Universidad Católica Boliviana "San Pablo"

FACULTAD DE DISEÑO GRÁFICO Y COMUNICACIÓN VISUAL

El GARABATO, SEMILLA DE LA OBRA MAESTRA.

TRABAJO DIRIGIDO

por la fundación Walter Solón Romero.

Para obtener el título profesional de:

Licenciado en Diseño Gráfico y Comunicación visual

Autor
Jose Alejandro Burgoa Vacarreza.

Director de proyecto
Jose Carlos Solon.

La Paz - Bolivia

2021
 ÍNDICE

AGRADECIMIENTOS.........................................................................................................................................
4

DEDICATORIA....................................................................................................................................................
5

INTRODUCCIÓN................................................................................................................................................6

CAPITULO
I.........................................................................................................................................................7

PLANTEAMIENTO DEL

PROBLEMA...............................................................................................................7

I.II

PROBLEMA....................................................................................................................................................7

I.III

JUSTIFICACION...........................................................................................................................................7

I.IV

OBJETIVOS..................................................................................................................................................7

 Objetivo

General....................................................................................................................7

 Objetivos

Específicos............................................................................................................7

CAPITULO
II........................................................................................................................................................8

MARCO
REFERENCIAL.....................................................................................................................................8

I.

ANTECEDENTES ............................................................................................................................................8

 I.2: Características del

boceto............................................................................................9
  I.3: Tipos de

boceto...............................................................................................................11

 I.4: Boceto vs.

dibujo............................................................................................................13

 I.5:

Conservación...............................................................................................................

....14

 l.6: Walter Solón

Romero....................................................................................................17

 l.7: Obras

destacadas...........................................................................................................18

MARCO
TEORICO............................................................................................................................................18

II. Producto

visual...............................................................................................................................18

 II.2: Artistas y los nuevos

medios......................................................................................18

 II.3: Técnicas a través del

tiempo.....................................................................................22

 II.4:

Preservación.................................................................................................................

25

lII. Los murales de Walter Solón Romero( necesidad de ir a hablar con la fundación info

insuficiente).
  III.2: Bocetos

 III.3: Materialidad

 III.4: Estado

 III.5: Espacio temporal

 III.6: Concepto

CAPITULO III

II. EFICIENCIA DE REPRODUCIBILIDAD

 II.2: ECOLOGIA Y EDITORIAL

 II.3: TIPOS DE PAPELES

 II.4: TIPOS DE TINTA

 FORMATOS OPTIMOS

CAPITULO IV

IV.I

REFERENCIAS.........................................................................................................................................28
 Agradecimiento

Quiero expresar mi gratitud a Dios, quien con su bendición llena siempre mi

vida y a toda mi familia por estar siempre presentes.

Mi profundo agradecimiento a todas las autoridades y personal que hacen la

Fundación Solón Romero, por confiar en mí, abrirme las puertas y permitirme
realizar todo el proceso investigativo dentro de su establecimiento educativo.

De igual manera mis agradecimientos a la Universidad Católica Boliviana

"San Pablo", a toda la Facultad de Diseño Gráfico y Comunicación Visual, a
mis docentes quienes con la enseñanza de sus valiosos conocimientos hicieron
que pueda crecer día a día como profesional, gracias a cada una de ustedes por
su paciencia, dedicación, apoyo incondicional y amistad.

Finalmente quiero expresar mi más grande y sincero agradecimiento al Dr.

Pablo Solón, principal colaborador durante todo este proceso, quien con su
dirección, conocimiento, enseñanza y colaboración permitió́ el desarrollo de
este trabajo.

dedicatoria

5
 Esta tesis está dedicada a mi padre, quien me enseñó que el mejor
conocimiento que se puede tener es el que se aprende por sí mismo. También
está dedicado a mi madre, quien me enseñó que incluso la tarea más grande se
puede lograr si se hace un paso a la vez.

Introducción

6
 El presente trabajo dirigido tiene como principal objetivo elabora un objeto
grafico con el único fin de recordar a aquel gran maestro Boliviano. Quien
ahora nos puede ilustrar con su sabiduría a través de su arte y sus bocetos a
tantos jóvenes tanto artistas como diseñadores dejando muy fina la línea que
nos separa el uno del otro. Recordándonos siempre que los ideales jamás
cambian pero si la forma de pensar la forma de entender y de plasmar, un
recordatorio latente de que lo último que se pierde es la fe tanto en uno mismo
como en los que te rodean.

7
 CAPITULO 1

PLANTEAMIENTO DEL PROBLEMA

II. Problema.

Como dar a conocer las facetas técnicas y creativas del artista Walter Solón, como sean sus

bocetos. A la nueva generación de jóvenes creadores visuales paceños.

III. Justificación

La presente investigación se orienta a valorizar el boceto como parte fundamental en la elaboración

de una obra visual. En este caso se estudiarán las obras pertenecientes a la colección "murales" del

artista plástico Boliviano Walter Solón Romero, puesto que estas obras aparte de ser artísticas,

también pueden ser consideradas como ilustraciones de protesta en contra del sistema y de esta

manera generar conciencia del proceso creativo al momento de diseñar y que su trabajo puede

contribuir a la comunicación visual en nuestra sociedad.

IV. Objetivos

Objetivo general

Diseñar un producto grafico de los bocetos de la colección "Los murales" del artista plástico

Boliviano Walter Solón Romero que permitan dar a conocer el valor de los garabatos iniciales para

la creación de una obra visual y mediante este dar a conocer y reconstruir los procesos creativos

para la nueva generación de creadores visuales.

Objetivos Especifico

 Analizar la Obra y al Artista en relación a la colección "Los murales" en su

totalidad desde la idea hasta el producto final.

8
  Definir el producto grafico.

 Desarrollar el producto grafico.

 Hacer eficiente para la fundación el reproducir este articulo.

CAPITULO 2

MARCO REFERENCIAL

I. Antecedentes

En éste capítulo se definirá claramente el concepto de boceto, porque en el desarrollo del

presente trabajo determinaremos la importancia del mismo en la creación de las obras

artísticas, es así que una de las partes fundamentales es tener una idea clara de los que se

entiende por boceto.

En un principio la definición de boceto según la Real Academia Española (2019) es:

"Proyecto o apunte general previo a la ejecución de una obra artística".

Otra definición interesante es la de G. Fatas, G. y M. Borrás. G. (1980): "Esbozo, apunte

o proyecto. Fase previa de realización o diseño de una obra de pintura, escultura u otra arte

decorativa. Por extensión, cualquier obra artística que no tenga forma acabada".

A partir de estas definiciones, que son las que servirán de base para desarrollar éste

capítulo, se puede determinar claramente que la elaboración de un boceto es un evento que

sucede antes de empezar la ejecución de una obra artística.

También es importante ir delimitando este concepto de boceto al área en la que

orientamos la investigación, que es la relacionada con la creación de obras artísticas. Para

ello se revisaron publicaciones realizadas específicamente sobre el tema, algunas puntos

que vale la pena resaltar son los que se citan a continuación:

9
 "En pintura y escultura: estudio previo, inmediatamente anterior a la ejecución de la

obra definitiva en el cual están ya todos los elementos de forma, composición, color, etc.

Aunque sin perfiles y a menudo en tamaño más pequeño".(Saloma, parr.1).

El boceto, es también, el campo de pruebas para el uso de la línea, valores tonales,

masas, textura, formas y color – elementos de composición – que después pueden ser

traducidos a otros medios pictóricos y que asimismo pueden formar la base para proyectos

mucho más ambiciosos. (Saloma, p.3).

Un aspecto muy importante de resaltar sobre lo anteriormente citado es el hecho de que

no se puede concebir la existencia de una obra artística sin que haya habido un previo

boceto de la misma, por otra parte también se debe considerar que no todos los bocetos

terminarán convirtiéndose en una gran obra artística y en muchas ocasiones solamente

representan ideas o pensamientos aislados de un artista.

A lo largo de la historia la existencia del boceto en un principio no fue debidamente

valorada es por ello que es difícil en la actualidad encontrar éste tipo de trabajos.

Encontrar dibujos anteriores al Renacimiento no es una tarea fácil, muchos se perdieron

al carecer de valor propio, pues eran un mero instrumento preparatorio para una obra de

mayor envergadura. A partir del siglo XV, se aviva el interés por todas las facetas del

dibujo. Los artistas renacentistas lo revalorizan y lo consideran como un arte en sí mismo,

otorgándole valor propio. Solano (2005) menciona: " El Renacimiento hizo del dibujo la

lengua común de todas las disciplinas artísticas, dando lugar al nacimiento del dibujo

preparatorio, proyecto, esbozo o apunte" (p.14).

En conclusión, una obra artística siempre vendrá acompañada de un boceto.

1.2: Características del boceto

10
 En este punto se expondrán aquellos aspectos que caracterizan a un boceto y lo

diferencian de cualquier otro tipo de dibujo.

Empecemos con el tamaño del boceto. Tiene que ser a escala y no a tamaño real

para facilitar la rapidez de los trazos. Por ejemplo, el famoso diseñador gráfico Michel

Bouvet realiza mini-bocetos con plumón en los que, por medio de una secuencia

marcada, va desarrollando la idea.

(Hurtado, 2019, p.2)

Esta característica le da al artista la facilidad de pre visualizar la composición de su obra,

y le permite ajustar los detalles que sean necesarios antes de plasmarla en el tamaño real.

El boceto tiene que ser rápido. Esto nos ayudará a transferir sin preocupaciones de

detalles lo que no tenemos en nuestra mente. La obsesión que solemos tener por

generar grandes ideas es frustrante, nos agobia, hace que el proyecto sea cansado y

tedioso fuerza a nuestro cerebro, no ayuda. Es conveniente despreocuparse,

relajarse. Grandes maestros creativos, como Leonardo Da Vinci o Frank Gehry,

utilizaban la técnica de la despreocupación. El boceto, en primer intento, debe ser

ambiguo para dar pie a nuevas ideas.

(Hurtado, 2019, p.2)

El realizar un boceto no debe representar mayor esfuerzo, las ideas pueden surgir en

cualquier momento y lugar y de la misma manera pueden ser desechadas o mejoradas.

El bosquejo debe ser representativo. Debe narrar la esencia de la solución gráfica,

mas no la solución. Esto se logra por medio de la síntesis visual. El boceto debe

representar en formas simples lo que se quiere comunicar.

(Hurtado, 2019, p.2)

11
 El artista debe tener la capacidad de sintetizar y simplificar sus ideas al momento de

realizar un boceto de manera que éste no pierda la esencia y sentido.

Otra característica de un buen boceto es que tiene que tener notas. Las notas

permiten al diseñador extender su idea con palabras que ayudan a recordarla y que

vaya fluyendo desde nuestra mente. Estas notas se utilizaran en etapas futuras para

aplicarlas al diseño final.

(Hurtado, 2019, p.2)

La finalidad de las notas en un boceto es que el artista pueda recordar exactamente la

idea original y lo que pasaba por su mente en este momento.

En conclusión, las características mencionadas en este punto son las que le dan a una

representación gráfica en papel la forma de boceto y lo define como tal.

1.3: Tipos de boceto

En lo que se refiere a la elaboración de un boceto, existen varias formas y tipos, cada

una con cualidades particulares.

El inicio de la bocetación se debe hacer a mano alzada sobre el papel o algún soporte,

utilizando materiales de dibujo mínimos. Se pueden usar también materiales

experimentales como papel, tinta china o acuarelas, brochas o espátulas.

(Hurtado, 2019, p.3)

De acuerdo a la clasificación relevada por Hurtado (2019) se pueden describir los

siguientes tipos de boceto:

 Dibujo espontáneo, que son trazos y líneas fluidos que logran representar ideas

y formas concretas, se presenta en las primeras etapas del proceso creativo. Este

tipo de boceto es el que utiliza Frank Gehry

12
  Boceto mini, estos bosquejos se realizan a una escala muy pequeña, con la

finalidad de incluir pocos detalles. Este tipo de bocetos es el utilizado por Michel

Bouvet.

 Boceto quemado, es el utilizado en el diseño de logotipos y tipografía.

 Boceto de contorno, es utilizado en publicidad o cine para crear una escena de

forma rápida, solamente contorno con detalles mínimos de encuadre, retícula y

forma.

 Boceto de experimentación de mancha, son bocetos en los que una mancha de

tinta o rasgado de papel aporta ideas para la representación gráfica.

 Boceto 3D o prototipo, es un prototipo de papel o material flexible que permite

visualizar detalles compositivos, especialmente usado en el diseño industrial y el

design thinking.

Dependiendo de las características y el grado de detalle del boceto, se pueden clasificar

en los siguientes tipos:

 Boceto burdo, su objetivo es mostrar una idea general sobre lo que se quiere

hacer. Son las primeras líneas y trazos que definen las características principales

del diseño o idea.

 Boceto comprensivo o semi-completo, es un boceto más detallado y con más

información a cerca de la distribución espacial de los elementos.

 Boceto dummy o completo, es llamado boceto de arte final, define todos los

elementos visuales de la gráfica final.

13
 Los tipos de boceto varían de acuerdo a la finalidad del mismo, en el caso específico de

las obras artísticas los bocetos se encontrarían clasificados como dibujo espontáneo, boceto

mini y por su nivel de detalle posiblemente como boceto burdo.

1.4: Boceto vs. dibujo

En este punto se pretende aclarar cuál es la diferencia entre un dibujo y un boceto,

partiendo de la idea de que un boceto es un dibujo en sí.

Si se comienza con el dibujo, según Achá (1999): "el dibujo nació cuando el hombre

percibió las huellas de los animales o de los humanos dejadas en la nieve y aprendió a

leerlas y a reproducirlas" ( p.63).

De manera básica se puede decir, como Parramón (1998) menciona, que "el dibujo es

una operación mediante la cual logramos representar una imagen gráfica sobre una

superficie plana [y] es la base indispensable para cualquier obra en el sentido más

tradicional del término.” (p.9)

Siguiendo con la idea en relación al boceto según Achá continua expresando:

"el boceto lo hizo cuando en el dibujo percibió las huellas de la razón y esto lo

utilizó como objetivo primordial del mismo para su transformación. Así, el

diseñador, según De la Puerta (1997): los dibujos [como bocetos] no deberían

considerarse el resultado de algún tipo de actividad artística, separados de la

escultura, la arquitectura o la pintura sino objetos íntimamente relacionados con las

obras realizadas, porque a menudo son testimonio de las partes del proceso creativo

completo que rara vez o nunca se puede exteriorizar de otra manera; sobre todo los

dibujos, de forma más directa que las obras "divulgadas", dan una visión de la vida

espiritual del artista, y en consecuencia son un importante documento para el

estudio y comprensión de su actividad" (p.98)

14
 Si bien un dibujo puede ser considerado una obra de arte, un boceto no puede ser

valorado de la misma manera puesto que su valor está íntimamente relacionado con la obra

a la que dio vida.

Según Solano (2005): "El boceto sucede como una nueva forma de dibujo, donde su

valor reside en su capacidad resolutiva y no en su forma ni en la técnica que se utilice para

su ejercicio"( p.4).

Se puede concluir que si bien un dibujo y un boceto corresponden a la representación de

una imagen gráfica sobre un plano, la valoración de un dibujo depende de aspectos como

la técnica, composición, manejo de color, soporte, etc. en cambio el valor de un boceto se

encuentra íntimamente relacionado con la obra final que puede ser una escultura, una obra

arquitectónica, un mural etc.

1.5: Conservación

Si bien, detrás de toda obra artística existe un boceto, es innegable que su existencia y

conservación ha ido cobrando bastante importancia. Debido a que el colectivo de

coleccionistas, críticos y amantes del arte buscan la esencia primordial que llevo al artista a

ejecutar dichas obras, en otras palabras el querer conocerlo en su faceta más intima y

profunda, donde existen o no errores, censura ya que los bocetos pueden hablar más tras las

muerte o la desaparición de los artistas.

El boceto ha variado su significado a lo largo de los últimos cien años de forma

espectacular. Mientras que hasta ese momento no había sido considerado como

obra, o bien el valor que se le había dado era relativo y siempre muy adherido al

mundo mercantil del coleccionismo, es a partir del siglo XX, con el renacimiento de

corrientes individualistas, el surgimiento del existencialismo y el post-modernismo,

cuando el boceto comienza a superar en valor filosófico y metafísico a la obra

15
 terminada. Una obra que en nuestros días, y en muchos casos, en los que el arte

tiende al dinamismo y la temporalidad, ha perdido prácticamente su importancia

como objeto.

(Herrero, 2005, p.1)

Espontáneamente, el boceto ha pasado a convertirse en numerosas ocasiones en la

obra, a representarla en el tiempo y muchas veces también en el espacio, ya que la

obra ha dejado de ser necesariamente material, estable e inalterable. En el momento que

el tiempo ha entrado a ser una más de las dimensiones de las artes plásticas, el boceto,

que siempre ha sido considerado efímero y voluble, se ha convertido en el único soporte

que se mantiene inmutable. El carácter intimista de estas obras. Retrata a menudo de

cuadernos de apuntes, a los que el pintor, como en un diario, confiaba sus

sentimientos, de forma mucho más espontánea que en los cuadros, grabados y litografías

Aunque se trata de una práctica tan vieja como la humanidad, es a partir del siglo

XX

cuando ésta no sólo se multiplica, sino que también se oficializa. Deja de ser algo

secreto que permanecía escondido para la gran mayoría, moviéndose únicamente

dentro de un círculo muy exclusivo, y pasa a convertirse en un elemento público más.

Pero siempre se ofrece como algo oculto y prohibido.

(Herrero, 2005, p.1)

La intimidad sale del cuaderno de notas, del boceto, donde siempre había estado

refugiada, y se muestra casi de manera obscena en la obra. El cuaderno de notas,

visto como diario, se convierte de esta forma en uno de los objetos más deseables para los

coleccionistas.

16
 Cuando algo se hace público, por más que sea escabroso, pierde el morbo que podía

provocar.

El cuaderno de notas, aunque sea de una forma ficticia, aunque se trate de un juego

implícito entre el autor y el espectador, mantiene ese aspecto inquietante.

(Herrero, 2005, p.3)

Es extraño como el diario íntimo es un formato que aparece a lo largo de toda la

historia del hombre, y en todas las civilizaciones. Dentro de la conciencia humana

existe el deseo de guardar recuerdos palpables de la propia existencia; no sólo como

una ayuda a la memoria o un método fiable de comunicación, si no como una

realidad física que demuestre nuestro paso por este mundo. Desde que el hombre es

consciente de su propia muerte se le hace necesario plasmar su vida en alguna forma

más duradera que la que le marcan los ritmos biológicos marcados por la naturaleza. Las

acciones de los hombres van encaminadas durante casi toda su vida a construir algo, ya

sea físico o metafísico, que les conceda una cierta inmortalidad; o al menos una mayor

perdurabilidad.

(Herrero, 2005, p.3)

La materia prima de estos textos confesionales la constituye la propia vida. Ocurre

que en todo ser humano hay una vida visible conocida por los parientes y amigos, y una

vida invisible, íntima, que el emisor decide mostrar a determinadas personas.

(Pérez, 1997, p.16)

Porque, a fin de cuentas, todos los bocetos son fantasmas de una obra final, pero

¿qué ocurre con la innumerable series de bocetos que muchas veces derivan en una

misma obra? Todos ellos son fantasmas que se van supeditando entre sí hasta

formar la obra final a la que están destinados. Se interrelacionan entre ellos y con la
17
propia obra como causas y efecto; sin uno no existiría otro y sin el otro no existiría el

uno; sin unos no existiría la otra y probablemente sin la otra no existirían ellos.

(Herrero, 2005, p.5)

En la obra de Herrero se trata este tema de manera puntual, lo que da a entender que el

boceto no es solo un elemento por el que a través de este se llegará a una obra final, a una

obra maestra, sino al contrario, el boceto en si sería la parte fundamental de la creación, ya

que en estos reside las verdaderas intenciones, nociones, gustos y filosofías de los artistas.

De esta manera es que un boceto puede contar más acerca de la vida del autor como su

sentimiento y genialidad.

1.6: Walter Solón Romero

Walter Solón Romero Gonzales es uno de los exponentes más destacados de la plástica

boliviana del siglo XX. Muralista, tejedor, grabador, tallador, pintor, dibujante… Solón

abrazó todas las técnicas que pudo a lo largo de su vida con un claro objetivo: despertar la

conciencia social del arte para contribuir a la práctica de la humanidad

1.6.1: Biografía

Nació en la ciudad de Uyuni, capital de la provincia Quijarro del Departamento de Potosí

en el año 1927, fallació en Lima - Perú en 1999.

Pintor y muralista boliviano, uno de los principales representantes de la pintura boliviana

contemporánea. Formado en la Academia Nacional de Bellas Artes de Sucre y en la

Escuela de Artes Aplicadas de Chile, ampliaría posteriormente sus estudios en Nueva York

y en distintas ciudades europeas.

En 1944 realizó su primera exposición individual en el Salón del Aficionado de Sucre.

Fundador con otros pintores y artistas del grupo Anteo, desde el primer momento cultivó un

18
arte social y comprometido al servicio del pueblo y en denuncia de las injusticias, como se

manifestó en su ingente producción mural.

1.7: Obras destacadas

Algunas de sus pinturas murales más destacadas.

Jaime Zudañes y la Revolución de Mayo (1950), Mensaje de Patria Libre (1950), Historia

del Petróleo Boliviano (1959) y La Revolución Nacional (1964).

En su obra destacan sus series de grabados inspirados en la máxima creación de Miguel de

Cervantes, Don Quijote de la Mancha. Realizados en distintos momentos de su trayectoria,

ponen de manifiesto su evolución y su afán de vincularse a la circunstancia vital e histórica

concreta. Así, El Quijote y los Perros, concebido durante la dictadura de Hugo Banzer,

constituye una denuncia ante la desaparición de José Carlos Trujillo, su hijo mayor. La

intervención militar de las minas dio lugar a El Quijote en las minas (1976), y el exilio del

propio artista quedó reflejado en El Quijote en el Exilio. Entre 1986 y 1990 creó la serie El

Quijote y los Ángeles, feroz sátira contra los políticos corruptos.

En la última etapa de su vida amplió sus horizontes interesándose por nuevas técnicas, pero

manteniendo siempre su profunda inquietud por las injusticias sociales como tema

principal. El 20 de mayo de 1989 recibió el título de doctor Honoris Causa por la

Universidad Mayor de San Andrés de La Paz, por la obra El retrato de un pueblo (1985-

1989), un mural con cuatrocientos personajes de la historia boliviana de una superficie de

208 metros cuadrados.

II. Producto Visual

MARCO TEORICO

II.2: Artistas y los nuevos medios

19
Las tecnologías de la contemporaneidad no son creadas ni generadas, en un principio, para
uso artístico; sino como elementos de comunicación, militar o para empleo en disciplinas
científicas, etc.… y son los artistas al emplear dichas tecnologías con propósito crítico o
experimental quienes las redefinen como medios artísticos, como Arte de Nuevos Medios.
Por tanto, según el empleo experimental del artista ante estas nuevas tecnologías podremos
encontrar y definir las diferentes áreas de creación de nuevos medios, también
denominados lenguajes artísticos: Cine Experimental, Vídeo arte, Música Electrónica,
Multimedia, Esculturas Virtuales, Arte Holográfico, Arte Robótico, Net.art, Arte ASCII,
Realidad Virtual, Fotomontaje digital, Arte Genómico, Arte de Transmisión, Arte
Nanotecnológico, Arte Cibernético, de Interacción, Electrónico y un largo etcétera.

(Montesinos, 2015, p.7)

Los nuevos medios están dirigidos a aquellos artistas que buscan una nueva forma de
expresión, en la que no se vean restringidos por el tiempo o la dimensión de sus ideas, de
esa manera es que el producto grafico a generar tendrá que cumplir con estas nuevas
vanguardias experimentales y asi poder alcanzar al público más joven y tecnológico sin
dejar de lado a aquellos en busca del conocimiento analógico.

Para que tanto los niños como los adultos participen plenamente en la vida cultural y
artística, deben aprender progresivamente a comprender, apreciar y experimentar las
expresiones artísticas mediante las cuales otros humanos, habitualmente denominados
“artistas”, exploran y comparten sus ideas sobre distintos aspectos de la existencia y la
coexistencia.

(Unesco, 2005, p.2)

Si hablamos de la interacción cultural de un niño a comparación de un adulto se puede

argumentar, que por la poca experiencia de los mas jóvenes estos tienden a obviar su
entorno sin darle la respectiva importancia pero con la latente curiosidad de saber el porqué
de varias cosas, el apreciar el ambiente y explorarlo es una manera infalible de que se
sensibilicen a los estímulos externos.

La utilización de estos recursos y este capital es vital para los países si desean desarrollar
industrias e iniciativas culturales fuertes, creativas y sostenibles, las cuales pueden

20
desempeñar un papel clave al potenciar el desarrollo socioeconómico en los países menos
desarrollados.

(Unesco, 2005, p.3)

Al generar un interés real en los nuevos individuos se puede alcanzar aquellos

ideales utópicos que un país puede necesitar para hacer crecer tanto su economía,

infraestructura y sociedad. Rompiendo aquellas maneras de enseñar tan estrictas que

no dejan que el estudiante explore su capacidad creativa.

Existen dos enfoques principales de la educación artística que pueden

implementarse al mismo tiempo y no necesariamente por separado. En concreto, las

artes se pueden 1) enseñar como materias individuales en las que se imparten

distintas disciplinas artísticas a fin de desarrollar las competencias artísticas, la

sensibilidad y la apreciación de las artes por parte de los estudiantes, o 2) utilizar

como método de enseñanza y aprendizaje e incluir dimensiones artísticas y

culturales en todas las asignaturas del currículo.

(Unesco, 2006, p.6)

Sea cual sea el enfoque no tenemos que dejar de lado que el interés es parte

fundamental de cualquier proceso de educación ya que por más divertida o frecuente

sea una lección no servirá de nada si es que el aprendiz no pone en práctica lo

aprendió.

En la actualidad, cualquier persona que trabaja con materiales artísticos debe saber

que la mayoría de las materias primas que utiliza fueron empleadas por

civilizaciones muy antiguas, claro está, que a éstas se unen muchos

21
perfeccionamientos y avances que fueron introducidos en la época industrial del

s.XIX. Los principales documentos y escritos que describen los materiales, métodos

y técnicas pictóricas utilizadas por los gremios artísticos y artesanales de una época,

pertenecen a la época romana; y esta recopilación fue llevada a cabo por Vitrubio y

Plinio el viejo.

(Gonzales Zaragoza, 2009, p.2)

Toda aquella instrucción artística tiene una base fundamentada en la historia, sería

un error dejar de lado estos bastos conceptos de la realidad que ahora vivimos. Ya

que por mucho que la tecnología haya avanzado, siempre se recurrirá a aquellos

medios artesanales para demostrar las capacidades de cualquier persona frente a la

estética porque desde tiempos antiguos los medios de expresión siempre

acompañaron a la raza humana.

El valor histórico de una obra consiste en su capacidad de hacer del pasado algo

vivo, pues lo vincula con el presente y con el futuro. Esto es posible porque toda

obra forma parte de un proyecto que cuenta con una finalidad y, por eso, siempre

atrae nuestra atención para comprenderla. Aquí se encuentra la gran diferencia entre

el animal y el hombre: el primero se mueve por instintos y el segundo por la

experiencia consciente, que le permite utilizar lo que le rodea para lograr sus metas.

(De la Peña Gómez, 2008, p.12)

La idea de que todo cumpla una función viene desde tiempos antiguos y es ahí

donde el arte cumple una de sus funciones mas importantes la cual es mostrar y

revivir aquellos aspectos de la cotidianeidad para aquellos que interactúen con esta y

puedan vivir analizar y recrear tanto conceptos como realidades.

22
II.3: Técnicas a través del tiempo

En cada caso cambia la naturaleza y la calidad de lo enseñable y lo que no puede enseñarse,

la idea es la misma: aspirar a la transformación del hombre. Al respecto Acha (2010) cita 5

tipos de técnicas donde el arte puede enseñarse:

Técnicas artísticas:

La artística no es una técnica cualquiera, sino una utilización de ella con fines estéticos y de

apreciación. Todas las técnicas son enseñables aunque no con resultados iguales para todos

los alumnos. Paradójicamente, todo buen trabajo cumple con reglas técnicas.

Técnicas sensoriales:

Se centran en los materiales, herramientas y procedimientos propios de las técnicas

manuales y corporales, vinculadas directamente con la producción de las artes musicales y

corporales, literarias y plásticas. Las técnicas sensoriales constituyen un patrimonio

humano y todos las usamos, sea de forma empírica o profesional en nuestras múltiples

ocupaciones. Se desglosan en materiales, herramientas y procedimientos y que sirven para

pintar, esculpir, diseñar, hacer grabado o dibujar. Son además los instrumentos musicales,

las coreografías, los textos literarios entre otras.

Técnicas sensitivas o estéticas:

Están relacionadas con la sensibilidad o el gusto, además de poseer la capacidad de

traducir en sentimientos estéticos las sensaciones que nos produce lo percibido por algunos

de nuestros sentidos al estar expuestos al acto artístico o cultural. La educación artística

escolar guiará los hábitos estéticos del joven y los ampliará y corregirá. Le enseñará a

identificar los valores estéticos y a reconocer los valores estéticos de otras culturas así

como a reconocer los suyos. Se puede además enseñar a expresar con precisión y libertad

23
sus experiencias estéticas sin buscar únicamente el halago o la confirmación de sus

preferencias.

Técnicas mentales:

Tienen que ver con la memoria, el raciocino, la lógica. Las técnicas mentales son

abundantes y las más enseñables, pero esto no basta para despertarnos curiosidad por las

teorizaciones. Estas clases de técnicas se pueden dividir en 2 grandes grupos. A) Las

informaciones que el artista debe acumular como parte de su conciencia artística y como

una reserva a la cual recurrir en caso de problemas actuales (las de la historia del arte,

enseñada con sus actividades básicas que son la producción, distribución y el consumo, las

de las reglas genéricas del arte enseñado y los postulados de cada tendencia vigente y las de

innovaciones recientes de las artes, la ciencia y la tecnología) y B) El manejo de conceptos

o enseñar a razonar la lógica y la crítica, lo que es vital hoy para el artista en especial

respecto a sus propias actividades sensoriales, sensitivas, mentales y creativas.

Técnicas creativas o de fantasía:

Todas las técnicas hasta ahora vistas desembocan en la creatividad que es la cúspide y que

por lo regular se rechaza como algo que pueda ser enseñable. Buena parte de la creatividad

es enseñable, así como casi la totalidad de los tipos de creatividad. Lo no enseñable de ésta

será el mismo que en el caso de la perfección y de la elevada calidad que muy pocos seres

logran gracias a sus esfuerzos personales.

(Sotelo Ríos, Domínguez Chenge 2017, p.2)

Gracias a todas estas técnicas podemos decir que el arte está totalmente arraigado a nuestro

ser y que sería imposible para cualquiera incluso si no es afín al arte, el no dar soluciones

creativas a problemas cotidianos o aprender de abstracción para situaciones totalmente

24
ilógicas ya que está programado en nuestro cerebro el ser analíticos, creativos eh incluso

sensibles.

La Universidad es el espacio ideal para reforzar actitudes y empezar a trabajar sobre

conceptos que puedan llegar a una profundidad de pensamiento, y otros aspectos que les

ayuden a plasmar conceptos, ideas abstractas, que lleguen a la conceptualización y

resolución de problemas por medio de la expresión artística.

(Sotelo Ríos, Domínguez Chenge 2017, p.14)

Es necesario para cualquier persona salir de su zona de confort el conocer nuevos

ambientes, nuevas ideas y personas. Ya que se habilita una percepción más amplia de la

realidad esto ayuda a que las soluciones que se propongan tengan un grado más alto de

éxito, obviamente el error es parte fundamental para el crecimiento tanto como artista que

como persona.

El arte ayuda a lograr el aprendizaje de un modo muy directo y espontáneo. Realizar

diversas actividades son motivo de descubrimiento, exploración y descarga de emociones.

Los jóvenes de la FCAS lograron pasar del disfrute de la contemplación artística hasta

mostrar sus emociones como creadores de arte, además de que aprendieron a apreciar y

emocionarse con su propio trabajo y el de sus compañeros.

(Sotelo Ríos, Domínguez Chenge 2017, p.15)

El sufrir catarsis es la forma más increíble de aprendizaje ya que se dejas que los

sentimientos salgan, se deja que el alma se libere y encuentre refugio en los rincones más

creativos y abstractos del ser, como bien lo dijo es directo y espontaneo a la vez que

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inevitable el arte tiene como una de sus funciones ayudar a aclarar las perspectivas y

entender a los otros de manera única dándoles la importancia respectiva a cada compañero.

II.4: Preservación

Un plan de preservación define una serie de acciones de preservación que la institución

responsable debe realizar como respuesta a un riesgo identificado en un conjunto concreto

de objetos o documentos (llamado colección).

El plan define un procedimiento bien documentado de las acciones necesarias para

garantizar el acceso y uso a largo plazo de la colección. El plan de preser - vación incluye:

• El contexto de la preservación.

• La estrategia de preservación seleccionada.

• Los resultados de la evaluación de diferentes alter nativas de preservación y la decisión.

• Las funciones y responsabilidades para el plan de preservación y su seguimiento.

• Los motivos que iniciaran la ejecución del plan.

• El coste (tal vez estimado) de realización del plan de preservación:

(Normas 468 Rev. Esp. Doc. Cient., 34, 3, julio-septiembre, 461-477, 2011. ISSN:

0210-0614)

Los que se busca con esta investigación es encontrar la manera mas optima de preservar y

mostrar a todos. Los bocetos del artista Boliviano Walter Solón Romero en conjunto con

las explicaciones técnicas usadas para su producción de cada una de sus celebres obras. Los

motivos son que, un artista puede seguir enseñando después de que este fallece debido a

que dejan en el baúl de recuerdos, proyectos nunca antes vistos, proyectos nunca antes

concluidos y que en esa versión tan simple como sería un boceto se encuentra la genialidad

en esencia pura, que debería ser preservada y mostrada.

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El plan de preservación debería asegurar que todos los documentos, cualquiera que sea su

formato y soporte de almacenamiento, se conserven con el fi n de acceder a ellos posterior

mente.

(Revista Española de Documentación Científica ca, 34, 3, julio-septiembre,P.461-

477, 2011 ISSN: 0210-0614/ Preservación de los documentos digitales: Guía para

comenzar. ISO/TC 46/SC 11. Versión española, octubre 2010 Traducción de María Elvira y

Silleras).

El acceso a información que no se encuentra en internet en cualquier biblioteca hizo que

esta investigación adquiera una importancia única ya que vemos los inicios artísticos como

las musas en pleno auge de alguien que ya no nos puede hablar pero si enseñar.

27
28
IV.I Referencias

Real Academia Española. (2019). Diccionario de la lengua española.

G. Fatas, G. y M. Borrás. G. (1980). Diccionario de términos de arte y arqueología, Editorial

Guara. 

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Licenciatura en Diseño Gráfico.

Agustín René Solano Andrade.(2005). Características del boceto como objeto de diseño

(permanencias posmodernas). Tesis realizada en la Mtría. En Comunicación y Diseño de

la Universidad Iberoamericana, plantel Golfo Centro, Puebla, México.

María Hurtado Abril. (2019). Que tipos de bocetos se utilizan en diseño gráfico.

Laura Herrero Crespo. (2008). El boceto: Transgrediendo la intimidad de cuadernos de notas y

diarios.

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Viaje. Buenos Aires: Ediciones Corregidor.

Tatiana Martínez Branisa. (2007). Las bellas artes.

R. H. Collingwood. (1993). Los principios del arte. México: Fondo de Cultura Económica

Adriana Rogliano - Marcelo Moviglia. (2010). Cerámica: Arte y funcionalidad.

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Distrital Francisco José de Caldas. Pamplona. Colombia

E. H. Gombrich.(1993). Lo que nos dice la imagen. Bogotá: Editorial Norma.

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Julián Pérez Porto y María Merino.(2011). Definición de artes plásticas.

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Gomez Molina y otros. (1995). Las lecciones de Dibujo. Madrid: Ediciones Cátedra.

Ariela Yamila Moretta. (2009). El Dibujo La Obra de María Estela Labiano.

Harold Speed. (1941). La Práctica y la Ciencia del Dibujo. Buenos Aires: Albatros

30
31