HISTORIA, COLECCIONISMO

Y CATALOGACIÓN
DEL DIBUJO Y GRABADO

Marta
[NOMBRE DE LA EMPRESA] [Dirección de la compañía]
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BLOQUE I. INTRODUCCIÓN

1. EL DIBUJO Y EL GRABADO Y LA IMPORTANCIA DE SU CONOCIMIENTO PARA LA HISTORIA

DEL ARTE

2. BREVE VALORACIÓN TEÓRICA E HISTORIOGRÁFICA DEL DIBUJO Y DEL ARTE GRÁFICO

3. EL COLECCIONISMO Y LAS COLECCIONES DE DIBUJO Y GRABADO

BLOQUE II. PRINCIPALES TÉCNICAS DE DIBUJO Y GRABADO A LO LARGO DE LA HISTORIA

1. DIBUJO

a. CARBONCILLO, GOMA Y DIFUMINO

b. CRETA Y SANGUINA

c. PASTEL

2. GRABADO

a. LA SERIGRAFÍA

b. LA XILOGRAFÍA

c. LA LITOGRAFÍA

3. NUEVAS TÉCNICAS CONTEMPORÁNEAS

a. DIBUJO Y GRABADO DIGITAL

b. GRABADO OBJETUAL

BLOQUE III. HISTORIA DEL DIBUJO Y DEL GRABADO: ESTILOS Y ESTÉTICAS

1. RENACIMIENTO Y BARROCO

2. LOS SIGLOS XVIII Y XIX

3. EL ARTE CONTEMPORÁNEO:

APORTACIONES AL DIBUJO Y AL ARTE GRÁFICO

BLOQUE IV. PROCESOS DE CATALOGACIÓN DEL DIBUJO Y GRABADO (Práctico)

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BLOQUE I
1. EL DIBUJO Y EL GRABADO Y LA IMPORTANCIA DE SU
CONOCIMIENTO PARA LA HISTORIA DEL ARTE
El ser humano siempre ha grabado y dibujado. En realidad, el grabado es la plancha o
matriz en sí, y el resultado es la estampa. La matriz puede ser de madera, metal o piedra
y es la superficie sobre la que se incide (con punzón, etc…) en suma, la estampa es la
imagen final como resultado del traslado, mediante el entintado y una presión del papel
sobre la matriz grabada. La estampa refleja la imagen de la matriz en espejo (hasta el
siglo XVIII), por lo que cuando vemos una estampa debemos tener en cuenta que la
matriz era al revés.

La importancia del grabado en la historia del arte es vital. En muchas ocasiones, cuando
observamos una obra que pensamos que es nueva, debemos tener en cuenta que
posiblemente este inspirada en grabados difundidos por la imprenta, es decir, son
copias; lo que no significa que el artista no tenga libertad, pero entra en juego el debate
del artesano. Normalmente no teneos en cuenta esta herencia de los grabados.

Definiciones conceptuales: Dibujo y grabado

 DIBUJO
 Dibujo. De dibujar.
1. Arte de dibujar.
2. Proporción que debe tener en sus partes y medidas
la figura del objeto que se dibuja o pinta.
3. Delineación o imagen dibujada.
4. En los encajes, bordados, tejidos, etc., figura y
disposición de las labores que los adornan.
5. Conjunto de hendiduras de la banda de rodadura
de un neumático.

 Dibujo del natural: dibujo que se hace copiando

directamente del modelo.

 Dibujo lineal: dibujo que se compone de líneas geométricas y se realiza con la

ayuda de utensilios como la regla, la escuadra, el compás o el tiralíneas.

 Dibujos animados: dibujos que se fotografían en una película sucesivamente, y

que al ir recogiendo los sucesivos cambios de posición imitan el movimiento de
seres vivos.

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  Es un dibujo: Expr . U. para encarecer la perfección de un rostro.

 No meterse en dibujos: loc. verb. coloq. Abstenerse de hacer o decir

impertinentemente más que aquello que corresponde.

“El dibujo es un medio expresivo espontáneo que fluye con naturalidad” José Luis López
Salas, Didác5ca de la expresión plás5ca. Universidad de Oviedo, 1999

 GRABADO

Grabar es dibujar sobre una materia dura.

El grabado que imita al dibujo

Grabado es la matriz (plancha de madera o metal, principalmente), de material incidido

o tallado. También se denomina plancha de grabado

Grabado a la manera de lápiz, obra de Francesco Bartolozzi (1727-1815).

El Arte del Dibujo y del Grabado detienen al Tiempo, 1778. Grabado a la manera de lápiz,
410 x 290 mm.

FronDspicio de Charles Rogers, A CollecCon of Prints in

ImitaCon of Drawings. Tomo 2, Londres, 1778

Donna di Granata
Grabado Xilográfico
Cesare Vecellio (1521 –
1601) 1598.

La estampa o prueba

La estampa es la imagen final como resultado del trasladado, mediante el entintado y

una presión del papel sobre la matriz grabada. Es el resultado final de un grabado. Imagen
obtenida por la estampación o impresión de una plancha grabada.

La importancia del grabado en la Historia del Arte.

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2. BREVE VALORACIÓN TEÓRICA E HISTORIOGRÁFICA DEL DIBUJO Y DEL
ARTE GRÁFICO

2.1 El papel: soporte y atributos

El papel en origen viene de papyrum.

No por existir un papel antiguo la obra es antigua. Aunque el soporte sea antiguo la obra
puede ser de otro periodo.

Origen y Difusión

El papel en origen viene de papyrum, pero no por existir un papel antiguo la obra es
antigua. Aunque el soporte sea antiguo la obra puede ser de otro periodo. El primer
antecedente del papel es el papiro, pero a partir del siglo III se empieza a usar el
pergamino hasta emplearse la vitela (piel raspada y reutilizada). El papel llega a Europa
por Oriente Próximo y el norte de África y llega a España antes que a Italia, siendo
nuestro país punto de recepción del papel por parte de Europa. Sobre la presencia del
papel en España, se dieron unos primeros molinos de papel que no están demasiado
documentados en Córdoba, Granada, Sevilla, Toledo, Játiva, Cataluña…

En Europa, el papel tuvo una presencia fundamental en Francia, Italia, Alemania, Gran
Bretaña y Suecia. Los papeles vienen importados de otros lados. Se consideraba un lujo.
Los molinos se posicionaban junto al río y se creaban con las características para fabricar
papel. Tenían noria y ventanas superiores. En los batanes se machaca la materia prima
con la que se hacen los papeles. El papel se realiza principalmente con trapos que venían
de los hospitales y prostíbulos, por tanto malolientes y diluidos. Se cortan los trapos y
se ponían en una especie de centrifugador. Luego se machaba y se le daba forma.

 Los primeros antecedentes son:

a) El papiro.
b) A partir del siglo III se empieza a usar el pergamino hasta emplearse la vitela.
c) Vitela
Ese papel llega a Europa por oriente próximo. Llega a España antes que a Italia.
. difusión del papel hacia Europa por oriente y norte de África
. recepción del papel en Europa a través de España
Se raspa y se reutiliza la piel.

 Presencia del papel en España.

Primeros molinos de papel.
A- Sin documentar:
1. Córdoba

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 2. Sevilla, Granada y Toledo

B –Játiva

C- Cataluña

 Presencia del papel en Europa.

Presencia fundamental en Francia, Italia, Alemania, gran Bretaña y Suecia. Los
papeles vienen importados de otros lados. Se consideraba un lujo. Los molinos
se posicionaban junto al rio y se creaban con las características para fabricar
papel.
Tenían noria, ventanas superiores. En los batanes se machaca la materia prima
con la que se hacen los papeles.
El principal papel se realiza con trapos. Trapos que venían de los hospitales y
prostíbulos. Malolientes. Diluidos, lavados…
Se cortan los trapos y se ponían en una especie de centrifugador. Luego se
machaba y se le daba forma.

 Tipologías asociadas al papel:

1 Papel verjurado – artesano.

La verjura. Corondeles y cortisones: líneas verticales y horizontales: rejilla. Da pie que

todo papel en ese recipiente una vez seco genere esa forma. Todo ello se llama
verjurado. Reticulado formado por los corondeles y puntizones de la forma. Corondel
vertical, purdizon horizontal. Presencia a veces de filigrana o marca al agua. La filigrana
es una estructura decorativa que se une a la trama cuando se está haciendo el papel
para decir donde se ha hecho. La abertura queda alterada por la filigrana (la marca de
agua). Normalmente dice bastante del papel si es importado de un sitio u otro. La
fabricación de este papel es artesana.

DISEÑOS DE FILIGRANA: Suele haber solo una filigrana por molino. A veces encontramos la
presencia de contramarca, que es una marca añadida a la filigrana principal. Indica el nombre
del fabricante completo y la fecha o lugar de fabricación.

También puede haber cierta presencia de barbas: terminación irregular y progresivamente más
delgada. Este papel artesano tiene un acabado rugoso y distintos grosores y puede presentar
inclusiones o incrustaciones de polvo. En el papel italiano de Milán, español y escandinavo el
sombreado es frecuente en los puntizones. Las verjuras del papel francés de 1600 son muy
regulares y con las sombras muy visibles. Este tipo de papel queda relegado a partir de 1812.

2- Papel vitela

3- Papel continuo

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Permite una mayor difusión. Papel industrializado. Empieza a difundirse a partir de 1812.
La hoja es regular en todos sus aspectos. Los acabados son controlados y refinados

INTERPRETACIÓN DE LA FILIGRANA

2.2. Origen del grabado

El primer grabado en Europa es una xilografía datada entre 1370 1390. El Bois Proyat.
Lo curioso es su dimensión, es grandísimo. Se trata de una estructura xilográfica a modo
de matriz de la que conservamos una parte.

DISEÑO E IDEA

Esa idea de que dios inspira al artista a crear la obra va a estar muy ligada a esto.

Roger de Piles da la idea del color frente al dibujo. En dialogo sobre el color considera
que la esencia se encuentra en el color. Color sobre dibujo.

La literatura sobre el grabado. Tratado de las maneras de grabar en talla dulce.

Abraham Bosse hace un libro en 1645 ya que Francia pone un carácter oficial al grabado.
el primer tratado sobre el grabado realizado por Cochin.

El primer grabado en Europa es una xilografía datada entre 1370 y 1390. El Bois Proyat. Lo
curioso es su gran dimensión; Se trata de una estructura xilográfica a modo de matriz de la que
conservamos una parte. La idea que subyace en esta obra es la idea de que dios inspira al artista
a crear la obra.

El proceso de aprender a grabar era el siguiente: Los estudiantes copiaban los dibujos de los
profesores. Copiaban los dibujos hasta hacerse profesionales. Hacían dibujos de modelo de yeso
y, por último, en la clase superior dibujaban del natural, de un modelo vivo.

En cuanto a la literatura sobre grabado, existían tratados de las maneras de grabar en talla dulce.
Abraham Bosse escribe un libro en 1645, siendo Francia quien dota de un carácter oficial al
grabado. El primer tratado sobre el grabado fue realizado por Cochin. Adam Bartch destaca
también porque menciona en su obra los mejores artistas y grabadores. Hay que esperar casi
otra centena para encontrarnos con Loys Delteil con el Pintor Grabador, una obra de aquellos
coetáneos a él.

3. EL COLECCIONISMO Y LAS COLECCIONES DE DIBUJO Y

GRABADO
Desde un primer momento los grabados tienen un carácter científico. Se colecciona de todo.
Cuando se exponen dibujos o grabados en esta época se ponen en un álbum que se extendía en
una mesa. Dentro de ese coleccionismo, los propios artistas eran quienes los compraban. Unos
de los coleccionistas más reconocidos eran J. Collius o colecciones como Rothschild.

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Abram Ortelius (1527-1598) es uno de los coleccionistas de estampas más importantes. Esos
tres álbumes que compra primero va a J. Collius, luego colección Six, colección Mariette,
colección conde de Morizz Vos, etc…

A su vez Jan Six es otro gran coleccionador de obras de Rembrandt. Jacobus Houbraken también
colecciono una serie de grabados. A su vez hay otros autores como Jan Pieter es uno de los
primeros que no solo colecciona artistas del pasado sino también italianos del momento. En el
caso de Austria, Johann Melchior fue uno. Dentro de esa fama y puja por las colecciones,
Antonie Brentano, dentro de una élite austríaca vende una colección en Fráncfort de 3537 piezas
de varios coleccionistas entre el British Museum, el conde de Rothschild y otros afamados
propietarios.

Los coleccionistas de estampas

Abram Ortelius (1527-1598). Esos tres álbumes que compra primero va a J.Collius, luego
Colección Six, colección Mariette, colección conde de Morizz vos.. colección rot.

A su vez Jan Six es otro gran coleccionador de obras de Rembrandt. Jacobus Houbraken
también colecciono una serie de grabados. A su vez hay otros autores como Jan Pieter
es uno de los primeros que no solo colecciona artistas del pasado sino también que mira
a Italia. En el caso de Austria Jonan Melchior fue uno.

Dentro de esa fama y puja por las colecciones, Antonie

Brentano, dentro de una elite austriaca vende la colección en
Fráncfor de 3537 piezas de varios coleccionistas entre el
Brithis Museum, el conde de Rothschild y otros afamados
propietarios se ensarzaron en una pieza.

Retrato de Antonia bretano, Josef jari stieler. La procedencia

siempre determina el avance.

A su vez en la colección conde Moritz von fries es importante.

En España destaca Sebastián Martínez Pérez, quien tenía 1000 dibujos y estampas, entre ellos
los de Goya y Rivera. Además de esto, también incorpora grabados por un lado de utopías
subterráneas de roma y planchas de los planos de roma. Colecciona estampas españolas,
también estampas de Goya, del siglo de oro y del mundo italiano y
contemporáneo. Fue uno de los primero coleccionadores de William
Hogarth, a pesar de que no estaba bien visto coleccionar arte británico
por su parte. En esa idea ilustrada nos encontramos con Juan Agustín
Ceán. Su idea es de catalogación ilustrada. Nos encontramos con el
comitente que quiere comprar lo que desea. Así llegaríamos al
Romanticismo con Valentín Carderera, que coleccionaba obras entre
otras, italianas. En Francia destaca Michel de Marolles con más de
123.400 estampas que a su muerte el ministro Cabinet adquiere para
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configurar la primera partida de estampas del gabinete nacional de París. Esta obra nos permite
entender el peso que tiene para Francia el grabado. Tiene 712 de Durero, 1648 obras de
coetáneos y 286 de estampas de Claude Mellan, uno de los grandes teóricos del grabado francés.
Por otro lado, Callot fue un magnifico grabador de leyendas fantásticas; incluso escenas
religiosas (sudario de Santa Verónica).

El cabinet des estampes.

Les Mariette era una saga que abarca casi un siglo hasta
finales del XVIII. Son artistas, grabadores, libreros y
amigos de los artistas que coleccionan una cantidad
ingente de obras francesas y grabados. Son
responsables en buena medida de estampas como las
del Príncipe de Saboya.

En Gran Bretaña habrá Sir Hans Sloane era un

apasionado de las estampas. Reconocemos que es ingles
por el escudo, la moda (tela gigante que se utiliza en las
ceremonias), etc… 71 000 artículos

El otro grabador es el conde de Aysleford y el último

coleccionista británico, vinculado a la nobleza es John
Pierport Morgan.

CALCOGRAFIAS

Italia: calcografía nacional con más de 2000 planchas. Fundada por el papa Clemente xii.
Con imágenes de la cristiandad. Mientras que en España será en 1787 está vinculada
con la imprenta.

Calcografía: gama de grises. A buril.

La calcografía funcionaba como si fuera na imprenta, un taller de grabado donde los

artistas podían hacer allí sus planchas. Queda en buena medida claro con una carta de
goya donde se comunica a la calcografía, que vende sus lanchas a la calcografía, la idea
del fraude a su majestad, para que no se generen fraudes. Y soportar una deuda, pues
los caprichos no habían tenido éxito.

Lote 214. Nicolás barsanti (grab), José del castillo (dibu)oleo a dibujo) y Lucas Jordán
(pint). Grabado hecho por José del castillo. Hércules mata la hidra de la laguna lernea.
Grabado a buril son marco. La originalidad de la obra puede llegar a ser complicada.
Realmente sucede en función de la fama. A partir del XVIII es el artista quien asume todo.

Francia: Calcografía del museo del Louvre iniciada por Colbert 1600. Será en 1787
cuando se denomine calcografía.

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Bélgica: las más peques de las calcografías europeas. Se inicia en el siglo XIX.

A su vez en el Louvre se conserva la colección de artes gráficas.

1. GRABADO
XILOGRAFIA.
Primera técnica q surge en la estampación. Se llama xilografía a la composición grabada
o cortada en una matriz de madera. Esta técnica se conoce también como grabado en
relieve. La imagen se obtiene por su presión de materia, a diferencia de otras técnicas
de grabado. Hay una matriz de madera que genera un hueco que se ve blanco.
Necesitamos desgastar mediante instrumentos propios de la talla como gubias o buriles
la esta. El grabado puede estar a fibra o a lino o bien a contra fibra o a testa. En función
del lado de la madera que queramos tallar tendremos un resultado u otro. Esto es
fundamental. La técnica de la madera testa se utiliza la madera en sentido horizontal, ni
fibra ni contra fibra. Mientras que el grabado a lino esta en sentido vertical en sentido
del árbol a fibra o a lino. Haya nogal, cerezo. La estampación es igual que la otra. Lo más
usual es crear grandes contrastes.

En el grabado a testa hasta el siglo xix no se usa, lo inventa Thomas Bewick. Grabado a
testa. Nos permite grabar en el tallo de madera. The cross-bill. Hecho en un sentido
horizontal.

fibra e hilo es lo mismo y contrafibra o testa horizontal también.

Mientras que el grabado xilográfico general es a fibra e hilo es lo mismo y contrafíbra o

testa también. Buena parte de los grabados de Durero esta así grabado.

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Eduard Munch. Genera una estética personal con estas soluciones. Pinta cada madera
de un color. Recorta como un puzle que
entinta y encaja. No solo ha pintado la
madera de color, son dos trozos xilográficos
juntos, se hace de una.

Siguió evolucionando esa idea añadiendo

más colores.

Ugo da Garpi empleo la técnica del camafeo o chiaoroscuro. Emula más a un fresco
pompeyano. Héroe Y sibila. Emplea una cronología renacentista. Genera algo soberbio,
muy preciado y complejo. Se trata de que en el mismo taco de madera desgastar las
soluciones que nosotros queremos generar, pero tintar de varios colores de tonalidades
amarillentas; de tal manera que presionando sobre esa matriz obtenemos de una sola
vez el producto. Ese efecto pictórico (q aparece en acuarela) tenía que rehacerse porque
la tinta se secaba. De ahí la idea de camafeo. 2 o 3 colores encima de la plancha, no se
pueden más.

Diogenes, xilografía al claroscuro, reproducción de una

pintura de parmigianino. Descendimiento 1527. The
Widow, kollwix.

XILOGRAFOS ORIENTALES

 Utamaro gran DIFU

 Hokusai
 Hiroshige más contemporáneo

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Utamaro se conoce más por su espíritu pornográfico. Hokusai va esta línea, sus
xilografías se hacen por partes (color). Había muchas y se vendían muy bien. Hiroshuge
ya tiene una estética más urbana. Su encuadre tiene una forma más original con una
perspectiva inaudita. Obra del XIX.

Lienograbado: es una variante del grabado xilográfico en la q se emplea una hoja de

linóleo par la superficie en relieve. Se diferencia de en su textura, limpia y opaca. Se
idearon como una solución higienista, para los sitios que se puedan mojar que se puedan
limpiar fácilmente. Como una moqueta. Junto con la xilografía se dibuja con el hueco.

Va a ser fundamental que una vez q se ha hecho el dibujo con el instrumento como gubia
o buriles se va a ir horadando. No hay ninguna fórmula de impresión sobre el papel.
Precisamente por eso, en el hueco esta la tinta.

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 CALCOGRAFÍA

La matriz es de metal: cobre, cinc, acero o hierro.

A diferencia de otras técnicas de grabado, la
estampa resultante tiene una serie de
características apreciables: trazos en relieve
sobre el papel o la impronta de la plancha sobre
la composición (huella, cubeta, testigo, pisada,
canalón o mancha). A diferencia de la xilografía,
se hace una incisión en la plancha donde va la
tinta, pero esto va cambiando en función de la
técnica, etc. Puede haber varias subténicas
como el grabado a buril, grabado a punta seca,
grabado punteado (da aspecto de dibujo…) o
aguatinta.

 Grabado a punta seca

Siempre será necesario el biselado previo a la estampación para no cortar la estampa. A

diferencia del buril, se maneja como si de un lápiz se tratara. A ambos lados de los bordes
del surco lineal que hacemos se ven unas rebabas características de esta técnica.

Como si se tratara de un lápiz.

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  Grabado a la manera negra o mezzotinta

Se utilizan los graneadores

Retrato de Jan SIX. Rembrandt.

Manera negra 1647

 Grabado punteado

Acción directa de grabar mediante ruletas y

puntas, modelando la imagen mediante
pequeños puntos. Con un tipo de rodillo para
hacer las incisiones sobre el metal y crear ese
aspecto de dibujo

 Grabado al estilo lápiz (o a la manière de

crayón)

Metodo François. Fue un método que inventó Jean Charles François (1717-1769).

Todo este tipo de fórmulas siguen siendo técnicas

calcográficas que evolucionan en el siglo XVIII, y que ponen
de manifiesto la variedad que permitía una plancha de
metal para poder grabar mucho más que la plancha
xilográfica que no permitía esa evolución técnica ni esa
destreza. El método que hace François consigue dibuja
sobre la plancha y crear ese granulado que
pretende imitar al propio lápiz y a la propia
sangrina. De hecho, en francés se llama a la
manière de crayón y en español a la manera del
lápiz. Es un método que tiene esa destreza que si
no fuera por esos elementos que nos indican que es un grabado estaríamos
viendo un dibujo. Esa solución, propia del xviii será continuada por técnicas
muy similares de estampación xilográfica. Puesto que la plancha es
específicamente de metal.

Y dentro de estas técnicas el grabado al estilo lápiz destaca y fue un método inventado
por Jean Charles François. Estas técnicas calcográficas evolucionan en el siglo XVIII y
ponen de manifiesto la variedad para grabar que permitía una plancha de metal con
respecto a las de madera, que no permitían tanta destreza ni evolución técnica. El
método de Jean Charles François permite dibujar y crear sobre la plancha esta especie
de granulado que permite imitar al lápiz y la sanguina.

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  A la manera del pastel

Por otro lado, tenemos la manera del pastel, que nace a raíz de la proliferación técnica
del pastel y su creador es Louis-Martin Bonnet. En un periodo donde la proliferación de
la pintura galante y de estas técnicas desarrolladas del dibujo al pastel. Esto implica que
el grabado se coloreara de una forma muy sutil y con estas formas, lo que es el propio
diseño genera esa idea de pastel. El grabado se colorea con los tonos sutiles del pastel y
no se diferencia apenas de los dibujos. Igual que la otra, esa formulacion hace que se
expanda esa flora desde una perpectiva de grabados a color, coloreados a mano y que
imitan al pastel. Luis-Marin Bonnet

 A buril

Observamos perfectamente el burilado y el aspecto de grabado. Durero es uno de los

grandes.

 AGUAFUERTE

Llegados a este punto con estas técnicas que no tienen demasiada complicación y que
no implicaban componentes corrosivos del metal, aparece la técnica más importante de
la calcografía. A partir del siglo XVII se ponen de moda técnicas que aúnan determinadas
formas químicas y de análisis, como la técnica del aguafuerte. Esta técnica se va a
comportar como una de las técnicas más paradigmáticas dentro de la calcografía y se
basa en la indirecta y química, mediante la corrosión del metal a través de un mordiente,
que es muchas veces un tipo de aguafuerte; normalmente es al ácido nítrico, pero se
denomina aguafuerte a cualquier otro ácido. Esta solución es muy significativa y será
por ejemplo la que usará Goya. Permite al artista generar un alto grado de
espontaneidad librándose de la precisión que la calcografía tenía hasta el momento.

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El aguafuerte se engloba en el conjunto de las ―técnicas indirectas‖ del grabado
calcográfico. Consiste en aplicar barniz, antiguamente cera, sobre una plancha de metal
(zinc, hierro, acero, latón, cobre…) y dibujar sobre ella para después introducirla en un
baño ácido que corroe el metal por las zonas dibujadas. A mayor tiempo de inmersión
los surcos serán más profundos dando lugar a líneas más oscuras. Por poner un ejemplo,
sería como si se depositaran hilos de coser del gris al negro sobre un papel: los grises
claros corresponderían a mordidas suaves (cortas) y los oscuros a mordidas profundas
(de mucho tiempo). Esto sería para simplificar, pero el aguafuerte, que recibe su nombre
por el ácido que utiliza, puede ser abordado desde muchos puntos de vista. Además, la
explicación anterior no recoge la multitud de procedimientos existentes, refiriéndose
fundamentalmente a los trabajos lineales ya que para la mancha existirá la palabra
aguatinta, para texturas o imitación al lápiz el barniz blando, etcétera. El nexo común es
que todas usan un mordiente para su ejecución. Esquema del proceso en Manual del
Grabado El aguafuerte ha sufrido su propia evolución en cuanto a los productos y
materiales, que han ido cambiando con el tiempo. Actualmente la 87 forma de trabajo
tradicional va dando paso a un grabado más sostenible que modifica los soportes y
procesos y, lo que es más importante, también el concepto de trabajo en esta disciplina.
Desde el punto de vista histórico sería necesario hablar de una historia sobre
aguafortistas y una historia de individualidades que lo usaron para divulgar sus propias
pinturas. Posteriormente los altos grados de destreza y la sensibilidad de algunos
artistas consiguieron llevarlo a la categoría de arte. Pero para no caer en imprecisiones,
estos nombres deberán ser enmarcados en un contexto en el que también proliferaron
multitud de talleres y artistas menores que contribuyeron a la evolución, aunque desde
otra perspectiva. Cualquier estudioso deberá desbrozar la teoría desde las líneas
fundamentales en las que puede acercarse a este modo de expresión gráfica: desde el
punto de vista técnico, desde la historia de la estampa como medio de comunicación,
desde la historia de los aguafortistas y, por último, desde la propia estética del grabado
artístico, ya que fue utilizado como alternativa más plástica al buril, más duradera a la
punta seca y más descriptiva y versátil que la xilografía. Ya contaba más arriba las teorías
acerca de su procedencia de los talleres de armería, donde se grababan los petos de las
armaduras. Sobre papel, una de las obras más antiguas pertenece al Maestro del
Dietario, en el último cuarto del siglo XV. Independientemente de su origen alemán o
16
italiano, destacan por haber realizado aguafuertes de carácter artístico Urs Graf (1485-
1527) y Daniel Hopfer (1493-1536). Alberto Durero (1471-1528) grabó algunos
aguafuertes, aunque muy pocos, sobre hierro. 88 Piranesi, de la serie Carceri di
Invenzione, 1749-1750 A lo largo del siglo XVI, comenzó a extenderse su uso entre los
artistas, los mordientes mejoraron y apareció el barniz de retoque. En el XVII destacarán
el francés Jacques Callot (1592/3-1635) y Rembrandt (1606-1669) que sobrepasará a
todos. Ya en el XVIII Tiepolo (1727-1804) produjo aguafuertes con una técnica realmente
compleja, junto con Piranesi (1720-1778) que alcanzó verdadera fama con su serie
Carceri di Invenzione. La transición entre ambos siglos la hace la genialidad de Francisco
de Goya y una vez alcanzado el XX es raro el pintor que no lo haya practicado alguna vez.
De éstos, como en casi todo, hay que resaltar a Picasso a quien volveremos una y otra
vez. En el siglo XXI el aguafuerte supone una manifestación más de la gráfica
contemporánea perfectamente adaptada a su tiempo. Con respecto a la bibliografía
impresa, se debe consultar el segundo libro de Walter Chamberlain Aguafuerte y
grabado (Blume, 1995) por su capacidad de síntesis y el adecuado nivel de
profundización. También se puede acudir a cualquier manual que incluya las técnicas
principales, como el de Mariano Rubio Ayer y Hoy del grabado (Tarraco, Tarragona,
1979) o el de Dawson J. [Coord.] Guía completa de grabado e impresión: técnicas y
materiales. (Herman Blume, Madrid, 1982). En la red hay multitud de páginas que
pueden 89 consultarse. En inglés los términos más adecuados para la búsqueda son
etching + printmaking.

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Lo primero es lijar y pulir la plancha, como en todos los procesos de calcografía, para
que no queden impurezas ni manchas de grasa. Luego se barniza. Se transfiere el diseño
mediante un calco o pasante y una vez que lo tenemos rayado en la matriz se raspa con
punta de acero o punta seca. Tras eso se sumerge la placa en ácido nítrico, y es aquí
donde el proceso varía de los anteriores; anteriormente se marcaba con punta seca, se
entintaba y ya está, pero ahora se utiliza un mordiente, un ácido, en el que se baña la
plancha y luego se enjuaga con agua. Tras esto se limpia con aguarrás para volver a
observar el diseño trazado con punta seca; después se entinta para quitar los excesos,
se pasa por el tórculo (esto es lo que hace la estampa) y finalmente se consigue la

17
estampa en espejo sobre la matriz. Con esto se consigue que la plancha, por la reacción
química que le produce el mordiente, aparezca mordida, lo que permite el entintado. La
diferencia con la calcografía es que la pintura seca no ha rayado la plancha de cobre,
sino que se ha dibujado sobre el barniz. Es el mordiente el que muerde la placa de forma
espontánea y eso da al artista motivación, porque no sabe cómo va a quedar el dibujo.
El mordiente penetra en la parte donde se ha eliminado el barniz, y por eso modifica el
dibujo.

Se aplica el barniz de aguafuerte

sobre la plancha de cobre, se hace el
dibujo y se coloca sobre un
mordiente con el ácido cítrico se
deja actuar dependiendo del
proceso que se quiera, así la plancha
x la reacción química con el
mordiente, la plancha aparece
mordida, y eso permite el entintado.

El mordiente genera en el artista un punto de motivación al no saber cómo acabara su

obra, como en el caso de Goya. Hay un grado de expresividad mayor y sobre todo
destreza técnica, que implica también el tiempo que se quede el mordiente dentro de
la plancha para que así no sufra la plancha. El mordiente es el dibujo. El barniz no toca
la plancha, se toca el barniz, luego se mete todo en el mordiente, derritiéndose la
“gelatina” que los separa y que hunde las partes que hemos tocado anteriormente. Crea
el dibujo, pero no el fondo. Es una reacción química.

Precisamente todas estas técnicas van a tener un proceso químico que no está
condicionado por el artista, el artista solo intuye, peor hay un proceso toxico que él no
calcula. De hecho, muchos grabadores tienen problemas de manos o de visión.

18
 Barniz de aguafuerte = Gelatina

Matriz = plancha de cobre =

bandeja donde ponemos la
gelatina.

La punta seca = la cuchara. Con

la que raspamos el barniz
denso encima de la plancha de
cobre, haciendo el dibujo.

Luego lo metemos en un agua especial que sea = un mordiente = aguafuerte

(normalmente ácido nítrico) y de repente en las partes libres de barniz, muerde la
plancha, se la come, pero nosotros no hemos rallado esa plancha. De esa forma, una vez
mordida y limpia, es entintada.

 Aguatinta

Se parece al aguafuerte y la inventa Jean-Baptiste Le

Prince en torno a 1760. El aguatinta permite dar una
impresión más similar a los camafeos, una idea de un
dibujo acuarelado. El procedimiento es limpiar bien
la placa con desengrasante porque la grasa podría
producir reacciones químicas imprevistas. Así pues,
se limpia, se seca y se barniza. Tras esto, se raya el
barniz y se hace el dibujo y tras eso se hace un calco
del dibujo para colocarlo en la plancha, le da los
retoques y tal. Después se aplica el mordido de
ácido, para lo que la plancha se debe colocar con
extremo cuidado y tacos de madera (técnica que utilizaba Goya) y tras unos 40 minutos
como poco, se saca la plancha y termina la reacción química del mordiente. Luego, para
eliminar el barniz restante se utiliza un aguarrás. Se realiza después el entintado, se
retira la parte de tinta que se quiera; en muchas ocasiones se humedece el papel de la
estampa.

19
Hasta aquí todo es igual que en la técnica del aguafuerte. Y la novedad que aporta Le
Prince y usará Goya es que se aplica una goma de resina espolvoreada en la plancha

Italia: Calcografía nacional con más de 2000 planchas. Fundada por el Papa Clemente XII
con imágenes de la cristiandad. En España la calcografía se vinculará a la imprenta a
partir de 1787. La calcografía funcionaba como si fuera una imprenta, un taller de
grabado donde los artistas podían hacer allí sus planchas. Queda en buena medida claro
con una carta de Goya donde se comunica a la calcografía, que vende sus planchas a la
calcografía, la idea del fraude a su majestad, para que no se generen fraudes. Y soportar
una deuda, pues los caprichos no habían tenido éxito. Francia: Calcografía del museo del
Louvre iniciada por Colbert 1600. Será en 1787 cuando se denomine calcografía. Bélgica:
Las más pequeñas de las calcografías europeas. Se inicia en el siglo XIX. A su vez en el
Louvre se conserva la colección de artes gráficas.

Se da una impresión más similar a los camafeos, a esa idea de dibujo acuarelado. A
diferencia del aguafuerte. El aguatinta va a ser una forma bastante interesante. El dibujo
se realiza. Acaba la reacción química por morder la plancha y luego se usa un aguarrás.
El aguafuerte es el barniz que se aplica. Se produce el entintado como en una plancha
calcográfica, se retira la parte de tinta que se quiera, en ocasiones se humedece el papel
(sobre todo en las técnicas contem poráneas).

Le prins se inventa, pero goya pone en manifiesto

se le aplica calor luego resina cuando ya está la
plancha al aguafuerte. A partir de ahora comenzaría la técnica del aguatinta: para ello
se usa una goma de resina, que se va a espolvorear, se aplica calor sobre la matriz, esa

20
goma se expande, genera esa rugosidad en el metal, se aplica barniz nuevamente (no
tinta) en aquellas partes que se quiere reforzar, se vuelve a meter en un mordiente para
generar otro nivel de volumen, lo vuelve a morder y así una vez limpiado con aguarrás
todo; se entinta, se mete en el tórculo y obtenemos finalmente esta solución.

Es decir, todo aguafuerte no es aguatinta, pero todo aguatinta es aguafuerte.

Primero se barniza, se mete en el mordiente, luego con la punta seca se raspa el barniz
y luego al mordiente. Las partes que se barnicen y se meten en el mordiente hacen el
efecto de claroscuro que se genera en dos capas, se recoge menos tintas. Cuando
volvemos a afectar el mordiente en determinadas partes del mordiente hay menos tinta
en el fondo.

Lo que se hace es el proceso del aguafuerte repetidas veces, con una resina, goma
arábica que calentada genera una reacción química
sobre la plancha que genera una nueva rugosidad. Un
aguafuerte sin un aguatinta no tiene esa rugosidad ni
peculiares coloridas.

Siempre hay un calor para que la goma arábica

genere esa rugosidad. Se espolvorea, la goma se va
diluyendo con calor. El tamaño del poro encargado
de retener la tinta depende de la temperatura del
ácido, el frio…Por tanto cuando nosotros vemos
estas obras del XIX y si no tuviera huella podríamos
pensar que es un dibujo.

El aguatinta es una técnica con la que se consiguen efectos pictóricos y zonas de mancha
prescindiendo del entrecruzamiento de líneas. El procedimiento más común consiste en
espolvorear y fundir resina de colofonia (u otros materiales) sobre la superficie de la
plancha, de manera que actúe como una reserva por puntos. Una vez depositada y
fijada, se somete a la acción del mordiente que en función de los tiempos producirá
tonalidades más o menos oscuras. El aspecto dependerá del grosor del polvo utilizado y
de la densidad con la que se deposite: a mayor concentración el efecto será más claro y

21
viceversa, ya que hay más zona del metal protegida. Su origen data del siglo XVIII,
cuando los artistas intentan recrear el efecto de las acuarelas o dibujos a la aguada.
Parece ser que el primero que lo usó en 1760 fue JeanBaptiste Leprince (1734-1781).

La resina puede aplicarse en la caja resinadora o con un tamiz, aunque para conseguir
tonalidades uniformes y negros profundos es mejor la primera. Una vez aplicada se
hacen las reservas correspondientes con barniz o con un lápiz graso, de cera o
litográfico, que permitirá crear las tonalidades en degradación. Por regla general, la
resina y el trabajo de línea suelen ir acompañados. Es aconsejable realizar primero la
línea y después la mancha. En sucesivas pruebas de estado, se volverá a barnizar para
continuar la elaboración del dibujo.

Hay multitud de variantes tanto en su versión más básica como en el aguatinta al azúcar.
Se puede realizar también pulverizando laca de bombillas, pinturas sintéticas (de coche
o graffiti), betún de Judea en spray, presionando papeles de lija sobre el barniz,
mediante el mordido a la sal, con flor de azufre, etcétera.

Todas éstas presentan la ventaja de no necesitar calor para su aplicación y, según la

mano del artista, producirán un efecto u otro. Todas estas técnicas relacionadas
merecen capítulos independientes. Ahora lo más importante es comprender la esencia
del proceso: una reserva por puntos que permitirá dar una superficie encrespada a la
plancha, de mayor o menor profundidad, en la que la tinta pueda introducirse.Pasos del
procedimiento general de aplicación de la resina

Pasos [según esquema]:

Antes de todo: desengrasar la superficie de la plancha, para que la resina no se despegue

y proteger el reverso. Esto último se hará según se aplique calor o no.

-Resinar, espolvoreando la resina sobre la superficie con máquina o manual con

cualquier producto pulverizado. Atento a la cantidad para no ocluir la superficie.

-Fundir la resina, de forma muy suave. No excederse con el calor ya que se formaría una
capa impermeable 92

22
-Dibujar las reservas bien con pincel y laca de bombillas, o barniz de retoque y/o con
lápices grasos.

-Mordentar preferiblemente con ácido débil para que no salte y se produzcan calvas.
Proteger zonas y morder varias veces.

-Resultado sobre la plancha.

-Eliminar todos los restos. Se ha de tener en cuenta siempre cuál es el solvente de los
productos que se apliquen. La resina se disuelve con alcohol, el barniz oleoso con
trementina… Hay que evitar el uso de disolvente universal, es demasiado tóxico.

-Entintar la nueva superficie ―encrespada‖ de la plancha donde la tinta encontrará un

anclaje para no ser arrastrada por la tarlatana.

Para ver imágenes y todos los pasos del proceso dirígete a la página de Manual del
grabado de donde procede el esquema anterior realizado por Pilar Lloret & Jordi i Milena
Rosés, del taller Murtra Edicions. Se encontrarán más fotos muy cuidadas. También se
conocerá cómo funciona un taller de edición de obra gráfica. Recomendable.

 Técnicas aplicadas al aguatinta

Otras técnicas podrían ser: el grabado a la sal, con arena, al azúcar, al azufre, a la miel,
grabado al lavado. Procedimiento que se basa en extender sobre la plancha una ligera
capa de barniz de secado lento. Cuando está todavía húmedo se espolvorea, mediante
un tamiz, sal común muy fina, arena, azúcar, la cual se incrusta dentro del barniz. Una
vez seco éste, se produce un punteado que depende de la cantidad del graneado del
material que había sobre la matriz- plancha-

Todas son calcografía por la plancha de metal y aguatinta x la resina que es sustituida.

o Grabado al azúcar.

Azúcar + tinta china.

23
 Muchas veces las aguatintas no requieren un dibujo
previo. Hay muchos autores a partir del XVIII que
hacen esto ese carácter de poder dibujar fácilmente
sobre el barniz. El dibujo se dibuja directamente con
tinta china y azúcar que es lo que luego da esas
fórmulas.

o Grabado al azufre.

Son aguatinta. Piranesi y Rembrandt.

Carceri d'invenzione.1761.

Todas pueden generar una técnica llamada Lavis, se

verán una solución muy acuarelada.

o Barniz blando

Un tipo de proceso relacionado con el aguatinta. Se usó mucho en vanguardia.

Consiste en elegir una serie de elementos que se quieren reproducir, se pule la
plancha, se seca y se aplica el barniz blando sobre la
plancha con un rodillo. Se calienta la plancha de
cobre, se humedece el papel y sobre el barniz blando
y caliente se colocan los objetos preferidos. Se pasan
por el tórculo, aunque no es necesario, con una
esponja y aplicando poca presión. Se retira el papel,
consiguiendo de esta manera, que se quede el
dibujo. Se procede a morder la plancha con un

24
aguatinta, se aplica calor, se genera la plancha el dibujo, se entinta.

Algunas autoras como la impresionista Mary Casatt fue una gran propulsora de esta
técnica.

o El Lavis o efectos aquarelables

Se realizan en el s. XVIIII en un momento en que la técnica de la acuarela es muy

popular. Técnicamente consiste en aplicar el ácido directamente sobre la matriz con
un cuentagotas u otros instrumentos. Tiene texturas. Directamente con el pincel
sobre la plancha se van a colocar algunos elementos.

= Se trata de morder directamente la plancha (previamente resinada), mediante un

pincel resinado en el ácido puro. Sus efectos son como si de un lavado se tratara, un
tanto acuartelados. Se considera una de las técnicas de estampación más pictóricas,
pareciéndose a la acuarela. El resinado en ese acido crea esos efectos.

Este tipo de grabados producen un efecto semejante a la aguada que se consigue

con la acuarela. Sin llegar a los valores intensos se obtiene pinceladas degradadas de
gran riqueza en medios tonos.

El olfato. 1774, Aguafuerte. Aguada sobre

papel.

Aparecen como si se trataran de un aguatinta.

Todo aguafuerte no es aguatinta, pero toda

aguatinta si es aguafuerte.

Por lo que a veces las nomenclaturas son

confusas. Esto siendo un aguafuerte hay que
catalogarlo de aguatinta.

El propio pincel con el ácido va dibujando esas

soluciones tan acuareladas y en función de la
forma que tenga el ácido o las capas de
mordiente se va a conseguir las diferentes texturas. Es una aguatinta en donde se

25
 muerde la plancha que se ha resinado previamente y con un pincel resinado mojado
en el ácido puro, se va creando eso no intentando a acuarela.

Se continua con otras técnicas tras la vanguardia. Queriendo un aire más pictórico al
de la calcografía, y no intentando utilizar los procedimientos técnicos de la litografía;
que ya por estas fechas era entendido como un proceso mecánico. La litografía había
sido dejada para los maestros grabadores.

o Carborundum

Henri Goetz (1909-1989). En q968, publica para la Galeria Maeght su texto La gravure
au carborundum, prolongado por Joan Miró. Publica la técnica que el mismo hizo
durante años. Es como la resina o goma arábica para esos mordientes. Da una solución
plástica. La composición de colores es muy limpia, no nos percatamos de que es un
grabado sino es por las líneas, permite aun así mas registros que la litografía al uso.

Miro le dedicó una carta. Permite difundir más que un

cuadro, todo un grabado de estas características tiene la
misma dignidad y belleza que un cuadro. Aquí, hay una
idea de reproducción, de determinadas obras con este tipo
de técnicas. De hecho, el propio miro realiza obras con esta
técnica.

Sobre una plancha se pinta directamente. Con una tinta de

alta densidad que se adhiere bien a la superficie,
suprimimos el exceso de tinta. Se pasa por un rodillo. Al
trabajar así, no se necesita mordiente, pues la propia tinta incide sobre la plancha. Así
se consigue que ese proceso pictórico, sea extraordinario. De este modo, los procesos
de creatividad son mucho mas fáciles. Con gran sentido estético. Hay personas que
consideran que el grabado contemporáneo de esta técnica, no proceden de la misma
experiencia, pero el grabado no necesita muchas veces, la superficie horadada para
entender que han sido horadadas.

Dentro de esa misma idea encontramos:

o Gofrado o estampación en seco

26
El gofrado – aguafuerte profundo o aguafuerte en relieve

Es una técnica de grabado que consiste en la estamacion de un matiz grabada

acentuando las texturas y los relieves, en la que normalmente no se aplican con ninguna
tinta alguna. Normalmente pueden tener mordientes o no. Si lo tienen:

Se realiza protegiendo las partes de la plancha que no queremos que sean atacadas por
el ácido, mediante barniz. Luego se sumerge e un mordiente, dejando más tiempo de lo
habitual en inmersión, para acentuar los relieves. En otro tipo de gofrados se hace en
seco, por eso se llaman estampaciones en seco; no tienen mordientes.

Con mordiente: Se piensa y abofetea la composición, se moja el papel abundantemente,

se seleccionan los materiales, se preparan según el diseño, se pegan sobre una plancha
o cartón, se quita el exceso de humedad, se pone la matriz sobre el tórculo, se pone
encima de la matriz el papel y se tapa todo con la manta y el papel de seda y se pasa por
el tórculo. No hay mordientes (creo). El gofrado crea las texturas. Es papel abultado, el
saliente suele estar en blanco, esto se da gracias al mordiente se generan las formas.
Ver video

o Monotipo

Es una técnica que se va a utilizar desde siglo XVII, inventada entre otros por Benedetto
di castiglione. Va a tener unas peculiaridades muy peculiares con respecto a otras
soluciones. Se dice que esta técnica es la que se trasfiere la estampa mediante contacto
con la imagen pintada o dibujada en un soporte rígido cuando el pigmento esta todavía
fresco. Se parece al camafeo, solo que esto es mediante una plancha calcográfica de
metal.

El monotipo es una mezcla entre la pintura y el

arte gráfico. Como su producto final es una
estampación, se incluye en este modelo. El
soporte que contiene la imagen definitiva es
distinto de aquel en el que ha intervenido el
artista. El artista interviene en una cuyo resultado,

27
es el negativo de la mima y el tórculo es quien hace el resto. De ahí, que no se considere
una técnica pictórica, sino que este dentro de las estampaciones gráficas.

Va a ser muy habitual. Va a coincidir con

toras formulaciones, a lo largo de la
historia ser utilizada por impresionistas,
principalmente por Degas, Whistle,
Pissarro y Gauguin.

Desde un punto de vista antropológico, es

curioso como el grabado, tiene un cierto rechazo, normalmente se da a conocer por
personas externas, no llama la atención.

Se usa formica. Una técnica muy agradecida, cuya plancha o matriz es barata y
resultona. Como cuando pintabas una hoja con un montón de ceras de colores y luego
rascabas, pero esto con un diseño encima, se recorren las líneas y se quita esa hoja,
quedando en la otra cara los colorines.

Con el mordiente si queremos más detalles, se usan planchas de diferente nivel para
que vayan mordiendo y genere figuras más complejas. Sin mordientes, tendría que tener
un dibujo y no se puede generar grandes volúmenes.

Los resultados son siempre distintos. Son técnicas que se genera en el xvii. Se pinta con
colores al óleo sobre la plancha y solo se obtiene una estampa. Pero desde que existe la
técnica, para que el artista tuviera maneras de aprovechar lo que había pintado, en
ocasiones, el artista no hace uno solo. El dibujo no va a ser como el anterior, que la
solución se estampaba por detrás de la hoja;
ahora el folio donde se hace la figura nunca va
a ser el reverso de la estampa, va a haber un
folio intermedio para trabajar (calco). Así se
permite reutilizar otra vez en las planchas ese
mismo diseño. Aun así, el resultado no será
nunca igual. La matriz se puede seguir
empleando en más de una ocasión.

28
En ocasiones el propio monotipo sigue el reverso de la línea. Se puede hacer un
monotipo con un reverso y un anverso. En el reverso está el boceto y luego el resultado
final. La matriz no se ve horadada con colores…no tiene nada, se desarrolla un boceto.

Será fundamental en el impresionismo, uno de los autores que mas recurre a ella es
Degas. Es una técnica muy singular, el artista pinta un negativo para conseguir el
resultado final. Peculiaridades mágicas. Genera morbo.

LITOGRAFÍA
Producto de la revolución industrial. Una de las grandes técnicas, que se descubre
producto de esa ilustración, se inventa a finales del siglo XVIII. Otra de las técnicas del
siglo XIX. Se inventa en la forma contemporánea moderna en el 1796. Aloys Senefelder
(1771-1834) inventó la Litografía en 1796.

Se utiliza desde el siglo xix, es una de las grandes

revoluciones del arte gráfico. A raíz de su desarrollo
técnico nos vamos a encontrar como en los
procedimientos mecánicos van a cambiar. Nos
podemos acercar más al realismo.

29
Por un lado, algo que será fundamental es un proceso diferente en el tórculo. El tórculo
no puede ser el mis, necesitamos pues un grosor distinto para la piedra. Por otro lado,
otra cuestión que lo diferencia de la otra técnica es el tamaño de las estampas. La piedra
es más grande, pues maquina más grande. El formato en la estimación cambia, se
permiten grandes planchas, cosa que en la otra técnica no se podía. La piedra va a
generar una mayor posibilidad de estampar un buen número de obras sin que se
desgasten, por lo tanto, tiene una gran productividad del desarrollo de la técnica de cara
al negocio mayor.

Consiste en una piedra dura que sea fácilmente trabajable. Se van a utilizar unos
materiales específicos para piedra. Se genera, por tanto, una plancha calcográfica del
dibujo sobre la propia matriz y se dibujoa?. Es necesario que la tinta se quede
impregnada en la propia pieza. Luego se pone un papel y se pasa por ese nuevo tórculo
horizontal, se mueve la piedra, no hay rodillos. Nos permite una alta serialidad. Se pule
con otras piedras. Se regula el volumen para no tener problemas de distorsión. A
diferencia de la calcografía no nos encontramos planchas calcográficas de buena parte
de obras, porque el artista las reutiliza. Las alisa y vuelve a usarlas. Boceto en papel de
arroz, debajo papel con tinta de alcohol y se calca en la plancha, con un doble esfuerzo.

Cuando esta calcado se hace el dibujo, de nuevo con doble esfuerzo, cuando está
acabado hay que horadar la piedra para que la tinta pueda permanecer en ella, se hacen
rayas donde va la hendidura. Se utiliza goma arábiga como en las aguatintas, que se
esparce. Y se procede a la impresión.

30
Las primeras técnicas litográficas sí que
utilizaron instrumentos para rayas, lo que
inventaron a finales del XVIII es una
fórmula que permite sin necesidad de
horadar que la piedra se grabe; gracias a
la goma arábiga, a un mordiente. Es lo
mismo que sucedía con el agua tinta al
aplicar el barniz y el mordiente aquí es
más o menos igual. Este tipo de plancha lleva cosas como barnices que la rayan. No muy
distinto al aguatinta. Hay un antagonismo entre el agua y la grasa. Eso pasa también en
el aguatinta, pero aquí es un proceso más superficial. La fijación depende del betún o
productos ricos en grasa. Las zonas sin dibujo rechazan la tinta

 Litografía a lápiz.

Se dibuja sobre la pieza la plancha

litográfica o el papel reporte con un lápiz
graso especial, que deja efectos
granulosos. Como si fuera un dibujo a
lápiz. Se distingue mucho por lo que tiene
abajo.

 Litografía a tinta

Hecha con pluma, pincel o efectos de aguadas. La técnica litográfica se basa

directamente de la relación y reacción entre la grasa y el agua. Se dibuja con
materiales grasos que posteriormente se convierten en las zonas de tinta de la
31
imagen. Asimismo, el resultado blanco en la imagen corresponde a las zonas exentas
de grasa. Se pinta con pinceles, con tinta grasa, solución acuosa. Es una imitación a
gran escala y hecha en piedra como matriz del aguatinta, de forma visual acuosidad.

La única diferencia entre estas dos técnicas de dibujar a lápiz o con tinta, es
básicamente es el soporte. El lápiz es un lápiz graso que va a permitirnos unas
texturas como si se tratara de un dibujo. si no hay huella no es calcografía. También
el grado de minuciosidad es mayor con el lápiz.

 Salpicado.

Texturas que permiten un salteado. Un punteado. Toulusse-Lautrec lo utilizo para

conseguir manchas y suaves difuminados. Con pajitas, formas que permitían actuar
sobre la matriz con este tipo de salpicado

 A LA MANERA NEGRA

Las imágenes se componen en blanco mediante

reservas o rascados sobre la superficie totalmente
negra de la piedra litográfica. Se utiliza goma arábica
con ácido nítrico mezclado; se expande en la piedra, se
deja secar y cuando se seca se utiliza aguarrás para
borrar la imagen. Después se pone tinta para impresión
sobre la imagen, se deja reposar y se retira la goma
arábiga con una esponja. Dejando una película muy
fina de agua, siempre se mantiene húmeda nuestra
imagen. Se procede a entintar: se aplica presión con un rodillo…

 Fotolitografía – Offset

Se trata de una técnica industrial. No es una litografía como tal. No tiene piedra.
Viene derribada de ella, pero se inventa para metales, impresión sobre estaño sobre
1875 en Inglaterra. Entornia 1903 se utiliza en papel. Sus similitudes con las técnicas
litográficas: rodillos (de distintos colores algunos). La idea es q unos rodillos se
entinten de distintos colores, y que la plancha de metal) se va a grabar y luego será

32
el papel el que vaya entintando cada momento los 4 colores básicos: el cian, el
magenta, el amarillo y el negro. Que aparecen en los bordes. Estilo revista

Base de aluminio que garantiza una estabilidad dimensional absoluta en la imprenta,

es muy resistente = muchas copias. Este proceso de producción dura 6 meses o más.

Hay varias fases de producción

1. En la primera fase la bauxita se convierte en aluminio.

2. Muestran como los bloques de aluminio se convierten en bobinas
3. Estas bobinas se convierten en las planchas de impresión de alta tecnología

Una plancha de aluminio que se va a horadar, se hace el dibujo ahí como si fuera una
calcografía. Se imprime con las técnicas nuevas, se grava la imagen y con los colores
primarios pasan los rodillos sobre esa lamina que ves va imprimiendo poco a poco.
En esta parte va a ser necesario que el papel pase como 2 veces por la plancha: una
para entintar el negro y otra los colores. Se suele, en ocasiones cuando hay pocos
colores, si la placha se ha movido los colores están alterados = en revistas.

Como una impresora con dos tones uno en negro y otra en color por ahí pasa la
matriz, la plancha de aluminio. La plancha es negativa y el resultado el positivo. El
dibujo en la matriz es el inverso al que vemos. Una característica de estampas, por
eso es una técnica derivada del grabado.

En principio fue diseñada para grabar en estaño, y a raíz de la revolución industrial y

la revolución de la imprenta, Washington cruber genera esta nueva fórmula.

SERIGRAFÍA

33
 Muchas veces se ha usado para hacer camisetas. Se emplea desde la época japonesa,
sobre todo en oriente. Su nombre bien de la utilización de la seda para poder
estampar. Por eso algunos no la consideran un grabado. Como el artista o actúa
sobre el resultado final se considera una técnica xerográfica.

Necesita de una maya y de una tela. Algo muy

desigual a lo anterior. Es necesario que el bastidor
este bien tensado para no generar ninguna rugosidad.
Se grapa, se adhiere y con el dibujo en el que se ha
aplicado un tipo de aceite, en un tipo de hoja que
permita ser mojada. Se quiere traspasar el boceto a la
propia maya. Se le pone peso. Parece un resultado
holográfico, así ya tienen la formula en la maya, que
permite entintar. La maya actúa como si fuese una matriz; hay partes en las que no
tiene color porque

GRABADO OBJETUAL
Son grabados en relieve. Se graba mediante un molde como, y luego se pone las piezas que se quiere
componer. Esa estructura genera un negativo que es el que nosotros tenemos. Surge en los 80 aunque
había experimentado en las vanguardias. Nosotros vemos el resultado de un molde previo, se saca de un
molde. Se intuye el material con el que se ha hecho la matriz.

Se trata de corcho blanco, el corcho blanco es el

molde del grabado. La resina o silicona que se
haya generado para este resultado viene.

En ese corcho blanco se ha puesto una estructura

de masa de silicona, la estampación de un molde
que previamente se le han puesto cosas, pero que
en realidad si se le quita la silicona, antes del
resultado es una masa de distintos colores, solo
que el artista pone los colores dentro del molde o terminar de pintar. La matriz esta sobre el corcho.
Nos permite hace un grabado con lo que queramos. El almuerzo del artista.

34
 los tenedores son los propios pinceles sobre
las servilletas. La espátula de la izquierda al
levantarla no tenemos la sensación de ver la
espátula, los pinceles han quedado más
auténticos. Porque al levantar el molde, el
bajorrelieve que se produce da la impresión
de ser un pincel. En este caos s ele ha
aplicado colorante a la masa, cuando
nosotros retiramos la silicona esta esta
colorada, por eso las reproducciones son
ideales. Hay na cierta serializad.

PRECIOS DEL GRABADO

 Según Teniers. La basse cour y la fru
Grabado de época. 120 e de salida. Hay varios grabados que según el momento
van a subir mucho. Calcografía: escala de grises.
 D. Teniers. B. Baron. Juego de cartas.
Dos obras del mismo autor. Uno está en inglés y el otro no. Se genera en otro
contexto geográfico: o pierde la singularidad de la misma o generan un cierto
desajuste. Hay aguatinta, pero es una plancha calcográfica (esta la huella). No
toda composición de esta época es aguatinta. La huella es lo que genera la
presión de la plancha sobre el papel.
Huella = se nota la presión
Cubeta = se nota toda la estructura.
Muchas veces se piensa que son lo mismo
 C.Van Falen. FBassan. Retour de la champagne y L´Utile accident.
Par de grabados. 100 e.
 Giovanni Battista Piranesi. Frontispicio con estatua de Minerva de las Vistas de
Roma.
Un aguafuerte. 900 e por ser la
segunda edición. Mas barato.
Tampoco es el mejor elemento de su
obra.

35
 Le Antichitá Romane III: frontispiece. Una primera edición de la antigüedad
romana. Pese a no ser la mayor
adquiere un precio menor. Porque es un
tipo de grabado con una altísima calidad
de 1,500-1500 e, de estampación con
grandes contrastes. Aguafuerte. Etching
significa aguafuerte. Sentido muy
pictórico en los cielos, con ácidos.
 Veduta delle due chiese… presso la colonna trajana.
Edición que tendría que haber sido
mucho más cara. 1.500-2500. Es su
primer estado. Aparece el precio y la
propia estructura de la dirección de
piranesi. El comprador se reserva
obtenerlo por ese precio. A veces el
propio propietario puja por la pieza
para preservarla.
 Manuel salvador Carmona. Calos III.
Aguafuerte. 40e. es pequeña, es un fragmento, que
no tiene huella, esta recortada. Papel pegado a la
estampación. Aguafuerte con una gran calidad
técnica. Grabador al margen de goya.
 Georges Louis lecrec, conde de buffon.
Serie de cuatro animales de caza. Cuatro grabados
coloreados de la histoile natirelle. Tiene un mercado
menor y de ahí que pese a ser, una pieza de la
escuela holandesa del xvii tenga una salida.

36
 Escuela suiza. Verdadero retrato de la Milagrosa imagen de la Maddona
Einsiedein. Grabado recortado sobre papel dorado con
telas aplicadas acrílico arriba sss deus… 200e
Siglo xviii. si hubiera sido de un mercado español
hubiera ido mejor. Este grabado suizo no genera gran
expectación. Es un grabado porque tiene huella, no una
xilografía. La estructura de la huella no nos deja ver es
singular su uso de papel sobre dorado para colores
determinados elementos, incluso con otro tipo de
estampación; generando cierto sentido honorifico.
 Henry Abrham Chatelan. Árbol genealógico de la casa de los Austrias.
Con ramificaciones de los príncipes de Europa hasta
el año 1708. Ámsterdam. Grabado coloreado para el
atlas histórico. 500e. Las planchas de grabados de
árboles genealógicos tenían grandes dimensiones.

 Abraham Ortelius. MAPA DE TOLEDO, GUPUZCUA Y CADIZ.

Barato porque tiene ciertas faltas. Sin embargo, otros posteriores, salen al
mercado y se rematan por nada.
Todo lo que concierne a grabados de la alhambra tienen cierto éxito tratando
en determinados lugares. Se venden dos aguafuertes y se rematan ambas por
255e, no sube a penas nada. Como el mapa de España con escudo del reino,
cartela decorativa y naves su
 Piter van den berbe (segunda mitad del s.xvii)
Par de vistas del “patio de los leones de la
Alhambra, Granada” y el “Patio del palacio Carlos
IV en la Alhambra, granada”. Dos aguafuertes sin
marco. 180 y 275

37
 Villaamil- bichebois y bayot. Pareja de litografías con vistas de la catedral y
exterior de la Iglesia de la Magdalena de Zamora
Es una litografía, porque se consigue un realismo mayor. También el hecho de
que no haya resto de huella. Salida 140 remate 140
Llegados a este punto nos encontramos con Goya
 Goya, Muchachos al ovio.
Es una técnica mixta que combina el aguafuerte. Printed es
la estampación. Tiene ese sentido pictórico con grandes
trazos y no se vende, pese a los constes que tiene y a ser la
primera edición; incluso tiene los márgenes.
2000-3000
 Goya, están calientes. Aguatinta.
 Goya, estampa nuero 32 de los caprichos.
Pese a ser una edición del año 37, llega a 600 e frente a otras
que, aunque se usa la plancha original. Es una obra
interpretada. No deja de ser un diseño de goya, es un original.
Esta obra no se puede decir que sea de interpretación, porque
el diseño lo inventa él. El problema es quien inventa la
composición, y otro que la plancha usada sea la de goya. Las
planchas nunca llegan a subasta. Están bastante protegidas para evitar
falsificaciones. Es una obra de goya que se puede diseñar en otra plancha.
Grente a The astist´s mother seated, in on oriental headdress: half length, de
rembrant que estuvo en toda la obra se ve una clara diferencia. 15.000-20000.
Sin embargo, frente a peasant in a high cap, standing leaning on a stick, los
márgenes son muy pequeños, frente al anterior en la que también se veía la
huella. Sin embargo, esta. El grado de la tinta es muy distinto, con una altísima
calidad.

38
 Durero, st.jerome by the pollard willow.
A punta seca. Tiene ese sentido, es el tercer
estado. De hecho, aparece que ha formado parte
de una colección de Hamburgo. Curiosamente, es
un diseño de los 8 que se han encontrado de
diseños de punta seca de Durero. No nos dice
cuándo se ha impreso, porque la plancha ha
circulado muerto Durero. No por ser Durero es la
época de Durero, de Durero es la plancha, pero
he papel puede ser del siglo xviii. 2.000-30003.
Sigue habiendo
xilografías sin márgenes y a falta de elementos que se
venden por menos, incluso con el papel deteriorado no
de su época.
 Jose de Ribera, saint Jerome Hearing the trupet of the
last judgment. Etching
En el mercado español es raro encontrarnos artistas.
Algunos se estiman a un precio que luego suben otros.
1.500-2.500
The martyrdom of St. Bartholomew.
Etching. 1000-1500 a 3000

 El famoso americano marino Ceballos, Goya.

Es una litografía a lápiz, raspador sobre papel. Copia una
obra de goya, por eso aparece su firma. Es un torero
mexicano, que era una celebridad de la
época.

39
  Rembrandt van run. A pesant in a high cap, satnding
leaning on a stick.
Etching. Estimada en 3/5000.

The artist mother seated

20000.etching

 Henri touluse lautresc. Litografías

coloreadas, en la piedra.
 Picasso y Matisse tiene artículos muy parecidos.
Matisse quiere generar un marco en la composición
incluso cromático, que hace que e firme sobre el papel
en el cual esta pegado. Pero no hay huella. Litografía.
15.000-20.000
 Giovanni B.Tiepolo. pastorella e vecchio con scimmia. Etching. 2000-3000.

40
 TECINCAS DEL DIBUJO
Debemos distinguir varias cuestiones. Léxicos: hablamos de boceto, bosquejo, mancha,
apunte, borrón, modelo. El dibujo no tiene el fin de plasmarse luego en un lienzo. Los
dos grandes son bosquejo y boceto. Léxicos:

 BOSQUEJO: se considera al primer trazo de cualquier idea, concepto o plan.

En sentido general, se asocia al bosquejar se adjudica desde el plano
mental….termina ahí su etapa de exploración
 BOCETO: es la idea plasmada tal cual en cualquier medio gráfico. Se podría
decir que aquí termina la etapa de exploración. Luego será reproducido.
 Mancha, apunte, borrón y Modelo.
 Cuando se habla de modelo la idea es que sea una composición más exacta.
Se lleva a cabo. Los apuntes son también ese tipo de forma, están con la
mancha dentro de esa idea. El resto carácter temperamental, de los primeros
trazos.

TÉCNICAS DE DIBUJO
 Secas: grafito, carbón, pastel, lápices de colores, sanguina y sepia.
 Húmedas: pincel y tinta, pluma y tinta, rotuladores y estilógrafos. Con tinta
húmeda.

DIBUJOS A LAPIZ
Normalmente nos encontramos con lápices derivados de carbón. Tenemos lápices del
rojo de arcilla, la sengina y el lápiz negro que es considerado grafito ingles que la mina a
diferencia del carboncillo era de plomo. Esa estructura va a ser inventada durante el
siglo xviii muy empleada pro autores como goya. A partir de este siglo vienen una nieva
tenía que son los lapies conglomerado polvo mezclado con materiales arcilloso y es lo
que su autor va a generar como el lápiz.

 El dibujo a lápiz se define por el material empleado: lápiz negro, lápiz blanco de
yeso y de color, a los que se suman tizas coloreadas.

41
  El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión
lenta de la madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su
duración.
 La sanguina es un lápiz rojo de arcilla ferruginosa.
 El lápiz negro que se usaba en época de Goya era el grafito inglés, cuya mina se
fabricaba con plomo. En 1790 se inventó una nueva técnica de fabricación de
lápices: el llamado lápiz Conté. Se trata de un conglomerado de polvo de grafito
y arcilla, que sigue utilizándose hoy en día para la fabricación cd países
corrientes.

Cabeza de ángel. Goya.

Dibujo preparatorio para el fresco la gloria o adoración del

nombre de dios. Basílica nuestra señora del pilar, Zamora.
Lápiz rojo y toques de clanon sobre papel de estracilla
verdujado marron.1772. en el prado.

Cuando se vea lápiz rojo y toque de carrieon es una

sanguina, pero en lápiz. Existen lápices con el color de la
sanguina.

 MATERIALES

También son importantísimos todos los difuminos que existan. Determinados

materiales que permitían difuminar principalmente el carboncillo. La goma, que en
origen era maleable se hacía con migas de plan. Se han utilizado miles de herramientas.
Podemos encontrar diversos materiales para poder trabajar con esta técnica:

 El difumino era una especie de lápiz hecho con papel enrollado muy poroso que
permitía eliminar
 Goma (maleable)
 Lija
 Esponja
 Trapo
42
CARBÓN
Posiblemente el más empleado a lo largo de la historia también existe el nsk de hueso
que era bástate empleado. Lo más habitual eran los carboncillos.

El carbón se usa desde que los hombres ¡s en las cavernas cubrieron la paredes con
dibujos de animales de caza, usando palos quemados. Esta técnica se puede usar para
dibujos más elaborados como hace Jim Dine, peor lo más natural es utilizar la soltura y
viveza del carbón, como los dibujos más libres de Daumier o Millet que plasmaba la
atmosfera, la luz, y el color del campo. Degas lo usaba demostrando la importancia de
la línea, la forma y Matisse destaca el movimiento. En la actualidad, el carboncillo se
fabrica por métodos sofisticados, pero simplemente es madera quemada, y es el
método más antiguo que se ha utilizado para el dibujo. para su fabricación se suele
utilizar la caña de sauce.

GRAFITO
Lápices de grafito

Alberto Durero utilizaba la punta de plata para conseguir dibujos muy sutiles, aunque
tenía algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello siguió
buscando, para encontrar un medio más inmediato: el grafito.

Dentro de esa estructura de carboncillo van a surgir los países de grafito, usando el
carbón con otros materiales mezclados con masa arcillosa. Previamente a esta forma
que se usaba, cuando se quería hacer un trazo perfecto se usaba la punta de plata, una
estructura con un estilete de madera al que se le ponía una punta y se permitía dibujar
en diferentes soportes, incluso en pergaminos. Había que preparar el soporte, pero se
conseguían los trazos luminosos. Al ser la plata un material que se oxida al contacto con
el aire, genera que a veces los trazos se conserven más oscuros. Cierta hipersensibilidad.

Conocido ya por los romanos para dibujar en tablillas y pizarras, usado con frecuencia
en los siglos xiv y xv para dibujos en pergamino sobre un soporte duro y en papel
preparado con blanco de china o de fondo coloreado. Proporciona un trazo delicado y
brillante, con efectos de esfumados.

43
La punta de plata es un material duro y rígido. También llamado stilum o punta metálica
fue empleado en el Renacimiento por autores como Durero. Técnicamente es una varilla
de metal afilada con la que se puede dibujar. Este estilete generalmente va resguardado
en un mango de madera.

En cierto modo es bastante similar al grafito,

pues al contacto con el papel sus partículas
quedan impregnando el dibujo entre las fibras de
papel.

En término de conservación, tiene la

característica de que los trazos realizados se
tornean algo más oscuros al entrar en contacto
con la atmosfera.

Retrato de mujer, Leonardo da vinci biblioteca de

turin

CLARIÓN
Barrita hecha con pasta de yeso mate y greda, de color
blanco o blanco plateado, que se usa como lápiz para
dibujar y en los lienzos imprimados para realizar el
dibujo previo.

Yeso blanco. Inq carboncillo de carbón frente a un lápiz

de grafito. El clarión se hace con una pasta de yeso.
Normalmente era empleado para hacer los diseños
incluso de los lienzos.

LAPIZ CONTÉ
Ese lápiz conté genera una revolución verdadera del dibujo. permite lápices de distintas
texturas grasas, son lápices grasos.

44
PASTEL
Aunque ya en los siglos XV y XVI se utilizaban pigmentos poco aglutinados para dibujar
con colores, hasta el s.XVIII no se establece como tal el arte de pintar al pastel. Algunos
de los primeros y mejores exponentes trabajaron en la Francia del s. XVIII.

Nos vamos a encontrar a lo largo de los siglos pigmentos

sin casi aglutinantes, casi seco. Una de las grandes autoras
es Rosalba Carriera, una pintora veneciana que va a ser este
tipo de pasteles antes de que se ponga de moda. Pastel=
dibujo no una técnica pictórica. Influyo a otras mujeres a
introducirse al mundo del arte. Busca grandes brillos y
colores propios de la época. Inconfundible.

Se consiguen unas carnaciones impresionantes, así como los cabellos, las perlas.

45
 BLOQUE III: HISTORIA DEL DIBUJO Y
GRABADO: ESTILOS Y ESTETICAS.
RENACIMEINTO Y BARROCO

ESTAMPACION XILOGRAFICA
No se pueden establecer unas fechas concretas, pero en torno a finales del siglo xviii en
Ravena se pueden encontrar determinados grabados en madera. Papilon en su tratado
nos habla de esos primeros orígenes. Los primero modelos que vamos a encontrar de
grabados en madera, los encontramos entorno al año 1960 en China. Hay experiencias
previas como estampaciones xilográficas como la del Sutra del diamante en torno a al
año 868. Las particularidades que vamos a encontrarnos en esas estampaciones que
incluso llegan a Europa, se dan nuevos modelos con la revolución de la imprenta
tipografía.

Si bien estas finalidades de estampas con significado religioso van a entrar cabida en
determinados momentos, también las primeras estampaciones xilografías que tienen
un carácter lúdico, van a estar asociados a los juegos de naipes, se conservan cartas
coriscas del siglo XV. Donde aparece el uso del color en determinadas partes para
diferenciar esa baraja. Un fenómeno que se da en fechas tempranas. Tanto el discurso
religioso de estampación de determinadas obras con un carácter pedagógico y
catequético y este lúdico, sean los primeros recursos estampados xilográficos en Europa.

 El centurión y los dos soldados, 11370, hallado

en la abadía de le ferte-sur-grosne en Francia.

Se trata de una obra de las que podríamos

considerar las primeras estampaciones xilografías
conservadas. No significa que no hubiera antes y
que se encuentra dividida en dos piezas
xilografías. Amplia calidad. Por un lado, tenemos
el arte de la anunciación y por otra, la que se
conoce como primera plancha conservada es el

46
centurión y los soldados. Destres de ella está la otra. Un taco tan grande con estas
características se reutilizaba.

En esta obra nos encontramos con los propios modelos. Aquí se ve técnicamente. Son
imágenes muy planas con posiciones apenas que requieren gran destreza técnica. La
estampación en estos momentos tiene un tipo de recurso estético que podría
compararse con libros de la época. En 1370 un libro tiene una calidad y una riqueza
mucho mayor que en esta estampación.

 Virgen rodeada de 4 santas. Museo de Bruselas.

De esto se pasa a una virgen rodeada de 4 santas de

1418. Hay ya una evolución. Se ven elementos muy
diferenciales. En ocasiones se dice que nos 4 santas. Por
un lado, hay un sentido que juega más con las
tonalidades. Destreza técnica mayor, en los ropajes se
generan luces y sombras. Un fenómeno muy singular es
la aplicación de color.

Las otras manifestaciones de esta cronología van a ser estampas

devocionales en torno a santos muy populares. Principalmente
devociones de cristo, pero también otros santos en el mundo
medieval, vinculados a las catedrales, como San Cristóbal. –San
Cristóbal de Buxheim. Algunas estampaciones de menor calidad
gráfica, nos permite ver cómo va haber siempre una escritura. La
idea de aportar determinados elementos a la estampa,
expresiones de rezos…

Siguiendo esa línea de estampaciones importantes, nos encontramos una estampación

de carácter italiano. Remite a esa reminiscencia italiana. Madonna del Fuoco. Resistió a
las llamas, de ahí que se remita esta imagen con carácter devocional y que sea venerada.

47
 Se parece a las vírgenes bizantinas. En ese modelo
de imagen con fondos planos, normalmente
dorados, hay muchos autores que van en esa
misma línea. Imagen netamente gótica. Nos hace
entender a la propia formulación de la virgen del
perpetuo socorro. Esta virgen tiene como símbolo
iconográfico las llamas de ese supuesto incendio.
Tras eso se van a estampar nuevos modelos ya con
las llamas, se concierte la virgen del fuego. Se
conserva en la capilla del milagro, donde está
ubicada la escuela. La propia imagen venerada está
en la catedral.

Todo cambia constantemente

 Primer libro xilográfico Biblia Pauperum de 1430. Speculum humanae salvatiomnis.

La xilografía hasta este momento. Esta biblia sería el primer libro xilográfico editado
hacia 1480, mas bien estampado. La imagen viene acompañada a través de
determinados textos que son tipográficamente estampados de la misma forma.
Preámbulo casi de imprenta. Estampaciones que tienen la idea de difundí el valor
catequético de la biblia, hacerlo con un sentido de divulgación y difusión de carácter casi
internacional y abaratar los costes de los libros con este tipo de imagen, por tanto, este
tipo e libro lo encontramos entorno al 1480. Van a empezar a encontrase otros libros
como el Apocalipsis y el Ars moriendi editados antes de 1480.

Con respecto al Ars moriendi. Se distingen varios maestros grabadores. Los libros
reutilizan planchas xilográficas que siguen siendo vigentes y están acorde. Como los
bordes. Se repite la estructura. Una obra que puede estar acorde a esta xilografía. Esto
sigue siendo una xilografía que no deja huella. Eso que va a generar que recuerden los
códices minados que llevaban una labor de copia de autores, coetáneos y cásicos derive
en la idea de que si esos textos pueden ser estampados xilográficamente mucho mejor.

48
GUTENBERG Y LA IMPRENTA (1440-1450)
En esa línea surge el deseo en el mundo alemán de abaratar costes y difundir las ideas.
Así empiezan los primeros modelos de la imprenta. En ese sentido aparece Gutenberg.
En torno a 1440 genera esa difusión de la xilografía para una estampación modo de
imprenta que genera una repercusión fundamental. De tal modo que sale tan singular
hasta el Misal de Constanza (1450), la parte miniada se ya mínima frente al propio texto
que se va a realizar bajo estos patrones. Eso significa que hemos revolucionado la
manera de hacer y ejecutar las obras, hacemos únicas determinadas soluciones con
actuaciones de letras iniciales y de detalles pintados. Abaratar significa que una persona
haya tallado estas letras y así generar constantemente este tipo de fenómeno. Si en un
primer momento las letras capitales se hacen mineadas; va allegar un momento en
donde la dinámica ser hacer estampaciones xilográficas a color. Eso es lo que generara
a la larga la denominada. En primer lugar, se dibuja la letra, pero no hay que dibujar
todo. Biblia de Gutenberg (1452). Biblioteca de Estados Unidos, Washington. Donde ya
hablamos de estampaciones y libros estampados. Aquí hay un salto estético que
minusvalora la letra capital, que no queda tan bien como el otro.

A medida que evolucione la estampación xilográfica, vamos a

conseguir tener ya como en el Salterio de Maguncia (Peter
Schöffer) soluciones que recuerdan a la miniadas que están con
una calidad como si fueran hechas por un maestro calígrafo.
Uno de los introductores de esa fórmula. Esa estructura donde
se hacía miniada la letra, aquí se estampa. Hay entre ambas un
gran salto histórico. Estamos llegando a un grado de evolución
que se genera una nitidez en la grafía que permite parecer a la
escritura de caramo, que era la escritura de los libros minados. Es precisamente en este
colofón donde podemos ver por primera vez la definición de imprenta “invención
artificiosa para imprimir con caracteres sin ningún trazo de cálamo”.

Un grado de perfeccionamiento que con esa evolución de la imprenta va a estallar por

toda Europa. Así pues, surgen los diccionarios gramaticales.

49
En 1460 aparece el Catholicum, un diccionario y gramática latina compilada en el
siglo XIII en Génova por Johannes Balbus.

Todos aquellos libros que existían de los incunables se van haciendo nuevas
adaptaciones xilografías de los mismos para difundiros. Así hay una constancia de un
montón de títulos donde la estimación permitía dar muchos ejemplares. Es una
revolución muy importante. La producción de incunables concede gran importancia
a los libros eclesiásticos, especialmente a los litúrgicos, como breviarios, misales,
ediciones de San Alberto, San Agustín o San Buenaventura. Existieron entre 30000 y
40000 títulos con una media de tirada dentro 400 o 500 ejemplares por incunable.

El primer libro que conocemos ilustrado de esa

manera es der Edelstein, una colección de fabulas
de Ulrich Bonher, con 101 figuras.

Esos modelos de primera manifestaciones

xilográficas asociadas a libros los podemos
encontrar con: Der Edelstein. Uno de los primeros
modelos que vamos a ver, en donde ya hay
imágenes estampadas xilográficamente coloradas,
donde se usaban varias planchas. La letra capital
está en el propio texto, porque en este caso tan
significativo, es mejor hacerlo con dos planchas de texto donde ponemos esa letra
capital y dos placas xilográficas para la composición. Porque la estimación e esta hoja
lleva 4 planchas xilográficas. Inspirado en el libro de horas de catalina de claves. Por
qué se hacen dos planchas en relación a la imagen: para narra dos hechos diferentes.
La imagen de la izquierda nos va a permitir ponerla en cualquier otro momento,
teniendo en cuenta que es un libro con fabulas. Se trata de una obra muy singular
que va a ser un poco el paradigma dentro de esos modelos de estimación xilográfica.

50
 En torno a 1467, tenemos obras similares, en este caso
religiosas que aparecen entorno a las meditaciones del
cardenal Juan de Torquemada, donde vemos 30 grabados
xilográficos que copian grabado de Santa María sopra
minerva. Es el primer libro ilustrado de forma xilográfica en
toda Italia. En 1467 el editor Ulrich Hahn imprime en Roma
la obra Meditaciones del cardenal Juan de Torquemada, con
30 grabados xilográficos de Santa María Sopra Minerva,
siendo el primer libro ilustrado en Italia. Por tanto, la
reproducción de elementos que habían sido diseñados ahí nos habla de que la
imagen ya está sacada y extraída de modelos diseñados por otros artistas. Volviendo
a la idea de difusión de grabados.

Puede haber tres planchas si el marco está

separado de la imagen. Se entiende que hay mas
planchas, porque la O es una plancha que se
superpone a la otra un poco, posiblemente haya
más de una O por eso se estampa. La imagen y el
marco es una. Se está reproduciendo algo que sea fiel a lo que existe en Santa María
supre minerva; hay 4 planchas xilográficas. De hecho, las letras están torcidas.
Parece que ha sido empleada solo una plancha. Otra cosa es la estimación color
conforme se aplican los colores: hace que se corra la tinta por ser estampado. En
muchas ocasiones se emplea este tipo de obras para modelos similares.

51
Sin embargo, en el árbol hay una plancha. Los nombres pueden ser estampaciones
al margen del dibujo, pero no se sabe. En la otra el texto puede que sea otra plancha
distinta. Elementos de información.

No está pintado a mano. Son soluciones estampadas

con colores que se van superponiendo y por muy
rápido que se haga sale de ese modo. Modelos de
difusión.

Las primeras imprentas tienen ese carácter de difusión de ideas del mundo religioso,
sobre todo.

Así sabemos que en 1471 la leyenda dorada de Santiago de la Vorágine. Günther

Zainer imprime en Augsburgo la Leyenda Aurea 1471 de Santiago de la vorágine con
131 xilografías.

Las iniciales en ocasiones pueden tener ese componente de riqueza en esa línea
mineada, en esa letra con la figura de salomón y un mensaje. Inicial impreso, 1477.
De la biblia alemana impresa en Habsburgo por Gonther Zainer. Ex biblioteca
Gymnasii Altonani. El miso autor que hace la estampación de la leyenda dorada.

Con esta estampación de la impresa se consigue difundir obras que previamente

habían sido realizadas mediante la difusión de los códices y los libros (se ven a veces
los trazos).

El primer libro en espala con ilustraciones xilográficas es Lo cárcer de amor.

52
 Es un libro en el foco catalán en castellano antiguo. Obra
realizada en torno a 1493, impresa por un alemán Johann
Roshenbach. Estampaciones xilográficas propia de esos
modelos góticos del momento. Un poco pobres. Xilografías
con un toque de ingenuidad porque son modelos para
apoyar y resolver el texto, no una obra de arte en sí. En 1475
el mismo editor y Jodocus Planzmann publican también en
Augsburgo la primera Biblia ilustrada. El primer libro con
ilustraciones xilográficas en España fue Lo cárcer de amor de
Diego de San Pedro, impresa por Johan Rosencbach en
Barcelona en 1493. El cinturón y los soldados se conserva en el Louvre.

EL MAESTRO DE LAS CARTAS.

Grabados calcográficos que tienen colores y fondos planos con apenas

composiciones complejas. Composiciones planas.

El Maestro E.S

Composiciones más complejas

El bautismo de Cristo dibujo.

53
 SIGLO XVI
ITALIA Y ALEMANIA
ITALIA
Vamos a encontrarnos con republicas. Con todas esas peculiaridades, además de los
estados pontificios configuran a artistas y focos muy específicos. Ese gusto por la
naturaleza la presencia de un mecenazgo consolidados en Italia permite que se difundan
las imágenes de los artistas más nombrados. El propio Vasari facilita la necesidad del
grabado de reproducción. Nace esa especie de reproducción dando pie a la importancia
del mecenazgo. Podemos encontrarnos con imprentas importantes como la de la
republica florentina, coetáneas al comienzo de la imprenta en Alemania.

Venecia va a ser el gran foco donde vamos a encontrar a los principales autores, es
precisamente ene se entrono dónde vamos a encontrarnos a:

- ANDREA MANTEGNA 1431-1506

Hijo de un pintor, nacido en Padua. Todas las obras para la familia gonsada.
Precisamente va a tener una primera etapa como grabador. Su obra tiene tanta
importancia que el mismo va a diseñar los bocetos para hacer grabados de sus pinturas
murales. Entra en contacto con otra serie de autores que va a tener esa misma línea de
reproducir obras de artistas con un sentido y un enfoque comercial; debido a sus nuevos
comitentes. Nos vamos a encontrar unas directrices muye especificas done le artistas
está a cuidado de las obras reproducidas.

Unas de las estampaciones van a ser esa bacanal, donde le dios Baco va a ser un
elemento muy grabado. En todas estas composiciones este espíritu de manteña y su
propia naturaleza de entender el sentid de la perspectiva.

54
 Esas composiciones están basadas en obras que
realiza muestran que quiere ser difusor de las
propias técnicas. También las podemos observar
en la obra grabada.

Judith con la cabeza de Holofernes.

Es una obra coetánea a la obra de Manteña.

Aunque no se sabe el grabador.

Comprado como dibujo original ara la impresión,

pero de hecho copiado, con pequeñas diferencias,
del grabado de Mocetto según Mantegna. La composición la hace Manteña, pero en
realidad es un dibujo de un grabado. Ya no es tan Manteña, como si se le quitara la
propia originalidad.

El San Sebastian es posterior. No son así los grabados según Mantegna. en el de San
S. hay un toque calcográfico, no es del XVI. Es un grabado del XIX. El autor trabaja
para el Louvre, y el de Judith se pporduce 60 años antes.

Con dos obras del mismo autor podríamos ver dos grabados con modelos
completamente distintos. No es lo mismo que coger una plancha de Durero real y

55
 grabarla sobre un papel del s.XX. porque aquí la plancha no es de Mantegna = nunca
hizo esta composición para ser grabada.

Se tiene que distinguir eso que es coetáneo para difundir la idea, haciendo una copia
fiel a otras soluciones donde intervienen ciertos factores que generan una copia
fidedigna a la propia obra.

- GUIOVANNI BELLINI 1433-1516

Lo introduce desde un punto de vista técnico. Uno de los
grandes artistas e ese foco cercano a Venecia. Soluciones
que tienen que ver con grabados de interpretación.

Bellini genera ese discurso. Ese es su trazo como

dibujante. Es un dibujo esto eh. Composición SEGÚN
Bellini.

La obra del cristo muerto sostenido por dos ángeles.

La pintura es de Bellini, pero el grabado no. Es un grabado del XIX. Esta idea de ser una
reproducción fiel. Hay algo de romanticismo en las formas que hace ver que estamos

antes una estampación de una obra de Bellini, pero que por mucho que sea una fiel
reproducciones e dulcifica un poco ese modo y parece casi romántico. Hay que tener
cuidado a la hora de catalogar.

56
La barba y el pelo puede cambiar, es necesario educar el ojo para distinguir las cosas
SEGÚN que son falsas, inentadas.

Girolamo mocetto Murano.

Intenta hacer una reproducción según Bellini

Un artista puede generar, preparar un diseño

para que un grabador lo haga. O un grabado
puede hacer un diseño para grabarlo el u otra
persona en función de otro maestro que ha
inventado la composición. Cuando se hace en
el mismo contexto se puede interpretar como
SEGÚN Bellini. Sin embargo, la otra no se
considera como una formula donde actúen los
componentes estéticos del momento de
Bellini. No hay un sentido de creatividad
artística, una reproducción fotográfica.

El problema es que en una catalogación ambos estarían dentro de la misma suerte.

SEGÚN. La clave es la cronología. Eso devalúa. Incluso desde un punto de vista estético,
en el segundo parece más del autor, sin el papel de copia.

Su valor reside en que el primero es una especie de fotocopia y el ultimo intenta imitarlo.
Es una obra coetánea.

- MARCANTONIO RAIMONDI 1480

Se le conoce dentro del ah del grabado por que tiene muchos grabados de producción
de otros autores coetáneos o recientemente fallecidos que ya tenían una gran
descendencia. Copia tanto a manteña como al gran Rafael, del cual se va a convertir en
un promotor y difusor de su obra. Nace en un contexto distinto al de manteña, foco del
entono boloñés. Va a tener relación con el propio Durero, él se queja de que Raimondi
le copia determinadas obras. Hay muchas composiciones hechas de Raimondi que tiene

57
el sesgo de otros autores, cuando el inventa siempre hay algo que está dentro de ese
modelo.

El propio Rafael lo autoriza

La masacre de los inocentes que Raimondi graga en 1509.

La calidad técnica es extraordinaria. Nos remite a composiciones muy complejas que va

a ser realizadas como una fórmula de reproducción en buena parte de las sobras de
Rafael. Hay que entender que son obras que tiene u sentido de difusión de la idea de
Rafael. De hecho, el juicio de parís es esa básica estructura u va a ser difundida mediante
grabado que va a ser inspiradora de muchas obras. Esa manera de reproducir fielmente
los modelos de pintura que no necesariamente tienen que ser lienzos, sino que pueden
ser pinturas murales, lo lleva a generar unas
composiciones bellísimas.

Sin embargo, este retrato de Rafael es muy simple. Hay

algo que sucede en la historia del grabado que
sorprende. Este retrato fue tan paradigmático que
Rembrandt homenajea esa fórmula pero que incluso
llega a grandes autores del siglo XIX.

Una composición generada por el propio raimindi va a

ser Los bañistas. Enfoque manierista. También tiene
composiciones que tiene que ver con escenas mitológicas y el pasado romano, una
manera de difundir el gran pasado imperial.

58
- NICOLÁS BEATRIZET 1507-70
Paso buena parte de su vida en Italia. Gran difusor de
obras de la
antigüedad. Pasquino

Difunde pequeñas
esculturas que existen en Roma. El escenario de
la urbe es casi naiz. Frente a grandes obras que
va a traducir el propio autor.

Esta dentro de esa línea de generar imágenes de

la antigüedad.

Grabados de reproducción

Pueden ser dos estados diferentes. La primera más oscura, con más contrastes,
frente a la otras más clara. A la clara se le han hecho implementaciones porque antes
no gustaba como quedaba. Esa circunstancia nos permite entender de que a veces
si no tenemos constancia de que haya habido mas de un estado de una obra, la
plancha se pude alterar y la que queda es la plancha ya estampada con la solución
grafica final. En el pezón se refuerza.
59
 Es decir, la plancha puede estar desgastada, pero aquí tenemos dos tiradas distintas
del grabado, en una con el segundo estado y luego vienen otro estado que se amplia
y es el definitorio. Subraya la serpiente. Son soluciones que no necesariamente zona
aguafuerte.

Se ve en las tonalidades de arriba (sombras), se ha rayado más en la derecha.

Diferencias de contrastes muy fuertes: en las sobras de la cúpula, la serpiente, los
pezones, en el pie del laoconte. Escenario al que s ele va aplicando soluciones
lumínicas.

Según vamos avanzando en el tiempo se llega a una realidad mayor.

- GIORGIO SHISI 1520 - 15

Esta dentro de esa dinámica de reinterpretar grabado de reproducir obras para
difundirlas. Sobre todo, de Rafael. Va a generar esta solución.

Esta todo más comprimido. Son dos planchas unidas.

Ver la manera de las grandes obras que allí se conservaban implicaba un esfuerzo de
traducir, de esa idea de traducción, que no están reinterpretando la obra; están
poniendo todas las características de esa obra y haciendo lo más fiel posible. Otra cosa

60
es que pueda o no que el cielo y la custodia quedan muy cerca, en la pintura mural hay
un cielo con sentido. Incluso el rostro de cristo hay que adecentarlo.

Para hacer una lancha con estas calidades, so necesario DOS PLANCHAS, para no partir
por la mitad a cristo que sería herejía, se van a un lado de la mesa y se parte. La forma
es muy buena y prácticamente no se ve. Fabuloso. Se diferencia de lo que hemos visto
previamente.

Es una obra realizado por él, pero sale otro nombre.

Es un pintor que ha diseñado esa fórmula, el dibujo
que se está grabando. Pasa a dibujo la obra de Rafael
del mural, y una vez hecho el dibujo que el vaticano le
ha permitido con gracia e privilegio esa reproducción;
esta la inscripción de Rafael de urbano: quien inventa
la composición, y Giorgio Ghisi quien Fecit: hace el
grabado. Tras recibir el permiso del vaticano se hace
el grabado.

= geronimus coc recibe esta posibilidad de dibujar y

hacer un diseño, hacer esta repercusión de Rafael y el
grabado lo hace el Giorgio.

Cuando hace una reproducción el solo tiene otros

componentes netamente distintos. No tan
extraordinarios. o soluciones donde la arquitectura
actúa.

61
ALEMANIA
Pasa básicamente lo mismo. Multitud de pequeños principados que a su vez forma el
sacro imperio romano. En Núremberg tenemos un foco. Antonio Koberger contaba con
más de 20 imprentas para hacer su trabajo. 1483 xilografía. Lo mismo va a suceder con
la crónica de Núremberg, van a necesitar talleres y autores trabajando al servicio.

- ALBERTO DURERO 1471

Podríamos decir que sin duda es uno de los grandes maestros del grabado europeo. Tras
la estancia en colmar en 1480 nos vamos a encontrar con uno de os grades fenómenos
del grabado, no solo alemán, sus viajes a Italia… imprimen un carácter muy singular en
su propia obra. En la estancia ahí entra a formar parte del taller de Martin schöngauger,
nos permiten intuir elementos que va a generar posteriormente. Ya algunos artistas en
este foco alemán estaban introduciendo nuevos cambios en la perspectiva. Ya no son
esos grandes contrapicados, son modelos que ese asemejan a la tradición italiana, a
escala de los perones también ha variado. Se entiende una nueva forma de esas
tendencias.

Melancolía. Después pone firmas a posteriori para

reivindicar que son suyas. Dibujos de sus oadres a punta
de plata.

La imprenta remite un salario mas que considerable.

Su familia entronca con una burguesía conectada con la

gran imprenta, un centro de producción humanística
considerable. Su padre era orfebre. Con muy temprana
edad contrae matrimonio (involuntario) y justo antes de
casarse aparece un retrato con un cardo (fidelidad)

Durero nacido en ese foro importante de Núremberg se traslada a colman donde realiza
uno de sus primeras incursiones. En ese contexto pasa a trabajar con Martin
Schöngauger. En ese entorno, vemos precisamente ese espíritu de tradición y de cierto
toque germánico. Aunque será ya cuando empiece a trabajar con el buril, la punta seca,

62
y otras soluciones xilografías cuando contacta con Michael wohlgemur 1480 a 1490 va
a formar parte de su taller y es el momento en el que se encona realizando para la
crónica de Núremberg esta crónica. En ese entorno tenemos que entender la xilografía
realizada a fibra.

LA AUTORÍA

En los grabados xilográficos. Durero actúa como diseñador, siendo los grabados
efectuados por artesanos; entre ellos Heronymus Bosch, Hans Glaser y Hans
Gukdenmund.

Realizo los dibujos para series como “la pasión” o el “apocalipsis”, donde intervinieron
grabadores como Hans Burgmair, Albrecht Altdolfer o Jost Amman.

Las primeras obras de Durero son algunas como:

San Jerónimo en su celda (1492)

Xilografía a fibra; 191x135 mm. Portada de San

Jerónimo: espistolare beati Hieronymi.
Basileae: Nicolaus Kesler, 1492. Firmada al
verso del taco: albrecht Dürer von Nörmergk.

Es el primer grabado firmado de Durero. Lo

realizo en su viaje de formación, cuando
estuvo en Basilea. No se sabe si la firma se
refiere a Durero como dibujante y grabador de
la madera o solamente como dibujante.

La hace después de haber estado ene se taller.

Podemos intuir la posición prototípica, donde hay elemento con cierta influencia
italiana. En estos momentos, no se sabe si él también es el propio firmante de la
xilografía, o solamente dibuja la composición.

Comparado con otras obras que va a hacer 1494, primer viaje a Italia, donde se va a
inspirar. Nos encontramos soluciones que remiten a Manteña.

63
Hace acuarelas que realiza en ese viaje. Perspectiva paisajística, contemplación del
paisaje que en esa época no es nada habitual. Empieza a poner AD y el año. Copia
soluciones del propio Mantegna. también hara otros temas mitológicos. Mantegna usa
esas cartelas que Durero copia.

Orfeo golpeado por las ménades

Ahí se van a incluir elementos fundamentales que van a teorizar sobre la perspectiva y
la idea del arte más moderna. Así se trata Venecia desee una perspectiva inaudita.
Precisamente con este modelo de la nueva optaba.

Una vez que conoce a japoco va a ser introducido en los sistemas de la

proporcionalidad… con carácter veneciano, eso le permite modelar los cañones al volver
a Alemania. Dentro de esas obras en Venecia con mapas Vasari las introduce con
grabados donde pone de manifiesto las nuevas técnicas para generar perspectiva,
heredadas de las nuevas reinterpretaciones de Vitrubio.

Lecciones de perspectiva (1545)

No hay huella en esta época es una

xilografía.

Estanque en el bosque.

Se habla de que ese viaje inicial a

Venecia le cambia la percepción del
paisaje. Firma las obras puesto que
no se daba importancia. Nuevo
planteamiento de carácter
humanista con elementos que tendrán cabida en ese sentido filosófico que nos
encontraremos a lo largo de su historia.

Gran contraste y sin huella

Realiza tres grandes series de grabado.

64
 Serie de Apocalipsis. Primera serie importante 1495-98
 La gran Pasion.1498 1410 36 láminas
 Pequeña pasión 1508-1510. 12 láminas

Cuando regresa de su primer viaje (1498) nos encontramos con obras paradigmáticas
como la de Adán y Eva; 1504 realiza la adoración de los Reyes Magos. Esa lección de la
perspectiva le permite entender nuevos modelos como la percepción del infinito.
Composición en líneas, encuadres totalmente Albertianos. Esta manera de entender la
perspectiva, el sentido más naturalista también la van a tener sus obras grabadas. En
consonancia con transición y modernidad. A su vez, el componente de ese excesivo lujo
del mundo europeo se percibe en las pieles, en la ropa. En ese contexto hace la serie del
Apocalipsis. Cuatro caballeros del apocalipsis. Una obra xilográfica que sigue estando en
el mercado de arte. Se siguen vendiendo grabados de Durero. En cuanto más cercana
sea la impresión a la época de Durero más valor tendrá.

El segundo viaje a Venecia. 1502

Va a ilustrar una serie de libros en ese viaje a petición de algunos autores alemanes.
Sobre todo, va a tener contacto con la casa de comerciantes alemanes que viven en el
propio contexto veneciano. De hecho, en la “casa de los alemanes” vinculada a un
convento de demostratenses, una orden religiosa vinculada a Praga genera una pintura
que es la virgen del rosario (fiesta de la virgen del Rosario (fondaco de Tedeschi)) que
nos permite entender cómo y cuan alemán es en su perspectiva. Es una obra de
patrocinio centroeuropea que pese a ser realizada para este contexto.

incluso en la idea de jerarquización no

se atreve a hacerlo con un componente
de escala inferior como en la pintura
flamenca, pero hay algo heredado con
un sentido mas italiano. Sabe que no
puede poner determinados aires mas
italiano por el patrocinio.

65
Los comitentes pese a estar en un contexto italiano son alemanes.

En ese periodo veneciano va a conocer al propio Tiziano.

Retrato de un caballero veneciano. Colabora con Tiziano y giorgione y conocer a la

manera de la retratistica veneciana de estos autores. Colabora haciendo xilografía para
la hierografia de Horapollinis, un libro que uno de sus grandes protectores le ha pedido
en ese momento. En buena medida las primeras obras de la perspectiva perspectiva con
para ilustrar libros. Esta obra tiene esa visión alemana y ese lenguaje lineal mas propio
de él.

Viajes a los países bajos.

En su afán de encontrar en cierta medida de realizar algo más acorde a los países bajo
viaja ahí con la finalidad de conseguir una beca artística de Carlos v comienza a realizar
xilografía y sus primarias calcografías. Ene se contestó conoce a Erasmo de Rotterdam
que lo dibujara y grabara. En 1506 los artistas que eetsna grabando en el foco holandés
son precisamente Lucas van Leyden (sus obras se parecen al maestro de las cartas). Pese
a que a se conoce la perspectiva la proporcionalidad, algunos elementos siguen siendo
muy específicos de aquel primer momento medializante donde hay fenómenos que
permiten entender estas composiciones casi vernáculas, una personalidad muy
marcada.

El mundo alemán cambia gracia ese Durero mientras que en los países bajos se sigue
llevando esa perspectiva. Esa manera de entender las obras permite encontrarnos a un
Durero mucho más solvente una vez que ha viajado a estos países.

José explica el sueño del faraón (1512) de Lucas van Leyden

Calcografía donde a huella no se ve. Experimenta también esa dualidad en cuanto a

quien trabaja. Perspectiva italiana con contrapicados flamencos. Ese modelo de ese
contexto lo vemos con Durero.

66
 - LUCAS VAN LEYDEN 1494-1533
El gran grabador de los países bajos. Trabajaba para el emperador Maximiliano. (Retrato
del emperador. Un año posterior.) Realiza una obra magna, el arco del triunfo de
Maximiliano. En el contexto de esos viajes conoce a Erasmo y va a dejarse influenciar
por su pensamiento urbanístico y visión religiosa. De hecho, el dibujo y retsro de Erasmo
más tarde lo inmortaliza en grabado es una calcografía quizás con aguafuerte. Hay algo
que refleja ese paso por el mundo flamenco, holandés.

Va a estar haciendo en buena parte para ganarse la vida muchas ilustraciones de

carácter xilográfico para portadas de libro. De sus primeras acuarelas pasa a un
temperamento totalmente distinto, así como un carácter cambiado

Ara PIRCKEIMER que va ser uno de sus grandes protectores, que Durero graba se intuye
ese espíritu humanístico en el texto. Es dentro de ese contexto, de grandes mecenas,
donde va a realizar, no solo él sino acompañado de grandes grabadores el “Arco del
triunfo para el emperador Maximiliano”. Que va
a tener por un lado un repertorio iconográfico
magnifico y complejísimo. Con varias planchas,
puesto que es una creación grandísima. Hay toda
una serie de elementos con sentido manierista
donde se recupera esa visión de la antigüedad. Por
un lado, recursos alegóricos conocidos en Italia y
una tradición de carácter italiano con
contradicciones con el mundo centroeuropeo. Un
programa que ha hecho jojan stadel, grabado por
Jerónimus Box. La finalidad de Durero es dotar de elementos grecolatina y mitológica a
esa idea del linaje del emeprados, de ese árbol con ese discurso. Este discurso es muy
propio de esos dibujos cuidados de línea…

De hecho, en los diseños de orfebrería este tipo de diseños tan espectacularidades

responden a esos parámetros donde él se movía, pues venia de una familia de orfebres.

67
En torno a 1513 tras esa reivindicación del humanismo italiano reflexiona mucho sobre
el papel de la muerte, el pecado y las vanidades. En la obra del caballero, la muerte y el
diablo (a buril) nos encontramos uno de sus principales obras frente a la melancolía, una
obra interpretada como autorretrato, junto con jerónimo en su celda, nos encontramos
con los principales buriles en pleno contexto previo a su gran epopeya. Queriendo tener
gran éxito. Pretenderá venderlos en los países bajos

Evolución técnica e iconografía.

Una vez que e va avanzando con esa influencia de los países bajos pasa a tener un grado
en riqueza y religiosidad va trasmutando en un sentido cada vez mas humanista con un
pensamiento muy diferente. El cañón. Obra que aún no se ha terminado de interpretar.
Un tipo de tema con carácter bélico que no era habitual en ese tipo de grabado. Cercana
a producciones con un sentido místico como el san Jerónimo a las puertas de
Núremberg. Modelos con un sentido y carácter reflexivo.

Técnicas en Durero

Xilografía y buril con punta seca

En algunos grabados el Durero actúa como grabado de la planta y los artesanos lo

ejecutan. Sin embargo, en el caso de la pasión o el apocalipsis, hay grabadores que
interviene en la propia composición. Durero solo hace el dibujo.

68
 - URS GRAF “EL VIEJO”
Ya había empleado el aguafuerte en torno a 1513.

Violinista desnuda con viejo tono de Basilea.

Fue un grabador y dibujante suizo, considerado hoy la figura más relevante

del Renacimiento en la Suiza alemana. Sus creaciones más personales y estimadas son los
dibujos, si bien su mayor influencia la ejerció en el ámbito del grabado. Fue uno de los
pioneros de la técnica del aguafuerte, y de hecho se conoce una plancha suya de 1513
que sería la primera datada (si bien tal fecha parece ficticia). Tuvo una vida novelesca:
trabajó ocasionalmente como soldado mercenario, ganó fama de pendenciero, y no se
sabe la fecha de su muerte ya que desapareció sin dejar rastro

Sigue con la idea de cartelera que después se pone de moda. Retrata esa perspectiva del
maestro de las cartas. Formas contundentes. Sus modelos tenían un modelo arcaizante.
Magnifica técnica.

Graf nació hacia 1485 en Soleura, localidad también llamada Solothurn ubicada al norte
de Suiza. Hijo de Hugo Graf, un orfebre, se inició con él en esta profesión y prosiguió su
formación en Zúrich con otro orfebre, Lienhardt Triblin. De su etapa como orfebre
subsisten algunas piezas.
Luego empezó a diseñar xilografías. La primera conocida está fechada en 1503: pertenece
al libro Passio Domini Nostri Jesu Christi… de Matthias Ringmann, que se publicó en
Estrasburgo en 1507. También colaboró con un pintor de vidrieras; de esta labor subsiste
un solo trabajo identificado como suyo.
En 1512 adquirió la ciudadanía en Basilea, e ingresó en su guilda (gremio) de orfebres. Se
cree que se anticipó a Durero en experimentar el grabado al aguafuerte, técnica
novedosa de la cual se considera a Graf un pionero; aunque apenas produjo dos planchas
de este tipo. Una de ellas, Mujer lavándose los pies, se cita con frecuencia ya que tiene
fecha de 1513, por lo cual sería el primer aguafuerte fechado que se conoce en Europa;
pero los expertos consideran que tal fecha es ficticia y que realmente este grabado (del
que subsiste un solo ejemplar, en Basilea) es de hacia 1520-23, a juzgar por su estilo y
por el tipo de firma. De ser esto cierto, el primer aguafuerte suyo con fecha creíble podría
ser uno de Aristóteles y Phyllis de 1519 [1].
Mayor fue la influencia de Urs Graf en la xilografía: se le atribuye la invención de la técnica
de línea blanca sobre fondo negro. También grabó a buril, tanto diseños propios como
copias de Durero y Martin Schongauer.
Los temas que Graf representó fueron variados: composiciones religiosas, la vida
cotidiana, temas políticos y militares, e incluso escenas eróticas y de crímenes que
recuerdan a las de Hans Baldung Grien.
69
Como era habitual entre los hombres suizos de la época, Urs Graf se ganó el sustento
ocasionalmente trabajando como mercenario; así participó en varias expediciones
militares a Borgoña e Italia. Ganó fama de pendenciero y tuvo problemas con la ley: se
enzarzaba en peleas, maltrataba a su mujer, frecuentaba a prostitutas, y en 1518 huyó
de Basilea a Soleura acusado de herir a un hombre hasta dejarle lisiado. Se le permitió
regresar al año siguiente y fue contratado por la ceca de Basilea para trabajar en la
acuñación de moneda.
La fecha de su muerte no está clara; debió de desaparecer
de Basilea en 1527 y se le dio por muerto, ya que su mujer
volvió a casarse el 13 de octubre de 1528, fecha que se suele
marcar como tope para su biografía. Pero existe un dibujo
de Graf con fecha de 1529.
La producción gráfica de Urs Graf es amplia: diseñó
ilustraciones para libros publicados en Basilea, Estrasburgo y
París, y además se catalogan otras 47 xilografías sueltas, 26
grabados a buril y unos 200 dibujos, que son muy estimados
por su expresividad grotesca y humorística.
Alegoría: soldado convertido en lisiado. Dibujo a colores de Urs
Graf.

Coetánea a Durero. Dentro de ese sentido de la orfebrería

de Núremberg. El ajuar. Tiene huella. No estamos ante un modelo italiano. No era de
Durero. Urs graf

OTROS GRABADORE ALEMNAES:

70
 LA ESCUELA DE NÚREMBERG

- HEINRICH ALDGREVER

Pintor y grabador alemán, famoso por sus grabados de

formatos diminutos. Sucede a Durero. Producción de
grabados, generalmente de pequeño formato y temática
culta.

Un artista fundamental. Algunos grabados forman parte del Diccionario, sentido

enciclopedista. Las series que hace este autor van a tener esa estética alemana de
Durero, con un sentido de la composición y del propio encuadre italianizante, eso
permite ver un modelo evolucionado. Vemos una serie de Lot que es fundamental.

 Lot y su
familia huyendo de
Sodoma

Lot y sus hijas. (---

Tiene ese sentido de la voluptuosidad manierista: ropajes ricos con grandes pliegues que
permiten ver ese sentido de la destreza técnica.

71
Aunque su aprendizaje estuvo dentro del foco de Núremberg, hay que entender como
las influencias de Durero son muy notables. Principales seguidores de esa estética
alejada de esos elementos del momento. Sentido voluptuoso y manierista italiano.

En las formas hay un espíritu muy italiano. Composiciones abigarradas. Sentido natura
listico. El hecho de estar bajo una ilustración luterana hace que la lectura de la biblia sea
muy importante, recalcando las lujurias, relaciones incestuosas de Lot y sus hijas, el
pecado original. Todo en un contexto religioso con un puritanismo intelectual. En
composición, en forma y contenido hay algo que justifica que sea centro europeo. Hay
dos vertientes: una que sigue esa composición vernácula

Las composiciones tienen una perspectiva italiana: plano con x y z.

El buen samaritano.

- HANS SEBALD BEHAM

Junto con su hermano serán claros representantes de esta estética marcada ajena al de
Grebel con ese discurso de la escuela de Núremberg. Estudia la forma italiana a través
de los grabados de Raimondi. Con una producción inspirada en Durero.

su hermano adopta un carácter más romano, Beham

centroeuropeo.

Su biografía es muy singular. Es el mejor dotado de los dos

hermanos. Va a estudiar ese contexto. Tiene problemas
con la justicia y es desterrado por su forma de dibujar.
Inmoral. contexto coetáneo = imagen obscena.

Escenas lujuriosas. Donde se ven las influencias del

mundo romano con algo de alemán (composición).
Contrapicado perspectiva alemana

72
 Xilografía. No hay
escala de grises.

Solo hay una tinta.

Solo que al estar
rayado se genera
un grado de
destreza que
permite una mayor tridimensionalidad. Perspectiva así porque es mas vendible.
Identidad con el lugar. Deja esos huecos blancos para dar más profundidad.
Composición de blancos puestos a su forma vernácula, porque le permite
técnicamente una claridad mayor. Hay que entender esa ambivalencia en la que se
ven los maestros que van a jugar con lo que les viene en gana. Hacen lo que sea para
que se vea mejor esa imagen.

Firma de distintas maneras.

Calcografía a punta seca. Tiene huella. Aparece su firma. Calcografía del mes de mayo
y junio. Número de serie = normatividad.

El 5 y 6 que no esta tan bien hecho como

el 3 es una cuestión que pone el editor
para fechar la fecha en la que sale la tirada.
O el número del mes.

73
Hace una serie de los trabajos de hércules. Inspiración romana. Paisajes rocosos.
sentido italiano en el paisaje. Pese a que los cuerpos y volúmenes sean romanistas los
rostros son mas germánicos. Alemán el paisaje y caras y romano el cuerpo.

Ese sentido casi escultórico de los

volúmenes de los cuerpos y rostros es
italiano. El paisaje alemán.

Alegoría de la paciencia la cartela (italiana) dice que

Beham pictor, faci hecho por otra persona. Es una
xilografía. Es la descripción que en muchas ocasiones
se ponía el propio lugar, registro. Aquí la firma es
entera de él y lo que intenta decir es que es un pintor
nórdico, se ponen los lugares. La tabla solo da una
información porque la tabla se va a difundir fuera de
Alemania.

Pone así su firma

isp, fonética.
Cuando vemos estas soluciones vemos ese sentido
romano y germánico en buena parte de sus obras.
Sentido lujurioso
Muchos autores se apropian de imágenes.
Beham era un predicador coetáneo que más tarde
será perseguido.
Existen estampaciones coloreadas.

74
 - BARTHEL BEHAM (1502-1540)

Protegido por parte de la elite de BRANDEMBURGO.

También tiene una influencia italianizante. Es un gran
retratista. Su dedicación por el mundo romano y sus
imágenes emblemáticas le llevan a crear obras magnificas.
Un sentido del gusto romano, como su hermano. Desde la
perspectiva albertiana, pero con contrapicado que nos
deja ver más espacio. Perspectiva del estudio con el
margen de identidad vernácula.

Como retratista hace maravillas como el duque Alberto iv

de babera. Responde a los parámetros mas dulcificados. Van a ser importante las
escenas religiosas.

Modelos de combinar la restratistica y

perspectiva italiana con las soluciones de ese
mundo centro europeo.

Retrato de Úrsula rudolp y retrato de ruprecht stütp.

75
Alegoría de Judit y holofernes. Calcografía. Perspectiva coetánea con los ropajes.
Cercanas a Núremberg. Se intuyen las huellas.

Pinta un devocionario para el cardenal de Alberto de Brandemburgo. Remite a los

modelos de los libros mineados con toques alemanes. Va a realizar grabados
fundamentales como el de carlos v. Firma dentro del fondo.

Los dos hermanos

LOS DOS HERMANOS

Ambas son calcografías. Es mas italiana la de la derecha por el fondo.

En el de la derecha se nota mas la V. una es mas manierista frente al discurso romano.

Atmosfera italiana una por el sentido naturalista y otra no. Línea mas italiana -)

Derecha Perspectiva de alemana.

76
Historia del hijo pródigo concluida en 1538.

También va a hacer intervenciones en libros aparte del cardenal como en la biblia de

Lutero. Va a participar también en libros de carácter técnico como la nueva instrucción
para todo el computo del comerciante de patrus apianus. No existe huella xilográfica.

- HANS SPRINGINKLEE

Estrecha relación con Durero, se forma en su escuela y es discípulo. Se pueden confundir

sus obras. Si bien como dibujante y como autor se pueden ver los albores de Núremberg.
Paisajes con los encuadres centroeuropeo. Hace portadas para libros con xilografía. Peor
también trabaja para otros libros en Basilea y en Lion. Debido a su destreza en el dibujo
podemos encontrar xilografía muy distinta al resto de autores.

Con un dibujo muy simple consigue mucha

contundencia. Estampas en formato pequeño. No
valían mucho, pero lo interesante es que para una
estampa tan pequeña se consigue una resolución muy
intensa. Xilografía.

77
Una calcografía a partir de una xilografía de Durero. Grabado de reproducción. Se quiere
reproducir tal cual se encuentra una tabla SUPUESTAMENTE atribuida a Durero, que en
realidad no es de él. Es una reproducción fiel de la estampación que daría el taco
xilográfico. El fondo blanco y LA LINEA NEGRA desgastada; lo que nos permite ver la
intención de la idea. Sentido de difusión y documentación. Sentido enciclopedista de
afán de recuperar las grandes glorias del pasado. Perpetuar ese taco xilográfico.

Discurso romano.

Calcografías.

78
- VIRGIL SOLIS

S. XVI. Hasta los propios autores quieren estar

ennoblecidos. Acuden a los escudos utilizando una
plancha calcográfica donde vemos los buriles que
usan. Vs = firma. El autor que hace el grabado a parte
de ponerle rostro nos muestra las formas. Memorial
para las tumbas de Egmont y Horne. La J es una I.
firma del grabador.

Está en esa orbita, con medidas italianizantes y discurso de lo romano. Que va a aludir a
recursos de emblemática y circunstancias similares. Dentro de esa estética italianizante
habría que enmarcar la serie que hace las musas… Calcografía

79
Grados cromáticos. Se ve la huella. Firma de dos
maneras distintas. Estas obras. Relacionado con los
identificadores de estampas vemos que es una
serie. Que está firmada. Tiene el sello de alguien
que tiene una colección. Tiene un título de conde
porque tiene una corona perlada. Por lo tanto, es la
colección de un noble. Filigrana hecha en otro siglo.

Trabajo en estos focos. A su vez lo entramos como

un gran ejecutor de xilografía para una serie de
libros.

Xilografía. Historia de Ochozias. Los blancos

son muy contundentes. Es el propio Solid. Se
estampa a posteriori el libro. 1565.

ESCUELA DE SAJONIA

A diferencia de Núremberg, debido a la influencia de Durero hay una diferencia en

los nuevos modelos y formas. El peso recaía sobre Lucas Cranach “el viejo”. No

se sabe bien buena parte de su biografía antes de estar en Viena. Un autor dentro
de esos círculos humanistico. En 1504 se traslada a la corte de Federico III de Sajonia.
Pintor favorito de la corte y Federico. Retratista muy apreciado, pero sin la
perspectiva de Durero. Dentro de su gran producción nos encontramos modelos que
van a seguir esa tradición flamenca pero que va a adquirir un grado de naturalismo
alemán influenciado por el pensamiento urbanístico. No tiene la verosimilitud de la

80
obra de Durero, mantiene las constantes de esa identidad vernácula; pero va a
dulcificar los modelos de la pintura flamenca. Añadiéndole pensamiento
humanístico a los rostros.

Va a ser uno de lso reivindicadores del pensamiento luterano. A veces representa

escenas de la mitología como el “apolo y diana” que recuerdan al “adán y Eva” de
Durero. En esta línea vemos el San Jorge.

Composición mas abigarrada de la pintura flamenca frente a la otra imagen más

limpia que permite ver mejor al personaje. La sencillez del grabado de Durero.
Ambos firman con cartelas y anagramas. Dentro de un miso espíritu. El paisaje es
germano, uno lo tiene mas abrupto e inteligible desde esa composición abigarrada.
En la cara de la izq, de tener ese recogido del pelo… nos puede recordar a la Venus
de Botticelli, mas italiana. Un rostro rudo pero imberbe. Parece que es el nimbo de
una escultura real, casi escultórico metálico y el otro no tanto (derech). No logra
crear una perspectiva Albertina. Al gusto de la sociedad porque va a estar difundido.

81
 Xilografía. Época
del buril. No llega a
las calidades.
Firma, anagrama y
escudos.

Un camafeo de dos
colores.

Calcografía hecha a buril. Empieza a tener cierta fama con la “penitencia de san
juan”. Un tema muy redúndate en el campo alemán. Campo idílico que arece un
paraíso, mundo de tentaciones. 1409. Pone un anagrama que es una serpiente que
usara mucho en sus obras. En la “huida a Egipto” se muestra más moderno en la
técnica. Es una xilografía. No hay huella, hay marco, contraste de blanco, muy
presente. Composición de danza. Cantoria. Formulas en la línea de asimilar
elementos romanos.

82
Composición abigarrada. Paisaje alemán. Soltura técnica. Modelos que nos permiten
intuir la espiritualidad importante en el mundo luterano. Soluciones que se van a
repetir en distintas técnicas y modelos de autores coetáneos.

Los escudos son la clave. Con rayitas.

Ese espíritu reformista lo va a llevar a ser dentro de ese contexto de Sajonia, a

realizar una serie de xilografías religiosas y políticas; para ver las virtudes de Cristo y
los excesos del estado Vaticano en la figura del papa. La manera que tienen de acudir
a esta idea del católico usurero entronizado que no cumple los modelos de Cristo.
Pasional Christi Antichristi nos encontramos
con buena parte de su producción
anticatólica. Si e cristo pasional asciende a los
cielos y el anticristo baja a los infiernos
(papa). Xilografías muy naiz con esa visión
fantástica. Modelos políticos. Amigo de
Lutero, que le retrata.

Su hijo más joven Lucas Cranach, el joven hereda el taller de su padre y continua
con sus premisas. Quedándose un poco obsoleto. No va a ser muy relevante en esta
estructura xilográfica.

83
 LA ESCUELA DE AUGSBURGO

La otra gran escuela donde vamos a encontrarnos autores dentro de ese contacto
alemán que va a suponer una idea muy distinta hasta la fecha.

- HANS BURGKMAIR “EL VIEJO”.

Se establece como xilógrafo. Lo tenemos como un autor que antes de Durero había
viajado ya a Italia. Amantes sorprendidos por la muerte. Un camafeo. Perspectiva y
gusto italiano. Es interesante porque es el introductor en Habsburgo de los modelos
italianizantes, como Durero en Núremberg. Colabora con Durero. También colabora
para el imperio. Quaternionenadker,1510. En su pintura hay una subida mayor a la de
Cranar, dulcificación italiana. Por tanto, se asemeja a esa idea de ser el introductor de
esos modelos coetáneos. Rinoceronte.

Unas obras interesantes para el emperador son las novelas de caballerías. Teuerdank y
Weissk. el primero es soberbio, con escenas delicadas. Perspectiva italianizante,
herencias vernáculas en las mesas, pero hay algo nuevo.

Dentro de esa órbita de Habsburgo es

84
 - HANS HOLBEIN “EL JOVEN” (1497-1543)

Triunfa en buena parte de Inglaterra. Trasladándose a la corte anglicana y trabajando

para Enrique VIII. Su padre estaba dentro de un ámbito culto. Se inicia como retratista,
como en vasilia en su primera etapa como en el foco de Lucerna (puente de la capilla),
cerca de Italia, de ahí llegan esas influencias que le hacen dulcificarse. Cierto
naturalismo italiano. El joven académico Bonifacius Amberbach. Su amigo

A su vez la Lombardía cercana le permiten generar modelos distintos a los del contexto
alemán son perder la esencia.

Va a ser amigo de Erasmo de Rotterdam. Una de sus grandes obras es “Las danzas de la
muerte”. Una serie de personajes que va a aparecer constantemente que son
fundamentales. Sacrificio o triunfo antiguo. Es un dibujo que imita a una grisalla. Con
clarión.

Valor de esa caracterización psicológica.

Característica alemana y holandesa donde está en
primera estancia. Esto unido a esos pensamientos
de carácter reformista le van a permitir conocer a
Tomas moro.

1526 Viaje a Inglaterra

Retrato de sir tomas moro con su familia, 1527, pluma y tinta negra sobre papel. E

Es un mártir con amistad del rey. Eso le permite entablar contacto con toda la elite de
la corte medieval que se quería refinar. Tenía muchos contactos con esa influencia
flamenca, seda de importación de Flandes, tapices…todo al matrimonio y el linaje con
Catalina de Aragón e Enrique VIII. Ella introduce un gusto europeo en la corte. Esto
permite reformar las artes en su corte. El autor no es solo pintor de corte, sino un pintor
notable con otras facilidades como espía luterano por decisión de Enrique.

85
Vemos esa herencia de la perspectiva de Durero frente a ese aire centroeuropeo. Nos
recuerda un poco a ese mundo flamenco anterior. Una de las cosas que lo caracteriza
ene l uso de la perspectiva.

Retrato de mary wotton.

Composiciones casi imposibles. Se ven de manifiesto en la obra de su viaje a Francia

1527. Virgen del burgomaestre Meyer. Lais de corinto.

Un arte que se ira dulcificando. Al mismo hecho al estar en contacto con el mundo
francés le hace hacer retratos de corte alemán. Fondos neutros que recuercuerdan a los
herederos de un modelo en el barroco. Muy francés.

La familia de Hans Holbein:

Soluciones modernas. Cambios en la forma de concebir.

Los embajadores, 1533.

Obra paradigmática. Esa manera le va a permitir

irrumpir dentro de Inglaterra con una nueva fomra
de entender el arte. Soluciones soberbias. El
crane, memento mori, con escrituras con el deleite
humanístico, literatura, geografía… nos permiten
ver un mundo muy singular. La calavera flipas de
perfil.

También es muy buen autor de miniaturas. En buena medida pedidas por Enrique VIII
que le obliga a pintar los pretendientes.

En este momento genera unas especie de obras en relación a las monarquías católicas
dentro de ese espíritu de soberbia. Ahí representa “las danzas de la muerte”. Con
xilografías muy interesantes. Hace escenarios con las letras. Permite entender toda esa
critica asociada a la iglesia. La muerte habla de esos excesos en el Vaticano. Soluciones
que tanto a reyes como al resto de mmonarcas deja en mal estado, con una cierta idea
de la muerte en buena parte de su obra como critica religiosa.

86
Hace otras xilografías que remiten a modelos nuevos en el mundo centroeuropeo con
herencias italianas como la obra de san pedro. La manera en la que pinta nos puede
permitir datar la cronología de la obra.

LA ESCUELA DE DANUBIO

- ALBRECHT ALTDORFER

Es uno de los renovadores de esta escuela. Se ve una influencia alemana con un lenguaje
renacentista. La visión el encuadre y las maneras de entender la composición sean
italianas. Corte renacentista. Así como en otros autores vimos esa dualidad entre el
sentido italiano y alemán. No le preocupa tener esa herencia del pasado, pero son
modelos contemporáneos, sin motivos arcaizantes. Lo que vamos a ver es una clara
vocación e intencional estética moderna para la época en su contexto pero que no
quiere asumir rémoras de un pasado como si fuera un lastre. Es renacentista. La
arquitectura ya no tiene ese sentido gótico, es moderna. Técnicamente es menos bueno
que Durero. Pero Durero es más radical en algunas formas. Quiere romper con el pasado
generando un nuevo discurso propio con influencia italiana, pero sin imponer
estrictamente esa perspectiva albertiana que habría generado poca empatía en los
comitentes en su sector.

El dibujo es mas italiano y renacentista, pero a la vez mas

diferente de lo que hay en Italia. La obra es mas alemana
pero no se había hecho nada igual. Lo vamos a encontrar
haciendo cuestiones arquitectónicas desde 1526 para la
ciudad de Ratisbona, arquitectura funcional para la
ciudad…No solo va a tener va a tener esta vertiente pictórica
sino de maestro grabador y arquitecto.

87
Niño Jesús salvator mundi. Buril

Gran expresionismo. Tal vez su obra a diferencia de otros

autores de su obra empatiza con la sociedad con esa
expresividad. Es un autor que gusta que se va a reproducir
bastante. Muchos de sus buriles tienen un aspecto
xilográfico, como en la escuela. La xilografía con respecto al
buril, con las líneas y la composición no difiere.

La caída y la redención del hombre. Cristo en la cruz.

Soluciones con nuevos encuadres, aunque no

conozca bien la perspectiva resuelve técnicamente
muy bien. Hace composiciones de escenas bíblicas
como la expulsión del paraíso. También se interesa
por los paisajes. Con fórmulas recreadas.

88
 ESCUELA DE FRANKFURT
Podríamos decir que con Núremberg fue un gran foco de imprenta y uno de los
lugares con mayor repercusión del mundo alemán. Se instalas numerosos talleres de
grabadores. Uno de ellos es:

- JOST AMMAN 1539-1591

Nació en suiza en suri, luego va a Núremberg y Basilea y finalmente en Frankfurt.

Podríamos decir que sus temas religiosos son bastante importantes. Se mueve a
caballo entre un sentido del conocimiento italiano muy coherente en la época, pero
siempre hay algo que determina su sentido estrictamente alemán.

Perspectiva Corporum Regularium

Conocimiento de la geometría y
matemáticas extraordinario.
Destreza técnica. Adelanta la
composición geométrica.

A su vez participa en otras grandes producciones como en la visita imperial a

Venecia. Se trata de una composición muy compleja donde técnicamente volvemos
a ver una perspectiva extraordinaria, un
conocimiento del claroscuro. Lo más complicado
para estos grabadores es pintar el mar, porque

89
 algunos ni siquiera lo habían visto. En detalle lo consigue. A la ciudad de Venecia.
Festejo. Grabados dentro del corpum

Vamos a encontrarlo muchas xilografías.

Diana descansando con sus perros. Flora En el reverso tiene un dibujo.

va a colaborar en esa gran empresa de Maximiliano II con otros artistas. Crea la

apoteosis del emperador Maximiliano II. Con elementos de carácter apoteósico que
nos hablan de un lenguaje renacentista. Lenguaje casi barroco, iconografía de corte
imperial… un discurso alegórico eminentemente complejo.

Otra obra asociada son los retratos del almirante Coligny. Finales del siglo XVI.

- THÉODORE DE BRY (1528-198)

Lo encontramos en gran parte de los grabados asociados a la

imprenta. Aunque nace en Breja abandona la ciudad por cierta
polémica asociada a su oficio, al ser orfebre a veces había
disputas gremiales. Buena parte de sus grabados los hace en
Estrasburgo. Bebe un poco de estas características de la escuela.
A su vez, lo vamos a tener en 1570 establecido en Frankfurt.

Es un grabador eminentemente de obras para publicaciones.

Que va a ser un gran compendio muy singular que establece esa leyenda negra española.
Muy singular en la forma. En el sentido técnico: Va a haber varias tradiciones de
Bartolomé de las casas que hablan de estas crónicas de la colonia española. En buena
parte de estas soluciones grabadas nos encontramos un autor muy complejo. Nos
recuerda a los volúmenes de miguel ángel, con un sentido manierista. De hecho, lelga a
publicar más de 200 libros, algunos no los estampa él. Con estampaciones xilográficas.
Por tanto, hay que entender que la manera de enotrarnis sus grabados no solo se van a
utilizar en fechas contemporáneas a el sino en futuras ediciones. Eso nos lleva a tener
grabados más antiguos.

Uso específico de ese leguaje manierista.

90
Mujer guerrera picta. Alusiva a una virgen picta o a la Virginia. Este grabado esta
atribuido en su diseño.

Indios de Virginia contactados por John White según la

interpretación. Se especializa en ese discurso de las
primeras poblaciones de Norteamérica como en la obra de
Bartolomé de las casas. Podrimos decir que este autor es
uno de los primero en generar una historia de américa
desde un punto de vista grafico que en Europa genera ese punto de vista de la
historia negra. No significa que nos españoles no hicieran aberraciones, pero
también hay que entender estas fórmulas. Con esa grafía se fomenta la leyenda
negra del XVII. Frente a las soluciones que contacta con la zona de Virginia que van
a tener un sentido mas naiz en ese momento. A su vez hablan de prácticas de
canibalismo, también trata otras imágenes. Una figura controvertida.

Versión coloreada del grabado de Theodor de Bry dentro

de la obra American Indian village of Pomelooc. Libros
costosísimos y caros. Grado de preciossimo. Calcografia
coloreada a mano

91
 EL SIGLO XVI

FRANCIA LA ESCUELA DE FONTAINEBLEAU

Se trae a la corte de francisco I toda una nueva influencia artística venida de Italia.
Artistas que van a trabajar un nuevo lenguaje que entronca con el sentido del
manierismo. Primer renacimiento francés. Francia estaba enquistada en el gótico, pero
de repente se encuentra con artistas italianos que generan un discurso nuevo.
Paisajistas, grabadores…

Gabrielle d´estree

- GUILO ROMANO

Su actuación es fundamental para entender esa nueva modernidad. Aparece como

Guilio Bolonia (porque nacio allí) pero no es. Un autor formado en ese modelo italiano,
de ahí que sus composiciones graficas nos lleven a obras del renacimiento italiano.
Introduce esa vertiente italiana en la escuela. Crea esa vertiente que siguen otras
autores. Introductor de la modernidad en Francia. Eso hace que autores como

- FRANCESCO PRIMATICCIO (1504-1570)

Trabaja para el generando la difusión de sus obras mediante el grabado. Va a ser uno de
los grandes grabadores de esta escuela. Copia esas obras de Romano y va a generar
modelos interesantes. Es pintor dentro de la escuela y diseñador de composiciones
suyas y del propio Guilo. Primaticcio no es el grabador. También tiene una faceta de
pintor, pero lo vemos en ese sentido de grabador. Conserva el cargo de pintor de corte
para los herederos de Francisco. También decoro salas. Rapto de Elena. La anunaciacion
pintura al fresco en la abadía. Tienen esa doble vertiente.

92
Según Francesco Primaticcio. Bellona.

Grabado por Davent. Nos encontramos obras d

ePirmaticcio grabadas por otros autores. Por otro lado
hay obras que Primaticcio hace pero que son
reproduccidas calcográficamente por otros.

Alejandro Magno y Campaspe posando para Apeles.

Aguafuerte de Jan de BisschoP

- LEÓN DAVENT (trabaja c. 1540-1556)

Firma él pero el diseño es de Primaticcio, por tanto son obras de Davent según
Primaticcio. Cuando el autor está haciendo una obra de Primaticcio es distinto que
cuando hace una obra de otro autor: es más manierista cuando hace obras de
Primaticcio. Es curioso que cuando Davent está haciendo una obra inventada por él es
mucho más tosco, pues es mejor imitador que grabador, lo cual sucede muchas veces.
Sus propias composiciones son más torpes que las que copia de los manieristas.

Un copiador de Primaticcio.

El descanso de diana. Grabado despies de primaticcio. Grabada por DAVENT. Aparece

firmada.

93
 - JACQUES ANDROUET DE CERCEAU (1510-1585)

El gran libro de arquitectura de Cerceau va a ser una de las obras donde se

encuentran grabados atribuidos al autor estableciendo los modelos tipológicos que
derivarán en el concepto tan francés de “hotel”, palacios de carácter urbano. Esta
tipología de casitas que parecen del siglo XIX son en realidad del pleno siglo XVI,
siendo soluciones modernas y visionarias jamás vistas. Antes no se elaboraban estas
planimetrías con estas perspectivas, cortes, alzados y secciones. Es prueba de esa
integración de las artes que se da en la Escuela de Fontainebleau.

- JEAN DUVET (1485-1562)

Procedente del mundo de la orfebrería, nunca perderá la

minuciosidad de este oficio en sus obras. Era hijo de una
saga de orfebres instalados en la Borgoña francesa. Sus
minuciosas obras nos recuerdan a autores como Durero.
También le influyen italianos como Mantegna o el tan
difundido Raimondi. Duvet representa la unión entre la
identidad local de Fontainebleau y los modelos italianos.

94
 ESCUELA DE LOS PAISES BAJOS

- LUCAS VAN LEYDEN (1494-1533)

Su nombre viene de Leyden, donde nace en 1844.

Podríamos decir que su obra gráfica está dentro de una
manera de genialidad como la de Durero. Fue un pintor y
grabador neerlandés. A diferencia de autores maestros del
renacimiento alemán, lo que encontramos es una
versatilidad interesante. Se dice que llego a grabar una
madalena con 13 años, conservamos mas de 200 grabados
por él, normalmente de temática religiosa pero también
algunas alegorías. Influencias de Durero que se van atenuando hacia un arte más
personal. Nos encontramos ante soluciones que están dentro de la órbita, de ese
manejo de la perspectiva en base a elementos de modelos alemanes. En 1521 volvemos
a ver un espíritu volcado en la esencia de Durero. Obras muy curiosas que generan un
discurso mas vernáculo o centroeuropeo. Composiciones que podemos intuir por la
perspectiva, el contrapicado o los ropajes. Tiene la idea de la xilografía como algo en
negrita. Sin degradación de colores. Frente a un aguafuerte o a la idea de punta seca.

La estructura de marco en la
xilografía es mas negra. Se puede
intuir la huella. La plancha doblada.
Puntitos.

95
 Calcografías, aguafuerte

- HIERONYMUS O JERÔME COCK (1510 – 1570)

Viene de una familia de grabadores. Muere con 47 años.

Instalado en la ciudad de Ambere, uno de los grandes focos
culturales con comercios y sedas preciosas; y aparece una
miniserie de maestros en el gremio de San Lucas que
aglutinan los pintores. El padre, Jan Wellens de Cock es
heredero de esa estética del Bosco, sentido del mundo
flamenco con perspectiva italiana. Es un grabador flamenco
del Renacimiento.

A su vez, su hermano Matias coco. Su obra viene de la difusión de grabados italianos de

Giorgio Yisi y de obras de Rafael o pinturas de Primaticio. Todo el influjo italiano y a
mismo tiempo de autores centroeuropeos y contemporáneos. A su vez Cock se traslada
a Roma y eso le permite conocer los artistas italianos; con soluciones que tienen que ver
con el mundo y la tradición del grabado. Va a llevar una vez que vuelva, a ese sentido
más alemán y centroeuropeo. Va a participar grabando una obra magna en 1562 donde
se graba un gran mapa de américa.

De 1546 a 1548 trabajó en Roma. Al retornar a Amberes creó su propia imprenta bajo la
enseña Aux quatre vents, con la que realizó su primera impresión en 1548.

96
 Mapa grabado del cosmógrafo Diego Guitierrez. Amiricae
Sive Quartae Orbis Partis Nova Et Exactissima Descriptio.

Con 6 planchas por lo menos.

- PIETER BRUEGHEL EL VIEJO 1525-1599

Se apunta a que esto es una autorretrato. Uno de los grandes autres. El pintor y el
aficionado. Firmaba al pirncipio con H y al final sin ella. Una cronología en la Durero esta
a punto de morir. Todavía con esa iluminación bernacula. Es uno d elos grandes autores
del papisaje cuando pintar paisaje al aire libre no se podía hacer. La experiencia que
inventa e imagina es soberbia. Algunos autores lo llaman el pintor de lo blanco, porque
fue el primero en pintar la nieve. Con sluciones tridimensionales.

Cazadores en la nieve (1565)

La manetra en la que tiene brueghel de

acercasrse al campo es inédita. Se llega a disfrazar
de campesino se camufla dentro de las
sociedades artesanales y clases bajas. Se quiere
adaptar para ver in situ escenas que de otro
modo no son vistas. Los proverbios flamencos.
Normalmente la gente no salía de casa. Salidas de
97
campo para generar apuntes. Como en la boda campesina. No solo el encuadre es
sorprendente porque nos da esa nueva preceptiva, se nos presentan personas de
espaldas, no atendemos a la novia que se acaba de casar. Estamos viendo que se
sirven comidas, no liquidas. Hay comerciantes, personas de otra clase que
comparten mesa y son invitados, como en algunos casos hablando con un clérigo.
Instantáneas fotográficas que hasta entonces no se solían ver. Tiene elementos
visuales del Bosco pero sin la fantagonia tan estridente y con escenas dentro de
saberes propios del mundo flamenco heredado del medieval. Ese elemento es
importante a la hora de tener en cuenta como trabaja. Se conservan pocos
grabados.

La caza del conejo salvaje (1560). Es una

calcografía. Con huella. Aguafuerte. Vemos
ese espíritu amplio en su obra. Se entiende
como una obra que, aunque Hyeronimus
cock es de Hyeronimus. Tiene que ver con un
proverbio holandés de que una persona no
puede casar dos conejos a la vez. Sus dibujos
están en esta misma orbita. Dibujos de escenas campesinas. Perspectiva italiana.
Volumen que parece que nos da. Los encuadres muy modernos con soluciones
diferentes. Tiene mucha memoria. Conocía bien el carácter de los campesinos, sabe
cómo se visten y sus gestos al natural, dibuja con convicción extraordinaria. En
muchas ocasiones son dibujos que no nacen para ser grabados. Pincelada suelta y
conocimiento del paisaje.

Va a generar casi todos los grabados de Brueghel. Una edición mayor para esos
grabados de pecados, peculiaridades holandesas de esa tradición cristiana.

Santiago en la cueva del brujo. Nos aparece que Brueghel inventa y cock ejecuta.
No inventa. A partir de finales del siglo XIX se sistematiza. Brueghel le da la idea para
crear una composición, cock solo pasa a plancha esos dibujos. No solo diseña la
composición sino que esa composición nace ara ser grabada. Si invent, normalmente
la obra se hace para hacer difundida en grabado. Brueghel trabaja mano a mano con

98
cock. Cuando aparece Brueghel inventor y Hyeronimus cock excuderx, es porque
cock es el grabador, y Brueghel la hace. Brueghel no solo es grabado por él, también
por Peter van der Heyden, con otra forma holandesa.

El pez grande se come al chico (Heyden), vemos una solución que edita Hyeronimus
como impresor-, peor el grabador se omite. Cock actúa de grabador e impresor.
Grabador, con cierta estética e impresor aparece su firma. A veces el grabador se
omite al ser tan famoso el otro. Esta obra hecha a partir de un dibujo de Brueghel
el que aparece grabándola es Hyeronimus Cock. Muchas veces el inventor crea la
obra para ser difundida. Un privilegium aparece cuando muere el autor. En ningún
momento plagia.

Cuando hay un editor muy importante (sobre todo en el mundo flamenco, francés y
alemán a partir del XVII) la figura del propio editor es tan relevante que desaparece
en la firma del grabado el grabador, y solo queda el diseño de la cual se coge la idea
y se omite el que traduce la obra a la plancha. Esto supone, el sentido gremial del
momento y el peso específico del coleccionismo. De ahí que los editores tengan una
gran importancia. El problema viene cuando el editor y el grabador son igual de
importantes. Que se mezclan. Hasta que punto el editor de la obra es el creador?

Hay autores tan importantes que son difundidos osteriormente a su muerte. Filip
Gale va a ser uno de lso grandes editores y grabadores que genera copias de la obra
de Brueghel. A veces se pueden adaptar al gusto o a determinadas estéticas para
hacer la obra mas entendible.

- CORNEILLE CORT (1533-1578)

Va a hacer ora de Hyeronimus cock pasándola a grabado para dar a conocer los
autores importantes del pasado. Cuando hace otro tipo de obra que no remite a los
modelos flamencos, nos encontramos con obras como las de Tiziano. Peor a parte,
por si hay algún problema pone que tiene el poivilegio y el año. Cornelis cort Feci.
Esta obra difiere de la del Cristo conduciendo… que muestra un contexto italiano.
Claroscuros propios del martirio de San Lorenzo. Esta imagen si hubiera sido

99
reproducido a partir del siglo XIX el dibujo se habría hecho de espejo. Sin embargo,
esto no sucede en estos momentos. Estaríamos ante una interpretación.

A no ser que sea muy fiel a la obra no estaríamos ante una reproducción.

Cort también hace retratos fieles a pintores notables del ámbito flamenco como el
de Hyeronimus Cock y Rogelio de Bruselas (Banderbaiden). En este tipo de obra

- VOLCXKEN DIERICX

Una editora. Con una línea editorial muy importante de los 4 vientos, 4 caras
soplando. Esa tienda de edición era realizada por ella junto a su marido Hyeronimus

Cock. A la muerte de Cock ella sigue regentando la línea editorial. Era una mujer
importante en las decisiones de Cock que regenta con el la línea editorial de los
cuatro vientos. Hace también una saga de representar autores tan importantes
como el Bosco.

- HENDRICK GOLTZIUS (1558-1617)

Fue un grabador que hizo muchas planchas, muchas se siguieron editando en el siglo
XVIII. uno de los grandes grabadores y luego editor. Nos encontramos con obras bajo
e aro manierista dentro del mundo flamenco. Es un gran maestro del buril. Este tipo
de composiciones cuando son realizadas e inventadas por él. Lo inventa, lo graba y
lo difunde. Caracer efectita de la obra. Tridimensionalidad grandísima. Los contastes
permiten una mayor versatilidad en el grabado que adelantan como será el grabado
del XVII. Aguafuerte. Grises. Buril

100
El editor también genera un sello estético.

El propietario le permite el privilegio. El Hercules Farnese solo puede ser admirado

por unos privilegiados. Cum Privilegium. Se refiere al escultor. Como no ha muerto,
el privilegio es del palacio del cardenal farnesio.

Ícaro.

En el buril solo hay dos colores. Incisiones muy oscuras. Tonalidades que se
distinguen muy bien.

Cuando engrete suelen ser buriles, gutcat

xilografía, etchin aguafuerte o aguatinta.

101
 The circumcision. Hendrick Goltzius. Maestro del buril.

Third State – estado – aguafuerte - etching

1594

Firmada con un anagrama.

Abajo aparece el que escribe las letras. El autor

de la grafía que tiene tanta importancia que
firma la obra.

Arte de edición. Las líneas editoriales quieren

tener repercusión también. Suele aparecer en
los márgenes.

FRANCIA SIGLO XVI

Francia tiene uno de sus mayores periodos de esplendor. Encontramos una dicotomía
muy singular: por un lado, figuras de creación libre que evolucionan con la escuela de
Fotaneaou frente a un discurso de un academicismo incipiente donde la sobriedad y ese
racionalismo va a imperar. Hay que entender que en esta perspectiva el grabador tendrá
gran relevancia. La figura ya es respetada. Es la época en la que se desplaza a la xilografía.
Pierde su sentido dando paso a la calcografía con aguatinta la que es técnicamente más
importante. A parte de Francia en Holanda también existe un gran foco. Dentro de lo
que es el fenómeno francés del artista grabador que defiende sus derechos mediante
una corporación de carácter gremial al margen de orfebres… En ese sentido el arquitecto
Mansard. Esa regulación de carácter gremial va a llevar un control regio por parte de
autoridades, en este caso el arquitecto Mansard establece un control sobre toda la
estampación en Francia. Con el Rey Luis XIC los grabadores quieren crear esa
corporación, así se emite un acuerdo de consejo de estado en San Juan De Lux, donde
el rey a petición de algunos grabadores generan esa estructura. Ese consejo de estado
de san juan de Lux, Francia. 26 de mayo de 1660. La idea es que el grabado tenga la
libertad. En ese contexto hay que entender las obras satíricas de aquellos que se rien
del control absolutista. Mansard es entendido como un necio. El posicionamiento de
este momento, del mundo académico permita soluciones tan simbólicas como Charles
Le brun (1683-1686) por un lado es el pintor real ennoblecido de la corte y quienes de
102
una forma irónica entienden que Le Brun tiene en sus manos al rey. Ese sentido del
poder del artista también afecta al discurso del grabador.

- JACQUES DE BELLANGE (1575-1616)

Sigue con la perspectiva manierista evolucionaba. Será uno de los grandes autores del
momento. Tiene una gran cantidad de grabados relacionados con la biblia, mártires y la
vida de la virgen frente a escenas mitológicas y de carácter militar. Su estética esta
evolucionada desde Fontaneblaur pero es más manierista. Hay un espíritu más italiano.
Se considera que este puede ser un retrato suyo. Aparece en un cortejo fúnebre del
príncipe de Lorena. Cuando vemos sus dibujos vemos una figura que pese a su contexto
geográfico se cree que en ese momento la perspectiva manierista en la vida francesa
está relacionado. Hay algo que nos permite intuir la idea de que no está hecho por un
italiano: en los rostros. La languidex del cuerpo si es manierista pero la expresividad no
se puede confundir con la obra italiana. Bellange tiene una fijación por Federico Barocci

La obra del autor tiene relación con Federico Barocci. La manera de estar haciendo la
propia estética y el discurso de estos elementos, específicamente italianos vienen de no
solo ese ámbito manierista sino también de Federico. Al mismo tiempo es totalmente
distinta a los modos de grabar holandeses del momento. Italiano en la composición. Un
modelo que pese a la expresividad tiene un copoenente manierista que choca co la
cultura holandesa del siglo XVII. Las composiciones que da gustan. Suelen ser escenas
bíblicas. El estudio de caracteres mendicantes, juglares… también gusta.

Algunos grabados son inventados por el propio Bellange e impresos por heyde. Significa
que el ejecutor y editor van a ser diferentes a Bellange. Compone también pages, incluso
los reyes magos. Generando un discurso orientalista, con los zapatos, sobre todo. Dentro
de estos estereotipos aparecen ataques hacia peregrinos, esa violencia tan habitual en
el XVIII. la obra de estos autores franceses tiene gran relevancia en la pintura de Goya.
La composición de los reyes magos es una obra enorme. Una plancha calcográfica
ingente, grabados a una sola planta más grandes de la época. Aguafuerte. Los martirios
de santa lucia van a ser composiciones muy elogiadas. Composiciones agarrotadas del
mundo manierista. La obra de la anunciación se considera una de las obras maestras del

103
autor. Técnicamente introduce los graneadores, en la piel. Eso permite que la obra tenga
un grado de realismos y de tridimensionalidad soberbio.

La obra de la anunciación tiene una firma.

- JACQUES CALLOT (1592-1635)

Practicamnte su producción es del XVII. Sr cree que cuando tenia 12 años se escapo con
gitanos que recorrían países. Se sabe que entorno a 1608 lo encontramos viviendo en
Roma, va a pasar por alguno de los grandes autores trabajando en esa orbita. Pasa por
el taller de Antonio Tempesta. Un autor italiano muy grande. Luigi Parigi, Cuando carot
peirde la porteccion de la familia medici vuelve a la ciudad de Nancy donde desarroya
gran parte de su obra. En sus dibujos auna la nueva modernidad italiana alejada de ese
discurso de Dellage de ese discurso manierista. Pierre de Nancy. 1625. Era uno d elos
grandes ducados de Lorena. Sigue la visión del paisajismo y perspectiva italiana.

Pont-Neuf de parís. Balli di sfessania.

104
Dentro del ámbito italiano, va a participar de la grabación de buena parte de la comedia
del arte italiano. Bufones, sátiros constantemente siendo retratados en sus
composiciones.

Hace también estudios militares, Breda mas

escenas de la Guerra. Representa los
vencidos. La iglesia repartiendo la bendición
antes de ser ahorcados. Sentido naturalista.
Las miserias de la guerra son las causas de
ella. A su vez tenemos obras de escenas
bíblicas.

Su técnica no es comparable con grabados de la

época anterior. Pese a ser estampaciones
minimas tienen una gran rotundidad. El
modiente agarra muy bien por eso se ve tanto el
claroscuro.

Va a realizar dos tentaciones de san Antonio.

Esta es una composicon compleja con
cierta teatralidad. No son la svisiones que
estábamos acostru brados en el mundo
flamenco. Composiciones comprensible e
italiana. No hay problemas de
interpretación. Composición también
tridimensional, con graneado. Esta es la
gran obra complejisisma que va a tener que
lidiar el autor. Mapa. El sitio de Breda. 3
planchas para el marco y 6 en total, poruqe al ejercer la inversa tenemos la solución para
todos los platerales. Hay que entender que con Breda calor manifiesta su desocntento
puesto que por parte del rey Luis XIII le había encargado nuevas visiones, y el dice que
el es de LORENA y no puede atentar al honor de su príncipe y aps y rechaza retratar todo

105
lo que suponía la ocuacion de lo ocupado en la capital lorenesa, por tanto solo ejecuta
este sitio de breda donde se da la guerra. Entre el mundo francés y español en Flander.

- ABRAHAM BOSSE (c. 1602-1604)

Uno de los gandes autores con mejores composiciones y tratados. Bosse da una gran
evolución grabadistica. Hay cierto carácter pedagógico en toda la obra.

Le valet de chambre

Da una una visión francesa. Porpone técnicas en relación

con el agua fuerte ocn esos contrastes del claroscuro
asociados a la pintura francesa barroca del segundo
barroco. Esas composicones de estampacione
nmarcadas van a ser muy habituales en los grabados. Hay
un gusto de enmarcar ocnstantemente. Hay escemas
domesticas terroríficas, como le mari battant a mari.
Frente a esta formula que dentro de la perspectiva d el
aepoca, no tiene el dramatismo y si en el sentido de jocosidad y comedia.

Creo El tratado de la prctica gemoetrica de la perspectiva. Podemos ver grabados,

composiciones para entender la perspectiva y geometría arquitectónica. Ejemplos
también de como realizar un taco xolografico o usar un uril. Todo un estudio
geométrico de la pesrpectiva. Va a trabajar también en otros grabados con un
carácter mas técnico. Toda la estetica esta alejada de Bellage. Son elementos mas
porpios del barroco. Tamnnein
hay estudios anatómicos. La
mariage a la ville,1633.

Manutenciones en el parto. La
chimenea d ala pista francesa,
aparte de algunas vestimentas
la valona o la cofia como
tocado.

106
- CLAUDE MELLAN (1598-1688)

Se puede intuir en distintas técnicas. Con soluciones técnicas que tienen que ver con
que el buril consiga esos claroscuros. Un gran burlista y grabador. Con un nuevo
postulado teórico. En 1635 la luna hizo este grabado tan exacto de las distintas
posiciones de la luna en cuanto a las técnicas de la obra. Esa especie de
intencionalidad parecía trabajar con un aspecto xilográfico. Revolución estética. Hay
un primer discurso del manierismo que parece deudor de esa escuela de
Fontaneblau, esto es ya Netamente francés. El barroco es tan clasicista que puede
parecer neoclásico sin serlo. Esta obra es plena de un barroco del mundo francés,
pero presenta ese clasicismo con la composición del barroco francés. Esto jamás
podría entenderse como un grabado alemán o que no estuviera dentro de esa
estructura francesa, independientemente de que haya intervenido el compositor.
1633. Carro con caballos. Fija una idea con la que trabaja durante décadas.

1649 cabeza de cristo. Composición hecha sobre

un mismo eje central en la punta de la nariz, y
que permite de forma circular. Esa técnica la va a
desarrollar y se va a convertir en un éxito que
otras autores intentan imitar. Por tanto, esta
solución calcográfica no es de Mellan, pero
participa en esa idea. No se trata solo de una
estampa devocional. Se graba con una necesidad
de exponer esa destreza técnica. Destreza que se
aplicara en escuelas de grabado sobre todo
europeas, como un ejercicio de destreza que
pocos pueden generar. Toda ma obra de Mellan va a tener algo de
esta técnica, si bien el buril de forma concéntrica genera el eje.
Configura el rostro mediante esa línea perfecta. Hace que esto lo
entendamos como una obra de arte. Búsqueda de la línea perfecta.
El equilibrio compositivo de la línea y equilibrio compositivo, que preludia un nuevo
estado del arte. Es barroco clasicista atemporal que gusta. Suele utilizar esto aunque

107
también utiliza aguafuertes y otros diseños. Soluciones barrocas y clásicas en
composiciones equilibradas. Ese postitaliano también se advierte en algunas
estampaciones.

San Pedro en el desierto. Composiciones muy interesantes.

San Bruno. Esta

representación fue
muy famososa por
la destreza técnica.
Expresionismo.
Una composición
moderna. En esta
aparición se ven los
rayos donde hay
una iluminación
barroca. Es un buril.

La Sourciére. La venus con formas. Distintos cromatismos en una misma línea que
no hace un buril.

En un buril la línea no es tan precisa como con un mordiente.

CLAUDE GELLÉE LORRAIN,

- CLAUDIO DE LORENA 1600-1682

Va a tener una estampación de sus cuadros. Serán pirncipalmente aguafuerte.

Estampación diseñada por el y grabada a posteriori. Color frente a la línea. Hay un
sentido muy especifico que cuando vemos el valor de las ruinas y su porfundo

108
conocimiento de Italia, es netamente italiano. los arboles hechos con esta soltura
son la clave.

Configura determinados aguafuertes que va adibujar para composdiciones dadas

ocn su pemriso que generan mas atrde
unas carpeta interesantes por parte de
autores.

Aguafuerte

Basada en un dibujo no hecha para ser

difundida. Hay dos formas de explicar un
diseño de: significa que es el diseño, la
composción; cuando dice insit: es un
autor muy ageno al diseño del aestructra
de la plancha calcográfica, cuando dice
invent ocn licencia: es por un lado que
Claudio de Lorena ha creado la obra para
ser difundida desde el grabado. Grabado de obra que se ha pintado previamente y
que luego representada como una idea de difundir; o directamente diseños de
dibujos que salen de el que no reproducen nigun cuadro y que son obras que tienen
su permiso para que salgan.

A medida que el grabado evoluciona y hablamos de una industria estamos ante un

proceso de difusión de la estampa, un bumm del coleccionista. A lo largo que
sistematiza las distintas maneras de decir si es diseñador…corresponde a un lenguaje
muy especifico que antes se podía mezclar sin problema pero a medida que
avanzamos en este siglo el grado de precisismo es tal que si nos dice que se ha

109
inventado, tiene la licencia dela autor esta composición se haya creado con esta
finalidad. Se regula y se hace más concreto.

Delint: Hay un dibujo como dibujo conservado (en la tumba)

Invent: aquí lo invento

Pincit: Hay un cuadro que es igual q el grabado.

Si en un mismo contexto vemos que

el aitor de la obra genear tal
especificación perfecta es porque
nos da una información que a veces
obviamos, y es que cuando dice Invet
en este grado de época donde todo
esta tan controlado es que el propio Claudio de Lorena en vida le da la licencia, para
que se haga. Frente a un empresario que difunde una imagen para sacar tajada, hace
el dibujo, coleccionista. Delint: un dibujo comprado para un duque del que sus
descendiente quieren sacar tajada.
Cambia la finalidad de la obra
originalidad a partir del XVII. Esa
sistematización de términos, y sobre
todo a partir del XVIII se usan de una
forma u otra ara no generar
problema. El grabador será escult y el
Fecit puede ser el grabador, edito,
impresor.. antes el que lo hacía. Nos dan información que en otras décadas
anteriores no teníamos. La gente peleaba por este autor. Es como una reproducción
fotográfica de algo que tenía un duque hecha de forma genial. Una solución aguada
que no permitía la copia. 1600-1682. Earlom Richard lo hace y publica en 1744. Las
ediciones de una estampación posteriores jamás hay forma de saber si no
atendemos al tipo de papel. Si no es por el soporte no sabemos su fecha exacta. A

110
 partir de que sabemos del XVIII el problema esta en saber que edición es. La obra y
la adaptación de la obra es importante.

JOHN BOYDEN

- NANTEUIL 1623-1678

Grabador del rey. Da el imaginario de la corte

francesa y su esplendor. Retrato que Nanteuil lo
dísela pero le da el privilegio CPR con privilegio real.
Lo dibuja para que otro lo
grabe.

Champaigne Pinxit: hay una

pintura en la que esta basado
esta obra.

Cuando solo tenemos una

persona, aquí el grabador hay que entender que, en su taller, él y otros grabadores han
estado allí con la obra de Champaigne.

Uno de los grandes grabadores del retrato en Francia. Se establece en torno a 1477 en
parís y va a ser uno de los grandes grabadores, uno
vez a ser el artista más apreciad por Luis XIV.

Retrato real de Luis XIV. Privilegio real. Es muy

francés las teorías de los rasgos fisiológicos. Capta
la esencia a través de los rasgos del representado.
Va a tener varios autores que siguen generando el
taller. En con el edipto de Juan de Lux hay una
libertad tal de libre y es uno de los grandes
personajes de la corte. Es capaz de grabar a buena

111
parte de la corte. Le Brund es el autor de esta obra, lo pinta que Nanteuil graba. Uno de
los grandes príncipes, cardenal.

Lo esculpe con privilegio real. obra de simón Arnau.

Nanteuil lo hace, lo diseña y lo esculpe. Técnica mixta:
aguafuerte y buril. Los graneados que se general
participan en ese efecto de gran modernidad. Gran
grado de naturalidad.

Moisés proclamó la ley y apoyo las tablas.

Grabado de reproducción. En el XIX. Esta invertida.

Esta feo coger las tablas de la ley con la mano
izquierda.

ALEMANIA SIGLO XVI

Alemania decae. La xilografía se ha sustituido por cartografía, pero apenas nos

encontramos evoluciones y todo lo que perdura son elementos que sigue la tradición
del grutesco, manierista y que no tiene los lenguajes modernos del barroco que se
intuyen en otros contextos de Europa. Las figuras claves, importantes son:

- WENZEL HOLLAR 1607-1677

Es un grabador que alcanza un prestigio notable, no solo ene l ámbito amena sino
también anglosajón donde va a trabajar en Inglaterra, donde fallece. Es un artista culto
con una experiencia de un gran tour que le lleva a hacer incursiones en Africa, será de
los primeros grabadores que viaja a Argelia. Conocer tanto el contexto flamenco y
británico le dan una nueva manera de entender el grabado que lo entronca en otros
autores del mundo flamenco. Este pintor y grabador, aunque loe estudiemos dentro del
contexto alemán, en realidad nace en Praga. Va a ser discípulo en Frankfurt de Matthäus

112
Merian “el viejo” uno de los grandes grabadores de transición de la escuela de Frankfurt.
Precisamente con él, aprende la técnica de grabado.

Xilografía policromada que nos permite ver el grado de sofisticación que leva la xilografía
en el mundo el xvi alemán. Ene se contexto es donde surge la formación del autor.
Tenemos estudios de perspectiva, que nos permiten ver su evolución. Incluso vemos ese
contexto donde hay un componente barroco notable. No tiene la frescura del mundo
italiano, pero técnicamente es valioso. Hollar está dentro de este contexto formativo, y
por tanto sus primeras composiciones va a tener esa idea de la perspectiva cuidada y
van a pertenecer al ámbito de la planimetría de las grandes ciudades, principalmente en
el foco alemán. Mapa de Londres 1666

Ese grado de conocimiento planímetro, lo va

a llevar a desempeñar un papel fundamental
en la topografía y cartografía de la ciudad de
Londres. Que a partir del gran incendio va a
necesitar una nueva restructuración urbana,
se sistematizan este tipo de calcografías. A su
vez, heredado de esos aspectos muy propios del mundo alemán, nos encontramos como
va a hacer lagunas obras con la de Stadtnsicht von Komotau, según Wenceslaus grite.
Calcografías que imitan la xilografía. No cae.

Grabado de Durero.

113
 Es una obra a partir de una obra de Durero.

Durero la inventa.

Abajo del todo es la clave.

Pertenece a una colección el grabado. Nos dice

donde se hizo. Al decir Fecit: lo diseña y concibe
le propio autor. Una reproducción de este
retrato. Manera de espejo. Cambia el lugar de
la firma.

A su vez jola toma el modelo orientalista de Argelia, los indios apareciendo nuevos
caracteres en su obra.

Toda su colección está alojada en la universidad de Toronto, cañada.

Pinsit una pintura

Cuando está en Inglaterra, para las fabulas e Esopo hace obras de un poeta inglés,
hace sátiras con ideas del buen gobierno: las ranas pidiendo un rey. Este tipo de
calcografía nos muestra que en el proceso ingles el grabado es fundamental.

Sigue con la tradición de otros autores de hacer personajes de la vida cotidiana:

mujer de Praga. Hace y dibuja la composición. La dibuja conforme a cómo podía ser
una mujer de Praga en 1636 y luego la graba en otra fecha. Por lo que las fechas
varían. Lo mismo sucede con otras fórmulas. Persona de Bohemia. 1636-49 la
plancha.

114
 nobilis mulier. Comparando los grabados los grabados
vemos un cambio de época. En el habit of bishop no
pone fecha por la vestimenta, a de la época.

Printed: editor. Vende.

Hace grabados de reproducción de grandes

manifestaciones de Inglaterra. En esa misma
reproducción hace el salvator mundi de salvador da
vinci. Pincit: da vinci.
Existe una pintura. Pone
incluso la técnica 1650.
Hecho fielmente.

Esta obra es copiada en distintos contextos. Es muy

fiel en cuenta al brocado, puede ser que haya tenido
un conocimiento directo con la pieza.

- JEREMÍAS FLACK

Nacido en Polonia. Uno de los mayores burlistas dedicados al retrato. Pertenece al

ámbito barco. Lo encontramos como uno de los autores que pasa su formación en
Polonia y se traslada más tarde a parís donde va a estar 10 años hasta que en 16499
se convierte en el real grabador de cristina de Suecia, una de las reinas más
importantes de la historia europea, al negarse a convertirse a la religión protestante
busca amparo. Lo acoge desde el 49 al 54 como su grabador. Esto va a ser
importante, hace que en buena medida su estética cambie.

115
 La reina cristina de Suecia como palas ateneas 1649. Scult: et esecuti: nos habla de
que él no es el autor material del diseño. Es una obra de David Beck.

Sculp – si no viene otra información es que lo graba

Fecit – si solo esta, él lo graba y lo hace

Excudit con sulp y con privilegium – en realidad también actúa

de impresor. Sculp esculpe graba

Diana cazadora. También va a realizar pinturas de su buen amigo Daniel Schultz.

Muchas obras de este periodo son pintadas para él.

Uhna mujer vieja en el tocador. Sabemos que este autor graba composiciones que
remataba con color, aplicando color o bien con una pluma o con elementos de tacos
xilográficos con modelos ya realizados. Calcografía, aguafuerte.

- ADAM ELSHEIMER 1578- 1620

Nace en Frankfurt donde se forma y muere en Roma muy joven. Es uno de los grandes
maestros de los efectos de la luz y el tratamiento del paisaje. Que puede haber influido
en Rembrandt y Rubens quien tuvo composiciones suyas.

Aurora: juego de claroscuro.

Apolo y las vacas de admeto.

Ese conocimiento de claroscuro lo lleva a tener obras como la burla de ceres gouache
en papel. Júpiter y Mercurio en casa de Filemón. De hecho, el conde de Goudt es un
conde que se dedica a hacer las planchas de buena parte de Leisman. Leisman hace
composiciones y el conde hace panchas, en proceso inverso. Es muy habitual que la
nobleza se dedique a este divertimento. Tobías y el ángel.

Pocos grabados se conocen que sean estrictamente del autor. Es muy reproducido. Es
interesante el grado de profusión de esos claroscuros. Insinuando los modelos que
vamos a encontrarnos en técnicas posteriores.

La bruja de endor con una vela elseier

116
HOLANDA
Solo hablamos de dos autores:

- HERCULES PIETERSZOON SEGHERS O SEGHERS.

El más importante del siglo xix con Lucas. Seger se conocen bastantes planchas
grabadas. Se sabe que también tiene algo de color. Conocimiento de las técnicas de
contraste lumínico, por lo que es apreciado por los impresionistas. Se ha atribuido la
técnica del barniz blanco (aguafuerte). Sabemos que Rembrandt admiraba a este autor
adquiriendo alguna d sus planchas. Incluso llega a hacer un segundo tiraje de laguna de
las planchas. Compra la plancha y las retoca.

Sus composiciones forman parte se esa estética centroeuropea, pero hay una evolución
barroca en esos modelos. Esta vista desde su ventana en Ámsterdam, es una
composición rotundamente moderna en tanto en cuando. Pueblo con cuatro torres.

Modelos como el gran árbol van a ser una de las obras más famosas.

El barniz blanco es una formula parecida a la aguatinta.

117
 - LUCAS VORSTERMAN I 1595 1675

Graba a grabadores importantes de ese momento, como

Vostermans o Van Dyck. Graba buena parte de esa nueva
estética holandesa. Esa interacción con artistas que trabajan
mano a mano con obras se ve en la producción italiana, aquí
tiene una finalidad comercial.

Felipe iv monarca de las indias.

P P NOMBRE – no hay
pintura

Sátiro

Una composición hecha para ser grabada. Invent el grabado lo ha sacado de la invención
de un autor, no estrictamente de una composición pictórica. Probablemente de un
dibujo. un boceto preparatorio.

118
- REBRANDT 1606-1667

Una de las figuras más paradigmática. Tal vez de la persona que más autorretratos se
haya hecho. Junto con Durero y goya son los tres grandes autores de las compasiones
del arte europeo. Representa el auge y decadencia de su propia biografía, lo que
muestra con esas técnicas y composiciones. Va a estar vinculado a este mundo holandés.
En Leiden, su familia tiene un viejo molino en el que el nace, de familia asociada a los
molinos, con cierto estatus. Este estatus hace que pueda tener estudios en Leiden. Ahí
se encuentra con Lan Lievens que es un autor que va a trabajar casi a la par con
Rembrandt en los estudios de un formado pintor ene l contexto holandés en
Ámsterdam. Cuando lieves regresa como pintor Rembrandt sugiere que quiere trabajar
como pintor.

Si atendemos a la obra de Lieves algunas tienen comitencias parecidas en este

momento. No podemos encontrar ningún parámetro que lo encuadre en los contextos
del siglo xvi holandés. Durante 4 años en Ámsterdam hace 50 retratos, y s ele llega a
pagar más de 500 florines por cuadro. En esos momentos los autores mejores pagados
solían ser 300 florines y que un obrero ganaba en el mejor de los casos 80 florines. Va a
trabajar ene l talles de lastiman donde se había formado también Lieves y eso lo va a
encontrar con un autor uno seguía los parámetros holandeses ni flamencos

Lastman Orestes y pylades disputando frente al altar.

Es el primer maestro de Rembrandt que

tiene su influencia sobre él. A su vez
una vez que Rembrandt quiere
establecerse ara pintar, los pares van a
aceptar esa fórmula. Va a trabajar con
el taller de Jacb Isaacsz, en principio no
es un buen burilista ni un gran pintor. El
desgarrador infierno. Sin embargo, va a ser uno de los primeros maestros. Las
composiciones no tienen nada que ver con la maestría de Liesman. En el taller de este
cambia su obra orientándola un poco más italiana. Desorden. 1625, 19 años. Al pasar al
taller de Lesman, existe un marchante de cuadro estampas muy importante en la vida
119
del autor se trata del taller de Hendrick van Uylenburg, con el que crea una relación
personal. De hecho, la lección de anatomía participa de una notable técnica en el
estudio que tiene este marchante de arte. Es ahí cuando empieza a pintar.

Dibujos:

Dibujando la modelo desnuda en el estudio de Rembrandt. Composición de Rembrandt.

Pluma y pincel y lavado marrón
sobre gris. Gran grado de
expresividad. Manera de entender
la cotidianidad y la expresividad de
una pincelada suelta.

Se unen los elementos vernáculos

de la esta holandesa y los
conocimientos del barroco italiano.
Si nos fijamos en buena parte de sus estudios, muchos de ellos, mezclan pluma y tinta
con lavis de tonos marrones. A veces el uso de clarión sobre el papel. Esas maneras
difieren de composiciones extraordinarias solo de pluma y tinta que al ser ferrobalica se
oxidan dejando una mancha. Modernos, con gran estresa de la pincelada. Más cercano
a sus composiciones de aguafuerte.

La concordia del estado 1642. Óleo sobre tabla. Sentido de la perspectiva rotundo.

Desde el año 1628 se asociado con Lievens y eso le va a permitir contratos para la
reproducción estampa. Composiciones más arriesgadas con fondo neutro. Es el periodo
ene l que realiza el retrato de la madre del artista. Uno de los primeros grabados de

120
carácter calcográfico que hace Rembrandt. Grado de expresividad. Más en consonancia
con el dibujo. la formula. Punta seca y aguafuerte. Técnica mixta. Cuando hace otras
composiciones vemos esos modelos del claroscuro italianizante. Con la misma
cronología para una temática religiosa diferente recuerda a esos valores casi vernáculos,
de la identidad flamenca. El uso de los contrastes lumínicos también lo vemos en sus
grabados. El peso de Lastman y el sentido italianizante funcionaba frente a modelos con
más expresividad. Los rostros tienen una expresividad muy característicos del barroco
holandés. Cuando el mismo crea su propio taller hay un encuentro en torno a 1630;
donde Constantin Hyugens un diplomático importante lo posiciona en la corte de la haya donde
se encuentra con una nueva elite, lo que le permite adentrarse en un mundo de alta burguesía y
proliferra buena parte de sus obras estableciendo una relación importante con el príncipe que
adquiere obras de esa misma fecha hasta 1646. Los retratos que se conservan, principalmente
dibujos. Se saebe que hay retraos de Rembrandt o copiaran sus obras.

- Entorno a 1634.

Va a suscitar una nueva manera de adentrarse en la elite ya no solo por los encargos de la corte
sino por que la prima de Constantin se va a casar con él. Con Saskia van Uylenburgh es un
personaje importante, es usa del artista. Muy
representada. Es el momento de amxima
plenitud de su obra. Se trasladan a una
residencia en un barrio acomodado de
Ámsterdam. En ese momento se ve la estética
tan importante de sus grabados,
estereotípicos del primer Rembrandt. Cristo
expulsando los mercaderes del templo.
Planchas de un tamaño considerable.
Composición abigarrada. Aguafuerte y Punta
seca. El buril deja una línea. La punta seca
deja una línea más de dibujo. Contrastes de aguafuerte.

Perspectiva italiana. Es lo contrario a lo que un italiano haría.

Composición abigarrada de Brueghel, Europa.

Juego de luces con esos grandes dos espacios. Hay algo de tinte costumbrista.

El rostro nos conduce a que sea holandés.

121
Las temáticas tienen que ser las que demanda la burguesía. La manera de entender las obras
hay que ponerlas de un mundo de conflictos tanto de intereses como católicos. Expulsión de
mercaderes en Holanda, un país de mercaderes. Una vez que él se muda a uno de los barrios
elitistas judíos, lo hace por una función comercial. Este manejo político y económico se debe al
contexto.

Jesús ante Pilatos o Ecce Homo. El contraste viene

de un conocimiento extraordinario del conocimiento
de aguafuerte.

- En 1637 compra cuadernos de

apuntes de Lucas van Leiden.

Composiciones donde los rostros juegan un papel

importantísimo y donde vemos ese claroscuro y
composiciones abigarradas. José relatando sus
sueños.

- En 1639 se traslada al barrio judío de

Ámsterdam.

Un barrio notablemente caro. Esa presencia judía permite encontrar estereotipo para
sus rostros. Que les vienen bien para su trabajo del antiguo testamento. Se ha recreado
la casa con piezas originales. Pero por la bancarrota del
personaje. Formas estables que le permite tener un estudio. De
este periodo de esplendor encontramos matrices como la
Matriz del Bautizo del eunuco en 1641. Donde vemos ese
sentido casi de dibujo muy experimental de puntaseca. A
diferencia del buril hubiera sido más lineal, pero con la punta
seca se le da mas expresividad.

122
En 1641 quiere remitir a sus orígenes y va a pintar El molino. El molino de sus abuelos.
Aguafuerte, punta seca y flor de azufre, técnicas de moda. Modelos de experimentación
técnica para crear grandes cromatismos. Composiciones de grado pintorialista del
paisaje holandés. Tiene una contraprueba. El ángel que desaparece ante la familia de
Tobías. 1641.

En ese momento de gran experimentación representa escenas mitológicas con un

sentido contemporáneo. El flautista. Ese
sentido campestre y galante aparece en el
pícaro también. Arriba está el rostro.

Esta escena bucólica de una joven y un pastor a orillas

de un río es muy poco frecuente en la obra de
Rembrandt. Sólo pueden tener relación con ella las
pequeñas estampas El viejo dormido, El campesino y
su familia de 1644 y el Retrato de Saskia como Flora
con traje de pastora. Desde el siglo XVIII se la conoce
también como El espejo del búho.

Todos los autores ponen en relación este grabado con el gusto por la poesía pastoril en la Holanda de
aquella época. White señala la coincidencia de su realización con la llegada a casa de Rembrandt de
Hendrickje Stoffels, que fue amante del pintor hasta su muerte, para ocuparse de su hijo Titus. ¿Sería esta
estampa la plasmación del deseo subconsciente del artista de escapar de la realidad a un paisaje idílico y
una relación erótico-inocente? Alison Kettering analizó el significado de cada uno de los objetos que
aparecen en la imagen: la flauta travesera que toca el pastor, y que apunta directamente bajo las faldas
de la muchacha, tiene un claro sentido fálico; la corona de flores que ella teje ajena a la lasciva mirada del
flautista es el tocado habitual de las novias el día de su boda, como símbolo de virginidad; la bolsita para
el dinero que hay a sus pies puede aludir al comercio carnal, así como la descuidada postura de sus

123
piernas; los carneros que Rembrandt ha grabado en lugar de las ovejas habituales en este tipo de escenas
constituyen un símbolo de lujuria y, por último, el búho posado en el hombro del muchacho alude a la
locura y el pecado. La cabeza que se ve entre las ramas del árbol en los primeros estados de la plancha
sigue siendo un misterio pues, al no mirar hacia los protagonistas de la escena, no puede ser un voyeur,
ni tampoco parece un fauno; quizá sea un resto de una composición anterior, que Rembrandt abandonó
y que dejó ahí por puro juego.

A diferencia de las idílicas imágenes pastorales ideadas por los artistas y cantadas por los literatos
holandeses de su tiempo, que traslucen un suave y velado erotismo, Rembrandt se vuelve hacia las crudas
escenas de voyeurismo de las estampas alemanas del siglo XVI. El pastor, probablemente inspirado en un
grabado según una composición de Tiziano, tiene un rostro feo y desagradable, y su actitud crea una
sensación de intranquilidad en el espectador, que teme por la inocencia de la pastorcilla. De nuevo el
artista ha transformado una imagen aceptada y codificada dándole un giro personal, mucho más asentado
en la realidad.

Rembrandt hizo varios cambios en la plancha, apreciables en tres estados sucesivos muy próximos en el
tiempo (el papel que utilizó en las estampaciones es el mismo), intentando sobre todo que el sombrero
de la muchacha se diferenciara de la masa arbórea que tiene detrás. En el cuarto estado elimina la cabeza
masculina que asomaba entre los árboles y cuyo papel en la escena no se entiende, corrige el defecto de
la esquina inferior derecha de la plancha y simplifica la vegetación de la izquierda, probablemente para
que no distraiga la atención del espectador y que su mirada suba y se concentre en las dos figuras
principales. E. S. P.

Ese cambio que se da en torno a 1600 se da por su manera de desperdiciar el dinero.

- En 1642 Saskia fallece después de dar a luz.

Se conservan dibujos de Rembrandt con la muerte de Saskia. A partir de ahí, nos

encontramos a un nuevo Rembrandt. Se inicia un nuevo camino, modelo que preconiza
incluso la idea cristiana. Acude al paisaje. Vuelve a utilizar las técnicas con composición
mixta. Los tres árboles. Firmada y fechada en la parte inferior, hacia la izquierda.
Aguafuerte, punta seca, buril y flor de
azufre. Para dar esa volatilidad. Los mismo
sucede con la contraprueba del molino y
esta. En este periodo empiezan escenas con
gran expresividad, nada cercanas a las
obras anteriores. Boaz y Ruth.

124
 - 1643 – 47

Estas composiciones tienen ese carácter intimista. Este tipo de composición.

A partir de esta etapa, Rembrandt va a realizar contrastes mucho mayores de luces y

sombras y experimentará con la manera negra. Esas formas permitían mayor
tridimensionalidad en la imagen y la manera negra, asociada al aguafuerte, será una
técnica sorprendente. En este retrato de Jan Six observamos la experimentación con las
nuevas técnicas. Hasta este momento pocos artistas se habían atrevido a hacer una
calcografía a la manera negra, con tan altos contrastes y tal calidad en las texturas de la
ropa, las cortinas… el resultado de esta técnica derivada del aguafuerte permite crear
efectos lumínicos y de texturas sin igual, con una gama cromática y una opacidad
mayores. Se logra la profundidad.

Es en este momento cuando elabora su gran obra, El Calvario o Las tres cruces (1653)
Va a experimentar técnicamente con distintos estados llegando a una expresividad
abrumadora. El cuarto estado está ya todo rayado con punta seca y buril, y no es visible
la parte derecha porque decidido eliminar la figura del “mal ladrón”. El sentido luminoso
se centra finalmente en la Crucifixión y el centurión, dando más dramatismo y
claroscuros a la escena. El primer estado se estampa en pergamino, una piel, lo que
genera brillos muy solicitados para algunas obras y sirve para comprobar cómo se
comporta el aguafuerte. La estampación en pergamino, asimismo, provoca efectos
aguados que hacen que parezca aguatinta. En el tercer estado el caballo ha sido
invertido. Los estados de una plancha van cambiando en la plancha y no son reversibles.
Y de cada estado se hace una tirada.

Por tanto, cuando hacemos un grabado hacemos varios estados y conservamos alguna
que otra estampa de esos estados. Pero si es un grabado que funciona mucho y luego
se quiere tunear, se generan nuevos grabados y a la hora de catalogar puede haber dos
grabados distintos con distintos estados. Para más inri, de un mismo estado se puede
hacer más de una tirada.

125
Las obras de Rembrandt a partir de las últimas fechas tienen un cambio significativo no
solo a la hora de grabar sino a la hora de realizar caracteres relacionados con el estado
de ánimo.

El jugador de golf, 1754. Aguafuerte.

Abraham Francen, 1657.

Aguafuerte, punta seca y buril.

El siglo de oro francés se fijará en esta manera de grabar a través del buril consigue estos
grandes claroscuros, parecen 3 grabados en 1. Con un trazo muy expresivo que pone a
ver su destreza técnica. La obra está alejada de esas soluciones antes de los 50. Escenas
eróticas van a ser también estampadas por parte del propio autor. En ese mundo del
barroco no eran soluciones tal. Mujer orinando.

Un sabio en su estudio. El grado de trabajo de esa estructura de la manera negra donde

se rayaba con rascadores la obra para conseguir esa diferencia de contrastes lumínicos
se aprecia aquí. Aguafuerte, buril y punta seca. Soluciones que contrastan con otros
grabados menos trabajados. En esa época de desahucio los utiliza como salvaci0on.
Preconiza. Significaciones simbólicas. A lo largo de toda su etapa sigue la tradición de
retratar a san Gerónimo.

Cuando otras obras, han salido desde un sentido pictórico para otro tipo de ediciones
nada tienen que ver con eso pigmentos. Rayado constante del buril. Solución de luz y
contraste. El entierro. Una etapa oscura que este entorno al año 52-7 donde nos
encontramos esos modelos de ejecución.

126
Otro tema reincidente Jesús y la samaritana vuelve en esta perspectiva en el año 1658.
Nada tiene que ver con esos modelos iniciales. Hay una evolucione estética totalmente
singular. Las primeras composiciones con elementos de las ruinas nos remitían a la
influencia italiana, de repente la figura de este cristo nos habla de un nuevo
posicionamiento estatal. En el caso de estas soluciones teneos a su amigo Abraham
francés que en 1669 participa en la propia muerte del personaje. Vemos esa actitud
pomposa de los primeros modelos frente a ese sentimiento menos aristocrático y más
burgués de su segunda etapa, a ese componente en la línea de esa manera de retratos
de mirada directa. Sentido más intelectual.

GRABADO: EL SIGLO XVIII

FRANCIA
Los talleres se actualizan. Nos entramos con los Audran, Drevet o los Tardieu. Es difícil
distinguir. Talleres de difusión. Grabados donde crean una serialización de obras
maestras. pecan de cierta uniformidad.

Los talleres familiares como los Audran, Devret o los Tardieu pecan de cierta
uniformidad a la hora de establecer sus pautas estéticas dentro de un nuevo siglo XVIII.

Dentro de ellos esta:

- LOUIS AUDRAN (1670 - 1712)

Luis que graba autores fallecidos como charles lebrón o Claudio de Lorena. Soluciones
que, en principio, grabado de reproducción e difusión de imágenes donde el estilo de él
que lo graba no se percibe más allá de la forma clasicista de estos grabados. Así, en
ocasiones cuando son coetáneos son grandes planchas.

127
 Los siete actos de piedad. Composiciones
bíblicas, de Isaías. Donde vemos esos
componentes clasicistas. Nada tiene que
ver con el componente barroco. Existe una
pintura a la cual se está aludiendo- pinxit.
En ese sentido, buena parte de estas
manifestaciones difunden la estética del
siglo xviii, de ese barroco clasicista que va
a ser la gran apuesta de Francia. Lo curioso es que cuando bourdon ha hecho obras
grabadas, se parecen a modelos más barrocos (tirando a Rembrandt)

- PIERRE DREVET (1633 - 1738)

Realiza buena parte de los retratos de esta época. Al contrario que Abram pese a que
tiene grabadores importantes, en su círculo tiene su propia estética en su escuela. Graba
muchas obras de Rigaud con una destreza absoluta.

- NICOLAS HENRI TARDIEU 1674-1749.

Una saga de grandes difusores asociados a esta estampación son la familia de Nicolás.
Donde se destaca Ambrosio terrier. Nos encontramos con una saga familiar iniciada por
Nicolás, grabador del rey que hará buena parte de las obras de Le Brun y autores
coetáneos. Al mismo tiempo su descendencia será los encargados de ser retratistas de
napoleón. Ambroise Tardieu 1788 – 1841

- WATTEAU 1684-1721

El director de la fábrica de tapices encarga una serie de composiciones que será

grabada según los parámetros del propio Watteau. Watteau genera las
composiciones no las graba. Será François quien lleve a la plancha las composiciones.
Si atenemos a sus dibujos, vemos las caricaturistas de esas escenas galantes. Pareja
sentada. Boucher será el seguidor de la estética galante. Si atendemos, por tanto, a
esta solución, vemos que Watteau es importante. Se difunden modelos que se hacen
para ese tipo de grabado. Watteau hace el dibujo que difícilmente se conserva. Lo

128
mismo sucede con toras obras donde nos dice que Watteau ha pintado las obras y
Boucher las hace.

François de Troy hace una recopilación de sus obras en una especie de catálogo.
Donde aparecen figuras de diferentes caracteres y la firma de Watteau y Fecit
Boucher. Lo curioso de esta solución, es que se trata de obra, que esta
reproduciendo dibujos y bocetos de Watteau. Algo inédito hasta el momento.
Dentro de este libro grabado, es la primera vez que estos bocetos no difundidos se
graban sus bocetos, con la idea de trazo de bocetos. Ya hay una intencionalidad del
grabado x reproducir una imagen ya existente, que se dé a conocer.

- CHARLES NICOLAS COCHIN 1688-1754

Cochin graba las obras de Watteau. También es grabador de enciclopedias. Todo se

tiene que sistematizar. Un gran problema de Watteau fue la gran cantidad de copia,
reduciéndolo al final como un mero caricaturista.

- FRANÇOIS BOUCHER 1703 - 1770

Dentro de la escena galante es uno de los grandes autores. Graba escenas intimas
dentó del sentido rococó, escenas eróticas. Cuando hace puntualmente un grabado
suyo que sea obra suya, lo vamos a encontrar con una estética galante derivada d
los modelos de Watteau. La petite repose. Sentido de evolución. Va a hacer diseños
de amor…que va a ser en carpetas principalmente.

129
 Muchas composiciones suyas van a ser grabadas por Demarteau. Incluso serán
coloreadas. Son grabados que se van a colorear manualmente. Estampaciones con
ese sentido. Objetos muy preciados para la época.

- FRAGONARD 1732 1806

Escena galante. Su formación y contexto: forma parte de una familia más acaudalada,
en la Provenza francesa donde hay una gran industria de perfume, hoy es una casa de
perfumes. Normalmente, en este caso el abad un grabador y pinto abater aconseja a
fragonadr que se dedique a la pintura y no al agravado porque el grabado tiene un
sentido un peyorativo respecto a la presión de pintor. Obras como el columpio son
grabadas para difundir ese modelo galante.

Iábbé de Saint-Non es quien le sugiere que se cambie a la pintura. Grabados Fragonard

tiene pocos, 4 grabados. Están dentro de unas soluciones que tiene que ver con esa
estética galante. Carácter clasicista.

Si atendemos a las composiciones, podemos ver diseños que van a ser levados, con una
técnica hasta ahora no vista prácticamente: AGUATINTA.

La estética Galante donde los pasteles y acuarelas se ponen de moda, hace que el
grabado genere una solución de aguatinta donde ese sentido pictoricista, de
evanescencia, haga que el paisaje no sea tan rudo- escala de grises y colores de distintas
tonalidades que permiten ese discurso casi de acuarela llevada a los discursos de
difusión. Esa estética va a hacer que el mismo grabe muy poca obra = 4 bacanales.
Escenas que bajo un trasunto mitológico tienen ese carácter erótico. Es decir,
composiciones bastante interesantes por la manera de reproducir este asunto mediante
la idea de tondo que le da ese efecto
de tridimensionalidad. Recreaciones
compuestas y generadas por el
propio Fragonard, por eso firma.

130
INGLATERRA
Inglaterra se había nutrido de otros maestros hasta John Thomas
Smith, Antiquity Smith 1766-1833

- ANTIQUITY SMITH 1766-1833

Recupera los estilos del xvii. Es el encargado del retrato de

Turner. Es uno de los autores que retrataba a paseantes,
vagabundos, aspectos con cierta ironía sátira.

- WILLIAM HOGARTH 1697-1794

Está en la misma línea que Antiquity. Hay que entenderlo junto con doumiern y goya
que hacen del grabado su propia profesión. Evoluciona las estéticas y composiciones del
grabado. A raíz del viaje a Francia en torno a 1730, la pituntura y los grabados van a
cambiar hacia una estética más galante. Soluciones derivadas de Watteau. En su obra
pictórica: los modelos que existían en Inglaterra nos hablan de una sociedad ilustrada.
The jones conversation piece

Conversation Piece Portrait of Sir Andrew Fountaine with Other Men and Women

Vemos una dulcificación de los recursos, para el contexto británico van a ser una
novedad absoluta. Es precisamente ese grado de ironía y sátira de la sociedad del xviii
que vive en el antiguo régimen donde la nobleza es propietaria de la tierra va a ser
criticada por muchos autores y sobre todo por él.

131
 El matrimonio a la moda. La hizo para ser grabada. Podemos
encontrarnos uno de sus grandes manifiestos. En esas escenas,
que nacen de una forma bastantes singular, puesto que este tipo
de obra se diseña mediante un dibujo que normalmente se
compone con una técnica que se estaba medio implementando en ese momento, al no
ser partidario de que los diseños tuvieran la imagen inversa, de esa idea e espejo, hace
que la obra del dibujo la genera en negativo, para que la imagen grabada sea igual que
la imagen que se dibuja. Nacen con la finalidad para ser el referente del grabador. Es un
alegato a esos matrimonios de conveniencia. Hay un comentario iconográfico en todo
momento, es un artista masón que critica este tipo de demagogia, de escenarios
sociales.

En 1743 muestra un montón de modelos irónicos. Hogart habla de este tipo de estas
caricaturas. La sociedad británica les tiene fobia a esos rostros. En esa misma línea
tenemos obras que no han llegado a ser tan importantes como A Harlot´s Progres.

Obras con crítica social. Hogart lo graba. Para que su obra no fuera ultrajada introduce
su firma. A su vez, trata críticas de la sociedad británica como el aprendiz…. Esta manera
también se encuentra con iconografía masónica, la vemos en buena obra de Hogart. En
sí mismo, hay producciones que nos permiten ver esa destreza de composiciones
abigarradas, el uso del aguafuerte y el buril de una manera notable. Composiciones
grotescas y algunas arcaicas. Lo interesante de estas composiciones, son la sátira e ironía

132
que van a ser sorprendentes. Escala de grises que consiguen los tejados nevados. Aquí
no hay aguatinta.

- THOMAS BEWICK 1753-1828

Introductor del grabado a testa. Grabado a testa. Soluciones con carácter xilográfico que
se vuelve a poner de moda.

133
ITALIA
- GOVANNI BATTISTA PIRANISI 1720-1778

Uno de los grandes visionarios del siglo XVIII. Pisranesi también hacía llamar arquitecto,
porque centro edificaciones de carácter religioso, su obra fundamental es la obra
grabada. Tanto su hijo y su hija están en el taller y se encargaran de el tas su muerte.
Nace en el foco veneciano que tiene gran importancia en el siglo XVII. A raíz de los viajes
que realiza a roma entiende el afán de la ruina; nos encontramos como ene esos mismos
modelos se va a fascinar por roma y eso derivara a una visión diferente a la que podemos
encontrarnos en las vedutis de la época. Apariencia de algo real. Sucede una nueva
forma de entender esa veduti que les derivara a paisajes que entonan lo sublime, que
derivaran en ideas como las cárceles…

Cuando se habla de las propias obras de la antigüedad romana y vistas de roma, vemos
como hay un deseo de una finalidad altamente comercial. Las planchas con unos
tamaños asombros van a ser usadas con las técnicas de aguafuerte. Muchas de esas
tablas se emplean para editar, tras su muerte, buena parte de la obra. Cunando
atendemos a la veduti, vemos por un lado como la escala es irreal, las veduti se compran
a modo de suvenir. Su paisaje y compositor, su encuadre va a tener algo de pictoricismo
que va a buscar efectos que preconizan el valor romántico de la obra. Encontramos las
primeras vedutis, modelos más o menos estándares de las composiciones. Pero a
medida que nos vamos acercando a un análisis más exhaustivo de su obra en roma, nos
encontramos una nueva manera de entender la composición: es el valor de la ruina en
sí, el valor de la escala donde hay humanas, el valor del contraste lumínico, que va a ser
una de sus principales razones estéticas de interés. Un autor que es moderno en la
mirada sobre roma. Soluciones que manifiestan encuadre grandilocuente, pero
estéticamente alejado de las soluciones de la veduti al uso veneciana, con esas vistas al
canal y procesiones papales. Estamos ante algo diferente. Soluciones que trasgreden la
normal.

134
135
Siglo xix Y CONTEMPORANEO

Todas la técnicas anteriores se implenentan. Nos encontramos ante un igo de gran

importancia para a difusión de imágenes y donde el atista contemporanoe busca todos
los procedimientos para expandir su arte

. INGLATERRA.

En el caso ingles nos encontramos con dos modelos claves:

WILLIAM BLAKE

Su obra era principalmente de dibujo y cuarela. Cristianismo anglicano. Propone

modelos muy interesantes como de la creación del paraíso,que preconizan un lenguaje
y modelos que tienen que ver con maneras de entender buena parte de las maneras
estéticas. Desde un punto de vista de la composición nos remite a Italia pero los
movimintos son mas vernácula. Este tipo de obras, cunado atendemos a as
composicions que el propio William Blake graba, tiende hacia el gotico y modelos de
primer renacimiento italiano. Cuando realiza composiciones paea ser difundidas
emdiante obras impresas, (forntispicio de la obra de Theonot and Colinet) espíritu
medivalizante pero casi impresionista.

JOHN MARTIN

Compositor de las composiciones mas grandielocuente con una mirada nocturna. Cone
scenas paisajísticas sublimes. Nos encontramos con esas visiones en las que buena parte
se baso para crear esos paisajes. Uno de los grabadores mas afamados. Este tipo de
grabado con ideas de la noche nada tiene que ver con la forma previa. Aquí, hay un
grado de erudición técnica rotundo. Trabaja mucho con la litografia. Crea grande sobras
maestras. Las obras anteriores tinene un rigor y una claridad que contrastan conenstas
visiones del infierno, appocalipticas…que cuando son grabadas por otros autores pierde
ese sentido y ese cromatismo. Genera con la litografia esos discursos cormaticos que no
permite el aguatinta. Un aguatinta no crea esas rocas y esas formas. Todavía no se pone
el concepto de litografeado.

136
ESPAÑA

GOYA

Esta en una orbita muy privilegiada, no solo por trabajar al servicio de tres monarcas
sino por el entrno de la familia Valleo, que al concederle una serie de privilegios y
manera de entender la practica le hacen ver de otra manera a España. Dentro del
contexto español, al llegar desde Zaragoza a la corte de Madrid paras er pintor del rey
supondrá un contacto directo de los gustos italianos, un conocimeinto técnico del dibujo
academicista que en una primera estancia era neoclásico, un gusto galante engullifo de
esa nueva oleada de la vuekta a Francia y un compromiso e identidad vernácula que
incluso tiene sentidon tanto galante como vernácula. La corte española se disfraxa con
ese sentido español.

Composiciones italianas

Composciones francesas

Trata temas moralizantes y criticos. Estilo galante desde esa persepectiva francesa.
1777. La gallinita ciefa: elements naiz para la fabrica de tapices, esos carytons. Una vez
que conoce y copia la obrade Velazques, esos fondos neutros. Hablamos de un leguaje
moderno que ha dejado atrás el legunaje clasicista edulcorado y que llegara incluso a
tener un lenguaje de “estilo imperio”. la marquesa de Villafranca. Leguaje moderno.

Su obra hay que entenderla desde una perspectiva netamente personal. Se entiende
que el hace este tipo de planchas, no con una visioooon estrictamente de ser difundidas
en la idea de grabado, sino que oretende que sean grabada sy difuncdidas en un sentido
mas directo. Considera que en el dibujo se puede expresar de forma mas libre. Por eso
los caprichos (1779) y lis desastre de la guerra () son mas vendibles.

Los caprichos y desastres son sus fuentes mas interesantes. Se denominana capichos a
esta colección en donde para solventar y salvaguardar de la quema y denuncias que
furrulaban en su vida nos concorntramos ocn tres fuentes que son fundmanelayaes para
el discurso de la eooca y entenderlos.

Existn varios manusncritos (3) contemporáneos que explican

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Explicaicion a esta estampa del amnuscrito de Ayala: Verdadero retrato suyo, de gesto
satírico. Explicación a esta estampa de la Biblioteca Nacional:

Estith Helman, en su ya clásico libro Trasmnundo de Goya, señala que en este grabado
Goya se autorretrato con el ojo avizor bajo los parpados acaidos y boca firma de
expresión aspera y displicente. Reflejaba el autor de las estampas con actitud

Buena parte de estas laminas tienen ese discurso moral.

Los desastres de la guerra se puedne distingur en tre etapas

En estas obras vemos jna voluntad mas personal, con na complejidad mayor espcro a
los caprichos: graneados…hay una evolución. El valor d ela trideminsionilidad se
consigue con efectos de luces. Como en la tauromatica o los propios disparates.

GERANI PÉREZ DE VILLAAMIL

España va a estar sumid ane un conocimeinto academicista que derivara en esta clase
de figuras. Persnas que esran en una línea tendente al dibujo. unas litografías publicadas
en Paris con esa idea difundir a modo de souvenir esas vistas de om umentos. Donde se
aunana los valores de España (mudéjares, platerescos) soluniciones que tiene que ver
con esas visiones de runias edulcoradas.

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