Dirección de Preparatoria Abierta

Estado de México

Material de apoyo didáctico:

(25) Apreciación
estética (pintura)
Segundo Semestre

Consideraciones para uso:

- El material didáctico sólo es un referente para la mejor comprensión

de los libros de texto y alcanzar los objetivos planteados.
- Está basado en los libros de texto y programas de estudio que
comprende el Plan Tradicional de Preparatoria Abierta

1
 APRECIACIÓN ESTÉTICA PINTURA

La Pintura

 La pintura es color aplicado en una superficie.

 La pintura es un arreglo de formas y colores.
 La pintura es una composición creativa que usa color, línea y forma, en armonía,
para transmitir un tema de acuerdo a la personalidad de un autor y a la filosofía
de su tiempo.
 La pintura es el reflejo de las ideas de un artista y la de su época, mediante la
composición de colores, formas y signos sobre una superficie.
 El título correcto del cuadro de la Madre de Whitsler es: Arreglo en Gris y Negro,
su verdadero tema es un estado de ánimo, una tónica espiritual compuesta de
nobleza, dignidad, reflexión y resignación.
 En el cuadro Arreglo en Gris y Negro podemos observar una actitud de serenidad
y dulzura, evoca un estado de introspección.
 Auguste Dominique Ingres fue el representante de la tradición académica de
Francia en los momentos en que los pintores detenidos de aquella escuela
neoclásica estuvieron bajo el ataque de los nuevos románticos.

Lám. 1 Arreglo en Gris y Negro, de

James Whistler

2
 Renoir pintor francés uno de los líderes del movimiento impresionista en Europa,
tuvo una gozosa adoración por la vida y la habilidad de traducirla en términos
visuales, tal y como lo refleja en su obra Madame Renoir en el cual muestra su
visión optimista de la vida.
 En el cuadro En la Pradera, Renoir resume su sentido de la dicha en una fresca y
deliciosa pintura, el significado profundo es una diosa terrestre.
 Edgar Degas es un pintor escéptico de la bondad de la vida; su arte revela a un
hombre esencialmente pesimista.
 Degas fue un representante del Impresionismo.

lLám. 3 Madame Renoir, de Renoir Lám. 4 En la Pradera, de Renoir

 La Monna Lisa es una pintura de Leonardo Da Vinci.

 La leyenda más irritante de La Monna Lisa es la que refiere que los ojos “te siguen
alrededor del cuarto”. Sugiere un carácter enigmático símbolo de misterios
intemporales.
 Leonardo Da Vinci inventó un paisaje mitad fantástico y mitad lógico, tanto el
tiempo como el lugar son misteriosos.
 El significado verdadero de esta pintura es la idealización del enigma femenino.

Lám.6 Monna Lisa, de Leonardo da Vinci

3
 Pensamiento, Sentimiento y Pintura

 La pintura romántica es aquella que pone primordialmente en movimiento las

emociones, el aspecto emotivo es liberado.
 La pintura clásica es aquella que hace referencia sobre todo a la inteligencia.
 Los principales elementos de la pintura romántica son: libertad expresiva,
imaginación y estática.
 Los principales elementos de la pintura clásica son: orden, emoción controlada y
exotismo.
 Durand pintó en los Estados Unidos de América a mediados del siglo XIX, cuando
más popular era la glorificación romántica de la naturaleza.
 El Paisaje Imaginario de Durand, es una pintura romántica en un estilo
tradicional, que hace sentir seguro al observador profano. Dicho cuadro es un
ejemplo de pintura romántica en tanto que estimula la fantasía.
 Durand mira la naturaleza como una manifestación de fuerzas misteriosas, y
busca abrir su paisaje a las capacidades infinitas de la imaginación.

Lám. 7 Paisaje Imaginario, de Duran

4
 Símbolos

 EL Matrimonio de Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami de Jan Van Eyck

fechado en 1434 es uno de los cuadros más preciosos del mundo.
 Los personajes de EL Matrimonio de Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami son
serios y elegantes, solemnizaron su propio matrimonio en completa soledad.
 EL Matrimonio de Giovanni Arnolfino y Giovanna Cenami considera las cosas
triviales como referencias simbólicas a la naturaleza sacramental de la escena:
o Los zuecos tirados refieren al mandamiento bíblico “Saca tus sandalias de
tus pies, porque el lugar en que estás es sagrado”. La santidad de la
alcoba nupcial.
o El perro simboliza la fidelidad.
o La fruta se refiere a la fruta de Jardín del Edén.
o La solitaria vela refiere la lámpara de las procesiones de boda o el ojo
omnividente de Dios.
o El espejo sobre la pared simboliza la pureza.
o La figura labrada en la silla es Santa Margarita, patrona del parto.

Lam. 10 EL Matrimonio de Giovanni Arnolfini y

Giovanna Cenami, de Jan Van Eyck

5
 Realismo

 El expresionismo pictórico es la combinación de espacios y formas que

manifiestan impulsos espontáneos.
 Toda pintura constituye una triple experiencia: visual, emocional e intelectual.
 El realismo es el medio por el cual el pintor se aproxima a la apariencia real de
los objetos, no es una imitación, sino una interpretación.
 Una característica de la pintura realista es la objetividad, una manifestación
fidedigna de las cosas.
 El Viejo Violín de Harnett, es una pintura realista que sorprende y fascina por su
ilusionismo, que tiene como elemento predominante un enfoque objetivo.
 El Viejo Violín de Harnett es el tipo de pintura que a la gente se le antoja tocar
por el modo tan convincente porque cada elemento expresa una textura diversa.

Lám. 13 El Viejo Violín, de Harnett

 Formas Musicales de Braque es una pintura abstracta, donde el autor pretende

representar en su forma mas pura la textura de los objetos.
 La idea rectora del expresionismo considera que la apariencia real de los objetos
puede ser distorsionada, en cualquier forma. Generalmente se asocia con temas
morbosos, violentos o patéticos. Sin embargo los objetos a pesar de la distorsión
son generalmente reconocibles.
 Formas Musicales de Braque no es ya un cuadro de un violín, es un arreglo de
líneas, de formas, de colores y de texturas.

6
 Braque prescinde de la apariencia de las cosas, porque quiere capitalizar al
máximo los elementos de abstracción.
 Una pintura es realista cuando logra una cabal y justa aproximación al aspecto
que presentan las cosas.

Lám. 15 Formas Musicales, de Braque

El Realismo en la Historia

 La función del arte se define como la creación del orden fuera del caos de la
experiencia humana.
 San Francisco recibiendo los Estigmas de Van Eyck pintura medieval de hace
unos quinientos años, refiere la ordenación de modo contrario, en vez de
simplificar el pintor multiplica los detalles.
 El mundo medieval fue rico, violento, caótico, complicado, de mucho colorido y
contradictorio. Época de crueldades extremas, plagas terribles, pobreza,
sufrimiento. Y también de refinamiento, mística fe religiosa, opulencia, cinismo
y piedad, de plebeyez y elegancia.
 San Francisco recibiendo los Estigmas es una pintura que se comprime en unos
cuantos centímetros cuadrados, sin que dé la impresión de aglomeración o
desorganización.
 El pintor medieval busca dar sentido a la complicación del mundo; el pintor
renacentista busca clarificar el sentido oscurecido por la complicación del
mundo.

7
 El Renacimiento puede ser descrito como una “Edad de Búsqueda” donde el
hombre se empeñó en descubrir una armonía más terrenal y racional
 El artista del Renacimiento imprime en sus obras un carácter de liberalismo
intelectual y distinción.
 Cuando una persona ordinaria mira un cuadro no está interesada, ni en el
espíritu de la época, ni en los medios que el artista empleó para lograr su efecto.
Y lo que al propio cuadro se refiere significa para él “lo que en el cuadro está
sucediendo” entre más cosas sucedan, más gusta de él. Así tenemos que en el
realismo barroco un rasgo típico es sin duda la exageración

Lám. 16 San Francisco recibiendo los

Estigmas, de Van Eyck

 Edouard Manet en La Barca parece decir “He aquí un fragmento del mundo, un
momento, un instante de un día, que hay que apreciar por sí mismo, sin que
importe mucho cuál es su lugar en el vasto e incomprensible esquema de las
cosas”. El deseo de Manet es enaltecer lo cotidiano de la vida, es decir imprime
un carácter realista.

Lám. 23 En la Barca, de Mannet

Expresionismo

8
 El termino expresionismo es usado frecuentemente al considerar la pintura
moderna. Y es aplicable también a las pinturas de antiguos maestros.
 Vicente Van Gogh es el padre del expresionismo moderno.
 En el expresionismo las pinturas son más intensas y personales.
 En la pintura el expresionismo es la distorsión de la forma y del color para una
expresión emocional.
 La pintura expresionista es una libre expresión, que puede parecer muy libre o
igualmente una pintura calculada en extremo. Ejemplo perfecto de ello es La
Noche Estrellada de Vincent Van Gogh.
 La Noche Estrellada parece que se arremolina en una furiosa embravecida
energía, alejada de asociaciones ordinarias con una noche de estrellas.
 La Noche Estrellada está llena de fervor emocional, se siente que fue creada en
una especie de combustión espontánea. El goce proviene de sentir la
comunicación emocional directa con el pintor.
 El Greco fue un expresionista trescientos años antes, de que el término existiera.
 El Cristo de Getsemaní del Greco, fue pintado casi tres siglo antes de La Noche
de Estrellas es expresionista como la pintura moderna
 La Noche de Estrellas y EL Cristo de Getsemaní emplean recursos similares como
formas entrelazadas, colores vivos y la deformación de las figuras.
 La composición del Getsemaní es más compleja, singular es su elegancia y
sutileza expresadas en vertiginosa brillantez, donde el flujo principal de la línea
que la une, puede ser trazado en torno a la extraña forma que encierra a los
discípulos dormidos, subiendo a la roca puntiaguda y a las nubes.

Lám. La Noche Estrellada, de Van Lám. 26 El Cristo de Getsemaní,

Gogh del Greco

 Para Van Gogh el expresionismo fue un desahogo personal y para el Greco fue
una realización intelectual.
 Dos Desnudos de George Rouault óleo sobre papel, es un desaforado grito de
protesta contra la inhumanidad del hombre con el hombre, contra la corrupción,
la insensatez y la degradación humana, es un cuadro moral. Rouault utiliza el
manejo de la fealdad como un recurso expresivo.
 Rouault en Dos Desnudos expresa su propia ira, y la brutalidad de las mujeres.
Distorsiona los cuerpos en formas pesadas y groseras, sin embargo es bello
técnicamente por el dominio absoluto del dibujo.

9
 Lám. 28 Dos Desnudos, de Rouault

 La pintura infantil da la libertad a los niños de ser inhábiles para aplicar reglas y
teorías al pintar, les permite dar una respuesta natural a los valores psicológicos
de los colores, las líneas y las formas.

Convencionalismo Expresivo

 El expresionismo en muchas pinturas comienza a tener mayor significación,

refinamiento y simbolismo, hasta llegar a la expresión emocional.
 El espacio ultraterreno a base de formas confusas y luces mágicas son un
elemento expresionista que se puede apreciar en el cuadro Cristo en la Cruz de
Rubens.
 Rubens tenía todos los conocimientos para crear efectos de luz y sombra,
diversas maneras para realizar la ilusión de profundidad y de construir formas
que parecieran sólidas y rotundas.
 El Cristo en la Cruz obra maestra de Rubens es tan real que hace sentir que
estamos ahí y expresa un naturalismo extremo, constituye una interpretación
fiel del modelo lo que hace que no se considere una obra expresionista.
 Entre las características que impiden considerar a Cristo en la Cruz como una
obra expresionista está el marcado naturalismo de la escena.

10
 En el cuadro Cristo en la Cruz con Paisaje, el Greco logra que la figura parezca
estar mágicamente suspendida como si fuese ingrávida, todo es irreal o
semirreal, que expresa un acontecimiento divino.

Lám.34 Cristo en la Cruz con Lám. 33 Cristo en la Cruz, de

Paisaje, de El Greco Rubens

Abstracción

 La pintura abstracta es probablemente la más complicada del arte moderno,

porque frecuentemente se es incapaz de identificar las líneas, los ángulos, las
formas y los colores.
 Una de las razones que motivan al artista a pintar formas abstractas es que estas
se manejan libremente.
 Una pintura abstracta tiene significación en términos de línea, forma y relaciones
espaciales.
 La Madre de Whistler proviene más de elementos abstractos que del propio
tema, aun cuando el observador no tenga idea de esto.
 Whistler insistió en los elementos abstractos de forma y color de su cuadro y lo
denominó Arreglo en Gris y Negro.
 En el Retrato de la esposa de Renoir también son subrayados los elementos
abstractos, las formas naturales son reducidas a simples equivalencias
geométricas, en términos de cilindros y óvalos.
 En El Edificio de Singer de Marín se encuentra que los elementos abstractos
predominan sobre los elementos realistas.

11
 Una de las razones por la que algunos artistas no pintan figuras realistas, es que
el uso de formas puras produce un mayor placer estético.

Lám. 29 El Edificio que Canta, de Marín

 Lo que se mira en El Artista en su Estudio de Vermeer es una configuración

cúbica del estudio de un artista, donde la interrelación de los objetos es perfecta.
 En El Artista en su Estudio obra realista, las figuras no deben ser observadas
como siluetas planas si no como volúmenes sólidos en un espacio tridimensional,
donde la forma de los espacios vacíos, entre los objetos es igualmente
interesante.
 El cuadro El Estudio de Picasso tiene un paralelo estrecho con el de Vermeer,
pero Picasso decide trabajar el arte abstracto y enigmático, a través del manejo
libre de las formas.
 Es su obra El Estudio se puede apreciar la búsqueda de la pureza, de forma, color
y composición.

El Artista en su estudio,
de Vermeer

 Todos los artistas pueden clasificarse en dos grupos: los que vuelven intelectual
su tema y los que lo conmueven, un ejemplo de este grupo es la pintura Líneas
Negras.

12
 La abstracción emocional o no objetiva se manifiesta en Líneas Negras de
Kandisnsky, pintor ruso que trabajó con los expresionistas alemanes. El
expresionismo alemán se caracterizó por las libres distorsiones de forma y por el
arbitrario uso del color.
 El realismo, el expresionismo y la abstracción se fusionan en diferentes
proporciones en todos los cuadros, el mundo que rodea las emociones y el
intelecto puro son partes de la misma entidad, que integran el mundo de la
pintura.
 Una característica que distingue al expresionismo intelectual del expresionismo
abstracto es que en este último el pintor tiende principalmente a evitar el
cálculo.

Lám. 38 El Estudio de Picasso

 Orana María de Gauguin, pintura de un bohemio parisiense, es una composición

con las tres formas de expresión pictórica: realismo, expresionismo y
abstracción.

Lám. 48 Orana María, de

Gaudin

La Composición

13
 La composición de una pintura es el “arreglo” de cómo utilizar los elementos del
color, la línea y la forma.
 La composición es muy importante en el proceso creativo, al observador
ordinario es lo que menos le interesa, a pesar de ser el factor principal de su
reacción frente al cuadro.
o La composición puede clasificarse en dos amplios ordenes:
o Las composiciones bidimensionales (de dos dimensiones)
o Las composiciones tridimensionales (de tres dimensiones)
 En las composiciones bidimensionales se estrecha el arreglo de líneas y de
formas planas sobre la superficie pictórica.
 Las composiciones tridimensionales eliminan el lienzo, como si el cuadro se
ahondará en el espacio, implica un arreglo de espacio y volumen.
 Algunos muralistas incorporaron en su tema la representación de arcos y
columnas como si más allá de ellos se abriera la distancia.
 En la pinturas de dos dimensiones el artista reduce sus medios de expresión a la
línea, la forma plana y el color.
 Esther Turttle de Joseph H. Davis es una pintura primitiva por ser el artista
autodidacta e instintivamente creativo, no trabaja con base en teorías,
conocimientos y experiencias técnicas.
 En Esther Tuttle composición bidimensional, no se sabe si el efecto de las manos
y los pies extremadamente pequeños se debe a las limitaciones técnicas o para
expresar el refinamiento y delicadeza de una gran dama.

Lám. 50 Esther Turttle, de Joseph H. Davis.

14
 Matisse figura prominente de la primera mitad del siglo XX define la composición
como un arreglo “en una manera decorativa”. Su obra destaca más como
decoración que como expresión.
 La Dama Vestida de Azul empezó siendo un cuadro aparentemente realista.
Matisse en su método lo conformó con gracia y encanto, dibujó las líneas
esenciales, para hacer una síntesis de lo que este cuerpo significaba y lograr el
equilibrio de las líneas curvas.
 Los pintores de Esther Tuttle y La Dama Vestida de Azul al partir del refinamiento,
trabajaron en forma paralela, la modelo, el vestido y los accesorios, que son la
materia prima. El modo de pintar fue planiforme, ornamental y expresivo, de
manera propia.
 Semejanzas importantes de estas pinturas son: Davis en Esther Tuttle trabajó
necesariamente en dos dimensiones y Matisse en La Dama Vestida de Azul
desecha con toda intención la perspectiva para lograr una composición estática
y planiforme.
 Matisse alguna vez expresó: “Sueño en un arte de equilibrio, de pureza y de
serenidad, libre de penas y de estados depresivos”, lográndolo en La Dama
Vestida de Azul.
 Si La Dama Vestida de Azul a veces no logra conmover es porque tal vez se
persiste en buscar tras sus líneas, forma y color un cuadro realista, cuando estos
elementos son eminentemente abstractos.

La Dama Vestida de Azul, de Mattisse

15
 La Danzante con Abanico y Vara así como el Actor Danzante de Kiyonobu pintor
japonés, pudo alcanzar desde una etapa muy antigua, la habilidad para
armonizar el tema y la abstracción.
 Apegándose a una tradición de muchos siglos, los artistas japoneses y chinos
perfeccionaron el valor expresivo de una composición bidimensional donde el
tema y la abstracción se vivifican mutuamente sin contradicciones.

Lám. 53 La Danzante con Abanico, de

Kiyonobu

Línea y Expresión

 El retrato de Cristina de Dinamarca de Holbein, es una pintura bidimensional,

con un grado mayor de realismo, muy elaborado en cuanto a su composición,
aprovechada como un medio para expresar la personalidad de un ser individual.
 Cristina de Dinamarca es una composición de tres áreas luminosas que rompen
la oscuridad del fondo: la del trozo rectangular del papel prendido al muro, la del
óvalo del rostro y la del esplendor de los puños, expandido en las manos y en el
guante.
 La sensación ante Cristina de Dinamarca, es la de hallarse frente a una persona
real, de carácter reservado y aguda inteligencia, atractiva mujer, pero
inaccesible.

16
 Holbein pinta a Cristina de Dinamarca en 1538, por envío de Enrique VIII, para
poder conocerla y ocupar el sitio que dejaba vacante su tercera esposa, por la
reputación del viudo palaciego, no se dejó cautivar.
 La figura de Cristina, fascina desde el centro del cuadro, sin embargo se
encuentra ligeramente desplazada hacia la izquierda y su eje desplazado hacia la
izquierda del centro, por eso se queda el observador atrapado.

Lám. 55 Cristina de Dinamarca, de

Holbein

 La composición en todas las artes, particularmente en la pintura siempre es

asunto de creatividad y las reglas son únicamente una guía.
 En el arte del pintor renacentista Botticelli cada función de la línea se integra a
las demás funciones. La línea es lo que identifica a este pintor.
 La Primavera de Botticelli es una sucesión inagotable de invenciones lineales. El
tema es una alegoría que ha tenido diferentes interpretaciones.
 En La Primavera la línea es expresiva y apropiada, se integra a la idea que se
comunica: una fiesta lírica de gracia, refinamiento y sensibilidad por la belleza.
Es en virtud de esta fuerza que las líneas de Botticelli viven.
 Algunos grabados japoneses ejercieron una influencia directa en los carteles.
 El cartel o “poster” como se dice ahora, alude a anuncios en las revistas o
propaganda en el que se implica un conjunto de líneas, colores y formas, su
finalidad es transmitir algo a primera vista.
 Toulouse-Lautrec pintor francés en Aristide Bruant en su Cabaret captó la
personalidad de un popular cantante, reduce el modelo a un mínimo de formas,
aprovecha las áreas vigorosas del color plano, destacándolas con unas cuantas
líneas.

17
 El Cartel Aristide de Bruant en su Cabaret es realmente una obra de arte por la
gran habilidad de su autor al combinar la línea y la forma.

Lám. 60 Aristide Bruant en su

Cabaret, de Toulouse-Lautrec
Lám. 58 La Primavera, de Botticelli

Estructura en la Composición

 La composición en dos dimensiones o bidimensional es el arreglo de líneas y

formas planas.
 La composición en tres dimensiones o tridimensional es el arreglo del espacio y
del volumen, mediante el uso de la perspectiva y otros recursos afines.
 Uno de los propósitos fundamentales del artista al realizar una composición
pictórica tridimensional es representar la solidez de los objetos.
 Con respecto a la composición de tres dimensiones existen dos concepciones
fundamentales: la del espacio cerrado y la del espacio abierto o bies espacio
clásico y espacio romántico.
 La Ultima Cena de Leonardo Da Vinci es una obra religiosa por asociación de
ideas, Leonardo tuvo solamente la intención de captar el momento en que Cristo
dice a sus discípulos: “Alguno de ustedes me traicionará”, un drama humano sin
paralelo en la historia.
o La Última Cena se constituye en una acción recíproca de tres estados de
mente y espíritu:
o El de Cristo quien anuncia con su clarividencia que han iniciado los
acontecimientos que lo llevarán a la crucifixión.
o El de los fieles discípulos que se llenan de confusión.
o El de Judas quien ha concertado la traición
 La expresión de la atmósfera total de este momento en que los tres estados
psicológicos se contrastan dentro de un todo unificado se logra a través de la
composición.

18
 La Última Cena fue pintada a todo lo ancho de la parte superior de la pared, las
líneas de la perspectiva dentro de la pintura confluyen en un solo punto, son una
continuación de la arquitectura real del mismo salón de donde se encuentra el
cuadro.
 Estas líneas se unen a través del arco formado por el perfil superior de la ventana
con frontón que se ve por encima de la cabeza de Cristo, este arco es la única
línea curva, es un segmento de un círculo invisible, cuyo centro es el mismo
punto donde convergen las líneas de la perspectiva.
 En la Última Cena la figura de Cristo, tal como aparece ante la mesa presenta una
forma triangular integrada a las líneas de la arquitectura. El triángulo es la forma
más apropiada y con cúspide, por ser la más culminante de las formas
geométricas, sus líneas puede ser prolongadas en las líneas de la perspectiva del
piso para formar un triángulo más grande con las mismas proporciones.
 La figura de Cristo unificada con las formas estáticas de la arquitectura, se halla
investida con la divina calma que contrasta con la agitación humana de los
discípulos, formados de tres en tres en cuatro grupos, que repiten la figura del
triángulo más débilmente hasta llegar al clímax en la figura de Cristo.
 En el análisis de La Última Cena se puede agregar que la cabeza de Cristo contra
la luz de la ventana constituye el contraste más fuerte de luz y sombra en el
cuadro. Su inclinación descentrándose ligeramente a la derecha, se debe a dos
razones: la actitud expresiva y la compensación simétrica necesaria.
 Gracias a la inclinación de la cabeza de Cristo se evita la rigidez y se rompe la
monotonía.

Lám. 61 La Ultima Cena, de Leonardo

Da Vinci

19
 Formas de Composición

 En contraste con La Última Cena el cuadro de La Transfiguración, de Rafael

pintor italiano es una de las composiciones más confusas en el mundo del arte.
 En La Transfiguración de las conmovidas y gesticulantes figuras que se agrupan
en la parte inferior del cuadro invitan a mirar, los ojos del observador son
llamados a moverse en múltiples direcciones.
 La única figura que se mantiene con propiedad dentro de toda esta confusión es
la de la mujer arrodillada que domina el primer término y la que predomina en
la totalidad del cuadro.
 En La Transfiguración, la importancia debería ser para el muchacho epiléptico
que está a la derecha, su cura milagrosa realizada por Jesús maravilla a los
espectadores.
 La Transfiguración de Rafael falla en virtud de que le falta unidad y
concentración, lo único que logra es confundir al observador y oscurecer el
significado narrativo.
 No es válido comparar esta composición con la de La Última Cena dado que el
tema de Leonardo es más sereno e implica sólo trece figuras en vez de
veintisiete.
 En relación con el fin del argumento La Transfiguración puede ser comparada
desventajosamente con un tema más complicado y violento, que implica más
figuras como es el cuadro El Rapto de las Sabinas.

Lám. 62 La Transfiguración de Rafael

20
 El Rapto de Sabina, de Nicolás Poussin está construida sobre un triple sistema:
o Primero el vigoroso movimiento diagonal hacia arriba de derecha a
izquierda expresado por el guerrero desnudo.
o En segundo lugar este agitado movimiento encuentra su balanceo con
otro en dirección opuesta, como los pliegues hacia arriba del vestido rojo.
o El tercero es una repetición estabilizadora de horizontales y verticales
notables en las líneas de arquitectura. En el Renacimiento los retablos
eran el principal medio de expresión de los pintores, y la composición
triangular llegó a ser una fórmula.

Lám. 63 El Rapto de Sabina, de Nicolás

Poussin

 La Crucifixión con Santos, de Perugino es un caso de aplicación pura de la

fórmula triangular.
 La pintura de retablo es entre todos los géneros artísticos que pierde su valor
estético. No fue creado para ser un elemento de una colección de objetos
históricos.
 La fórmula para la composición triangular tan repetida en Crucifixiones,
Natividades, así como Vírgenes con Santos, requiere de un triángulo central con
el punto focal de la pintura en su cúspide y de un triángulo invertido secundario
más débil que se le opone.
 Parecería impropio que La Crucifixión con Santos de Perugino pudiera servir para
comprender una obra tan violenta y complicada como el Guernica de Picasso, sin
embargo los cuadros presentan una similitud.
 El retablo de Perugino es un tríptico, hecho con tres paneles laterales. La pintura
de Picasso, no está dividida en paneles, pero se halla compuesta a manera de un
esquema central con dos alas.
 Cualquier similitud entre ambos cuadros se agota en su estructura compositiva.
Perugino es sereno y convencional, Picasso es violento y original.

21
 El cuadro de Guernica es una violenta acusación. Durante la guerra civil española,
los bombardeos germanos destruyeron la ciudad de Guernica, en la práctica de
un experimento masivo preliminar a la segunda guerra mundial. Se representa
los estragos de la muerte, la destrucción y el aniquilamiento de seres humanos y
animales mutilados.
 Guernica de Picasso permanecerá como una obra maestra de nuestro siglo.
 Tanto La Crucifixión como Guernica tienen como tema un crimen social, la
diferencia es que en La Crucifixión el crimen social resuelve la divina salvación
del hombre. Y Guernica es una muestra desconcertante, pintado con tanta
fealdad que se considera la pesadilla del crimen mismo.

Lám. 64 La Crucifixión con santos,

de Peruguino

Fig.6 Guernica, de Picasso

La Dimensión

 Se reconoce de inmediato la fórmula de la composición triangular en El Martirio

de San Sebastián, de Pollaiuolo.
 Los arcos y las flechas de los ejecutores definen el esquema como líneas
direccionales. Las flechas de los dos hombres que se hallan de pie en el primer
plano señalan hacia la cúspide del triángulo, y sus arcos en ángulos rectos con
las flechas forman parte del esquema establecido.
 En El Martirio de San Sebastián se tiene una variación importante de la fórmula,
es decir, requiere ser vista con profundidad en tres dimensiones para una mayor
efectividad.
 Los ejecutores forman un anillo alrededor de la estaca, de este modo en vez de
una composición triangular plana, está una figura cónica o composición
piramidal.
 Pollaiuolo dirige hacia esta profundidad mediante una serie de transiciones entre
los planos: primero, medio y último.
 Los pintores pusieron gran interés en el espacio de tres dimensiones, a pesar de
tener grandes posibilidades en dos dimensiones.
 Se puede argumentar que un pintor al trabajar sobre una superficie de dos
dimensiones respetándola como tal, deja el diseño de tres dimensiones a los

22
 escultores, los arquitectos, los escenógrafos y demás artistas cuyos medios
implican la tercera dimensión.
 Los japoneses y chinos, con sus tradiciones pictóricas altamente cultivadas jamás
sintieron la necesidad de crear ilusión de espacio. Se conformaron con expresar
cadenas de montañas con unas cuantas tintas lavadas.
 Los artistas de acuerdo con su época no se conformaron con los símbolos
pictóricos, buscaron pintar el mundo con imágenes aproximadas a lo real en un
sentido tangible.
 Para pintar estas imágenes estudiaron anatomía, inventaron la perspectiva y
exploraron las del movimiento, la luz y el color. El problema de la composición
dejo de ser el arreglar formas planas sobre una superficie plana y paso a ser el
arreglar las relaciones de espacio entre los objetos dentro de la profundidad.

Lám. 65 Martirio de San Sebastián, de

Pollaiuolo

 La Virgen y el Niño con Ángeles y Santos adorada por Federico de Montefeltro

de Piero, larguísimo título, fue sustituido por El Retablo de Brera, nombre
tomado de la gran galería de Milán donde actualmente está la pintura. Lo
compacto de la escena es una de las características fundamentales del espacio
cerrado que se observa en la composición del retablo.
 El Retablo de Brera, es muy importante para acercase a él será a través de una
pintura más temprana La Virgen de la Misericordia, donde el artista logra de
modo magnífico el efecto ulterior.
 La Virgen de la Misericordia presenta la figura de María geo
 metrizada en una forma que se aproxima a una columna acanalada, que remata
en una cabeza y un cuello de carácter aún más geométrico. Extiende sus brazos
para amparar bajo la capa a las figuras que se agrupan a sus pies.
 Piero Della Francesca fue un pintor italiano considerado pionero de la
composición tridimensional.

23
 En El Retablo de Brera, Piero intensificó los aciertos y corrigió las fallas que
cometió en La Virgen de la Misericordia. El Retablo de Brera es por completo
tridimensional por su concepción.

Lám. 68 La Virgen de la Lám. 67 La Virgen y el Niño con

Misericordia, de Piero Dalla Ángeles y Santos adorada por
Francesca Federico de Montefeltro

Escritura Arquitectural

 El Retablo de Brera utiliza arquitectura pintada para crear y comprender los

valores arquitectónicos, lo contrario en Los Jugadores de Cartas, de Cézanne en
el que no se utiliza la arquitectura pintada.
 Cézanne realizó diversas versiones de este tema, varía el número de figuras, a
quienes les da siempre la misma calidad de solidez que presentan en el cuadro.
 La idea de Cézanne era que el orden de la significación de la vida podía ser mejor
expresado mediante formas geométricas de gran solidez.
 Las formas en las pinturas de Cézanne a veces son seres humanos, montañas,
simples frutos, vasos o recipientes dispuestos sobre una mesa.
 La importancia que tiene Cézanne como padre del arte abstracto moderno es
que casi nunca ha puesto atención en los asuntos que le sirven de tema.
 Sus Jugadores de Cartas no le interesaron como miembros de cierta clase social
con determinados problemas; lo importante es que estos hombres son llanos,
gente mundana.
 Los Jugadores de Cartas no es un cuadro que represente a cuatro hombres
honestos de un nivel sin pretensiones. Es una estructura de formas sólidas con
volúmenes espaciales. Erróneo es decir que el tema no tenga ninguna
importancia como dicen muchos pintores contemporáneos.
 Cézanne es uno de los más grandes pintores en la historia debido a que en sus
cuadros ha logrado fundir perfectamente los valores abstractos y los realistas.

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 El cuadro Los Jugadores de Cartas fue terminado en 1892. Hoy en día, aun para
quienes no les gusta el arte moderno, resulta difícil comprender el que Cézanne
fue atacado injustamente como pintor incompetente y degenerado.

Lám. 69 Los Jugadores de Cartas, de Cézanne

 Theodore Géricault pintor francés optó por la pasión romántica expresada en

sus imágenes realistas, su obra más representativa es La Balsa de la
Medusa donde aparecen algunas figuras naturalistas, unas del estilo de Miguel
Ángel y otras del estilo de los clasicistas.
 La Balsa de la Medusa es una pintura de composición dinámica que implica a la
vez una estructura y una expresión de movilidad violenta, donde los
sobrevivientes de un naufragio en medio de un mar tormentoso, se aglomeran
sobre la balsa, al lado de los que agonizan y de los que han muerto.
 La Balsa de la Medusa es una composición construida por medio de un triángulo
en cuya cúspide una figura representa el clímax del cuadro. La diferencia es que
el triángulo está empujado fuera del centro de modo que se carga hacia el lado
derecho.
 Géricault restablece el equilibrio de este cuadro, al crear un segundo triángulo,
que se inclina en la dirección diagonal opuesta. El mástil de la balsa y las dos
sogas que lo soportan determinan este triángulo opuesto.
 El resultado de la composición de La Balsa de la Medusa llegó a ser caballo de
batalla a favor del famoso movimiento romántico, que hizo hincapié en el
emocionalismo e invención individual en lugar del intelectualismo.

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 En espacio romántico o abierto está pintada La Balsa de la Medusa, porque se
mueve frente a un horizonte lejano y las figuras no se suman al espacio, están
arregladas como un monumento contra un distante horizonte.

Lám. 71 La Balsa de la Medusa, de Géricault

Composición

o La composición puede ser diseño o estructura, pero en ambos casos y

siempre también es expresión. Ya que la organización en un cuadro
determina su efecto.
o Las tres primeras reproducciones a color fueron:
 La Compañía de Tiradores del Capitán Frans Bannig Cocq y el
Lugarteniente Ruytenburgh llamado La Ronda de Noche de
Rembrandt.
 La Familia Peale de Charles Willson Peale y
 La Familia Bellelli de Degas
o Las anteriores obras fueron pintadas respectivamente: por un holandés
del siglo XVII, un americano del siglo XVIII y un francés del siglo XIX,
presentan también fuertes contrastes entre sí.
o Los tres cuadros son retratos de grupo, considerado un problema reto
que exige siempre al pintor una solución.
o En un retrato de grupo todos los miembros tienen igual importancia, el
problema es integrarlos en una composición que sea interesante en sí
misma y no en mera alineación de figuras como fotografía de graduados.
o Detallaremos la Obra de Willson Pelale
o Peale pintor norteamericano comenzó a trabajar en su retrato de grupo
alrededor de 1773. Nueve de las personas en el cuadro son miembros de
su familia por nacimiento o por matrimonio.
o La décima persona en La Familia Peale es una matriarcal nodriza que está
de pie en el fondo, las manos cruzadas con toda la majestad de un gran

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 monumento natural. Como añadidura Peale incluye tres bustos de
familiares sobre la repisa de la derecha y agrega el retrato de la cabeza
del perro Argus.
o Al terminar Peale su cuadro escribió a la derecha del centro la siguiente
inscripción: “C.W. Peale pintó estos Retratos de su familia en 1773,
queriendo terminar cada obra que había emprendido, completó este
cuadro en 1809”.
o En La Familia Peale se muestra que las diez personas están felizmente
unidas como grupo, gratamente dispuestas y comparten la luz sin
competir por ella.
o En cuanto a la composición, los individuos están divididos en dos grupos,
seis figuras reunidas en el lado izquierdo y tres en el derecho, o cuatro, si
se incluye a la nodriza. Esta se halla en una agradable y privilegiada
relación con la familia, expresiva de su posición en la casa, estrechamente
ligada a las otras figuras y, sin embargo, un poco retirada como lo están
en tonos más apagados y en la única actitud que no colinda físicamente
con el resto por el contacto de una mano o de un hombro.
o Si todas las figuras se hubiesen aglomerado, se habrían visto
amontonadas y monótonas. De ahí, la división en dos grupos. Esta es, sin
embargo, una familia, una familia armoniosamente unida y, así es forzoso
que nos demos cuenta de la unidad de los dos grupos. Y nos damos
cuenta: las dos mitades están unidas por una leve superposición y por la
fruta esparcida a lo largo de la mesa, un detalle trivial pero muy
importante para la unión de las dos mitades.

Lám. 74 La Familia Peale, de Charles Wilson Peale

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 Elementos Ajenos

 De todas las pinturas discutidas hasta aquí; muy pocas han sido “cuadros
narrativas de historias”
 Se puede decir que el Prometeo Encadenado, de Rubens que pinta una pintura
clásica, El Rapto de Rebeca, de Delacroix y las distintas crucifixiones que cuentan
esa extraordinaria historia, son pinturas narrativas. Esto es ciertamente verdad;
pero es también verdad, y mucho más importante que estas pinturas son, ante
todo, cuadros de ideas. No necesitamos regresarlas a su forma narrativa original
para conferirles significación

Lám. Prometeo Encadenado, de Lám. 72 El Rapto de Rebeca, de

Rubens Delacroix

 San Antonio Tentado por el Demonio en forma de Mujer, de Sassetta artista

italiano sienes, que data de hace quinientos años, es un fragmento económico y
expresivo de un relato.
 Sassetta en su obra revela su atmósfera dramática y psicológica a través de los
medios abstractos del color, la línea y el arreglo. En este pequeño cuadro lo
relevante no es lo que Sassetta dice, sino como lo dice.
 Y así Sassetta dice que una tarde, cuando el santo que vive en el desierto
dedicado a una vida de contemplación, vuelve a su celda, descubre esperando
cerca de su puerta, a una mujer deliciosamente hermosa que lo tienta con los
placeres de la carne.
 El modo como lo dice es este: El santo caminando hacia la puerta de su refugio
acaba de descubrir a la mujer. En una actitud maravillosamente expresiva,
titubea medio volviéndose hacia ella, levantada su mano en un gesto de
sorpresa, que puede tornarse en el momento siguiente en un gesto de
asentamiento o de rechazo.
 San Antonio tentado por el Demonio en forma de Mujer, el santo está
directamente en el centro del cuadro, con la celda y la mujer a cada uno de sus
lados como pesas iguales en una balanza de la que él es el fiel.

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 La escena de este cuadro tiene carácter de aparición, creado por el fondo. Es una
tierra desértica del “nunca-jamás”, con su sendero salpicado de piedras, para
mortificar la carne de los pies desnudos del santo.
 La Caída de Ícaro del pintor flamenco del siglo XVI Pieter Bruegel, según la
leyenda griega el joven Ícaro halló su muerte en el mar cuando volaba demasiado
cerca del Sol, con un par de alas inventadas por su padre Dédalo.
 Las alas estaban hechas de plumas y cera; el calor del Sol derritió la cera de las
alas de Ícaro y éstas se desprendieron. Dédalo en una altura más cautelosa entre
el mar y el Sol no se desplomó. El significado de la leyenda es que tiene que ver
con la vanidad de la arrogancia y la ambición.
 Bruegel encuentra el significado en otra dirección La Caída de Ícaro, tiene que
ver con la insignificancia de la tragedia personal en el inmenso esquema de
cosas. La muerte de Ícaro y la angustia de su padre no significan nada en los
términos de un esquema más amplio.
 Se tiene aquí un tema que proviene de la literatura transformado en pintura, en
esta interpretación Bruegel la leyenda de Ícaro para comentar la indiferencia
humana ante el sufrimiento de los demás, la soledad del individuo.

Lám. 79 La Caída de Ícaro, de Bruegel

Lám. 78 San Antonio tentado por el

Demonio en forma de Mujer, de Sassetta

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  En La Parábola de los Ciegos Bruegel está en su madurez humana y artística. El
cuadro representa a los ciegos que avanzan en fila por la pendiente de un terreno
que termina en una zanja, el que guía ha caído en ella, el último de la fila no
sospecha nada, seguirá avanzando hasta que encuentre la catástrofe que los
otros ciegos en graduales etapas empiezan a sospechar.
 La Parábola de los Ciegos culmina en una frenética y desvalida confusión, tal
como los hombres son finalmente alcanzados por el desastre que no pudieron
prevenir al poner su confianza en otro no mejor dotado que ellos mismos para
evitarlo, por su apatía ante la vida.

Lám. 81 La Parábola de los Ciegos, de Bruegel

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