TEMA 6.

LA DIMENSIÓN ABSTRACTA DEL COLOR

ANTECEDENTES
En La crítica del juicio (1790), obra fundamental en la historia del arte, Kant desarrolla
dos categorías que marcan una gran división.
• La categoría de lo bello predomina en el paradigma clásico; la representación
como forma determinada rige en la composición de la obra.
• La categoría de lo sublime quiebra con el límite impuesto por la forma, dejando
que fluyan los sentimientos más profundos del ser humano.

La estética kantiana nos sitúa en la superación de la representación mimética de la

realidad. Es posible leer la historia del arte desde los conceptos que Kant propone de
belleza adherente y de lo sublime: tanto en el clasicismo, el renacimiento y el
neoclasicismo impera un modelo de belleza establecido, un estereotipo de
representación relacionado con la belleza adherente. A partir del romanticismo
comienzan a derrumbarse estos parámetros artísticos, principalmente, por el espíritu
sublime de la época. De esta manera, Kant anticipa y marca el devenir del arte.

Kandinsky (Moscú 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944) es el primero en sobrepasar la forma

para adentrarse en la abstracción como un medio más puro de expresión, y plasmar en
el soporte material el "elemento interior". Su obra se aleja de la categoría de belleza que
tiene que ver con la representación prototípica y se asienta en la sublimidad.1

Podemos entender la aparición del arte abstracto como un proceso originado por una
nueva inquietud, que persigue la manifestación de aspectos más espirituales, otorgando
al objeto representado una nueva significación.

Las primeras manifestaciones de un arte con un alto grado de abstracción las podemos
encontrar en el Romanticismo, en los pintores paisajistas Turner, Constable o Whistler.

J.W.Turner. Lluvia, vapor y velocidad. 1844. Óleo sobre lienzo

1
http://www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1870-00632009000200012
 John Constable. Tormenta de lluvia sobre el mar, 1844-1828. Óleo sobre papel pegado a lienzo,
23,5x32,6 cm

Posteriormente, la pintura “a plein air” hace que los pintores impresionistas no reparen
tanto en el objeto como forma y sí en el efecto luminoso que la anima.

A principios del siglo XX, al hilo de este nuevo enfoque, la representación se instala en
un terreno subjetivo, atendiendo a aspectos que van despojando al objeto de su
importancia como tal, pasando a ser el soporte de una serie de experimentaciones que
van configurando los elementos fundamentales de la representación abstracta.

¿QUE ES LA ABSTRACCIÓN?

Abstraer es sintetizar, eliminar lo superficial, sustancializar.

Crear significa producir algo de la nada, por lo tanto, la novedad como valor estético ya
no tiene sentido, puesto que no existen novedades absolutas, quizá la única opción
posible es personalizar y actualizar la tradición existente.
Kant se opone al mimetismo: el arte ya no es una cuestión de contenido, de representar
la realidad, sino una cuestión de forma. Importa el impacto que la forma provoca en
nosotros. Supuestamente, esta opción garantiza la autonomía del arte pues encuentra
en la forma su propia lógica. Ya no hay dependencia con la realidad.
Es un arte que indaga y explora sus propias condiciones, prestando atención a las
propias características del medio.
Lo importante no es el contenido representado sino cómo se representa.
FUENTES DE LA IMAGINERÍA ABSTRACTA

Existen dos métodos básicos para desarrollar un estilo abstracto:

1. Utilización de imágenes y objetos del mundo real como puntos de referencia a
partir de los cuales se desarrolla una interpretación personalizada, abstracta.
2. Emplear elementos puramente formales de la pintura y calidades del material,
tales como formas sin referencias y relaciones de colores y efectos de superficie
que se refieran directamente a las propiedades materiales del medio escogido.

La abstracción a partir de la naturaleza se refiere a la creación de imágenes basándose

en cosas que se han visto. Los paisajes son una fuente que se utiliza con mucha
frecuencia en este tipo de desarrollos abstractos.2

LOS ELEMENTOS DE LA COMPOSICIÓN

El artista trabaja con los elementos básicos de la construcción pictórica: línea, masa,
color, tono, textura de superficie, texturas, forma, contorno, profundidad espacial y
volumen aparente.3
Otro estilo de pintura es el llamado pintura gestual, formada por trazos y pinceladas
muy vigorosos y que en su aspecto visual es más activa y compleja.

GRADOS DE ICONICIDAD

A mayor grado de iconicidad, mayor parecido con la realidad y viceversa.

2
Simpson, Ian. Curso completo de pintura. Ed. Blume. Barcelona 1999. Pág.138-139
3
Ibídem, pág. 144
En el desarrollo de la nueva concepción del arte participan de forma decisiva los
siguientes movimientos:

EL FAUVISMO
Este movimiento artístico supone una reacción contra el Impresionismo en pro del color
y del objeto, que los pintores de final de siglo habían reducido a tonalidades luminosas.
El color vuelve a ser el ingrediente principal del cuadro y se utiliza de manera subjetiva,
con una paleta muy saturada, siguiendo códigos cromáticos.
No se trata de una escuela artística, con un programa elaborado, pero sirve para agrupar
a un buen número de pintores, animados, durante un periodo por los mismos o
parecidos propósitos.
Sus principales representantes son: Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, André
Derain.

H. Matisse. Mujer con sombrero (1905), óleo sobre lienzo

H. Matisse. La habitación roja (1908), óleo sobre lienzo 120x221 cm

 André Derain, L'Estaque (1905), óleo sobre lienzo, 129,5 x 194,9 cm.

EL CUBISMO
Tras la explosión de sensualidad cromática del fauvismo, aparece una nueva fórmula
desprovista de color y de carácter geométrico, un arte cerebral, intelectual, que incide
sobre todo en el aspecto formal de la representación, en una nueva concepción del
espacio donde el objeto se muestra observado desde distintos puntos de vista a un
tiempo, rompiendo así con la perspectiva convencional.

El cubismo evoluciona de esta apariencia sobria, monocromática y tendente al

enmascaramiento del motivo (cubismo analítico), a una estructura más parcelaria y
colorista (cubismo sintético)
Picasso y Braque fueron los pioneros de este movimiento.

Pablo Picasso, Casas de Horta (1909) óleo sobre lienzo 65x81 cm

 Georges Braque, Guitarra 1910, óleo sobre lienzo

EL FUTURISMO
La pintura futurista puede considerarse una especie de cubismo dinámico, cuyo
desarrollo tiene lugar en Italia. Característico de este estilo será otorgar a los objetos
una serie de posiciones sobre un plano con el deseo de representar el movimiento. Los
representantes más destacados son: Balla, Boccioni, Severini y Carrá

Umberto Boccioni, Elasticidad, 1912. Óleo sobre lienzo. 100 x 100 cm.
 Gino Severini. Bailarina azul (1912).
Óleo y lentejuelas sobre tela. 61 cm x 46 cm.

EL EXPRESIONISMO
El Expresionismo ofrece matices y contradicciones que no tienen otros movimientos del
arte contemporáneo. La dificultad deriva de la multiplicidad de sus manifestaciones.
Los caracteres comunes son la primacía de la expresión subjetiva frente a la objetividad,
apasionamiento en el tratamiento del cuadro, con aplicación violenta, a veces, de la
pasta pictórica. Los temas insisten en lo desagradable, lo prohibido, en lo sexual,
fantástico y pervertido. Destacan Munch, Nolde, Heckel, Müller, Schmidt−Rottulff,
Kokoschka.

Edvard Munch, Separación 1896, óleo sobre lienzo, 53x40 cm

Oskar Koskoschka, Self-portrait of a 'Degenerate Artist'(1937), óleo sobre lienzo

Emil Nolde, Dance Around the Golden Calf, 1910. Óleo sobre lienzo, 88 x 105,5 cm
EL SURREALISMO
El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos
subconscientes, soterrados por la conciencia, fenómenos cuya importancia estaba
siendo demostrada por el psicoanálisis. Se propugna un esteticismo involuntario que se
basa en el automatismo, en el grafismo instintivo, en el que la mano no se deja conducir
por ningún dictado del pensamiento. Se pueden distinguir dos corrientes dentro del
Surrealismo, el Surrealismo abstracto (Miró), y el surrealismo figurativo (Dalí). Los
principales artistas del Surrealismo son:
Duchamp, Ernst, Dalí, Miró.

Joan Miró. Harlequin's Carnival, 1924-1925. Óleo sobre lienzo, 66x93 cm

 Max Ernst. Untitled, 1913. Óleo sobre lienzo

Max Ernst. Ambiguous Figures (1 copper plate, 1 zinc plate, 1 rubber cloth...) 1919.
Collage, gouache y tinta china sobre papel
Expondremos ahora los distintos movimientos abstractos surgidos a lo largo del siglo XX.
Ellos serán los que perfilen las bases de las tendencias que, aún hoy en día, siguen
vigentes.

ABSTRACCIÓN LÍRICA
Es Kandinsky (Moscú 1866-Neuilly-sur-Seine, 1944) quien, en Munich, hacia 1908, tiene
por primera vez la revelación de la pintura no figurativa. No rompe por entonces todavía
con los elementos figurativos del Expresionismo, pero en 1913 publica un artículo que
definía la nueva concepción: “El elemento interior determina la obra de arte. Si este
elemento predomina, el exterior queda reducido a una simple emanación
instrumental”.
Después de una estancia en Rusia, Kandinsky se traslada a Berlín en 1921 y allí ́ se une a
la Bauhaus. En 1924 funda el grupo El Jinete Azul, con Klee (Suiza 1879-1940), Feininger
y Jawlensky.

Wasily Kandinsky, Improvisación 27 (Jardín de Amor II) 1912. Óleo sobre lienzo, 120.3
x 140.3 cm
 PAUL KLEE (Suiza 1879-1940)

Paul Klee. Pintura de Mayo 1925. Óleo sobre cartulina, 41,6 x 49,5 cm

Paul Klee. Temple Gardens, 1920. Gouache y tinta sobre papel 23.8 × 30.2 cm
Paul Klee. Movement of Vaulted Chambers, 1915. Acuarela sobre papel, 23.5 × 28.3 cm

Paul Klee. Southern Gardens. 1919. Acuarela y tinta sobre papel, 28.9 × 22.5 cm
 Paul Klee. Before the Town 1915. Acuarela sobre papel. 24.8 × 31.4 cm

VANGUARDIA RUSA

La Revolución de Octubre de 1917 libera el viejo imperio ruso, un inmenso caudal de

energías. Repentinamente cae todo el sistema social y surge la posibilidad de crear un
orden nuevo más justo y más libre. En 1920 se publica en Moscú el Manifiesto realista
de Anton Pevsner y de Naum Gabo, donde se prescinde de todo análisis social o político.
Unos meses después, como réplica, se proclama el Manifiesto del Grupo Productivista
que firman Tatlin, Rodchenko y Stepanova, quienes se preocupan por unir el arte con
la política. De este modo vemos que el Constructivismo surge no tanto del deseo de
cambiar el arte, como de edificar una vida nueva. La idea del artista−artesano, creador
de un arte minoritario y restringido, empieza a ser rechazada. Como alternativa, el
artista de la revolución será el que puede ligar su trabajo en la industria para elaborar
un arte de masas. En pintura Kasimir Malevich (1878-1935) es una figura decisiva. Funda
el Suprematismo, que consiste en la búsqueda de armonías entre formas geométricas
simples (rectángulo, círculo, triángulo y cruz) de colores planos.
Kasimir Malevich. Supremus, 1915-16. Óleo sobre lienzo. 80,3x80 cm

K. MALEVICH. Cuadrado negro, 1913. Óleo sobre lienzo 79.5 x 79.5 cm

NEOPLASTICISMO

La revolución cubista tiene en Holanda una incidencia especial gracias a la constitución

de un grupo de artistas en torno a la revista De Stijl. El fundador y animador principal es
Theo Van Doesburg. La revista De Stijl propugna la abstracción y la simplificación. La
línea recta, los volúmenes prismáticos simples y los colores planos (liberar todo lo
superfluo, para llegar a lo esencial, que para ellos es la línea recta), son las principales
características de este estilo. El radicalismo en los principios estéticos es tal, que, cuando
Doesburg busca variaciones a sus estructuras formales utilizando rectángulos con una
inclinación de 45°, Mondrian, disgustado, abandona De Stijl. Pero lo más importante del
Neoplasticismo radica en eso. Más importante que las obras realizadas son los
fundamentos teóricos.
Piet Mondrian, el pintor más importante del grupo, repite en sus lienzos una y otra vez
variantes de rectángulos de distinto tamaño, para los que usa solamente colores
primarios, el blanco y el negro. Mondrian busca un arte puro despojado de lo particular
y basado en alguna supuesta ley universal. Para Mondrian sus obras son una necesidad
moral más que un principio estético.

Theo van Doesburg, Cow, 1916 (Proceso de abstracción de una vaca)

 Piet Mondrian. Composición con amarillo, rojo, negro, azul y gris, 1920, óleo sobre
lienzo, 59,5 x 59,5 cm.

ARTE CONCRETO
El arte concreto fue un movimiento artístico con un fuerte énfasis en la abstracción
geométrica. El término fue formulado por primera vez por Theo van Doesburg y luego
fue utilizado por él en 1930 para definir la diferencia entre su visión del arte y la de otros
artistas abstractos de la época. Después de su muerte en 1931, Max Bill (1908-1994),
quien organizó la primera exposición internacional en 1944 y luego ayudó a promover
el estilo en América Latina, definió y popularizó el término. El término se adoptó
ampliamente después de la Segunda Guerra Mundial y se promovió a través de una serie
de exposiciones internacionales y movimientos artísticos. El arte concreto puede
parecer, en algunos casos, haber sido realizado por una máquina. El arte concreto a
menudo tiene una referencia visual fundamental a la geometría, mientras que el arte
abstracto más general puede encontrar su base en los componentes del mundo natural.
El manifiesto de Theo Van Doesburg declaró que el arte “no debe recibir nada de la
naturaleza” propiedades formales o de la sensualidad o el sentimentalismo. Queremos
excluir el lirismo, el dramatismo, el simbolismo, etc.

Max Bill. Ritmo en 5 colores. 1985. Óleo sobre lienzo. Colección Chantal y Jacob Bill.
INFORMALISMO
La Segunda Guerra Mundial dejó en la Europa de postguerra una atmósfera
desesperada, un sentimiento de soledad y ansiedad. En este marco se desarrolló el
Informalismo, un movimiento paralelo al Action Painting americano pero que presenta
aspectos más tristes y siniestros. Es un movimiento heterogéneo en el que se incluyen
diversas tendencias que se podrían agrupar en dos: Abstracción matérica y Gestualismo
Estos pintores reflejan en sus obras toda la angustia, miedo y desesperanza de las
generaciones que habían padecido la guerra.
Fautrier hace obras de pequeño formato, con un gran empaste central que parecen
configurar formas embrionarias humanas. Su exposición en París en 1.945 causó un gran
impacto; sus obras fueron contempladas como una visión de muerte y desolación
convertida en objeto pictórico.
Wols realiza obras automáticas en las que, sobre un fondo de color, a veces rayado y a
veces uniforme, traza manchas y rápidas pinceladas. Pero de esa maraña sin sentido
lógico aparentemente sin significado, surgen a veces, ecos y recuerdos de la realidad.
Hartung pinta obras en las que las líneas oscuras adquieren un tono dramático y
atormentado. Dubuffet elaboró una técnica a base de pigmentos mezclados con arena,
tierra y otras sustancias que le permitían crear una superficie pictórica de gruesa textura
sobre la que trabajaba, rascaba, para conseguir una calidad matérica de la que emergen
grafitti, configuraciones monstruosas, caricaturas violentas de mujeres, mesas,
animales, etc.
Soulages alcanza la cima de la violencia expresiva con la superposición de tonalidades
pardas y negras.

Jean Dubuffet, Vicisitudes 1977

Jean Dubuffet: Mêle moments, 1976. Acrílico y collage sobre papel montado en lienzo

Alfred Otto Wolfgang Schulze. Wols. El fantasma azul. 1951. 73 cm x 60 cm.

Jean Fautrier. El árbol verde. 1942. Técnica mixta sobre papel pegado a arpillera.
53,5x64 cm

Pierre Soulages. Sin título.1948. Alquitrán sobre vidrio.45.5 x 76.5 cm.

 GERHARD RITCHER (Dresde, Alemania 1932)

https://www.youtube.com/watch?v=mUw2unePoTY

PINTURAS ABSTRACTAS DE GERHARD RITCHER

GRUPO COBRA: Se desarrolló entre 1948 y 1951 en los Países Bajos. Su nombre hace
referencia al lugar de procedencia de sus miembros; Copenhague, Bruselas y
Amsterdam. Su aportación principal fue la recuperación de la violencia cromática de
tradición expresionista pero resuelta con más crudeza visual. Sus cuatro representantes
son Asger Jorn, Karel Appel, Pierre Corneille y Pierre Alechinsky.

Asger Jorn, Tu étais tel, 1956. Óleo sobre lienzo, 96,5x128 cm

EL INFORMALISMO ESPAÑOL
Después de la Guerra Civil y la implantación de la dictadura franquista, España
presentaba un panorama desolador. Los primeros signos de un resurgir artístico se
apreciaron en Barcelona con la aparición del grupo Dau al Set integrado por diversos
artistas e intelectuales entre los que destaca Antoni Tàpies que utiliza materiales
diversos como el polvo de mármol mezclado con látex y otros pigmentos, trabajados en
gruesos empastes sobre los que gestos, signos e imágenes de objetos aparecen como
rastros, huellas y emblemas.
Otro grupo importante es El Paso, fundado en 1957 en Madrid, integrado por diversos
artistas entre los que destacan Antoni Saura y Manolo Millares.
Saura elaboró una obra de carácter gestual con resonancias figurativas con las que
alcanzó cotas de dramática, violenta y desgarrada expresión, como se puede ver en sus
Crucifixiones.
Millares con sus arpilleras rotas, sus trapos arrebujados, el grafismo tenue o el denso
pigmento construyó una desoladora ruina y destrucción para hablarnos de una
humanidad torturada.
 Tàpies

Antoni Tàpies. Libro muro. 1990. Mixta sobre madera. 250x530 cm

 Antonio Saura. Crucifixión.1959-63. Óleo sobre lienzo, 148,5 x 171 x 4 cm

Manuel Millares, cuadro 61. 1959. Técnica mixta sobre arpillera, 130x167 cm
Manuel Hernández Mompó (Valencia 1927–Madrid 1992), Gente en una terraza 1960,
óleo sobre lienzo 28 x 21 cm

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
Es a partir de la segunda mitad del S.XX cuando comienza el auge del Expresionismo
Abstracto en Estados Unidos. Por primera vez Europa mira a América y muchos de los
artistas europeos del momento huirán a E.E.U.U. por el nazismo y la guerra. Estados
Unidos adquiere su cultura propia, y el mismo Gobierno promoverá un programa de
ayuda al arte y a los artistas.
Dos de las tendencias más importantes son:

• Action – Painting

Jackson Pollock es la figura más representativa de la action painting, encarnó una clara
voluntad de romper con el cuadro de caballete y para ello usó la técnica del Dripping
(chorreado de pintura sobre la tela puesta en el suelo) con nuevos materiales como el
barniz al aluminio, esmaltes sintéticos, etc.

Junto a Pollock hay otros artistas de la misma tendencia:

Franz Kline pintó aplicando vigorosos brochazos negros sobre superficies blancas; el
resultado se parece a las pintadas tachadas de algunos muros callejeros.
Willem De Kooning pasa de una pintura figurativa a la abstracta alternativamente. Su
lenguaje, sin embargo, se mantiene inalterable porque es constante el tono encendido
de su paleta, el desgarrante furor expresivo de su colorido, surcando por una continua
carga energética. Es famosa su serie figurativa “Mujeres” formada por figuras femeninas
grotescas con aterradoras muecas.
Mark Tobey acusa una enorme influencia de la caligrafía china (después de haber
entrado en un monasterio Zen) pintando cuadros con infinidad de pequeños signos
indescrifrables, se tratan de fondos oscuros con redes de líneas blancas de las que
emana un silencio de profunda emoción, invitan a la meditación.

Jackson Pollock, Convergence 1952. Action Painting

Willem de Kooning, Noticias de Gotham (1955). aceite, esmalte, carbón y periódico

sobre lienzo, 175,26 x 200,66 cm
• Color Fields

Surge en los años 50 con una serie de pintores americanos que comienzan a utilizar
grandes superficies saturadas de color.
Los representantes más destacados de la llamada pintura de campos de color son
Clifford Still, Barnett Newman y Mark Rothko (1903-1970). Estos artistas trabajan en la
línea del impresionismo, centrándose en la vibración del color, en la superficie de la tela
más que en la construcción de un espacio pictórico propio. Influidos por Helen
Frankenthaler, Morris Louis (1912-1962) y Kenneth Noland, desarrollan su propio estilo
fundado en el empleo de una pintura muy líquida extendida por simple manipulación
de la tela: la pintura se vuelve puro color, casi inmaterial.
Frente a la energía y gestualidad del Action Painting, representa una pintura más
puramente abstracta, reposada y mística.

Mark Rothko, Violet, Black, Orange, Yellow on White and Red,1949. Óleo sobre lienzo
 Mark Rothko. N°.5/N°.22, 1949-50. Óleo sobre lienzo. 297 x 272 cm

Mark Rothko, N°.3/N°.13 (Magenta, Black, Green on Orange), 1949, óleo sobre lienzo
 Morris Louis, Point of Tranquility (1959-60)

Morris Louis, Delta Theta, 1961. Acrílico sobre lienzo, 261.0 x 416.6 cm
 Cy Twombly, Venus + Adonis, óleo y lápiz de grafito sobre papel. 44.5 × 46.9 cm

Cy Twombly. Untitled 1960. Óleo, grafito y óleo en barra sobre lienzo, 95.7 x 101.8 cm
Cy Twombly. Souvenir de L’Ile des Saintes. Acuarela y gouache sobre papel. 8 piezas
de 25,2 x 28,7 cm c/u

Cy Twombly, Roma
Cy Twombly. Las cuatro estaciones: Otoño, 1993-5, pintura en 4 partes. Acrílico, óleo,
lápiz y grafito sobre lienzo, 3136 x 2150 x 35 mm