índice

“Expresión artística como reflejo del alma” ................................................................................................. 3

Movimiento posimpresionismo .................................................................................................................... 7
Conceptualización del espacio arquitectónico y el desarrollo tecnológico. ............................................... 10
La Red House y el Arts y Crafts ................................................................................................................... 12
La escuela de glasgow ................................................................................................................................. 14
soullivan y adler, el nacimiento del funcionalismo ..................................................................................... 17
louis henry sullivan ..................................................................................................................................... 17
Eclecticismo Historicista.............................................................................................................................. 19
Art Nouveau y el Modernismo .................................................................................................................... 21
“EXPRESIÓN ARTÍSTICA COMO REFLEJO DEL ALMA”

Es un estilo pictórico y un movimiento artístico, aparecido al comienzo de los años

1960 en Francia, en oposición a la abstracción y al Nuevo Realismo. Se caracteriza
por su fuerte interés por la imagen mediática y por representar la vida cotidiana
del mundo moderno con tintas planas y colores puros, lo que asemejaba mucho al
pop art. La pintura es una novela negra, mitologías cotidianas, objetos e
historietas.
Fue un movimiento artístico definido inicialmente para la pintura impresionista, a
partir del comentario despectivo de un crítico de arte Luis Leroy ante el cuadro
“impresión, sol naciente “de Claude Monet, al contrario de la pintura clásica, este
cuadro no narra ninguna historia, es simplemente una pura instantánea de la
realidad al modo de cómo podría realizarla un fotógrafo
sin ningún tipo de contenido religioso, mitológico o
costumbrista. En este sentido lo podemos considerar
como anti-literario, siendo el verdadero protagonista la
luz convirtiéndose en el primer estilo moderno.
Es un movimiento, social e
intelectual muy ligado a los
ideales ilustrados y a los de la Revolución francesa de
la burguesía liberal.
Este movimiento se fragua en el último cuarto del siglo
XVIII. Se trata de un arte didáctico que pretende
recuperar los valores de la antigüedad clásica y el
Renacimiento. Francia es la primera potencia artística
del momento enfocándose en la expresión de los
sentimientos, buscaban retomar las técnicas empleadas por los clásicos, buscaron
recuperar los valores clásicos.
Expresión artística y reflejo del alma es el resultado de una prolongada evolución,
que bajo el signo del paisaje busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo
extremo.
Tiende a usar colores puros y sin mezcla, sobre todo los 3 colores primarios y sus
complementos, también suele manejar la pintura más libre y sueltamente, sin
tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el gran
factor unificador de la figura y el paisaje.
Con anterioridad al impresionismo, el marco artístico estaba dominado por el
eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie
de rupturas que, gracias a la libertad de ahora, un artista puede ser quien sea, y asi
dándole personalidad propia al arte moderno por representar la vida cotidiana del
mundo moderno con tintas planas y colores puros, o que asemejaba mucho a lo
que ahora se conoce pop-art y otros estilos
Movimiento impresionista
El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en
Francia, en Normandía Giverny y la costa normanda en la
segunda mitad del siglo XIX. Inicialmente definido para la
pintura impresionista, a partir del comentario despectivo de
un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol
naciente de Claude Monet, generalizado a otros expuestos en
el salón de artistas independientes de París entre el 15 de Cuadro Impresión,
abril y el 15 de mayo de 1874. sol naciente de
Claude Monet
La aparición del impresionismo ocurre como consecuencia de
un cambio social importantísimo; durante finales del siglo XVIII y la primera mitad
del siglo XIX, suceden las transformaciones siguientes: revolución industrial,
revolución francesa, imperio de Napoleón, restauración de los movimientos
sociales y las reformas burguesas.
Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de
otras artes, como la música y la literatura, sus particulares rasgos definitorios (luz,
color, pincelada, plenairismo) lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras
artes plásticas como la escultura y la arquitectura; de tal modo que suele decirse
que el impresionismo en sentido estricto solo puede darse en pintura y quizá en
fotografía (pictorialismo) y cine.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa. El Impresionismo parte del análisis de la realidad. Hasta
ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que
conformaba el mensaje para el espectador
 Caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar
la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la
identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus
antecesores pintaban formas con identidad, los
impresionistas pintaban el momento de luz, más allá de las
formas que subyacen bajo este. Los cuadros
impresionistas se construyen técnicamente a partir de La Rue Mosnier con banderas es
un óleo sobre lienzo de 1878 de
manchas bastas de colores, las cuales actúan como Édouard Manet
puntos de una policromía más amplia, que es la obra en
sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que
aparezcan las luces sombras y figuras. Esto siendo clave para el desarrollo del arte
posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.
Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo), se
produce un crecimiento económico en Europa. La intensificación del comercio y el
progreso técnico lleva a la consolidación de la burguesía. Las clases sociales se
reorganizan y los dirigentes socialistas de toda Europa se reúnen para hablar de
aquellos cambios. La filosofía de entonces es positivista y realista, donde se
prueban las cosas y se exige la transformación del mundo. El arte cambiaba en
conjunto con la sociedad.

Entre los artistas impresionistas más famosos se encuentran (orden cronológico):

1. Camille Pissarro (1830-1903).

Boulevard Montmartre, invierno

2. Édouard Manet (1832-1883).

Le dejeuner sur l'herbe

3. Edgar Degas (1834-1917).

El conde de pic y sus hijas

4. Alfred Sisley (1839-1899).

5. Paul Cézanne (1839-1906).

La montagne de saint victoire

6. Claude Monet (1840-1926).

impresión, sol naciente

Lo que une a estos genios de la pintura es la intención de reproducir escenas de la
vida diaria de un modo creativo. En la mayoría de las ocasiones se pueden distinguir
claramente por su estética, imágenes desenfocadas y obras de apariencia
inacabada.

Movimiento posimpresionismo
Posimpresionismo o postimpresionismo es un
término histórico-artístico que se aplica a los
estilos pictóricos a finales del siglo XIX y principios
del XX posteriores al impresionismo. Lo acuñó el
crítico británico Roger Fry con motivo de una
exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul
Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró La noche estrellada de Vicent
en Londres en 1910. Sus exponentes reaccionaron Van Gogh, pintada en junio
de 1889.
contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y
presentaron una visión más subjetiva del mundo.
Todos los artistas agrupados bajo el término postimpresionismo conocieron y
practicaron en algún momento los postulados impresionistas, un movimiento
pictórico que se desarrolló en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los
supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte.
Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas
organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que,
décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la
disgregación de ese movimiento nació el posimpresionismo en parte como
evolución y en parte como ruptura.
El impacto de la Revolución Industrial fue clave en la nueva mirada artística
posimpresionista. Los posimpresionistas representaban en sus obras los nuevos
avances industriales, como el ferrocarril (Lluvia, vapor y velocidad, William Turner,
1844) o la electricidad en las calles (Terraza de café por la noche, Vincent Van Gogh,
1888). Además, la industria tecnológica iba a abrir las puertas al mundo del cine y
la fotografía, cuyas estéticas tuvieron un impacto tal en las artes pictóricas, y el arte
posimpresionista fue testigo de ello.
¿Qué propone el postimpresionismo?
En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas
clásicas, los colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales
 del 1800. Las barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a una
cultura inclusión e igualdad que hasta hoy perdura.

Características del postimpresionismo

• La subjetividad priva sobre la verosimilitud
• Color con fines expresivos: El uso de los colores en el postimpresionismo no se
corresponde con la naturaleza sino con las intenciones expresivas de los pintores.
Así mismo, con frecuencia estos colores se usan puros sobre grandes superficies, lo
cual anula la profundidad espacial. Así, los colores son símbolos de un lenguaje
particular de cada artista, y deben ser interpretados en contexto.
• Exploración de nuevas técnicas plásticas: El postimpresionismo dio paso a la
indagación en los lenguajes plásticos y técnicas pictóricas. Entre algunas de estas
técnicas y recursos se pueden contar:
El puntillismo, que compone formas mediante la aplicación de millares de puntos
uno al lado del otro.
Tendencia a la geometrización de las formas mediante su reducción a elementos
básicos.
Contornos gruesos bien delineados.
Zonas de color plano, sin preocupación por el volumen de las figuras.
Supresión de la profundidad espacial en la mayoría de los casos.
Uso de pinceladas gruesas y manchas.

• Interés por lo exótico: Al igual que el impresionismo, el postimpresionismo

mantuvo el interés en el arte exótico. Solo que, además del arte japonés, los artistas
se interesaron en el arte antiguo de culturas no occidentales —como la egipcia—,
en el arte popular y en el arte primitivo.
Las obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van
Gogh se caracterizaron por un uso expresivo del color y una
mayor libertad formal.
Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad
comunicadora del arte popular, se centró en la representación
a base de superficies planas y decorativas y la utilización de
numerosos significados simbólicos, como se aprecia en la Visión tras el
sermón, Paul Gauguin
obra. Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).
Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación
subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York),
precedió el expresionismo.
Artistas posimpresionistas

• Paul Gauguin (fovismo, simbolismo)

El cristo amarillo

• Paul Signac (puntillismo)

Mujeres en el pozo

• Vincent van Gogh (puntillismo, expresionismo y abstraccionismo)

La noche estrellada
2.4 Conceptualización del espacio arquitectónico y el desarrollo
tecnológico.
La conceptualización del espacio arquitectónico no ha sido única, por el contrario,
fue un proceso cambiante dependiendo de las distintas culturas de la historia
generando así diversas corrientes arquitectónicas. Según Sigfried Giedion existen
tres etapas de conceptualización del espacio arquitectónico: la primera que
empieza con los imperios antiguos hasta el imperio griego. La segunda etapa
comprende desde el imperio romano hasta mediados del siglo XX, y la tercera etapa
se identifica con las conceptualizaciones modernas de arquitectos como Le
Corbusier, Frank Lloyd Wright y Mies Van der Rohe. Aunque es muy posible que
exista una cuarta etapa, en la época actual con arquitectos como Frank Gehry, Rem
Koolhas, Kart Chu y Marcos Novak entre otros, que apoyados en la informática
conciben nuevos espacios arquitectónicos.
La mayor parte de la población vive en
ciudades, por tanto, uno de los objetivos
principales va a ser la planificación de estas,
naciendo más proyectos urbanísticos como los
de Tony Garnier quien no descarta la posibilidad
de que la ciudad industrial sea un espacio
fundamentado en él orden a lo largo del siglo
XX fueron muchos los cambios que se realizaron
en el campo de la arquitectura, muchos de ellos
originados por el tipo de sociedad derivado de
la segunda revolución industrial.

La arquitectura del siglo XX busca ante todo dar solución a los nuevos problemas
planteados por los nuevos tiempos. Pasa por nuevos planteamientos estéticos que
no dependen en nada del pasado: desaparecen columnas, entablamentos, arcos
ciegos; en su lugar estar los volúmenes dibujados por los nuevos materiales y
determinados por las nuevas necesidades.

RACIONALISMO Corriente arquitectónica del siglo XX (también conocida con el

nombre de Funcionalismo) que se apoya en la frase atribuida a Sullivan de que las
formas siguen a la función, Por lo tanto, la función de un edificio condiciona la
estructura de este, y consecuentemente sus formas Las bases de la corriente
racionalista ser:
 • La arquitectura tiene un fin practico (funcional)lo que queda patente en la
frase de Le Corbusier de que la casa es una máquina para habitar.
• La forma curva se haya excepcional, ya que aumenta el coste de las
construcciones (el ahorro es importante), por lo que predominan las formas
ortogonales El uso de volúmenes simples (cubo, cilindro, cono y esfera).
• Es una arquitectura desornamentada Sé desarrollan amplias superficies
acristaladas, gracias al traslado de los soportes al interior, mediante
estructuras de hormigón en columnas que marcan la verticalidad del
conjunto.
Esta arquitectura tiene en el alemán a WALTER GROPIUS (1882-1969) a su
progenitor, que crea la Escuela de Arquitectura y Diseño (La Bauhaus) en 1919 en
Weimar (Alemania). Obras destacadas de Walter
Gropius son la FBRICA FAGUS y el EDIFICIO DE LA
BAUHAUS.

WALTER GROPIUS (Berlín, 1883 - Boston, 1969)

Arquitecto alemán, fundador y director de la Bauhaus de
1919 a 1928, figura clave en la renovación
arquitectónica del siglo XX.
El racionalismo tiene su mejor representante en el suizo
Edward Jeanneret, conocido como LE CORBUSIER. El
carácter utilitario de sus edificaciones se manifiesta en
su obra LA UNIDAD DE HABITACION, en la ciudad de
Marsella. Los principios que determinan la arquitectura contemporánea son los
definidos por el arquitecto en Los cinco puntos para una nueva arquitectura

Desarrollo tecnológico
los avances tecnológicos y empresariales continuaron una dirección convergente.
De tal forma que un cambio generaba otro cambio. En este sentido cabe mencionar
otra de las características de la primera revolución industrial, la cual se basa en el
principio de que, una vez iniciado el proceso, éste se prolonga indefinidamente. El
“despegue” conduce al “desarrollo que se sostiene a sí mismo”. Ya que, un
producto nuevo crea la demanda de otros. Una invención da origen a la siguiente y
la misma invención se convierte en un hábito. Esa dinámica se aprecia con claridad
en las mejoras tecnológicas y su dependencia de los avances en otras actividades
afines.
A principios de 1870 surge la nueva industria del metal para satisfacer la creación
masiva de trenes y ferrocarriles necesarios para el transporte. Crece la industria
química, de creación y distribución de bienes petroleros. La industria eléctrica
también se encontraba en
desarrollo y a inicios del siglo XX, el
surgimiento de la industria
automotriz complementó la
segunda revolución Industrial
Los avances tecnológicos en esa
época incluyeron nuevos sistemas
de transporte, como aviones
fabricados por los hermanos Wright
(utilizados en la Primera Guerra
Mundial), automóviles,
ferrocarriles eléctricos y barcos propulsados por calderas. En cuanto a las
comunicaciones, Samuel Morse creó el telégrafo, Alexander Graham Bell creó el
teléfono, y los hermanos Lumiere desarrollaron la cinematografía.

2.4. 1 La Red House y el Arts y Crafts

La Red House, ubicada en Bexleyheath, al sureste de Londres (Inglaterra), es el
lugar donde nació el movimiento Arts & Crafts. Esta casa fue la primera obra
arquitectónica de este movimiento.
La Red House es proyectada por el arquitecto Philip Webb en 1859, por pedido
del artista William Morris, quien fue el principal exponente e inspirador de este
movimiento. El interior de esta vivienda fue decorado con pinturas murales y
vitrales de otro diseñador notable, Edward Burne-Jones.
El Arts & Crafts es el movimiento que surge como rechazo a la estética
producida por la revolución industrial. El arte y la arquitectura de la revolución
industrial era fría y despersonalizada, y se expandía por Europa a principios del
siglo XX. La revolución industrial, la revolución rusa y la 1ª Guerra Mundial
sirvieron para deshumanizar el arte.
William Morris y un grupo de artistas ingleses se anticiparon a esta frialdad y
deshumanización del arte creando este movimiento. Estos empezaron a
popularizar y defender el trabajo artesanal, tejiendo tapices, alfombras con
flores y muebles con maravillosos estampados.

Años después, todo este movimiento serviría como inspiración para el art
nouveau. Las telas liberty, auténticas joyas, también tomarían inspiración
del Arts & Crafts.
En 1887 se utiliza por primera vez el término Arts & Crafts. Fue gracias a la
fundación de la Arts & Crafts Exhibition Society, la cual organizó importantes
exposiciones entre 1888 y 1916. Los artistas, diseñadores y arquitectos de este
movimiento buscaban y defendían el trabajo artesanal.

Entre las ideas más características del Arts & Crafts no solo se encuentran principios
estéticos, sino también filosóficos, éticos y políticos. Algunos de los más destacados
eran:
• El rechazo de la separación entre arte y artesanía; el diseño de los objetos
útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
• El rechazo de los métodos industriales de trabajo que separan al trabajador
de la obra que realiza, fragmentando sus tareas.
 • Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en arquitectura como en las
artes aplicadas.
• Proponen la arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.
• Proponen la agrupación de artesanos en talleres y guildas, siguiendo
el modelo medieval de trabajo colectivo.
• Creen en el trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio, tanto para el
cliente, como para el artista.v

Esta casa encarnaba el pensamiento del movimiento Arts & Crafts. Construida
totalmente en ladrillo, de ahí el nombre de Casa Roja, era un homenaje a la
artesanía y un refugio rural. Este fue el hogar de William, Janey Morris y su
familia. La rodeaban jardines y huertos, y era una muestra de lo que Morris
anhelaba: transformar el mundo en belleza.

LA ESCUELA DE GLASGOW
Arquitecto
Charles Rennie Mackintosh

Diseñado en
1897, 1907

Año de Construcción
1899, 1909

Pisos
3

Ubicación
Se Glasgow, Escocia, Reino Unido
trata de una de las primeras escuelas promovidas
por el gobierno y enfocadas a la creatividad y el diseño para apoyar la industria del
país. En 1896 se lanzó un concurso de arquitectura enfocado al proyecto de la
nueva escuela que tendría su emplazamiento en un solar, situado en la calle
Renfrew, cedido a las autoridades de ésta por los administradores de Bellahouston.
Así empezó la ampliación de la Escuela de Arte de Glasgow y Academia Haldane,
como era conocida la institución desde 1853.
Concepto
Dado que este edificio alberga una
escuela de arte, uno de los requisitos
principales del proyecto es el
acondicionamiento lumínico de los
espacios interiores. Para ello se crean
numerosas aberturas, tanto en fachada
como en cubierta, del mayor tamaño
posible para maximizar la entrada de
luz natural. También por este motivo se
ubican las aulas principales de la
escuela en la planta superior, mientras que los espacios que no necesitan tanta
iluminación son relegados a las plantas inferiores. La sección del edificio se
convierte en un punto destacado ya que muestra la configuración de estas aulas y
como las superiores se retiran para dar cabida a lucernarios que iluminan los
espacios situados justo debajo.
Espacios
Está compuesto por tres plantas y
dos sótanos. De planta rectangular,
tres de sus lados son fachadas. En
el cuarto lado se insertan dos
patios que aportan luz a la parte
trasera del edificio. En el espacio
comprendido entre estos patios se
encuentra el principal núcleo de
comunicación vertical.
La fachada principal del edificio, de piedra, cuenta con grandes ventanales que
aportan la máxima luz a las aulas. El punto más peculiar de la composición se
encuentra en el centro. En la puerta de entrada vemos un cartel con el nombre de
la escuela y el número de la calle escritos con la tipografía que Mackintosh emplea
habitualmente Sobre la puerta hay el relieve de dos mujeres sosteniendo flores con
una estética muy modernista. El centro de la fachada en su conjunto también
adquiere las líneas curvas y la asimetría propias de éste movimiento. En la
decoración de los grandes ventanales que ocupan la fachada también se pueden
ver más motivos naturales.
El interior del edificio se caracteriza por el uso de la madera, en particular en la
biblioteca. En este espacio todo es de madera, más clara en el parqué y más oscura
en el mobiliario y cubriendo todas las paredes

Planta baja
En el centro de la planta baja se sitúa la
entrada principal, que da a la calle Renfrew.
La distancia que adquiere el edificio respecto
a la calle se aprovecha en este punto central
para colocar el tramo de escaleras de entrada
a la escuela. Una vez dentro nos
encontramos con el vestíbulo, junto al cual
está el espacio para el conserje, y las
escaleras principales en frente. A ambos lados de éstas se encuentran los servicios
de mujeres y de hombres. De igual manera a la planta inferior, ésta también se
organiza a través de un corredor central.

Planta primera

La primera planta alberga la biblioteca, el

espacio más espectacular del edificio, aulas de
pintura al natural, la sala del director, el museo
o sala de exposición, las salas de antigüedades,
salas de diseño y espacios para el profesorado.
Todas las aulas que dan a la fachada principal
cuentan con lucernarios que acondicionan el
espacio y aportan la luz óptima para el dibujo
al natural.
Planta segunda

Entre el primer y el segundo piso hay una entreplanta en la que se encuentran otra
aula de dibujo al natural, también con lucernarios; y el doble espacio de la
biblioteca. En la segunda y última planta se encuentran las aulas de composición,
los estudios del director y de los profesores, el aula de bordados, aseos de hombres
y mujeres, y una galería con Bay Windows

Estructura y Materiales

El edificio Mackinthosh se organiza en dos crujías. La estructura es de muros de

carga, de piedra y ladrillo. Los forjados son de madera y los lucernarios de madera
y cristal. En el interior destacan los acabados en madera oscura, en especial en la
biblioteca

SOULLIVAN Y ADLER, EL NACIMIENTO DEL FUNCIONALISMO

LOUIS HENRY SULLIVAN

Louis H. Sullivan (3 de septiembre 1856-14 de abril de
1924)
Fue un arquitecto estadounidense de la escuela de
chicago (187-1983) Sullivan es considerado realmente el
primer arquitecto moderno de America. Se ocupo de
problemas estructurales relativos a las grandes obras como puentes y viaductos
TEORIA DE SULLIVAN
LA ESTRCTURA, LA COMPOSICION Y LA DECORACION PARTEN DEL
FUNCIONALISMO.
OBRAS:

Louis Sullivan. Auditorio de Chicago,

Louis Sullivan. Guarantee
1887-1889 Auditorium Building
Building, 1894-1895

Dankmar Adler (3 de julio de 1844-16 de abril de 1900)

Nación en Alemania y murió en chicago, Illinois, Adler era un
arquitecto judío y un ingeniero civil. Representante del Art
Nouveau.
Su primer proyecto importante fue el Central Music Hall de
Chicago, en el que por primera vez puso en practica sus
conocimientos de acústica.
Ademas de sus propios logros con edificios y rascacielos.
Louis Sullivan. Schiller Building,
1891-1892

Central Music Hall

Prudential building
Esquina sureste de las calles estados unidos Búfalo, El Wainwright Building
State y Randolph (1879-1900) Nueva York (1895-1896) San Luis (1890-1891)
SULLIVAN Y EDLER
EN 1879, Sullivan entro a formar parte del gabinete de proyectos de dankman
Adler, del cual se convertirá en socio en 1881
Juntos construyeron mas de cien edificios, Edler encargándose del trato con los
clientes de los problemas de estructuras y acústica y Sullivan solamente del diseño
arquitectónico.
Uno de sus primeros trabajos en equipo fue el famoso proyecto para el Auditorium
de chicago (1886-1889). Un enorme edificio que extraordinaria acústica lo convirtió
en una obra modélica.
En 1881 en St Louis (Missouri) otra construcción de diez plantas, el Wainwring
Building
En 1896 concluyo en Buffalo el Guaranty Building en un bloque de oficinas de
locales comerciales enta fue la ultima gran obra antes de separarse en 1895

2. 4.4. Eclecticismo Historicista

El eclecticismo es un estilo arquitectónico de los siglos XIX y XX en el que una sola
obra incorpora una mezcla de elementos de estilos históricos anteriores para crear
algo nuevo y original. En arquitectura e interiorismo, estos elementos pueden
incluir características estructurales, muebles, motivos decorativos, ornamentos
históricos distintivos, motivos culturales tradicionales o estilos de otros países, con
la mezcla elegida generalmente en función de su idoneidad para el proyecto y el
valor estético general.
El eclecticismo llegó a la práctica cuando los arquitectos buscaban un estilo que les
permitiera conservar el precedente histórico anterior, pero creaban diseños
invisibles. De un catálogo completo de estilos pasados, la capacidad de mezclar y
combinar estilos permitió una libertad más expresiva y proporcionó una fuente de
inspiración sin fin. Mientras que otros profesionales del diseño (conocidos como
«revivalists») intentaron imitar meticulosamente los estilos del pasado, el
eclecticismo difería, ya que la principal fuerza motriz era la creación, no la nostalgia
y había un deseo de que los diseños fueran originales.
 Obras:

El Crystal Palace
Este edificio se considera como obra paradigmática, puesto que constituye uno de
los primeros ejemplos en que la estructura constructiva asume plenamente un
valor arquitectónico; porque introduce una nueva tipología arquitectónica, la de
las grandes instalaciones para exposiciones; porque está construido sobre
principios de modulación y repetición. Al mismo tiempo es una obra emblemática,
ya que refleja el lenguaje, el código de la época, simboliza la historicidad de su
tiempo. El edificio se construyó para la Exposición de Londres de 1851. El proyecto
es de Joseph Paxton, que tuvo la idea de recoger toda la exposición en un inmenso
invernadero.

La bolsa de Ámsterdam

La obra que parece concluir el eclecticismo historicista es la Bolsa de Ámsterdam,

construida entre 1898 y 1903, por Hendrik Petrus Berlage. Esta obra resume los
mejores aspectos de todos los fenómenos del eclecticismo historicista: la elección
de un modelo histórico sobre los demás, las razones constructivas, el valor
simbólico representativo. La bolsa de Ámsterdam está entre las más emblemáticas
del siglo XIX. La característica principal de la obra, el muro exterior plano, no es solo
una simplificación estilística, una modernización del románico, sino que debe
considerarse como una intención de hacer más nítida la definición espacial que
tenían ya los elementos y la articulación de los espacios en el románico. La
volumetría interna del edificio se traduce, igual que en las basílicas medievales del
románico, en el perfil de la fachada. La fachada central muestra claramente una
nave central, la sala, y dos naves laterales, las oficinas. Lo moderno del edificio
serían las arcadas metálicas del techo de la sala principal.
2.4.5. Art Nouveau y el Modernismo
El Modernismo es una corriente artística de finales de siglo XIX y principios del XX,
sobre todo en arquitectura y decoración, que busca romper con lo clásico y el arte
convencional con formas curvilíneas y asimétricas e imitación de la naturaleza.

Ha recibido multitud de denominaciones, entre ellas, Art Nouveau o arte nuevo

tiene sus inicios a finales del siglo XIX durante la Belle Époque en Europa,
principalmente en Alemania, inspirado en la era victoriana y en el arte japonés.

Los principales defensores de este movimiento decían que el arte no tiene porque
ser aplicado solo a ilustraciones, sino que tenía que ser encontrado en todos los
aspectos de nuestra vida cotidiana: televisión, muebles, anuncios, paredes,
edificios, calle…
Un estilo de decoración basado en las líneas asimétricas, curvas, arcos aplanados,
adornos exóticos orientales…, con la utilización de elementos naturales como
flores, animales o la figura femenina.
Uno de los aspectos más destacados del movimiento fuese
la ornamentación. Cojines, cortinas, muebles, jardines interiores…, y un sin fin de
elementos de hogar repletos de adornos y estampados que representaban este
estilo.

Alfons Mucha. De izquierda a derecha: Los momentos del día, 1899.

Antonio Gaudí: Detalle de la fachada de la Casa Batló, Barcelona.

Los artistas del art nouveau se inspiraron en las formas de la naturaleza. No se

trataba simplemente de retratar animales o plantas. Los modernistas no imitaban
la naturaleza. La observaban, la estudiaban y usaban sus principios formales para
buscar nuevas ideas. Por ello, estudiaron los tallos, las raíces, las formaciones
rocosas, las osamentas, los caparazones y toda clase de elementos. De allí tomaron
las líneas y formas geométricas que le dieron originalidad y belleza al nuevo estilo.
El arribo de las vanguardias europeas a México en el siglo XIX

Las vanguardias son una serie de movimientos artísticos que se dieron a principios
del siglo XIX, poseen un carácter innovador y son efímeras. El artista hace uso de
su libertad creativa y experimenta con las diferentes técnicas provocando sorpresa
en los espectadores.
Las vanguardias se producen en Europa durante el primer tercio de siglo XIX. Su
propósito es renovar radicalmente el arte y la literatura abriendo nuevos caminos
y creando nuevas formas estéticas e ideológicas. Todo se enmarcaba en una época
abrazada al progreso científico e industrial.
Existen distintos tipos de movimientos de las corrientes vanguardistas, en las que
se encuentran: Cubismo, Futurismo, Expresionismo, Dadaísmo, Surrealismo,
Creacional ismo y Ultraísmo.
Estas vanguardias llegaron a México cuando este se liberó del dominio español,
rompiendo con el orden establecido a fin de exponer la libertad de pensamiento e
innovación artística.
- Los artistas y poetas vanguardistas desbarataron los esquemas anteriores e
imponen una nueva manera de representar el arte.
- En la pintura se hizo uso de colores estrepitosos e imágenes abstractas
-En la literatura se desafiaron las estructuras del verso y la prosa
-Las obras vanguardistas se atrevieron a exponer temas tabúes.
- En el lenguaje se hizo un amplio uso del simbolismo

Características de las vanguardias artísticas en México

Las vanguardias artísticas fueron muy diversas, aunque muchas de ellas

colaboraron entre sí con libertad. Todas compartían características comunes, tales
como la rebeldía, el rupturismo, la libertad de expresión, el interés por temas
actuales y el rechazo de la burguesía.
- Los artistas consideraban que la academia estaba de espaldas a los nuevos
tiempos y la libertad creativa.
- Para los nuevos artistas, el significado en las artes plásticas no estaba regido por
el parecido con la realidad ni con el contenido de la escena.
- Los vanguardistas supieron encontrar una estética valiosa en la fealdad y lo
grotesco.
-Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto contemporáneo,
las preocupaciones del ser humano contemporáneo no aparecían en el
arte académico, así que los vanguardistas le dieron representatividad.

MOVIMIENTOS VANGUARDISTAS EN MÉXICO

La escuela racionalista se basa en los postulados pedagógicos establecidos por

Francisco Ferrer Guardia, anarquista español. En México se difundió la escuela
racionalista, en 1912, con el grupo denominado LUZ. Esta corriente, sustentada en
el trabajo del alumno, tuvo buena recepción en Yucatán, con el gobernador Carrillo
Puerto; en Tabasco con Tomás Garrido Canabal y, en Veracruz con Adalberto
Tejeda.
En general, la cultura mexicana se vio afectado por los cambios económicos y
políticos y se desarrolló un arte en dos etapas, la primera que comprende de 1876
a 1888 represento el auge del nacionalismo y la segunda el arte porfiriano el cual
comenzó en 1888 y finalizo con el gobierno de Díaz, en 1911 y se caracterizó por
una preferencia cultural.
Fovismo o fauvismo (Francia, 1904-1908) Propuso liberar el instinto pictórico por
medio de la exaltación violenta del color. Rechazaba tanto los discursos
racionalistas como el sentimentalismo en el arte. Se empeñaba, más bien, en
buscar la expresión más salvaje del artista, es decir, la menos intervenida por la
civilización.
Obras arquitectónicas vanguardistas
Expresada en trazos sueltos y espontáneos, despreocupación por el modelado del
dibujo y la perspectiva, abandono del trabajo al aire libre y desarrollo de temas
como el paisaje, el retrato y escenas interiores.

Expresionismo
(Alemania, 1905-1930) Tiene sus antecedentes a finales del siglo XIX, cuando se
formaron los grupos Die Brücke (El puente,1905) y Der Blaue Reiter (El jinete azul,
1911). Estos grupos se disolvieron con la Primera Guerra Mundial. Al finalizar esta,
se formó la Nueva Objetividad o NeueSachlichkeit. El movimiento expresionista se
caracterizó por su perspectiva crítica sobre la realidad; la reflexión sobre la esencia
del sujeto contemporáneo y la exaltación de los sentimientos. Gusto por las formas
oblicuas o angulosas, uso expresivo del color y de la perspectiva, aplicación de
técnicas violentas, deformación de las figuras, temas existenciales, como la muerte,
la enfermedad, la locura, la culpa, el temor y angustia, rechazo a la idealización.

Cubismo
(1907-1914) Fue un movimiento de vanguardia nacido en Francia. Se
fundaba en representar las cosas como el cerebro las capta racionalmente, y no
como son percibidas por los sentidos. Por ello, el cubismo analiza, descompone y
sintetiza las figuras hasta los límites de la geometrización, superposición de
diferentes planos en uno solo, técnicas no pictóricas en el lienzo, como el collage.
Preferencia por el bodegón y la figura humana como objetos de análisis cubista.
Cubismo primitivo (1907-1909) Reducía las formas a sus volúmenes esenciales.
Cubismo analítico (1910-1912). Descomponía los volúmenes en planos
superpuestos y se desinteresó por el color.
Cubismo sintético (1913- 1914). Retomó el color y trabajó texturas por medio del
collage.
Modernismo
Es un movimiento que aporta importantes luces a la historia de la estética
mexicana y a los modos de construcción De aquí la necesidad de revalorar este
periodo a partir de algunas de sus figuras más prominentes. Ello permite constatar
que el periodo revolucionario no representa necesariamente, ni mucho menos
como se ha pretendido, una ruptura en la construcción de una narrativa y de una
identidad nacional con respecto al periodo inmediato anterior. Temas como el
indigenismo, el mestizaje y la idea misma de nación se construyen más
acentuadamente desde las postrimerías del porfiriato. El modernismo es
también una corriente original y peculiar puesto que su relación a la imagen es
menos sacralizada y más libre que en los periodos anteriores y posteriores. Esto le
permite adquirir, en particular en pintores como Julio Ruelas y Saturnino Herrán,
dos rasgos poco frecuentes: en primer lugar, una gran apertura y recepción del arte
internacional y su diversidad de estilos; y, en segundo lugar, un diálogo
igualmente desacralizado y desideologizado entre las diversas artes y épocas.
La vanguardia y el vanguardismo artístico constituyeron un fenómeno internacional
que se manifestó en el orden estético y social. El cuestionamiento crítico y las
condiciones históricas en las cuales se desenvuelve la vanguardia, desbordan
el cauce declarativo y su intencionalidad primera respaldada por la intención de
"cambiar el mundo, cambiar al hombre".
La vanguardia latinoamericana no es un epifenómeno de la europea y menos una
excentricidad por imitación. Por el contrario, es una respuesta anticipada al vacío
dejado por la inoperancia del positivismo y la ilusión liberadora del capitalismo en
la región.

Obras arquitectónicas vanguardistas

La escena mexicana siempre ha sido foco de atención, el hogar de numerosas
vanguardias. Durante la época de Porfirio Díaz se genera una ventana hacia el primer
mundo y lo hermoso se convierte en firmamento para las mentes de la escena.
 Palacio de bellas artes

Se caracterizó por la creación de objetos que generaban una utilidad práctica y un

estímulo estético a los sentidos. Su inspiración surge a partir de los colores de la
naturaleza, las curvas y la belleza.
Estilos arquitectónicos: Art déco, Arquitectura neoclásica, Arquitectura del Modernismo
Arquitectos: Adamo Boari, Federico Ernesto Mariscal Piña
Inicio de la construcción: 1 de octubre de 1904
Inauguración: 29 de noviembre de 1934
Función: Centro cultural, Teatro de ópera
Altura: 44 m
Monumento a la revolución

El Monumento a la Revolución es una obra arquitectónica y un mausoleo dedicado a la

conmemoración de la Revolución mexicana.
Arquitectos: Carlos Obregón Santacilia, Émile Bénard
Estilos arquitectónicos: Art déco, Arquitectura neoclásica, Arquitectura del Modernismo
Altura: 67 m
Inauguración: 1938
 Baile en Tehuantepec

Diego Rivera. Baile en Tehuantepec, 1928. Óleo sobre tela. 199 x 162 cm
"Quería que mis pinturas reflejaran la vida social de México como yo lo veo, y que a través
de ese reflejo de lo auténtico se le enseñara a las masas las oportunidades para el futuro",
dijo en vida Diego Rivera.

Principales artistas vanguardistas en Mexico

El arte mexicano de la primera mitad del siglo XX es reconocido principalmente por sus
contribuciones en torno a la pintura monumental, el muralismo impulsado por el triunfo
de la Revolución que promovió un proyecto de construcción de la nación moderna.

Miguel Covarrubias, Saturnino Herrán, María Izquierdo, Frida Kahlo, Agustín Lazo, Diego
Rivera, José Clemente Orozco, Antonio Ruiz, David Alfaro Siqueiros, Remedios Varo y
Ángel Zárraga, entre otros, muchos de los cuales se exhiben por primera vez en nuestro
país en una exposición sin precedentes.