: la familia de Felipe IV
Técnicas: óleo sobre lienzo
 Soporte: lienzo
Relación con el contexto:
Aspectos estético-formales:
Formas: las figuras son abiertas
Paleta: colores frios
Perspectiva: se acentúa con el uso de la luz
Uso de la luz: tenue. Media- baja.
Linea: no hay uso de la linea

“Las Meninas” es una obra realizada por Velásquez en el año 1656. Muestra una escena de
palacio de la vida diaria donde vivian los reyes de España.
La figura del centro es la infanta Margarita Teresa, hija del rey Felipe IV y Mariana de Astria,
quienes se hallan reflejados en el espejo del fondo. La pequeña princesa esta flanqueada
por dos meninas o damas de honor. A la izquierda del cuadro esta el propio Velásquez
frente a un enorme lienzo. Al fondo del cuadro, a la derecha esta ubicado Jose Nieto,
aposentador de la reina en una puerta abierta.
La obra muestra, no lo que el pintor ve, sino lo que ve el espectador. Velásquez se retrato
pintando el propio cuadro, ya que lo que el miraba era un espejo donde se reflejaban todos
los personajes, o quizas este pintando a rey y a la reina, que aparecen reflejados en el
espejo del fondo. Es considerada una de las mas grandes obras maestras de toda la historia
de la pintura, y una joya preciada del museo del Prado.
Velásquez hace uso de la perspectiva aerea, la cual consiste en que los colores pierden
intensidad con la distancia, dando sensación de que hay aire por la sala. Esta es solventada
por la perspectiva lineal. En cuanto a la luz, se concentra en la infanta rubia para luego,
arremolinándose, alcanzar a las meninas, enanos, perro y tambien al mismo Velásquez.
Con el uso de la perspectiva, el pintor rompe con la idea de que el cuadro sea “una ventana
abierta al mundo”. Esto tambien es logrado por la ambigüedad del espejo que permite la
ampliación de los espacios recreando la totalidad del ambiente.
Aplicando los pares polares de Wolffin, esta obra barroca se caracteriza por ser:
- abierta que no existe un espacio definido que la contenga, es decir una búsqueda continua
de la indeterminación espacial. Se observa en la integración del espectador.
- pictórica ya que no se producen saltos de valores lumínicos, produciéndose una fusión de
la figura y el fondo. La clave lumínica es media-baja.
- profundidad ya que el espacio se amplia hasta detrás mismo del observador, dnado la
impresión de que la imagen crea profundidad, como si el espectador pudiera entrar en ella.
- unidad única ya que no contiene formar cerradas visualmente (obra abierta), donde los
elementos no pueden ser separados, y resulta difícil encontrar el entorno en cada uno de
ellos.
- claridad relativa, propia de las obras barrocas.

“La Lechera”

Titulo: “La Lechera” de Jan Vermeer

Fecha/Época: 1659 - 1660
Dimensiones:
Comitente:
Ubicación actual:
Tema:
Técnicas:
Soporte:
Relación con el contexto:
Aspectos estético-formales:
Formas: abiertas
Paleta: media-baja
Relación figura-fondo
Perspectiva
Uso de la luz
Línea
Como muchos cuadros de interiores domésticos holandeses del siglo XVII, “La Lechera”
presenta elementos simbólicos. Aquí la blancura de la leche alude a la pureza y virtudes de
la mujer joven. Vermeer se valió de una cámara oscura para captar los efectos de la luz, que
luego plasmaría con gran maestría en su obra.
Según Wolfin, esta obra es:
- pictórica ya que desaparece la línea y se le da mas importancia a lo decorativo. Se
observa la fusión de contornos del mantel con el repasador.
- profunda ya que la figura principal esta detrás de otras, como es por ejemplo de la mesa.
- unidad unica que no hay presencia de figuras cerradas. No me permite recortar los
contornos. Esto se puede ver en el casi del puño del vestido con el delantal.
- abierta ya que no presenta un espacio definido que la contenga. Viendo esto en el
extremo de la mesa, que no me muestra donde termina, dando la sensación de que el
espectador es parte de la obra. Lo mismo sucede con la ventana.
- claridad relativa, la luz ingresa por la ventana centrándose en la lechera, y a su vez,
reflejandose en la pared lisa del fondo. Elementos que se encuentran debajo de la ventana,
sobre la mesa carecen de luz directa.

COLONIAL AMERICANO
El Periodo Colonial Americano se ubica temporalmente hacia fines del siglo XV, con la
llegada de los españoles América, hasta aproximadamente el primer cuarto del siglo XIX,
cuando se comienzan a declarar las independencias de los países americanos.
Es importante presentar las características principales de la conquista de América, ya
que es uno de los acontecimientos en la historia de la humanidad más importante, debido a
los cambios profundos que ésta trajo consigo.
Hacia fines del siglo XV, tanto España como Portugal estaban interesados en realizar
una explotación de materiales preciosos en las tierras americanas, principalmente oro y
plata. Pero solo a España le interesa obtener beneficios del imperio americano, por lo tanto
se ve obligada a dominar el territorio, estableciendo un sistema de conquista y
evangelización.
Es por esto que España deberá organizar este sistema de explotación. Instala así, al
sistema de encomienda, y lo combina con instituciones ya practicadas por los pueblos
conquistados: la mita y el yanaconazgo. A su vez, España se organiza para trasladar los
materiales preciosos desde sus colonias al continente, mediante una serie de impuestos.
Por un lado, implementa el quinto real (era 1/5 del tributo que pagaban los indios a sus
encomenderos anualmente), y por el otro, implementa el sistema monopólico comercial.
Este último establecía un puerto único de salida hacia América y otro exclusivo en ella; esto
era custodiado por los galeones.
Asimismo, al haber abundancia en tierras fértiles y una gran cantidad de mano de
obra, España decide implementar el sistema de plantaciones, teniendo al esclavismo como
sistema de producción.
 En cuanto a la organización política que se comienza a implementar en América, se
puede decir que las primeras organizaciones políticas son los “Virreinatos”. Como bien dice
Telesca de Abbondio, para administrar los inmensos territorios los españoles establecieron
dos virreinatos: el de Nueva España (lo que hoy es México y América central) que tenía a
México como capital; y al Virreinato del Perú (en la actualidad comprende a Perú y parte de
América del Sur) que tenía como sede principal a Lima. Más tarde se crean otros virreinatos,
como ser el de Granada y el del Río de la Plata. Por su parte, las posesiones portuguesas
constituyeron una colonia única: el Virreinato del Brasil.
En este tipo de organización, la autoridad suprema era el Virrey, quien tenía bajo sus
órdenes una enorme burocracia, ya que todos los asuntos civiles y militares eran de su
competencia. Éste representaba a la Corona, ejercía el derecho de patronato, controlaba las
minas, vigilaba la evangelización de los indios y percibía el “quinto real”, entre otras
funciones.
En el aspecto social se puede decir, que como en todo proceso de colonización y
conquista, hay un grupo reducido de conquistadores y colonizadores, y un grupo amplio de
conquistados y colonizados. Pero en el caso de América van a existir varios factores que
producen la formación de innumerables grupos sociales. Estos son: la extensión del
escenario geográfico, gran número de población nativa, población negra que emigra a
América forzosamente desde África como mano de obra, y los distintos grados de
civilización existentes de las distintas poblaciones indígenas. Es aquí donde se puede hacer
la aclaración del gran mestizaje que existe en este territorio, entre blancos, indios y negros.
Surge así el grupo de los mestizos mulatos, el cual es absorbido como mano de obra
mestiza y mulata.
El poder religioso estaba en manos de la Iglesia Romana, representada por el clero
secular y las órdenes conventuales. Las primeras órdenes que comenzaron a evangelizar en
el Nuevo Mundo fueron las de los franciscanos, dominicos, mercedarios, agustinos, jesuitas
y carmelitas. A pesar de que los primeros edificios religiosos fueron modestos y temporarios,
desde comienzos de la conquista la Iglesia fue acumulando grandes cantidades de riquezas.
Es dable destacar, también, la importancia del aspecto artístico que tiene este
periodo. Citando a Chueca Goitia identificamos a la arquitectura como la principal forma de
expresión colonial: “La importancia de la arquitectura en Hispanoamérica es tanta que, hasta
cierto punto, sus realizaciones acaparan el interés que en otro caso tendrían los hechos
históricos”1.
Las primeras construcciones fueron la de las Iglesias. Los materiales de construcción
existían en abundancia, y éstos eran: adobe, madera dura y resistente, piedras blancas que

1
“Chueca Goitia, F. “Invariantes castizos de la arquitectura española, Invariantes en la arquitectura
Hispanoaméricana. Manifiesto de la Alambra”. Ed. Dossat.1978. España
podía ser tallada fácilmente y que se endurecía una vez expuesta al aire, principalmente.
Los indígenas eran quienes seguían las instrucciones dadas por los especialistas españoles,
siendo así la principal mano de obra utilizada. Además de la construcción de iglesias,
también hubo construcciones de “templo-fortalezas”, polvorines, edificios públicos y casas
principales.
Muchos autores afirman que la arquitectura americana deriva directamente de la
peninsular, ya que “se van adoptando formas y estilos europeos, que a su vez sufrieron un
proceso de adaptación al medio ambiente que les confirió una fisonomía particular”2.
Otra forma de expresión artística identificada es la pintura. En este caso, ya no hubo
conflictos entre el trasfondo precolombino y el trasplante europeo. Los pintores locales se
formaron con copias de las obras de los maestros europeos.
Los materiales que se utilizaban eran las tintas extraídas de vegetales y minerales,
ya que los indoamericanos no conocían todavía el óleo. A su vez, las obras pictóricas se
realizaban sobre telares rudimentarios que se fabricaban con materiales locales. Las
representaciones más comunes eran la de vírgenes, como la Inmaculada o la del Niño. Pero
además, se incorpora a la iconografía sagrada una versión americana de los arcángeles,
representándolos como arcabuceros trajeados.
Por otro lado, también se identifica a la escultura colonial. Como en el caso de la pintura, los
dibujos y grabados enseñaban a los artistas locales los modelos a esculpir. Aquí, el material
utilizado fue la madera. El imaginero tallaba la forma en la madera, luego la recubría con
yeso y se la remitía al pintor, quien le aplicaba a la escultura un enduido que le daba a las
carnes la apariencia de lo viviente. Además hubo un tipo de escultura particular, la cual era
vaciada y pintadas, envueltas con vestimentas rígidas.
Es importante aclarar que a pesar de que se describieron las características generales del
periodo colonial americano, también existen característicos particulares de cada región en
estudio.
Por un lado, en México los temas arquitectónicos con las catedrales y conventos, los
palacios de la nobleza y las casas rurales. En cuanto a los programas de catedrales se
puede decir que comienzan en el siglo XVI, y que se caracterizan por poseer planta salón;
ser de dos o tres naves; introducción de una gran plaza delante de la escalera principal,
llamada “zócalo”; utilización de torres; mucho decorativo en las fachadas; policromía;
estípite; formas mistilíneas, entre otras.
La zona de Perú, por su parte, se la puede dividir en tres centros importantes culturalmente:
Lima, Cuzco y Arequipa. En primer lugar, Lima fue una ciudad creada por los españoles, por
lo tanto seguía las Leyes de India, como todas las ciudades coloniales. Aquí no se observan

2
Telesca de Abbondio, MT “Arte colonial. Características Generales”. Centro editor de América Latina. Revista
“Pueblos, Hombres y formas en el arte”. N° 49. 1977.
rasgos de mano de obra indígena. Las construcciones son de baja altura, ya que se temía
por las graves consecuencias de los sismos. Una característica esencial del barroco
peruano es la construcción del los balcones de estilo árabe.
Cuzco, por su parte, es un centro muy importante de Perú, ya que fue la capital del Impero
Incaico, donde los españoles debieron respetar las construcciones incaicas. A pesar de que
el trazado de la ciudad es precolombino, en ésta existe una diversificación de estilo muy
grande. En la plaza central se puede observar que la catedral es de estilo renacentista,
mientras que la Iglesia de “La Compañía de Jesús” es de estilo barroco.
Arequipa, ubicada entre las sierras y el altiplano, es el mayor ejemplo del sincretismo, ya
que en ella se da la fusión de dos estilos de arte muy importantes: el español y el peruano.
Aquí interviene el indígena, tomando elementos de la cultura española e incorporándole a
éstos su propio estilo. Por otro lado, el material que más se destaca en la arquitectura de
Arequipa fue la piedra blanca volcánica, que ofrece la posibilidad de ser tallada fácilmente.

(otro): Se desarrollo entre el S.XVI y el primer cuarto del S.XIX apróx. Se trata de una época
marcada por la llegada de Europa a América y de la implementación de ideologías, modos
de vida, formas económicas, políticas y religiosas que habían alcanzado su auge en el viejo
continente.
Desde el punto de vista político, la llegada del mundo europeo se produce en el momento
que España estaba bajo un régimen monárquico absolutista por lo que intentó extender
este tipo de administración en sus colonias.
Para controlar los nuevos territorios los españoles establecieron Virreinatos. El primero fue
creado en 1535 con el nombre de Nueva España y la ciudad de México como su capital. El
segundo fue el Virreinato de Perú, establecido en 1544 con sede en Lima, abarcando todas
las posesiones de América del Sur. En 1776, lo que hoy es Argentina, Bolivia, Paraguay y
Uruguay formaron el Virreinato del Río de la Plata.
Todos estos a su vez, para facilitar su administración civil y militar fueron divididos en
distritos militares: en capitanías generales y audiencias.
El Virrey era la autoridad suprema que representaba a la corona y todos los asuntos civiles y
militares eran de su competencia.
El poder espiritual en las colonias estaba representado por la Iglesia Católica, la cuál impuso
la fe católica a todos los indígenas que habitaban el territorio americano. Para esto
establecieron órdenes religiosas como la de los jesuitas. Paralelamente el cristianismo se
fusionó con las distintas creencias de los indígenas, incorporando elementos de la mitología
y cosmovisión indígena.
El sistema económico en estas colonias estaba basado en el monopolio comercial en el cuál
España se imponía como única potencia europea con la que se debía comerciar. Como la
principal vía de comunicación con las colonias era la marítima, España habilitó el puerto de
Sevilla, puerto El Callao, entre otros; donde la mercancía era acompañada por una fuerte
custodia armamentista para protegerla de la piratería. También se desarrolló el conocido
sistema de flotas y galeones. Estos puertos se establecían cerca de las zonas mineras, ya
que la principal mercancía que se transportaba eran metales preciosos, como oro y plata.

En cuanto a la PINTURA COLONIAL, los pintores locales se formaron con copias de las
obras de los maestros europeos. Los modelos fueron italianos y flamencos. El escorzo y la
perspectiva eran generalmente arbitrarios y la alusión de tridimencionalidad se alcanzaba
con la superposición de escenas.
El pintor americano hacia representaciones de la Virgen, en especial a la Inmaculada y la
representación de la Virgen y el Niño.

Arquitectura:
Arquitectura colonial de México y Perú.
A comienzos del siglo XVI puede decirse que ha terminado la conquista de América en su
mayor parte. Sobre ruinas de grandes Imperios precolombinos, como México y Perú, se
prepararon los nuevos cimientos de la civilización hispanoamericana.
Es arte en Latinoamérica va a ser fundamentalmente religioso, marcado por el poder de las
principales ordenes religiosas llegadas del viejo continente. España impone su arquitectura
en América, a través de conventos (franciscanos, agustinos, dominicanos), templos (capillas
abiertas, templos de fortalezas), catedrales, casas o palacios de los gobernantes y obras
piadosas (hospitales), la iglesia, edificada junto a la plaza central de las poblaciones, se
erige en un unto de referencias del espacio urbano. Pese a la uniformidad que las órdenes
religiosas, muy centralizadas, van a intentar adoptar las nuevas formas artísticas, las cuales
van impregnándose de varias étnicas y geográficas.
La coincidencia histórica entre el nacimiento de la nueva civilización hispanoamericana,
sobre las ruinas de los pueblos indígenas americanos, y la sustitución del arte en las
penínsulas Ibérica, es un hecho fundamental de cara la desarrollo de las nuevas formas
artísticas en el marco histórico de fines del siglo XVI. El gótico va dejando paso a la llegada
del Plateresco y posterior purismo Renacentista. Los ejemplos de traza gótica que
encontramos en Latinoamérica, son por ello escasos y muy directamente emparentados con
el primer Renacimiento del siglo XVI.
Podría decirse que el Barroco adquirió mayor significado en América que en la propia
península Ibérica. El Barroco en América es esencialmente decorativo. Se aplica un
lenguaje ornamental a esquemas constructivos y estructurales inalterados desde los
comienzos de la arquitectura hispanoamericana; la cual conservó las pautas marcadas por
la península Ibérica pero con algunas peculiaridades. Una de ellas es su extraordinaria
diversidad, condicionada por el propio medio físico, la gran variedad de materiales
existentes en cada área geográfica y la presencia de un pasado precolombino. Entre los
condicionantes físicos, la frecuencia de terremotos en algunas zonas como Guatemala o
Perú determinó ciertos patrones estéticos, al mismo tiempo que conducía al desarrollo de
técnicas constructivas especialmente resistentes a los movimientos sísmicos, como la
quincha (entramado de cañas atadas con pieles o cueros aglutinados con barro). Los dos
grandes focos, donde con más intensidad iba a encontrar eco el nuevo estilo, son el
virreinato de Nueva España (especialmente en el territorio actual de México y Guatemala) y
las ciudades peruanas de Cuzco y Lima.

Se concibe como símbolo de la conquista española, predominan el estilo barroco y los

elementos mudéjares. Se distingue por su marcada regionalidad, es decir, representa la
imposición de una civilización basada en una creencia muy religiosa: el catolicismo.

-México: en una primera fase (S.XVI) tuvo construcciones defensivas, los “templos
fortalezas”. Este sistema constaba de una Iglesia prendida de un enorme atrio, una capilla
abierta y un convento. Todo estaba almenado y en algunos casos tenia una garita. La
arquitectura mexicana fue concebida como verdaderas fortalezas.
Con el tiempo, en el S.XVIII la ciudad de México alcanzó el mayor lujo, tal es así que fue
llamada “Ciudad de los palacios”.
En la arquitectura de esta zona, podemos observar en la mayoría de las construcciones una
combinación de distintos estilos, ya que al tardar tantos años en construirlas, se iban
incorporando estilos actuales.
A principios del S.XVII se da el Barroco sobrio, el cual no posee elementos de un barroco
desarrollado, y se desarrollo con mayor exuberancia hacia el S.XVIII. Las catedrales solían
estar rodeadas por plazas, con la finalidad de resaltar la majestuosidad del espacio de
encuentros civiles y religiosos. En México la arquitectura es monumental, con presencia de
columnas estípites, torres acampanadas de influencia árabe, entrantes y salientes en las
fachadas, policromía y una decoración muy exuberante.
(Otro): En México, los templos de las órdenes religiosas (franciscanos y agustinos
principalmente) anteriores a 1570 son de trazas góticas. El tipo de construcción es el de
iglesia fortificada (con algunos procedentes hispanos), de una nave, cabecera poligonal,
bóvedas de crucería o de cañón en templos agustinos y un tratamiento exterior de gran
sobriedad, muros desnudos y remates almenados. Junto a estos elementos, la voluntad de
evangelización derivará en la construcción de atrios en los se encuentra la capilla abierta y
las capillas de posas: La primera está próxima a la fachada de la Iglesia o convento, y
alunas veces, esta se halla elevada para que la población pudiera concurrir. Las capillas
posas tenían como objetivo la enseñanza del catecismo.
Las catedrales son de planta de salón, los edificios poseen espadañas, estípites, arcos
mixtilíneos, la torre tiene mayor altura, se utilizan piedras volcánicas para la construcción
(tesón, chiluca) y hornacinas.
Uno de los rasgos característicos del Barroco mexicano es el manejo privilegiado de
materiales, como la piedra de distintos colores y el yeso para crea ricas policromías tanto el
interior de los templos como en las fachadas.
Por otra parte, van adquirir principal desarrollo, elementos como la cúpula, presente en casi
todos los tiempos, elevada sobre un tambor generalmente octogonal y recubierta con gran
riqueza ornamental. Y las torres, que alcanzarán esbeltas y osadas, allí donde los temblores
de la tierra lo permitían.
Las principales características arquitectónicas son: la planta salón o jesuítica, fachada de
hornacinas, balcones de cajón o celosías, baquetón, volutas, cúpulas renacentistas,
marcada exuberancia, n hay columnas estípites.

-Perú: el arte proveniente de España presentó ciertas particularidades según tres regiones:
* LIMA, que fue concebida como la nueva capital del virreinato del Perú, es netamente
española, son rostros de la cultura aborigen. Ciudad creada por los españoles, trazada en
damero a partir de una plaza central donde se ubica la catedral y la gobernación. Una de las
características es la influencia árabe y oriental, reflejada en los balcones de cajón y
de madera. Preciosas. La exuberancia barroca se plasma lujuriosamente en las fachadas.
Los edificios no son monumentos como en México, ya que presentan torres bajas y son mas
horizontales por los sismos.
En Lima, las construcciones tenían mucha influencia española (de la nobleza), debido a
modo de vida opulenta del virreinato, por la cercanía de Potosí.

Palacio de Torre de Tagle

Su facha esta casa fue construida en 1535 sobre un santuario que existió antes de la época
colonial. Desde dicha fecha que coincide con aquellas de la fundación de la ciudad ha sido
habitada por descendientes del primer propietario. Se trata de la mansión más antigua de la
cuidad y se encuentra frente al palacio de gobierno, en una calle lateral. Sus salones
espaciosos y lujosos y su patio interior, posee todas las características de las más
importantes mansiones del centro histórico de Lima de la época virreinal.
En el techo de la escalera del palacio de Torre de Tegle se aprecia el escudo de Márquez,
compuesto por tres cuarteles en los que se distingue a un caballero, una serpiente y una
doncella que simbolizan el lema: “Tagle se llamó el que la serpiente mato y con la infanta
casó”.
La fachada del palacio es una mezcla de armoniosa y serena del Barroco andaluz,
elementos moriscos, criollos y asiáticos. Sus balcones fueron tallados en fina madera, son
dos y de tamaño diferente; ambos asimétricos, asimetría que les da agilidad y armonía. Las
ventanas de la parte baja de la casa son sencillas y con rejas de hierro forjado, aspecto que
contrasta con el esmerado y variado trabajo de los balcones.
Antes de cruzar el umbral de la portada, toda labrada en piedra se observa en la parte
superior, el escudo nobiliario de sus sueños, que nos da la bienvenida. La hermosa puerta
de rica madera que se abre generosamente de par en par a la curiosidad del visitante, esta
adornada con dos aldabones de tamaño regular. Al ingresar el visitante se topa con dos
escalones de la entrada principal, los cuales hacen notar que el nivel del piso del palacio es
más bajo que el de la calle.
Ya en el amplio zaguán, a la derecha e izquierda se aprecian pequeños escalones que
utilizan las damas para subir a sus cabalgaduras. En las plataformas que los coronan se
puede notar que las piezas de piedra están unidas por verdaderas “estrellas de cobre”.

Palacio de Torre de Tagle

* En CUZCO (antiguo capital del Imperio Incaico) se vincula una dualidad muy clara, por sus
típicas construcciones en las cuales, las bases de edificios indígenas o incaicas, y sobre
estas se levantaban construcciones españolas. Esto reproduce porque los españoles no
pueden demoler las fuertes estructuras incaicas, por lo tanto se respeta el trazado de las
ciudades, sus calles y construcciones.
En Cuzco (sede de la antigua capital del Imperio Inca), la arquitectura se caracteriza por una
mezcla de lo indígena y lo español, aquí se distingue la mampostería y la teja morisca.

* AREQUIPA se la conoce como la ciudad blanca porque sus construcciones están hechas
de piedra volcánica de color blanco, la cual era más porosa y más fácil de trabajar.
La arquitectura en el S.XVI es rústica, simple y casi sin decoración. El tema principal es el
convento. Ya en el S.XVII y XVIII se comienza a implementar una decoración mas
desarrollada.
Fusión de lo indígena y lo español.
la arquitectura es principalmente mestiza y los materiales para la construcción se extraen de
los volcanes. Aquí se observa una fuerte influencia de la mano indígena transmitida en la
decoración.

(Otro): En Perú, se desarrolla el trazado incaico (radial). Se destruyen las construcciones

indígenas y se dejan los cimientos sobres los cuales se realizan edificios europeos. El
Barroco aquí, presenta diferencias entre la zona literal y andina, según que peculiaridades
del clima y materiales; el adobe y los materiales ligeros corresponden a la costa, donde se
utilizan estructuras de ladrillo, con bóvedas y cúpulas de quincha (entramados de caña y
barro); la piedra, por el contrario, será el material básico en las zonas de sierras. El Barroco
peruano es, pese a estas diferencias, fundamentalmente decorativo.
Los tres grandes centros de esplendor en Perú serán: Lima, Cuzco y Arequipa.

Pintura colonial

Los pintores locales se formaron con copias de las obras de los maestros europeos. Los
modelos fueron italianos y flamencos. La técnica de la pintura al óleo como se practicaba en
Europa en el S.XVI era completamente nueva para los indo americanos.
En México, lo más representativo de la pintura colonial de los comienzos son los frescos de
los conventos. Con la llegada de calidad. El pintor que trabajaba en las colonias no disponía
de los refinados pigmentos, como en la época precolombina.
Las telas formaban parte del monopolio real y había que pagar derechos aduaneros muy
elevados para importarlas. Usando materias primas locales y telares rudimentarios se
fabricaron telas que tienen la particularidad de ostentar una trama áspera y desigual.
El escorzo y la perspectiva eran arbitrarios y la ilusión de tri dimensionalidad se alcanza
mediante la superposición de escenas. En cuanto a la temática religiosa tradicional, el pintor
americano prefirió las representaciones de la Virgen, en especial la Inmaculada y la Virgen y
el Niño.
Descartó las escenas del Antiguo Testamento e incorporo la versión americana de los
arcángeles.
En el S.XVIII los cuadros comenzaron a sustituir a las esculturas en muchos retablos y se
erigieron además altares laterales, lo cual demando una mayor cantidad de pinturas.
En el S.XVIII se hace mas frecuente la moda del retrato en la aristocracia laica y
eclesiástica.

Escultura colonial

Muy tempranamente fueron llegando a las ciudades coloniales retableros y artesanos

españoles que fueron formando a mestizos e indígenas.
La riqueza del Virreinato de Nueva España permitió que se importaran obras de grandes
maestros sevillanos.
También Lima importaba cuadros y esculturas de maestros flamencos, italianos y
españoles.
Con en el caso de la pintura, los dibujos y grabados que circulan, enseñaban a los artistas
locales los modelos a seguir.
El material empleado por excelencia que la medirá. Se tallaba la figura o forma en la madera
y unas ves terminada se la recubría con yeso. Luego se le aplicaba un enduído, cera de
color llamada “encarnación”, que le daba a las carnes la apariencia de lo viviente (mate o
brillante).
Las ropas de los personajes estaban pintadas sobre un fondo de oro o plata, llamado
“estofato”.
A comienzos del S.XVII se hacen menos frecuentes los viajes de los artistas, y cobran
fuerza centros de los que nacen las escuelas locales, como la cuzqueña de pintura y la
quiteña de escultura.
En el monasterio de los franciscanos de Quito, floreció la escuela más importante de
escultura y pintura. A pesar que la mayoría fueron indios o mestizos, no hay rostros de ese
trasfondo indígena en sus obras.
Una de las pocas imagines realmente americanos proviene del Perú, en la Virgen
Copacabana. En los últimos años del S.XVI se hace tan famosa que nace una gran
demanda de este tipo de imágenes.
La mayor parte de las pinturas y esculturas de Paraguay, Chile y el Río de la Plata,
provienen de talleres de las reducciones jesuiticas.
Las misiones cumplieron un papel importantísimo al familiarizar al indígena con la pintura, la
escultura, las técnicas de construcción y la ornamentación de edificios.
La culminación de la escultura americana esta con Lisboa, con el que culmina el estilo
arquitectónico minero.

El arte colonial estuvo lejos de ser un mero transplante de estilos españoles en un mundo
nuevo, sino que nació de la fusión de civilizaciones diametralmente opuestas.

En un principio, los frailes llegaron en épocas tempranas para cristianizar y civilizar a los
motivos. Las franciscanos llegaron antes de 1500 y los dominicos en 1510. Luego los
mercedarios, agustinos, jesuitas y carmelitas.
Los primeros edificios fueron modestos y temporarios. Se bautizaba en masa, en altares
improvisados. Pero en un lapso corto se levantaron numerosos edificios en ambos
Virreinatos.
Desde los comienzos de la conquista y fundamentalmente durante el S.XVII, LA Iglesia
acumuló una enorme cantidad de riquezas, por medio de encomiendas, un importe cedido
por el Estado, de naciones, etc.
En 1535 la Corona decretó que las tierras de Nueva España podían otorgarse a
conquistadores y colonos, solo bajo la condición de que no fueran enajenadas a un
eclesiástico, una Iglesia o Convento.
La ciudad colonial española podía resultar del crecimiento de una primitiva misión indígena o
de un establecimiento minero.
El fundador de la ciudad elegía el lugar, él señalaba la playa mayor, la Iglesia y la
municipalidad, diseñaba la red de calles, distribuía los lotes y le daba un nombre. Las
ciudades hispanoamericanas siguieron un modelo clásico: el reticulado. La legislación real
fijaba la extensión y forma de la plaza mayor, ancho y disposición de las calles, la ubicación
de los lugares públicos y la distribución en manzanas rectangulares ordenadas en domino.
Estas reglamentaciones unificaron en general la disposición básica de los poblados
coloniales, mas allá de las diferencias entre unos y otros por la existencia o carencia de
riquezas en la región.
Los españoles desarrollaron un sector minero para sostener la economía de España y la
posición de esta en Europa.
Este sistema constó de:
1) centros mineros en México y Perú.
2) regiones agrícolas y ganaderas periféricas a los centros mineros que les proporcionaban
víveres y materias primas.
3) un sistema comercial hecho para encauzar el oro y la plata a España.

Las instrucciones reales especificaron que no se podía fundar una ciudad sin que residiera
en ella un sacerdote admitido por el Consejo de Indias y que el primer edificio debía ser una
Iglesia.
Las primeras fueron hechas de madera y adobe.
En un primer momento la finalidad del arquitecto no fue la ejecución artística de los edificios
sino en lograr construcciones sólidas, capaces de albergar un número creciente de
religiosos y de facilitar las conversiones en masa de los indígenas.

La arquitectura hispanoamericana deriva directamente de la peninsular, adoptando sus

formas y estilos casi siempre con retraso y sin un orden cronológico, y esas formas y estilos
también sufrieron un proceso de adaptación al medio ambiente que les confirió una
fisonomía particular.
El primer florecimiento en España del Renacimiento llevo el nombre “Plateresco”; el primer
monumento plateresco americano es la Catedral de Santo Domingo, fundada en 1523.
Pero México atrajo desde un primer momento a conquistadores y a las primeras órdenes
evangelizadoras. Éstas últimas se aventuraron en zonas peligrosas próximas a tribus
belicosas y había que encontrar la forma de evangelizar a las masas indígenas sin emplear
a demasiados religiosos y alojar a la administración eclesiástica.
Se organizaron así espacios netamente americanos: “los templos fortalezas” y las
“capillas de indios”. Ej.: Acolman y Actopan.
El oficiante quedaba bajo techo, mientras la masa al aire libre.
Un elemento característico de los primitivos monasterios, son las “posas” capillas
cuadradas, eran utilizadas para depositar el Santísimo Sacramento o la imagen de la Virgen
durante las procesiones.
De las órdenes que constituyeron conventos en México (franciscanos, dominicos y agustino)
los últimos fueron quienes levantaron lo más monumentales y más profusamente decorados.
El S.XVI es el siglo de las grandes catedrales americanadas.
El prototipo adoptado para la catedral colonial fue una planta rectangular, con dos torres y
cúpula sobre el crucero.
Estas catedrales sufrieron grandes transformaciones, ejemplo de esto es la Catedral de
México, cuyos trabajos demandaron 250 años (1563 -1813) y sus formas pasaron por todas
las etapas desde el Renacimiento al Neoclasicismo.
Constaba de tres naves longitudinales, mas dos naves de profundas capillas, con nueve
naves transversales mas el crucero con cúpula. Para dar luz, la nave central fue elevada
sobre los laterales y éstas sobre las capillas.
Erigida sobre un templo azteca, y su interior barroco. El labrar las fachadas lo hicieron de
acuerdo con el espíritu barroco que ya imperaba; y en la segunda mitad del S.XVIII se le
anexó el Sagrario al estilo Churrigueresco mexicano.

Becena proyectó la catedral de Lima y Cuzco.

En Lima la primera catedral fue terminada en 1551, pero a causa de los sismos, quedaron
restos.
La Catedral de Cuzco comenzó a construirse en 1560 y fue terminada en 1654. El siglo que
demoró su construcción determinó que el cuerpo central y las torres fueron renacentistas y
la fachada principal barroca.
No todos los edificios que se levantaron en América fueron para avalar a Dios o gobernar las
tierras de la Corona. Entonces Felipe II hizo construir fuertes y ciudadelas para seguridad de
sus colonias y protección del tráfico comercial. Una de las fortificaciones mas antigua es el
Fuerte de Morro en Cuba. Eran construcciones netamente militares, con anchas murallas,
torres circulares para centinelas, puentes levadizos y corredores simultáneos.

Ciudades Mineras
La enorme riqueza americana de metales preciosos permitió a modestos pueblos mineros
levantar templos espectaculares, ya que no todo lo que se extraía de las minas se
embarcaba a España. Una parte quedaba en manos de las clases dominantes y se
destinaba a la construcción de palacios y templos, a la compra de joyas y muebles.
Hubo tres grandes centros: S.XVI: en el Perú; comienzos del S.XVIII en Nueva España y
fines del S.XVIII en Brasil.

Catedral de Mexico
Es una síntesis del arte de la Nueva España, de la tradición catedralicia medieval y de las
devociones coloniales. Inspirada en los templos españoles de Valladolid, Málaga y Jean,
aunque demuestra ya algunos de los rasgos propios como la altura desigual de sus tres
naves.
La Catedral es centro símbolos y cósmica en torno al que se desarrollo la vida cotidiana de
la urbe mexicana.
El proyecto catedralicio transitó por doscientos años, por ello va a pasar por varios estilos.
Su traza es renacentista pero luego va a pasar por el Barroco hasta llegar, inclusive, a
algunos elementos del siglo XIX. El prototipo de planta es la de salón, con torres (como la de
Jean). De tres naves con igual altura, con cúpula y crucero, se puede decir que la entrada es
renacentista. Con la excepción de la sacristía y de la cabecera que tienen bóvedas de
nervadura, el resto tiene bóvedas de cañón corrido y vaídas. Las torres se caracterizan por
su composición horizontal, con acentuadas líneas de impostas balaustradas dividiendo los
tres cuerpos de altura, en los que se observa una cierta profundidad de elementos clásicos.
En el siglo XVI, comienza un programa de catedrales, al cual se le suceden los siguientes
estilos. Es por ello que podemos decir que la catedral de México en cuanto a su parte
barroca, posterior al siglo XVII, denota una fachada que se vuelve con todas las curvas,
frontones curvos, perillones para dar altura, entrantes y salientes para dar luz y sombras,
torres muy bajas con espacios abiertos. Las torres tienen una particularidad interesante:
termina en forma de pagoda, esto es una influencia oriental china. Se puede decir, que
México, a través del puerto de Acapulco, comerciaba con China y Filipinas, razón de dicha
influencia.
Resumiendo, la catedral tiene planta rectangular con tres naves, la central más ancha que
las laterales, al igual que el crucero, capillas a ambos lados y capilla mayor poligonal
sobresaliente. La cubierta de la nave mayor se realiza mediante bóveda de cañón con
luneta, mientras que las laterales son vaídas. La separación de las naves se realizan por
pilares.
Junto a la catedral, podemos destacar la Iglesia del Sagrario –siglo XVIII- de Lorenzo
Rodríguez; ya que es más común en América, presentar la gran catedral y a su lado
pequeñas iglesias o pequeños conventos. Estas se colocan también para resaltar la
jerarquía del edificio principal.
La planta de la catedral fue concebida por el arquitecto Claudio de Arciniega, y la elevación
por Juan Miguel de Agüeron.

Catedral de México
Iglesia de Pocitos
Iglesia barroca consagrada a la Virgen situada junto a la basílica de Guadalupe en México
Distrito Federal. Toma el nombre de un pozo a cuyas aguas se le atribuían propiedades
milagrosas.
Construida por iniciativa de don Calixto Gónzalez Abencerraje, las trazas son del arquitecto
Francisco Guerrero y Torres. Las obras comenzaron al 1 de junio de 1777 y concluyeron 14
años después, en 1791.
La composición del edificio parece estar inspirada en modelos de la antigüedad clásica. La
planta, dividida en tres cuerpos, se aparta de los modelos tradicionales. El del centro, de
forma oval, está cubierto por una cúpula decorada con azulejos de inspiración chinesca.
Yuxtapuesto a él se encuentran otros dos volúmenes: uno de planta circular, cubierto
también por una cúpula decorada, y otro de planta ortogonal que hace las veces de
sacristía. Uno de los elementos característicos de este templo, además de las cubiertas, son
las claraboya situada sobre la puerta principal se puede contemplar una imagen de la
Virgen.

La iglesia de la Compañía de Jesús

Su arquitecto fue Francisco Bacerra que llego a México en 1573 con el virrey Martín
Enrique de Almanza, este luego fue trasladado en Lima en 1581, llevándose al mencionado
arquitecto que fue el constructor más importante en la arquitectura colonial peruana. Una de
sus obras más importantes es la mencionada Iglesia de la Compañía de Jesús.
Esta gran obra se empezó a edificar en el año 1651 sobre la base de la anterior iglesia
destruida por un terremoto un año antes. En la plaza de armas.
La iglesia es de una planta, de una sola nave con bóvedas de de crucería y cúpulas con
capillas laterales, llamadas también “capillas satélites”, llamados la “de los indios” (llamada
más tarde la de Loreto)y en el otro lado la “penitenciaria” ya que al ser más chica servían
para destacar aun más la magnitud de la obra principal. Siguiendo el esquema tradicional de
los jesuitas.
Su fachada es la obra más representativa del Barroco a mediados del siglo XVII.
La zona de Cuzco sufre temblores constantes, por ende era favorable que las
construcciones no sean de gran altura y preferentemente de una forma cuadrangular. Pero
la Iglesia de la Compañía de Jesús rompió este esquema al elevarse el doble con relación a
su ancho. Por esto el cabildo eclesiástico se oponía a su construcción, pero los jesuitas
apuraron su construcción mientras se dirimía esta cuestión en Madrid, a tal punto que ya
hubiera sido alevoso distribuirla.
Aunque debieron aceptar algunas reformas y por eso solo se construyó una sola nave con
una sola portada, ya que el proyecto original eran tres.
Si se observa atentamente la fachada, se puedes apreciar que las torres se unen mediante
una cornisa que se curva sobre la calle central que forma una especie de hornacina
albergando la fachada-retablo.
La fachada se encuentra dividida en tres partes, en el interior hay un frontón griego curvo,
en la del medio hornacinas y en la parte superior hay pináculos y frontones quebrados.
En cuanto a las características propias de la arquitectura peruana en esa construcción,
estas se pueden notar en los campanarios que tienen claraboyas elípticas en cuanto a uno
de los frentes y la cupulilla sobre el tambor original.

Iglesia de la compañía de Jesús

COLONIAL ARGENTINO

El período colonial argentino tiene como epicentro el NOA, Córdoba y centro del país,
Litoral y BsAs, donde se encontraban las principales industrias coloniales. La Argentina de
este período se constituyó como una región periférica de una economía secundaria, por lo
que la conquista no tuvo el mismo peso que en México y Perú.

Existieron tres líneas de colonización argentina:

- por el Río de la Plata en 1536, vienen directamente de Europa, fracasa en BsAs y se
traslada al Norte fundando Asunción.
- por el Alto Perú, fundando Salta, Tucumán, La Rioja, etc.
- por el oeste, provenientes de Chile, fundan Mendoza, San Juan y Santiago del Estero.
Tienen un sistema de monopolio, la economía se diferenciaba por regiones.
En BsAs se produce: cuero, ganado, grasa, sebo, aceite, olivas; En Córdoba: ganadería; y
en el NOA se producía: tejidos, azúcar y madera.
La evangelización estuvo marcada por la presencia de los jesuitas, especialmente en la
ciudad de Córdoba, quienes establecieron los primeros centros educativos.
El Virreinato del Río de la Plata, creado en 1776, con sede en Bs.As fue fundado como
consecuencia del avance portugués sobre el Río de la Plata, la gran actividad de
contrabando y los intentos de invasiones inglesas.
En la Argentina colonial se produce un mestizaje. España trata de homogenizar la sociedad
mediante la religión, arquitectura y la lengua.

Arquitectura Colonia Argentina

El comienzo de la conquista en Argentina, se da por tres vías de penetración: el Río de la

Plata, los Quebrados Norteños y los Pasos de la Cordillera. Por estos caminos llegaron las
diferentes corrientes de influencia y, por ende, surgieron las poblaciones. Aquí quedan
delimitadas cinco regiones: el noroeste; el centro; la zona Cuyo- Cordillerana; la región
Misionera- Litoral y el Plata- Pampa Húmeda.
Más allá de las diferencias geográficas, es evidente el sentido de unidad logrado por la
simplicidad de las formas y volúmenes. La arquitectura argentina fue clara, de fácil lectura y
esencialmente humana, expresada con dignidad que emana del buen uso de lo que la
naturaleza y la precaria economía pusieron a su alcance.
En la zona del noroeste, lo que abarca las provincias de Salta, Jujuy, Santiago del Estero;
Catamarca y Tucumán, los primeros asentamientos se realizaron en el siglo XV,
provenientes de Perú, penetrando por los valles y quebradas. En esta región, se da una
arquitectura natural, en la que se utilizaban materiales de la región para la construcción:
carbón para la techumbre, cal para pintar los exteriores, paja, adobe. Recibía la influencia de
la Escuela Cuzqueña. A su vez, las edificaciones poseen exteriores sobrios, con formas
arquitectónicas geométricas: plantas cuadrangulares, techos a dos aguas.
El vínculo dado por la fe explica el carácter religioso de las construcciones de NOA.
Los pueblos de encomiendas constituían conjuntos aislados, vivían precariamente gracias a
su rudimentario sistema de subsistencia.
En cuanto a los elementos constructivos, de la arquitectura civil se destacan dos
expresiones: el pueblo de encomienda de crecimiento espontáneo, en torno a la capilla, y la
ascienda del encomendero.
De acuerdo a las influencias se puede decir que fue, principalmente de los omaguacas,
debido a que era una ruta inevitable hacia Potosí. Además, las construcciones urbanas eran
realizadas según las Leyes de Indias.
Por otro lado, la arquitectura civil, como religiosa, repitieron las topologías del periodo de la
colonia. Las iglesias, eran necesarias para los españoles y para adoctrinar a los aborígenes
y eran utilizadas por los religiosos y pobladores. Los Pueblos encomenderos, se fundaron
para que vivieran aquellos que explotaban la minería de la región. Tenían crecimiento
espontáneo en torno a la capilla.
La fundación de la región de Córdoba se dio ya que fue el paso obligado de los caminos
hacia el Alto Perú. Se instauró allí la aduana seca, barrera impuesta desde Lima para trabar
el comercio ilegal entre el interior y el litoral.
Aquí se agregó otra clase importante, que se encontraba a la altura de los encomenderos y
hacendados, estos son los jesuitas. Éstos consideraban a la provincia de Córdoba como la
zona más apropiada para asentar su base de operaciones, que comenzó en 1589. En el
mismo año se efectuó el establecimiento; el Cabildo Secular decidió concederles una
manzana de tierra a un comienzo de monjes, y con ella uno emita. Construyeron edificios
religiosos y educacionales.
En las construcciones se mezclan arquitectos: italianos, alemanes, obreros españoles e
indígenas. Esto influye en la independencia de las formas. También se perciben influencias
mudéjares, manieristas y trazados de origen musulmán.
Las estancias Jesuíticas tenían un fin lucrativo, educacional (a partir de un programa) y
evangelizador. Además poseían estancias en las cuales se albergaban los religiosos,
trabajan los indios y, se albergaban y educaban los estudiantes pupilos.
La zona de Cuyo abarca las provincias de Mendoza, San Juan y San Luis. Esta región era el
nexo entre el Río de la Plata y la Capitanía General de Chile. Es aquí donde se visualizan
las influencias Incas, del Río de la Plata, Chile y España.
Con respecto a la arquitectura, se puede decir que, las construcciones se caracterizan por
adaptarse a los materiales que el medio ofrece. Los elementos utilizados son: adobe, barro,
algarrobo, sauce, peral, álamo, tapia, quincha y raramente tejas. En las construcciones
privadas se destacan los techos de barro de las casas, con una especie de pico levantado.
La arquitectura es de uso popular, religioso y privado. Los fuertes tenían la función de
contener a los indígenas; la iglesia de evangelizar; la Casa de Indios albergaba aborígenes;
la huerta proveía alimentos a la población; y el edificio conventual y el colegio se
encargaban de evangelizar y educar a los aborígenes. Además, es dable aclarar que la
mayoría de los templos poseían tres naves con crucero y cúpula, además de las espadañas
poco decorados.

La zona del litoral abarca las provincias de Bs. As., Entre Ríos, Corrientes y Santa Fe. Fue
la región más atravesada y menos poblada durante el período colonial.
El elemento constructivo utilizado en la arquitectura fue, en un principio, la madera. Luego
se incorpora la piedra, en reemplazo del adobe. La fachada principal de los edificios era un
modesto porche formado por los aleros que avanzaban sobre altas columnas de madera.
Con la llegada de arquitectos, se reemplazan los edificios por unos nuevos construidos
totalmente en piedra y abovedados. Sin embargo, todos quedaron inconclusos debido a la
expulsión de las misiones, las cuales tenían como función, evangelizar a los aborígenes de
los mamelucos. Se perdió la originalidad que brindaban las decoraciones indígenas.
Los edificios se distribuían alrededor de una gran plaza, en frente de ésta se ubica la iglesia,
la cual era de tres naves con techos de madera y muchas ventanas. Además poseían
numerosos altares muy trabajados. Al lado de la gran plaza se sitúa el colegio o residencia,
y del otro lado el cementerio. Los otros tres lados de este espacio de encuentro estaban
ocupados por las casas de los indios, colocadas en hileras paralelas.
Cerca de la plaza solía estar la casa para viudas y doncellas sin familia, y el Cabildo.
Se ven influencias hispanas y del mudejarismo. Asimismo, ciertas características fueron
dadas por los indios que trabajaban en las misiones (influencia americana).
En Buenos Aires, la sociedad estaba integrada por españoles, criollos, indios y negros.
En las construcciones arquitectónicas se utilizó, en un principio, el adobe y la paja. Luego se
introdujo el ladrillo y la teja. Las viviendas ocupaban grandes espacios, ya que las
habitaciones se sucedían, poseían más de un patio y tenían una huerta en la zona trasera.
Eran todas de un piso, con techos de paja y luego tejas o azoteas. Los muros se hacían
encajonando arena entre dos tablas o ladrillos.
Las construcciones religiosas poseían naves colaterales de dos pisos, abovedados con
grandes cúpulas. Las familias adineradas poseían grandes casas y los templos religiosos
eran utilizados por toda la sociedad.
Por último, los solares aseguraban el espacio para el funcionamiento de las actividades
públicas. Además, los fortines se construirán a orillas del río o laguna para tener un fuerte
cubierto y agua para la tropa.
Se visualiza así, como la cuidad se trazó de la forma en que imponían las leyes de Indias.

(Otro): A la Argentina llegan las corrientes arquitectónicas de Cuzco y Arequipa. Los

materiales utilizados eran piedra, adobe, cardos para la techumbre y paja.
Se caracteriza por ser de fácil lectura, no utilizan elaborados recursos, la improvisación y el
buen uso de los materiales que la naturaleza y la economía brindaban.
Las obras están terminadas con un revoque llamado “balseado”, no tiene precisión
geométrica, poseen muros muy gruesos y una sola nave, tienen pocos aventamientos para
mantener la temperatura interior. Usaban bóvedas de cañón corrido porque eran los más
sencillos para la poca mano de obra. Los retablos reunían toda la decoración y
ornamentación exuberante que no se podía aplicar al edificio. Son retablos barrocos, bien
churriguerescos. Pueden determinarse cuatro zonas bien diferenciadas: Noroeste, Córdoba
y centro del país, Litoral y Bs.As.
- en la zona del Noroeste, caracterizadas por las influencias incaicas existentes en ellas, y
por la cercanía con el Virreinato del Alto Perú, se produjo una combinación entre la corriente
colonizadora y los asentamientos indígenas ya diagramados. Esto generó que la mayoría de
los pueblos se organizaran de acuerdo a las normas tradicionales de urbanización y que las
construcciones como Iglesias, cementerios, etc. Se organizaran de forma irregular. En este
sentido, la arquitectura religiosa tiene un carácter espontáneo y sencillo que utiliza
estructuras volumétricas (muros gruesos y bóvedas) para generar distintos efectos de luz y
sombra, compensando la falta de decoración exterior. Las Iglesias son de planta alargada y
altar final con formas geométricas simples y muros exteriores carentes de ornamentación,
en las que la decoración se concentra principalmente en los retablos. Ej. Iglesia de
Casabindo.
Por otro lado, en los principales centros urbanos de la zona de Jujuy, Salta y Tucumán, la
arquitectura civil al igual que la religiosa tomaron mayor rigor y vitalidad, producto de la
mayor disponibilidad de recursos técnicos y materiales.
-en la zona de Córdoba y centro del país, la arquitectura colonial Argentina alcanzó su
mayor desarrollo y esplendor, ya que la misma se constituyó como eje del desarrollo
comercial (el Noroeste, Cuyo y el Litoral argentino), sumando la numerosa población estable
existente y la disponibilidad de materiales de construcción como cal, ladrillos y piedras.
Entre los principales gestores del desarrollo arquitectónico figura la Orden de la Compañía
de Jesús, la cual a partir de su plan evangelizador, establecieron en Córdoba un Noviciado
destinado a preparar a sus misioneros. Para esto, construyeron en esa ciudad un sin
número de edificios con fines residenciales, educativos y religiosos, y levantaron en las
afueras de ésta un conjunto de estancias (estancias jesuíticas) que buscaban satisfacer las
necesidades productivas y sostener económicamente las casas de estudio de la Orden. En
ellas se realizaban actividades económicas como la agricultura, la ganadería, la cría de
mulas, etc.
El centro organizativo fue la Iglesia y alrededor de ésta se organizaban los demás elementos
arquitectónicos: templo, comercio, la ranchería, talleres, depósitos, etc. En estas
edificaciones se utilizaba como sistema constructivo una combinación de piedra trabajada y
ladrillos revocados con argamasa. La ornamentación era bastante sobria, concentrándose
principalmente en las fachadas, en los coronamientos de las postales, en las espadañes y
en las torres. Ej. Estancia de Santa Catalina.
- en la zona del Litoral, la influencia de la capital paraguaya, Asunción y la amplia
disponibilidad de madera configuró la arquitectura. Las ciudades de Santa Fe y Corrientes
constituyen los principales lugares donde puede apreciarse el legado arquitectónico, gran
parte del cuál se debe a la incesante labor de los jesuitas.
En Santa Fe, las casas se caracterizan por sus amplios patios internos rodeados por
galerías. Éstas estaban volcadas hacia el interior, sus muros son de ladrillo o adobe y los
techos de madera y caña cubiertos por tejas. La tecnología del estanteo y el adobe se
complementaba con la Tapia de origen árabe que los españoles enseñaron a los indígenas.
En Corrientes, si bien la ciudad fue en damero, la particular conformación de las viviendas
hizo que las calles con frecuencia se apartaran de la ortogonalidad prescripta. Uno de los
elementos esenciales lo constituye la utilización de la madera, la conformación de
estructuras independientes de madera deja a los muros de adobe y ladrillo como elementos
de simple cerramiento: por un lado se encuentra “La Casa Galería” la cual contaba con
grandes ventanas y galerías externas que servían para proteger a los muros de las lluvias y
como espacios de reunión social; y por otro “La Casa Introvertida o Moderna”, la cuál poseía
una fachada cerrada al exterior y se abría había el patio interno.
En las provincias de Misiones y Corrientes, los jesuitas establecieron asentamientos
urbanos llamados REDUCCIONES, cuyo propósito era la conversión y evangelización de los
indígenas. Estas reducciones se organizaban bajo un sistema comunitario basado en la
explotación agrícola y poseían un conjunto de edificios, el cuál estaba integrado por el
templo, el colegio, el cementerio y los depósitos y talleres.

Estos edificios se distribuían siempre alrededor de una gran plaza, siendo la Iglesia la pieza
arquitectónica más importante, cuyos apoyos verticales y soportes de madera muy esbeltos
configuran un gran espacio interior semejante al de un galpón. Entre las Iglesias de las
reducciones, de las que mas se han conservado sus restos es la de San Ignacio Mini.

- Buenos Aires: no fue hasta principios del S.XVIII, y con la creación del Virreinato del Río de
la Plata, que Bs.As fue cobrando dinamismo y pujanza (fuerza) como centro económico y
comercial. De esta manera, la arquitectura sencilla de adobe, tapial y paja fue lentamente
desplazada a los largo del S.XVIII por una arquitectura mas desarrollada, como resultado de
la utilización de mejores materiales constructivos y del desempeño de varios arquitectos,
que además, del barroco dominante, incorporarían influencias del rococó portugués y
neoclásicas. El la segunda década del S.XVIII comenzó la construcción del nuevo fuerte y
de las iglesias de San Ignacio y del Pilar, en la década siguiente la de La Merced y el
Cabildo. Con edificación de gran envergadura, materiales sólidos de construcción y técnicos
capaces de llevar adelante esas obras fue combinando lentamente el paisaje urbano en un
conjunto en el cual las casas particulares, para no desentonar, fueron reemplazando el
adobe y los ladrillos y paja por las tejas. En las últimas décadas del S.VXIII, en la
arquitectura privada se hicieron notar los cambios, que incluyeron el reemplazo del techo
inclinado de tejas por el de la azotea tapada con un petril de mampostería.

Iglesia del Pilar

El terreno en que hoy se levanta la iglesia del Pilar, al lado del cementerio de la Recoleta,
fue entregado por Juan de Garay a Rodrigo Ortiz de Zárate. Años más tarde llegó a poder
del militar Fernando de Valdez Inclán y de su esposa Gregoria Herrera Hurtado, los cuales –
en cumplimiento de una promesa- donaron parte del terreno a los recoletos (orden
franciscana reformada) para hiciesen una iglesia y convento. La construcción fue autorizada
en junio de 1716 por el rey Felipe V.
Varios protectores se encargaron de financiar los trabajos, entre ellos el adinerado
comerciante Juan Narbona que aportó 20.000 pesos y fue designado administrador de
obras.
Hacia el año 1716 comenzó a edificarse el convento y poco después los cimientos de la
actual iglesia. Dirigió la construcción el arquitecto jesuita Andrés Blanqui, a quien también se
atribuye el trazado de los planos. El templo fue inaugurado el 12 de octubre de 1732 bajo la
advocación de la Virgen del Pilar, patrona de la ciudad de Zaragoza, cuna del comerciante
Narbona.
La iglesia consta de una sola nave con bóveda en cañón corrido y gruesos pilares interiores
sirven de marco a los altares laterales. Tiene ábside cuadrado y en el crucero una cúpula sin
tambor ni ventanas. La fachada es sobria y de acuerdo con las normas del clásico italiano
del siglo XVI.
Llama la atención el doble porche, debido a que en una primera época existió solo el interno,
peor se lo transformó en dos capillas y fue necesario construir el externo, de menor tamaño.
El estilo de Blanqui –que repiten otras obras- se aprecia en el frentón triangular que
descansa sobre pares de pilastras y los nichos u hornacinas. La torre tiene tres ventanales
que miran a la fachada y rematan a la parte superior con un capitel en forma de campana,
recubierto de azulejos. Del lado opuesto fue construida una espadaña de dos arcos que
lleva adosado un curioso reloj de gran esfera.
Al margen de su valor arquitectónico, la iglesia del Pilar tiene la importancia de ser una
especie de museo.
El altar mayor es una magnífica muestra del estilo barroco y ofrece un frontal de plata
maciza tallado en el Cuzco. El altar de las reliquias está construido en maderas muy finas y
contiene urnas, relicarios también valiosas imágenes de cera.
El templo guarda una escultura en madera de San Pedro Alcántara.

(Fuente: http://www.navego.com.ar/images/IMAGE18.jpg)

- Noroeste: “IGLESIA DE CASABINDO”: se destaca por su localización, tamaño y su

volumen blanco contra el marrón de las casas de adobe. Se encuentra limitada por las
calles. Posee un cementerio y dos atrios, rodeados por muros de fincas, con cuatro capillas
posas en sus esquinas y una capilla de difuntos en el centro.

La Iglesia de Casabindo
El poblado de Casabindo se levanta en una planicie llena de arenales que se recuesta
contra la falda de una sierra. La iglesia es el centro del caserío, al que domina, por su
localización y tamaño. Su volumen blanco se destaca contra el continuo marrón de las casas
de adobe. La iglesia sólo está limitada por calles al sur y al oeste. Al norte está el
cementerio, al oeste, los dos atrios, el primero pequeño e inmediato, el segundo casi una
plaza, prosecional; rodeado por una capilla de Difuntos en el centro. Entre ambos atrios, un
arco encalado sirve de puerta.
Es en el atrio procesional donde se realizan las fiestas en honor de la Virgen María, uno de
cuyos actos es famoso: la “corrida” de terneros donde los participantes se esfuerzan por
quitar del testuz del animal unas cintas rojas.
La actual iglesia que reemplaza a dos anteriores, se construyó a fines del siglo XVII y para la
realización de su bóveda de piedra debió traerse a alarifes de otras zonas. Quizá la bóveda
fue obra de Martín Patagua, “indio artífice”, traído de Río Negro.
El interior parece un “románico blanco” sobre cuyos muros encalados la ingenuidad indígena
ha pintado columnas de un mármol ansiado pero nunca obtenido. En el muro testero, el
retablo tallado también ha sido reemplazado por una pintura ingenua, la que por su
inocencia es hoy uno de los mejores ejemplos de arte popular del norte. Allí, entre columnas
salomónicas y guirnaldas barrocas se ubican las pinturas alto peruanas cuya factura es de
primera. No menos excelentes son los arcángeles arcabuceros que cuelgan, faltos de
marco, en los muros laterales.

(Fuente: http://www.argentinatotal.com.ar/info_turis/provincias/jujuy/fotos/ciudades/
casabin.jpg)

- Litoral: “IGLESIA DE LA COMPAÑÍA DE JESUS”. Principal constructivo es de la bóveda de

cañón conocido de madera. La fachada es de barroco sobrio (mano de obra no
especializada). Planta cruz latina, una sola nave, prebisterio poco profundo, muy
rectangular, con aspecto interior muy austero.

Córdoba:
CATEDRAL DE CÓRDOBA
El proceso de construcción fue largo y azaroso. El mismo comenzó en 1581, con la
colaboración de los vecinos que incluso debían aportan con un indio, peones y herramientas
necesarias.
A comienzos del siglo XVII comienza a construirse un nuevo templo, coexistiendo con el
anterior, probablemente precario y provisional, del cual no nos quedan restos. Para esta
nueva obra debían emplearse, como condición expresa, materiales como cal, ladrillo y
piedra. Con el pasar de los años, y sin que avanzaran los trabajos, la iglesia inconclusa
empezó a quedar pequeña para la ciudad.
Esta primera iglesia se derrumbó el 22 de Octubre de 1677. Esta contrariedad se produjo
debido a la carencia de profesionales entendidos en la materia. Fue a partir de este
momento que los jesuitas enviaron a los notables arquitectos Bianchi y Prímoli para resolver
el pórtico, la bóveda y la cúpula.
En 1699 se traslada la sede episcopal de Santiago del Estero a Córdoba, con lo que la
Iglesia Mayor asumía el rango de Catedral. Iniciado el templo de planta única con dos torres
que sobresalían de las líneas de las galerías, hacia ambos costados, los trabajos
comenzaron bajo la dirección del presbítero Gregorio Bazán de Pedraza, Andrés Jiménez
De Lorca y Pedro de Torres. Fue este último el autor de los planos, quien pensó en un
primer momento en ampliar el templo a tres naves. Pero viendo excedida su capacidad,
propuso al arquitecto José González Merguete.
Al realizar la ampliación a tres naves, abrió unos estrechos arcos de separación entre la
nave central y las colaterales, lo que sumado al escaso ancho de estas, da como resultado
un edificio oscuro, estrecho y desintegrado, ya que las naves colaterales quedan reducidas
a pasillos. Esta sensación es acentuada con la desmedida profundidad del presbiterio (nos
indica influencia mudéjar) así como también por la ornamentación moderna.
En 1729 se le solicita al padre y arquitecto Andrés Blanqui reconocer el estado de los
trabajos y formular evaluaciones y orientaciones para continuarlos. Es él quien finaliza el
abovedamiento de la nave mayor y construye la fachada principal hasta el primer cubo de
las torres.
Luego del fallecimiento de Blanqui, retoma la obra -para concluirla prácticamente- el
arquitecto franciscano Fray Vicente Muñoz.
Con respecto a la planta, es jesuita. La fachada está compuesta por dos torres, tres arcos
de medio punto en forma de pórtico. El mismo es abovedado en cañón corrido y es
transversal a las naves.
La cúpula es plenamente barroca, está dividida en husos por las nervaduras que terminan
en grandes volutas, está rematada por una linterna rodeada por una balaustrada.
La prolongación del tiempo de edificación, así como las profundas diferencias de conceptos
(según los diferentes arquitectos) dejan en claro que no hubo nunca una visión definitiva del
edificio desde el comienzo, “se hacía camino al andar” y por ello llama la atención la
coherencia que logra el conjunto, a pesar de haber sido concebido como una sumatoria de
piezas. Es por esto que aunque no tenga unicidad estilística, esta obra monumental resulta
majestuosa.

Siglos XVIII – XIX – Europa

AÑO 1700 (Siglo XVIII).
En años finales del siglo XVII todavía dominaba Europa la Francia de Luís XIV, pese a que
una gran coalición agrupada en torno a Inglaterra, España, Australia y las provincias unidas
(los países bajos) se había movilizado decididamente contra hegemonismo frances durante
la guerra de la liga de Ausburgos (1688-1697). En ese conflicto (que es también llamado
Guerra del Rey Guillermo o Guerra de los Nueve Años), participaron las 5 grandes potencias
del occidente europeo y se combatió a todo los ancho del mundo, ya que esas monarquías
del viejo continente (con Portugal) extendían su dominio por tres quintas partes del globo.
Sumando las posesiones ultramarinas de holandeses, franceses, ingleses, portugueses y
españoles la cifra de km cuadrados resultante seria inmensa; pero ni siquiera esas
magnitudes serian suficientes para explicar el autentico peso que aquellos países tenían
sobre el resto del mundo. En realidad, en esas décadas finales del siglo XVII los soldados,
comerciantes y mineros salidos de las costas atlánticas de Europa habían llevado a todos
los continentes el poder, la religión y los intereses económicos de sus metrópolis, salvo
Australia. Y aun no había en ninguna de esas tierras colonizadas y explotadas por los
europeos el menor signo de deseo de romper sus lasos de dependencia. Por otra parte, es
un mundo escasamente habitado; solo la India, China y Europa están relativamente
pobladas y en ellas vive las de la mitad de la población mundial. Y uno de los rasgos
distintivos proceso de europeización del mundo que se inicia a mediados del siglo XVII y
abarca toda la mitad del siglo viene determinado por el hecho de que si bien los ingleses,
holandeses, franceses e incluso suecos y daneses implantan factorías comerciales por
todas las costas de África, Asia y América, aun no buscan asentamientos estables para
grandes contingentes de colonos. Por eso, en los años iniciales del siglo XVIII, el siglo
colonial por excelencia, las indias españolas son aun, con gran diferencia las mas pobladas
y ello a pesar de que las cifras (sometidas, por otro lado, a grandes discusiones entre los
demógrafos), eran mas bajas: desde el norte del virreinato de Nueva España (México) hasta
Tierra de Fuego serian unos 8millones de pobladores, de ellos unos 10% peninsulares. Los
territorios franceses del Canadá y Luiciana ( el arco se extiende entre el Golfo de México y la
Península del Labrador, con todo el Valle del Mississipi) a penas sumarian unos cientos de
miles de indígenas y no mas de 25 mil colonos. Y las trece colonias inglesas aun no habían
iniciado su espectacular desarrollo demográfico dieciochesco: en torno a 1710 serian 350mil
los europeos y esclavos negros a los que había que sumar una población indígena, en
franca recensión desde comienzos del siglo anterior, que no llegaría al medio millón. Ahora
bien, en los últimos años del siglo XVII y primeros lustros del siglo XVIII se inicia una nueva
etapa histórica, marcada, entre otros aspectos, por el creciente protagonismo que abrían de
adquirir los territorios coloniales en la vida de las metrópolis. Y como presagio de lo que
acabaría sucediendo a finales de este siglo, seria cada ves mayor la importancia económica
y el devenir de Europa. Pero hasta esas primeras décadas del siglo XVIII habían sido pocos
los colonos europeos (en su mayoría exiliados religiosos) que habían mostrado intención de
quedarse definitivamente en esos nuevos mundos. La fase posiberica de colonización se
había caracterizado por el enfrentamiento entre los países europeos por dominio de las
rutas y los enclaves estratégicos ultramarinos que permitieran el control de la explotación de
los productos y mercados coloniales. De tal manera que entre 1640 y 1730 se multiplico por
7 el número de barcos mercantes que comercializaban entre Europa y Asia (Duchhardt).
Pero todavía no se buscan colonias de doblamiento.

AÑO 1800 (Siglo XIX)

Entre los caracteres económicos y sociales del mundo europeo del Antiguo Régimen y los
del siglo XIX pueden observarse cambios importantes. Europa pasa de ser un mundo rural a
ser un mundo industrial urbano; los europeos pasan del taller artesano a las fábricas, del
trabajo manual a la mecanización.
Esta profunda transformación de la economía y de los sistemas de trabajo y, a consecuencia
de ello, es lo que se conoce como Revolución Industrial.
El desarrollote las matemáticas y de las ciencias físicos-naturales permitió, tras el trabajo de
laboratorio, su aplicación a principios prácticos ósea a la técnica, que es la ciencia aplicada
a la economía. Gracias a ello se crearon numerosos tipos de maquinas, que se convirtieron
en el instrumento básico del desarrollo de la revolución industrial.
La mejora de los cambios y los transportes a finales del siglo XVIII: se produjo una
transformación radical en la red de caminos europeos. Los viejos senderos empezaron a ser
sustituidos por verdaderos caminos carreteros aptos para la circulación de vehículos de
rueda.
Trabajaban otros territorios europeos, como Francia, Bélgica, Holanda, algunas zonas de
Alemania, el norte de Italia, Cataluña se fueron convirtieron en centros importantes de
industrial textil, siguiendo el modelo ingles: mecanización de la producción, supremacía de la
industria algodonera sobre la lanera, disminución de los precios del tejido, etc.
El desarrollo de la industria textil provoco la aparición de conflictos: la necesidad dar el
excedente de producción que no se vendía en el propio país iba a dar lugar a frecuentes
enfrentamientos de tipo comercial entre distintos países.
En las fábricas textiles algodoneras de Gran Bretaña unas 100 mil personas en hilados y
250 mil en los tejidos. A principios del siglo XIX el 40 % de las exportaciones inglesas eran
tejidos.
La revolución industrial y las revoluciones políticas tienen importantes consecuencias en la
sociedad. La diferencia más importante entre la nueva sociedad y el antiguo régimen esta en
la igualdad de todos los hombres ante l ley y por tanto en la desaparición de los estamentos.
Pero la igualdad era solo igualdad ante la ley; seguía habiendo desigualdades de fortuna, de
cultura y los hombres y mujeres no tenían realmente igualdad de oportunidades. La nueva
sociedad se estructuro como una nueva sociedad de clases: ricos y pobres.
Entre los ricos seguía estando la nobleza, en general mantenía la posesión de sus tierras,
aunque había perdido importancia social y política.
La clase dirigente de la nueva sociedad era la gran burguesía o la burguesía de los
negocios, propietarios de fábricas, transporte y bancos.
También es una novedad la existencia de las nuevas clases media o pequeña burguesía:
son los comerciantes, gente de profesiones liberales, artesanos que viven en la ciudad.
Por debajo de estos grupos minoritarios se allá una gran masa de población con muy
escasos medios económicos: los campesinos, los obreros de las fábricas, a estos últimos se
les empieza a llamar también proletariados.
Aunque desde un punto de vista legal se puede hablar de un gran cambio en la sociedad de
la época industrial en relación con la de los siglos anteriores, porque a medida que se van
introduciendo el liberalismo en la vida de los hombres, en realidad la situación se mantiene
bastante similar a las formas de vida tradicionales.
La inmensa mayoría de la población eran campesinos, pero la propiedad de la tierra seguía
en manos de la nobleza. Sin embargo el desarrollo de la industria dio lugar a nuevas clases
sociales: la burguesía de los negocios y los obreros industriales.
A los largo del siglo XIX se consolido la conciencia de la burguesía como clase social
distinta a la demás, con responsabilidad para dirigir la vida económica.
Basándose en una sólida fe en el progreso y aprovechando con ingenio y habilidad los
nuevos recurso de la ciencia y de la técnica, la burguesía consiguió un predominio
económico en la sociedad del siglo XIX. Su gran diferencia con la aristocracia de los siglos
anteriores esta en los que no se mantienen como una clase cerrada, sino que admite que,
por meritos de trabajo y capacidad, gente de procedencia social baja puede llagar a la
cumbre de la gran burguesa.
Esta burguesía no solo dirige los negocios, la banca y el comercio internacional, etc sino que
también impone su gusto artístico y literario en la sociedad en que domina.
Los obreros procedían del mundo rural, del campesinado mas pobre, que emigraba a la
ciudad. El obrero de la época industrial no es dueño de lo que produce, porque la
producción pertenece al propietario de la fábrica. Vive exclusivamente del trabajo asalariado
que le paga el empresario.
Los salarios de los obreros eran bajos, ya que había abundancia de mano de obra y aun
ofreciendo poco, los empresarios siempre encontraban trabajadores. El estado no intervenía
en las relaciones laborales, se limitaba mantener el orden político y vigilar el cumplimiento
de las leyes.
Estos salarios repercutían en toda la vida del obrero, el y su familia tenían poco dinero para
alimentación, vivienda y vestimenta. Su nivel de vida era muy bajo, su cultura muy escasa:
la mayoría de hijos de obreros no iban a la escuela, porque era preciso que trabajen desde
niños. Por ello casi todos, especialmente las mujeres eran analfabetos.
Muchos empresarios contrataban mujeres y niños porque podían pagarles salarios aun mas
bajos que a los hombres, aunque realizaban trabajos similares durante larguisimas jornadas
14 horas o mas diarias.
Esta situación se vía agravada por la inseguridad. El obrero que trabajaba en condiciones
inhumanas, esta expuesto a múltiples accidentes de trabajo y no disponía de ningún seguro
de enfermad, ni de servicio medico y en cualquier momento podía encontrarse sin trabajo ya
que el dueño de la fabrica podía despedirlo libremente. Ante su situación en el trabajo en la
sociedad, los obreros no podían hacer nada individualmente; debían asociarse. Pero la falta
de educación y de cultura de la mayoría de ellos hacia que no comprendieran la importancia
de la asociación; era preciso que se despertara la conciencia de clases

NEOCLASICISMO

Estilo artístico que se desarrollo entre 1750 y 1815 teniendo como punto de origen la
Francia Revolucionaria, desarrollándose en el resto de Europa y Norteamérica.
A partir de 1700 surgen nuevas corrientes ideológicas que se contraponen y critican a la
época precedente (Barroco y Rococó) ligado a la consolidación de la burguesía como ente
de poder político y económico. Sumado a esto, el debilitamiento progresivo de las
monarquías absolutas como resultado del auge del liberalismo político y económico y del
empirismo racionalista.
Por primera vez las monarquías y la teología son cuestiones profundamente. En tanto se
instauró el Sistema Republicano (congreso) en los distintos Estados europeos, el
pensamiento racional y lógico se sumergió en la sociedad.
La economía por su parte se caracterizó por la libre acumulación de dinero y el comercio sin
restricciones que favoreció a la progresiva acumulación de capitales en los países
dominantes.
Es así que en Inglaterra se gestaron las condiciones propicias para el desarrollo de la
Revolución Industrial, la cual permitió la modificación de la estructura agrícola y el
surgimiento de la producción fabril como principal fuente de riqueza, dando lugar a la
sociedad capitalista, surgiendo nuevas clases sociales como los obreros e industriales.
Aparece la fábrica como nueva forma de trabajo y de vida, pero todo esto condujo a una
acentuación de diferencias sociales ya que este proceso si bien benefició a algunos, dejo
rezagados a grandes sectores de la sociedad.
Esto trajo aparejado la mentalización de la condición del hombre y la concepción sobre si
mismo. El ILUMINISMO como nueva filosofía impuso el conocimiento científico racional y
solemne frente a las trivialidades del siglo anterior.
La Revolución Francesa, como punto culminante de este proceso, puso la libertad y la
autonomía del hombre como eje alrededor del cual giraban los intereses de la época,
culminando con el derrocamiento de los Reyes absolutos y la iglesia.
Así los líderes revolucionarios que propugnaban el sistema republicano y la democratización
como forma de gobierno, adoptaron los valores y principios éticos, morales y artísticos de la
Antigua Grecia, la Republica Romana, dando lugar al movimiento artístico llamado
neoclasicismo.
Adoptaron un estilo caracterizado por una gran sobriedad pureza de las líneas y el tono
solemne de las composiciones.
Este no plantea innovaciones en cuanto a los elementos estéticos formales sino que aspira
a utilizarlos de acuerdo a las nuevas necesidades ideológicas políticas y económicas del
momento.
El carácter racional lógico, solemne y austero del estilo clásico fue incorporado en todos los
campos del saber, estableciendo una ruptura con la vida ostentosa y banal de la aristocracia
y el clero.
La civilización artística del Antiguo Egipto va a ser uno de los componentes de la cultura
artística neoclásica, especialmente el estilo “imperio”.
Por la necesidad de los movimientos revolucionarios de obtener adeptos para poder
desarrollar sus intereses emancipados, las obras de arte se convirtieron en verdaderos
instrumentos de persuasión, con la actitud de conmover y convencer al público con su
profundo mensaje moral y cívico en defensa de la República.
Es un movimiento ético antes que estético por el contenido simbólico y revolucionario que
predomina. Esta concebido con miras funcionales mas que con la simple finalidad estética.
Así se convirtió en un medio racional utilizado por la sociedad para cubrir sus necesidades y
debía servir a esa sociedad. Sus formas respondían a una función y a una especialidad
racionalmente calculadas.

Pintura neoclásica:
Los pintores si bien se interesaban por la perfección de lo antiguo parecen estar
preocupados por destacar la modernidad del mismo. Prima el retrato con el cual trataban de
definir la individualidad y racionalidad de la persona; los cuadros mitológicos proyectaban la
sensibilidad moderna a través de la evocación de lo antiguo y los cuadros históricos que
reflejan los ideales civiles.
Se caracteriza por plasmar en la tela la racionalidad y el ideal clásico de belleza y gloria. Las
composiciones son simples y claras, donde la luz ilumina las obras en forma pareja y les
otorga cierta frialdad y serenidad.
Los pintores neoclásicos retomaron la pureza de la línea y revalorizaron el dibujo, que
transforma el dato en hecho.
En la época neoclásica se da mucha importancia a la formación cultural del artista que no es
a través del aprendizaje con un maestro, sino en escuelas especializadas, las academias.

(Otro): Es en la pintura donde hubo más dificultad para llegar a una estética neoclásica
Una de las razones fue la escasez de modelos antiguos, pues eran pocos los
ejemplos de pintura que sacaban a la luz las excavaciones. Por ello fueron
las decoraciones de los vasos de cerámica y los bajorrelieves casi las únicas
referencias al alcance de los artistas. Cuando el teórico y pintor Anton Rafael
Mengs (1728-1779) quiso llevar las teorías neoclásicas a la pintura, creó en el
techo de una de las estancias de la Villa Albani de Roma lo que podría consi
derarse un manifiesto de este recién nacido clasicismo. En su Parnaso (1761)
renunció a los efectos coloristas o de composición propios del Barroco,
para realizar una pintura en la que sobresalía la simetría y la razón y se auna
ban la perfección de las formas de la escultura antigua con los valores de la
pintura de Rafael. El resultado es una obra fría, sin profundidad, conscientemen
te distante, que recuerda los relieves antiguos.
La arqueología dio lugar a pinturas que seguían los ejemplos de la antigüedad
Pero también se produjo una vuelta a los tradicionales maestros de la pintura:
Rafael, Correggio, Carracci o Poussin. Todo ello generó una pintura en cierto
modo ecléctica que pretendió prescindir de todo detalle superfluo para desta
car la importancia del tema; éste es lo fundamental en la pintura neoclásica por
que estaba destinada a regenerar la sociedad mostrando las virtudes ciuda
danas que se interpretaban a través de temas sacados de la literatura clásica.
Jacques Louis David (1748-1825) plasmó en sus cuadros la estética neoclásica.
Obras como Belisario recibiendo limosnas (1780) y el fundamental Juramento de
los Horacios (1784, París, Louvre) plantean un espacio preciso en el que los
personajes se sitúan en un primer plano; el predomina del dibujo la ausencia
de ornamentación, la luz fría y los detalles arqueológicos completan un conjunto
que define el gusto neoclásico. Los temas de los cuadros hacen alusión a hechos
heróicos y aleccionadores, aunque no forzosamente debían ser antiguos;
Jean-Baptista Greuze (1725-1805) ensalzó las virtudes domésticas con escenas
ambienta das en la sociedad rural, como Novia de aldea (1761, París, Louvre)
o El hijo pródigo (1778, París, Louvre). También tenían cabida los temas sacados
de la historia contemporánea como hizo Benjamin West (1737-1820) en
La muerte del Capitán Wolfe (1770)En años posteriores Jean-Auguste Dominique
Ingres (1780-1867) fundió en su pintura todas estas propuestas para realizar
obras de gran fuerza decorativa.

Escultura:
Eran realizadas en mármol blanco, sin policromar porque se pensaba que así eran las
esculturas clásicas antigigüas, predominando la noble sencillez y belleza.
Ocuparon un importante lugar en ésta, el retrato y el desnudo.

Arquitectura:
Esta ya no debía responder a las ambiciones de los soberanos, sino a las necesidades
sociales y económicas.
Ha de regir la vida práctica, por lo que ha de ordenar a la ciudad como lugar e instrumento
de la vida social. Así surge la nueva ciencia de la ciudad, el “URBANISMO”. La creciente
complejidad de la ciudad, llevó a nuevos tipos edilicios como escuelas, hospitales,
cementerios, mercados, aduanas, puentes, carteles, etc.
En la arquitectura neoclásica las formas responden a una función y especialidad
nacionalmente calculadas.
En el arte neoclásico sea en arquitectura como en las artes figurativas, es fundamental la
concepción y el planeamiento de la obra.
El espacio abierto es muy importante, ya que ellos expresaban su idea de libertad.
Las ciudades se proyectaban en forma lineal, abierta pero ordenada.

(Otro): La arquitectura es la rama de las artes que antes se adaptó a un nuevo ordenamiento
social y moral, la Encyclopèdie le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento
y las costumbres de los hombres.
Los arquitectos neoclásicos saben que un nuevo orden social exige un nuevo orden
de la ciudad y todos sus proyectos se inscriben en un plano de reforma urbanística.
La cuidad deberá contar con sus monumentos (el carácter de la antigüedad) pero deberá
también satisfacer necesidades sociales y funcionales.
Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana,
como los hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc, pensadas
con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la
última arquitectura barroca y se volviera los ojos hacia el pasado. Buscando un
modelo arquitectónico de validez universal.
El primer período es el de la época de Luis XVI. En reacción al rococó se retorna
al clasicismo, con elementos griegos como frontones, cornisas y columnas que
adquieren su anterior prestigio.
Entre los principales arquitectos encontramos a:
*Jacques Ange Gabriel con la obra "petit Trianon de Versalles"
*Marc-Antoine Laugier (Francia 1713-1769)
*K. G. Langhans ( Alemania 1732- 1808)
*Étiènne Louis Boullée (1728-1799)
*Claude- Nicolas Ledoux (1736-1806)
*Ferdinando Bon signore ( Italia 1767-1843) "iglesia de la Gran Madre de Dios"
Etc.

ROMANTICISMO

El fin de la epopeya napoleónica también tuvo sus consecuencias en el arte. Al ateismo del
Ente Supremo se le contrapone el cristianismo; al Imperio la autonomía de las Naciones; a
la razón que es igual para todo el sentimiento individual; a la historia como modelo la historia
como experiencia vivida; y al concepto abstracto de sociedad; a esta como entidades
geográficas, históricas, religiosas, etc.
El romanticismo es un movimiento literario y artístico originado en el Reino Unido y
Alemania, en la primera mitad del S.XIX (1815 – 1850), como una revolución contra el
Neoclasicismo y el racionalismo del Iluminismo, dándole importancia al sentimiento.
Se caracterizó por la revaloración de los sentimientos, la exaltación de la naturaleza y el
afán de la libertad. Se produce un afianzamiento del sentimiento nacional.
El romanticismo tiene sus orígenes en la revalorización del arte cristiano de la Edad Media,
el Románico y Gótico. En el predomina lo pasional.
Los artistas se muestran hostiles y polémicos contra los burgueses, los únicos que en esa
época pueden hacerles encargos, rechazan el conformismo, compraventa y mediocridad
cultural de ésta.
El deseo de un arte que no sea solo religioso, sino que exprese el ethos religioso del pueblo
y recupere el fundamento ético del trabajo humano que la industria tiende a mecanizar, llevó
a la revalorización de la arquitectura gótica que pasa a tomar el lugar de la clásica, ya que
esta es ante todo cristiana.
Si la arquitectura clásica era la adecuada para expresar el sentido del Estado, la arquitectura
gótica era la ideal para expresar la tradición religiosa de la comunidad.
En Inglaterra es donde el movimiento tuvo mayor fuerza.
Gracias a este individualismo alcanzado, los artistas se negaron a recibir apoyo económico
de mecenas, sumiéndose muchos de ellos en la pobreza bohemia.
La pintura romántica pretende ser expresión del sentimiento: los pintores expresaban sus
estados de ánimo y sentimientos pasionalmente, mediante temas como los paisajes.
Los temas plasmados son la locura, la pasión; vuelta a estados putos como la infancia;
culturas salvajes; se introduce el sueño.
Es un arte irracional, subjetivo en su lenguaje. También se abordaban temas alterados como
la vejez, locura, etc.
Transmitieron el gusto por el exotismo y misterio. Composiciones adquirieron mayor fuerza y
dinamismo.

PINTURA ROMANTICA
La ruptura con el escenario estable de la pintura clásica, la composición agitada,
los violentos contrastes de luces y sombras aluden a la incertidumbre de los límites
naturales: el paisaje se transforma en un despertar pasional y emotivo; toda
representación del entorno se ve impregnada de la interpretación personal del
artista.
La pintura en el romanticismo presenta un progreso lineal. El estilo en las artes
visuales y primordialmente en la pintura emergen en todas direcciones a partir
del centro móvil del neoclasicismo.
Los pintores románticos tienen una característica esencial: el supremo valor que
se concede a la sensibilidad, a la autenticidad emotiva del artista en cuanto únicas
cualidades capaces de dotar de validez a su obra.
La pintura romántica acoge una gran variedad de temas:
* Lo religioso se encuentra en la obra de los pintores ingleses y alemanes
* El sentimiento místico es intenso, mas la intención educativa se ha perdido.
* Lo social es omnipresente. Se observa por ejemplo en la pintura francesa con
entusiasmo revolucionario de Delacroix, y en las ironías de Goya en España.
* La naturaleza aparece misteriosa, tanto en su violencia como en su paz; los animales
domésticos (caballos) o exóticos (tigres) se hacen un lugar.
* La edad media y el misterio del "Oriente" (Africa del norte) introducen temas
nuevos.
* En cuanto a la manera de trabajar, la composición se subordina a la vitalidad y
el color se carga de valores simbólicos.

ARQUITECTURA ROMANTICA
En arquitectura el romanticismo se manifestó con un nuevo medievalismo, sobre
todo en la arquitectura eclesiástica y en la búsqueda de un medio escenográfico
de disponer las ideas
Los arquitectos se vuelven al gótico, al primer Renacimiento italiano y luego al
siglo XVI tornándose hacia formas nacionales de siglos pasados: los ingleses
al estilo jacobita, los franceses al estilo Luis XIII y muy pronto al barroco y al rococó.
Los artistas buscan en la naturaleza no sólo la armonía, sino lo grandioso, lo salvaje;
dan a los edificios enormes dimensiones. El sentimiento de la naturaleza
y las ideas sobre la arquitectura se transforman. Esto se refleja en los jardines y
el paisaje. En los parques de Inglaterra, Francia y alemania se levantan construcciones
de estilo gótico.
El exotismo por el pasado que caracteriza al romanticismo no tiene tanto éxito
en la arquitectura. Después de 1830 los elementos se mezclan y desembocamos
en en el eclecticismo.

REALISMO SOCIAL

Segunda mitad del S.XIX (1850).

Es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del
arte.
Estos pintores desafían las modas y gustos de la época y proponen un nuevo modelo de
artista comprometido socialmente.
El artista debía ser realista y pintar acontecimientos cotidianos de la gente común. Los
asuntos mas tratados incluían imágenes de trabajadores en el campo o fábricas, retratos de
figuras de Estado, escenas históricas de la Revolución e idealización de la vida doméstica.
Solo se consideraba relevantes los temas relacionados con la política y trabajadores.
El realismo significa abordar frontalmente la realidad, prescindiendo de cualquier prejuicio
moral, estético o religioso. Consiste en sacar todo lo que se tiene dentro, no esconder nada,
no seleccionar.
Los principales cuadros son “La Fuente de Marat” y el “Juramento de los Horacios” (Louis –
David).

Arquitectura segunda mitad del S.XIX

Surgen nuevos temas edilicios (museo, vivienda, teatro). Relacionado con la burguesía y
otros temas importantes para el nuevo sistema económico: fabricas, palacios de
exposiciones, edificios para oficinas. Al igual que el arte, la arquitectura retoma formas
arquitectónicas pasadas, sobre todo de Grecia, Roma y el Renacimiento. Aquí también es
importante el ECLECTICISMO que se da porque se expresa la libertad que e hombre busca
alcanzar (Rev. Francesa: libertad, fraternidad e igualdad), lo que se ve en la desaparición de
la ciudad amurallada o en el palacio de exposiciones que no separa interior y exterior.
Según Schulz, la nueva época tenía tres características:
- pérdida de identidad de las ciudades, que antes eran amuralladas y ahora no.
- nuevos temas edilicios, mas funcionales que se relacionan con la nueva mentalidad y
economia.
- uso de formas arquitectónicas de estilos pasados (antigüedad grecolatina principalmente).
Se vuelve a mirar la antigüedad porque fue una edad de oro a la que se busca volver luego
de la revolución Francesa, ya que el viejo orden estaba en decadencia y hay que construir
uno nuevo, más cercano al hombre. La principal crítica al historicismo arquitectónico lo hace
el Iluminismo, y dice que no se deben tomar estilos antiguos sino se entiende su verdadero
sentido, porque en realidad se los “coloca” cubriendo el edificio, y su real estructura. Se cree
que se desvalorizan las formas porque se modifica su función, se utilizan las formas en
nuevos tipos edilicios. Además se considera que la arquitectura debe avanzar, crear cosas
nuevas y dejar de imitar estilos antiguos.
Aquí se desarrolla una arquitectura propia de la revolución Industrial, con temas como
puentes, puertas, edificios de oficinas, almacenes, fábricas. Responde funcionalmente a las
necesidades. Se agiliza el comercio. La arquitectura es mas practica, de rápida ejecución,
tiene una función económica.
Se desarrolla la “ARQUITECTURA INGENIERIL” a fines del S.XIX, caracterizada por su
funcionalidad sin dar importancia a lo estético, la utilización de hierro, cemento y vidrio, con
la posibilidad de desmontar el edificio y volver a armarlo.
El ejemplo mas representativo es el “Palacio de Cristal”, construido en 1851 por el jardinero
Joseph Poxfan para la Primera Exposición Universal en Londres (manifestaciones públicas
de producción industrial, comerciales o artísticas a gran escala).
Es el primer edificio público en el que no aparecen referencias de estilos anteriores. Su
estructura es ligera, aérea, con un techo de vidrio estructura desmontable, un Ensamble de
piezas prefabricadas, producidas en serie.

Escultura en el realismo social.

Eran realizadas en mármol blanco, sin policromar, porque así se pensaba que eran las
esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza. El
desnudo y el retrato ocuparon un importante lugar en la escultura neoclásica-.

ARQUITECTURA S.XIX - ARGENTINA

Arquitectura Argentina
Para caracterizar la arquitectura Argentina es necesario hacerlo respecto a los distintos
movimientos que se presentan en la misma:

1850-1880

ROMANTICISMO Y EL POSCOLONIALISMO.

La arquitectura romántica solo existió muy débilmente y sin alcanzar una fuerza enunciativa.
El neogótico de la arquitectura bonaerense es un claro ejemplo de transculturación y no de
renacimiento de valores locales; la llamada arquitectura postcolonial fue una supervivencia
de las tipologías de diseño, sistemas, y materiales constructivos, prolongada hasta 1850, 60,
o 70, según los casos , y que desaparece a medida que en las provincias del interior se
difunden y popularizan los estilos académicos de origen europeo, principalmente el
neorenacentismo italiano.
En el noroeste argentino , la arquitectura popular casi no tuvo variantes de tipologías ni
lenguajes formal, salvo la supresión del tejado con libre escurrimiento sobre la acera (generó
fachadas mas altas) Ej: Cabildo de Jujuy (1863/82 – Piotti) Es de un volumen bajo con un
torreón almenado al centro y una arquería de medio punto sobre columnas toscazas que
forma recova al frente.
En la arquitectura pública el periodo 1850/80 fue de extraordinaria actividad: escuelas y
colegios, hospitales, cárceles, ferrocarriles con sus talleres, oficinas y estaciones cabeceras
e intermedias de varias categorías, teatros, etc. Se destaca el antigua teatro Colón de
Buenos Aires (1854/58 – Pellegrini) y el Teatro 3 de Febrero de Paraná, aún existente.
En el romanticismo, la iglesia de cada pueblo, era su edificio ´´símbolo´´, único tal vez a que
podían aspirar las poblaciones bonaerenses cuya arquitectura doméstica era muy simple y
rutinaria y cuyos recursos no posibilitaban erigir obras públicas monumentales.

EL NEORRENACENTISMO ITALIANO.

Desde el 1850 en adelante el hecho mas notorio de la arquitectura argentina fue en

neorrenacimiento italiano, con la peculiaridad de un doble origen:

La corriente de procedencia itálica cuyo precursor fue Pedro Fossati y cuyos principales
exponentes fueron los hermanos Canale.
La de origen británico representada por Eduardo Taylor y Enrrique Hunt en Buenos Aires.
Las dos corrientes eran semejantes, dentro de ciertas individualidades muy sutiles. Irrumpió
también en ellas el neogótico que, circunscrito al principio en Buenos Aires a unos pocos
templos protestantes . Estos cobrarían hacia el 1880 una vasta disfusión nacional.
En la segunda mitad de siglo XIX y en nuestro país, los estilos no tenían ya el valor
ideológico asociativo de sus orígenes europeos y, por otra parte, el lenguaje arquitectónico
evolucionaba internacionalmente hacia el eclecticismo: libre elección del estilo dentro del
más vasto repertorio historicista e incluso libre de combinación de elementos de cualquier
estilo dentro de una misma obra.

CORRIENTE DE PROCEDENCIA ITALICA.

El estilo neorrenacentista italiano se adecuaba a la simbiosis de las formas de la
arquitectura poscolonial argentina (ej: Palacio San José de Urquiza) – volumetría prismática,
expresión mamposteril y tipología de patios centrales sucesivos, vestidura ornamental
(temática italianizante), fachada de una galería con frente de arcos que caen sobre
columnas de sección circular, patio principal con jardines con palomares, capilla y lago
artificial-.
Los hermanos Canale, levantaron obras de gran envergadura: la catedral de Lomas de
Zamora que responde al tipo basilical de tres naves, crucero y cúpula y su implantación se
proyecto en medio de un espacio libre, que aplicaron también en las iglesias de Belgrano,
ambas de planta central y la primera de traza circular y enorme cúpula.

CORRIENTE ITALICA VIA INGLATERRA.

El neorrenacentismo italiano en su versión inglesa está representado en el Río de la Plata
por los estudios de Taylor y de Hunt. Taylor atendió obras particulares como la ´´Aduana
Nueva´´, ´´el Club de Progreso´´, ´´el Club del Plata´´, etc., muy semejantes y caracterizados
por el sistema compositivo del basamento y dos plantas unidas por un orden monumental de
pilastras.
Hunt, junto con Scroeder, fueron iniciadores de la arquitectura bancaria argentina con las
antiguas sedes del Banco de Londres, Banco de la Provincia de Buenos Aires, y el Banco
Hipotecario de la provincia, etc. Como así también de la Bolsa de Comercio.

EL NEOGOTICO

La primera obra neogótica en el Río de la Plata fue la capilla del Cementerio Protestante de
Buenos Aires del arquitecto escocés Ricardo Adams, el francés Pedro Benoit, empleó
elementos de ese estilo en la ornamentación de las fachadas de su residencia familiar.
Los arquitectos Ryder y A. Ferry se destacan por la construcción de dos excelentes obras
neogóticas de escuela inglesa.
Es característica la expresión de los materiales con sentido de autenticidad, son
particularmente valiosas sus techumbres de madera que están diseñadas con sentido naval.
Se acompañan con cielos rasos de tablas talladas y lustradas que, con los pisos
entarimados de madera y los vitrales multicolores, confieren calidez y nobleza a los espacios
interiores, cuyas proporciones mantienen una escala casi doméstica y moderadamente
monumental que no llega a intimidad.

La arquitectura de frontera

o Las nuevas autoridades de las Malvinas trasladaron la capital en 1844 desde Puerto
Soledad hasta un paraje situado a 30 km al sudeste, más protegido y de mejor
acceso navegable, que fue denominado Puerto Stanley. Esto implicó la construcción
de edificios y obras de infraestructura. El ingeniero colonial, siguiendo directivas del
gobernador - fundador, proyectó la traza sobre un esquema ortogonal adaptado a la
topografía local, y los edificios para Casa de Gobierno, cuarteles, almacenes y
viviendas; empleó en esas obras fundamentalmente bloque de piedra irregulares,
madera en forma de tablas y de tejamaníes, siguiendo el criterio estructural de la
´´balloon frame´´o estructura de madera claveteada.

o En 1865 comenzó a concretarse en el valle del río Chubut el plan de colonización

galesa mediante el cual se establecieron las ciudades de Rawson, Gaiman y Trelew.
Las construcciones fueron ejecutadas por colonos hábiles, con muros de piedra y
techos de paja. En la etapa de asentamiento definitivo se hizo característico el
empleo de frentes de ladrillo a la vista, despojados de la ornamentación académica
convencional, lo que dio apariencia victoriana a estas casas cuya planta, sigue
generalmente la tipología de zaguán y patio central.

La arquitectura popular urbana

A partir del crecimiento demográfico que se produce a mitad del siglo XIX en la Argentina, se
realizan nuevas obras publicas y privadas, en esta última se registro el desarrollo del
´´conventillo´´, principalmente en Buenos Aires, como forma de vivienda en condiciones de
hacinamiento , insalubre por la deficiencia de las obras sanitarias de la ciudad.
Como nuevos conceptos aparecen las villas italianas y el palacio urbano.

1880-1930
(Otro): Hasta 1876 no se cursaban en nuestro país estudios universitarios de arquitectura,
los primeros profesionales argentinos se graduaron en establecimientos europeos. Este
primer grupo de arquitectos argentinos no presenta homogeneidad de lenguaje estilístico ni
criterios compositivos por las diferencias generacionales, familiares, provinciales y por el
hecho de haberse formado en distintos puntos de Europa.
En 1865 se reestablecen en la Universidad de Buenos Aires los estudios físico-matemáticos,
egresando en 1870 la primera camada de ingenieros, agregándose seis años después
materias para arquitectura.
El crecimiento demográfico de la Argentina en la segunda mitad del S.XIX origino
requerimientos en materia de arquitectura pública y privada, desarrollándose el
“CONVENTILLO”, sobre todo en Bs.As, como forma de vivienda en condiciones de
hacinamiento, con deficiencia en las obras sanitarias de la ciudad. El crecimiento de la
capacidad habitacional fue enorme y produjo la formación de los barrios periféricos a la
capital, conectados con el centro a través de ferrocarriles o tranvías.
Aparecen las nuevas “quintas suburbanas” al estilo de las “villas italianas”, y el “palacio
urbano” inspirados en los modelos de Palladini. Una familia ocupaba una habitación.
La arquitectura que se hizo en Argentina entre 1880 y 1930 fue casi toda “ACLECTICA”.
También se levantaron obras que no se relacionan con el eclecticismo, pero el criterio oficial,
el pensamiento de quienes encargaban y determinaban como debía ser la arquitectura, fue
ecléctica al igual que los arquitectos de la época.

Eclecticismo: “escuela filosófica que procura combinar las doctrinas (estilos históricos y
sistematizados) que parecen mejores, aunque procedan de distintos sistemas”
Lo que se construyó entre 1880 y 1930 corresponde a lo utilitario, las construcciones de la
arquitectura fabril, servicios, transportes, comunicaciones, etc, no era considerado
arquitectura en esa época, SIMO mas bien construcción o ingeniería.
El eclecticismo corresponde a la última fase de la enseñanza académica de la arquitectura,
desde 1880 (en europea) hasta 1940 mas o menos, allí y en el resto del mundo.
El Eclecticismo es histórico, pero no quiere decir que para que una obra o proyecto sea
aprobado oficialmente debiera ser copia fiel de edificios o construcciones históricas
aceptadas como modelos.
En sus comienzos tenia una fuerte influencia de la arquitectura clásica, utilizando lo demos
del clasicismo francés y variantes neoclásicas, pero es el Romanticismo el que infunde en él
un carácter verdaderamente universalista.
El Eclecticismo organizo la temática formal de la arquitectura de una manera sencilla y
comprensible. Sencilla en la medida que se que se aceptaba que los estilos llamados
históricos habían establecido como debían ser las buenas formas de la arquitectura. Para
los edificios públicos eran recomendables los estilos clásicos o uno que otro gótico, y para
los edificios eclesiásticos se recomendaba el gótico o el románico, pero no estaban
prohibidos los clásicos.
En la resolución de los programas totalmente nuevos es donde el estado presenta su faceta
mas controvertida.
Dentro del estado encontramos fases distintas, que a veces se superponen y según los
países ocupan distintos lapsos:
- 1era fase: la consideración por las reglas canónicas de los estilos históricos es bastante
riguroso. En nuestro país se alarga hasta bien entrada la década del ´80, dejando en
algunos países del ´60 de ser tan riguroso. Muestra combinaciones de estilos y un
incremento de la decoración. Culnima con la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918).

-2da fase: en las últimas décadas del S.XIX aumentan las opciones estilísticas, una extrema
liberalidad en la combinación de los elementos formales y una notable fluidez en el manejo
de la composición indican que el Estado se ha convertido casi en un estilo en si. Puede
llamársele “el Alto eclecticismo”.
Estilísticamente es muy poco clara. Ej. En nuestro país: Tribunales de Justicia de la Nación,
Congreso Nacional y Aduana
-3ra fase: mientras transcurre la fase anterior va apareciendo la etapa siguiente, cuyas
causas son más sociales que estéticas o arquitectónicas.
El S.XIX es extraordinario, hasta entonces no se había creado tanta riqueza ni se había
repartido tanto, generando el fenómeno de la movilidad social. La consolidación de la
burguesía como clase dirigente y pudiente, creo demanda de productos y servicios en
volúmenes rápidamente crecientes, demandas que se pudieron satisfacer más
adecuadamente en lo material que en el valor artístico de lo producido.
Esta revolución social trajo la necesidad de resolver programas arquitectónicos nuevos y en
grandes magnitudes.
El movimiento de la burguesía hacia los aledaños de las ciudades replanteo el tema de la
vivienda individual y el de los edificios de las instituciones sociales y deportivas de las
comunidades de la periferia.
Desde 1910 a 1945, la instalación de la burguesía alta y media en el suburbio creo un gran
campo de acción a los arquitectos que no se dio solo en Bs.As, sino también Rosario,
Córdoba, Mendoza, etc.
Los temas de la residencia suburbana, de la casa de fin de semana, el club deportivo y la
casa de veraneo, pusieron el Estado frente a un nuevo desafío que supo resolver.
Si los modelos del clasicismo ya no eran los apropiados había que buscar en otros.
En este periodo Argentina amplio sus opiniones, ofrece ejemplos que incluyen variedad de
chalets suizos, villas de la región del norte de Italia, residencias de estilos ingleses. Esta
etapa se ha denominado “PINTOREQUISTA”, encargándose profesionales de dotar al país
de extraordinarios edificios

-4ta fase: se superpone a la anterior, muestra el regreso a un tratamiento mucho más severo
de los cánones estilísticos. Pierde importancia la decoración hasta casi desaparecer y la
composición se torna cada vez más austera hasta el punto de un clasicismo distante y
monumentalista. Siendo principal protagonista Bustillo (Banco de la Nación en la Plaza de
Mayo de Bs.As o del casino y Hotel Provincial de Mar del Plata).
El acto final del eclecticismo es más neoclásico que otra cosa, ha dejado imponentes
edificios como el Centro Gubernamental de la Provincia de Mendoza.

El antiacademicismo.

Al empezar el siglo XX, la arquitectura de la línea sinuosa , de lo floreal, del simbolismo,

llegó a Buenos Aires. Junto con ella llegaron artefactos , muebles, joyas, adornos, libros, etc,
y gran cantidad de objetos mas, algunos creados por los mejores diseñadores europeos.
Gran parte de cuanto llegó es representativo del carácter decadente , nostálgico, y
apasionadamente naturalista de los movimientos antiacadémicos. Estos en ningún momento
pusieron en peligro la hegemonía del eclecticismo. Desde 1890 hasta 1914, la ortodoxia
arquitectónica siguió siendo eclecticista , y después aún más.
Los formalismos antiacadémicos nunca penetraron en la arquitectura, con una sola
excepción: las exposiciones que se llevaron a cabo a propósito del Centenario
(construcciones pasajeras).

La arquitectura doméstica de Buenos Aires.

En 1884 una quinta parte de la población vivía en conventillos o inquilinatos alrededor de

unas 78.000 personas. Tema de folklore urbano, de tangos y de sainetes, el conventillo fue
desapareciendo a medida que sus habitantes disponían de dinero suficiente para adquirir su
lotecito en los barrios más alejados y en el suburbio. Luego construirían en ellos su casa
propia.-
Pintura Argentina S.XIX
El periodo post colonial en Argentina comienza el 25 de Mayo de 1810, cuando se gesta el
proceso de Independencia y culmina el 6 de Diciembre de 1880 cuando la Nación recibe la
federalizada ciudad de Bs.As y comienza a configurarse la Argentina Moderna a instancias
del presidente Julio Argentino Roca. Como en la mayoría de los países latinoamericanos la
división de la metrópolis no trajo unión ni concordancia y durante esos 70 años Argentina
vivió un período de guerras civiles y externas.
Entre 1810 y 1815 se sucedieron varios gobiernos: 1º junto a Junta Grande; 1º y 2º
Triunvirato (todos con cede en Bs.As), los cuales asumieron las mismas funciones que el
Virrey. Durante la mayor parte de la década de 1820 se extiende el caos y desorden político
en las Provincias Unidas, situación que hubiera continuado de no ser por la guerra con
Brasil.
Para Argentina la producción artística surge de cero, pero tiene influencias coloniales. Al
principio es una producción mínima que evoluciona lentamente, porque el público no
compraba arte, situación que cambia con la Revolución de Mayo porque la Burguesía se
interesa por el arte. Cambia la iconografía que hasta ese momento era religiosa y ahora se
asocia con la mentalidad burguesa.
A los artistas de este Primer Periodo del S.XIX se los denomina “PINTORES VIAJEROS”
(1810-1830), los cuales viajaban, miraban, dibujaban, hacían bocetos o acuarelas.
Emmerich Vidal hizo acuarelas que captaban lugares, tipos y costumbres de Bs.As, los
cuales fueron reproducidos en grabados y publicados en Londres, estos eran bajos en
calidad artística pero poseían una gran calidad documental. Ej. Fabulosas descripciones del
gaucho.
Hacia 1830, aquellos pintores que se quedaban en el país y seguían trabajando, fueron
denominados “PRECURSORES” (1830 – 1852). Durante esta época la nueva clase social
importante, es la militar, representada en los retratos (Belgrano, San Martín, Quiroga y
Liniers). Es importante para el arte la figura de Rivadavia, quién en 1826 llega a Presidente
del poder Ejecutivo Nacional y su objetivo es traer el progreso, la civilización (europea). En
1827 se ve obligado a renunciar al poder. Contrata arquitectos, ingenieros, letrados
europeos. Un ingeniero contratado por él es Pellegrini, quien queda desempleado con la
caída del mismo. En este momento Pellegrini comienza a hacer retratos y escenas
costumbristas de la clase alta en tempera y acuarela. Se destaca en los retratos de mujeres
y niños, y sus pinturas de temas urbanos.
Con la llegada de Cesar Bade a Argentina, toman incremento las artes gráficas. Fundó las
primeras imprentas e introduce la litografía, aquí se publican los libros con estampas de
costumbres y tipos similares a las editadas en Europa. Sobre salen las escenas registradas
por Carlos Morel (Primer pintor Argentino), quien pintó importantes retratos, escenas
costumbristas y temas paisajísticos como “la calle larga de Barrocas”.
Pueyrredón es uno de los pintores más importantes de Argentina. Pertenece a la clase alta y
estudia en Europa; retrata a los de su clase y a los militares caudillos. Realiza también
algunos cuadros muy controversiales, como lo es el de la mujer negra vestida de dama con
sirvientes blancos; es una trasgresión a las normas de la época, expresa la
multirracionalidad de la época pero al revés. Tiene un gran manejo del color, que se expresa
en sus desnudos de jóvenes del campo muy robustos, pero estos no pudieron ser exhibidos
en público.
A partir de 1829, Rosas fue nombrado gobernador de Bs.As y conduce por delegación de
las demás provincias, las relaciones exteriores y los asuntos de paz y guerra. Se nuea a
todo intento de organización general y corriente, sus potestades diplomáticas y militares en
una verdadera jefatura de Estado. En arte se lo mostraba como algo supremo, majestuoso,
mientras que desde su caída en 1852 se lo ve como un ser salvaje y bárbaro, al igual que a
todos los federales.
La mayor producción plástica del S.XIX está constituida por retratos. Después de la
segundad mitad del siglo, decrece debido al invento del daguerrotipo y muchas familias
sustituyeron la pintura por la fotografía.
Por otro lado, en el período 1852 al 1900, se llama a los pintores los “ORGANIZADORES”.
La actividad artística se organiza a través de exposiciones, hay un mayor acceso al arte
cobrando importancia la sociedad del Buen Gusto (creada en 1817), se crea la Cátedra de
Anatomía en la UBA; se utilizan modelos reales para la pintura y escultura, se dan becas a
pintores y escultores jóvenes para estudiar en Europa; ahora el artista argentino vieja y trae
para sus compatriotas los contenidos y la visión del arte europeo. No hay artista que se
respete si no ha hecho su perfeccionamiento en el viejo continente. Se van formando
instituciones de arte como el MNBA.
En esta época, Urquiza, caudillo de la Provincia de Entre Ríos, defensor de una
organización territorial basada en una Constitución Central, encabeza una Revolución contra
Rosas, derrotándole el 3 de Febrero de 1852.
Posteriormente se promulgó una nueva Constitución donde fue elegido Presidente, aunque
la ciudad de Bs.As permaneció separada bajo la influencia de Mitre.
Con su triunfo asciende socialmente el uruguayo Juan Manuel Blanes, quién pintó ocho
telas sobre sus batallas y combates, donde se ve a Urquiza victorioso.
Es un pintor más esquemático. Una pintura muy reconocida es un episodio de la fiebre
amarilla en Bs.As, reconocida por su realismo.
A fines del siglo, toman importancia los bodegones. Otro artista importante fue Eduardo
Sivon, quien realiza la obra “El despertar de la Sirvienta”, tratándose del desnudo de una
sirvienta e insinuaba una crítica social. Acunaba la influencia del realismo de Coubet, con
algunas décadas de atraso.
Ernesto de la Carcova fue también muy importante. Pinto “Sin Pan y sin Trabajo”, una
escena de pobreza en una casa de trabajadores, con la mesa sin pan y las herramientas sin
uso, y por la ventana se ve una fabrica cerrada y manifestantes a punto de ser reprimidos.

1810-1830 – Pintores Viajeros

En este periodo de tiempo trabajaba en Buenos Aires un grupo bastante numeroso de

artistas europeos. Estos eran militares y científicos europeos, atraídos por estas tierras.
Estos pintaban lo que veían en sus viajes, era un lenguaje ilusionista con respecto a la
naturaleza, por lo tanto miraban y dibujaban y hacían bocetos a la acuarela sobre los
mismos; luego, los editores pagaban los gastos y publicaban los grabados que satisfacían la
curiosidad de los europeos.
Emeric Essex Vidal, hizo acuarelas y dibujos que captaban lugares, tipos y costumbres de
Buenos Aires. Estos fueron reproducidos en grabados y publicados en Londres.
Otros de los pintores destacados en este periodo fueron Juan Felipe Goulou y Guth.
J.F. Goulou: podemos nombrar su obra ´´Lucio Victorio Mansillar´´.
Vidal: podemos hacer mención a su obra: ´´Pescadores´´ , una obra la cual sirve de
documentación de las costumbres argentinas, del gusto, etc. Por lo general, detrás de las
acuarelas, se encontraban o hallaban las explicaciones de la misma.

1830-1850 – Pintores Precursores.

Estos eran extranjeros que se radicaban definitivamente en Argentina. Se los llamó también
´´los primeros pintores porteños´´.
Los temas que pintaban eran criollos, o indios, pero la visión es la visión europeo y esto es
en definitiva lo que pesa en el arte, y en la acción que ejerce sobre el espectador. Podemos
ver cuadros en los que al sacar los elementos típicos argentinos que se encuentran en la
obra, como el mate, las negras, etc, parecen un cuadro representando una sociedad
europea –hacemos alusión a la obra vista en un teórico sobre una reunión social (tertulia)-

-Bacle:
Se dedica a la litografía. En 1830 comienza con las publicaciones de litografías descriptivas
de las costumbres pintorescas del país.
Luego de publicar varias vistas de Buenos Aires tomadas de aguadas y acuarelas de
Pellegrini, entre 1833/1835, editó el album ´´ Trages y costumbres de la Provincia de Buenos
Aires´´ , la obra esta compuesta por 6 cuadernos con 6 litografías cada uno, dedicados a
diversos temas populares : los trabajos y oficios realizados a pie, caballo, y carro; los
señores porteños; los peinetones.
´´Trages y Costumbres´´, incluye en sus estampas una serie de 6 caricaturas sobre la moda
porteña de los peinetones, como ser : ´´¡Auxilio, que el ventarrón se arrebata a mi señora!´´.-
Las litografías de Bacle, demuestran el interés por lo popular , por la vida urbana cotidiana,
por las modas, y las costumbres.
Entre 1830/1835, Bacle dio a conocer la colección general de las marcas de ganado de la
Provincia de Buenos Aires.
Se pueden reproducir 3 marcas de ganado usadas en la Rep. Argentina. Estas expresan un
trastorno mítico y sus imágenes están íntimamente conectadas con las imágenes de otras
épocas, y latitudes.
Las marcas de ganado constituyen el equivalente argentino de los signos neolíticos del viejo
continente. Se trata de un arte esquemático, anónimo, colectivo y de parecido significativo.
El neolítico Argentino ha sido grabado sobre el animal vivo. El s. XIX argentino tiene
estructuras que en otro nivel recuerdan a las del neolítico. El rasgo mas característico del
neolítico fue el surgimiento de la ganadería y de la agricultura en la economía y en la
sociedad.

Pellegrini:
Es otro pintor destacado de este momento. Su actividad artística se extendió
aproximadamente una década. Trabajo sierre con tempera, y acuarela; solo se conservan 2
óleos de su mano.
Este pintor era un pintor de ocasión; se enriquece por el hecho de retratar a las familias
porteñas que pertenecían a la alta burguesía (los nuevos ricos). Son de notoria calidad, a
pesar de su escasa erudición académica, sus retratos femeninos e infantiles. Pellegrini, fue
atraído por los temas urbanos. Pintó algunas de las primeras representaciones de la cuidad
de Buenos Aires, de sus alrededores y de sus personajes. Son vistas muy objetivas de la
arquitectura del Cabildo, de la Pirámide de Mayo, de la Catedral, como así también el
entorno a la Plaza de la Victoria y las calles vecinas: sacerdotes, policías, y soldados;
vendedores diversos, aguateros, ganaderos, etc
En 1841, editó un album: ´´Recuerdos del Río de La Plata, con 20 litografías que
reproducían aspectos de la ciudad, sus iglesias, y edificios, escenas gauchescas, etc.

-Augusto Quinsac de Monvoisin

Obras destacadas:
@ ´´La porteña en el templo´´
Se aprecian en la misma saltos de luz en el entorno como en la vestimenta. Es destacable el
trabajo fino en el pañuelo, y en las manos.
@ ´´Gaucho Federal´´, realizada sobre un cuero de potro. La obra documenta la
vestimenta excepcional. Es destacable el color rojo en la obra, el rojo federal (representa la
ideología de la época).

-Carlos Morel (1813/1894)

Fue cronológicamente el primer pintor argentino. Pintó retratos, batallas, grabó tipos y
escenas y es el autor de ´´La calle larga de Barracas´´, de alto nivel y muy audaz para la
época en la cual fue pintada. Logra en este la perspectiva, como así también el tratamiento
de las sombras y de los reflejos, los cuales anticipan algunos de los recursos impresionistas.
En este óleo aborda el género paisajístico; es una vista de la actual Avenida Montes de Oca,
tomada desde un punto de vista alto, lo cual permite una minuciosa descripción.
La pintura de este puede denominarse romantica, pero es necesario tener en cuenta que es
un romanticismo eléctico.
Sus retratos, litografías, de carácter costumbristas y sus telas : ´´ Combate de caballería en
la época de Rosas´´ y ´´Carga de caballería del ejercito federal´´, son muy destacadas y
renombradas. Esta ultima obra , presenta un primer plano con los cuerpos caídos de los
combatientes, y en segundo lugar, muy próximo , la lucha de criaturas y bestias de ambos
bandos. En este lugar los jinetes derribados, los caballos desbocados, las escenas de
desguello y sangre, la abundancia de elementos , presentan la dramaticidad de la batalla.
El cielo y los fondos de carácter siniestro, y los últimos planos, pintados como bocetos,
subrayan la visión romántica.
Morel como costumbrista pintó también, en sus obras : detalles costumbristas, como el
asado, el mate, la descarga de bultos, el ropaje típico, etc. Un ejemplo podría ser:
´´Caballería Gaucha´´
-García del Molino
Discípulo de Morel, puede ser considerado el retratista de la época de Rosas. Desde 1832.
realizó una enorme cantidad de retrato. La mayor parte de ellos antes de 1852. En varias
oportunidades retrató a Rosas. Lo hizo en miniatura sobre marfil, en óleos de dimensiones
diversas y en rápidos croquis al lápiz.
Era un pintor muy acotado, no tenía gran manejo.-

Prilidiano Pueyrredón.
Pintaba pero pertenecía a la clase de los que eran retratados y no a la clase de los que
retrataban. Se conocen 223 obras suyas de los cuales 137 so retratos. Hizo escenas,
paisajes, y además hizo desnudos, cosa excepcional en el medio que lo rodeaba.
En 1849 retrató a Manuelita Rosas de cuerpo entero. Es un cuadro que no es estridente y
esta logrado con maestría. Es destacable el predominio del rojo.
Este cuadro responde al prototipo de un romanticismo no integrado en la sociedad, un
romanticismo que denota el cambio en el gusto, pero no el cambio de actitud ante la realidad
histórica. Es una mezcla de romanticismo y academicismo.
Hacia 1860 se advierte en sus pinturas la tendencia hacia la representación naturalista
ingenua no exenta de rasgos románticos. Ej: ´´Un alto en el campo´´(1861) Utiliza la
perspectiva; se percibe una concepción naturalista ingenua en la llanura y en el carecer
anecdótico del tema.
Pueyrredón pintó algunos cuadros de desnudos femeninos, como ser ´´EL baño´´, ´´La
siesta´´. Impacta el uso del blanco en los mismos, y el equilibrio cromático.
1852-1900 –Los Organizadores.

Con el triunfo de Urquiza triunfa socialmente el uruguayo Juan Manuel Blanes, que había
pintado ocho batallas en la residencia de Urquiza, en San José.
El país crecía y se iba concretando su organización . El gobierno, cuyas finanzas prosperan
otorgan becas a jóvenes artistas para estudiar en Europa. Así como van surgiendo las
instituciones políticas y Económicas del país se van formando las instituciones de arte.
Durante la presidencia de Sarmiento se inaugura una exposición en Córdoba, en 1871. En
1873 se funda la sociedad Estímulo de Bellas Artes, entre cuyos integrantes se destacan los
hermanos Sivori, Eduardo Schiaffino, y el italiano José Aguyari.
Del seno de esta agrupación surgió una escuela de Bellas Artes y el Ateneo, que promovió
las exposiciones de 1893,1894,1895,1896.

-Blanes: (primer cazo de mecenazgo)

Nacido en Montevideo.
Hacia 1853 pinto decoraciones, alegorías, y retratos.
En 1857 viaja a Buenos Aires debido a la epidemia de fiebre amarilla. Pinta ´´Un episodio de
la fiebre amarilla en Montevideo´´, que expuso luego en Buenos Aires.
Protegido por Urquiza en sus comienzos, fue cronista de cada una de las batallas a pedido
de Urquiza.
En 1896 finalizó ´´Ocupación militar del río Negro, 1879´´, cuyos primeros bocetos había
comenzado en 1890. Es una tela de grandes dimensiones perteneciente al Museo Histórico
Nacional de Buenos Aires. Sus caracteristicas lo ligan a la concepción de la pintura
fotográfica. Esto es evidente en la manera ne que describió con precisión los unifoems
militares y los detalles documentales de un conjunto lleno de hombres y animales.

-Giudici:
Una de sus telas mas destacas es ´´La sopa de los pobres´´. El cuadro representa la vida de
los pobres, la existencia miserable de la clase más desposeída de Venecia. Los ropajes
desgastados, andrajosos, y los gestos de los personajes muestran todas las etapas de la
vida.
Giudici pertenece a la escuela del realismo social. Este se inclinó hacia la pintura de
historia, los retratos, las escenas de género, los paisajes y las marinas.

-Sívori:
Una de sus obras mas conocida es ´´El despertar de la sirvienta´´, se aprecia en la misma,
un ambiente de pobreza, el fonfo es oscuro, y el personaje de la obra es una mujer desnuda.
El tema, lo podríamos resumir en dos simples palabras una ´´mujer desnuda y su pobreza´´

MODERNISMO

En el termino genérico de Modernismo, se incluyen aquellas corrientes artísticas que en la

última década del S.XIX y en la primera del S.XX, tiene en común la decisión de hacer arte
conforme al propio tiempo y la renuncia a los modelos clásicos, la búsqueda de una
funcionalidad decorativa, la aspiración a lograr un lenguaje o estilo internacional y europeo,
y la voluntad de interpretar la espiritualidad que decía inspirarse en el industrialismo.
El modernismo arquitectónico combate el eclecticismo de los estilos históricos, no solo por el
falso historicismo, sino por su oficialidad que implica la idea de una ciudad representativa de
la autoridad del Estado. Por el contrario, lo que se quiere es una ciudad viva, que se integre
en el espíritu de una ciudad activa y moderna.
La arquitectura debe adoptarse a las nuevas formas con las que la sociedad expresa su
sentimiento del presente; a las técnicas que reflejan el dinamismo interno.
Las corrientes desarrolladas en esta época, representan ciudades no países. Buscan
devolver un lugar importante a la arquitectura, incorporando la maquina y la arquitectura
industrial. Nose enfrentan a la ingeniería, sino que la incorporan.

Las principales corrientes o escuelas son:

- La de Glasgow: desarrollada en Inglaterra por un grupo de arquitectos y diseñadores cuyas
obras representaron un paso decisivo en la evolución del modernismo. Su mayor
representante fue Mackintonsh.
- sucesión Vienessa: Austria
- Liberty: Italia: es la menos importante. Roma no podía desprenderse de su pasado.
- La de Chicago: principal ciudad de EE.UU en la producción de acero. Es una escuela más
práctica. Realizan los primeros rascacielos.
Su principal aporte fue el desarrollo de la tipología RASCACIELOS, donde consiguieron una
combinación perfecta entre la mampostería de piedra de la fachada y la estructura interior
de hierro. Gracias a este sistema constructivo, en el que el esqueleto se levantaba
rápidamente y sobre él se dispones e cerramiento, se conseguían resolver dos de los
mayores problemas que planteaba la ciudad moderna: la escasez de terreno y la escasez de
tiempo.
Así surgen los ascensores eléctricos, permitiendo suprimir elementos decorativos
tradicionales en beneficio de estos grandes edificios y proporcionando un equilibrio estético
entre líneas horizontales y verticales.
- Modernismo Catalán: España. Desarrolla una artesanía a gran escala, imposible de
reproducir. Gaudi representa con su obra el nacimiento del modernismo catalán,
sobresaliendo el inacabado templo de la Sagrada Familia donde refleja el espíritu
imaginativo.
-Art Nouveu: se desarrolla en Francia y Bélgica. Es la más importante, la que lidera.
Se utiliza para designar un estilo de carácter innovador que se dio en las últimas décadas
del S.XIX y la primera del S.XX. Se caracteriza por utilizar líneas curvas y formas inspiradas
en la naturaleza, con frecuencia elementos fantásticos y mitológicos. Es el primer estilo que
se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores en busca de la identidad
de lo moderno y urbano; y se desliga del simbolismo en busca de una autenticidad.
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales de singular belleza. Como
estilo decorativo se usó en joyería, cristalería e ilustración de libros.
Hacia 1910 entró en decadencia y tras la Primera Guerra Mundial fue despreciado y
reemplazado como estilo decorativo por el Art Deco: Este surgió como reacción a la
sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau, y a la vez como una estética nueva
para celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno. La principal
característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y jamás elegantes y
volumétricos. Se utilizo principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta y diseño de
interiores.

Movimiento MODERNO – Corrientes.

Se da en arquitectura en la primera década del S.XX y marca una ruptura radical con las
formas compositivas tradicionales. Aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales
industriales, especialmente el hormigón armado, el acero luminoso y el vidrio plano en
grandes dimensiones. Se caracteriza por sus plantas y secciones ortogonales, a menudo
asimétricas, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales
horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores tienden, por lo general, a ser
luminosos.
Este movimiento tiene diferentes corrientes:
- FUNCIONALISMO: entro todas las consideraciones del proyecto, hace hincapié en
aquellas que se refieren a la función, por encima de cualquier consideración meramente
estética. En consecuencia, rechaza la ornamentación y considera que la composición de un
edificio solo debe expresar su contenido. Esta corriente es liderada por W. Gropices, Loos,
Le Corbusier y Mier Van der Rohe.
Los edificios están compuestos por formas simples, no tiene texturas ni decoraciones.
Buscan un tipo de vivienda barata y que de una alta calidad de vida.
La planta es libre, el edificio se debe elevar sobre el terreno a través de pilotes, permitiendo
la libre circulación, la ventana debe ser continua y tener un techo-terraza, eran edificios
transparentes que expresaban apertura y dinamismo. Un edificio importante es la Villa
Saboye de Le Corbusier, es su obra cumbre que le permitió aplicar todas sus teorías. Tiene
formas puras, esta elevada sobre el terreno, ventana continúa que no permite ver desde
afuera las distinciones entre habitaciones. Cinco puntos característicos de la arquitectura de
Le Corbusier: casa elevada sobre pilotes, cubierta ajardinada, planta libre, ventana
horizontal corrida, fachada libre.

- ORGANICISMO: deriva de la escuela de Chicago y fue desarrollada por Frank Lloyal

Wright. La idea principal es que la construcción debe derivarse directamente del entorno
natural. Toma el movimiento moderno y lo asocia a la naturaleza, usando los nuevos
materiales (vidrio, hierro y cemento). Utiliza la planta cruciforme, líneas dinámicas, tiene
verticalidad, chimeneas. Wright creó un modelo específico de cada unifamiliar suburbana, a
base de módulos rectangulares que se integraban plenamente en la naturaleza, llamadas
“casas de las praderas”. Entre ellas se destacan: Casa Robie, tiende a líneas horizontales,
tiene planta cruciforme, chimenea en el centro de la planta. Es una villa urbana por lo que se
articula con la ciudad. Tiene planta baja y dos pisos; Casa de la Cascada, se ubica en una
ladera sobre una cascada. Se relaciona con la naturaleza son violencia, sin inferir.

- CONSTRUCTIVISMO: INICIADO EN Rusia Después de la Primera Guerra Mundial.

Renuncia a la estética de la masa, y la reemplaza por la estética de líneas y planos. Puede
ser considerado como una parte del funcionalismo que abandonó la decoración,
dedicándose a la construcción y en el que el efecto estético viene dado solamente por la
relación masa-espacio.

- DE STIJIL: grupo holandés fundado por los pintores Theo Van Doesbrug y Piet Mondrian
en el año 1917. Pertenecían a él pintores, arquitectos, escultores y diseñadores de objetos
industriales. Este grupo editaba una revista del mismo nombre. En la arquitectura predomina
la línea resta, y la base del edificio es el cubo, rehúsa toda delimitación de las fachadas
interiores, posteriores y laterales. Los tres colores primarios deben cubrir toda la diversidad
de formas añadiéndole, como colores de contraste, blanco, negro y gris.
El cuerpo del edificio es abierto, articulado por la forma y diferenciado por el color.

VANGUARDIA – (en Europa)

El termino vanguardia surge en Francia durante los años de la Primera Guerra Mundial
(1914 – 1917), reflejando el espíritu de lucha, de combate y de confrontación que el nuevo
arte del siglo oponía frente al llamado arte académico.
Desde el principio, el arte vanguardista adquiere una impronta provocadora contra lo
antiguo, lo naturalista o lo que se relaciona con el arte burgués. No será causalidad que
todas las primeras manifestaciones de estos vanguardismos estén repletos de actos y
gestos de impacto social, como expresión del afán imperialista y del profundo fracaso de esa
burguesía por conseguir la paz, será el período en el que, junto a actitudes diversas de
rechazo a la guerra, afloren todas estas manifestaciones artísticas, llamados ismos, que se
sucederán unos con otros. Unas pasaran rápidamente y otras quedaran incorporadas al arte
para siempre.
Estos movimientos, que se dieron a principios a principios del S.XX, buscaban innovación en
la producción artística, se destacaban por la renovación radical en la forma y el contenido,
exploraban la relación entre arte y vida, y buscaban reinventar el arte, confrontando
movimientos artísticos anteriores.
La característica primordial del vanguardismo es la “libertad de expresión” que se manifiesta
alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros
creativos: en a arquitectura se desecha la simetría para dar paso a la asimetría, en pintura
se rompe con las líneas, las formas, los colores neutros y la perspectiva. En la pintura va a
ocurrir una huida del arte figurativo en procura del arte abstracto, suprimiendo la
personificación. Se expresa la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando
colores estridentes. Surgen diseños geométricos y la visión simultanea de varias
configuraciones de un objeto.
Una de las características visibles de las vanguardias históricas es la actividad provocadora.
Se publican manifiestos en los que se ataca todo lo producido anteriormente, que se
desecha por desfasado, al mismo tiempo que se reivindica lo original, lo lúdico, desafiando
los modelos y valores existentes hasta el momento.
Surgen diferentes ismos, diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos
estéticos, aunque con denominadores comunes:
- La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la
innovación.
- Audacia y libertad de la forma.
- El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas unas a otras.

IMPRESIONISMO: no es propiamente un ismo de vanguardia sino un antecedente contra el

que reaccionan los vanguardistas. Su principal aporte a las vanguardias es la liberación del
poder expresivo del color. Los impresionistas aprendieron a manejar la pintura mas libre y
sueltamente, sin intentar ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en
el gran factor unificador de la figura y el paisaje. Pero los pintores impresionistas son artistas
que ya no pretenden ejercer con su arte una modificaron radical en las costumbres de su
época ni están comprometidos con la voluntad de una gran cambio social. Las discusiones
de los impresionistas serán básicamente técnicas y su pintura puede considerarse una
exacerbación del naturalismo a un punto tal que terminará oponiéndose a los orígenes de
aquel. El realismo de Coirbet quería representar la realidad porque en ella encontraba la
esperanza de un cambio, la potencia de los hombres reales, los movimientos de las fuerzas
revolucionarias.
Los impresionistas sustitúyanlas discusiones de contenido por las técnica, la luz, el
objetivismo de la transcripción pictórica. Contra lo cual reaccionaron los expresionistas.
Algunos de sus representantes fueron Monet, Renore, Pissano, Paul Durand-Ruel.
(Otro): El término “Impresionismo'' surge a partir de la obra de Monet “Sol Naciente”,
utilizado por un crítico de forma peyorativa. Este parte de la tradición de búsqueda de una
forma científica de representación del color, tomando la óptica de Newton y los estudios
sobre el color de Chevreul. Los precedentes en el siglo XIX son fundamentalmente Turner,
Constable y Delacroix. Las teorías de Chevreul explican que el color aislado no es percibido
por sí mismo, sino que le afectan los colores que le rodean. Los colores primarios se unen
para formar los binarios, conformando el círculo cromático del cual hablaron ya Goethe y
Turner. Al mezclar colores puros se genera una atmósfera compleja. En principio se excluye
el negro y cada pincelada expresa un color, fundiéndose en la retina del espectador y no en
la paleta. El objetivo del Impresionismo, al igual que el del Realismo, es el de captar la
realidad, con un especial hincapié en la captación de la luz, en un momento determinado.
Sus temas son las playas de Normandía, la vida moderna de París, los ríos cercanos a la
capital, etc. Buscan pintar los reflejos del agua, las estaciones de trenes, los humos de la
industria, tratando de reflejar lo cambiante los temas en que aparecen figuras buscan la
captación exterior de la figura, y del efecto de la luz sobre esta. . Los artistas tienen un
carácter urbano, reuniéndose en cafés como el “Guerbois”.

IMPRESIONISMO: Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor
francés Georges Seurat. El objetivo de Seurat era sistematizar una teoría del
color que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través
de la técnica que denominaba divisionismo (conocida hoy día como puntillismo), Seurat
aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de pigmento puro, con fuertes
contrastes de color. Estas composiciones, contempladas desde una distancia óptima,
reproducen con brillantez los efectos lumínicos. Además de un uso sistematizado del color,
otro principio básico del neoimpresionismo fue la composición concienzuda del cuadro, así
como el cuidado del dibujo. En este aspecto el neoimpresionismo rechazó el ideal
impresionista de la objetividad no estructurada. El inmenso cuadro “Un domingo de verano
en la Grande Jatte” (1886, Instituto de Arte de Chicago) es una muestra de la madurez de
Seurat y fue el punto de atracción en la "Exposición impresionista" de París, celebrada en
1886. Otros destacados componentes de este estilo fueron Camille Pissarro y Paúl Signac
(quien se convirtió en un apasionado propagandista del movimiento). Por su esquematismo
formal y su cualidad científica, el divisionismo se convirtió en un importante precursor del
arte moderno: una retrospectiva de la obra de Seurat, llevada a cabo en 1905, tuvo una
influencia decisiva en la aparición del cubismo.

POSTMPRESIONISMO: Término que engloba los diferentes estilos pictóricos que

sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue acuñado
por el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres
de pinturas de Paúl Cézanne, Paúl Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres
artistas, también se incluyen en esta corriente Henri de Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los
impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y
presentaron una visión más subjetiva del mundo.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y
una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la
pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies,
como en “Pinos y rocas“(1895-1898, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por
las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza
anticipó los experimentos del cubismo. Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas
y decorativas, como se aprecia en la obra “Calvario bretón” (1889, Palacio de Bellas Artes,
Bruselas). Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en “Noche estrellada” (1889, Museo de Arte Moderno de Nueva York), preludió
el expresionismo. Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones
lineales de los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de
contorno y los colores planos.

EXPRESIONISMO: Es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del
S.XX, entre 1905 y 1925 en Alemania y otros países centroeuropeos, ligado al fauvismo
francés como arte expresivo y emocional que se opone al impresionismo.
Entre los principios de esta corriente artística se señalan: la reconstrucción de la realidad, la
relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la
antigua del mundo y de la vida a través de las novelas y dramas donde se habla de los
limitantes sociales impuestas a la libertad del hombre. Pretende expresar fobias del ser
humano. Por lo tanto, no requiere de una buena técnica, mide un resultado estéticamente
bello.
Se va a enfrentar básicamente como la teoría estética a las ideas realistas, a las viejas ideas
impresionistas que habían aparecido en Europa en los últimos veinte años del S.XIX, y va a
plantear que l real no es fundamentalmente aquello que vemos en lo exterior, sino aquello
que surge en nuestra interioridad cuando vemos, percibimos, intuimos o producimos algo.
(Otro): el artista expresionista trato de representar la experiencia emocional en su forma
más completa, sin preocuparse de la realidad externa, sino de su naturaleza interna y de las
emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se
distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística. Los auténticos precursores
del expresionismo fueron Vicent Van Gogh y Edverd Munch, quienes utilizaron colores
violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión mas interna. Aunque este
último (Munch) no milito en las filas de este movimiento, esta considerado como el padre del
expresionismo por su capacidad para retratar los conflicto internos de sus personajes. Ej. “El
Grito”

EXPRESIONISMO ALEMAN: el expresionismo en Alemania tuvo tres grupos importantes:

- El Puente: es el primer grupo conformado por artistas jóvenes; se desarrolla entre 1905 y
1913. La pincelada expresionista se hace violenta y agresiva. Su obra debe denuncias la
hipocresía burguesa. El paisaje que representaron es subjetivo, pasional, apocalíptico y con
contrastes. Además de paisajes, pintaron retratos y dedicaron especial atención a las
escenas de desnudos moviéndose en la naturaleza. Entre sus integrantes se encuentran:
Ernst Ludwing Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rattluf.
- El Jinete Azul: es el segundo grupo y se desarrolla en 1912. Es un grupo más intelectual,
no tan critico como el puente. Los temas son, la naturaleza, los animales y los paisajes. El
principal objetivo es romper los limites tradicionales de la expresión artística, además el
deseo de recuperar un sentido espiritual mediante un actitud reflexiva y serena. Este grupo
surgió en torno al artista Kandinsky, quien funda la línea camino a la abstracción, pero en su
imagen se puede reconocer elementos concretos.
- La Nueva Objetividad: (1920 – 1933): surgió de la desilusión subsiguiente a la Primera
Guerra Mundial. Critica a la sociedad pero desde una mirada diferente al puente, se
caracterizo por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente
cínica. Fue fundada por Otto Dix y George Grisz.

FAUVISMO: Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908,

aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los
fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en
favor de los colores violentos.
Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy
marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.
Sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque,
Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal
exponente.
Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en
Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban
pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de
los impresionistas.
Hacia 1905, Matisse y Derain empezaron a usar los colores complementarios puros, en
pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que
representaciones objetivas de la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el
espectador el espíritu del Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los
mares del Sur de Gauguin, se confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se
consolidó el movimiento fauvista
(Otro): Es heredero del impresionismo. Se caracteriza por la utilización arbitraria de los
colores, que dan sensación de caos pero también de alegría porque las obras buscan
agrandar a la sociedad en época de crisis. Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos
naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos introducidos por
Gauguin y Van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza
poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado. De los impresionistas
tomaron ciertos temas: escenas de la vida cotidiana en la ciudad o el campo, paisajes o
interiores en los que la luz y el color eran el elemento fundamental. El principal exponente es
Henri Marisse, quien rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del
color. Otros son Marquet, Derain.

CUBISMO: Nació en Paris, Francia en 1905.

Sus principales rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar,
desdoblamiento del autor, disposición grafica de las palabras, sustitución de lo sentimental
por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas.
Algunos inspiradores y principales maestros del movimiento son: Juan Gris, Léger,
Metzinger, Gleizer, Cézanne.
Ej. Collage “La jabouisir” de Juan Gris.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el “Collage”, y principalmente la descomposición
de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos
todos sus planos en la obra.
Su tipo de poesía mas popular fue el “caligrama”.
Uno de sus fundadores y protagonistas fue Pablo Picasso.
(Otro): su principal objetivo era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir
plasmas de modo simultaneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples
ángulos, es decir, la posibilidad de incluir las cuatro dimensiones. Sus principales
representantes fueron Pablo Picazzo y George Braque. Picasso dio lugar al cubismo con la
obra “Las Señoritas de “. Las obras eran dotadas de una gran energía y de un
sentido plástico muy interno, donde los planos actúan unos sobre otros e incluso son
definidos por color. La realidad fue reducida a conos, cilindros o cubos. La paleta de colores
fue limitada a los tierras, grises y verdes, para acentuar el carácter constructivos de las
obras. No una la perspectiva, plantea una realidad paralela. Asimila el arte africano y
primitivo porque era diferente al arte clásico grecolatino y bidimensional.
El cubismo tuvo dos etapas:
- Cubismo Analítico (1909 -1911): se representan las cosas como se sabe que están
construidas, su estructura esencial, desmenuza el objeto. Se pierde la relación figura –
fondo, con obras de difícil lectura por lo que los títulos explican el cuadro. No llegaba la
abstracción porque hay elementos reconocibles. Se mantienen en su mismo tono.
 Se basa en la descomposición de las formas de modo geométrico.
 Superposición de elementos compositivos.
 Severidad cromática.
 Abordaje de la representación del objeto desde múltiples planos o puntos de vista.
 Luz arbitraria, y en casos bruscamente geometrizada.
 Temas: retratos, naturalezas muertas, instrumentos musicales, muebles.
 Técnica: pintura, collage o papiers colles; assemblage en la tridimension.

- Cubismo Sintético (1911-1914): se utiliza el collage aplicando parte de la realidad. Se

busca reconstruir el objeto de forma arbitraria, dando la forma básica. Su lectura es más
simple y las obras mas limpias.
 Composicion claramente geometrica.
 Síntesis del tema, claramente reconocible.
 Paleta enriquecida.
 Hacia 1914, se incorporan efectos puntillistas y texturas.
 Se reconoce a “Los tres músicos” (P. Picasso. 1921) como pieza culminante del
Cubismo Sintético.
 Temas: retratos, naturalezas muertas, instrumentos musicales, muebles.
Técnica: pintura, collage o papiers colles; assemblage en la tridimension.

FUTURISMO: Movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surge en Italia

(Roma), impulsado por el poeta Marinetti.
Según su manifiesto, publicado por Marinetti en 1909, sus postulados eran la exaltación de
lo sensual, lo nacional y guerrero, lo adjetivo de lo literario y la disposición especial de lo
escrito, con el fin de darle una expresión plástica. Rechazaba la estética tradicional e intentó
ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la maquina y el
movimiento.
(Otro): (1909 – 1916) Italia. Los futuristas querían destruir el culto aplazado, la obsesión por
lo antiguo, despreciaban cualquier forma de imitación, exaltan cualquier forma de
originalidad. Este movimiento rechazo la estética tradicional e intento exaltar la vida
contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la maquina y el movimiento. Se
caracterizo por el intento de captar la sensación de movimiento, para lo que se utilizo la
superposición de fotografías en un mismo plano o la repetición de figuras. Los principales
artistas fueron: Umberto Bacciori, Carra, Russdo y Severino.
Con respecto a la arquitectura, plantean que la nueva medida es la estructura y plantea
nuevos tipos edilicios: las estaciones de tren y aviones, centrales, casas con ascensores.

EXPRESIONISMO: Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las

emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento
expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción
frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento,
particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.
El artista expresionista trató de representar en su forma más completa, sin preocuparse de
la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el
observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar
la comunicación artística. Aunque el término expresionismo no se aplicó a la pintura hasta
1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos.
El expresionismo Alemán tuvo dos grupos muy reconocidos, Die Brücke (El puente) de la
ciudad de Dresde, y Der Blaue Reiter (El jinete azul). El primero recibió grandes influencias
de los maestros del Romanticismo Alemán y de otros artistas como Van Gogh y Edvard
Munch. Estos artistas bebieron de tres fuentes Principales: la escultura africana y oceánica,
la xilografía Alemana y los dibujos infantiles. Se caracterizaron por una pincelada violenta,
empastada y agresiva, utilizaron colores de influencia fauvista con tintas intensas y
contrastadas. El segundo grupo oriundo de la ciudad de Berlín, compartió varios principios
con Die Brücke, tal como el afán de la renovación, búsqueda de lo esencial y el rechazo
hacia el impresionismo, las diferencia surgen a la hora de la representación ya que los
artistas del jinete azul rechazan la violencia de Die Brücke. Los principales artistas de este
grupo son Kandinsky, F. Marc, P. Klee y A. Von Jawlwnsky. Estos artistas muestran en sus
obras influencias Africanas, Oceánicas, Precolombinas entre otros.

RAYONISMO: Movimiento ruso, creado por Lorianov alrededor de 1910, reconocido como
una de las manifestaciones del arte abstracto. Natalia Goncharova fue otra figura
importante. Las obras de estos dos artistas denotan un interés por movimientos como el
cubismo o el futurismo. Sin embargo, defiende un principio propio, basado en el
descubrimiento científico de la radiactividad y de los rayos ultravioletas, propone plasmar la
percepción de los rayos que emanan del objeto y la propagación rápida y simultanea de la
luz. El color se convierte en el tema central de la obra.

ABSTRACCION: (1910) No tiene relación con elemento alguno de la realidad (Rusia).

Enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, resaltando su valor y fuerza
expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. Trata de plasmar un proceso de
necesidad expresiva libre, porque se sustenta de su propio lenguaje. Se despoja totalmente
del objeto y hasta lo ignora.
El despegue definitivo del arte abstracto fue en 1910, con la primera acuarela abstracta
hecha por Kandinsky.pero su principal artista fue Piet Mondrian.

SUPREMATISMO: el principal autor es Malevich, quien en 1913 abandona el cubo-futurismo

para elaborar su estética suprematista. Es una abstracción de tipo geométrico,
fundamentada en el uso de formas simples y elementales: líneas rectas, cuadrados, cruces,
colores planos (blanco y negro). Este movimiento pretende sensibilizar al hombre en su
interior y crear estímulos visuales.

DADAISMO: fue un movimiento artístico surgido en europea y norteamericana. Apareció en

Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Rzara como sus fundadores.
Dentro de sus motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la violencia extrema a la
perdida de sentido que trajo la guerra mundial.
Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, al nihilismo (negación) y a lo absurdo. El
procedimiento dadaísta busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales
inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una lógica
general de rebeldía o destrucción. No es un movimiento de rebeldía contra otra escuela
anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de
la literatura de antes de la primera guerra.
(Otro): se caracteriza por el desconcierto, la ironía, la negación de los valores, la burla, la
crítica y la ruptura del concepto del arte. Se utilizan métodos artísticos incomprensibles,
absurdos e irrazonables, que buscaban dejar perplejo al público para que reconsiderara los
valores estéticos establecidos. Para ello incluían nuevos materiales como los derechos
encontrados en la calle y nuevos métodos como la inclusión del azar para determinar los
elementos de sus obras. Entre los integrantes de este movimiento se encontraban: Marcel D
, su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contacto
para situarlo en ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a
los objetos la categoría de obra de arte.
SURREALISMO: La capacidad imaginativa y la sugerencia de sus construcciones mentales
significaron una verdadera revolución en el arte posterior a la Primera Guerra.
Se ha dicho que el surrealismo viene directamente del dadaísmo, pero hay que destacar sus
orígenes autónomos, más allá de las líneas de contacto comunes. Si el dadá es un arte que
propugna destruir, provocar el caos y aniquilar, el surrealismo construye una concepción del
arte y de la vida.
Surgió en Francia con Breton, quien siguiendo a Freud se interesó por descubrir los
mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional.
Se caracteriza por pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y humor negro
con el fin de destruir todo sentimentalismo y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la
conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.
Su traducción sería algo como “surrealismo” o “sobre el realismo”. De esta forma quería dar
a entender el arte que esta más allá de la realidad.
(Otro): surgió en Francia en 1921, en torno a la personalidad del poeta Andre Breton,
Retoma elementos del Dadá, como el papel del inconsciente en la actividad creadora,
aunque de forma más ordenada y seria. Incorpora los elementos que no están presos de la
razón. Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro.
Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explorar sus sueños y
fantasías infantiles (El Campo Labrado), con obras donde el automatismo es predominante
(Nacimiento del Mundo) y las obras donde se desarrolla su lenguaje de signos y formas
bioformas (personaje lanzando una piedra). Otro personaje importante fue Salvador Dali,
quien transcribe sus sueños de manera más o menos fotografías.

CONSTRUCTIVISMO: Tatlin creo con sus relieves abstractos una de las primeras
formaciones del constructivismo.

NEOPLASTISISMO: Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía
despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de
un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van
Doesburg fundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo
primer número apareció publicado el manifiesto Neoplasticista.
Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y
Picasso, y en la teosofía (1), reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del
cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al
negro, el blanco, el gris y los tres primarios. Entre sus principales representantes se
encontraban, además de Van Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges
Vantongerloo y los arquitectos Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre
otros.
El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como
fuera de su círculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el
suprematismo de Maliévich, el origen de la abstracción geométrica.

PINTURA S.XX

En Argentina no hay Vanguardias ni escuelas, sino grupos que se reúnen por afinidad y
toman los movimientos y las innovaciones europeas, las copian y modifican. La década del
´20 es la explosión de las corrientes que asimilan las vanguardias europeas. Se conforma
una modernidad periférica porque no parte de un lugar hegemónico, sino que recibe los
cambios de Europa. Es una modernidad ecléctica y moderada, no radical y constructiva. Los
temas principales son los paisajes, retratos, desnudos, animales y costumbrismo pero la
pincelada es mas cargada y pastosa. Muchos se forman en Europa por lo que traen las
influencias a Argentina. Los paisajes son autóctonos.
Hay cuatro grupos principales de artistas que toman como base alguna vanguardia en
particular:

- GRUPO BOEDO: conformado por pintores como Vigo, Bellocq y Arato. También escritores
y periodistas. En la década del ´20 retoman el impresionismo, el naturalismo y el
expresionismo.
Se caracteriza por su temática social, su pensamiento de izquierda y su cercanía con los
sectores populares. Busca innovaciones vanguardistas de contenido. Estos quisieron ser la
expresión de los medios populares. Busco innovaciones vanguardistas de contenido. Estos
quisieron ser la expresión de los medios populares que no siempre logran. En el ´20 y ´30
pintan imágenes de conventillos y escenas de los inmigrantes, obreros y el mundo cotidiano
y gris de los pobres. Generalmente muestran una visión sobria y pesimista de la realidad.

- GRUPO FLORIDA: Formado en 1924 por pintores como Xul Solar, Berni, Peranti, Baquel
Former, entre otros. Se basa en la abstracción y el futurismo. Buscaron innovar con respecto
a la forma, hacen un arte no figurativo de base geométrica, introduciendo nuevas formas
poligonales y omitiendo cuadrados y rectángulos. Con obras planas, bidimensionales y sin
perspectiva, evitan la ortogonalidad. Utilizan los tonos grises.
- GRIPO ORIÓN: formado en 1939 por pintores como Micelis, Barragan, Verrir, entre otros.
Se demonizan superrealistas pero toman el surrealismo.

- GRUPO ESPARTACO: Frmado en 1959 por pintores como Sanchez, Mollari, Carpoli, entre
otros. Estos murales son realizados en sindicatos, escuelas y espacios urbanos. Critica la
pintura de caballete. Se trata de hacer un arte de contenido social pero con lenguaje de
contenido actual y vigente. Utilizan grandes volúmenes, imágenes petras y movidas
enmarcadas por estructuras geométricas.

ARQUITECTURA INGENIERIL

Si bien la construcción con hierro y conglomerado no es una invención moderna, hubo

condiciones que llevaron a la utilización del hierro y del cemento como materiales de
construcción; como las grandes producciones de estos materiales a bajo costo, su fácil
transporte, incluso en forma de elementos prefabricados, desde la fabrica hasta la obra; la
economía en tiempo y costo de la producción; el progreso de paciencia de construcción y el
calculo matemático de los cargos e impulsos y la formación de escuelas especializadas para
ingeniaron.
Algo novedoso fue el empleo de elementos prefabricados producidos en serie y
transportados hasta e pie de la obra para ser directamente utilizados. Se ahorra tiempo y
dinero. Tras este interés práctico había una idea revolucionaria de utilizar los materiales y
técnicas de construcción utilitaria para construir un edificio representativo, hacer arquitectura
con procedimientos de la ingeniería.
Las ventajas prácticas del sistema favorecen su difusión, abriendo camino cada vez mas
convicción que solo mediante las nuevas metodologías constructivas se pueden alcanzar
esa configuración dinámica del espacio que corresponde a la sensibilidad, al sentido de la
vida de la sociedad moderna.
Queda consagrado el triunfo de los técnicos con la construcción de la Torre Eiffel,
construcción técnicamente funcional, sin otra finalidad que visualizar y magnificar los
elementos de la estructura. Carece de masa y volumen.
La técnica constructiva del hierro trata de adecuarse a los temas, ritmos, a las formas de
vida de la ciudad moderna, tiene un carácter publicitario.
No existen dos niveles, el de o artístico y el de lo utilitario, solo hay una función, la de la
estructura del edificio y la de su razón de ser en el espacio urbano. No vale utilizar hierro y
cemento para luego cubrirlos bajo una costra artística. Además los nuevos materiales y la
nueva ciencia de la construcción permiten definir nuevas relaciones entre pesos e impulsos
y sobre todo una nueva imagen del espacio, más dinámica.
Tanto la arquitectura como la pintura tratan de transformar la actividad artística, de
representativa en estructurante.
También el empleo del hormigón dio polémica, aunque era difícil definir la naturaleza de un
material artificial, si podía definirse su técnica, la cual difería de la técnica constructiva
tradicional, ya no consistía en superponer elementos sólidos, sino en colar una materia
liquida dentro de formas cóncavas de madera.
Cuando prevaleció que el hormigón no debía servir solo de sustrato sino que era un
autentico material de construcción, al que debía corresponder una morfología apropiada, el
problema ya fue estilístico. La forma arquitectónica nació en negativo en estas cajas
cóncavas para luego presentarse como una forma compacta y continua, plasmada. El
aparato ornamental se suelda con el aparato básico, resultando los dos del mismo proceso
de elaboración.
Así cambia radicalmente la estructura de la imagen arquitectónica, dejan de ser masas y
volúmenes para ser superficies y pilares básicos ligeros, priman los grandes vacíos sobre
los ligeros y nerviosos apoyos, modulación de la forma en la propia materia.
A fines del siglo, pasa a ser uso corriente el cemento armado mediante armillas de hierro
metidas en el empaste, esto permite aumentar la fuerza básica del conglomerado,
combinando además la flexibilidad lineal del hierro con la modelación plástica del cemento,
siendo éstos los avances y progresos del estructuralismo arquitectónico del S.XX.
La construcción en hierro y cemento es la principal causa del rápido proceso de
industrialización de la arquitectura, siendo este avance un gran aporte para la
transformación de la arquitectura en urbanística, como la producción constructora en seria, y
a las instalaciones de la ciudad.

ARQUITECTURA ARGENTINA – S.XX

RACIONALISMO
Es un movimiento arquitectónico moderno en Argentina que se da entre 1930 y 1960 y tiene
características similares a las europeas, pero aquí las ventanas son más pequeñas porque
son mas baratas y requieren menos tecnología que las corridas. Este movimiento agrupa las
más fuertes personalidades de este siglo; sus obras y teorías son individuales pero tienen el
denominador común de la simplicidad de las formas, la forma sigue a la función, usando
materiales altamente industrializados, especialmente el hormigón armado. Es un material
barato, adaptable y que permite la construcción en esqueleto, dejando la planta libre. Se
altera con otros, como acero, cristal o ladrillos.
+ El muro ya no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramientos con
gran numero de ventanas que proporciona los interiores luz y aire. Los soportes son pilares
de distinta sección de acero y hormigón.
+ Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma resta y desnuda, también hay
un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al
nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones proponiendo nuevas formulas, como la
ciudad-jardín. Los edificios mas representativos son las viviendas sociales, en especial
rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas
de concierto y estadios deportivos.
Un ejemplo característico de esta época, es el Obelisco, construido en 1936, y Mario Alvarez
construye el Teatro Municipal en General San Martin entre 1953 y 1960.
Luego del Movimiento Moderno y del Racionalismo, se dan numerosos movimientos
encapsulados en el post-modernismo. En el REGIONALISMO (1960-1980) cada ciudad o
región trata de crear su propia identidad arquitectónica, dejándose sentir, sobre todo, en la
vivienda residencial. Se intenta recuperar la arquitectura con señas propias en
contraposición a las corrientes nuevas que vienen del exterior, por lo que hay distintas
corrientes en Argentina como:
- El Brutalismo
- Movimiento de Casas Blancas
- Regionalismo
+ Buenos Aires toma elementos del estilo internacional, Córdoba vuelve a sus raíces: la
arquitectura jesuita, de ladrillos y tamben el Movimiento de Casas Blancas que se da en
Córdoba y Bs.As, trata de recuperar la arquitectura colonial de casas y edificios blancos,
revocados con tejas, llamado así por el revoque blanco balseado, tiene una concepción
socialista, pueden ser construidas por personas de escasos recursos.
+ En el Brutalismo (estilo arquitectónico que surgió del Movimiento Moderno y que tuvo su
auge entre las décadas de 1950 y 1970), los edificios están formados normalmente por
geometrías angulares repetitivas y a menudo permanecen las texturas de los moldes de
madera que se emplearon para dar forma al material, que normalmente es en hormigón, el
cual queda a la vista.
+ Hacia 1980 terminan estas corrientes por el surgimiento de las modas y el consumo. La
arquitectura pasa a ser producida en un ámbito comercial. Aparece Las Vegas en EE.UU,
donde se puede todo.
Hay presencia de crisis, donde hay nuevas definiciones sobre la arquitectura del fin de siglo.
Movimiento que llega hasta la actualidad: High Tech, edificios inteligentes, manejados por
computadoras para regular la temperatura, seguridad, conductos de ventilación y aire
acondicionado, escaleras mecánicas, transformadores, etc. Todo a la vista.

SALVIA DIVINORUM

Palabras claves:

Renacimiento: Época que comienza a mediados del siglo XV, en la que se despertó en
Occidente vivo entusiasmo por el estudio de la antigüedad clásica griega y latina. Se
concebía el arte como una ciencia que poseía sus propias leyes, y lograron alejarlo de la
intensa influencia que la religión había ejercido durante la edad media.
Se concebía a la humanidad como centro del universo.

Palacio: Casa suntuosa destinada a la residencia de los reyes, donde también el rey daba
audiencia publica.

Vida palaciega: Estilo de vida que llevaban los nobles del siglo XVI basada en lujos,
normas absolutas dictadas por el monarca, quien regulaba el poder sobre un determinado
territorio.

Antropocentrismo: el hombre se vuelve el centro del universo, esto se puede asociar al

descenso del poder de la iglesia.

Humanismo: Humanistas, es una nueva intelectualidad en el renacimiento; generalmente

se asocia a la gente que proviene de la burguesía y que estudian la antigüedad Greco latina.
También se asocia a los mecenas. Poner en el centro a lo humano y natural en lugar de lo
divino.

Mecenazgo: Familias con antepasados condoteriense, que conjugan la tecnología bélica

con el arte.
Mercantilismo: Consistía en doctrinas y practicas nuevas, las cuales acompañaron a la
revolución comercial y represento una forma de intervención gubernativa para promover el
nacionalismo, aumentar el poderío del Estado, y la prosperidad económica. Basada en la
acumulación de metales (provenientes de América): mientras mas metales preciosos
poseían, mayor era el poder del Estado.

Iglesia Renacentista: La iglesia en el renacimiento perdió su importancia primordial. La

armonía cósmica entendida aun como armonía divina reflejada por el estado centralizado.
La iglesia seguía siendo el tema edilicio más importante, pero su forma tuvo que adaptarse
al nuevo concepto de orden. Esto consistió en la geometrización general y en una
acentuación de la centralización.
Se toma la basílica longitudinal como punto de partida, se agregan elementos
estereométricos.
La planta de estas iglesias, en su mayoría de de cruz griega, con el fin de conceder a la
cúpula un carácter dominante. El espacio es homogéneo y su composición puede definirse
como jerarquía de unidades espaciales completas.

Racionalidad: a partir de las nuevas disciplinas del conocimiento (tanto artístico como
científico) se habla de una mirada racional sobre lo que rodea al hombre dentro de este
contexto, también podemos asociar esto a la perdida de poder de la iglesia, y se asocia este
concepto de racionalidad a la clase burguesa, cuya mirada se basa en la razón y la
experiencia a diferencia de la mirada de la iglesia.

Cosmovisión: manera de ver, entender e interpretar el mundo que tiene los hombres de
determinada cultura o época.

Cosmovisión Renacentista:
Principales ejes: ideología humanista, fuerte individualismo, interés por el hombre,
neoplatonismo, uso de la razón, reflexión sobre Dios y el mundo.
El hombre de la época renacentista, encontró ese espíritu en los tesoros artísticos
clásicos.

Cosmovisión Barroca:
Asociado a la contrarreforma de la iglesia, que va a implicar una reflexión sobre los métodos
de representación por parte de la misma para acercar nuevamente a los fieles a la religión.
En este estilo artístico, en donde se produce una conciencia de la representación de temas
religiosos y por otra parte la creencia en un Dios único y absoluto cuya naturaleza esta más
allá de lo representado.

Idealismo: condición de los sistemas filosóficos que consideran la idea como principio del
ser y conocer, se busca la perfección.

Perspectiva Renacentista: Sistema de representación que intenta reproducir en una

superficie plana, la profundidad del espacio y la imagen tridimensional con que aparecen las
formas a la vista. Permitía “proyectar” una obra de arte, mostrando con un dibujo su aspecto
definitivo.

Perspectiva Renacentista: Sistema de representación que intenta reproducir en una

superficie plana, la profundidad del espacio y la imagen tridimensional con que aparecen las
formas a la vista. Permitía “proyectar” una obra de arte, mostrando con un dibujo su aspecto
definitivo.

Barroco: estilo de ornamentación caracterizado por la profusión de volutas, roleos, y otros

adornos en los cuales predomina la línea curva; se rompen los elementos clásicos
anteriores, se trata de un aspecto que denota un gran movimiento en sus elementos
arquitectónicos y la exuberante decoración. Este estilo surgió en Roma con la Iglesia de
Jesús y se desarrollo en los siglos XVII y XVIII.

Reforma: Movimiento Religioso que generó profundos cambios en las formas y el contenido
del cristianismo, se toma como inicio en octubre de 1517, cuando Lutero se opuso a través
de diversos argumentos a la conducta del Papa. Algunos de los argumentos son: acabar con
el pago de las indulgencias, eliminar el celibato sacerdotal, propone cambios en los
sacramentos de la iglesia: la eucaristía no tiene carácter divino, niega la virginidad de María,
niega la confesión, propone la eliminación de las imágenes de los santos.
La reforma divide la iglesia cristiana, Europa queda dividida en Europa cortesana y
católica y en otra protestante y burguesa. También ayudó al crecimiento del poder real.
Abolió la autoridad papal y alentó al nacionalismo, de esta manera los monarcas ampliaron
su poder religioso y político.

Contrarreforma: Ante la expansión de la reforma entre los siglos XVI y XVII se produjo un
movimiento dentro de la iglesia católica, que buscaba revitalizarla y frenar el avance
protestante. La iglesia, realiza el Conicilio de Trento, en el cual se hace una gran autocrítica
proponiendo nuevas ordenes religiosas para la formación de sacerdotes y la difusión de la
fe. Reafirma el celibato, la confesión sin indulgencias pero no tocaron los dogmas de la fe
católica.

Iglesia Barroca: La iglesia barroca puede considerarse variaciones sobre “los tipos básicos
de los de plata longitudinal centralizada” y de “planta central alargada” desarrollados durante
las ultimas décadas del siglo XVI. Se manifestó entonces una búsqueda deliberada de la
integración espacial, y la iglesia barroca sirvió como campo de experimentación para el
desarrollo de ideas espaciales y más avanzadas.

Absolutismo: Al iniciarse el siglo XVIII, el sistema político predominante en Europa era el

absolutismo monárquico, resultado del fortalecimiento del poder real iniciado desde finales
de la Baja Edad Media. Este sistema se sustentaba esencialmente en la nobleza, que
continuaba siendo el grupo dominante, propietario de la mayoría de las tierras y detentador
de cargos y privilegios. La burguesía, a pesar de su enriquecimiento, carecía de influencia
política y permanecía marginada de los círculos de poder.

Protentastismo: conjunto de doctrinas e iglesias nacidas de la reforma luterana. La reforma

dividió el imperio de Carlos V en: católicos y protestantes. En la zona protestante crecía el
poder de las riquezas de los príncipes, sea apoderaban de los vienes de la iglesia.
El emperador aceptó la reforma en los territorios donde ya estaba implantada, pero prohibió
la difusión en los que no era así.

Teatralidad: perteneciente o relativo al teatro. Efectista, exagerado y deseoso de llamar la

atención. Aparato, actitud, tono teatral.

Arte Programático: manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa la

cosmovisión del momento que interpreta lo real o imaginario a través de recursos plásticos;
y que busca plasmar de igual manera el arte sobre las diferentes regiones por las que se
avanza. Ejemplo: en América encontramos construcciones netamente de estilo español.

Urbanismo: conjunto de conocimientos relativos a la planificación, desarrollo, reforma y

ampliación de los edificios y espacios de las ciudades.

Claroscuro: El claroscuro es una técnica artística (en pintura, dibujo y grabado) consistente
en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del
cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. La técnica alcanzaría su
madurez en el barroco.
Distribución muy acusada de la luz y de las sombras en una pintura.

Hotel: Predomino en el Barroco, casa mas o menos aislada de las colindantes y habitada
por una sola familia.

Imprenta: En la reforma protestante, la imprenta jugó un papel fundamental, recordemos

que es la “Biblia” el primer libro que se imprimió a gran escala y que por esto se difunden
rápidamente los textos de la reforma.

Estados Nacionales: centralización de la administración y las finanzas, el control de los

súbditos y la monopolización del poder. Surgimiento de las lenguas nacionales.

Academias: lugar donde los artistas se formaban, donde se enseña pintura, escultura con
base en el dibujo, con un fin puramente estético.

Nuevo Mundo: luego del descubrimiento de América, España conforma colonias en la

misma, denominándolas nuevo España o Nuevo mundo, donde familias de la nobleza se
asentaron de distintos lugares de América formado los virreinatos, principalmente en
México, Perú y el Rió de la Plata.

Burguesía: clase social basada en el comercio, que adquiere gran poder en la época del
renacimiento además de volverse conservadora.

Idea de proyecto: concepto que surge en el renacimiento, se basa en elaborar un proyecto

precio, dirigido por el arquitecto o encargado de la obra (pintor, escultor).
Esto permitía que quien se encargaba de la obra pudiera entender el espacio que el artista
había diseñado: además permitía que si el artista fallecería, al existir un proyecto previo,
quien continuaría la obra pudiera basarse en una idea ya establecida.

Sfumato: Es una técnica que se basa en la superposición de varias capas de pintura

delicadas, proporcionando al cuadro contornos imprecisos, así como un vista de vaguedad
y lejanía. Se utiliza para dar una impresión de profundidad en los cuadros del renacimiento.

Óleo: Estilo renacentista sobre lienzo que se basaba en un acabado muy fino y detalles del
rostro muy delicados.
Planta renacentista: Las plantas de estas iglesias acontecen a una cúpula de carácter
dominante, dando un espacio homogéneo y definirla como una jerarquía de unidades
espaciales.

Elite: (Clase alta y poderosa de una sociedad) Al llegar el Renacimiento surge una nueva
clase social: la burguesía. Está formada por comerciantes y artesanos que tienen dinero. El
dueño absoluto es el monarca, y los nobles se convierten en cortesanos.

Cortesano: Forma parte de la elite renacentista, hombres de armas y hombre de letras.

Monopolio: Como consecuencia al surgimiento del estado moderno, esto implico la

centralización de la administración y las finanzas, el control de los súbditos y la
monopolización del poder.

Virreinatos: Después del descubrimiento de América, Europa trae las colonias al nuevo
mundo. El virreinato de basa en el mandato que le subsigue al rey de España en América.

Escorzo: Representar según las reglas de la perspectiva, la cosas que se extienden en

sentido perpendicular u oblicuo al plano del papel, o lienzo sobre que se pinte.

Plateresco: es un estilo arquitectónico exclusivo del Renacimiento español. Aparece a

comienzos del siglo XV y se extiende durante los dos siglos siguientes. Está caracterizado
por fachadas fuertemente adornadas, como si se tratasen de obras de orfebrería (de ahí su
nombre).En general, se caracteriza por sus adornos de coronas, escudos y frutas. Algunos
de los edificios representativos del Plateresco Por ejemplo: La fachada de la Universidad de
Salamanca.
Coleccionismo: En la época de renacimiento y Barroco se acostumbraba a que las familias
de la nobleza coleccionaran obras de arte (pinturas, gobelinos, esculturas, etc.) que hoy
funcionan como museos en los palacios reales.
Estípite: nueva columna, decorativa, utilizada pero no inventada en el estilo barroco; su
fuste pareciera estar compuesto por pirámides invertidas.
Salomónicas: Los fustes estas columnas se retuercen, dando lugar a la columna en espiral
o salomónica. Predominan en la Arquitectura Barroca.

Hiperdecorativismo: Exuberancia de decorado, utilizado en el estilo Barroco.

Herreriano: es un estilo manierista desarrollado en el último tercio del siglo XVI. La obra
maestra del estilo herreriano es el Monasterio de El Escorial

Mudéjar: estilo arquitectónico que floreció en España desde el siglo XIII hasta el XVI,
caracterizado por la conservación de elementos del arte cristiano y el empleo de la
ornamentación árabe.

-Colonia: Establecimiento fundado por un conjunto de perdonas que van a poblar un

territorio alejado pero que continua perteneciendo a su patria. Territorio que una nación de
apropio.
-Monopolio: Aprovechamiento de la economía por parte de España. En su primer momento
con la caña de azúcar y luego con piedras preciosas.
-Mudéjar: Estilo arquitectónico que floreció en España, desde el siglo XIII al XVI,
caracterizado por la fusión de los elementos románicos, góticos con el arte árabe
-Misiones religiosas: Salida o peregrinaje que hacían los religiosos o varones apostólicos de
pueblo en pueblo predicando el evangelio.
-Órdenes religiosas: Instituto religioso cuyos miembros observan las reglas establecidas por
el observador. Cada institución se distingue de las otras, queriendo imponer su propia
cosmovisión. Como por ejemplo los jesuitas que al surgir de la contrarreforma eran
sumamente conservadores, era gente culta y preparada.
-Leyes de Indias: Conjunto de leyes dictadas por España para la América Hispana, durante
los tres siglos de vida colonial, los virreinatos americanos dependientes de España se
rigieron por un conjunto de leyes que se fueron adaptando a la compleja realidad. Estaba
formado por normas procedentes del derecho de Castilla.
-Virreinatos: Dignidad del virrey. Tiempo que dura su cargo y distrito gobernado por él.
-Sincretismo: Proceso de transculturación y mestizaje entre distintas culturas. En términos
generales, se refiere a como se dio ese proceso entre Europa y el nuevo continente.
-Mestizaje: encuentro biológico y cultural de razas diferentes, en el que éstas se mezclan,
dando origen a nuevas. Se utiliza con frecuencia este término para describir el proceso
histórico sucedido en Latinoamérica que la llevó a su estado racial y cultural actual.
-Aculturación/etnocentrismo: la aculturación se refiere al resultado de un proceso en el cual
un pueblo o grupo de gente adquiere una nueva cultura (o aspectos de la misma),
generalmente a expensas de la cultura propia y de forma involuntaria. Una de las causas
externas tradicionales ha sido la colonización. Etnocentrismo: acto de entender y evaluar
otra cultura acorde con los parámetros de nuestra propia cultura.
-Renacimiento/barroco español:
-Alteridad: es el principio filosófico de "alternar" o cambiar la propia perspectiva por la del
"otro", considerando y teniendo en cuenta el punto de vista, la concepción del mundo, los
intereses, la ideología del otro; y no dando por supuesto que la "de uno" es la única posible.
-Misiones: evangelización realizada por la iglesia en un país de mayoría no cristiana. Se
llamaron misiones o reducciones jesuíticas a los pueblos fundados por la compañía de
Jesús, que tienen como fin evangelizar a los nativos de la actual provincia. De Misiones, el
Norte de Corrientes, Paraguay y Sur de Brasil.
-Estancia jesuita: Construidas entre los años 1616y 1725 por los Jesuitas, surgieron para
sustentar económicamente su obra evangelizadora en la región.
-Regiones: Porción de territorio determinadas por características geográficas, étnicas,
lingüísticas y administrativas
-Regiones económicas:
Noroeste: Salta, Jujuy, Santiago del Estero, Catamarca y Tucumán. El noroeste constituyó
durante toda la época colonial la región de mayor importancia relativa dentro del actual
territorio argentino, debido a su cercanía a un centro exportador dinámico: Potosí
Cuyo: Mendoza, San Juan y La Rioja. La principal actividad era el cultivo de la vid y los
frutales, la producción de ganado bovino, ovino y caballar. En los núcleos urbanos se
desarrollan algunas artesanías: textil, metales, artículos de cuero. Tenían algún comercio
con el litoral. La característica básica de la economía regional es su carácter primario y
eminentemente de subsistencia.
Centro: Córdoba y San Luis. La actividad agrícola estuvo fuertemente vinculada a la
subsistencia de los productores y al consumo del estrecho mercado local. La ganadería
gozo de cierta prosperidad, debido a que Córdoba fue un lugar de producción de hacienda
de carga para el alto Perú. La cría de mulas para las minas de Potosí constituyo así la
actividad más importante de la región y la única vinculada en medida significativa al
mercado externo. La estancia fue la forma típica de organización de la producción ganadera
sobre la base de grandes extensiones territoriales y la ocupación en pequeña escala de
mano de obra esclava. La actividad artesanal estaba destinada a la satisfacción del
consumo local.
Litoral: Buenos Aires, Entre Ríos, Corrientes y Salta. Fue la región más atrasada y menos
poblada durante el periodo colonial. La ausencia de recursos minerales aprovechables y de
población indígena cuyo trabajo pudiese usufructuarse proporcionan las razones básicas de
este subdesarrollo relativo.
Noreste: Misiones, Chaco, Formosa y Norte de Corrientes. El intercambio con otras regiones
se limitaba fundamentalmente a las exportaciones de yerba mate que, aunque tenían un
mercado difundido en todo el actual territorio argentino y sur de Brasil, nunca llego a
constituir un rubro significativo en el comercio del mundo colonial americano.
Solo las misiones jesuíticas lograron un alto desarrollo económico, con una economía casi
comunista.