BARROCO Por ARGAN

BARROCO – ARGAN
Los protestantes afirmaban que la vida en la tierra era el castigo por el pecado original, y no
había salvación. En cambio el catolicismo dice que Dios ha dispuesto en la tierra los medios
necesarios para la salvación. La historia es el recorrido de la humanidad hacia la salvación,
necesario de perseguir. Aquí se diferencia el Barroco del Renacimiento, el retorno a lo antiguo.
El “clasicismo barroco” no es imitación, sino desarrollo, extensión o reinvención de la cultura
clásica.
El catolicísimo cree en una fe y una salvación colectiva. La técnica del artista no es un fin en sí
mismo. La obra de los hombres acrecienta la gloria y el prestigio de Dios. Por eso, el Barroco se
convierte en un estilo, pasa de la esfera del arte a la del hábito, a la de la vida social y da
forma, carácter, valor de belleza natural e histórica a un tiempo a las ciudades, al ambiente de
la vida social y política.
El barroco recupera, revaloriza y desarrolla el concepto clásico de mímesis, pero la finalidad de

la representación no es conocer mejor el objeto representado, sino impresionar, conmover y
persuadir.
La finalidad primera del arte es ejercitar la imaginación. Sin imaginación no hay salvación,
proponerse la salvación significa admitir que esta es posible, imaginarse salvado. El arte
barroco no añade nada al conocimiento objetivo de la naturaleza o de la historia. El artista solo
se interesa por la naturaleza o por la historia sólo en cuanto que la idea de naturaleza o de la
historia le permite superar los límites de lo real, ampliar la experiencia a lo posible.
La imaginación es distinto a la fantasía o al capricho (manierismo), tiene la finalidad de

persuadir de que algo no-real puede convertirse en realidad. La idea de que el arte
representa lo verosímil o lo posible es expresada por Aristóteles en su Poética, texto sobre el
que se basa la concepción artística del s. XVII.
Al ser una técnica de persuasión, el arte encuentra también apoyo en la Retórica de

Aristóteles y en el De Oratore de Cicerón. Por ello en el arte del s. XVII la representación
imaginaria se ve acompañada por una evidencia realista.
Determinación de diversos géneros artísticos: el arte tiene el fin de actuar sobre el ánimo de la
gente y por consecuencia admite diversos modos de expresión. El origen de la pintura de
género se remite a la necesidad de documentar mediante el vivo realismo de los detalles la
verosimilitud de las visiones de la imaginación. La pintura de género se contrapone a la pintura
de historia y la integra planteando en el interior del propio arte la relación entre lo particular y
lo universal, entre lo real y lo ideal. Se aíslan distintos géneros: el retrato, la naturaleza muerta,
el paisaje, la escena de la vida cotidiana o de costumbres, y cada uno de los géneros tiene a su
vez subespecies. La división de géneros también se ve en arquitectura, en diversos tipos de
edificios.
Otra característica del Barroco es el rápido y frecuente intercambio de las experiencias gracias
a los viajes de los artistas o la circulación de las obras o mediante la difusión de reproducciones
por medio de grabados.
LOS CARRACCI Y CARAVAGGIO
Búsqueda de un arte que sin revelar o explicar las verdades de la fe, estimulase el sentimiento
religioso.
LUDOVICO CARRACCI (1555-1619), junto a sus primos Agostino (1557-1602) y Annibale (1560-
1609), en la Academia dei Desiderosi, se proponen hacer del arte un instrumento capaz de
suscitar la devoción. Para ello prefieren partir del natural, eliminando las reglas que había
instaurado el manierismo. Devolver la naturaleza a las formas del arte es el mejor modo de
darles la capacidad necesaria para obrar sobre la naturaleza humana y sobre el sentimiento.
Ludovico Carracci, La Anunciación, oleo sobre lienzo, 2,10 x 2,30 m, 1585.
- Obra típica e intencionadamente devocional

- Quiere demostrar que, como tránsito hacia lo divino, la expresión directa de los
sentimientos comunes y la fe simple y escueta de los humildes vale más que las
grandiosas representaciones doctrinales.
- Sobriedad de las posturas, de los gestos, de los colores y de las luces
- Ludovico piensa que el amor de Dios, reflejándose sobre los sentimientos humanos,
los disciplina y los dirige hacia el bien.
- La devoción no solo es plegaria y éxtasis, sino conducta modesta, humilde y benévola
hacia los demás.
AGOSTINO examina, analiza críticamente y verifica la inmensa herencia formal del arte del
Cinquecento. Se dedica a la técnica del grabado y se sirve de ella para reproducir críticamente
las obras de los mestros.
Agostino Carracci, Comunios de San Jerónimo, oleo sobre lienzo, 3, 76 x 2,24 m, 1592
- Disposición tonal veneciana es reconstruida en perspectiva

- Personajes precisos, drecritos y dibujados co atención
Con ANNIBALE ya no se trata de verificar y utilizar lo medios expresivos elaborados por la

pintura del Cinquecento, sino replantearse el problema del valor de la cultura. Recupera la
temática flamenca de la naturaleza muerta con figuras. La figura humana ya no es heroica y
protagonista.
La Carnicería, lienzo, 1,85 x 2,66 m., 1585, Oxforf, Chrtist Church.
- Espacio poco profundo, sin escorzos de perspectiva, casi cuadriculado por el cruce de
líneas horizontales y verticales.
- Entramado que une las figuras dándole a cada una la misma evidencia que las demás
- Objetividad
La limosna de San Roque, lienzo, 3,33 x 4,77 m, 1595, Dresde, Gemäldegalerie.
- Nuevo tipo de cuadro histórico-religioso

- El cristianismo es una historia gloriosa como la de roma (se opone al pietismo de su
primo Ludovico): San Roque es representado como un condotiero, las mujeres
matronas y los enfermos veteranos cubiertos de gloriosas heridas.
- Escorzo del escenario monumental
- Composición densa y saliente
- Luz baja y encuentros tonales se reducen a un claroscuro más marcado
- Cúmulo de personajes, donde cada uno tiene su papel
- Los sentimientos son descritos, individualizados y concertados
Baco y Ariadna, frescos de la galería del palacio Farnese en Roma, 1597-1604
- Se le encarga en Roma la decoración de la Galería del Palacio Farnese

- Mide veinte metros de largo y seis de ancho. Cubierta con bóvedas.
- Baco y Ariadna es la representación central
- Entre esta se encuentra Hermes y cariátides fingidos
- Una serie de fábulas mitológicas aluden al tema, clásico y naturalista: el triunfo del
amor
- Revalorización de la cultura clásica y del Renacimiento
- Las divisiones se suceden rítmicamente, más anchas o más estrechas, unas rompen la
bóveda y otras se superponen a ella como cuadros con marcos dorados
- Mímesis: imita la naturaleza, imita la arquitectura (continua las estructuras reales en
las imaginarias o fingidas), imita la escultura (cariátides, Hermes , medallones) y se
imita así misma (en los cuadros fingidos)
- Multitud de imágenes en el espacio imaginario de la bóveda: Representa la realidad de
la imaginación que son las imágenes
- La figuración clásica es alegórica. Se evita la correlación rígida de las imágenes con un
significado fijo
La Huida a Egipto, oleo sobre lienzo, 1,22 x 2,33 m. 1603 Roma, Galería Doria Pamphili.
- Tiene importancia el paisaje: escenario natural

- Aparece la ciudad encerrada en sus murallas y los rebaños pastando
- La vida urbana y la vida agreste
- Se muestra el hecho histórico-religioso, pero ambientado en la naturaleza, ligado al
paisaje
- La historia se hace mito, y también se hace mito la naturaleza
- Supera el límite de lo real: imaginación
CARAVAGGIO (1573-1610)
Se oponía como Annibale a la cultura manierista romana.
Nació en el condado de Bérgamo. Fue discípulo en Milán de Simone Pertazo, un manierista

discípulo de Tiziano. A los 20 años se establece en Roma, donde permanece hasta 1606, fecha
en la que, tras haber matado a un joven en una riña de juego, huye a Nápoles, Malta y Sicilia.
Murió cuando, perdonado por el Papa, regresaba a Roma.
Tuvo una vida desesperada y violenta, una tensión moral y religiosa da a su pintura una carga
revolucionaria. Su realismo nace de la ética religiosa instaurada por Carlos Borromeo en su
diócesis lombarda: no consiste en la observación y la copia de la naturaleza, sino en la
aceptación de la dura realidad de los hechos, toda la verdad y en asumir la máxima
responsabilidad. Esto implica excluir la búsqueda de lo bello y volverse hacia lo verdadero;
renunciar a la invención para remitirse a los hechos. Buscar un resultado ideal en la praxis, no
poner en práctica un ideal dado. Realismo opuesto a al naturalismo y búsqueda de la verdad
opuesto a la imaginación.
Primeras obras:
- Colores “dulces y sencillos”

- Colorismo véneto: derivan de la cultura pictórica lombardo-véneta
- Poesía íntima, sensible y lírica
Descanso en la huida a Egipto (1593), oleo sobre lienzo, 1,30 x 1,60 m. Roma, Galería Doria
Pamphili.
- Recupera el motivo veneciano de la figuración sacra en el paisaje

- No hay diferencia entre el sentimiento real y el sentimiento divino
- Las figuras son presentadas unas junto a otras del modo más simple
- No hay artificio compositivo, ni artificio de perspectiva para definir el espacio
- Las cosas próximas se ven en su más mínimo detalle
- Lo más alejado parecen veladas por estratos de atmósfera luminosa
- No hay heroización de las figuras: virgen que cede ante el cansancio, José como un
viejo campesino.
- Lo divino se revela ante los humildes (figura del ángel ante José y la Virgen)
- El motivo realista se hace mítico en la figura “ideal” del ángel. Es un genius loci. El
ángel es una figura poética ideal, pero apoya los pies sobre la tierra
- Unidad y armonía de la representación dada por los colores
- Centro por el cuerpo claro del ángel, que contrasta con las alas negras
- Gama pictórica derivada de Lotto
- Revelación de lo divino en las personas y en las cosas humildes
La poesía no es invención fantástica, sino expresión de la vida interior, de las más profunda
realidad humana. No está ni contra lo real ni por encima de él; está dentro de lo real y
constituye su significado más auténtico.
Obras claras del mismo periodo: Baco adolescente (1590-1593), Buenaventura
Obras precedentes:
- El paisaje desaparece en sus obras, las sombras se vuelven casi negras y se

contraponen, sin transición, a las luces violentas.
- Sitúa los hechos en una realidad viva
- La realidad se hace más próxima
- Los hechos del pasado se captan en el mimo momento en que ocurre, en el aquí y
ahora
- Es un instante real, un fragmento vivo de nuestra existencia
Obras de la capilla Contarelli en la iglesia de San Luis de los Franceses: Vocación y Martirio de
San Mateo y San Mateo y el Ángel; 1599-1600; 1602
Obras de la capilla Cerasi en la iglesia de Santa María Del Popolo: Martirio de San Pedro y
Vocación de San Pablo, 1600-1601
San Mateo y el Ange, oleo sobre lienzo, 2,95 x 1,95 m., 1602. Roma, iglesia de San Luis de los
Franceses
- Primer cuadro rechazado y destruido durante la última guerra en el Museo de Berlín.

Fue rechazado por el clero como vulgarmente realista. Contrastes: luz y sombre, el
viejo apóstol analfabeto y el joven ángel que le guía la mano, los grandes pies terrosos
en primer plano y las alas luminosas en el fondo.
Vocación de San Mateo, oleo sobre lienzo, 3,28 x 3,48 m., 1599-1600. Roma, iglesia de San
Luis de los Franceses
- Realidad concreta de los hechos y de las personas

- Llamada directa y personal de dios, que sorprende al hombre cuando menos lo espera,
incluso en el pecado
- Mateo era recaudador de impuestos
- El lugar es el cuerpo de guardia, un ambiente angosto, débilmente iluminado por una
ventana
- Los jugadores llevan trajes modernos: se trata de un hecho que ocurre en el aquí y en
el ahora
- La gracia no es un signo que solo el elegido puede ver: todos se vuelven sorprendidos,
con excepción del avaro que cuenta el dinero
- Con Cristo y San Pedro entre una dura lámina de luz que envuelve a las figuras e
ilumina los tejidos y los rostros.
- Es un rayo de luz física, pero es también el rayo de la gracia
- Todo ocurre en ese instante de luz
Martirio de San Mateo, oleo sobre lienzo, 3,28 x 3,48 m., 1599-1600. Roma, iglesia de San
Luis de los Franceses
- El acontecimiento histórico-dramático queda reducido a la cruda realidad de un acto

de violencia: un asesinato
- Un mismo relámpago de luz ilumina los tres momentos del hecho: el santo arrojado
del altar y golpeado por los verdugos, el pánico y la huida de los presentes y el ángel
que llega del cielo con la palma del martirio.
- Los personajes se retiran espantados, el asesino golpea a San Mateo, pero el instante
de muerte es también de gloria: la misma mano que se estira en gesto de defensa coge
la palma de las manos del ángel
Crucifixión de San Pedro, oleo sobre lienzo, 2,30 x 1,75 m, 1600-1601. Roma, iglesia de Santa
María del Popolo.
- Cruz levantada por la fuerza de cuerdas y hombros. Es una máquina de la muerte que
se ha puesto en movimiento
- No hay desarrollo de una acción, en cambio hay una duración: rueda que gira en torno
a un cubo
- Es un hecho que se prolonga en el tiempo, cuya lentitud y duración lo hacen más
trágico
- No hay un golpe de luz, los colores son débiles
Conversión de San Pabol, oleo sobre lienzo, 2,30 x 1,75 m, 1600-1601. Roma, iglesia de Santa
María del Popolo.
- Es un hecho recién ocurrido, en el instante de pausa y de silencio que sigue al

desarrollo del drama
- Composición dominada por la gran masa del caballo; la llama del fulgor divino lo había
espantado, pero ahora se encuentra tranquilo junto al hombre caído.
- Ya desvanecido el resplandor milagroso queda una luminiscencia que parece emanar
del caballero aterrado de los brazos abiertos.
El tema del hecho ocurrido, y ocurrido para siempre, incancelable, es fundamental para la
poética de Caravaggio, y se relaciona con el de la muerte.
Para los críticos del s. XVII abre el camino a la pintura de género, especialmente a la naturaleza
muerta. Para Caravaggio no hay diferencia entre pintar un cuadro de flores y un cuadro de
figuras. La naturaleza muerta se relaciona para él con la idea de la muerte: es la presencia de
las cosas en medio de la ausencia o la desaparición del hombre.
Canasto de frutas, oleo sobre lienzo, 46 x 64 cm, 1596. Milán, Pinacoteca Ambrosiana.
- Única de sus naturalezas muertas que queda

- Están vistas desde abajo
- Los frutos y hojas destacan con nitidez sobre la pared clara
- Detalles fijados con objetividad fría: cáscara rugosa de los higos, la brillante de las
manzanas, la transparente de las uvas.
La muerte es una idea dominante para Caravaggio: El entierro de Cristo (1602-1604); La

Muerte de la Virgen (1606); La Degollación del Bautista, en Malta (1608); El Entierro de
Santa Lucía, en Siracura (1608); La Resurrección de Lázaro, en Mesina (1609).
Muerte de la Virgen (1606); realizada para la capilla Cherubini en la iglesia de Santa Maria
della Scala en Roma. Oleo sobre lienzo, 3,69 x 2,45 m. París, Louvre.
- Fue rechazada por el clero. La ética religiosa se relaciona con un nuevo sentimiento
social.
- La Virgen es representada como una “mujer muerta hinchada”, una mujer ahogada y
puesta sobre una litera
- Una mujer desesperada (María Magdalena) llora desesperada junto a ella.
- Alrededor se representan los apóstoles, pariente y vecinos tristes, con la solidaridad de
los humildes
- Presencia de Dios en los hechos de la vida cotidiana, en la humanidad sin
convencionalismo de la pobre gente
Cena en Emaus (1596). Oleo sobre lienzo, 1,39 x 1,95 m. Londres National Gallery.
Cena en Emaus (1606). Oleo sobre lienzo, 1,45 x 1,95 m. Milán, Brera.
- Cristo se sienta en la mesa en una taberna, mientras el hostelero es testigo de uno de

los más solemnes actos.
- Dios no está en el cielo con los ángeles, sino en la tierra entre los pobres y dolientes.
- Un cesto de frutas como el de su pintura Canasto de Frutas se encuentra en la mesa.
Caravaggio está en relación con las corrientes religiosas más francas de la época. Se perseguí la
unidad espiritual de los fieles más allá de las divisiones de clases y una praxis comprometida
con la caridad. Se refleja un contenido moral del artista.
Caravaggio tendrá repercusiones en dos polos opuestos de la cultura artística del s. XVII:
REMBRANDT, en Holanda, y sobre VELÁZQUEZ, en España. El desarrollo de la cultura figurativa
barroca comienza después de la muerte de Caravaggio. Uno de los máximos creadores de esta
cultura es RÉBENS, que vivió en Roma durante los primeros años del siglo y conoció y admiró a
Caravaggio, a pesar de sus diferencias de gusto.
El arte Barroco es una exaltación enfática del valor de la vida como para no revelar, por
debajo, la idea obsesiva y angustiosa de la muerte.

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El barroco recupera, revaloriza y desarrolla el concepto clásico de mímesis, pero la finalidad de

La imaginación es distinto a la fantasía o al capricho (manierismo), tiene la finalidad de

Al ser una técnica de persuasión, el arte encuentra también apoyo en la Retórica de

Ludovico Carracci, La Anunciación, oleo sobre lienzo, 2,10 x 2,30 m, 1585.

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- Disposición tonal veneciana es reconstruida en perspectiva

Con ANNIBALE ya no se trata de verificar y utilizar lo medios expresivos elaborados por la

La Carnicería, lienzo, 1,85 x 2,66 m., 1585, Oxforf, Chrtist Church.

La limosna de San Roque, lienzo, 3,33 x 4,77 m, 1595, Dresde, Gemäldegalerie.

- Nuevo tipo de cuadro histórico-religioso

Baco y Ariadna, frescos de la galería del palacio Farnese en Roma, 1597-1604

- Se le encarga en Roma la decoración de la Galería del Palacio Farnese

- Tiene importancia el paisaje: escenario natural

Se oponía como Annibale a la cultura manierista romana.

Nació en el condado de Bérgamo. Fue discípulo en Milán de Simone Pertazo, un manierista

- Colores “dulces y sencillos”

- Recupera el motivo veneciano de la figuración sacra en el paisaje

Obras claras del mismo periodo: Baco adolescente (1590-1593), Buenaventura

- El paisaje desaparece en sus obras, las sombras se vuelven casi negras y se

- Primer cuadro rechazado y destruido durante la última guerra en el Museo de Berlín.

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