Universidad de La Serena

Facultad de Humanidades
Departamento de Educación

"El viaje del héroe'': cómo la música viaja en la historia junto al

espectador. La princesa mononoke".

Nombre: Natalia Belén Paredes Chelme

Asignatura: Musicología aplicada II
Carrera: Pedagogía en Educación Musical
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Introducción
En la pintura es tan importante el uso de las sombras como los colores luminosos,
en la arquitectura es tan importante la estética que se puede apreciar a través de
nuestros ojos como el uso de las matemáticas para llevar a cabo las edificaciones,
en la música es tan importante transmitir emociones como saber sobre teoría. En las
películas además de los elementos visuales es muy importante el cuidado y uso de
los elementos sonoros, sin música ( si es que no se sabe manejar bien) estas
tienden a no llamar la atención de las y los espectadores. ¿Qué hace ser a una
banda sonora una de buena calidad? según mi punto de vista esta debe ayudar a
quien la observe a compenetrarse en el mundo que se expone, ya sea una
ambientación de elementos realistas como fantásticos dependiendo de lo que se
requiera. Es así como en el año 1997 se estrena en oriente una de las películas más
aclamadas de un estudio nipón la cual enmarca la cúspide de su trabajo llamada
“Mononoke hime” traducida en español como “la princesa mononoke”.
Por allá en el año 2012, cuando yo tenía 13 años una de mis
amigas del colegio llegó con una polera de ilustraciones
llamativas: era una figura antropomórfica de una especie de
gato - conejo y otros animales que podía mantenerse en pie lo
cual a primera impresión me pareció muy llamativo, por lo visto
era un personaje de una película llamado “ Mi vecino Totoro”,
película creada por una compañía japonesa o algo así entendí.
Pasado un tiempo pude verlo, era con elementos pocos
observados dentro de las películas que daban en televisión,
desde su animación hasta los sonidos y canciones pegajosas
que incluían.
Posteriormente me encontré con una película del mismo creador, trataba de una
niña de pelo corto que vivía con lobos, ella quería salvar al bosque y a los seres que
vivían en él. Era distinta a la historia anterior, en aquel tiempo no sabía por qué pero
reflexionando ahora fue porque pude identificarme con las personajes: la joven San,
Lady Eboshi e incluso Toki quien era un personaje menor. En ese entonces era una
de las pocas películas que había visto además de “Mulán” o “Pocahontas” que
tenían personajes femeninos con un carácter fuerte, que era lo yo que podía ver en
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mi entorno cercano, además el hecho de la exposición de una fábrica donde se
trabajaba con carbón y metales era muy familiar viniendo de una ciudad minera.
Finalmente llegué a la conclusión de que las películas de un tal señor Miyazaki eran
súper buenas. Seguí creciendo y pude observar más películas: “El viaje de Chihiro”,
“Kiki: servicios a domicilio”, “El castillo ambulante”, “Ponyo y el secreto de la
sirenita”, por nombrar algunas. Todas estas tenían historias de hechiceros/as , seres
fantásticos, viajes hacia otros mundos que eran geniales junto a la banda sonora
que siempre, incluso desde mi desconocimiento sobre teoría musical, fue algo
importante para mi. Sin embargo en mi corazón aún tenía presente a la joven
guerrera que fue visitada por un príncipe que estaba bajo una maldición, detrás de
sonidos de tambores que presagiaban momentos amenazantes.
Llegando al presente se me dio la tarea de realizar un
trabajo de carácter musicológico en un periódo de 4
meses aproximadamente. En principio tenía un par de
ideas que en realidad eran muy extensas, luego en otras
instancias externas a la universidad conocí el concepto del
viaje del héroe expuesto por el señor Joseph Campbell el
cuál descubrió y estableció un patrón dentro de las
historias mitológicas y leyendas alrededor del mundo que
luego fue ocupado en distintas películas. Decidí irme por
esta temática pero tratando de darle un giro musical y
relacionar ambas artes que de por sí ya trabajan en
conjunto. Barajé la posibilidad de hacerla sobre las películas del Studio Ghibli en sí,
no obstante por temas de tiempo decidí reducir lo máximo posible la temática,
escogiendo mi película favorita.

Fundamentación
Ahora viendo más allá de lo sentimental, los motivos por los que escogí a
“Mononoke Hime” como objeto de estudio fue porque es una película renombrada a
nivel internacional ya que expone de manera concreta temáticas de problemáticas
que siguen siendo actuales tales como: la contaminación ambiental, figuras
femeninas de poder y la discriminación social hacia marginados e inadaptados
tomando un desafío el cual era dirigirlo hacia un grupo objetivo: infantes, saliendo
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airoso ante la duda de exponer a niños/as a situaciones crudas, apostando por “ los
niños tienden a entender incluso mejor que los adultos” Átomo Network. (2019, julio
25) .
Es una película que manifiesta la estructura del viaje del héroe con Ashitaka, quien
es el co-protagonista de la historia y con el cual nos vamos adentrando en lo
profundo de este bosque. Y por último pero no menos importante es la
instrumentación de esta obra audiovisual que incluye una mezcla de elementos
orientales y occidentales que más adelante será profundizado.

A partir de esto me surgieron las siguientes preguntas de investigación:

-¿ Cómo se relaciona la música con el viaje del héroe?
-¿ Qué elementos instrumentales fueron utilizados en la banda sonora?
-¿ Cómo la música es un elemento importante que ayudó al éxito de esta película?

Hipótesis: Existe una manifestación “tangible” del viaje del héroe dentro de la
banda sonora.
Objetivo general: Relacionar la música de la banda sonora con la estructura del
viaje del héroe.
Objetivos específicos:
- Analizar la banda sonora de la princesa Mononoke.
- Analizar la narrativa de la princesa Mononoke según la estructura de Joseph
Campbell.
- Reflexionar sobre la relación entre director y compositor y como esta influye
en el resultado de la película.

Marco Teórico
Sinopsis: La princesa mononoke es una película que narra la historia de Ashitaka
un joven príncipe del pueblo Emishi que un día recibe el ataque del dios jabalí Nago
el cual estaba cegado por la ira hacia los humanos. Él por tratar de salvar a su
hermana y a su gente, lucha con el ser hasta que lo vence a costa de recibir una
maldición. Por consejo de la oráculo del pueblo le señala que debe viajar a una
tierra lejana donde se originó la ira del dios y solucionarlo para apaciguar su alma o
morir.
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El viaje del Héroe:

El viaje del héroe o el monomito es una estructura narrativa que planteó el señor
Joseph Campbell en 1949 el cual observa un patrón en distintas narraciones,
leyendas y mitología a lo largo del mundo. Dentro de todo una exposición llena de
referencias y metáforas sobre literatura y creencias, el autor define 3 grandes
partes:

I. La partida: Es la 1° parte de la narrativa, compuesta por 5 partes:

1.- La llamada a la Aventura 4.- El cruce del primer umbral
2.- La negativa al llamado 5.- El vientre de la ballena
3.- La ayuda sobrenatural

II. Pruebas y Victorias de la iniciación: Es la 2° sección donde se desarrolla el

clímax de la historia, se subdivide en 6 partes:
1.- El camino de las pruebas 4.- La reconciliación con el padre
2.- El encuentro con la diosa 5.-Apoteosis
3.- La mujer como tentación 6.- La gracia última

III. El Regreso: Es una 3° sección que relata 6 posibles conclusiones que puede
tener la narrativa.
1.- La negativa al regreso 4.-El cruce del umbral de regreso
2.- La huida mágica 5.-La posesión de dos mundos
3.-El rescate del mundo exterior 6.-Libertad para vivir

Contexto de la producción de la película

Hayao Miyazaki:
Por allá en 1941 en un Japón que se encontraba en medio de un ambiente bélico,
un día 5 de enero del mismo año nace Hayao Miyazaki, originario de la región de
Kantō, descendiente de una familia que manufactura aeronaves. Desde temprana
edad fue testigo de la fragilidad humana, externamente debido al hecho de vivir
dentro un país que participaba activamente en la segunda guerra mundial, inclusive
presenciando bombardeos nocturnos, e internamente ya que su familia se dedicaba
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a un negocio de aeronaves que posiblemente tendrían uso bélico. Además otro
hecho que resalta dentro de esta mirada es el desarrollo de tuberculosis espinal en
su madre quien estuvo luchando con esta enfermedad por 9 años lejos de él.
Para poder sobrellevar todos estos sucesos el joven Hayao se refugia dentro de los
mangas y su imaginación que lo impulsarían a empezar a realizar sus primeras
viñetas inspirándose especialmente por el creador de “Astroboy” Osamu Tezuka.
Sin embargo su sueño por ser dibujante cambia tras ver la primera animación a
color llamada “Hakujaden” o “Panda y la serpiente mágica” el cual le incentiva a ser
animador. No obstante tras egresar de la preparatoria toma una decisión radical de
estudiar ciencias políticas y economía, ya que quiso optar por una carrera que
pudiera servir en el negocio familiar. Aunque tomó esa dura decisión él continuó
interesándose en aspectos artísticos siendo parte de clubes de lectura y literatura
infantil.
Aún cuando estudió algo totalmente diferente a su sueño, el destino fue más fuerte y
en 1963 fue parte del personal de Toei animation, uno de
los estudios más importantes de Japón, donde trabajó en
distintos puestos: dibujante de fotogramas, jefe de
animación, guionista, etc.
En esta pudo conocer a personas que serían importantes
en su vida: a Akemi Ota una animadora pionera dentro del
estudio, quien participó en “Hakujaden” a quién le pediría
consejos y enseñanzas para luego pedirle su mano. Junto
a ella formó su vida teniendo dos hijos: Goro y Keisuke
Miyazaki. Si bien ella abandonó su carrera como animadora tras la llegada de su
primer hijo, contribuyó en las obras “Kaze no Tani no Nausicaä” y “Tonari no Totoro”
del Studio Ghibli. La otra persona que conoció fue a su socio Isao Takahata, quien
era parte del sindicato de trabajadores de Toei (donde Miyazaki era el jefe) y
también fue el creador de “Taiyou no ouji horusu no daibouken” o “las aventuras de
horus” donde Hayao contribuyó como diseñador de escenas y en la historia,
pudiendo afianzar sus puntos de vista, luego trabajando juntos dentro y fuera de
Toei.
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Tras su salida de la gran compañía pudo trabajar en distintas obras tales como:
“Lupin III”, “Heidi” y “El castillo de Cagliostro” el cual sería su inicio como guionista y
director destacándose por su trabajo cuidadoso.
Recién pudo cumplir su deseo de crear una producción donde tuviera libre acción
dentro de ella tras conocer a Toshio Suzuki quien le permitió crear el manga
“Nausicaä en el valle del Viento” para luego realizar una producción audiovisual
junto a este equipo y el apoyo de Topcraft Animation en 1984 plantando los
cimientos de sus obras. Al año siguiente los tres fundan su propia compañía “Studio
Ghibli”. Habiendo por fin establecido su propia productora que le permitía su peculiar
modo de crear a partir de un guión gráfico antes de la narrativa, recibe la
oportunidad en el año 1980 de realizar un nuevo proyecto audiovisual, retomando
así una idea que habría plasmado por allá en los años 70’s, cuando su futuro era
incierto, un boceto de una niña montada encima de una bestia felina en medio del
bosque, que convive entre espíritus, pero que no pudo desarrollar por falta de
recursos y libertad creativa hasta ahora. Cambió al gato por una loba (inspirándose
en Rómulo y Remo) y la situó en un periodo, que si bien recuerda al periodo
muromachi (1300 - 1500 aprox), tiene elementos atemporales, creando una obra
madura que puede plasmar su perspectiva sobre la juventud, la guerra, la relación
con la madre tierra y la naturaleza humana. Pensó en llamarla “ la leyenda de
Ashitaka” pero se decidió por “Mononoke hime” que se traduciría a algo como el
espíritu vengador como descripción de la joven San.

Joe Hisaishi:
Mamoru Fujisawa nació en Nakano un día 6 de diciembre de 1950. Desde temprana
edad fue insertado al mundo de la música, a sus 5 años comenzó a recibir clases de
violín. A los 19 años ingresó como estudiante de Kunitachi College of Music,
conservatorio privado de Tokio, Japón, empezando su carrera como compositor
contemporáneo. Durante su trayectoría fue alumno del compositor Takeo Watanabe,
conocido por su trabajo en “Heidi”.
Mamoru desde el comienzo se sentía atraído más por la música experimental,
realizando inicialmente proyectos con sonidos más electrónicos, destacándose por
el uso de sintetizadores e instrumentos propios de la época de los 80 's, lanzando
en 1981 su primer disco llamado “MKWAJU” y en 1982 “Information”, el cual, según
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lo señala en su perfil de la página de su concierto del año 2021 https://joehisaishi-
concert.com/wdo-2021-en/ , serían su kickoff. A los 24 recibió
su primer trabajo como compositor para la película del año 1982
Technopolice que mantendría este sello.
Retomando un poco la historia de Miyazaki, una vez dada la
oportunidad de animar su manga “Nausicaä en el valle del
Viento” junto a Takahata, Suzuki y el apoyo de Topcraft Animation en
1984, debieron encontrar un compositor adecuado para la historia de
este mundo post-apocalíptico en el que trabajaban y he aquí donde los
caminos del ahora llamado Joe Hisaishi (nombre cambiado en honor de Quincy Jones y el
juego de palabras al ser su nombre escrito en katakana クインシージョーンズ ) y el de
Miyazaki se cruzaron. Hisaishi realizó alrededor de 10 colaboraciones con el Studio Ghibli,
desarrollando una relación singular con el director ya que Miyazaki le permitía esa libertad
creativa a Joe tanto como él tenía al realizar producciones de sus storyboards de los cuales el
músico también se inspiraba, ya que no había ninguna narrativa previa. Según López (2018)
“En su recurrente colaboración con Miyazaki, una vez el director ha 13 marcado las pautas
para el compositor, ambos trabajan por separado aproximadamente durante un año hasta que
Hisaishi finaliza el image album.”, y en el caso de la producción de la princesa mononoke,
Hayao le entrega al compositor poemas inspirados en los personajes o en elementos de la
historia con los que él pudiese inspirarse, que en consecuencia, en el tema principal con el
nombre homónimo de la película utilizó su lírica como letra para esta.

Estado de la cuestión
En la búsqueda de bibliografía para el desarrollo de esta investigación, pude
encontrar material con respecto al de la narrativa y las temáticas expuestas en
general, haciendo un recorrido por varias películas del estudio como en el caso de
Martínez y Silvia Matey Touza, I. P. (2014-2015).
También encontré documentos que se enfocaran en las temáticas de “Mononoke
Hime” en sí, como en el trabajo de Cruz, A. M. S. (2014) recalcando su carácter
innovador, ecologista y en la reseña de Miró, F. (s/f). ante las figuras femeninas y
el dolor del creador .
Con respecto al material sobre el viaje del héroe me guié con el libro de Campbell
como fuente principal.
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En cuanto a bibliografía relacionada con aspectos musicales fue para mi más
engorroso de encontrar, por temas de accesibilidad, por la barrera de idiomas o
porque no se ha trabajado este aspecto a menudo (hasta ahora) , sin embargo pude
encontrar algunos que me orientaran en análisis de la banda sonora de otras y
películas del estudio como elemento narrativo o en la composición de
instrumentación que desconocía, siendo de vital importancia los trabajos de López,
L. E. (2018).
El acceso a las nuevas plataformas de información de carácter audiovisual fueron
para mí de gran ayuda como los videos de Altozano, Átomo Network, Camilo,
interpretaciones de otras personas, etc. Ya que pude orientarme, buscar información
por otros medios de manera más expedita, comprender y observar el
comportamiento del director al momento de crear, acceder a los conciertos y discos
del compositor ignorando la barrera de geográfica, de idiomas y temporalidad,
obteniendo más referencias que lograban mantener mi concentración por mayor
tiempo, reteniendo información.

Desarrollo
Antecedentes previos a la investigación:
Para desarrollar el análisis de la obra de Miyazaki en conjunto a Hisaishi, tomé
como ejemplo la investigación realizada por Esteban López, L. (2018). donde
primeramente realiza un análisis de forma fílmica, analizando cómo la música se
desenvuelve dentro de la narrativa, en su caso toma referencia la estructura
narrativa de la obra de David Bordwell y Kristin Thompson El arte cinematográfico.
Una introducción (1995 [1990]). Luego realiza un análisis de estilo cinematográfico,
donde relaciona aspectos de técnicas audiovisuales con la música utilizada.
En mi caso la estructura en la que me basé es la del monomito de Campbell y ya
que no soy una especialista en cine, no abordé mi objeto de estudio con un análisis
cinematográfico, si no que primero realicé una identificación de los momentos de
viaje del héroe dentro de la película “mononoke hime” y luego, en conjunto a esto,
un análisis comparativo relacionando la narrativa con los elementos musicales
utilizados dentro de los momentos del viaje.
Otro concepto utilizado dentro de mi investigación son los leitmotiv los cuales fueron
desarrollados por Wagner dentro de sus obras. Son elementos sonoros ya sea
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melodía, acordes o ritmos que representan a un personaje o elementos narrativos
dentro de la historia. Estos pueden aparecer en distintas obras.

Nuevos antecedentes y evidencias

En el momento de recopilación de la banda sonora, no pude encontrar todas en
partituras, pero si en grabaciones de audio. Previamente a la realización de la
identificación y el análisis, escuché detenidamente las obras y fui encontrando
melodías que se fueron repitiendo a lo largo de todas ellas, cosa que me llamó la
atención e indicando que podría ser de ayuda en la confirmación de mi hipótesis.

Hallazgos
Al realizar el análisis fílmico me di cuenta que la música se presentaba en los
momentos exactos de la presentación de las partes del viaje del héroe. Por ejemplo,
en la exposición de “la llamada”, precisamente cuando la oráculo le señala a
Ashitaka que debe dirigirse al oeste, sonaría de fondo “Tabidachi nishi e” o en la
exposición de “la ayuda sobrenatural” que correspondería a la presentación de Jiko-
bō , lo acompaña la pieza “ “the land of the impure“ que es de carácter inquietante,
haciendo un adelanto a lo que está haciendo la gente de la ciudad de hierro, su
reputación y orígenes o la misma naturaleza del personaje, el cual da un giro a la
imagen de anciano.
En la realización del análisis musical identifiqué lo siguiente:
Los instrumentos de percusión representan la amenaza o peligro que manifiesta una
situación. Si una pieza tiene más presencia de estos, estarían presentes dentro de
las secciones del viaje más peligrosas. Por ejemplo “Tatarigami” es la segunda
pieza que escuchamos al observar la película y justamente aparece con la llegada
de Nago al pueblo Emishi. En otro caso, con el paso del umbral, escuchamos a los
kodamas, junto a su pieza homónima, con cascabeles que representan la amenaza
que pueden llegar a ser. Y nuevamente aparecen en “Shishigami no morí” cuando
observan caminar al espíritu del bosque en la noche. Esto mismo me lleva al
planteamiento de los leitmotiv de Ashitaka y San. Estos aparecen desde el inicio de
la película, aún cuando San es presentada recién a los 20 minutos de ella, sin
embargo la música hace pequeños “spoilers” o desde mi perspectiva, es la llamada
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que suena entrelazando sus caminos para salvar al bosque. Esto se destaca en la
pieza “The Encounter” que en sí, es la mezcla de los dos leitmotivs.

Conclusión
Es curioso cómo a pesar de que el motivo de la fundación del Studio Ghibli era
buscar esa libertad en los procesos de producción,
en la creación de la banda sonora y lo más
importante, la creación de la narrativa a partir de
bocetos, pueda establecerse una estructura dentro
de las películas. Al inicio de mi investigación este
mismo modo de crear de Miyazaki me hizo dudar
de mi hipótesis , a punto de lanzar la investigación
por la borda, pero todo esto dio un giro
sorprendente. Creo que el perfeccionismo que
tiene Hayao al crear hace que las películas
funcionen, mismo perfeccionamiento que viene de la mano con dolor por el proceso,
que es lo mismo que vive Hisaishi al momento de crear obras nuevas, ya sea para
una banda sonora o para un disco. Ambos sienten esa angustia sin embargo lo
transforman en algo bello.

Creo que esta misma angustia fue lo que sentí al realizar esta investigación, ya que
para mí fue difícil tener como objeto de estudio una de mis películas favoritas, ya
que sentía que habían tantas cosas buenas dentro de ella que no sabía por dónde
partir. Sin embargo analizarla con una mirada más profesional (si es que puedo
decirlo así) fue una experiencia totalmente nueva y buena, porque pude apreciar
aún más la película con todos sus elementos, pudiendo identificar cosas que antes
no.

Finalmente, habiendo analizado la historia de la princesa mononoke en relación a la

estructura narrativa de Joseph Campbell en conjunto a su banda sonora, puedo
concluir que mi hipótesis es correcta, Si existe una manifestación “tangible” del viaje
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del héroe dentro de la banda sonora ya que estos son
colocados en los momentos exactos de la estructura y
los leitmotivs entrelazan las obras .

Creo que se puede hacer más investigaciones con

respecto a un análisis narrativo y musicológico de las
películas del Studio Ghibli ya que tienen bastante material con el que trabajar, no
necesariamente puede ser con la estructura de Campbell, pero es un buen punto de
partida. Espero más adelante que mi persona o alguien externo pueda seguir
estudiando las bandas sonoras de dicho estudio para poder complementar con
información al mundo y darles el reconocimiento que merecen.

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