EL CUBISMO

Estudiante: Alvarez Tone Piero Steve

Docente: Luis Alberto Montes de Oca Mendoza

Introducción al Cubismo:

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 El cubismo fue uno de los movimientos artísticos más influyentes y
revolucionarios del siglo XX. Surgido a principios del siglo en París, este
movimiento cambió radicalmente la forma en que se concebía y
representaba el arte. El cubismo no solo fue una ruptura con las
convenciones artísticas establecidas, sino que también desafió la forma
en que percibimos el mundo que nos rodea. En este ensayo,
exploraremos los fundamentos del cubismo, sus principales
exponentes y su impacto duradero en el arte moderno.

Desarrollo:
El cubismo se caracterizó por su enfoque en la representación de la realidad
desde múltiples perspectivas. Los artistas cubistas, como Pablo Picasso y
Georges Braque, rechazaron la representación tradicional de la forma y el
espacio, descomponiendo los objetos en formas geométricas básicas, como
cubos, conos y cilindros. A través de esta fragmentación y reconfiguración de
las formas, buscaban capturar la esencia de los objetos y representar una
visión más completa de la realidad.

Una de las principales contribuciones del cubismo fue el concepto de la

"multivisión" o la representación simultánea de múltiples perspectivas
en una sola imagen. En lugar de mostrar un objeto desde un solo punto
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 de vista, los artistas cubistas presentaban diferentes ángulos y facetas
en una misma pintura. Esto resultó en obras altamente complejas y
abstractas, que desafiaban al espectador a explorar diferentes formas
de ver y percibir.

El cubismo también se destacó por su uso innovador del color y la

textura. Los colores se simplificaron y se utilizaron de manera no
realista, a menudo en tonos terrosos y grises, para enfatizar la forma y
la estructura de los objetos. Además, los artistas cubistas
experimentaron con la técnica del collage, incorporando elementos
como periódicos, trozos de papel y otros materiales en sus obras para
agregar profundidad y textura.

Picasso y Braque fueron los principales exponentes del cubismo

analítico, una fase temprana del movimiento en la que se enfatizaba la
descomposición de las formas y la representación de múltiples
perspectivas. Posteriormente, el cubismo sintético surgió como una
evolución del analítico, incorporando elementos de collage y
simplificando aún más las formas. Esta fase abrió el camino para la
aparición de nuevas formas de expresión artística, como el arte
abstracto.

Impacto:

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El cubismo tuvo un impacto profundo en el arte del siglo XX y sentó las
bases para el desarrollo de corrientes artísticas posteriores. Su enfoque en
la representación de múltiples perspectivas influyó en el desarrollo del
futurismo, el dadaísmo y el surrealismo. Además, la fragmentación de las
formas y la reconfiguración de los objetos sentaron las bases para el
desarrollo de la abstracción geométrica.

El legado del cubismo se extiende más allá del arte visual. Su ruptura con
las convenciones establecidas y su búsqueda de nuevas formas de
representación influyeron en la literatura, la arquitectura y el diseño. La
idea de representar la realidad desde múltiples perspectivas y cuestionar
las nociones tradicionales de belleza y armonía también tuvo un impacto
en la filosofía y la forma en que percibimos el mundo en general.

El cubismo se caracterizó por su enfoque en la representación de la

realidad desde múltiples perspectivas. Los artistas cubistas, como
Pablo Picasso y Georges Braque, rechazaron la representación
tradicional de la forma y el espacio, descomponiendo los objetos en
formas geométricas básicas, como cubos, conos y cilindros. A través
de esta fragmentación y reconfiguración de las formas, buscaban
capturar la esencia de los objetos y representar una visión más
completa de la realidad.

Una de las principales contribuciones del cubismo fue el concepto

de la "multivisión" o la representación simultánea de múltiples
perspectivas en una sola imagen. En lugar de mostrar un objeto
desde un solo punto de vista, los artistas cubistas presentaban
diferentes ángulos y facetas en una misma pintura. Esto resultó en

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obras altamente complejas y abstractas, que desafiaban al
espectador a explorar diferentes formas de ver y percibir.

El cubismo se desarrolló en varias etapas distintas, cada una con sus

propias características y enfoques. La primera etapa fue el cubismo
analítico, que se enfocó en la descomposición de las formas y la
representación de múltiples perspectivas. En esta etapa, los artistas
emplearon colores limitados y tonos terrosos para enfatizar la
forma y la estructura de los objetos. Los cuadros cubistas analíticos
a menudo requerían una observación minuciosa y detallada por
parte del espectador para descifrar la imagen completa.

Posteriormente, el cubismo sintético surgió como una evolución del

cubismo analítico. Esta fase se caracterizó por la incorporación de
elementos de collage y la simplificación aún mayor de las formas.
Los artistas cubistas comenzaron a agregar objetos y materiales
reales, como periódicos, trozos de papel y letras, a sus obras,
creando un sentido de profundidad y textura. El cubismo sintético
también se centró más en la representación de la vida cotidiana y el
uso de colores más brillantes y vibrantes.

El impacto del cubismo fue profundo y duradero. Este movimiento

no solo transformó el arte visual, sino que también influyó en la
literatura, la música, la arquitectura y el diseño. La idea de
representar la realidad desde múltiples perspectivas y cuestionar las
nociones tradicionales de belleza y armonía resonó en diferentes
campos creativos. El legado del cubismo se extendió más allá de su

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tiempo, influyendo en movimientos posteriores como el futurismo,
el dadaísmo y el surrealismo.

El cubismo también fue un catalizador para el desarrollo de la

abstracción geométrica y el arte abstracto en general. Al
descomponer las formas y reconstruirlas de manera abstracta, los
artistas cubistas allanaron el camino para nuevas formas de
expresión artística que se alejaban de la representación figurativa.
El cubismo abrió nuevas posibilidades para la experimentación y la
liberación de las limitaciones tradicionales del arte, alentando a los
artistas a explorar el poder de la forma, el color y la composición.

Fases del cubismo:

El cubismo fue inventado en 1907 por Pablo Picasso y Georges

Braque. Picasso y Braque se vieron influidos por la obra
postimpresionista de Paul Cézanne, el arte africano y la escultura
ibérica.

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La fase pre-cubista se denomina a veces protocubismo o cubismo
ceutí. Esta fase se refiere a cuando Picasso y Braque desarrollaron el
estilo cubista entre 1904 y 1907.

Características del Cubismo

Las principales características del cubismo son las perspectivas

múltiples, las formas geométricas, la paleta de colores
monocromática y el plano de la imagen aplanado.

El manejo poco convencional de la forma, el color y la perspectiva

por parte del cubismo supuso un cambio con respecto a la antaño
venerada institución de la pintura modernista europea. El cubismo
reimaginó el tratamiento de la forma al rechazar los principios de
perspectiva, modelado y escorzo. Este proceso dio como resultado
una composición geométrica, muy abstracta, que representaba el
tema desde todos los ángulos y con planos de imagen superpuestos.

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Los cubistas eran maestros en el análisis de la apariencia de sus
temas y en la combinación de múltiples puntos de vista en una sola
forma. Los artistas cubistas representaban sus temas desde
múltiples perspectivas simultáneamente, trabajando para
representar todos los ángulos del tema en la superficie plana de un
lienzo y dentro de un único plano del cuadro. Pretendían
representar la estructura completa de los objetos y las personas en
sus cuadros sin utilizar técnicas como la perspectiva o el sombreado
graduado para que parecieran realistas.

Los cubistas lograron su versión del realismo utilizando formas

geométricas en lugar de la perspectiva lineal y el sombreado. La
imagen cúbica y otras formas geométricas, como conos, esferas y
cilindros, aparecen constantemente en el movimiento cubista. Los
pintores cubistas consideraban que podían representar la forma de
un objeto con mayor precisión utilizando formas geométricas para
representar sus distintos lados y ángulos.

Además, los colores brillantes no se utilizaron normalmente en las

pinturas cubistas hasta mucho más tarde en el movimiento, durante
la fase sintética del cubismo. Los primeros pintores cubistas
preferían los tonos grises, negros y ocres apagados a los colores
vivos, como el verde o el rosa.

¿Cuáles fueron las fases del cubismo?

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Las fases del cubismo son el protocubismo/cubismo ceutí, el
cubismo analítico y el cubismo sintético.

El cubismo analítico surgió en 1907 y consistía en pinturas que

hacían hincapié en la superficie plana y bidimensional del plano del
cuadro. El cubismo analítico rechazó las técnicas tradicionales de
modelado, escorzo, perspectiva y claroscuro para crear profundidad
e ilusión de espacio tridimensional. Los cuadros cubistas analíticos
suelen presentar una paleta de colores limitada, compuesta por
tonos terrosos y muchas sombras.

El cubismo sintético surgió en 1912 y desarrolló la planitud del

cubismo analítico incorporando objetos cotidianos a los cuadros.
Los artistas pegaron en el lienzo trozos de papel que antes
pertenecían a periódicos, papel pintado, etiquetas de botellas y
otros objetos efímeros, además de hilos y pintura al óleo. La paleta
de colores de los cuadros del cubismo sintético sigue siendo
limitada, pero no es tan monocromática como los esquemas de
color populares en la pintura cubista analítica.

El cubismo ceutí

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El artista postimpresionista francés Paul Cézanne influyó
principalmente en el movimiento cubista, lo que dio lugar al
nombre de «cubismo cézanniano».

Los experimentos de Cézanne con los planos y las formas, su uso de

líneas duras, formas geométricas y perspectivas simultáneas
influyeron profundamente en las características estéticas del
cubismo.

Cézanne suele reducir sus temas a sus formas geométricas

primarias. Por ejemplo, un árbol era una combinación estratégica
de cilindros, y una manzana era una esfera. Cézanne también
experimentó con las reglas de la perspectiva y pintó sus objetos con
superficies aplanadas, insinuando la tridimensionalidad de un tema
al sugerir múltiples ángulos y puntos de vista a la vez.

En última instancia, el estilo postimpresionista tardío de Cézanne

influyó en las obras pre-cubistas de Picasso y Braque. El
protocubismo se refiere a la fase de experimentos artísticos
llevados a cabo por Pablo Picasso y Georges Braque entre 1904 y
1907, que se basó en muchas influencias, incluido el estilo único de
Cézanne. Picasso y Braque trasladaron muchas características
postimpresionistas al desarrollo del cubismo, produciendo obras de
arte planas, geométricas y angulares, con una paleta de colores
terrosos.

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Consulte nuestro artículo para saber más sobre la influencia de Paul
Cézanne en el cubismo.

Cubismo Analítico

El cubismo analítico se refiere a la primera fase del cubismo que se

desarrolló en Francia alrededor de 1907 y duró hasta 1912. El
cubismo analítico describe el enfoque analítico de los artistas, pieza
por pieza, para representar sus temas. Los sujetos fueron
analizados, deconstruidos y reorganizados para que fueran
totalmente visibles desde un lado. Esta disección estética de la
forma dio lugar a múltiples puntos de vista superpuestos que
permitían al espectador ver el tema en su totalidad en un único
plano de la imagen.

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Estas elecciones estilísticas dieron lugar a obras cubistas de aspecto
fragmentado, geométrico y abstracto. Los pintores cubistas
analíticos también utilizaban una paleta de colores limitada,
principalmente tonos oscuros y terrosos.

El cubismo analítico se diferencia de movimientos artísticos

anteriores, como el impresionismo, en el que la composición
también se fragmenta hasta la abstracción. Sin embargo, los artistas
impresionistas utilizaban colores vivos que enfatizaban los efectos
de la luz en la naturaleza. Por otro lado, el cubismo superponía
múltiples ángulos y planos de imagen que hacían que el tema
tuviera un aspecto muy poco realista, pero aún así identificable.

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El FUTURISMO

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Qué es el Futurismo

Se conoció como futurismo a una de las muchas corrientes artísticas

que compusieron las vanguardias europeas del siglo XX, surgido en
Italia en 1909, cuando el poeta, dramaturgo y editor italiano Filippo
Tommaso Marinetti publicó en el diario Le Figaro de París su
Manifiesto Futurista.

Se trataba de un movimiento ávido por romper con la tradición, el

pasado y lo considerado hasta entonces como rasgos principales del
arte y la poesía, postulando en su lugar la exaltación de lo sensual, lo
nacional y la irreverencia.

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Contexto histórico y social del futurismo

El futurismo nació en Milán, Italia, y se considera un movimiento

fundamentalmente italiano, dado su temple nacionalista, misógino y
guerrerista, que llevó a sus mayores exponentes a enlistarse cuando sonaron
las primeras trompetas de la Primera Guerra Mundial.

Pocos volvieron del frente, y quienes lo hicieron no necesariamente

continuaron con el movimiento, por lo que el centro operativo del futurismo
pasó de Milán a Roma. Así, cuando Marinetti muere en 1944, ya el futurismo
se había convertido en un movimiento mucho más sumiso, entregado a la
academia, traicionando su espíritu rebelde.

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Características del futurismo

El futurismo se definía a sí mismo a partir de su obsesión por la velocidad,

que consideraba una virtud de los tiempos venideros. Apreciaba la
tecnología, la energía, la fuerza, y ello intentaba plasmarse en sus obras
pictóricas o poéticas, empleando formas, ritmos y transparencias, así como
sucesiones de imágenes como en un caleidoscopio.

Por otro lado, exaltaba la originalidad, el nacionalismo, el bullicio y la

consideración de la vida como una lucha constante, por lo que la belleza,
según ellos, se hallaba necesariamente implicada en la confrontación. Eran
frecuentes sus cantos a la Revolución, la audacia, la objetividad y el rechazo
de la estética tradicional, abrazando en su lugar la vida contemporánea, la
máquina y el movimiento. En ese sentido, podía recurrir a cualquier método
expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, moda, cine, publicidad,
música, etc.) con tal de crear un “arte en acción”.

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Poemas futuristas

La poesía futurista fue cultivada escasamente en la Italia futurista, y mucho

más en su variante rusa, surgida en los años previos a la Primera Guerra
Mundial. Grandes poetas rusos como Mayakovski y Burliuk, que también
practicaban la pintura, fueron entusiastas poetas futuristas, tan dedicados al
escándalo y a sus propias perspectivas que llegaron a abuchear al propio
Marinetti en su visita a Rusia en 1914.

En estos poemas es frecuente hallar el entusiasmo revolucionario, quizá una

admonición de lo que ocurriría en la Revolución de octubre de 1917, cuando
los militantes comunistas derrocarían el zarismo e instaurarían un régimen
soviético. El canto a la modernidad, a la máquina, al progreso y a la velocidad
del cambio se hacen sentir en sus versos. A continuación un claro ejemplo de
ello:

“Poeta y obrero” de Vladímir Mayakovski. Somos parejos. Compañeros,

dentro de la masa obrera. Proletarios de cuerpo y alma. Solo juntos
hermosearemos el mundo. Y lo impulsaremos con himnos.

“Canción del automóvil” de Filippo Tommaso Marinetti (fragmento). ¡Dios

vehemente de una raza de acero, automóvil ebrio de espacio,que piafas de
angustia, con el freno en los dientes estridentes! ¡Oh formidable monstruo
japonés de ojos de fragua,nutrido de llamas y aceites minerales, hambriento
de horizontes y presas sideralestu corazón se expande con su taf-taf diabólico

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Pintura futurista

La pintura futurista fue heredera directa del cubismo, a grado tal que las
primeras pinturas italianas adscritas al futurismo podrían perfectamente
haber sido expuestas como cubistas. Sin embargo, rápidamente se
procuraron un estilo propio, a partir de su deseo de representar la realidad
en sus trazos y formas.

Empleaban el color puro y las formas geométricas, pintando objetos de

manera sucesiva, como en movimiento, o emborronándolos, como se hace
hoy en día en las historietas. Muchos de sus cultores llegarán al
abstraccionismo, a través de su incursión en el rayonismo.

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Arquitectura futurista

Abrazando el antihistoricismo, la arquitectura futurista también persiguió la

representación de la velocidad, mediante largas líneas horizontales que
aspiraban a transmitir urgencia, movimiento, inquietud.

Se trató de una tendencia arquitectónica dinámica, que valoró el cálculo, la

audacia y la sencillez, apuntando a materiales que brindaran agilidad y
ligereza, como el hormigón armado, el hierro, el cristal, el cartón y la fibra
textil, para sustituir la madera, el ladrillo y la piedra.

La arquitectura futurista deseaba hallar su inspiración en el mundo moderno,

así como los antiguos la hallaron en el mundo natural a su alrededor, y
deseaban por lo tanto un arte arquitectónico que aceptara su propia
caducidad, su transitoriedad, permitiendo a cada generación fabricar su
propia ciudad, enterrando las anteriores.

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Autores y representantes

Poesía futurista: Filippo T. Marinetti, Giovanni Papini, Giuseppe Ungaretti,

Carlos Felipe Porfirio, y los rusos Vladimir Mayakovski, David Burliuk, Aleksei
Kruchónyj, Velimir Jlébnikov,

Pintura futurista: Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi

Russolo, Gino Severini, Antonio Sant’Elia, o el argentino Emilio Pettoruti.

Arquitectura futurista: Angiolo Mazzoni, Antonio Sant’Elia, Nikolay

Diulgheroff.

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