Escuela de Arte N°1 “Alcides Biagetti”

Año: FOBA III - Música

Materia: Apreciación Musical II

Prof. Agustín Ávila

Fecha 09/10/20

El Clasicismo

1- Ubicar cronológicamente el periodo clásico.

2- Características generales del arte del clasicismo.

3- Principales cualidades de la música clásica.

4- Describe las siguientes formas musicales:

Genero Instrumental – Sinfónico

a- Sinfonía
b- Concierto

Genero Instrumental – De Camara

c- Sonata
d- Cuarteto de cuerdas

5- Explicar las principales características de la Forma-sonata.

6- Describir brevemente la orquesta clásica.

7- Principales características de la opera clásica.

8- Nombrar las obras más importantes de los siguientes compositores clásicos:

a- Joseph Haydn
b- Wolfgang Amadeus Mozart
c- Ludwig van Beethoven

8- Elijan un compositor de los anteriormente citados, realicen una síntesis de su biografía y

seleccionen una obra de este compositor que les haya gustado, comenten por que la eligieron.
 DESARROLLO

1. El Clasicismo es el periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Desde el año
1750 con la muerte de Bach al año 1827, con la muerte de Beethoven. El Clasicismo es la
época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña
nobleza. Esta burguesía será el nuevo público que aprecie sus obras. Coincide con la época
cultural y artística (en la arquitectura, la literatura y las demás artes) hoy
denominada Neoclasicismo

2. La corriente de la Ilustración que nace en Francia a lo largo del siglo XVIII  es una de las
bases que tomo el Clasicismo. Un proceso intelectual en el que la razón era el eje central y con
la que se buscaba ampliar el conocimiento de la forma más metódica posible, desterrando así
la base religiosa que había tenido el arte de épocas anteriores. También se vio fuertemente
influenciada por los pensamientos y arte del mundo clásico (La antigua Grecia y la antigua
Roma) , como de algunas características del renacimiento, junto la búsqueda del conocimiento
y la perfección del ser humano. Todo esto influencia al arte que se produce en esta época. Un
un arte que va a busca la sencillez, la perfección y mantener la claridad en las obras
estableciendo un equilibrio armónico dejando ver así un verdadero orden en las obras

La música del Clasicismo es la música del equilibro, busca el orden y la claridad y se demuestra
en sus melodías y armonías. Es música refinada y elegante con un gusto por lo natural, lo
equilibrado y lo claro; rechazando el artificio y el exceso de sofisticación de la música barroca;
Esta constituida de estructuras simples, frases simétricas similares y armonías sencillas, que
son muy fáciles de comprender para un público más amplio. Porque ya la música deja de estar
encerrada en las iglesias y los palacios y pasa a ser un arte para todo el mundo.

Entrando un poquito mas en detalles se puede decir que:

Se usa la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más aguda,

que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la acompañan; sólo en
ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa.

El acompañamiento es ya escrito explícitamente, dejándose en desuso el bajo continuo.

Melodías que son mas cantables y simétricas, con frases estructuradas en antecedente y
consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las armonías muy claras
y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y subdominante, que estructuran
las frases y la forma musical con cadencias muy claras.

.Se escribe mucha más música en modo mayor que en modo menor. Se amplía el campo de
las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más alteraciones.
Compás muy claro y regido también por la armonía.

Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran interés y
variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se definen
claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental casi hasta
nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico
.

4. Genero Instrumental – Sinfónico

La sinfonía tiene como instrumentación a la orquesta y la distribución y la estructura de los

movimientos esta establecida en ciertos parámetros muy fijos. Solían tener un primer
movimiento Allegro de forma sonata, un movimiento lento (a veces en forma
de tema y variaciones), un movimiento con ritmo ternario (usualmente un scherzo,
anteriormente lo común era un minué y trío), para finalizar con otro movimiento rápido
(rondó). (Existen sinfonías con un último movimiento escrito como forma sonata).

El lied tripartito consta de tres partes, un tema A, un tema B, por lo general más amplio y
melódico y luego se repite el tema A, terminando con algunos compases de coda.

El minuetto tiene una estructura dividida en tres partes y está escrito en compás de ¾ que
proviene de la antigua danza. La primera parte consiste en el minuetto propiamente dicho con
sus repeticiones, sigue con la parte central denominada trío y termina con la repetición del
primer minuetto sin sus repeticiones. La parte central, trío, es otro minuetto con un tema
escrito de modo que contraste con el primero. Normalmente también se repite. Se le
denomina trío porque en sus orígenes estaba compuesto para un trío de instrumentos, dos
oboes y un fagot.

El rondó consiste en un tema principal que se repite varias veces, normalmente cuatro o cinco,
separadas por episodios intermedios, con temas nuevos o derivados de los anteriores. Por
ejemplo sus partes serían A, B, A, C, A, B’, A, siendo A el estribillo o sea la parte que se repite.
En la sinfonía clásica tomó parte de la estructura de la forma sonata, convirtiéndose en el
rondó de sonata, terminando con una coda.

Genero Instrumental – Concierto

El concierto solista es quizá el género barroco que mas ha sobrevivido y con un gran éxito a lo
largo de distintas épocas y estilos. La razón detrás de esto es la necesidad de los virtuosos en
todas las épocas de desplegar de la forma más eficaz posible todas sus posibilidades musicales
y técnicas.

El primer movimiento de concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata
con doble exposición, una que emula así al ritornello inicial del concierto barroco y otra que se
completa a cargo del solista. La otra peculiaridad de la forma de sonata de estos conciertos
concierto es la inserción de una cadenza -solo improvisado- en la Recapitulación antes del
grupo cadencial final. Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los
compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la
orquesta (timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos
de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es
reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros
como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas
no se adecuaban al nuevo estilo musical.

Otros instrumentos, sobre todo los de viento,mejorarán sus posibilidades ya que serán
mejorados técnicamente por los constructores.
Esto permitirá ampliar registros, mejorar los timbres.

Genero Instrumental – De Camara

Se denomina sonata a una composición escrita para uno o dos instrumentos por lo que se
ubica en la música de cámara, la cual se divide en tres o cuatro movimientos (en ocasiones
puede presentarse en un solo movimiento y puede llegar hasta cinco).

El tipo sonata de 4 movimientos se inicia con un allegro para seguir con un movimiento lento
(Adagio) un minuetto o scherzo (principalmente desde la época de Beethoven) y para
concluirla con un movimiento rápido (Rondó

Genero Instrumental – Cuarteto de cuerdas

El cuarteto de cuerdas es visto como una de las formas más importantes de música de cámara,
teniendo en cuenta que muchos de los compositores renombrados a partir del siglo XVIII
escribieron obras para cuarteto de cuerdas. Un cuarteto de cuerdas es un conjunto musical de
cuatro instrumentos de cuerda, usualmente dos violines, una viola y un violonchelo, o también
se le dice asi a la obra escrita para ser interpretada para dicho grupo. L

La estructuras que se usaban en este genero también se la llamaba cuarteto de cuerdas y

consiste en

1er movimiento: tempo allegro con una forma sonata.

 2º movimiento: tempo adagio, con una forma de canción, una forma de sonata o una forma
de tema y variaciones.

3er movimiento: tempo allegretto, en compás ternario, con forma de minueto y trío. Aunque
luego se usó la forma scherzo de Beethoven.

4° movimiento: tempo presto con rondó, rondo-sonata o una variedad de rondó.

5. También se emplea el término sonata para definir la forma sonata, estructura que es
empleada sobre todo en el primer movimiento de sonata, concierto, cuarteto o sinfonía. La
estructura de la sonata es la que sigue:

Introducción: No siempre se emplea y de carácter tranquilo.

Exposición. En la exposición se suelen presentan dos temas. El primero suele ser de carácter
rítmico y contrasta con el segundo tema que es más expresivo.

Desarrollo: Los dos temas que se han presentado en la exposición se vinculan y se trasforman,
modifica y desarrollan en definitiva pasando por diferentes tonos

Reexposición: Recupera las ideas expuestas en la exposición y las repite literalmente en

lazándola con una sección conclusiva denominada coda.

Coda: Carácter muy resolutivo se reafirma en la tonalidad principal y es muy cadencia

6 La orquesta clásica. Durante el Clasicismo la orquesta vivió su mayor evolución y desarrollo.

Aproximadamente a eso de 1750 y 1800 se termina de consolidar lo que sería de la orquesta
sinfónica

La orquesta de Mannheim se distinguió durante esta época. Johann Stamitz fue uno de los
directores más conocidos de dicha orquesta. Éste aportó importantes novedades en el campo
de la instrumentación. En Viena hubo varios compositores que contribuyeron mucho a la
sinfonía en cuanto a la estructura. Haydn y Mozart fueron los que más destacaron de todos los
compositores vieneses, con ellos la forma  empezó a desarrollarse.
Posteriormente Beethoven tomó los logros de sus predecesores vieneses y con él la sinfonía
alcanzó su máximo esplendor.

Normalmente la sección de cuerda de las orquestas se componía de seis primeros violines, seis
segundos, dos violas, tres violoncelos y un contrabajo. En las cortes más grandes solía haber
ocho violines primeros, ocho segundos, cuatro violas, cuatro violoncelos y dos contrabajos. La
orquesta de Haydn en Esterhazy, estaba compuesta por seis violines primeros, cinco segundos,
dos violas dos violoncelos, dos contrabajos, dos oboes, dos fagotes y dos trompas. Alrededor
de 1780 la orquesta de Mannheim la formaban nueve violines primeros, nueve segundos, tres
violas, cuatro violoncelos, tres contrabajos, cuatro flautas, tres oboes, tres clarinetes, cuatro
fagotes y cuatro trompas. A éstos les acompañaban el clave o el órgano, los cuales servían
como apoyo armónico. Con el paso del tiempo el clave y el órgano fueron desapareciendo y En
su lugar, el primer violín asume la dirección del conjunto. Progresivamente, se va imponiendo
la figura del director, presente al frente de la orquesta.La incursión de las trompas y
trompetas y su misión armónica con los pedales hizo que el bajo continuo se fuera
enterrando

En el siglo XIX el concierto público cobro un significado distinto. Las salas de conciertos se
ampliaron, los conciertos ya no eran en los palacios y salones particulares. Las orquestas
necesitan mayor potencia sonora para estas salas. Los contrastes cobran mayor importancia,
 los piano son más suaves y los forte  más enérgicos

7 Opera Clasica

El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para la opera. El género
nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo
un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y
acercamiento del argumento al público. La opera bufa empieza a ser mas consumida. Ya los
relatos mitológicos y complejos no van más, el público prefiere temas más cotidianos, menos
complejos, con una trama y un lenguaje más sencillo.

Pero no todos estaban de acuerdo con que la ópera bufa destierre a la seria. Había por un lado
defensores de la ópera seria, mucho más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de
frívola y superficial. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera la cual
consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era
mucho más fácil de entender para todo tipo de público, sus argumentos eran mucho más
cercanos al pueblo y además se destacaban por la belleza de sus melodías.

En este contexto de enfrentamientos surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la

reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera para que se acercase más
a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de
la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:
 Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.
 Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más
expresivos.
 El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y
artificiales de Barroco.
 La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.

Pronto esta Opera se convirtió en el género preferido del público, que tomará porque se trata
por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si
tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más
amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los
principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de
Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica)

8.

Joseph Haydn; El reloj, sinfonía de los adioses, Sinfonia 101, Las estaciones.

Wolfgang Amadeus Mozart: Quinteto con clarinete  en La mayor 'Stadler' K581,La flauta
mágica, Don Giovanni

Ludwig van Beethoven; sinfonía 5, sinfonía 9, para Elisa, Egmont, The Creatures of
Prometheus.

9. Beethoven.

Nacido el 16 de diciembre de 1770 en la ciudad de Bonn, Alemania. Durante sus primeros años
de vida,  fue muy exigido en su formación musical por parte de un padre obsesionado por
convertirlo  en «el nuevo Mozart». Asi fue como con tan solo siete años, Beethoven ya era
capaz de dar recitales de piano que dejaban impresionado hasta los mas grandes músicos del
lugar.

Ya a eso de los 10 años abandonó la escuela para dedicarse enteramente a la música y a los 16,
la nobleza de Bonn le financió un viaje a Viena para aprender de los mejores, entre ellos, del
mismísimo Mozart; pero al poco de llegar a la capital de la música, su madre cayó gravemente
enferma.

Tras la muerte de su madre, su padre cayó en una profunda depresión que lo llevo a al
alcoholismo y por ultimo a la cárcel obligando a Beethoven a hacerse cargo de sus hermanos
pequeños tocando la viola y dando clases de piano. Pero esto duro poco porque cada vez era
más conocido y eran varias las personas interesadas en financiar su completa dedicación a la
música. Y así pasó más de 10 años en Viena como un músico económicamente
independiente hasta que, pasados los 30, empezara a experimentar serios problemas auditivos

Anque varias veces pensó en considerar el suicidio siguió componiendo hasta su muerte a los
56 años, dejándonos un legado musical de nueve sinfonías, 32 sonatas, dos misas y una
ópera que le consagran como uno de los mejores músicos de todos los tiempos.

Las obras que mas me gustaron de Beethoven son pocas porque no alcance a escuchar
muchas pero sin duda el tercer movimiento de la 9 sinfonia
(https://youtu.be/QkQapdgAa7o?t=1821) junto a la overture de Egmont
https://youtu.be/ChcrZX2rZ1M?t=90 me gustaron mucho. En especial Egmont que me
transmite mas, me gusta mucho el carácter y el estilo que tiene esta obra. Aparte el live que
escuche esta muy bueno.