Tema 1 2 El Modelo y La Imagen La Naturaleza Como Inspiracion
Tema 1 2 El Modelo y La Imagen La Naturaleza Como Inspiracion
Tema 1 2 El Modelo y La Imagen La Naturaleza Como Inspiracion
Mira esta imagen del pintor Piet Mondrian. Ha tomado como modelo un motivo natural, un manzano en
flor. La interpretación que hace el artista no es realista, más bien geometriza y sintetiza las formas
después de observar la naturaleza. Queremos subrayarte que estudiar la naturaleza, tenerla como
modelo, no tiene por qué originar un resultado realista.
Se dice que una obra artística es de carácter naturalista cuando, de algún modo, está inspirada en la
naturaleza. En ocasiones es muy evidente, pero en otras no tanto.
Observar y estudiar la naturaleza es una actitud que el hombre, desde los tiempos más remostos, ha
tenido. Su representación gráfica se da desde esos tiempos tan lejanos, cuando el hombre del paleolítico
representaba en sus cuevas motivos naturales como bisontes o caballos.
Podemos encontrar dibujos y pinturas inspiradas en la naturaleza con aspectos muy distintos: realistas,
hiperrealistas, abstractos, expresionistas, surrealistas, geométricos, conceptuales, etc.
Fíjate en estas obras, en todo los casos se han tenido como modelo un caballo, pero las intenciones de
los artistas, que son muy distintas, determinan el aspecto de cada resultado.
• El caballo rupestre es muy naturalista, sensitivo y gestual; seguramente tendría una intención
propiciatoria o mágica.
• El caballo egipcio es muy descriptivo y racional, se sintetizan sus formas y se idealiza.
• Leonardo da Vinci hace un estudio muy realista de la anatomía del caballo, estudia sus formas,
sus músculos.
• Franz Marc expresa sus emociones y sentimientos a través del gesto, color y formas.
Los modelos naturales pueden ser muy distintos: paisajes, animales, plantas o la figura humana; y que
pueden aparecer solos o conviviendo con otros elementos naturales o no.
1. Sentir la naturaleza
Se puede decir que las primeras pinturas y dibujos que conocemos forman parte de la naturaleza misma.
Están hechos con materiales naturales y en soportes naturales. Esta es una manera muy sensitiva de
plasmar la naturaleza. Desde entonces, captar una sensación que proviene de la naturaleza ha sido en
gran parte causa de muchos artistas; cada artista y cada época han buscado la manera de hacerlo de un
modo diferente.
En la foto de abajo vemos unos bisontes de la cueva de Altamira. A veces las formas de estos animales
se adaptan a los salientes y relieves de las rocas integrándose en la piedra; sus delicadas líneas y el
tratamiento sugerido de ciertas texturas en el pelaje, demuestran una sensibilidad particular para
representar algo muy apreciado. Si te das cuenta no hay líneas rectas, ni horizontales ni verticales, ni si
quiera existe la idea o concepto de gravedad o un orden racional para el espacio. Es sin duda el reflejo
de la naturaleza sentida del modo más directo posible.
Arte egipcio
Lic. CC. en Wikimedia de Karl Richard Lepsius Lic. CC. en Wikimedia. Dominio público
Del mundo Clásico, de la antigua Grecia y Roma no nos quedan muchos dibujos y pinturas, casi todo
se han perdido, muchas obras de arte no han soportado el paso del tiempo y las conocemos gracias a
copias o a reconstrucciones, sobre todo de obras arquitectónicas y escultóricas. Podemos ver algunos
dibujos en la cerámica. Muchas de estas piezas servían como trofeo a vencedores en distintos eventos.
El arte clásico se caracteriza por idealizar la figura humana, inventaron una naturaleza idealizada en
su plenitud de perfección y belleza
Al final del Gótico, se va recuperando el interés por representar la naturaleza con detalle, tendiendo
cada vez más al realismo. A Van Eyck se le atribuye la invención del óleo. Debido a su interés por
representar los detalles a la perfección, investigó y desarrolló esta técnica que tanto sería utilizada
después.
Leonardo da Vinci aportó un nuevo efecto, el esfumado, con el que conseguía borrosidades que
contrastaban con las partes nítidas, logrando así alejar las partes borrosas frente a las definidas,
consiguiendo también con este nuevo recurso potenciar la ilusión de profundidad. Puedes ver en la foto
de detalle, como el pelo se funde con la cara o con la frente, no hay límites claros; las cejas no tienen
tampoco un contorno definido, al igual que los cabellos que caen, que se presentan fundidos unos con
otros. Leonardo centra el interés en los ojos, donde se define con un corte muy claro, duro y de un modo
muy definido; también existe este corte y definición en el contorno de la cabeza, lo que hace que el
paisaje se aleje vertiginosamente y salga la figura muy hacia adelante.
Como puedes ver en esta obra, el paisaje es algo secundario que actúa de fondo, mientras la figura
humana tiene todo el protagonismo.
En el Barroco suceden algunos nuevos acontecimientos en el fenómeno artístico, uno de ellos era la
existencia de numerosos artistas que se dedican al mundo del arte creando una mayor competencia, ello
hace surgir a especialistas en determinados temas, como las batallas navales, retratos, paisajes, etc.
Además, los artistas se ven obligados a buscar compradores y acumulan cuadros en sus estudios
(anteriormente el sistema se basaba en los encargos).
Lic. CC. En Wikimedia. Dominio público Lic. CC. En Wikimedia. Dominio público
1.2. Observando la naturaleza
Después del Barroco, siguió el periodo Neoclásico, donde se vuelve al gusto por lo clásico y racional
del mundo Antiguo griego, romano y el cientifismo del Renacimiento. Más tarde, los rebeldes artistas
románticos son contrarios a estas ideas, ya no vale adoptar una serie de efectos luminosos y cromáticos
que garantizan una correcta ejecución del cuadro, y pretenden una visión más salvaje, más espiritual,
más individual y más natural del mundo, apelando a las emociones y sentimientos de la persona.
La naturaleza en estado salvaje reflejaba sus pensamientos. Es entonces cuando el paisaje alcanza su
total independencia como género artístico.
Eugène Delacroix fue un rebelde incondicional. Como artista, todas las representaciones tradicionales
seguidoras del mundo clásico griego y romano le parecían pura teatralidad, no eran sino un lastre para el
mundo del arte. La perfección en el dibujo, la corrección de las formas, el estudio del claroscuro, etc. le
parecían siempre adoptadas como puros convencionalismos. Para él era más importante la creación
imaginativa y el color que la línea y la racionalidad
.Puedes ver en las obras de abajo, como los románticos no presentan siempre la naturaleza con su cara
amable y procuran emocionar en sus creaciones. En las fotografías puedes ver una naturaleza brava y en
movimiento, donde los contornos no se definen claramente como en la pintura tradicional. Las obras de
Turner recuerdan ya a las futuras obras impresionistas.
William Turner. El Barco de esclavos. 1840 William Turner. Velocidad, vapor y lluvia. 1844
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Durante el Realismo no se persigue la belleza, la emoción o el sentimiento; durante el realismo se
persigue una verdad cercana y cotidiana; así se capta la naturaleza. De esta visión realista son muy
ilustrativas estas dos imágenes de abajo. La obra de Courbet (a la derecha) es de un realismo de lo más
cotidiano, en el que no hay la elección de un tema noble o teatral. En este sentido, se abriría un nuevo
camino a otros artistas que también serían fiel a su manera de ver las cosas sin importarles los
convencionalismos y el que dirán; podemos decir que además de naturalismo, presenciamos
"naturalidad".
Camille Corot. Le pont de Mantes. 1870 Gustave Courbet. "Buenos días señor Courbet". 1884
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Piensa que la fotografía nació en 1826, y que la manera de captar la realidad en una foto influiría en
muchos artistas.
Al igual que Courbet, Manet es otro pintor que rompe con lo tradicional. En su "Almuerzo en la
hierba" muestra una escena campestre, el Sena de fondo y una mujer desnuda delante de hombres
vestidos. La figura desnuda no es la representación de un personaje mitológico, ni encarna un valor
noble, es eso, una mujer de entre tantas; por otro lado, La cesta de fruta aparece sin ningún orden
premeditado, o convencionalismo. Todo apunta a una escena demasiado vulgar para los defensores del
arte tradicional; de hecho su exposición en 1863 supuso un gran escándalo.
Fíjate en los dos retratos de las fotografías, La famosa Gioconda de Leonardo da Vinci y el retrato de la
señora Manet. Frente al modelado clásico de luces y sombras y los efectos de color, Manet busca el
comportamiento de la luz estudiada como un fenómeno físico natural y no como un efecto o truco. La
luz incide en las figuras, no necesariamente creando estudiadas y ordenadas zonas graduadas de luz y
sombra; sino que puede originar zonas planas, coloreadas con manchas, produciendo, como puedes ver,
una sensación más real. Cada figura no necesita unos bordes y un modelado, ahora se aprecia una
impresión general, más parecida a la sensación óptica obtenida a través de la visión.
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Los impresionistas originan una verdadera revolución frente al modo de observar y plasmar la
naturaleza. Te dejamos este interesante vídeo para que comprendas las intenciones creativas de los
impresionistas, los artistas que cambiarían el arte para siempre.
https://www.youtube.com/watch?v=53Z4FhfL49A
2. Aprendiendo de la naturaleza
Durante el curso pasado vimos la importancia de los elementos del lenguaje visual: La forma, la luz, el
color, la textura, el tamaño, la proporción, la posición, el ritmo, el peso visual, el punto, la línea, el
plano, el volumen..., todo aquello que vemos y nos llega a través de las imágenes.
El misterio de la vida, de la presencia y la existencia como algo único es algo que aporta la naturaleza.
Parece un poco raro, pero si lo piensas, la naturaleza no es solo un registro de luces, formas y colores,
hay algo más misterioso donde los artistas pretenden llegar. Cuando estás aprendiendo a dibujar te
conformas con poner cada color, cada línea en el sitio correcto, pero tarde o temprano te darás cuenta de
que cada obra ha de tener su propia "alma". Te habrá pasado que después de realizar un dibujo te dices:
no me convence, no me gusta, a pesar de que he puesto todo correcto, cada cosa en su sitio. Y ahí viene
lo difícil, cuando tenemos que dibujar o pintar lo que no se ve pero que está.
Nuestros cinco sentidos nos permiten percibir el entorno, los artistas pretenden ir más allá, y quieren que
sus obras sean algo más que una mera reproducción de formas y colores; pretenden plasmar
sensaciones, emociones, y dotar de vida propia a su obra, convirtiéndola en una realidad en sí misma.
Paisajes, retratos, figuras humanas, animales y temas vegetales han sido motivos de inspiración
constantemente. Muchos de los modelos que fueron fuente de inspiración ya no existen, no sabemos
como eran, pero sí vemos y sentimos que los dibujados y pintados poseen entidad propia como realidad.
Mira estos ejemplos:
En tu proceso de aprendizaje, la correcta utilización de los elementos del lenguaje visual dará paso a una
segunda fase donde la creación de obras personales "dirán y expresarán" con un carácter propio y un
estilo personal.
Actividad de Lectura
"El diálogo con la naturaleza sigue siendo para el artista una condición sine qua non. El artista es un
hombre y como tal, naturaleza y una parte de naturaleza en el espacio de la naturaleza.
... El estudioso acredita su vivencia, transformada en trabajo y experimentada en los diferentes caminos,
sobre el grado que ha alcanzado su diálogo con los objetos naturales. Su crecimiento en la
contemplación y observación de la naturaleza cuanto más penetre hacia arriba en la concepción del
mundo tanto más le capacitará para una configuración libre de formas abstractas que logran una nueva
naturalidad, la naturalidad de la obra por encima de lo deseado y esquemático. De esta manera, crea una
palabra o participa en la creación de obras que son semejantes a las obras de Dios".
Texto extraído de: Paul Klee. Caminos del estudio de la naturaleza (1923). En Staatliches Bauhaus
Weimar 1919-1923.
El impresionismo abre una puerta multidireccional en los caminos del arte. Después del impresionismo
surge una serie de artistas que darán un aspecto más personal a sus obras, son los Post-impresionistas,
que sirviéndose de la naturaleza realizan sus creaciones, y serán precedentes de las llamadas
Vanguardias del siglo XX:
Los post-impresionistas
A menudo, las obras impresionistas mezclaban los colores sobre el mismo lienzo. Buscaban producir el
efecto más veraz al ojo humano. Los puntillistas, influidos por los impresionistas, deciden aplicar en
sus obras nuevos conocimientos de carácter científico en el campo de la óptica y el color:
Seurat (1859-1891) utilizó una técnica muy metódica para captar la naturaleza de un modo más
luminoso según estas teorías.
Seurat. Estudio de un bañista. lápiz sobre papel Puedes ver el bañista a la derecha. Seurat. "Los bañistas de Asnières"
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"yo progreso muy lentamente, debido a que la naturaleza se me revela en formas muy complejas, y el
progreso que se necesita es incesante. Uno debe ver el modelo de una cosa correctamente y
experimentarlo en el camino correcto, y además de esto, expresarse a sí mismo enérgicamente y con
distinción". (carta a E. Bernard, Aix, 12 de mayo de 1904)
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Gauguin (1848-1903) rompió con todo en un acto de rebeldía para dedicarse a la pintura lejos de la
civilización occidental, buscando un reencuentro con lo primitivo y con la naturaleza. Quería hacer un
arte sencillo y para ello necesitaba estar en contacto con lo natural. Fue un precursor para los fauves,
expresionistas y modernistas.
Puedes ver que aunque las formas son naturalistas, los colores no lo son; son colores utilizados
arbitrariamente para producir determinadas sensaciones.
• "El arte primitivo parte del espíritu y se sirve de la naturaleza. El así llamado arte refinado
parte de las impresiones sensoriales y sirve a la naturaleza".
• "El artista tiene derecho a deformar, cuando sus deformaciones son expresivas y bellas. La
naturaleza le ha sido dada para que él le imprima su propia alma, es decir, para que nos revele
el sentido que ha descubierto en ella..."
• "He observado que el juego de los tonos de luz y de sombra no representa en modo alguno el
equivalente de ninguna luz, y así se esfuma la riqueza de la armonía. ¿Cuál sería, entonces, ese
equivalente? El color puro: a él hay que sacrificarlo todo. El color, como tal, es enigmático en
las sensaciones que despierta en nosotros".
Van Gogh. Retrato de Ferdinand Gachet V. Gogh. Retrato del Dr. Gachet V. Gog. Paisaje con olivos
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Los simbolistas también se enmarcan como artistas post-impresionistas. Influidos por Gauguin, dan a
sus obras un sentido más espiritualista, en su afán por alejarse del entorno creado por una sociedad
deshumanizada por la revolución industrial. El simbolismo tiene sus raíces en el romanticismo, y
pretende evadir una realidad material, insoportable y monótona a través de los sueños, la sugestión, el
misterio y el simbolismo. Fueron precedente de los modernistas y surrealistas.
Holdler. La noche
Lic. CC. En Wikimedia. Dominio público Lic. CC. En Wikimedia. Dominio público
https://www.youtube.com/watch?v=u-HB0dJ3eXw
2.2. Interpretando la naturaleza
El post-impresionismo lanza en varias direcciones y tendencias el mundo del arte. Los movimientos
artísticos que suceden serán las primeras y segundas vanguardias, con las que hoy en día estamos más o
menos familiarizados, pero, cada paso nuevo que se dio, ocasionó un revulsivo artístico, ya que la
mayoría no son obras nacidas de la imitación, sino más bien del concepto. Por ello se abandona un poco
la temática del paisaje, pero no se deja de recurrir a los orígenes del hombre y a la reivindicación más o
menos conceptualizada de lo natural.
El cubismo
Ya viste como Gauguin huía de la civilización europea para reencontrarse con la naturaleza en un lugar
remoto. Muchos artistas van en busca de lo primitivo y lo tribal como fuente de inspiración natural
para realizar sus obras. Es una manera de rebelarse contra lo establecido de un modo convencional en la
agitada y deshumanizada vida del siglo XX.
Si te fijas bien, Picasso recurre a la estética de lo africano, lo puedes ver en los rostros de las señoritas
de Avignon. Recuerda que justamente en esta época los viajeros ponen de moda las colecciones y
exposiciones de culturas lejanas a Europa, como las africanas y oceánicas.
Es un movimiento artístico que tiene como precedente a los impresionistas. Busca a través de la forma y
el color expresar emociones y sentimientos escondidos que residen en la naturaleza. Este texto de Franz
Marc es muy significativo:
"¿Quiénes se consideran más próximos al corazón de la naturaleza, los impresionistas o los jóvenes de
hoy? No existe medida alguna con la que se pueda medir esto; no obstante, es posible constatar que
nosotros en nuestros cuadros creemos acercarnos al corazón de la naturaleza, por lo menos, tanto
como Manet cuando, a través de la reproducción refinada de la forma y del color externo del melocotón
o de la rosa, intentaba desvelar su aroma y sentir su secreto interior.
En la actualidad bajo el velo de las apariencias buscamos cosas ocultas en la naturaleza que nos
parecen más importantes que los descubrimientos de los impresionistas y sobre las cuales pasaron
fugazmente".
Los expresionistas del llamado Die Brücke (El Puente) realizaron excelentes trabajos gráficos donde la
fuerza de unas líneas muy energéticas y sencillas, y los contrastes entre el blanco y el negro originaban
un fuerte resultado expresivo:
"Todo se mueve; todo corre; todo se torna veloz. Una figura nunca está inmóvil ante nosotros, sino que
aparece y desaparece incesantemente. Por culpa de la permanencia de la imagen en la retina, las cosas
en movimiento se multiplican, se deforman, sucediéndose, como si de vibraciones se tratara, en el
espacio que recorren. Así un caballo a la carrera no tiene cuatro, sino veinte patas, y sus movimientos
son triangulares.
En el arte todo es convención, y las verdades de ayer son hoy, para nosotros, puras mentiras".
La pintura futurista. Manifiesto técnico (1910). (En Archivi del Futurismo, págs.65-67)
El Dadaísmo
El Neoplasticismo
Es otro movimiento artístico de las primeras vanguardias, surgido sobre 1920, que tomaba como
referencia la abstracción pura y racional. En este sentido, es antinaturalista, pero aun siendo así, algunas
obras guardando este carácter mencionado, eligen una temática naturalista como el árbol que ya conoces
de Piet Mondrian. El Neoplasticismo sería precedente del Minimalismo.
Lic. CC.En Flickr de ART 314 Lic. CC.En Flickr de ART 315
El Surrealismo
Es también un movimiento artístico enmarcado en las primeras vanguardias, que surge entre la Primera
y Segunda Guerras Mundiales. Su inspiración está en el mundo interior de la persona, en su psique, y en
los sueños. Algunos Artistas como Miró inventan todo un lenguaje plástico personal, que en muchos
casos alude a la naturaleza: pájaros, perros, nubes, lunas, soles, estrellas, etc.
Salvador Dalí realiza pinturas y dibujos naturalistas con figuras, objetos y paisajes que combina para
conformar su obra surrealista:
Tras la Segunda Guerra mundial, en 1945, el nuevo centro artístico ya no será París, la capital del arte se
traslada a Nueva York, donde además surge una nueva generación de artistas americanos que junto a los
artistas veteranos huidos de Europa intervendrían en el arte de estas nuevas vanguardias. En este periodo
se producen variadas tendencias artísticas, pero debido al carácter conceptual de estos tiempos, no hay
especial interés en tomar los motivos naturales como temática, y de hecho, aunque se trabaja a veces
con la figura humana, es poco usual la temática de la naturaleza y el paisaje.
En este apartado solo veremos algunas de estas tendencias, donde por algún motivo, la naturaleza se
hace presente de alguna manera significativa.
El expresionismo Abstracto
También denominado Action Painting, es la primera vanguardia que surge en América. Se vería influida
por las primeras vanguardias europeas, sobre todo por el surrealismo.
Mira este cuadro de Jackson Pollock. El interés por investigar y jugar con la pintura como pura
materia, la búsqueda de la simplicidad y espontaneidad de un modo expresivo nos hace recordar los
dibujos de la infancia como los garabatos, y podemos ver un deseo de volver a los orígenes del hombre,
a un estado más natural e inocente (recordemos que era un periodo de posguerra). Ya Gauguin huyó del
complejo mundo de la sociedad burguesa, y Van Gogh buscó mediante la expresividad de las formas la
emoción más humana. Jackson Pollock lleva todo esto al extremo.
https://www.youtube.com/watch?v=JZ3glUYHa3Q
Mira esta aplicación on line, puede que ya la conozcas, simula la técnica del dripping de Jackson
Pollock. http://www.jacksonpollock.org/
Willem de Koonig fue otro expresionista abstracto, sus obras poseen una gran energía:
El informalismo europeo fue una tendencia que surge en Europa de forma paralela al expresionismo
abstracto americano después de la Segunda Guerra Mundial. Se caracteriza por su sentido existencialista
y su expresión por medio de la materia y el gesto. Suelen ser obras realizadas rápidamente y con
violencia. En muchas ocasiones materiales extraídos de la naturaleza como la madera, arena, fibras
vegetales, etc. se convierten en los materiales plásticos que conforma la obra. En esta tendencia
encontramos autores españoles como Tapies o Saura.
https://www.youtube.com/watch?v=394JTnmHC84
En esta presentación puedes ver más artistas y obras pertenecientes al expresionismo abstracto y al
informalismo europeo:
http://www.slideshare.net/acevedolui/expresionismo-abstracto-e-informalismo
Durante la misma época que se expande el Pop Art, surge el Nuevo Realismo; Se trata de nuevas
tendencias que rechazan el expresionismo abstracto y recurren a una nueva manera de percibir lo real.
Yves Klein emplea en algunas de sus obras el cuerpo humano a modo de pincel, dejando su huella e
impronta en el lienzo.
La tendencia Hiperrealista pretende representar la realidad con todo detalle, de un modo literal, en la
mayoría de los casos de un modo frio e impersonal. En ocasiones, el motivo representado puede ser
natural, como paisajes, animales, plantas, o la figura humana.
No todos los estudios son iguales, cada uno se adapta a las necesidades del artista en la medida que es
posible. Si pudiésemos visitar una veintena de estudios del presente y del pasado quedaríamos
asombrados
El estudio ofrece comodidad al artista, allí disponemos de todos los materiales a mano, nadie nos
molesta, y podemos establecer unas condiciones del entorno poco cambiantes; podemos usar máquinas,
o recursos tecnológicos que precisen de alguna fuente de energía o instalación. Por el contrario, pintar al
aire libre supone enfrentarse con un entorno cambiante, sobre todo en lo que se refiere a la luz, además
existen las incomodidades ocasionadas por la climatología y la intemperie; la utilización de máquinas o
artefactos se vería muy limitada.
Los artistas viajeros, allá por la edad media, hacían bocetos y apuntes de lugares que visitaban y que
despertaban su interés, como los grandes arquitectos de catedrales que viajaban a otros países para
tomar apuntes y realizar dibujos de ingeniosas novedades que venían a aportar grandes cambios, o como
los científicos y botánicos que estudiaban la naturaleza y anotaban sus observaciones, o los mismos
pintores tradicionales que tomaban apuntes del natural para después utilizarlos en sus cuadros (más
tarde, la llegada de la fotografía vendrá a suplir, en muchos casos, a estos cuadernos y apuntes). Has
podido comprobar en este tema, que pintar al aire libre (plein air) es una actitud relativamente reciente
que los impresionistas adoptaron, querían reflejar la naturaleza tal y como es, sin convencionalismos o
efectos que permitieran una idealización de lo que se pinta o dibuja; no se trataba de tomar unos apuntes
o hacer unos bocetos, sino de realizar todo el cuadro, de principio a fin, al aire libre, sintiendo, captando
y percibiendo las sensaciones del ambiente y entorno que se quería plasmar en la obra.
Como has visto en el vídeo de los impresionistas del apartado 2.2. de este tema, salir al aire libre a
pintar supuso toda una revolución. Los impresionistas, a partir de la segunda mitad del siglo XIX,
dieron este gran paso creando maravillosas obras que sirvieron de antesala a las obras contemporáneas.
4. Aula Taller
Cuando admiramos dibujos y pinturas de otros artistas, queremos ser como ellos, ser capaces de realizar
creaciones tan maravillosas. Por otro lado, debemos buscar nuestro propio camino, nuestro estilo y
nuestra manera de sentir y expresar.
En esta ocasión vamos a proponerte tres ejercicios, vamos a imitar el arte de algunos de los artistas que
hemos visto en el tema. Trataremos de ponernos en su lugar y actuar como ellos, buscar su verdad.
Necesitarás tu bloc de dibujo A3, lápices HB y 2B, goma de borrar, lápices de colores y/o acuarelas.
Práctica nº 1
Este ejercicio lo puedes hacer en el estudio o en casa. Fíjate bien en los dibujos de los egipcios. Vamos a
dibujar como si fuésemos los responsables de preparar un dibujo para después llevarlo a un fresco de
una construcción egipcia, teniendo como modelo la naturaleza (un motivo vegetal, como una planta, un
ramo de flores, una maceta, etc. o un motivo animal, si tienes pájaros, o tortugas o un hámster u otro
animal en casa).
Preocúpate solo de captar los detalles y describirlos con precisión. No te preocupes por la perspectiva o
por el volumen.
Práctica nº 2
Este ejercicio lo realizaremos al aire libre, nos preocuparemos de dar a las formas la mayor expresividad
posible, imitando el modo en que lo hacía Van Gogh, con líneas onduladas, deformando las formas que
parecen alcanzar vida propia.
Práctica nº 3
Como Ives Klein vamos a utilizar la naturaleza como pincel. Puedes buscar ramas, hojas, piedras,
plumas, tus manos o tu rostro, o cualquier material procedente de la naturaleza para después dejar sus
huellas en el papel. Procura no cargar el dibujo con demasiadas formas, y que no parezca una
acumulación; cada forma necesita su espacio para "decir".