TEMA 3 “WINTER IS COMING” LUCES Y TINIEBLAS EN EL ARTE MEDIEVAL

ROMÁNICO

La edad media abarca una cronología muy amplia desde el arte paleocristiano que se consolida en el siglo
IV d.C. i termina en el gótico en el siglo XV. El arte paleocristiano surge dentro del imperio romano. Por
falta de tiempo solo hablaremos de arte románico y gótico.

Arte Románico (s. XI y XII) y Gótico (s. mediados XII hasta el siglo XV excepto en Italia porque en el siglo XV
surge el renacimiento) Arte románico y el arte gótico coinciden en el siglo XII, durante el siglo XII se
mantiene el románico, pero a mediados del siglo XII surge la arquitectura gótica. Durante un tiempo
conviven ambos modos de arte. El inicio del arte medieval coincide con la división del imperio romano. En
el siglo IV se separa el imperio romano de oriente y de occidente. El imperio romano de occidente en el
siglo V desaparece y el imperio romano oriental continuara con el nombre de imperio bizantino.

Nosotros damos un salto temporal y nos vamos al siglo X, XI que es cuando empieza a configurarse un
estilo o un arte internacional en Europa que conocemos con el nombre de románico. El románico es
importante sobre todo porque es uno de los primeros estilos artísticos internacionales en Europa
occidental. Un estilo cuyas formas se extienden a la arquitectura, pintura y escultura.

Las circunstancias que favorecen la aparición de este estilo internacional son:

-Proceso de pacificación: a partir del siglo X en Europa occidental los pueblos que han invadido Europa
occidental empiezan a asentarse y hay un proceso de pacificación.

-Aparición de los grandes reinos feudales: por ejemplo, los reinos cristianos en España. Esta circunstancia
política y esta paz hace que haya un mayor desarrollo económico y esta circunstancia histórica y
económica favorece el desarrollo cultural y artístico que se extiende.

El poder de la iglesia: favorece la aparición y expansión del románico que junto a los señores feudales
serán los primeros promotores.

-La superación del año 1000: ellos pensaban que iba a desaparecer el mundo entonces cuando paso y no
paso nada, se produce una cierta confianza entre los habitantes de la Europa occidental creando un cierto
impacto cultural que beneficia cultura

-Las peregrinaciones: La catedral de Santiago es un buen ejemplo de peregrinación, los caminos de

peregrinación fueron caminos muy importantes no solamente religiosos sino también caminos muy
importantes económicos o vías de comunicación para transmitir el arte. A lo largo de los caminos de
peregrinación se construyeron numerosas iglesias, hospitales, hospederías dentro del nuevo estilo. Por lo
tanto, el camino de peregrinación no solo era un componente religioso o económico, sino que también
fue un medio de expansión y consolidación del románico en diferentes países. La catedral de Santiago
magnifico ejemplo de catedral románica francesa porque se parece mucho a unas iglesias construidas en
Francia, esa semejanza es posible por estas vías de comunicación.

La iglesia se convierte en uno de los principales mecenas del arte junto con los reyes y los señores
feudales.

Uno de los núcleos religiosos más importantes en época medieval son los monasterios. Los monasterios
son un conjunto arquitectónico religioso normalmente aislado donde viven unos monjes o monjas
pertenecientes a una orden religiosa. Los monjes en el monasterio, aparte de rezar, copiaban textos,
escribían e ilustraban libros, pintaban, dibujaban, hacían miniaturas, decoraban los textos con imágenes
en los libros. Los monasterios no solo eran centros religiosos, sino que eran unidades económicas, porque
se autoabastecían y por otra parte eran centros culturales, transmisores del conocimiento y la cultura.
Esto se hacia gracias a esa labor que hacían los monjes de copiar textos antiguos y sobre todo de
decorarlos.
ESCULTURA ROMÁNICA

Abarca los siglos XI y XII. Aunque existe escultura exenta no llegara a nosotros en elevado número. El tipo
más común de escultura es la escultura en relieve, este tipo de escultura decoraba portadas y claustros de
las iglesias o monasterios. A este tipo de escultura que se asociada, vincula con la arquitectura la
denominamos escultura monumental. Con lo cual la escultura románica es en su mayoría es escultura
monumental escultura que está vinculada a arquitectura. Era común verla representada en:

Portaladas: los vanos de las portaladas son abocinados y estaban decorados en toda su superficie, estaba
decorado la forma de las arquivoltas, intradós, decoradas las jambas, el tímpano, el parteluz. En la portada
románica, todo sus elementos se decoraban con escultura.

Claustros: la decoración normalmente se concentraba en los capiteles de las columnas o en los pilares de
los ángulos del claustro.

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA ROMÁNICA

-Carácter didáctico: la escultura al igual que la pintura, es una disciplina que en el románico tiene afán
didáctico, porque lo que quiere es mostrar o enseñar a los fieles los principios fundamentales de la fe.

-Sujeción al marco: las imágenes o escenas representadas, se ajustaban lo más posible a la superficie del
elemento arquitectónico. Encajarla en el marco arquitectónico.

-Abstracción: en este caso en la escultura románica, la abstracción también está presente, hay una cierta
simplificación de las formas. Esa simplificación de las formas lo que hace es esquematizar simplificar, las
formas alejándose de la realidad.

-Movimiento: un movimiento que se refleja en la escultura románica no tiene por qué ser esculturas
frontal y hieráticas a veces las figuras establecen contacto con las figuras que tienen al lado, el
movimiento se establece a veces cuando las figuras tocan con el marco al que se inscriben con el codo,
con el pie, la mano. Son figuras que se abren para contactar con el marco o bien las figuras contactan
entre sí. El movimiento en la escultura románica es sutil, es un movimiento que evita que las figuras estén
de frente. La escultura romana no es siempre fontal y hierática, sino que a veces da la sensación de
movimiento. Adoptan postura o actitudes que generan de una manera un cierto movimiento en las
figuras como, por ejemplo:

-Contacto con el marco

-Miembros de las figuras o bien se tocaban entre si o estaban unos próximos a los otros

CAPITEL DE DANIEL ENTRE LOS LEONES

-Carácter didáctico: el escultor encaja en ese lado del capitel una escena bíblica del antiguo testamento.
Aparece representado Daniel entre los leones que era un tema muy habitual del arte paleocristiano. Era
un niño que tiraron a los leones para ver si se lo comían porque no quiso renunciar a su fe, él se niega a
renunciar al cristianismo. Lo que paso es que Daniel estuvo 3 días en el foso y salió indemne. La escena
del nuevo testamento a la que hace referencia es a la resurrección de cristo. Es un tema que se suele
utilizar en el arte medieval para representar la resurrección. Carácter didáctico porque es una escena
bíblica que enseña un tema a los fieles, que habla de otro tema importante para la cristiandad que es el
tema de la resurrección.

-Sujeción al marco arquitectónico: la composición pictórica o escultórica suele ser colocando a Daniel en
el centro y un león a cada lado, es una composición simétrica. En este capitel la composición es simétrica
y se ajusta perfectamente porque tenemos en el centro a Daniel y en los lados a los leones. Leones muy
particulares porque en aquella época no habían visto un león o habían copiado un león de alguna pintura
o escultura. Las figuras se adaptan al marco arquitectónico. En cuanto a la sujeción del marco para no
hacer a Daniel pequeñito y a los leones muy grandes, colocan a Daniel sentado, lo normal para hacerlo
entrar en el espacio seria reducir su tamaño, pero habría desproporción y finalmente lo agacho para que
así cupiese en su proporción.

-Abstracción: el rostro de Daniel es perfectamente simétrico, la forma de los ojos, del cabello e incluso la
forma en la que se representan sus manos o su ropaje, no es claramente una representación realista, no
hay individualización, no hay expresión. La anatomía de los leones es una anatomía simplificada. El gesto
que tiene, apoyando su cabeza en la mano. Ese gesto de Daniel en aquella época era una manera
convencional de representar la melancolía, la tristeza. Incluso esa representación es abstracta, poco
realista y esta simplificado porque la cara no representa eso. Aunque es una figura inexpresiva sí que es
verdad que el gesto de la figura delata una emoción. Esa simplificación formal, esa abstracción de la figura
nos habla de un escultor de gran seguridad en la talla de la piedra, de alto nivel, sino esa simetría y talla
perfecta en los ropajes de la figura, la representación nos muestra gran calidad del artista. Aunque es una
figura inexpresiva si que es verdad que el gesto de la figura delata una emoción, la tristeza, melancolía.

DUDA DE SANTO TOMÁS, CLAUSTRO DE SANTO DOMINGO DE SILOS SIGLO XII

-Movimiento: hay algunas figuras que de alguna manera están tocando el marco, el marco es el arco con
columnas. Hay una figura que toca la columna con la mano y otra con el pie en la basa. Si nos fijamos con
los pies de los apóstoles vemos que están colocados en diagonal, para así general una sensación de
movimiento. La e

PÓRTICO DE LA GLORIA DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA

El pórtico de la Gloria es una obra del maestro Mateo. Es una obra fechada y firmada a finales del siglo XII.
Cuando en Francia está surgiendo el gótico, el maestro Mateo está esculpiendo el pórtico de la Gloria.
Está formado por 3 portadas, una portada central de mayores dimensiones que comunica la entrada con
la nave central, dos portadas más pequeñas a los laterales que comunican con las naves laterales. Vamos a
centrarnos en la portada central.

Que aparece representado: de la parte inferior hasta el arco superior

A ambos lados de la portada central, en la parte inferior de las jambas, aparecen representadas una serie
de figuras monstruosas que podían hacer referencia al infierno o el pecado. En las jambas, sobre las
figuras monstruosas tenemos una serie de columnillas y sobre ellas aparecen a un lado, el derecho,
figuras de apóstoles y en el otro lado, el izquierdo, aparecen figuras de profetas. Profetas y apóstoles
están en la zona intermedia de la portada, porque actúan como intermediarios entre el fiel y dios (que
aparece representado en el tímpano).

El parteluz es una pieza central que divide el arco en dos. En el parteluz aparece representado el apóstol
Santiago, que aparece destacado en el parteluz evidentemente porque la catedral contiene y se venera a
este apóstol.

El tímpano es esa superficie semicircular que estaría limitado por el dintel y el arco del pórtico que en este
caso solo tiene una arquivolta. En el tímpano aparece representada una visión celestial, lo que solemos
llamar una representación de la Jerusalén celeste, una visión celestial, no es un juicio final, el juicio final
aparece representado en el pórtico de la derecha, en las arquivoltas. En esa visión celestial aparece en el
centro, en el eje central aparece una figura, una representación de dios como cristo juez. Utilizando la
terminología correcta, lo que aparece representado en el centro esa imagen de dios como cristo juez es
un pantocrátor.
-Pantocrátor: en realidad es una representación de cristo y responde a la imagen tradicional que tenemos
de cristo. Es una imagen que se configura, que aparece en el arte cristiano a partir del siglo IV d.C. Cabello
largo, barbas largas, hombre maduro, vestido con su túnica y manto. Lo que pasa es que, en esta
portalada, a la imagen de cristo se le añade esa cualidad que tiene cristo de juzgar a los fieles y de
condenar y de salvar. En este caso, en este pantocrátor hay algo muy interesante, algo que introduce el
maestro Mateo y que hasta ese momento no era frecuente en la representación de Cristo juez y es que en
las manos y los pies están representadas las heridas de la crucifixión y emanan sangre. Esto es interesante
porque normalmente cuando representaban al Cristo juez, a este pantocrátor, solía ser una figura de
Cristo-Dios donde se resaltaba el aspecto divino, se resaltaba al dios, no al ser humano en el que Dios se
reencarno. Lo que se hacía era resaltar el aspecto divino de la figura de cristo, era un cristo más distante,
un dios en un plano superior a los fieles, un dios más lejano. El maestro Mateo en cambio, cuando
representa a este Cristo juez nos da, nos plantea un Cristo juez en el que habla también de su faceta más
humana representado con las llagas de la pasión. Lo que hace es informar al fiel que ese cristo juez, ese
dios se encarna en un hombre que sufrió el martirio de la crucifixión para salvarnos a todos nosotros, ese
es el mensaje. Lo que hace el maestro Mateo es mostrarnos la sangre, las llagas para hacer referencia a la
crucifixión para hacer referencia al hombre que existió. Lo que hace el maestro Mateo aquí es subrayar el
lado humano de Cristo, que sufrió para todos nosotros y que sufrió como un hombre. Manera de
aproximar la figura de cristo a un fiel, yo he sido un hombre como lo has sido tu. Esto es interesante
porque la obra del maestro mateo es una obra que esta entre el arte románico y el gótico, es decir,
anuncia algunas características que se desarrollaran después en el gótico. Una de las características de
este pórtico que nos anuncia esa aproximación al gótico sería la humanización de Cristo.

-Tetramorfos: quiere decir 4 formas y cuando hablamos de tetramorfos en el arte hacen referencia a los 4
evangelistas. El tetramorfo es la representación de los 4 evangelistas, una representación de los
evangelistas que aparece mencionada en el último de los libros de la biblia que es el apocalipsis. Los 4
evangelistas eran:

-San Mateo representado por un ángel o una figura humana

-San Juan representado por un águila

-San Marcos representado por un León

-San Lucas representado por un toro.

A veces el evangelista aparece representado como el animal o como la figura o a veces aparece la figura
del evangelista acompañado del elemento que lo identifica. A ambos lados flanqueando a la figura del
pantocrátor tenemos los tetramorfos.

-Figuras elegidos: aparecen representados en unas figuritas muy pequeñitas a los lados de los
evangelistas, representan a los elegidos, los que después del juicio final, han sido salvados y van al cielo,
los que se han salvado.

En el dintel aparecen una serie de ángeles que llevan en sus manos objetos de la pasión de cristo, que
formaron parte de la pasión de Cristo. Los ángeles enfatizan la crucifixión, el martirio de cristo y por tanto
su naturaleza. Por tanto, se enfatiza el tema de la naturaleza humana de Cristo, de su humanización.
Enfatizan también algo muy importante en la catedral de Santiago de Compostela que es la idea de la
salvación, de la redención. Los ángeles, hacen referencia a la crucifixión, Cristo lo que hizo fue sacrificarse
por nosotros para salvarnos, entonces estos ángeles que no solamente portan los objetos de la
crucifixión, también los de la salvación. Que es el tema fundamental de la escultura de la catedral de
Santiago de Compostela.

En la arquivolta, el arco que cierra el tímpano, aparecen unas figuras que también se mencionan en el
apocalipsis y son los 24 ancianos del Apocalipsis. Aquí en la arquivolta aparecen tocando instrumentos
musicales de época medieval.
características formales:

Se trata de una obra románica que situamos dentro del arte románico

Es un relieve monumental asociado a la arquitectura en este caso las escenas están vinculadas a un
pórtico. Las figuras están situadas en los lugares habituales de una portalada románica, en las jambas, el
parteluz, arquivolta, dintel. La temática es la propia del arte románico.

Lo interesante de esta obra es que es una obra de transición. Es una obra que tiene algunas características
que anuncian lo que será el gótico. Es una obra románica pero formalmente anuncia, tienen algunas
características que veremos después desarrollarse en el gótico.

Características:

-Separación del marco: las figuras, aunque están situadas en los elementos arquitectónicos de la portada,
estas figuras empiezan a sobresalir del marco a despegarse del marco arquitectónico. El volumen de los
apóstoles rebasa el perfil de las jambas, tiene mas volumen ya no están sometidos al marco
arquitectónico, las figuras tienen más volumen mas corporeidad y se despegan del marco arquitectónico,
pero siguen sujetos a él.

-Figuras individualizadas: a diferencia de ese Daniel que era más abstracto de rasgos más esquemáticos y
difícilmente atribuibles a un individuo concreto. En el caso de las figuras que representa el maestro
Mateo, son figuras individualizadas, somos capaces de distinguir edad, rasgos físicos diferentes. Hay un
intento por parte del artista de distinguir o diferenciar a las figuras con rasgos físicos distintos, diferentes.
Por tanto, es más realista y por lo tanto más gótico.

-Figuras que expresan sentimientos: Isaías que es la figura que esta con el manto azul, esta figura está
llevándose el manto al rostro, está llorando, en cambio Daniel que es la figura más joven de cabello rizado
rubio, está sonriendo. Las figuras del maestro mateo también expresan sentimientos y esto es una
característica más gótica que románica.

-Uso más natural del color: en este sentido son figuras más naturales, porque los rasgos son más
diferenciados, expresan sentimiento y ese naturalismo y realismo esta acentuado por el color.

-Visión más humana de la imagen de Cristo: por las heridas y llagas de la crucifixión.

Estas cara características que acabamos de ver: separación del marco, diferenciación rostros y expresión
de sentimientos, el uso de un color más naturalista. La humanización, ese énfasis en el lado humano de
Cristo son características formales del pórtico de la gloria y anuncian lo que será después el gótico.

PINTURA

En los Siglos XI y XII, la producción pictórica se concentra sobre todo en pinturas murales. Hay otro tipo de
pintura, por ejemplo, hay pintura de frontales de altar, hay pintura sobre tabla, pero el tipo de pintura más
característica y frecuente y que ha llegado hasta nosotros en más abundancia es la pintura mural, que
decora parcial o totalmente los interiores de las iglesias. La imagen de la iglesia que entras y ves la piedra
o el material con el que están hechos los muros, no terminaba de responder con lo que era la realidad de
la época. Si tenían dinero pintaban estas escenas y si no revocaban el muro y señalaban como si fueran los
sillares de piedra, pero no tenían el material a la vista. Lo interesante de la decoración mural románica es
que había una distribución tipo de temas dentro de la iglesia. Es una distribución habitual de las escenas
dentro del interior de las iglesias. A los pies de la iglesia por donde solían salir los fieles solía representarse
en la pared de salida el juicio final. Al fiel se le recordaba el juicio final cuando entraba y salía, era un juicio
final que advertía que avisaba al fiel que ese momento debía llegar y por tanto se debían portar bien. En
los muros laterales podían aparecer escenas de la Biblia, del Antiguo, del Nuevo testamento o por
ejemplo escenas de las vidas de los santos. Los santos empiezan a tener mucha importancia en el arte
medieval. En el altar, en la zona del presbiterio, que normalmente solía tener forma de ábside, se
colocaban la corte celestial, el pantocrátor, la virgen con el niño rodeada de apóstoles, evangelistas,
ángeles … En la zona del altar se colocaban las figuras mas importantes de la corte celestial, aquellos más
próximos a la divinidad.

CARACTERÍSTICAS FORMALES DE LA PINTURA ROMÁNICA

Las pinturas cumplen una función similar a la escultura

-Carácter didáctico: enseñar principios fundamentales de la fe a los creyentes

-Primacía de la línea: la importancia del dibujo, de la línea. Una línea o dibujo que delimita las figuras
claramente, son trazos gruesos de dibujo que delimitan las figuras, que describe detalles de las figuras.

En el caso de la virgen vemos el halo, el rostro y los rasgos señalados con esa línea negra muy propia de la
pintura románica. Tiene un papel de definir las figuras, perfilarlas pero que también describe los detalles
de las figuras. Suelen usar colores planos y vivos, intensos.

-Tendencia a la bidimensionalidad: las figuras tienden a ser bidimensionales a ser planas, son figuras en
las que el modelado de las figuras es muy escaso, los pliegues del ropaje son simplemente líneas, dibujo o
con gradación de color muy básica. La tridimensionalidad en el gótico no se da tienden a ser figuras
bidimensionales.

-Abstracción simplificación formal, esas figuras simétricas, esa abstracción, alejamiento de la realidad que
sobre todo se dará y eso es muy interesante, una abstracción que será mayor en aquellas figuras que
tienen un mayor grado de divinidad. Esa abstracción o simplificación formal o ese hieratismo o falta de
movimiento, suele estar más presente en las figuras mas cerca de lo celestial porque era una manera de
alejarlas de la realidad.

-Fondos neutros: las figuras se solían recontratarse o bien sobre un fondo de un único color o con un
fondo con tres bandas de color, no suele haber una ambientación, una tridimensionalidad del espacio.
Sino que las figuras se recortan sobre un fondo neutro. Por lo tanto, el efecto de bidimensionalidad es
todavía mayor.

PINTURAS QUE DECORAN EL PANTEÓN DE LOS REYES DE LA IGLESIA DE SAN ISIDORO DE LEÓN

Un panteón que era un espacio funerario promovido por los reyes en el siglo XI. Es un espacio funerario
vinculado a una iglesia de san isidro de león. Es un espacio cuya bóveda y parte de los muros esta
decoradas con pinturas murales. Es considerada una de las grandes obras pictóricas del románico español.
La decoración de este panteón a demás de pinturas tiene los relieves escultóricos de los capiteles. En el
panteón de los reyes su decoración u ornamentación combina por una parte la decoración pictórica y por
otra parte la escultórica de los capiteles. Las pinturas representas 3 ciclos religiosos que son: la navidad
nacimiento de cristo), pasión de cristo y resurrección. Fueron escogidos estos 3 temas por ser
fundamentales dentro de los rituales religiosos de la época, pero también son 3 temas que tienen que ver
con la redención, la salvación y esta idea de la redención y salvación es un tema muy significado en el
espacio ya que es un espacio de enterramiento. Los temas son importantes no solo porque se vinculan en
los ritos de la época, sino que también tienen que ver con la función del espacio.

Anuncio a los pastores

Vinculado con la navidad, ya que el anuncio a los pastores está vinculado al nacimiento de cristo. Es el
momento en el que los ángeles anuncian a los pastores el nacimiento de cristo y estos vana a conocer al
salvador.

Hay tres elementos significativos:

-El énfasis en lo narrativo y anecdótico. En la bóveda el artista explica de manera muy clara la escena
representada, en un extremo aparece el ángel acompañado de los pastores y de los animales que
cuidaban. El pastor está tocando un instrumento y se sorprende ante la presencia del ángel y de su
anuncio. El otro pastor que esta también mirando al ángel lleva una especie de tazón de leche y mientras
esta despistado mirando al ángel, el perro está bebiendo del tazón del pastor, es decir, el artista pone el
énfasis no solo en lo narrativo, sino que pone también una cierta mirada en el detalle anecdótico.

-Interés del artista por describir a los animales dentro de las convenciones artísticas. La descripción de los
animales, hay una aproximación por parte del artista a la naturaleza.

-Interés por ambientar la escena: las figuras se recortan sobre un fondo neutro, pero hay un intento por
parte del artista intento de una cierta ambientación natural a de más de los animales a representado
vegetación, quiere que el espectador sepa que esta escena ha ocurrido en un paisaje. Aunque si es verdad
que las figuras y los animales se reportan sobre un fondo claro, neutro. Pero hay por parte del artista de
ambientar la escena.

Resurrección

Es un tema o imagen inspirada en el apocalipsis que es la representación del cristo juez, del pantocrátor.
La figura aquí del pantocrátor se recorta sobre ese fondo azul y estrellado, que representaría la bóveda
celeste. Pero aquí el pantocrátor aparece representado de una manera distinta de cómo estaba
representado en el pórtico de la Gloria. En el pórtico de la gloria, tenía las manos levantadas y estaba
mostrando las llagas de la pasión en las manos y en los pies. En este caso, el pantocrátor aparece con una
mano levantada, está bendiciendo y en la mano izquierda sostiene un libro. Libro en el que aparece una
inscripción que dice: yo soy la luz del mundo. El pantocrátor está enmarcado con una mandorla, que es
una especie de marco en forma de almendra. La cabeza del pantocrátor tiene a uno y al otro lado dos
letras. La alpha y la omega, la primera y ultima letra del alfabeto griego. Hacen referencia a que el reino
de dios es eterno, dura para siempre a lo largo de los tiempos. Rodeando la mandorla aparecen
tetramorfos, que hacían referencia a los 4 evangelistas.

GOTICO

El gótico tiene una cronología que abarca desde el siglo XVII hasta el siglo XV, excepto en Italia que allí
aparece el renacimiento. El arte gótico surge en una sociedad en transformación.

ASPECTOS DE LAS SOCIEDAD DE TRANSFORMACIÓN EN LA SURGE EL ARTE GÓTICO:

-Consolidación grandes monarquías: periodo en el que se consolidan las grandes monarquías europeas,
periodo de relativa estabilidad política.

-Periodo de desarrollo económico: si hay estabilidad política hay paz y si hay paz hay un aumento de la
población que trae consigo un desarrollo económico. Desarrollo económico vinculado a un aumento
demográfico. Lo interesante de la época gótica es que la economía no es solo agrícola o ramadera, es
también una economía comercial en la que empieza a desarrollarse la industria.

-Fenómeno urbano: si hay desarrollo económico, comercial e industrial, un aumento demográfico, es un

periodo donde empiezan a surgir grandes ciudades. El gótico es un fenómeno urbano, empiezan a surgir
grandes ciudades, el gótico es un fenómeno urbano, las grandes catedrales góticas surgen en las ciudades,
ciudades en las que además aparece una nueva clase social que tendrá una gran importancia en la
historia posterior que será la burguesía.
-Conocimiento para la sociedad: en el gótico el conocimiento, deja de ser un aspecto exclusivo de la
iglesia porque en época gótica surgen las universidades. El conocimiento en época gótica es un
conocimiento que se abre también a la sociedad a través de las universidades. Ese aumento del
conocimiento trae consigo algo muy importante para el arte que es el interés por la ciencia, por el
conocimiento de la naturaleza y este interés por lo científico y la naturaleza serán fundamentales dentro
del arte porque la pintura y la escultura góticas demostrarán con el paso del tiempo un interés por
representar de manera fiel la realidad. Los artistas mostraran un mayor interés en presentar la realidad tal
y como es, se abandona la abstracción románica para abordar la representación de la realidad de una
manera más fiel.

-Religión más humanizada: el tipo de religiosidad cambia, de ser un tipo de religión como la románica
donde el fiel estaba sometido a la voluntad de la iglesia, el fiel era una persona temerosa de ese cristo
juez, durante el periodo gótico, la religión es más humana, más próxima al fiel, eso hace que sea una
representación de Cristo, de los santos, virgen, sea más humanizada, más naturalista, representa una
humanización de la religión que trae consigo una representación más humana de las figuras religiosas.

ESCUELA DE FLANDES

Del arte gótico una obra de las grandes escuelas pictóricas de la Europa medieval que es la escuela
flamenca del siglo XV, el nombre es debido a que se desarrolla en Flandes, en un territorio del norte de
Europa, lo que hoy seria Bélgica. Flandes es un territorio económicamente muy potente, una de las
potencias de la Europa de antes. Algo importante de Flandes es que será una región en la que la
burguesía tiene un papel muy importante en el comercio y la industria. Territorio donde habrá una
importantísima y amplísima producción artística sobre todo en el campo de la pintura. Una de las
características más importantes de la escuela flamenca del siglo XV que afecta a la pintura será el
perfeccionamiento de la técnica del óleo. En la pintura al óleo el aglutinante del color es el aceite. La
textura del óleo es diferente a la del temple.

Ese interés por el artista por la naturaleza, esa fascinación o deseo por representar la realidad tal y como
se mostraba ante sus ojos tiene un magnifico ejemplo en el arte en la escuela flamenca del siglo XV. Esta
será la única obra que veremos en el arte gótico pero que ejemplifica y explica muy bien por una parte
ese interés por la naturaleza desde una perspectiva científica y ese afán del artista medieval gótico de
representar la realidad tal y como se mostraba ante sus ojos.

Probablemente uno de los aspectos mas sobresalientes de esta escuela es el perfeccionamiento en el uso
del óleo en la pintura. La escuela Flamenca tenía una peculiar habilidad en el manejo de la técnica al óleo.
En la técnica al óleo, el color en polvo se mezclaba con aceites lo que le da al color una textura especial.
Lo que consiguen los artistas Flamencos al óleo es:

Ampliar la gama cromática: mayor variedad en los colores empleados por los artistas y en los matices que
los artistas pueden extraer del color.

Describir volumen: ese manejo de la pintura al óleo les permite describir el volumen de las figuras de una
manera más fiel, más real. Los pintores flamencos y los góticos en general se alejan de esa
bidimensionalidad que veíamos en el románico y empiezan a interpretar gracias a la pintura al óleo,
gracias a los juegos de luces y sombras del juego del claro-oscuro que ellos trabajan en la pintura al óleo,
permiten crear esa tridimensionalidad en las figuras.

Algo típico de las pinturas flamencas, no solamente es esa volumetría, ese volumen, sino que si nos
fijamos en este cuadro en la figura femenina, en la señora Arnolfini, si nos fijamos en la parte inferior de la
vestimenta como el artista ha representado esa vestimenta con un plegado, con unos pliegues muy
amplios que le dan volumen, aumentando la volumetría de la figura.

Consiguen representar las calidades de las texturas: La capacidad que tienen es que con su técnica
consiguen representar las calidades de las texturas. Consiguen crear el efecto de la textura del bronce, de
la madera, de las telas de los personajes, consiguen transmitir al espectador esas calidades de las
texturas. Ejemplo la delicadeza de la tela que adorna la cabeza de la mujer en el cuadro que estudiamos

El óleo seca muy despacio: lo que permite el retoque y esto permite a los artistas flamencos es ser muy
minuciosos con la representación, no solo realista, fiel a la realidad sino también ser muy minucioso a la
hora de representar la realidad. Ejemplo en el espejo de la pintura en el cuadro que estudiamos

EL MATRIMONIO ARNOLFINI – JAN VAN EYCK

Pertenece a la escuela Flamenca del siglo XV. Se trata de un cuadro de genero del retrato de una pareja
importante de Flandes (el matrimonio es Arnolfini), importante sobre todo económicamente, una familia
solvente. Pero al mismo tiempo conmemora un acontecimiento importante para las personas retratadas.
Durante mucho tiempo se dijo de este cuadro que representa el momento del matrimonio, la ceremonia
matrimonial, pero hoy en día no está claro que sea eso lo que representa realmente, pero sí que es
verdad que, por la actitud de los dos, parecen manifestar algún tipo de compromiso entre el esposo y la
esposa, por los gestos de ambos sí que parece que represente algún tipo de compromiso o de votos
matrimoniales. Si nos fijamos, él tiene la mano derecha levantada y la mano izquierda la dirige hacia su
esposa y ella posa su mano sobre la de él. Ella no lo mira directamente, tiene la mirada hacia el suelo con
una actitud hasta cierto punto sumisa. Es como si en la escena el marido se comprometiera a cuidar de la
mujer, a protegerla y la actitud de ella es como de entrega a su esposo. Hay por tanto en esta escena si no
se representa la propia ceremonia de matrimonio, si se establece por los gestos de el y de ella, una
representación de un cierto compromiso matrimonial entre ambos.

Esta escena se sitúa en un interior domestico del siglo XV, en una sala en la que el pintor describe los
elementos que aparecen en esa estancia con el mismo interés y cuidado que a los propios personajes
representados. El interior que aparece representado es descrito por el artista con la misma minuciosidad,
con el mismo afán realista, aunque hemos de reconocer que el rostro del señor Arnolfini esta hasta cierto
punto idealizado. Pero si que es verdad que ese realismo en la representación de las figuras se traslada
también a los objetos representados en la habitación. No es un dormitorio, hay una cama, pero no es una
habitación, en las casas holandesas a veces la cama se situaba dentro de una especie de salón o sala.
Aparece la cama a la derecha al fondo de la habitación aparece representado un sillón, un espejo. Colgado
del techo tenemos una lampara de bronce y junto al hombre y debajo de la ventana tenemos un halcón,
aunque tenga una cama. Aparecen una serie de mobiliario típicos de los interiores de Flandes. Cama en la
derecha con las colgaduras típicas, al fondo una especie de sillón, un espejo, del techo cuelga una lampara
de bronce, a espaldas del hombre tenemos la ventana abierta y debajo un halcón. Es decir, aparecen una
serie de piezas de mobiliario que son características de los interiores flamencos del siglo XV. Es evidente
que tanto el mobiliario como la indumentaria de los personajes, delata la excelente situación económica
de esta familia. Lo interesante de los cuadros flamencos es que, junto a ese deseo por parte del artista de
representar los objetos y las figuras con el mayor grado de realismo posible, es verdad que en ocasiones
son cuadros que encierran también un cierto carácter simbólico.

Es posible que dentro del carácter simbólico que tiene la pintura, el hecho de presentarla con el vientre
destacado puede anunciar la futura maternidad. Si se trata de la primera esposa de Arnolfini, no tuvo
hijos, con lo cual sería más evidente que no estaba embarazada. Lo que pasa es que en la indumentaria
medieval era típico subrayar el vientre porque era un símbolo de belleza, el ideal de belleza flamenco era
una mujer de cintura muy estrecha, hombros estrechos, pechos redondeados, caderas anchas y sobre
todo vientre abundante. A veces incluso las mujeres se ponían almohadones debajo de las amplias faldas
precisamente para subrayar. Puede darse el caso de que aquí este subrayado el vientre para hacer
referencia a ese signo de belleza. También si nos fijamos, ella se recoge el vestido delante, es un vestido
largo y ella ha recogido la tela y se lo ha colocado delante con lo cual evidentemente se potencia ese
vientre.
Dentro de este carácter simbólico el verde es también muy importante ya que significa esperanza, que
también podría hacer referencia al posible futuro embarazo. Pero también es verdad que este verde tan
intenso era un color caro, que podían vestir personas adineradas como era este matrimonio.

Debajo de la pareja aparece un perro, el animal domestico de la pareja. Pero aquí de la misma manera
que el color verde puede significar esperanza, el perro puede hacer referencia a la fidelidad. Sobre todo, a
la fidelidad femenina.

En la lampara de bronce es curioso porque, solo hay una vela y esta encendida, pero es de día. Con lo cual
esa vela encendida para algunos autores hace referencia a la presencia de dios, a la presencia divina, en
un acto fundamental para la pareja. La luz encendida puede tener ese componente religioso.

En el halcón hay naranjas, la naranja aparte, era entonces un fruto también apreciadísimo pero muy caro,
con lo cual, era una manera de representar algo cotidiano pero que de la misma manera representaba de
nuevo esa categoría social y económica de la familia. Pero la naranja de alguna manera, la flor de azahar
es algo que está muy vinculado a la idea de la esposa.

La pintura es interesante porque por un lado tenemos ese grado de realidad de la representación de los
objetos, de las calidades, de las texturas los personajes representados. Ella lleva un peinado muy de moda
en la época, esa especie de cuerno. Era un peinado muy criticado porque para la iglesia tenía cierto
carácter demoniaco o diabólico. Se combina por una parte ese grado de realismo en la representación de
la escena, pero al mismo tiempo tiene un cierto carácter simbólico.

Una de las piezas interesantes de esta escena, de este cuadro es el espejo colocado al fondo de la estancia
entre los esposos. Es un espejo convexo, curvo, es muy interesante porque en él se refleja la parte de la
estancia que desde nuestro punto de vista como espectadores no vemos. Estamos viendo la parte de la
estancia que queda delante del matrimonio, la parte de la habitación que no vemos. Vemos la espalda de
los esposos, se ve la ventana que queda a su lado, se ve que al lado de esta ventana hay otra ventana y
tiene una puerta al fondo en la que aparecen 2 personas, una vestida de azul y otra vestida de rojo. Es
curioso que justo sobre el espejo esta la firma del pintor y pone Jan van Eyck y en latín pone estuvo aquí y
pone la fecha 1434. Se especula, es una firma tan concreta que uno de esos dos personajes que aparecen
en el umbral de la habitación podría ser el propio autorretrato del artista. Este espejo del artista nos habla
también de ese deseo por parte del artista de mostrar toda la realidad, toda la estancia al espectador y
mostrarse a el como testigo de esa realidad.

Para ver el grado de detallismo, en el marco en esas pequeños medallones aparece representadas
escenas de la pasión de cristo. Cuando se habla de minuciosidad, de detallismo el marco del espejo sería
un buen ejemplo.

A la izquierda del espejo se ve representado un rosario de cuentas de cristal. Es fascinante porque no

solamente representa la transparencia de las cuentas, sino que representa también la luz que atraviesa las
cuentas de cristal y se refleja sobre la pared. La representación de la luz y de sus efectos es algo que
preocupara también a los artistas.