Cubismo

El interés por la escultura primitiva también desempeñó un papel importante en la formación del
cubismo. Picasso, en la obra Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York),
muestra su conocimiento de la antigua escultura africana e ibérica. Picasso y Braque instauraron el
cubismo entre 1907 y 1914, uno de los estilos más influyentes del periodo contemporáneo. En el
cubismo se enfatiza la superficie plana y bidimensional del lienzo y se propone una forma analítica de
perspectiva, basada en la multiplicidad de los puntos de vista, que rechaza los presupuestos de la
pintura tradicional tales como los escorzos, la valoración de sombras y el claroscuro. En una primera
fase, denominada cubismo analítico, los artistas buscaron el análisis y descomposición de las formas
tridimensionales en múltiples elementos geométricos, a partir de la fragmentación en elementos cúbicos
y sus proyecciones planas. Para resaltar aún más la naturaleza científica de la representación, se
favorece el uso de una gama de color apagada y monocroma. En una segunda fase, denominada
cubismo sintético, se desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como madera, papeles de
periódico, fotografías o plumas se combinaron (síntesis) con pigmentos planos en la composición del
cuadro. Aunque las formas permanecen planas y fragmentadas, en el cubismo sintético el color
desempaña un papel más importante, las obras son más decorativas y las evocaciones figurativas más
explícitas. Otros destacados exponentes del cubismo que aportaron su interpretación personal del
movimiento fueron Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Juan Gris y
Frantisek Kupka. En España, además, está representado por los escultores Pablo Gargallo y Julio
González. Los artistas del futurismo italiano, especialmente Gino Severini, Umberto Boccioni, Carlo
Carrà y Giacomo Balla, trabajaron en un estilo que se ha denominado cubismo dinámico. Entre otras
cosas, se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a través de la repetición
rítmica de líneas e imágenes.

Cubismo, movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de
alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del
cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y
Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la
década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo
significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de
la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura
tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de
formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le
dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y
Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas
las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán
constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo
presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas
básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las
formas geométricas subyacentes. Otra fase de la pintura cubista (el cubismo sintético) presenta un
objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver simultáneamente en realidad, unificados en una
estructura compositiva. En ninguno de los dos cubismos, analítico o sintético, se pretende reproducir en
detalle el aspecto real de los objetos. Entre los retratos y naturalezas muertas cubistas destacan los
instrumentos y los arlequines ya que eran fáciles de diseccionar de forma geométrica. Para evitar todo
efecto naturalista y emocional, el cubismo utilizó durante su primer periodo, o periodo analítico, una
paleta muy restringida de grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras pintadas en diferentes
tonalidades de un mismo color. Después de 1914, durante el periodo sintético, muchos cubistas
introdujeron colores más brillantes en sus obras.

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes,
Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan
Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios
artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y
Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se
encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.

Picasso, Pablo Ruiz (1881-1973), pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más
importantes del siglo XX. Artista polifacético, fue único y genial en todas sus facetas: inventor de
formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más
prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.
Periodo de formación
Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte
José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras,
pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre.
El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo
sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas
Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que
representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama
de una mujer enferma; ganó una medalla de oro.
Periodo azul
Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente
bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la
gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del
simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de
Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El
cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a
la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en
las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores
extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente
alargadas, recordando el estilo de El Greco.
Periodo rosa
Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir,
Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su
paleta hacia tonos rosas y rojos; los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se
centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de
acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su
alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su
amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y
Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su
hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el
pintor.
Protocubismo
En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, Andorra, su obra entrará en una nueva
fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein
(1905-1906, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de
áscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno,
Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no
fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura
tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal
del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos.
Cubismo analítico y sintético
Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges
Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como
si hubieran sido hechos a base de “pequeños cubos”, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908
y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las
formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta
monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de
modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales,
las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes, Daniel
Henry Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza
muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un
lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un
limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es
más decorativa, y el color desempeña un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos
obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó: Arlequín (Museo de Arte Moderno)
es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Museo Metropolitano
de Arte), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula
las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con
espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925),
anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917.
Escultura cubista
El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte
Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas
tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso,
París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las
hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte
Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece
colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar; tal vez se trate del
ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella
tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte
Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960.
Realismo y surrealismo
Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de
Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de
un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su
único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo, en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a
sus numerosos amigos. A comienzos de la década de 1920 pintó una serie de cuadros con figuras
robustas, pesadas, escultóricas, dentro del que se ha denominado estilo ingresco, como por ejemplo
Tres mujeres en la fuente (1921, Museo de Arte Moderno) y obras inspiradas en la mitología, como Las
flautas de pan (1923, Museo Picasso, París). Al mismo tiempo creó también extraños cuadros de
bañistas inflados e informes, con cabezas muy pequeñas y grandes cuerpos, así como retratos de
mujeres en actitudes violentas, convulsas, indicando a menudo con ellas sus propias tensiones vitales.
Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades
y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927,
Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno).
Pinturas: 1930-1935
Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas,
el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su
nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada
muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el
espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados
Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de
toros; en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del
Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más
importante del siglo XX.
Guernica
El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la aviación alemana, por orden de Francisco
Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el
enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el
pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el
acontecimiento en sí; más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento
mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con
su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros
símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un
aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España; aquí
se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se
trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid.
La II Guerra Mundial y los años de posguerra
El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se
oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos,
por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise
Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude; ambos aparecerán retratados en numerosas obras
que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también
retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en
1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia.
Últimos trabajos: recapitulación
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del
pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en
la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de
Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de
2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: El hombre del carnero
(1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural, y La cabra (1950, Museo de Arte
Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de
mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago.
En 1968, y a lo largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que retornó a sus
primitivos temas: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.

A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de
ellas fue la que le dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces
nunca se había expuesto en el museo parisino la obra de ningún artista vivo. Picasso murió el 3 de abril
de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins.

Braque, Georges (1882-1963), pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y
desarrollo del cubismo, del cual es una de las figuras más importantes.

Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine, cerca de París. Pasó sus primeros años,
entre su ciudad natal y El Havre, en la costa de Normandía. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la
capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y
brillantes en composiciones de estructura muy libre.

Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de
éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a
Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo
un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan
los pintores para representar estos efectos. Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas
en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una
forma geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular) pero
recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia
plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la
percepción y de la representación artística.

Picasso, con quien Braque empezó a trabajar en estrecha colaboración a partir de 1909, utilizaba un
enfoque pictórico similar. Desde 1910 a 1912 ambos artistas realizaron obras estructuradas en
complejas formas geométricas y pintadas con colores neutros, que hoy son conocidas como cubismo
analítico. Un ejemplo de este estilo puede encontrarse en Violín y jarra (1910, Kunstmuseum, Basilea).
Los dos artistas comenzaron a experimentar con el collage, técnica de construcción de una imagen a
partir de materiales tan cotidianos como hojas de periódicos, etiquetas y trozos de tela. La fértil
colaboración entre Braque y Picasso continuó hasta 1914, año en el que Braque se alistó en el ejército
francés. Fue herido de gravedad durante la I Guerra Mundial y en 1917 reanudó su carrera artística en
solitario.

Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y
la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura
humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó trabajando y
produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad
contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.

Léger, Fernand (1881-1955), pintor francés adscrito al cubismo y al constructivismo, que destaca
también por sus realizaciones de pósteres o carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado. Nació el
4 de febrero de 1881 en Argentan, Francia, estudió dos años de arquitectura en Caen, viajando después
a París, donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el taller de
León Gerôme y después en el de Gabriel Ferrier. Desde 1910 expone regularmente en el Salón de los
Independientes. La mayoría de sus primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en
el bosque (1909-1910, Museo Kröller-Müller, Otterlo). Junto con Georges Braque y Pablo Picasso,
Léger representó un papel importante en la evolución y difusión del cubismo.

La siguiente etapa de Léger estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra Mundial. Comenzó su
llamado periodo "mecánico" en el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La
Ciudad (1919, Museo de Arte de Filadelfia) es una de sus pinturas más notables. La obra de Léger
ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético. A su vez, destacó como realizador de
vidrieras, mosaicos, así como ceramista, diseñador de escenografías teatrales o de tapicerías. Los
modernos carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado también se vieron influidos por sus
diseños.

En sus últimas obras llevó a cabo una separación entre el color y el dibujo de tal manera que sus figuras
mantienen sus formas robóticas definidas por líneas negras. El color se reparte de forma audaz sobre las
áreas del lienzo de modo que constituye una composición separada que unifica el cuadro. Una de sus
últimas obras, El gran desfile (1954, Museo Guggenheim, Nueva York), es un ejemplo monumental de
este estilo.

Delaunay, Robert (1885-1941), pintor francés y marido de Sonia Terk Delaunay, fue uno de los
pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX. En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas
geométricas y colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró
en las formas circulares y en los colores brillantes. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los
primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno. Su amor
por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de cuadros basados en eventos deportivos,
como Sprinters (1924-1926), que culminaron en impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo,
como sus últimas series Ritmos y Ritmos eternos.

Delaunay, Sonia Terk (1885-1979), pintora y diseñadora francesa de origen ruso, casada con Robert
Delaunay. Inspirada en las formas del cubismo y en los colores de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y
los orfistas, desarrolló, a partir de 1910, un estilo basado en la yuxtaposición o 'contraste simultáneo' de
colores puros rotos en prismas. Expuso pinturas, telas y encuadernaciones realizadas con esta técnica y
también diseñó vestuarios para teatro. En la década de 1920 Delaunay se dedicó al diseño de ropa y a
sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil. Después de 1940 su
estilo se volvió más delicado y sencillo, sobre todo en los gouaches, donde sus experimentos
cromáticos alcanzaron nuevas cotas de refinamiento. En 1964, el Museo Nacional de Arte Moderno de
París recibió una donación de 58 obras suyas, que fueron expuestas en el Louvre, con lo que se
convirtió en la primera mujer que, en vida, vio sus cuadros expuestos en ese museo.

Duchamp, Marcel (1887-1968), artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la
evolución del arte de vanguardia del siglo XX.

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del
pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea
del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa,
Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento
continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory
Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque
continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de
Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y
alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.
En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX: el arte
cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición
arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse
en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de
1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba
montada sobre una banqueta de cocina.

Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él
había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo,
el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.

Duchamp-Villon, Raymond (1876-1918), escultor francés, uno de los maestros del movimiento
moderno de principios del siglo XX. En 1910 comenzó a desarrollar un estilo cada vez más geométrico
y abstracto; su busto de Baudelaire (1911, Museo Nacional de Arte Moderno, París) es de una
simplificación absoluta en sus óvalos y líneas puras. Su famosa escultura Caballo (1914, Museo
Nacional de Arte Moderno), medio animal y medio máquina, constituye una abstracción de gran osadía
que ejerció gran influencia en escultores posteriores. Era hermano del artista dadá Marcel Duchamp y
del pintor Jacques Villon (Gaston Duchamp, 1875-1963).

Gris, Juan (1887-1927), pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado
como uno de los maestros del cubismo.

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y
estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como
Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo
Picasso y a Georges Braque. Los primeros años se ganó la vida dibujando para las revistas L’Assiette
du Beurre y Charavari. Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de
los Independientes de Barcelona su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el
marchante Daniel-Henry Kahnweiler, que expiró en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso
en Céret, Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas
en papel y pegadas al lienzo).

Durante la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su primera exposición
individual en 1919. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les
tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que
continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas
ilustraciones para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas
cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico (1914, Museo de Arte del Smith
College, Northampton, Massachusetts, Estados Unidos). Parte de sus pinturas cubistas son naturalezas
muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella (1917, Museo de Arte de Filadelfia, Estados
Unidos), El tablero de ajedrez (1917, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos) y Botella
y frutero (1919, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España). También trató otros temas, como
muestra en El fumador (1913, Museo Thyssen-Bornemisza). Sus teorías pictóricas se encuentran
recogidas en numerosos artículos y conferencias.

Kupka, Frank (1871-1957), pintor checo considerado como uno de los pioneros del arte abstracto. Sus
primeras obras artísticas muestran una preocupación inusual, a menudo poco realista, por el color y por
una distorsión expresiva. Desde 1911 a 1912, al mismo tiempo que el pintor francés Robert Delaunay,
Kupka realizó sus primeros trabajos completamente abstractos, como Amorfa: fuga de dos colores
(1912, Galería Národni de Praga), que consiste en formas circulares coloreadas y líneas organizadas en
una disposición rítmica. Continuó experimentando dentro de la abstracción, y agrupó su obra artística
en cinco categorías: círculos, verticales, verticales y diagonales, triángulos y diagonales. No fue un
pintor tan influyente como otros del movimiento abstracto, por lo que no recibió el reconocimiento que
se merecía hasta después de su muerte.

Gargallo, Pablo (1881-1934), escultor español nacido en Maella, Zaragoza. Su obra se puede definir
como la combinación armónica del espacio y del volumen, entre los que establece un juego de formas
cóncavas y convexas, así como de alternancia de líneas onduladas y afiladas.

Estudia como aprendiz en el taller del escultor Eusebi Arnau en Barcelona. En esta primera etapa
realista recibirá lecciones del escultor Agapito Vallmitjana en la barcelonesa Escuela de Bellas Artes de
La Lonja y frecuentará el café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 marcha a París becado por
la Escuela de Bellas Artes y entabla amistad con Juan Gris, quien le influye con su estética cubista.
París es la oportunidad para conocer a fondo la obra escultórica de Rodin y Max Jacob. Al regreso de la
capital francesa, (entre 1915 y 1918) abandona la obra de bulto redondo para trabajar sobre todo en
obras de pequeño formato debido a la dolencia pulmonar que le aqueja. Su relación con el modernismo
se establece a través de los encargos del arquitecto Domènech i Montaner para el hospital de la Santa
Creu y de Sant Pau de Barcelona. De Julio González aprende la técnica de la soldadura autógena
(utilizada en la metalurgia pesada para ensamblar piezas industriales) que va perfeccionando a partir del
año 1927. A causa de su fuerte sentido de la solidaridad en apoyo a unos compañeros, le despiden de su
plaza de profesor de escultura y repujado de la Escuela Técnica de Oficios de Cataluña. En el trayecto
de un viaje a Reus fallece en accidente. En el año 1985 se inaugura en Zaragoza, por iniciativa de su
hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

González, Julio (1876-1942), escultor español, pionero de la escultura realizada en metal.

Nació en Barcelona en una familia de metalúrgicos y aprendió a trabajar el metal en el taller de su

padre. Quería ser pintor y estudió arte en Barcelona. En 1900 se trasladó a París, donde formó parte de
un grupo de pintores y artistas entre los que se encontraba Pablo Picasso. Después de la muerte de su
hermano en 1908, González abandonó la pintura y regresó al trabajo en metal. En 1918 empezó a
trabajar en un taller de metalurgia en Boulogne-sur-Seine para aprender la soldadura con oxiacetileno,
proceso que más tarde utilizaría en sus esculturas.

A mediados de la década de 1920 González empezó a utilizar el hierro soldado. Trabajó con Picasso
durante algunos años en una serie de piezas; entre ambos se estableció un intenso intercambio por el
cual González enseñaba al pintor malagueño sus conocimientos sobre técnicas metalúrgicas y éste le
transmitía sus ideas artísticas. Durante esa época la obra de González, que se volvió abstracta, más
abierta y geométrica, obtuvo un amplio reconocimiento artístico. Realizó su pieza más famosa, La
Montserrat (1936-1937, Museo Stedelijk, Amsterdam), para el pabellón español de la Exposición
Universal de París. La obra, hecha con planchas de metal, representa a una mujer que lleva a un niño en
brazos y fue creada como protesta contra la opresión fascista en España. Al comenzar la II Guerra
Mundial en 1939, se le prohibió utilizar gas para soldar, destinado a fines bélicos, razón por la cual se
dedicó a dibujar y a realizar estudios en acuarela para futuras esculturas.

La escultura de González introdujo en el mundo del arte unos materiales y técnicas que hasta entonces
habían estado confinados a piezas utilitarias o decorativas. Su influencia fue decisiva en la obra de
escultores posteriores entre los que se encuentran David Smith, Reg Butler y Anthony Caro. Toda la
escultura contemporánea construida en acero tiene sus raíces en la obra de González.

Davis, Stuart (1894-1964), uno de los pintores estadounidenses pioneros del arte abstracto en su país.
Fue el primer artista que asimiló los cambios del arte moderno francés, sobre todo del cubismo y de las
estilizaciones semejantes a las máquinas del pintor francés Fernand Léger, transformándolos en un
estilo nuevo y confiriéndoles un carácter muy nacional. En Sweet Caporal (1922, Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid), Davis celebra la cultura comercial estadounidense, añadiendo US América bajo
dos rótulos. Incluso en la cajetilla que también escogió resaltan los colores de la bandera americana:
rojo, blanco y azul. Sus primeros experimentos en el campo de la abstracción culminaron en una serie
de obras, realizadas entre los años 1927 y 1928, en las que no pintó más que una batidora de huevos, un
ventilador y un guante de goma. Después de 1930 recurrió a los colores brillantes y a composiciones de
ritmos variadísimos inspiradas en su amor por el jazz. Su estilo, que a veces incorporaba palabras y
trozos de objetos reconocibles dentro de los cuadros, fue precursor en la década de 1960 del Pop Art.

Feininger, Lyonel (1871-1956), pintor estadounidense conocido por su estilo de influencia cubista
consistente en afiladas formas arquitectónicas y planos de color intercalados. Nació el 17 de julio de
1871 en Nueva York y estudió arte en Berlín, Hamburgo y París entre 1887 y 1893. Dibujó tiras
cómicas para revistas de humor alemanas y para el Chicago Tribune hasta 1908. En 1911, bajo la
influencia de los cubistas franceses —en particular de Robert Delaunay— se dedicó a la pintura y en
1913 expuso en Berlín con Der Blaue Reiter, grupo alemán de artistas expresionistas.

Las obras de dibujo meticuloso que representan edificios, locomotoras, marinas y barcos, están
compuestas casi en su totalidad por líneas rectas y planos de color; incluso la iluminación de las
escenas está subdividida y fragmentada en planos con forma de prismas. En obras posteriores, como
Gelmeroda VIII (1921, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), su virtuosismo en la
utilización de velos superpuestos de luz coloreada crea un efecto de desmaterialización y misterio. Fue
profesor de la Bauhaus, en Alemania, entre 1919 y 1933. En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó
a trabajar el tema de los rascacielos que habría de dominar casi toda la obra de su última época.

Picabia, Francis (1879-1953), artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879, pero
de origen español. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos
contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el
dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. El apuro
(1914, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista
en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas. Como escritor
colaboró en diversas revistas de vanguardia. Su interés por la literatura y el lenguaje fue
particularmente evidente en sus últimos trabajos.

Orfismo (arte), nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y
abstracta del cubismo parisino. “Es el arte”, declaró en sus Meditaciones estéticas, los pintores cubistas,
“de pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual, sino totalmente creados
por el artista y dotados por él de una poderosa realidad. Es arte puro”. Situó dentro del orfismo o
cubismo órfico a las obras de Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp y, sobre todo, de
Robert Delaunay, que actuaba como abanderado de esta tendencia. En esta época surgió una
controversia sobre el papel que hubiera tenido en la definición del orfismo la obra de Frank Kupka,
jamás citado por Apollinaire. De cualquier forma, el término orfismo ha quedado muy impreciso y
tiene más valor por su carga poética que por su valor crítico e histórico.

Archipenko, Alexander Porfirievich (1887-1964), escultor nacido en Rusia y nacionalizado

estadounidense. Nació en Kíev y estudió en la Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela de
Bellas Artes de París. Entre 1908 y 1914 París fue el centro de sus actividades; de 1921 a 1923 vivió en
Berlín y a partir de 1923 se trasladó definitivamente a Estados Unidos, donde impartió clases y dio
conferencias en varias escuelas de arte y universidades. Entre 1939 y 1955 dirigió una escuela de bellas
artes privada en Nueva York.

Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la figura humana a formas
abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras esculturas cubistas, como Medrano (1914,
Museo Guggenheim, Nueva York). Desarrolló un estilo que subraya la importancia de las formas
cóncavas como límites exteriores de la escultura (el antivolumen) y los espacios vacíos (véase
Cubismo). Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro, que le permitieron conseguir nuevos
efectos, y revivió la utilización del color en la escultura.

Lipchitz, Jacques (1891-1973), escultor francés de origen lituano, cuyo verdadero nombre era Chaim
Jacob Lipchitz. Nació en el pueblo de Drunskieniki, Lituania, y pronto se trasladó a Francia. En 1909,
mientras estudiaba en la Escuela de Bellas Artes de París, entró a formar parte de un grupo de artistas
entre los que estaban Pablo Picasso y Juan Gris, los iniciadores del cubismo, movimiento al que
Lipchitz pronto se adscribiría. Una de sus primeras obras cubistas es Desnudo reclinado con guitarra
(1928, Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York). También recibió el influjo de la escultura
primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. Sus últimas obras se alejan del cubismo,
buscando volúmenes más sólidos y texturas más sensuales. Desde 1930 eligió para sus esculturas temas
relacionados con la existencia humana, como los sentimientos de las relaciones entre personas,
planteados a menudo como temas de lucha entre hombres y animales. Uno de sus temas recurrentes fue
el triunfo de la luz sobre la oscuridad como lo expresa de forma simbólica en Prometeo estrangulando
al buitre (realizado en 1937 para el Palacio de los Descubrimientos de la Exposición de París, hoy en el
Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota). En 1941 se instaló en Nueva York, convirtiéndose en uno
de los escultores más famosos de Estados Unidos. Su monumental Paz en la Tierra (1967-1969, Music
Center, Los Ángeles) ejemplifica la grandeza serena de su última producción.