¿Qué es el ballet?

El ballet (al que también se hace referencia como danza clásica), es una forma de baile
en el que sus movimientos se basan en el control absoluto del cuerpo, por lo que se suele
exigir que los practicantes tomen clases de ballet desde temprana edad (por lo general,
a partir de los 6-7 años).
El ballet clásico o danza clásica es un tipo de baile o danza muy técnico, global, que ha
definido las técnicas fundamentales de muchos otros géneros y estilos de danza. También
se entiende “ballet” por una obra formada por una composición musical, generalmente tipo
orquestal de música clásica, coreografiada y puesta en escena por bailarines de ballet
clásico.
El término “ballet” viene del francés y significa baile coreografiado, fue utilizado por
primera vez por el compositor francés Balthazar del que hablare más adelante. El término
francés viene a su vez del italiano “balletto” diminutivo de “ballo” (baile) tomado del latín
ballo/ballare (bailar) a su vez tomado del griego “ballizo” que significa bailar o saltar.
Origen y historia
El ballet es una danza cuyo orígenes se encuentran en el Renacimiento Italiano,
durante los siglos XV y XVI.
Renacimiento – Italia y Francia
El ballet se originó en el Renacimiento durante una ceremonia en Italia. Se dice que el
ballet fue parte de las bodas aristocráticas, en donde había músicos y bailarines con el fin
de proporcionar un elaborado entretenimiento para ellos. El ballet del Renacimiento es
muy diferente a la forma de entretenimiento teatral conocido por el público
contemporáneo. Los tutus y las zapatillas de ballet aún no eran parte del vestuario de un
bailarín de esos tiempos del renacimiento. Las coreografías se adaptaban a los pasos de
baile de la corte. Los bailarines intérpretes vestían con la moda de la época. Las mujeres
debían ponerse vestidos formales que cubrían sus piernas hasta el tobillo. A principios del
ballet era muy participativo, debido que la audiencia se unía a bailar en el baile final.
Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) ) fue uno de los primeros maestros de baile.
Junto con sus alumnos Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo, fue entrenándose en la
danza, enseñándoles a sus estudiantes la belleza de la danza. Da Piacenza dejó un pieza
llamada: De arte saltandi et choreus ducendi (En el arte de la danza y la realización del
baile) la cual fue producido por sus alumnos.
En 1489 Gian Galeazzo Sforza, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragon, en
Tortona. Para la boda, se llevó a cabo una elaborada pieza de baile coreografiada por el
maestro italiano Bergonzio di Botta. Las danzas estaban vinculadas a la narrativa de
Jason y de Argonauts, además cada baile correspondía a platillo diferente de la cena.
Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y lo consideró como un espectáculo
impresionante.
El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour, el
cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música,
interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. Cuando
Catherine de’ Medici, una aristócrata italiana con interés en las artes, se casó con el
heredero de la corona francesa, Henry II, ella trajo a su pasión por la danza a Francia y
obtuvo apoyo financiero. Catherine de’ Medici’s apoyó con los objetivos de la política y de
la corte, los cuales por lo general se organizan en torno a temas mitológicos.
El ballet continuó tomando más fuerza con la estructura francesa del Ballet de cour, el
cual consistía de bailes sociales interpretados por la nobleza acompañados con música,
interpretaciones verbales, poesía, el canto, desfiles, decoraciones y vestuarios. La
primera pieza del ballet de cour fue el Ballet de Polonais. Esta pieza de ballet se realizó
en 1573 con motivo de la visita del embajador de Polonia. Fue coreografiada por
Balthasar de Beaaujoyeulx y contó con la presentación durante una hora con dieciséis
bailarinas, cada una de la bailarinas representaba una provincia francesa. El Ballet
Comique de la Reine (1581), que también fue coreografiada y dirigida por Balthasar de
Beaujoyeulx, producido por Louise of Lorraine, reina consorte de Rey Henry III, hijo de
Catalina, para celebrar el matrimonio de Anne de Joyeuse. El ballet se prolongó durante
más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines.
En el mismo año, la publicación de Fabritio Caroso llamado Il Ballarino, fue un manual
técnico sobre el baile, tanto en la interpretación y el efecto en la sociedad. También ayudó
establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico de ballet.
El predominio francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia.
Siglo 17 – Francia y la Corte de baile
El Ballet se desarrolló como una forma enfocada en la interpretación del arte en Francia
durante el reinado de Louis XIV, quien era un apasionado de la danza. Pierre
Beauchamp, la persona que creó las cinco posiciones de los pies y las posiciones de los
brazos en el ballet, era profesor de baile personal del rey y su socio favorito en el Ballet
de cour durante el año de 1650.
En 1661 el rey Louis XIV, tuvo la determinación de establecer una nueva escuela de baile
llamada, Académie Royale de Danse. Beauchamp fue nombrado Intendente des
ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de baile, cuyo cargo
ocupó hasta 1680.
Jean-Baptiste Lully, un italiano violinista, bailarín, coreógrafo y compositor, se unió a la
corte de Luis XIV en 1652, tomó un papel importante en la dirección que el ballet tendía
en el futuro. Apoyado y admirado por el rey Louis XIV, Lully a menduo incorporaba al rey
en sus rutinas. La pieza llamada Sun King para el monarca francés, se originó en la
interpretación de Louis XIV en la coreografía de Lully llamado Ballet de la Nuit (1653).
Esta pieza de ballet fue espléndida ya que contó con una escena en donde una parte de
la case fue quemada, también incluidas las brujas, hombres lobo, gitanos, pastores,
ladrones, y las diosas Venus y Diana. La principal contribución de Lully a esta pieza
fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión de movimiento y la danza le
permitió una coreografía inigualable, realizando una fusión con los arreglos musicales y
los movimientos de los bailarines. Lully, también colaboró con el escritor francés Molière.
Juntos crearon un nuevo estilo de teatro llamado «commedia dell’arte» y fue adaptado al
público francés, creando la «comédie-ballet!, Le Bourgeois Gentilhomme (1670).
En 1669 Louis XIV fundó la Académie d’Opéra con Pierre Perrin como director. Louix XIV
se retiró en 1670, en gran parte, debido a que aumentó mucho de peso. En 1661 fundó la
escuela Adacemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer bailarín de ballet
profesional, tenía un gran conocimiento de la Ópera y creó las coreografía de la primera
porducción de la nueva empresa, Pomone con un arreglo musical de Robert Cambert.
Después de Perrin se fuera en bancarrota, el rey reestableció la ópera como una rama
importante de la academia y puso como director a Lully.
Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos. Lully, junto con el libretista, Philippe
Quinault, crearon un nuevo concepto llamado tragédie en musique, en donde cada acto
contaba con un espectáculo de intermedio, el cual era conocido como divertissement. El
divertissement eran pequeñas presentaciones de ballet durante los intermedios de la
obra. En casi todas su creaciones Jean-Baptiste Lully creo una fusión de arreglos
musicales y drama con elementos francés e italianos. Su trabajo dejó un legado que
definiría el futuro del ballet.
Siglo 18
Francia y su desarrollo en las áreas artísticas
El siglo XVIII fue un período en donde las técnicas de ballet evolucionaron. Además fue el
periodo en donde el ballet se convirtió en una forma de arte dramático a la par de la
ópera. Esta evolución fue gracias al trabajo de Jean-Georges Noverre. En la coreografía
de "Lettres sur la danse et les ballets" ( 1760 ), se encontraron pasos relacionados con la
técnica "ballet d'action" o ballet de acción, ya que el los movimientos de los bailarines
estaban diseñados para expresar la letra de la pieza. Noverre cree que: el drama del
ballet debe ser lógico y bien estructurado . Los coreógrafos, compositores y diseñadores
deben de estar al pendiente desde las primeras etapas de la planificación de un trabajo.
Todo debe de ser preciso y limpio, por ejemplo los productores tienen que cuidar los
pequeños detalles como: retirar las máscaras para lograr una mejor expresión facial, los
vestuarios deben ser recortados para mostrar la figura de los bailarines, y que los
coreógrafos deben tener una educación amplia en donde abarque la pintura y la
creatividad, ya que esto ayudará a darle vida a las presentaciones.
Modificaciones comenzaron a tomar parte del ballet, Christoph Gluck fue uno de los
iniciadores de estos cambios. Finalmente, el ballet fue dividido en tres técnicas formales
llamadas sérieux, demi-caractère and comique. El ballet también comenzó a tomar parte
de los intermedios de las óperas con pequeñas escenas de bailes.
Fuera de Francia
Venecia sigue siendo el centro de danza en Europa, particularmente durante la época del
Venecia Carnaval, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la
ciudad para un intercambio cultural. La ciudad del Teatro San Benedetto se convirtió en
un lugar popular de la ciudad, debido a que la mayoría de las funciones de ballet se
realizaban allí. Las técnicas del ballet italiano mantuvieron una influencia prominente en
gran parte del sur y el este de Europa, hasta que las técnicas rusas las suplantaron en el
siglo XX.
Las funciones de ballet tuvieron más popularidad en Europa durante el siglo XVIII , en
áreas como Hungría. Se establecieron compañías profesionales, las cuales tuvieron
funciones en Hungría y en otras partes del mundo. El Teatro Nacional de Budapest es
reconocida como el hogar de los bailarines.20
Algunos de los principales bailarines de la época que viajaron por Europa fueron Louis
Dupré (bailarina), Charles Le Picque, Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean- Georges
Noverre.19

Siglo 19
La bailarina se convirtió en el intérprete de baile más popular en Europa durante primera
mitad del siglo. Sucedió una gran transformación, puesto que hubo una disminución de
popularidad entro los bailarines. En muchas obras, los héroes de ballet eran interpretados
por mujeres, como el personaje principal de «Pantomime».
La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en la cuna de una nueva
generación de maestros de ballet y de bailarines. Viena tuvo una gran influencia en los
que practicaban ballet. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y de Ópera Real
de Hungría fue el Frigyes Campilli, quien trabajó en Budapest por 40 años.
El siglo 19 fue un período de grandes cambios sociales, lo cual también se vio reflejado
en el ballet puesto que se comenzaba a perder las sensibilidades aristocráticas que había
dominado durante tantos años en el ballet romántico. Bailarinas como Geneviève
Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas tales como
el trabajo en punta. Taglioni era conocida como la «bailarina cristiana», ya que su imagen
era ligera y pura (asociada con su papel en la pieza La Sylphide). Ella fue entrenada por
su padre Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se convirtió en
la Bailarina Pagana, debido a sus buenas cualidades de poder interpretar la danza
«Cachucha», la cual la hizo famosa. Maestros como Carlo Blasis codificaron esa técnica
de ballet que aún se usa hoy en día.
Siglo 20 y el modernismo
Rusia y el Ballets Russes. Trajo el ballet a Paris cuando él abrió su compañía, Ballets
Russes. Estaba compuesto por bailarines de la comunidad francesa que habían sido
exiliados de la Revolución Rusa.
Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para traer el folklore ruso
a en «El pájaro de fuego» y «Petrushka» con coreografía de Fokine. Otra coreografía de
Diaghilev fue dada a Nijinsky. Su primera pieza de ballet fue L’apres-midi d’un
Faune (Afternoon of a Faun) con música de Debussy. La presentación con más
controversia del Ballets Russes fue «The Rite of Spri», coreografiado por Nijinsky con
música de Stravinsky. La música moderna de ballet, las nuevas posturas de los pies y el
tema de los sacrificios humanos creo en el público un sentimiento de desagrado.
Después de la «edad de oro» de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San
Petersburgo , pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.
El Ballet ruso continuó su desarrollo bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento
después de la revolución, pero esa pequeña porción de talento hizo que se expandiera a
las otras generaciones. Después de un estancamiento en la década de 1920, a mediados
de la década de 1930 la nueva generación de bailarines y coreógrafos apareció en
escena. Se promovió la perfección en la técnica y la precisión en la danza. Agrippina
Vaganova, quien fue entrenado por Petipa y Cecchetti, encabezando la Academia de
Ballet Vaganova. Esta escuela fue diseñada para entrenar a bailarines para el Ballet
Kirov en San Petersburgo/Leningrado.
El ballet obtuvo una buena posición en el gusto del público. Las compañías de Moscow
Bolshoi y la de St. Petersburg Kirov fueron muy populares en el público.
Algunas piezas de la época tuvieron un gran impacto como la de «Romeo y Julieta»
producido por Prokofiev y Lavrovsky. La pieza, «Llamas de Paris», muestra todas las
facetas del arte realista socialista. La pieza «Fuente de Bakhchisara» con música de Boris
Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov fue todo un éxito.
El ballet reconocido de «La Cenicienta», en la cual Prokofiev creó la música, también fue
creación del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas en su mayoría eran
desconocidas. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética estas piezas
obtuvieron una gran popularidad.
En 1999 se llevó a cabo el estreno de la pieza «The Fountain of Bakhchisarai» por el
Ballet Kirov en Nueva York. La era soviética del ballet ruso puso mucho énfasis en la
técnica, el talento y la fuerza. Se exigía la fuerza para todos los nuevos bailarines
occidentales novatos. Cuando se ve los archivo que se pudieron recuperar, se pode ver la
gran técnica y talentos de bailarines como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya
Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.
Las empresas rusas, en particular después de la Segunda Guerra Mundial, tuvieron
muchas presentaciones alrededor del mundo.
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Vestuario ballet
Vestuario mujer
Zapatillas:
Mujer/Hombre/Niños Excepción: zapatillas de puntas
Hay dos categorías de zapatillas: Las zapatillas de media punta son blandas, las utilizan
tanto hombres como mujeres y a todos los niveles; las zapatillas de puntas son duras y
rígidas en la parte de la punta, se utilizan para elevar el peso del cuerpo sobre la punta,
básicamente las utilizan las mujeres y son para nivel avanzado.
Maillot:
Mujer/Niña
El término Maillot del francés, es una prenda deportiva de tejido fino y elástico que se
adapta perfectamente al cuerpo y cubre el tronco, y en ocasiones, también las
extremidades.
Junto con las zapatillas, es el elemento básico del vestuario de ballet tanto para clase
como para el escenario. Tradicionalmente se utilizaban de color negro, así como colar
blanco o carne. Actualmente se pueden adquirir en multitud de colores y modelos.
Normalmente usan maillot mujeres y niñas, mientras que hombres y niños suelen llevar
otras fórmulas como mallas o monos, pero también hay maillots de ballet para hombres.
Tutú:
Mujer/Niña
Aunque la imagen tradicional de una bailarina de ballet clásico incorpora el tutú, hay que
destacar que actualmente ya no se considera un vestuario obligatorio. Se empezaron a
utilizar sobre el 1820. Normalmente es un vestuario para escenario que llevan mujeres y
niñas.
Hay de muchos tejidos como gasa, seda, tarlatán, tul, en muchas ocasiones lleva
incorporado un corpiño. Hay de varios tipos o formas: el tutú romántico, es una falda
suave y vaporosa en forma de campana que llega hasta los tobillos o la pantorrilla; el tutú
clásico que es corto y rígido; también se suelen distinguir el tutú Plato que es totalmente
plano empezando a la altura de la cintura y el tutú Balanchine, similar al tutú clásico pero
menos rígido.

Mono y mallas/Suspensor:
Hombre/Niño
Es una pieza entera, fácil y rápida de vestir. Los hombres suelen llevar mallas o mono, de
un tejido normalmente más grueso que las mallas de mujer y niña. Importante tener en
cuenta que en general siempre se usa el denominado suspensor debajo de las mallas,
sirve como ropa interior para dar sujeción y evitar transparencias. Los niños normalmente
llevan leotardos o pantalón corto con camiseta, más adelante empezarán a llevar malla y
camiseta o mono.

Principales beneficios del ballet 

Aporte de energía y movilidad a nuestros músculos
Desde el primer momento en el que empieces con el ballet, notarás cómo tus
músculos empiezan a tonificarse, viendo los resultados en las primeras semanas.
Lo primero que notaremos será un aumento de fuerza en nuestros pies. Se
realizarán ciertos ejercicios de pies ballet para poder gestionar mejor nuestro peso
a la hora de empezar a bailar.
Desarrollo de elasticidad
Esta ventaja llegará, pero requerirá de algo más de tiempo en comparación con la
anterior. Es por ello, por lo que se recomienda empezar con el ballet para niños
desde temprana edad. Así se mejorará la circulación sanguínea desde la niñez, se
reducirán los dolores en los músculos, se prevendrán ciertas lesiones….
Ayuda a adoptar la postura correcta
Sin embargo, tanto con el ballet moderno, como con el clásico, se puede empezar a
practicar a cualquier edad, corriendo la postura en cualquier caso. Otro de los resultados
que conseguiremos es una ampliación de pecho, debido al trabajo de músculos que se
hace en la zona de la espalda.
Mejora la concentración
Tan solo hay que ver algunas piezas (como el lago de los cisnes ballet, como el que
puedes disfrutar en el ballet de Moscú) o en películas de ballet, para darnos cuenta de
porque esta disciplina puede facilitarnos la concentración y es que no solo habrá que
adoptar ciertos movimientos, sino que todo esto habrá que llevarlo a cabo con música de
fondo.
Te ayuda a conocer gente (ampliar círculo social)
Es cierto que desde el principio no vas a conocer a ninguna bailarina de ballet famosas,
pero sí que encontrarás a gente afín a ti. Y nunca se sabe las posibilidades que esto te va
a presentar.
Te ayudará a relajarte
Una vez que controlemos la técnica, el ballet nos ayudará a relajarnos. Y es que todo se
sincronizará en nuestra mente, evitando que pensemos en otra cosa. Incluso hasta la
ropa de ballet es muy ligera, para mejorar esta coordinación mental.
Posiciones Básicas en el Ballet
El ballet se sustenta principalmente en 5 posiciones a partir de las cuáles podemos
construir todo tipo de movimientos mucho más complejos. Lo primero que debemos hacer
es practicarlas, perfeccionarlas y ejecutarlas de forma automática; ten en cuenta que si no
dominas esto, probablemente no puedas hacer nada más. La posición en cuestión se
debe de practicar frente a una barra, o bien de perfil, manteniendo una barra en la misma.
Los bailarines estudiantes deberían de colocarse frente a la barra; si ya tenemos un nivel
intermedio-avanzado, podemos colocarnos con la mano izquierda para practicar las
posiciones en cuestión.
Pies:
Primera posición
Esta primera posición requiere que los pies del bailarín apunten hacia afuera y que se
mantengan los talones juntos (el objetivo es que mantengan un ángulo de 45º). Además,
la espalda tiene que estar erguida, mientras que la cabeza se mantiene alineada y alta.
No dominaremos la posición hasta que mantengamos el equilibrio en la misma.
Segunda posición
Esta posición entraña que los pies siguen formando los 45º que hemos visto
anteriormente, pero la separación de los talones debe de ser igual a la anchura de los
hombros. Abrimos la base del soporte, pero siempre se mantiene la misma colocación y la
postura que la primera posición. Debemos de empezar practicando el cambio de las
posiciones sin que se modifique el ángulo.
Tercera posición
Desde la segunda posición, se coloca el pie dominante detrás del anterior,
asegurándonos de que quede contra la parte central del otro pie. Mientras movemos las
caderas hacia adelante, mantenemos el equilibrio.
Cuarta posición
Siguiendo desde la posición anterior. Los pies se cruzan de modo que el talón de un pie
se encuentre a la misma altura que los dedos del otro, y viceversa. Se debe dejar un
espacio entre los pies equivalente al largo de un pie
Quinta posición
Aquí empiezan las dificultades y se acaban los clásicos pasos de ballet. Los pies se
cruzan de modo que el talón de un pie toque el dedo del otro, y viceversa.

Brazos:
Primera posición de brazos.-
Los brazos se colocan abajo formando un oval, con las manos curvadas y los dedos
agrupados. El dedo medio se curvan a un poco más que los otros. Relaja los pulgares
para que no se levanten.
Segunda posición de brazos.-
Los brazos se abren ampliamente formando una línea con los hombres y ligeramente
curvados, con cuidado de no dejar caer los codos. Los dedos han de aparecer delicados y
suaves.
Tercera posición de brazos.-
Se pone un brazo curvado delante de uno, ligeramente adelantado respecto a la cabeza.
El otro, extendido y ligeramente curvado. Es decir como un brazo en primera posición y
otro como en segunda.
Cuarta posición de brazos.-
Se levanta un brazo un formando una curva ligeramente por delante de la cabeza. El
otro , extendido y un poco curvado delante de uno. En todas estas posiciones conserva
encogidos los músculos del estómago y del trasero, la espalda recta y los hombros
horizontales y relajados.
Quinta posición de brazos.-
Ambos brazos se colocan hacia arriba formando oval, enmarcando la cara, pero sin mover
los hombros. Sin alzar la vista, debes saber que tienes los dedos ligeramente por delante
de la cabeza.

Más pasos básicos de ballet y sus nombres:

Demi-plié
La traducción en español sería la de medio pliegue. Se refiere a un doble de las rodillas a
la mitad.
Plié: Significa doblar o plegar y es uno de los primeros pasos de ballet que se aprende,
ya que sirve de preparación para los giros, además también sirve para amortiguar las
caídas en los saltos.
Este paso se divide en dos tipos el demi-plié donde partiendo de la primera posición el
bailarín o bailarina flexiona un poco las rodillas y grand-plié se realiza una flexión más
grande en la que los muslos se quedan paralelos al suelo.
Relevé: Significa levantar o elevar y consiste en levantar los talones del suelo. Las
bailarinas expertas pueden alzarse en relevé hasta las puntas de los dedos del pie.
Battement tendu: En esta ocasión se trata de estirar una de las piernas mientras
deslizamos el pie por el suelo hasta llegar a la posición de punta para, después, volver a
la posición inicial. La pierna de apoyo se mantiene firme. Podemos practicar el tendu
deslizando el pie de trabajo hacia delante y hacia atrás.
Battement fondu: Doblamos la pierna de apoyo en demi-plié, a la vez que flexionamos la
otra y la estiramos hacia delante, al lado o hacia atrás.
Arabesque: Otro paso de ballet en el que apoyamos el peso del cuerpo en una sola
pierna. La que trabaja se eleva y se estira por detrás, a 90 grados o más.
Pasos más complicados del ballet:
Échappés: Escapadas, Grand échappé en salto Sauté o sur les pointes, saltado en
puntas. En cada caso los Échappés o paso saltado repetitivo se hacen en segunda y
cuarta posición, ambos pies viajando la misma distancia desde el centro de gravedad
original.
Rond de jambe: Realizamos un movimiento circular con la pierna de trabajo mientras la
otra sigue estirada.

Sissonne: Salto con ambos pies. En ejercicio de centro.  Se desliza el peso del cuerpo
sobre el pie de apoyo. Los Sissonne pueden ser petite o grande. Los petites sissonnes
son sissonne simple, sissonne ferme, sissonne ouverte en 45 grados y sissonne tombe,
también en 45 grados. Los grand sissonnes son sissone ouverte en 90 grados, sissone
renverse sissone y soubresault.
Los mejores bailarines de la historia
Rudolf Nuréyev
Rudolf Nuréyev (o Nuriev) nació el 17 de marzo de 1938. Criado en la República de
Baskortostán, Nuréyev se destacó en su infancia bailando danzas folclóricas de la región,
pero recién a los 17 años tuvo acceso a una formación especializada cuando comenzó a
estudiar en una academia que dependía del Ballet Kírov y donde Aleksandr Pushkin fue
su maestro.
Pronto se convirtió en bailarín reconocido y en una de las figuras del Kírov, viajando por
el mundo. Su enorme talento, sin embargo, fue de la mano de un temperamento complejo
que le jugó en contra. El 6 de enero de 1993, tras haber sido condecorado como
caballero de la Orden de las Artes y las Letras, falleció a los 54 años.
Anna Pávlova
La rusa Anna Pávlova es señalada como la primera bailarina que recorrió el mundo junto
a su compañía. Nació el 12 de febrero de 1881  y atravesó diferentes problemas de salud
en su infancia.
Su amor por el ballet se despertó en su niñez al asistir a una función de “La bella
durmiente” que se ofreció en el Teatro Mariinski. A los 10 años, luego de un primer
rechazo, fue aceptada en la Escuela Imperial de Ballet.
A diferencia de los genios precoces, a Pávlova le costó desarrollar una técnica depurada.
Hubo mucho esfuerzo y entrenamiento para sobresalir y lograr convertirse en bailarina
profesional.
Delgada y poco musculosa, Pávlova rompió con la imagen tradicional de las bailarinas
que existía hasta entonces. Junto a Vaslav Nijinsky maravilló en los Ballets Rusos y
luego fundó su propia compañía, presentándose en Estados
Unidos, Inglaterra, México, China, Egipto, India y muchos otros países.
El fallecimiento de Pávlova tuvo lugar el 23 de enero de 1931 en La Haya. Tenía
apenas 49 años.
Julio Bocca
A los 4 años de edad aprendió sus primeros pasos de danza gracias a su madre. Al
cumplir 7, ingresó al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Para el argentino Julio Bocca, la danza es algo innato. Ya en 1982 era bailarín
profesional en el Teatro Municipal de Río de Janeiro y en la Fundación Teresa
Carreño de Venezuela. Cuatro años después, se destacaba como primer bailarín
del American Ballet Theatre, convocado por Mijaíl Barýshnikov.
Bocca bailó en los cuerpos de ballet del Teatro Bolshói, el Ballet Kírov, la Ópera de
París y el Royal Ballet de Londres. Además fundó y dirigió su propia compañía (Ballet
Argentino).
Como despedida de los escenarios, en 2007 ofreció un espectáculo gratuito en Buenos
Aires que reunió a más de 200.000 espectadores. Luego, durante siete años dirigió
el Ballet Nacional Sodre de Uruguay.
Es interesante señalar que Bocca, en su camino hasta transformarse en uno de los
mejores bailarines de ballet, sometió su cuerpo a un desgaste intenso. Tuvo que
atravesar nueve operaciones y de sus días de bailarín le quedaron molestias en las
rodillas que sirven como recuerdo de su gran esfuerzo.

Mis bailarines favoritos

Isaac Hernández
Nació en una familia de bailarines en Jalisco, lo cual le facilitó el acceso al arte en su vida
cotidiana. Fue educado en casa por sus propios padres, Laura y Héctor, quienes
buscaban dar a sus hijos una formación mas humana y crítica. Para la familia Hernández
las carreras universitarias eran una alternativa para quienes no podían dedicarse al arte.
Su primer público fueron vecinos y amigos, quienes eran invitados los jueves por la noche
para ver las presentaciones de la familia Hernández en su propia casa.
Posteriormente, dejó su hogar para formarse profesionalmente en el Philadelphia’s Rock
School for Dance Education, en 2002. Luego ingresó al Ballet de San Francisco. En 2012
debutó en el Ballet Nacional de Holanda, y un año después se convirtió en su bailarín
principal.
En 2018 Isaac Hernández, a los 28 años, se convirtió en el primer bailarín mexicano en
ganar un Premio Benois. Dicho premio es el máximo honor que un bailarín de ballet
puede recibir, algo así como el Oscar de la danza. Además, está reconocido como una de
las 1000 personalidades más influyentes en Londres.

Maria Khoreva
Nacida en San Petersburgo, Khoreva comenzó en la clase de gimnasia rítmica a la edad
de 3 años. Ya estaba en una pista intensiva y había llegado en segundo lugar en una
competencia nacional cuando un día, a los 10 años, pasó junto a la Academia de Ballet
Vaganova con su madre. Notaron que había audiciones unos días después. Sus padres,
ambos aficionados al ballet, frecuentemente llevaban a Khoreva a ver las presentaciones,
y decidieron intentarlo.
A los 21 años ya es la primera solista del Teatro Mariinsky y la embajadora Nike.