Fotografia

Contenido
Curso de Fotografía: 1. La luz y la formación de imágenes ...................................................... 3

Funcionamiento de la cámara oscura....................................................................................... 4
Curso de Fotografía: 2. Partes importantes de la cámara ......................................................... 6
Curso de Fotografía: 3. Cómo vemos y cómo fotografiamos.................................................... 9
Curso de Fotografía: 4.Tipos de cámara. Clasificación ........................................................... 12
Curso de Fotografía: 5.Tipos de cámara. Ventajas e inconvenientes. .................................. 14
Curso de Fotografía: 6 . Tipos de cámara. ¿Qué cámara necesito? ..................................... 17
Curso de Fotografía: 7. Tipos de objetivos ................................................................................ 22
Curso de Fotografía: 8. Tipos de Plano ..................................................................................... 28
Curso de Fotografía: 9. Tipos de Plano ..................................................................................... 31
Planos cenital y picado ............................................................................................................. 31
Plano normal .............................................................................................................................. 31
Contrapicado y nadir ................................................................................................................. 32
Consideraciones sobre los planos en fotografía ................................................................... 33
Curso de fotografía: 10. Tarjetas de memoria y soportes de almacenamiento.................... 34
Curso de fotografía: 11. Tarjetas de memoria y dispositivos de almacenamiento .............. 36
Curso de fotografía: 12. Velocidad de obturación .............................................................. 39
Curso de fotografía: 13. Velocidad de obturación..................................................................... 43
Curso de Fotografía: 14. La apertura. Teoría ............................................................................ 46
Curso de Fotografía: 15. La apertura : Ejemplos prácticos ..................................................... 49
Curso de Fotografía: 16. Fotografía en Manual ........................................................................ 54
Curso de fotografía: 17. Fotografía en Manual ......................................................................... 59
Curso de Fotografía: 18. ISO, la sensibilidad ............................................................................ 63
Curso de Fotografía: 19. El Autofocus ....................................................................................... 67
Curso de Fotografía: 20. Modos de Autofocus.......................................................................... 70
Curso de Fotografía: 21. Consideraciones sobre el Autofocus .............................................. 72
Curso de Fotografía: 22. El Encuadre ........................................................................................ 74
Curso de Fotografía: 23.- La medición ....................................................................................... 77
Curso de Fotografía: 24. La medición - Casos Especiales ..................................................... 79
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Curso de fotografía 25. La composición..................................................................................... 83
Curso de fotografía 26. La composición. Aplicaciones ............................................................ 86
Curso de fotografía 27. El Color. Introducción al color ............................................................ 90
Curso de fotografía 28. El Color. Cómo hacer uso del color ................................................... 93
Curso de Fotografía: 29. El balance de blancos - Introducción .............................................. 98
Curso de Fotografía: 30. El balance de blancos - Uso creativo ........................................... 102
Curso de Fotografía: 31. El flash: Conceptos.......................................................................... 104
Curso de Fotografía: 32. El flash: Tipos de flash .................................................................... 106
Curso de Fotografía: 33. El flash: Modos de flash .................................................................. 110
Curso de Fotografía: 34. Los Filtros ......................................................................................... 113
Curso de Fotografía: 35. Accesorios ........................................................................................ 115
Curso de Fotografía: 36. Protección y limpieza de los objetivos .......................................... 118
Curso de Fotografía: 37. Tipos de archivos fotográficos ....................................................... 122
Curso de fotografía: 38. Consejos prácticos para mejorar .................................................... 128
Curso de fotografía: 39. Consejos prácticos para mejorar .................................................... 134
Curso de Fotografía: 40. Edición de imágenes ....................................................................... 137
Fuente:
http://www.xatakafoto.com/curso-de-fotografia/curso-de-fotografia-
indice
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Curso de Fotografía: 1. La
luz y la formación de
imágenes
!Comenzamos el curso de iniciación! Y para empezar os voy a hablar un poco de
los principios básicos de la fotografía. Este es un tema que puede ser muy extenso si
entramos en cada una de sus partes y es mucha teoría, pero voy a intentar resumirlo lo mejor
posible para no aburriros.
Sin luz no habría fotografía, eso lo sabemos como que la necesitamos para ver con nuestro
ojos, de ahí que la palabra fotografía tenga como significado “escribir con luz”. Debemos tener
claro que la luz es nuestra principal materia prima a la hora de hacer una fotografía.
La luz proviene de una fuente de energía que pueder ser natural (el sol) o artificial (un flash,
una bombilla) y se transmite en línea recta hasta llegar a los objetos.
Y gracias a que la luz está formada por varias longitudes de onda, según la superficie
donde incidan los rayos, nuestro ojo percibe esos cambios de longitud como los
distintos colores. Así, cuando vemos un objeto de color verde, resulta que su superficie refleja
en mayor medida el verde, y absorbe el azul y rojo.
Esto nos da la clave para entender el comportamiento de los filtros en fotografía; si usamos un
cristal transparente azul para filtrar la luz, este dejará pasar la luz azul y absorberá los demás
colores. Pero de los filtros hablaremos más adelante.
Ahora vamos a ver como gracias a un orificio pequeño se puede formar una imagen, o lo
que es lo mismo: el funcionamiento de la antigua cámara oscura, los comienzos de la
fotografía.
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Funcionamiento de la cámara oscura
Supongamos que tenemos una caja de zapatos totalmente cerrada (a oscuras), y en una de
sus caras más amplia practicamos un pequeño agujero con un alfiler. La luz del exterior entra
en la caja. Si por ejemplo, colocamos un objeto delante del orificio, dentro de la caja, en la
cara contraria al orificio, se formará una imagen invertida del objeto que tenemos en el
exterior. ¿Cómo ocurre esto?. Sabiendo que la luz viaja en linea recta, los rayos que vienen de
la parte superior del objeto serán recogidos en la parte inferior de la caja de zapatos.
Pero claro, esto es muy rudimentario, y la imagen que se forma está poco definida, dispersa.
Por eso se empezó a usar lentes sustituyendo ése arcaico orificio. Unas lentes
convergentes (como las de una lupa) que se ocupan de concentrar más luz y converger
los rayos, para que de esta forma la luz se dirigiese de forma más precisa al lugar de
incidencia formando imágenes más parecidas a la escena original. Es exactamente lo que
hacemos cuando intentamos enfocar una escena con nuestras cámaras actuales, disponer las
lentes para conseguir una imagen nitida y con suficiente luz.
Nos falta el último elemento para tener sentadas las bases de la fotografía; el material
fotosensible. Sin éste, lo único que hemos estado haciendo hasta ahora es representar
objetos o escenas. Desde que se empezaron a usar lentes en la cámara oscura hasta que se
inventó un material fotosensible pasaron más de trescientos años. El material fotosensible se
ocupa de captar y fijar la imagen, y en la actualidad lo podemos diferenciar entre materiales
analógicos (película) y digitales (sensores). Tema del que también trataremos más adelante.
Así, las bases de la fotografía se resumen en estos cuatro puntos:
Transmisión de la luz en linea recta

Formación de una imagen por un orificio
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Convergencia de los rayos de luz por las lentes
Materiales fotosensibles
Creo que los siguientes posts sobre los temas restantes no serán tan largos y teóricos como
este, !pero había que quitarse de encima lo antes posible toda esta teoría! ¿Alguna duda?. En
el siguiente post hablaremos de las partes importantes de la cámara.
He usado como referencia para este post: El manual “La fotografía paso a paso” de Michael
Langford, y los apuntes de clase de Noemí Genaro.
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Curso de Fotografía: 2.
Partes importantes de la
cámara
Ahora trataremos un tema algo más práctico. Para ello necesitaremos un par de herramientas:
nuestra cámara y un destornillador pequeño. O en su defecto un cuchillo jamonero para poder
ver las entrañas de nuestra cámara. Bueno… mejor os cuento lo que hay dentro de una
cámara y vosotros os lo imagináis, dejémoslo en algo teórico de momento.
Voy a hacer el recorrido de las partes más importantes siguiendo el camino que sigue la luz al
entrar en nuestra cámara, principalmente una réflex:
Objetivo: Es el conjunto de lentes o lente que se ocupa de dirigir la luz al sensor para
conseguir la mayor y más fiel cantidad de información de la escena que observamos. Se suele
decir que un objetivo cuanto más pesado más calidad ofrece, debido a la cantidad y el tamaño
de lentes que alberga; cuanta más luz sean capaz de captar mejor. Esto es para el caso de
objetivos réflex o compactas avanzadas, en el caso de cámaras compactas es normal que las
lentes sean de un tamaño muy pequeño. Los objetivos pueden ser más o menos luminosos
según su diafragma.
Diafragma: El diafragma se encuentra situado dentro del objetivo, y

es un conjunto de aspas que conforman el orificio por donde entra la luz, las cuales se cierran
o abren para dejar entrar mayor o menor cantidad de luz. Cuanto más pequeño es el orificio
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más profundidad de campo obtenemos, es decir, enfocamos más partes de la escena y
obtenemos más nitidez. Pero de la profundidad de campo ya hablaremos largo y tendido. Los
valores del diafragama (más o menos abierto) se representan con el número f, y debemos
tener en cuenta que un número f 2,8 se refiere a un diafragma más abierto que un f 16. Como
se aprecia en la imagen, el primer diafragma es un f 2,8 y el segundo un f 16,
Mecanismo de enfoque: Nos ayuda a disponer las lentes más cerca o más lejos para
conseguir mejor nitidez del objeto que queremos enfocar. Este mecanismo en cámaras réflex
se encuentra en el objetivo y se puede controlar manualmente, mientras que en una compacta
funciona automáticamente.
Aquí podéis ver una pequeño esquema de una cámara réflex por fuera.
Obturador: El obturador se ocupa de controlar la cantidad de luz que llega al sensor mediante
una serie de cortinillas que se abren y cierran. Según la velocidad de obturación pasará más o
menos luz. Cuanto más tiempo pase abierto el obturador más luz entrará, pero hay más
posibilidades de conseguir una imagen menos detallada. Una velocidad de 1/125 dejará pasar
menos luz que una velocidad de 1/13. De la relación velocidad de obturación-
nitidez hablaremos también más adelante.
Visor: Es la parte de la cámara que nos permite ver la escena que vamos a fotografiar. Según
el tipo de cámara puede ser diferente. Si hablamos de una réflex, el visor es una ventanita
pequeña por la que gracias a una serie de lentes y espejos colocados estratégicamente
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podemos ver la escena tal y como la captará nuestro sensor a través del objetivo. Aunque en
la actualidad se está incorporando a la mayoría de las cámaras réflex el modo LiveView. El
cual consiste en que el sensor se ocupa de captar la escena y nos la muestra en tiempo real
por la pantalla de la cámara. Proceso que realizan las cámaras compactas digitales.
Y aquí podéis ver una cámara por dentro pasada por el “cuchillo jamonero”
Sensor: Al igual que la película tradicional, el sensor se ocupa de captar toda la información
posible de la escena. Pero al contrario que la película no se ocupa también de fijarla, de eso
se ocupa el procesador y la memoria. El sensor es el panel donde irá a parar toda la luz que
recoja el objetivo. Está formado por píxeles sensibles a la luz, y tanto el tamaño del sensor
como el número de píxeles que lo forman son importantes para conocer la resolución de las
fotografías y su calidad. Hay distintos tipos; CCD, CMOS, Foveon… De distintos formatos;
cuatro tercios, formato medio… Pero este tema lo trataremos más ampliamente en otros
posts.
Eso es todo por ahora. No os preocupéis, que los temas más prácticos llegarán. Si hay algún
tema del que queráis que tratemos o profundicemos decídnoslo para tenerlo en cuenta en
futuros temas del curso.
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Cómo vemos y cómo
fotografiamos
Más de una vez habrás presenciado una escena impresionante que has querido captar con tu
cámara. Una puesta de sol por ejemplo. Pero al ver los resultados en la pantalla te das cuenta
de que no tiene nada que ver con la realidad, que los detalles que tú apreciabas y que hacían
la escena tan bonita no están en la foto, en la cual sólo se aprecia parte de lo que observabas.
Esto ocurre porque nuestros ojos funcionan de forma distinta a como lo hace una cámara de
fotos. Y de eso hablaremos hoy.
En algo si que hay similitudes entre el ojo y la cámara, pero sólo en la forma de captar la
luz. Ya hemos visto en capítulos anteriores como funciona una cámara y sus partes. Por lo
que estamos en condiciones de decir que: el objetivo por donde entra la luz, equivale en
nuestros ojos a la córnea y la pupila; el diafragma de la cámara se corresponde con el iris,
encargado de dejar entrar más o menos luz en el ojo; la lente del objetivo es a su vez el
cristalino del ojo, necesario para enfocar a varias distancias; y el material fotosensible, o
sensor del ojo, es la retina, donde se encuentran las células fotorreceptoras.
Y ahora veamos las diferencias entre lo que vemos con nuestros ojos y lo que la cámara
puede hacer, que es lo importante.
En escenas con alto contraste nuestro ojo se puede adaptar fácilmente y podemos apreciar
las zonas oscuras tan nitidas como las zonas iluminadas. En el caso de que nos encontremos
en una habitación a oscuras y la única fuente de luz provenga de una ventana, podemos
apreciar los detalles que hay tanto dentro como fuera de la ventana con la misma nitidez. Esto
no lo puede hacer una cámara, por lo que debemos escoger que zona queremos que salga
bien iluminada en nuestra foto, si la más oscura o la más iluminada. Ya hablaremos de
técnicas para conseguir en estas situaciones una foto donde todo esté bien iluminado.
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En esta foto opté por exponer bien la parte más iluminada. Como véis lo demás queda en
negro, si hiciéramos lo contrario, la ventana quedaría en blanco total.
Ante los cambios de luz nuestro ojo se comporta de manera excepcional, pudiendo
aumentar su sensibilidad de forma rápida y precisa. Mientras que con una cámara, la
sensibilidad depende del sensor y la ISO que estemos usando. Antes era un embrollo andar
cambiando de película según la luminosidad de la escena, pero ahora con las cámaras
digitales el cambio de sensibilidad del sensor se puede hacer con relativa comodidad y
rapidez.
Nuestra visión es selectiva, si dirigimos nuestra atención a un objeto, lo veremos enfocado,

mientras que el resto de la escena que lo rodea no la apreciamos tan nitidamente. Centramos
siempre nuestra visión en lo importante, evitando así la distracción de lo que no nos interesa.
Además, nuestro ojo está enfocando constantemente; allá donde posemos nuestra vista,
veremos con nitidez. Pero la cámara no discrimina, y capta todos los elementos presentes en
la escena sin diferencias. Así que para evitar fotografías cargadas de elementos que
distraigan, tenemos la posibilidad de enfocar una zona a la que deseamos dar importancia y
dejar el resto fuera de foco, para que al mirar esa foto, de forma automática, desviemos
nuestra atención a la zona más nitida. También debemos tener en cuenta el encuadre que
escojamos, intentando dejar fuera de cuadro todo elemento no deseado y que pueda competir
en atención con aquello que queremos resaltar.
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Este es un ejemplo de desenfoque selectivo; enfocamos la zona donde queremos que se
centre la atención del espectador. Fotografía de LordFerguson
Cuando hablemos sobre encuadre y composición entenderéis mejor cuales son las
posibilidades que nos da la fotografía para dirigir la atención del espectador y expresar con
más exactitud lo que buscabamos en el momento de disparar. Espero que por ahora os
queden claras las limitaciones que tenemos a la hora de representar mediante nuestra cámara
el mundo que vemos con nuestros ojos.
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Curso de Fotografía:
4.Tipos de cámara.
Clasificación
Renovamos la cabecera para el curso de fotografía y empezamos con los temas prácticos.
Esperamos que os gusten
Cuando intentamos hacer una clasificación de los tipos de cámaras existentes, podemos
hacerlo de una forma exhaustiva o de una forma práctica. En xatakafoto queremos enfocarlo
de un modo práctico e intentar ayudar al aficionado que no sabe decidirse por qué cámara
comprar.
De esta forma, normalmente las cámaras digitales suelen dividirse en 2 grandes

grupos: compactasy réflex. Sin embargo existe una categoría intermedia, que por sus
características merecen una mención especial. Son las llamadas bridge (puente)
o ultrazoom, a caballo entre unas y otras.
Veamos un poco de cada una de ellas:
Cuando hablamos de cámara compacta o ultracompacta, normalmente nos referimos a

cámaras bastante pequeñas, de poco peso, cuyo objetivo no es desmontable.
Suelen ser cámaras de fácil manejo, baratas y destinadas a un público que se inicia en el
mundo de la fotografía. Suelen tener un zoom óptico entre 3x y 5x por lo que son más
indicadas para fotografía de paisaje, arquitectónica o cualquiera que no exija focales muy
largas.
Son perfectas para viajes, fiestas o reuniones de amigos. Para llevarlas siempre encima (Por
algo son llamadas bolsilleras), donde es más importante el recuerdo en si que la calidad
fotográfica.
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De cualquier forma algunas tienen opciones de uso manual, por lo que pueden ser ideales
para iniciarse en el mundo de la fotografía si no se ha tenido ningún contacto anteriormente.
Son cámaras un poco más avanzadas que las anteriores, aunque su diferencia principal con
las ultracompactas es el zoom óptico que en estas cámaras puede llegar hasta los 18x.
También suelen ser mayores de tamaño (ya no caben en el bolsillo), con mayor
presencia. Es un paso anterior a las réflex digitales, aunque ya veremos que no son
comparables.
Siguen siendo cámaras compactas, puesto que el objetivo sigue siendo fijo. Son
más versátiles que las ultracompactas ya que el zoom óptico nos permite otro tipo de
fotografías donde se utilizan focales más largas (Primeros planos, fotografía de naturaleza,
etc…). Son mas caras que las compactas y (normalmente) más baratas que las réflex.
El punto medio vamos, tanto en tamaño como en calidad ya que se empiezan a ver mejores
lentes en las ópticas. Ideales para quien busca un punto más a las compactas pero que aún
no quiere dar el paso al mundo Réflex.
Son las hermanas mayores de la fotografía. Pensadas tanto para el aficionado avanzado
como para el profesional.
Las diferencias principales con las compactas son dos:
Lo Primero es el visor réflex, gracias al cual podemos ver directamente a través del objetivo y
no una recreación digital en una pantalla, tal y como pasa con las compactas.
Lo segundo y también fundamental es que los objetivos son intercambiables, llegando a

tener un surtido muy variado de focales, calidades y precios.
Son mas caras y pesadas, pero también son las que más calidad de imagen dan a poco que
se invierta en buenas ópticas, además permiten un control total de los parámetros, por lo que
si de verdad te gusta la fotografía y pretendes avanzar en este mundo, sin duda es tu elección.
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Curso de Fotografía:
5.Tipos de cámara.
Ventajas e
inconvenientes.
Aunque en el capítulo anterior vimos de forma general las virtudes y los defectos de cada tipo
de cámara, vamos a intentar hacer un resumen donde esquemáticamente podamos ver que
nos ofrece y en que falla cada una de ellas. Empecemos:
Ventajas compactas
• Poco Peso y tamaño
• Excelente portabilidad
• Fácil manejo
• Baratas
• Permiten macro sin necesidad de accesorios
• Normalmente graban vídeo
Inconvenientes compactas
• Objetivo fijo
• Zoom óptico entre 3x y 5x
• Calidad de imagen contenida
• Muy pocos accesorios fotográficos
• Potencia de flash muy limitada
• Poco control de la profundidad de campo
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• No suelen incluir formato RAW (Negativo Digital)
• Poco Rango dinámico
• Duración de la batería en ocasiones escasa
Ventajas Ultrazoom
• Tamaño y peso contenidos
• Portabilidad media
• Precio no demasiado elevado
• Gran rango focal
• Ergonomía mejorada respecto a las compactas
• Permiten macro sin necesidad de accesorios
• Algunas incluyen formato Raw (Negativo Digital)
• Normalmente graban video
Inconvenientes Ultrazoom
• Calidad de imagen contenida
• Objetivo fijo
• Pocos accesorios fotográficos
• Potencia de flash limitada
• Rango dinámico limitado
Ventajas réflex
• Visor tipo réflex (vemos directamente a través del objetivo)
• Buena ergonomía
• Objetivos intercambiables
• Compatibilidad con objetivos analógicos mediante accesorios
• Gran calidad de imagen
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• Gran cantidad de funciones y programas
• Buenos sitemas de medición de luz
• Enfoque rápido
• Posibilidad de colocarle flash externo
• Gran control sobre la profundidad de campo
• Gran cantidad de accesorios
• Muchas posibilidades fotográficas
• Mayor rango de sensibilidades ISO
• Incluyen formato RAW (Negativo Digital)
• Los últimos modelos incorporan previsualización en pantalla y estabilización
Inconvenientes réflex
• Volumen y peso
• Portabilidad
• Precio (Cuerpo, objetivos, accesorios…)
• Manejo más complicado
• Objetivos de serie de calidad media
• No graban video
• Para macro se necesitan objetivos o accesorios específicos
• Algunas no incluyen filtro para evitar que entre polvo en el sensor
Probablemente se olvide alguna, además estas pueden variar en función de la persona y las
necesidades, pero las fundamentales seguro que están.
En el siguiente y último artículo de esta serie veremos como afrontar la compra de una cámara
digitalen función de lo que queramos obtener o para lo que queramos la cámara. Intentaremos
guiaros en las características a las que hay que dar importancia y a las que no.
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Curso de Fotografía: 6 .
Tipos de cámara. ¿Qué
cámara necesito?
Probablemente esta sea la gran pregunta que todos nos hacemos antes de afrontar la compra
de una cámara digital: ¿Qué cámara necesito? ¿Qué cámara me compro?. En este articulo,
intentaremos ver cual es la manera correcta de afrontar la compra de TU cámara perfecta.
Empezamos:
Si tenemos intención de comprar una cámara, lo primero que habría que pensar es: ¿Para que
la quiero? ¿Que tipos de fotos quiero hacer? ¿Que aspiraciones fotográficas tengo?.
Si tenemos claras las respuestas, la elección será, sin duda, mucho mas fácil. No es lo mismo
querer una cámara para hacerte fotos con los amigos, que para usarla en fotografía de
naturaleza, por ejemplo.
Una vez que tengamos decidido qué tipo de cámara nos viene mejor, sabiendo las ventajas e
inconvenientes de cada una de ellas, podremos seguir unas pautas comunes para hacer una
buena elección. Vamos a verlas:
PRIMERO: La cámara NO es mejor porque tenga más megapíxeles.
Probablemente este sea el error más común de todo el que piensa comprar una cámara digital
por primera vez, así que lo diré alto y
claro, LOS MEGAPIXELES NO MIDEN LA CALIDAD DE UNACÁMARA simplemente nos
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dan el tamaño final de la fotografía. La absurda guerra de los megapíxeles es más un
argumento de marketing que otra cosa y puede ser útil solo para determinados tipos de trabajo
con grandes ampliaciones o trabajos en el que el reencuadre a posteriori sea fundamental. Por
lo tanto, mejor menos megapíxeles y más calidad de la lente, del sensor, etc…
Fijaros en esta noticia que publicó el New York Times y os terminareis de convencer. Una
cámara de 5 megapixeles es suficiente para el 99% de los aficionados a la fotografía. Tened
en cuenta que para revelar una foto a 10×15cm solo nos hacen falta 2 megapixeles.
Comparativa de tamaños en función de los megapixeles
SEGUNDO: Lo más caro NO es necesariamente lo mejor para ti.
Muchas veces cometemos el error de ir en busca de la cámara más cara, dentro de nuestro
presupuesto, creyendo que será la mejor. Pero es sin duda más inteligente pensar en cuales
son las características que me interesa que tenga la cámara y a partir de ahí, plantear la
búsqueda.
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Por poner un ejemplo, una cámara puede subir de precio por tener
grabación de vídeo, pero puede que a nosotros no nos interese esa característica por
cualquier motivo, por lo que seria absurdo pagar por ello, ¿no crees?. De igual manera esa
misma cámara puede que no tenga esa función que de verdad nos interesa, por lo que al final,
no habremos hecho una buena compra.
Por tanto tenemos que ser consecuentes con lo que queremos que nos ofrezca la cámara y
buscar aquella que más se ajuste a nuestras necesidades.
TERCERO: Controles MANUALES, SI: Siempre que queramos intentar dominar

la cámara y aprender fotografía deberemos de buscar una que disponga de opciones de
manejo en manual(M) o al menos que podamos controlar el tiempo de exposición (S o Tv) y
la apertura del objetivo (A o Av). Cuanto mas avanzada sea la cámara más fácil nos resultará
que disponga de estos tipos de controles.
CUARTO: calidad óptica = calidad de imagen. Evidentemente hay otros muchos

factores que influyen en la calidad final de una foto, pero es claro que si disponemos de una
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lente buena, la calidad de imagen también lo será, por tanto, es una característica importante
si pretendemos fotos nítidas y de calidad.
Normalmente, las grandes marcas de cámaras como Canon, Nikon, Olympus, etc… montarán
buenas ópticas, pero si te vas a marcas secundarias tendremos que ver quien les fabrica la
óptica y que calidad tiene.
Como vemos en la foto en muchas ocasiones podremos comprobarlo en la parte delantera del
objetivo. Aunque ya lo veremos mas adelante, la calidad de un objetivo dependerá de
los tipos de lentes que monten (asféricas, cristales de baja dispersión, etc…) y de
la luminosidad del propio objetivo. Cuanto más luminoso, mejor (valores de f lo más bajos
posibles).
QUINTO: Otras características importantes: Ademas de los 4 puntos

principales que hemos visto, las cámaras digitales ofrecen multitud de características. Os
cuento algunas de las más importantes a tener en cuenta para decidirnos al fin por un modelo.
a. El zoom: Nunca miraremos el zoom digital, solamente el zoom óptico. El zoom digital es el
equivalente aumentar la foto con photoshop por lo que siempre tendrá perdida de calidad. Si
buscamos cámaras con mucho zoom, seria interesante que la cámara disponga de
estabilizador óptico para evitar fotos trepidadas.
b. La función de video: En compactas y ultrazoom es una función interesante y casi por

defecto, aunque con limitaciones. En las réflex no existe. Si nos interesa esta función,
intentaremos que los videos sean de al menos 640×480 a 25fps y con sonido.
c. El formato RAW: Es el equivalente al negativo de las cámaras analógicas, este formato

almacena mucha mas información que un simple .jpg, por lo que si eres de los que les gusta el
retoque fotográfico debes buscar una cámara con este tipo de archivos.
d. Las baterías: Normalmente es mejor que la cámara se alimente de una batería que lo haga
a través de pilas, aunque lo ideal seria que permitiese ambas. Si en alguna ocasión nos
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quedamos sin batería, las pilas podrían sacarnos de un apuro. Si solo usa pilas, lo mejor,
comprar recargables.
e. El tamaño cuenta: Ya sea réflex o compacta, muchas veces nos da pereza sacar la
cámara si esta es muy voluminosa y pesada, por lo es un factor que hay que tener en cuenta a
la hora de elegir.
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Y bueno esto es todo en el apartado de tipos de cámara, espero que os haya gustado y os
sirva de ayuda a la hora de elegir una cámara. Para cualquier duda no dudéis en preguntar.
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Tipos de objetivos
A veces nos olvidamos de la importancia de los objetivos a la hora de hacernos con una
cámara. Los objetivos son los encargados de definir la imagen en el sensor de nuestra
cámara, tal y como vimos en el capítulo donde explicabamos cómo convergen los rayos de luz
en una lente. Ya sabemos también que cuantas más lentes y de mejor calidad tiene un
objetivo mejor será este, de ahí que a veces calibremos esa calidad según su peso. En
definitiva, será el objetivo el encargado de darnos la nitidez que todo fotógrafo busca en sus
fotografías.
Ahora veremos una clasificación de los distintos tipos de objetivos, que no de lentes. Los
diferenciamos principalmente por su distancia focal y el angulo de visión que abarcan:
Ojos de pez. Son los objetivos con el mayor angulo de visión, alcanzan los 180º o más, y su
distancia focal suele estar entre los 6 y los 16mm. Si no tienes cuidado al hacer una foto
con estos objetivos puede que hasta tus pies salgan en la foto, o algo más si la haces con el
6mm del que nos hablaba Victoriano en otro post, capaz de abarcar unos 220º. Estos
objetivos suelen distorsionar demasiado las lineas rectas, por lo que se suelen usar buscando
ese efecto tan característico que producen.
Fotografía de Brunoat tomada con un ojo de pez peleng de 8mm. La deformación de las
líneas es más que evidente.
Gran angulares. Suelen denominarse así a los objetivos con focales entre los 18 y 35mm,
con angulos de visión que van de los 180º a los 63º. Son objetivos que producen distorsión en
los márgenes, pero según su calidad esto puede estar más o menos acentuado. Ofrecen
mucho realismo a nuestras fotos, ya que casi todo lo pueden sacar nitido, es decir, tienen
mucha profundidad de campo. Pero hay que tener en cuenta que cuanto más se acerque un
objeto a la cámara más distorsionado se verá. Se suelen utilizar en espacios abiertos como la
fotografía de paisaje, para la fotografía de arquitectura o en espacios interiores, y suelen ser
objetivos bastante luminosos.
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Esta foto la hice con un Zuiko 7-14mm (un 14-28mm con el factor de multiplicación), está
tomada a 7mm. Podéis apreciar el trabajo que un buen angular puede hacer, apenas
distorsiona las lineas y muestra una gran amplitud de la escena.
Objetivo Normal. El objetivo normal es aquel que suele dar un angulo de visión muy parecido
al del ojo humano, esto es, unos 45º. Y además no produce distorsión alguna en las líneas. Lo
normal que sean de 50mm. Son los más luminosos pudiendo llegar a una apertura de 1.4f
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Fotografía tomada por Antonio Martínez con un objetivo 50mm. Observad como las líneas no
se distorsionan, pero el angulo de visión es menor.
Teleobjetivos. Se utilizan principalmente para acercar la imagen al fotógrafo, esto es, para
tomar fotografías desde lejos, por ejemplo fotografía deportiva. Así que el angulo de visión es
bastante reducido, de 30º para abajo, con unas distancias focales que pueden ir de los
70mm en adelante. A diferencia de los angulares, los teles suelen comprimir los planos
mostrandonos fotografías a veces poco realistas donde las distancias entre los objetos se
reducen de forma considerable. Se suelen usar bastante para fotografía de retraro, ya que una
de las grandes caracteristicas de estas focales es la capacidad de hacer enfoques selectivos;
enfocar a nuestro modelo mostrando su rostro nitido mientras obtenemos un fondo borroso y
desenfocado (efecto bokeh), con lo que conseguimos dirigir la atención del observador donde
nos interesa. Ya hablamos de esto en el capítulo sobre el funcionamiento del ojo humano y la
cámara. Las focales usadas para retrato se enmarcan entre los 70 y los 135mm, si usamos
distancias focales más largas tenderemos a alejarnos más del objeto a fotografíar para poder
enfocarlo, entonces es cuando el uso de estos objetivos se destina a otro tipo de fotografía
donde el fotógrafo necesita estar más alejado. Imprescindible para fotografíar fauna salvaje.
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Esta foto la hice con una distancia focal de 300mm, y existía una distancia considerable entre
el caballero y yo, además de que la pared también estaba bastante lejos.
Objetivos Macro. Suelen ser objetivos preparados de forma específica para poder fotografiar
desde muy cerca. Es normal que los objetivos nos exigan una distancia mínima para poder
enfocar, pero los Macro permiten el enfoque hasta a un centímetro del objetivo,
consiguiendo fotografíar objetos realmente pequeños. Estos son muy usados en la fotografía
de naturaleza.
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Fotografía macro de Victoriano Izquierdo. Detalle de una broquiflor.
Debemos saber que existen tanto focales fijas como variables o zoom. Las focales fijas
sólo nos permiten disparar con una distancia focal, como puede ser un objetivo normal de
50mm, éstos suelen dar muy buena calidad. Mientras que las focales zoom nos permiten
variar la distancia focal, por ejemplo un 24-120mm, sin necesidad de andar cambiando de
objetivo, aunque pueden no darnos la misma calidad que uno de focal fija por norma general.
Pero esto de la calidad depende de cada objetivo y de su gama.
En este esquema podemos ver la relación entre una focal y su angulo de visión. Y os aconsejo
vereste enlace donde hacen una demostración práctica.
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Y por último, y no menos importante, debemos tener en cuenta siempre el factor de
multiplicación. Esta clasificación que hemos visto está realizada en terminos de fotografía
analógica o para un sensor con tamaño de 35mm(full-frame), que es el tamaño que siempre
han tenido las películas de carrete. Pero claro, en fotografía digital no todos los sensores
tienen el mismo tamaño, y para conocer a cuanto equivale nuestra distancia focal en terminos
de 35mm debemos llevar a cabo una simple operación. Si por ejemplo en nuestra cámara
digital tenemos montado un objetivo 12-60mm y el factor de multiplicación para nuestro sensor
es de 2, lo que hacemos en multiplicar la distancia focal por ese factor, por lo tanto en realidad
estamos disparando con un 24-120mm en terminos de 35mm. Esto nos ayudará a conocer el
angulo de visión real de nuestro objetivo.
Espero que esto os ayude a escoger tal o cual objetivos según vuestras necesidades.
27
Tipos de Plano
Pensar en fotografía es más fácil manejando conceptos que nos ayudan a ordenar los
pensamientos. Llamarle a las cosas por su nombre puede facilitar la tarea de recordar cosas,
transmitirlas o tratar de plasmarlas en equipo. Lo audiovisual tiene, como otras disciplinas,
su propio código. Su jerga, que es aconsejable manejar para entender mejor el medio en el
que nos movemos.
Hoy vamos a hablar de los tipos de plano. Habrás oído mil veces hablar de planos
americanos, primeros planos… para designar la cantidad de persona que se incluye en una
foto o en una toma de vídeo. ¿Pero realmente conocemos qué es exactamente cada uno de
ellos? Hagamos un repaso:
PLANO GENERAL: Abarca todos los elementos de una escena. Si se trata de una persona
o un grupo de ellas, nos permitirá que los veamos enteros. Muestra todos algo al completo. En
nuestro caso, a la chica al completo.
PLANO MEDIO: Muestra el cuerpo a partir de la cintura. Es adecuado para una foto de dos
personas, por ejemplo.
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PLANO DETALLE Enfatiza elementos concretos, destaca elementos pequeños que con
otro tipo de plano pasarían desapercibidos. En nuestra chica, por ejemplo, el color de su
pintura de uñas.
PLANO AMERICANO: Muestra la figura humana desde debajo de la cadera. Su uso se

popularizó en la época dorada de los westerns, pues este tipo de plano era ideal en los
duelos, pues permitía ver las pistolas colgadas en la cintura que llevaban los protagonistas. De
este hecho viene su nombre.
PRIMER PLANO: Deja ver el rostro y los hombros. Implica cierto grado de intimidad y
confidencialidad, así que con su uso podremos transmitir emociones más intensas que con los
demás.
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PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO: Abarca un rostro desde el mentón hasta la parte de
arriba de la cabeza. Transmite incluso más intimidad y confidencialidad que el primer plano.
Más datos
Decimos que un plano es más abierto cuanto más ángulo de visión abarca. Por el
contrario, uno cerrado será aquel que muestra partes concretas de una escena o
detalles, es decir, poco ángulo. Del mismo modo decimos “abrir el plano” o “cerrar el
plano” para referirnos a aumentar y disminuir la distancia focal respectivamente. Por tanto,
cuanto más nos acercamos al gran angular, más abrimos el plano y cuanto más nos
acercamos al teleobjetivo más lo cerramos.
Selección del tipo de plano

La selección del tipo de plano que usaremos depende principalmente de la información
que queramos mostrar, lo cual será determinante en las emociones que transmitiremos con
nuestra foto. También es importante tener claro qué no queremos que aparezca.
Imaginemos que vamos a hacer un retrato en la calle. Si usamos un plano muy abierto quizás
nos entre en plano un horrible contenedor que no aporta nada a la foto, unos cables o a saber
qué. Si estos elementos no aportan ninguna información importante, mejor evitarlos, pues
distraén. La solución, si no queremos cambiar la localización, puede ser simplemente hacer un
plano un poco más cerrado.
En la próxima entrega hablaremos de los tipos de plano que podemos diferenciar en función
de la posición de la cámara.
30
Tipos de Plano
En la última entrega de nuestro curso de fotografía comentábamos que en función de lo que
haya dentro del cuadro podemos diferenciar varios tipos de plano, cada uno con sus
particularidades. Además de estos, podemos diferenciar tipos de planos también en
función de la posición de la cámara.
La elección de la posición de la cámara tiene una influencia directa sobre la percepción

subjetiva de una imagen. Cuando se trata de crear imágenes que causen un determinado
impacto en el vidente, estas pautas se cuidan al detalle. Si nos proponemos fotografiar a una
persona la referencia será la altura de los ojos. Y no, no es lo mismo disparar a la altura de los
ojos, por debajo de ese nivel o desde encima.
Repasemos los tipos de plano en función de los posibles ángulos de cámara. Iremos de la
posición de cámara más alta a la más baja.
Planos cenital y picado

La cámara está por encima de los ojos del sujeto, transmitiendo la sensación de que éste
está en una posición débil, de inferioridad con respecto a la persona que ve la foto. Llevado al
extremo máximo, colocaremos la cámara sobre el objeto o el sujeto a fotografiar, entonces se
llama plano cenital.
Plano normal
Suele ser el más habitual y sólo transmite la imagen tomada. No suscita en el vidente ninguna
31
sensación a mayores, como en el caso del picado y el contrapicado.
Contrapicado y nadir
Llamamos contrapicado al plano conseguido con la cámara situada por debajo de los ojos
del sujeto, pero apuntando a éstos. Justo lo contrario que el picado.
Generalmente con este tipo de plano se consiguen imágenes en las que el sujeto fotografiado
se muestra como alguien superior, más poderoso que el que está viendo la imagen. Por su
tendencia a elevar “por encima de los mortales” al sujeto, el contrapicado fue usado
habitualmente en la propaganda de corte fascista. Por cierto, cuando el contrapicado se
extrema tanto que la cámara apunta en línea recta hacia arriba, el plano recibe nombre
de nadir.
Como indican las líneas verdes en el esquema, tanto el picado como el contrapicado
pueden llevarse a cabo con más o menos angulación con respecto al sujeto. En función
de que nos acerquemos al plano normal o, por el otro lado, al cenital en el caso del picado y al
nadir en el contrapicado, los efectos conseguidos con ellos serán más o menos notables.
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Consideraciones sobre los planos en
fotografía
• Para hacer fotos de personas tanto el nadir como el cenital son complicados, pues casi
no nos permiten ver el rostro.
• Hay que ser cuidadoso con los contrapicados al fotografiar a personas, este ángulo
puede reflejar una papada exagerada. E incluso, si el sujeto mira a la cámara, puede
producirse una doblez en la papada que dará al traste con nuestra foto.
Como conclusión me gustaría sugeriros que analizáseis la angulación de los planos en

películas o pinturas y veréis que más allá de la fotografía existe un lenguaje común entre las
artes visuales. Descubrirlo y aprender a usarlo es el camino para hacer grandes fotos.
33
Curso de fotografía: 10.
Tarjetas de memoria y
soportes de
almacenamiento
Empecemos a hablar un poco sobre las particularidades de las cámaras digitales, que
seguramente es el motivo que os ha traído hasta este blog. La quizás más evidente de todas
es que si a diferencia de las cámaras tradicionales ya no disponemos de película, ¿dónde se
almacenan las fotografías que hacemos?
Básicamente tendremos dos opciones para almacenar la foto en el momento de hacerla: o en

lamemoria interna de la cámara o en una tarjeta de memoria.
Personalmente, siempre he considerado la memoria interna de algunas cámaras fotográficas

como un añadido sin demasiado sentido. En primer lugar porqué acostumbran a ser de una
capacidad bastante lamentable, con lo que el número de fotografías que podrás almacenar allí
es, en la mayor parte de los casos, insuficiente. Por otro lado, al ser un soporte que no puedes
extraer del dispositivo, es fácil que te encuentres con la obligación de tener que borrar algunas
fotos si quieres seguir haciendo más. Especialmente si tienes tendencia a olvidarte de
descargar las fotos nada más llegar a casa. Lo único positivo que aporta es la (pequeña)
seguridad de tener un espacio donde poder almacenar alguna foto en el caso de que nos
quedemos sin tarjetas disponibles. Para pequeños apuros.
Con lo dicho, se desprende una conclusión rápida: no elijas tu cámara en función de esta
característica.
Y llegamos a las tarjetas de memoria. Éstas son pequeñas unidades de almacenamiento,

normalmente tipo flash, con un basto elenco de capacidades que, si no nos hemos quedado
desactualizados, llegan hasta los 16Gb. Además son unidades rápidas y muy resistentes al
uso con poca delicadeza.
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Existen además un buen número de tipos de tarjetas de memoria, algunos de los cuales son
los siguientes:
• Compact Flash I y II (CF). Ámpliamente utilizadas y generalmente baratas. Las mejores
sonSandisk y Kingston.
• SD, miniSD, MicroSD y SDHC. Son las más extendidas en la actualidad y las más
fabricadas por distintas compañías. Gran variedad de precios y calidades.
• Memory Stick. Desarrolladas por Sony y por tanto, compatibles únicamente con estos
dispositivos.
• xD Media. La propietaria es Olympus. ¿Adivinas para qué cámaras son?
• Multi Media (MMC). Igual que las SD pero no compatibles al 100%.
Pensando en lo que nos interesa, que son las cámaras de fotografía, el tipo de tarjeta que
utilicen no debería ser una variable muy importante a la hora de elegir cámara. Aún así, hay
un par de detalles que si deberías tener en mente:
• Piensa que las Memory Stick y las xD Media funcionan para dispositivos Sony y Olympus
respectivamente.
• Las Compact Flash y SD son las más extendidas y hay marcas de gran calidad.
• La gran mayoría disponen de un ámplio rango de capacidades.
Finalmente y a modo de consejo muy personal, os recomendaría no adquirir la última tarjeta

de alta capacidad que funcione en vuestra cámara. Aquella con la que podáis hacer
tropecientas fotografías sin tener que cambiarla. La razón es sencilla. Imaginad que tenéis
almacenadas 100 o más fotos de vestras vacaciones en algún lugar remoto del planeta. Y por
aquellas cosas de la vida, la tarjetita falla. ¿Os imagináis el disgusto que os llevaríais si se
pierden todas éstas? Minimiza este riesgo utilizando dos o tres tarjetas. Y por favor, no las
utilices para almacenar fotos indefinidamente. Están más seguras en tu ordenador. Cuando
llegues a casa descárgalas siempre.
Si quieres profundizar en los detalles de las tarjetas, visita esta comparativa en la

wikipedia (en inglés).
35
Tarjetas de memoria y
dispositivos de
almacenamiento
Una vez hemos repasado algunas de las características de las tarjetas de memoria le toca el
turno a otros disositivos u otras opciones que nos sirvan de ayuda en el almacenamiento de
las fotografías.
En el repaso a este tema no incluimos opciones que se puedan llevar a cabo en casa, lo
orientaremos a soluciones de campo. O lo que es lo mismo, a parte del equipo que podemos
llevarnos a cuestas en nuestras misiones fotográficas.
La idea es buscar soluciones a la cantidad de espacio necesario para almacenar fotos que
produce nuestro disparo compulsivo con la cámara. Y para ellos tenemos dos grupos de
posibilidades. Por un lado las opciones específicas para ello y por otro lado los apaños que
podamos realizar. Veamos ambas.
En cuanto a las soluciones específicas, en el mercado existen varios productos que están
destinados a echarnos una mano con el almacenamiento de fotografías para que no debamos
tener una gran multitud de tarjetas para cubrir nuestras necesidades. Éstos son los discos
duros portátiles con lectores de tarjetas.
Existe una buena oferta de estos dispositivos que podemos agrupar en dos grandes grupos en
función de sus prestaciones: los que tengan reproductor de las imágenes que almacenamos y
los que no.
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Entre los primeros tenemos algunas opciones como
los Epson-P3000 o Epson-P5000(el de la fotografía). Son dispositivos destinados a almacenar
nuestras fotografías, a partir de backups de las tarjetas de memoria o conexión USB Host.
Cuentan como reclamo con sus pantallas a partir de las cuales se pueden explorar los
archivos (desde el backup en el disco duro o desde la tarjeta) en diversos formatos que
incluyen muchas veces el RAW. Además son capaces de reproducir música en varios
formatos y tienen una salida de vídeo para ver tus fotos en la televisión. Otros ejemplos de
estos dispositivos sería el M80 de Canon (¡ojo! sólo lee los RAW de Canon), elSVP-0638 o
el SVP-0326 de Starblitz.
La gran pega de estos dispositivos: su alto precio.
Por otro lado tenemos también aquellos discos duros

portátiles que simplemente sirven para hacer los backups de las tarjetas de memoria, ya que
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no disponen de una pantalla para navegar entre los archivos. El resto de ventajas son las
mismas que las anteriores opciones con el añadido de que el precio es bastante más bajo, con
lo que se convierte en la mejor opción si únicamente quieres vaciar la tarjeta para continuar
fotografiando. Algunos ejemplos serían los discos de Nexto (Ultra ND-2525, el de la fotografía
a tu derecha, OTGExpress ND-2300), el Sony HDPS-M10 (que no solo lee Memory Stick) o mi
viejete Rimax DFS Plus(que es lento a más no poder y que debe estar descatalogado).
Además de estos aparatos electrónicos destinados a estas funciones, no hay que olvidar que
hoy en día podemos aprovechar otros dispositivos para que cumplan la misma función. Es el
caso de reproductores de mp3 y mp4 como iPod, Creative Zen, Archos, etc. que mediante
adaptadores se pueden convertir en nuestras unidades de almacenamiento e incluso
reproductores. A falta de pan buenas son tortas y éstos son unos apaños que nos pueden
ahorrar unos cuantos euros.
Para rematar esta entrega, no quiero dejar de anotar aquellas variables que hay que tener en
cuenta antes de comprar un disco duro portátil con lector de tarjetas:
• Batería (tipo y duración)
• Capacidad del disco duro
• Peso del dispositivo
• Tamaño del dispositivo
• Lectura de RAW (si dispone de reproductor)
¡Felices descargas!
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Velocidad de obturación
Nos adentramos en el funcionamiento de algunas de las características de la cámara

fotográfica que nos permiten controlar el resultado de la foto que tomamos. Si lo que
queremos es decidir cómo debe ser la foto que hacemos y decirle a la cámara qué es lo que
debe hacer cuando disparamos (lo que implica pasar de programas automáticos) hay que
tener en cuenta algunos parámetros, uno de los cuales es la velocidad de obturación.
Antes de continuar, debemos señalar que jugar con la velocidad de obturación (como pasa
con otras características de las cámaras) implica un aprendizaje con su consecuente prática.
Vale la pena pasar por ello ya que al hacerlo se abren las puertas de nuestra creatividad al
poder conseguir múltiples efectos. En este capítulo hablaremos primero del concepto y sus
implicaciones en el resultado de la fotografía, seguiremos con algunas características técnicas
y finalizaremos con una propuesta práctica.
El concepto. Jugar con la velocidad de obturación.
En fin, sin ánimo de daros más la lata, hablemos de la velocidad de obturación. Ésta es,
simplemente,la velocidad a la que se abre y se cierra el obturador de una cámara. El
obturador no es más que el dispositivo que regula el tiempo durante el cuál le llega luz al
sensor (o película) de la cámara. ¿Recuerdas que la fotografía es pintar con la luz?
De buenas a primeras debemos quedarnos con el concepto de que a mayor velocidad de

obturación (más velocidad con la que el obturador se abre y se cierra), menos luz llegará al
sensor o película de la cámara. Por el contrario, a menor velocidad de obturación (menos
velocidad con la que el obturador se abre y se cierra), más luz llegará al sensor o película.
Lógico, ¿verdad?
De lo mencionado anteriormente se desprenden varias consecuencias. Una de ellas es que en

condiciones de escasa iluminación, una manera (de muchas posibles) de conseguir que llegue
la suficiente luz al sensor sería disminuir la velocidad de obturación. Por ejemplo, en interiores,
39
atardeceres, noche, etc. O en el caso opuesto, cuando hay mucha luz, subiremos la velocidad
de obturación para que no se nos queme la fotografía.
Además de utilizarla para que nuestra fotografía esté bien expuesta, podemos someterla a
nuestra creatividad. Ejemplos de ello serían los siguientes:
• Congelar la imagen. Conseguimos que todos los elementos de la fotografía estén
estáticos, inmóviles. Puede ser un efecto interesante en fotografía de deporte (p.ej.:
deportista en la ejecución de un movimiento), de naturaleza (p.ej.: el vuelo de un pájaro),
etc. Se consigue convelocidades altas. Otro ejemplo es la siguiente foto:
• Captar el movimiento: Algunos o todos los elementos de la foto no estan perfectamente

definidos, dejan una estela a su paso. Da sensación de movimiento e incluso de
velocidad. Se consigue convelocidades bajas. Un ejemplo sería esta fotografía tomada
desde un coche en marcha de la que hablamos en su momento. Aquí la podéis volver a
ver:
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• Efecto seda: Ya hablamos de éste con un ejemplo práctico. Se consigue fotografiando
agua en movimiento con una velocidad baja. Aquí otro ejemplo de alfonstr:
• Pintar (literalmente) con la luz: Como vimos en este post. A velocidades muy bajas,
podemos utilizar un elemento que desprenda luz para realizar dibujos en el aire. Ejemplo
del ya comentado por aquí Eric Staller:
41
• Lo que te permita tu imaginación…
Mañana cerramos este capítulo con algunos aspectos técnicos y las prácticas
correspondientes…
42
Velocidad de obturación
Si no has leído el anterior capítulo sobre la velocidad de obturación, os recomendamos
encarecidamente que lo hagáis antes de continuar. Una vez leído podemos continuar.
Aspectos técnicos
A vuestra izquierda podéis ver un cuadro (tomado de

lawikipedia) donde aparecen las velocidades que puede tener un obturador. En la columna de
la izquierda está el valor que nos marca la cámara y en la de la derecha su tiempo real. Es
importante que sepas que al salto de un tiempo a otro contiguo se le denomina paso.
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En el apartado anterior, cuando hemos hablado de la creatividad que permite este parámetro,
hemos hablado de velocidades altas y bajas. En general, y sin que sea una verdad universal,
consideraremos velocidades bajas o lentas a aquellas inferiores a 1/60 y velocidades altas o
rápidas a aquellas superiores a esta misma. Así de sencillo.
Y a lo mejor te estás preguntando como puedes controlar la velocidad con tu cámara. Pues
para empezar debe poder permitir el uso de controles manuales. Si es así, en las cámaras
solemos tener dos opciones para jugar con ella. Una es el modo manual (normalmente M) en
el que configuraremos la velocidad de obturación y el diafragma. El otro es el modo de
prioridad a la velocidad (normalmente S, y por favor, corregidme si me equivoco, ya que puede
variar en función de la cámara) en el que simplemente deberemos configurar este parámetro.
Existe un accesorio indispensable si acostumbramos a jugar con velocidades lentas. Éste es

eltrípode. Cuando utilizamos velocidades bajas, hacer fotos a pulso puede que no sea una
muy buena idea. Nuestro movimiento puede arruinar la foto. El trípode (o cualquier otro punto
de apoyo) puede salvarnos la vida. Pero ¿cuándo debemos descartar la idea de hacer la foto
a pulso? Pues muy sencillo, existe un truquillo para ello. La velocidad máxima a la que
dispararemos sin ayuda será1/distancia focal que utilicemos. Por ejemplo, si utilizamos un
50mm, no es recomendable arriesgarse por debajo de 1/60.
Acabaremos señalando que este parámetro es un íntimo de la apertura del diafragma y que
los valores de uno influyen en el otro. Pero esto es algo que ya verás cuando hayamos
hablado también del diafragma.
Prácticas
Os dejamos algunas sugerencias para poder jugar y aprender sobre el uso de la velocidad de
obturación:
• Experimenta con un grifo abierto (un pequeño chorro de agua bastará) con distintas
velocidades. Trata de congelar el agua que cae con velocidades altas y trata de
conseguir un fino y uniforme hilo con velocidades bajas. Usa la prioridad a la velocidad
para no tener que preocuparte de nada más (y no derroches demasiada agua).
• Prueba fotografiar coches en la noche con velocidades bajas. Aquellas que te permitan
que el coche aparezca en la foto junto a la estela que dejen sus luces y aquellas en las
que ni el coche aparezca (velocidades más bajas).
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• Juega a disparar fotografías con velocidades bajas mientras cambias la distancia focal.
Te sorprenderán los resultados.
• Prueba a fotografiar niños o mascotas jugando, personas realizando una actividad física,
etc. en exteriores y con velocidades muy altas. A ver que detalles eres capaz de captar.
• Intenta colocar un elemento estático y otro móvil en el encuadre. Busca que velocidad es
la mejor para lograr la sensación de movimiento. Será más fácil si lo haces en
condiciones de baja iluminación, no lo hagas a plena luz del día…
• Coméntanos por aquí que resultados has obtenido.
En Xataka Foto ya hemos hecho multitud de referencias a la velocidad de obturación en

algunas fotografías en concreto o en consejos para determinados tipos de fotos. Os
aconsejamos dedicar un rato a los posts de nuestra categoría de trucos y consejos para
encontrar múltiples ejemplos o ideas relacionados con la velocidad de obturación
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La apertura. Teoría
Cuando miramos un objetivo, normalmente nos encontramos con dos tipos de números. El
primero, como ya vimos en el artículo sobre objetivos, nos indica la distancia focal del mismo,
diferenciando los objetivos en angulares, teles, etc…
El segundo número es el que veremos hoy, el llamado numero f, que nos indica
la luminosidad del objetivo, o sea, la capacidad del mismo de meter luz a la cámara, a
traves del diafragma
El numero f puede venir expresado de dos formas:
1. Ofreciéndonos los valores máximos de apertura del diafragma para 2 focales, por
ejemplo: 1:3,6-5,6. Normalmente se da en objetivos con zoom. Siendo el primer numero la
mayor apertura correspondiente a la focal más angular y el segundo la máxima apertura para
la focal más larga (tele)
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2. Ofreciéndonos un valor único de apertura, por ejemplo 1:2, que se da en objetivos fijos,
aunque también podemos encontrar algún objetivo zoom de valor de apertura fijo. Los
objetivos fijos suelen ser más luminosos que los objetivos zoom y por tanto de mejor calidad.
Como veis el numero f siempre viene representado de esta forma 1:xx, siendo 1 la mayor
capacidad de meter luz que puede tener un objetivo y siendo el siguiente número la capacidad
máxima del objetivo que tenemos.
Cuanto menor es ese número, es decir, cuanto más se acerca al 1, más luminoso es un
objetivo. Aunque hay muchos factores de los que depende la calidad de un objetivo,
normalmente, este se considera mejor cuanto más luminoso sea. Es evidente que cuanto más
luminoso sea mayores posibilidades de juego para el fotógrafo a la hora de ajustar la
exposición en condiciones deficientes de luz.
Para regular la entrada de luz a la cámara podemos modificar o bien la velocidad de

obturación o bien la apertura del diafragma. Para modificar la apertura, lo haremos con la
cámara en modo manual o bien en modo prioridad a la apertura (A o Av). Según el numero
que coloquemos pasará más o menos luz a la cámara.
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Las distintas combinaciones entre velocidad de obturación y apertura nos darán las claves
para el correcto manejo de una cámara en manual, que veremos en el siguiente capítulo del
curso.
Por ultimo decir que la apertura tiene consecuencias directas en la nitidez de la imagen final y
sobre todo en la profundidad de campo de la misma. Pero esto lo veremos en el siguiente
articulo junto a los ejemplos prácticos.
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La apertura : Ejemplos
prácticos
La teoría está muy bien, pero ¿En que influye la apertura del diafragma a la hora de hacer una
foto?
Como vimos en el articulo anterior, la apertura tiene principalmente consecuencias directas en

2 características: la profundidad de campo y la nitidez de la fotografía.
Veamos ahora los efectos prácticos:
Respecto a la nitidez podemos decir que cuanto más cerrado

esté el diafragma (mayor numero f) mayor debería ser la nitidez y por el contrario, a más
abierto (menor numero f) menor es la nitidez, pero la nitidez también depende de
la difracción, que aumenta al cerrar el diafragma. Por tanto, mientras por un lado la nitidez
aumenta al cerrar el diafragma, por otro disminuye al incrementarse la difracción.
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Como consecuencia se considera que la mayor nitidez se produce con los diafragmas que
están uno o dos pasos más abiertos que el máximo del objetivo, aunque finalmente
dependerá de cada objetivo.
Es decir, si tenemos un objetivo 1:2, probablemente obtendremos la máxima nitidez con

valores de f entre 4 y 8 (1-2 pasos)
El tema de la profundidad de campo es probablemente más interesante ya que nos permite

ver más claramente los resultados.
Cuanto más abramos el diafragma (valores de f bajos) menos profundidad de campo

tendremos y viceversa, cuanto más lo cerremos (valores de f altos) más profundidad de
campo.
Vamos a ver un ejemplo práctico:
Imaginad que quereis hacerle una foto a dos Ipod nano, el modelo 2G y el modelo nuevo, el
3G. Lo que pretendemos es darle más importancia al nuevo que al viejo, por lo que el
nuevo lo ponemos en primer plano y el viejo en un segundo plano. El punto de enfoque lo
ponemos sobre el nuevo.
Primero vamos a cerrar al máximo el diafragma. En nuestro caso f22. Al estar cerrado el
diafragma, entra menos luz, y por tanto la velocidad de obturación a la que tendremos que
50
disparar será menor. En esta ocasión nos da 8 segundos, por lo que evidentemente usamos Eliminado: mayor
un trípode.
Esta es la imagen que obtenemos:
Bien parece que no ha quedado mal. Ya tenemos nuestra foto, en ella vemos los dos ipod y
parece que el tener el Ipod 3G en primer plano le da más importancia, pero aun así, podemos
mejorarla.
Ahora vamos a abrir el diafragma lo máximo que nos permita el objetivo en esa focal, en
nuestro caso 4.6 y seguimos poniendo el punto de enfoque en el Ipod 3G
51
Bueno, esto es otra cosa. Al haber abierto el diafragma hemos hecho lo que se llama
un enfoque selectivo y ahora el ipod 3G está claro que es el protagonista de la foto,
quedando el ipod 2G desenfocado. Este efecto será aún más marcado cuanto más luminoso
sea el objetivo.
Como conclusión diremos que:

• Valores de f altos aumenta la nitidez y aumentan la profundidad de campo
• Valores de f bajos disminuyen la nitidez y disminuyen la profundidad de campo
Pues si entendéis el concepto ya sabéis que la apertura os puede dar mucho juego para
vuestras fotos. En el siguiente capitulo, hablaremos sobre el manejo de una cámara en
manual, uno de los temas mas importantes si quieres aprender fotografía.
52
Venga, ¡¡a practicar el enfoque selectivo!!
53
Fotografía en Manual
Es probable que esta entrega resulte un poco complicada si esta es la primera toma de
contacto con el asunto. Pero vale la pena, os puedo garantizar que si entendéis esto
habréis dado un gran paso adelante para dominar la técnica fotográfica y que, a partir de
aquí, vuestra velocidad de aprendizaje se multiplicará.
Ahora que ya conocemos qué son tanto el obturador como el diafragma es el momento
de ponerlos totalmente a nuestro servicio para lograr las fotografías que queremos.
Disparar usando los modos manuales es la manera que nos dará libertad plena a la hora de
hacer fotos y conseguir lo que queramos.
Todas las cámaras réflex y la mayoría de

las compactas medias y avanzadas poseen modos de disparo manual. Suelen ser los
siguientes:
• P: Programmed Auto. La cámara funciona como en la posición AUTO, pero permite que
se varien los parámetros.
• A (en algunas cámaras aparece como Av): Aperture Priority, es decir, prioridad de la
abertura/diafragma. Para un diafragma dado (por el usuario), la cámara calcula la
velocidad a la que debe disparar (abrir y cerrar el obturador). Este modo es muy útil para
disparar cuando queremos controlar la profundidad de campo.
• S (en algunas cámaras aparece como Tv): Shutter Priority o prioridad de la velocidad.
La cámara calcula la apertura necesaria para poder lograr una exposición correcta
partiendo de una velocidad elegida por el usuario. Darle prioridad a la velocidad permite
interpretar el movimiento en nuestras exposiciones.
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• M: Manual. Todo es controlado por el usuario.
Cuando se trata de disparar en modo totalmente manual, M, el fotómetro o exposímetro que

todas las cámaras traen se vuelve una herramienta indispensable para calcular la exposición
correcta. Poco a poco, con la práctica, irás desarrollando la capacidad de averiguar los
parámetros adecuados para cada situación. Aunque siempre contarás con el apoyo del
exposímetro para comprobar si tu intuición te está llevando por el camino correcto.
FUNCIONAMIENTO DEL EXPOSÍMETRO
Este sencillo mecanismo nos indicará si con los parámetros

elegidos la exposición será correcta, si la foto resultará sobreexpuesta o si por el
contrario estará oscura y como resultado obtendremos una imagen subexpuesta.
Además nos informa de en qué medida esta sobre o subexpuesta.
Lo que trataremos de lograr en condiciones normales siempre va a ser una exposición

correcta. Por tanto, que el indicador se encuentre situado bajo el 0.
¿CÓMO INTERACTUAN EL DIAFRAGMA Y EL OBTURADOR?

Sabemos que una foto bien expuesta se logra si la cantidad de luz que llega al sensor de
nuestra cámara es la adecuada. Que esto sea así depende de cómo configuremos la
abertura del diafragma y el tiempo de exposición. Variar cualquiera de estos dos parámetros
incide directamente en la cantidad de luz que va a entrar en nuestra cámara y, por tanto, en el
resultado de nuestra foto.
Ya hemos hablado del obturador y del diafragma. Para estudiar la interactuación entre ambos
parámetros, partamos de las escalas clásicas de abertura de diafragma y velocidades de
obturación.
• Velocidades de obturación clásicas: 2” – 1” – 2 – 4 – 8 – 15 – 30 – 60 – 125 – 250 –
500 – 1000 – 2000
• Aberturas de diafragma clásicas: 1 – 1.4 -2 – 2.8 – 4 – 5.6 – 8 – 11 – 16 -22
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En las cámaras digitales actuales, puedes encontrar pasos intermedios tanto de diafragmas
como de velocidades de obturación. Esto no es malo, al contrario, es bueno, pues te permitirá
ajustar mejor la exposición a las condiciones lumínicas. Pero aprendamos cómo interactúan
usando sus valores clásicos.
Debemos asumir, como norma, que cada paso de diafragma clásico que subimos
implica que en nuestra cámara entrará la mitad de la luz que entraba en el paso anterior.
Por el contrario, cuando bajamos un paso, la cantidad de luz que entra se duplica.
Lo mismo ocurre con las velocidades de obturación, cuando subimos una, la cantidad
de luz que entrará en nuestra cámara será la mitad. Por el contrario, cuando bajamos un
paso, la cantidad de luz que va a entrar será el doble.
Sabiendo esto es lógico deducir que no existe la combinación perfecta de velocidad de

obturación y abertura de diafragma, pues hay muchas que son equivalentes. Elegir una de
ellas dependerá siempre del efecto que queramos lograr en nuestra foto.
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Como vemos en este ejemplo, al ir cerrando paulatinamente el diafragma se van prolongando
los tiempos de exposición, de esa forma contrarrestamos la luz que está dejando de entrar al
cerrar el diafragma. Pese al cambio de parámetros, la exposición es idéntica en las tres fotos,
pero si pulsas sobre la imagen para verla en grande observarás que cada vez hay más
profundidad de campo. ¿Recuerdas la relación que hay entre la profundidad de campo y la
abertura del diafragma?
NECESITO MÁS LUZ ¿ABRO EL DIAFRAGMA O HAGO UNA EXPOSICIÓN MÁS LARGA
Partiendo de unos parámetros determinados podemos hacer que llegue más luz a nuestro
57
sensor o bien abriendo el diafragma o haciendo exposiciones más largas. Recuerda que
ninguna combinación es perfecta, será buena siempre que el exposímetro nos diga que así es.
Todo depende de las condiciones de luz y, sobre todo, de qué queramos lograr. Mañana
veremos algunos casos prácticos.
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Fotografía en Manual
Ya hemos aprendido a exponer con corrección usando el exposímetro con nuestra cámara en
modo manual. En esta segunda entrega del capítulo de fotografía en manual aprenderemos a
conseguir los resultados que persigamos. Este paso es definitivo, una vez hayamos
asumido estos conceptos, día a día la cámara se convertirá en una prolongación de
nuestra mano.
Como punto de partida pensemos que si necesitamos más luz para lograr una buena
exposiciónpodemos lograrla o bien abriendo el diafragma o haciendo exposiciones más
largas, esto es, haciendo que las velocidades de obturación sean más lentas.
La elección entre usar el diafragma o el obturador para exponer bien una foto, depende,
ante todo, de qué queramos lograr y de cómo queramos interpretar el movimiento que
se produce delante de la cámara. Veamos algunos casos concretos.
USANDO EL DIAFRAGMA
Para lograr más luz usando el diafragma la única limitación que tenemos es la luminosidad de
la lente, esto es, cuánto se pueda abrir el diafragma. Algunas lentes no son muy luminosas, es
decir, su diafragma no se abre demasiado. Podemos decir que todo lo que abrá más allá de
f3.5 es bastante luminoso.
1. Maximizando la profundidad de campo

Si lo que necesitamos en nuestra foto es una gran profundidad de campo, habitual en fotos de
paisajes, cerraremos lo máximo posible el diafragma. Es probable que al cerrarlo al máximo
entre tan poca luz que se haga necesario usar una exposición larga y, por tanto, trípode.
59
2. Enfoque selectivo
El enfoque selectivo significa dar nitidez solamente a lo que interesa, lo que permite un mayor
control sobre el contenido y la interpretación final de la fotografía. Se trata de dejar nítida una
sola parte de la imagen, mientras el resto está totalmente desenfocado, una buena manera de
destacar el centro de interés.
Este efecto se logra con diafragmas muy abiertos, que reducen muchísimo la profundidad de
campo. En el caso de la foto del ejemplo, se trata de un f1.4 con el foco sobre el elemento
metálico de la mano de la chica, dejando fuera de foco el primer término de la imagen y el
fondo.
60
Por cierto, fijaos en esas formas como manchas suaves de color que toman los objetos
desenfocados por delante y por detrás de la zona que está enfocada. Esa “atmósfera” que
crean las lentes con diafragmas muy abiertos recibe el nombre de bokeh.
Abrir el diafragma al máximo no siempre es suficiente para lograr una exposición adcuada. En
esos casos tenemos que pasar a jugar con las velocidades de obturación para ganar luz.
USANDO EL OBTURADOR
El uso del obturador para regular la luz en las exposiciones nos permitirá tomar fotos en
situaciones difíciles de luz, así como obtener interpretaciones creativas del movimiento en
función de nuestras intenciones.
1.Velocidades altas de obturación
Disparar por encima de 125 hará que congelemos los movimientos.
2.Velocidades lentas de obturación

Cuanto más lenta sea la obturación nos permitirá captar luz durante más tiempo, consiguiendo
una buena exposición, además de registrar todo el movimiento que se efectúe delante de la
cámara e incluso el propio movimiento que haga la cámara.
3.Paneos
Otra opción, más fácil de explicar que de conseguir, son los paneos. Se trata de usar una
velocidad de obturación lenta y, al disparar, seguir a un sujeto en movimiento, manteniéndolo
61
durante toda la exposición en el mismo lugar del cuadro. El resultado es que el fondo aparece
borroso y el sujeto congelado. O algo parecido, pues no es fácil.
Recuerda que ninguna combinación de diafragma y velocidad de obturación es la

perfecta, será buena siempre que el exposímetro nos diga que así es, incluso aunque no nos
lo diga, dependiendo de qué queramos lograr, séra buena también.
A practicar!
62
ISO, la sensibilidad
Las cámaras de hoy en días nos permiten cambiar la sensibilidad por medio de sus
menús. ¿Pero a qué nos referimos cuando decimos “sensibilidad”? No, no podrás lograr que
la cámara se emocione con tus fotos. Pero sí le podrás ajustar su forma de actuar con la luz,
en cierta maneraregular las “ganas” con las que absorbe la luz existente.
En analógico, cada película tiene sus propias características químicas que le confieren
una determinada sensibilidad. Como es lógico, durante el uso de una misma película se
trabaja con la limitación de una única sensibilidad. No como en digital que, para cada foto,
podemos asignar una, la más adecuada a las circunstancias.
Pensemos en el sensor. Sin lugar a dudas es una de las piezas

más delicadas y complejas de nuestra cámara. El de una cámara réflex habitual mide
alrededor de 23.6 × 15.8 mm, los de las cámaras compactas son mucho más pequeños. En
tan poquita superficie contienen millones de microscópicas células sensibles a la luz, los
píxeles.
Imaginemos que cada uno de ellos funciona como un cubo que se puede llenar de luz.
Eso ocurre cada vez que pulsamos el disparador; cada uno de esos cubos se llena de luz,
pues cuando disparamos se abre el obturador y la luz circula a través de la lente directamente
hacia el sensor durante el tiempo que el obturador deja el paso abierto.
En el sensor, los cubos “se llenan” de luz. La imagen se procesa y se graba en la tarjeta de
memoria. Todo en décimas de segundo.
Si analizamos la cantidad de luz en los “cubos” del sensor, veremos que cada uno de
ellos contiene una cantidad determinada. Unos han quedado llenos, otros medio llenos y otros
63
vacíos. Esto significa que algunas partes de la imagen están sobreexpuestas, otras bien
expuestas y otras subexpuestas.
Intentemos ahora sacar otra foto, pero con poca luz y volvamos a analizar los cubos.
Veremos que ninguno de ellos se ha llenado en la pequeña fracción de tiempo que hemos
empleado en la exposición. Casi todos han quedado a medio llenar (o a medio vaciar, si eres
pesimista).
Utilizamos el ISO para decirle a la cámara que los cubos se deben esforzar para
absorber el doble, el triple o más luz durante las exposiciones. Independientemente de
cuánto dure la exposición. Es por ello que, sobre todo en fotografía analógica, uno se puede
referir a la sensibilidad de la película como “velocidad”. Por ejemplo, una película de
400ISO es más rápida que una 50ISO, porque en el mismo tiempo capta mucha más luz.
Como es lógico, en función del tipo de fotografía y las circunstancias de luz se escogerá una
“velocidad” u otra.
Por tanto, cambiar el ISO implica cambiar la sensibilidad de la cámara ante la luz. Con
el ISOalto la cámara será muy sensible a la luz y para una exposición correcta necesitará
menos tiempo, aun cuando las condiciones de luz sean difíciles. Con el ISO bajo
necesitaremos más tiempo para lograr una exposición correcta.
64
Generalmente, aunque varía según los modelos, las cámaras suelen moverse en un rango
que va deISO 100 a los 1600 en cualquier réflex normal. El único problema que entraña el
uso de ISO’s altos es que añaden ruido a nuestra foto…
CONCEPTO DE RUIDO
A medida que subes el ISO crecerá el ruido que recoja tu fotografía. Es fácil entender
elconcepto de ruido si pensamos en términos de sonido. Imagina que tienes un equipo de
música al que no le está entrando señal de algún tipo. Aunque no se reproduce absolutamente
nada en él, subimos el volumen del amplificador. Percibimos un ruido molesto, ¿verdad? Lo
mismo ocurre cuando amplificamos la entrada de luz en nuestra cámara subiendo el ISO.
RELACIÓN ENTRE ISO Y RUIDO

El ISO tiene relación directa con el ruido de una imagen. Si subes el ISO a niveles altos se
notarán granos gordos en tu imagen. Que a un determinado nivel de ISO se note más o
menos el ruido depende de la calidad del sensor. Normalmente, en las cámaras de alta gama
y profesionales, a niveles de ISO altos, pese a ser perceptibles, se notan menos que en las
cámaras para aficionados.
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En cualquier caso, cuando queramos lograr la mayor nitidez en nuestras fotografías es
recomendable usar la sensibilidad más baja disponible, aunque haya que emplear un trípode o
una bean bag para que la exposición sea la correcta. Esto es, el valor de ISO más bajo.
A TENER EN CUENTA...
En ocasiones puede que te encuentres con que los bordes de los objetos que aparecen en las
zonas de alto contraste de la imagen tienen color. No tiene porque ser un problema de las
lentes, aunque se lo solemos achacar a las aberraciones cromáticas que puedan producir. No
es así, para solucionarlo prueba a subir un paso de ISO, verás que desaparecen.
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El Autofocus
Este post es el primero de una pequeña serie sobre el Autofocus (AF, de ahora en
adelante), un útil automatismo de nuestras cámaras que aunque nos parezca increíble no
ha existido siempre. ¿Cuándo fue el primero? ¿Qué cambios introdujo? ¿Qué consideraciones
debemos tener en cuenta en su uso?
El primer AF data de mediados de los 80. Hasta entonces sólo

existían lentes con foco manual (MF). Aunque los primeros modelos(como el Maxxum 7000
de Minolta) eran mucho más sencillos y menos fiables que los de hoy en día, lo cierto es
que el AF introdujo cambios en la forma de fotografiar.
En un principio, los fotógrafos profesionales, educados en un mundo de MF, achacaban al

AF la pérdida de oportunidades fotográficas por su lentitud y su poca eficacia. Un
problema añadido era que aquellos primeros modelos con sistema de AF, sólo hacían foco en
el punto central del cuadro. Todo esto resultaba en que los profesionales, sólo usaban el AF
cuando disparaban fotos que no tenían demasiada importancia, manteniendo su técnica de
MF para trabajar.
En la actualidad, los AF han evolucionado mucho y son capaces de hacer foco en

múltiples puntos del cuadro. Dependiendo de la complejidad de la cámara empleada, la
gestión de los puntos de enfoque será más o menos manual. Habitualmente la cámara nos
permite elegir en qué punto hará foco. Algunos modelos muy sofisticados incluso detectan
la dirección de la mirada para hacer foco en el punto de enfoque más próximo al lugar al
que miramos.
Además, los primeros modelos de AF, generalmente, sólo hacían foco en el punto
central del cuadro, por lo que su uso implicaba casi siempre el reencuadre usando el
bloqueo del enfoque, esto es, el AF-LOCK.
67
EL BLOQUEO DEL ENFOQUE
El dominio del AF requiere una forma de trabajar determinada. Unas rutinas que, una vez
asumidas, pondrán la herramienta a nuestro servicio y reducirán las probabilidades de errar de
manera considerable.
Desde los primeros modelos de AF, que hacían foco solamente en el punto central del cuadro,
hasta los actuales, más complicados, se ha hecho necesario el uso del bloqueo del
enfoque. Se trata de una técnica consistente en conseguir enfocar el sujeto que queramos
tener nítido y fotografiarlo evitando que el AF nos juegue una mala pasada.
¿Cómo nos puede jugar una mala pasada el AF? Pues enfocando continuamente sin que
seamos capaces de fijarlo en el objeto que queremos. Ahí entra el AF-LOCK.
Esta técnica es imporante, pues hoy en día, pese a que los AF están muy perfeccionados, se
sigue utilizando. Y no sólo con el enfoque, sino también cuando medimos la luz, esta vez,
empleando el bloqueo de la exposición, AE-LOCK.
A la hora de disparar en modo AF, el objeto al que queramos disparar no siempre estará
en uno de los puntos de enfoque de nuestra cámara. Además, acabarás observando que
no todos ellos enfocan con la misma precisión. Generalmente, el más preciso es el punto
central.
Imaginemos que llevamos nuestro AF programado para que enfoque con el punto central,
porque creemos que con una lente determinada es el mejor, o el único como le ocurría a los
primeros modelos de AF, y queremos fotografiar un objeto dejándolo en un lado del cuadro.
¿Cómo hacemos? Bloquearemos el enfoque con la función AF-LOCK (AF-L).
Esta funcionalidad de la cámara provoca que cuando lo accionamos, simplemente, el

AF se bloquea. No sigue haciendo foco y queda fijado en eso en lo que nosotros hemos
enfocado. Por tanto, sin dejar de pulsarlo, podemos reencuadrar, dejando en la zona del
cuadro deseada el objeto enfocado desde el punto central, y disparar.
Recuerda:
1. Enfocamos con el punto de enfoque que por el motivo que sea más nos convenga.
2. Bloqueamos el enfoque con el AF-L.
3. Reencuadramos.
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4. Disparamos.
Más sencilla en la práctica de lo que parece, esta técnica te facilitará mucho el uso del
AF al fotografiar a objetos que no se muevan a gran velocidad.
Como parece lógico, no todos los modos de AF son iguales. Ése es tema para la próxima
entrega de nuestro curso.
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Modos de Autofocus
Como resulta normal, no en todas las situaciones podremos usar el mismo tipo de Autofocus.
No es lo mismo fotografiar a sujetos estáticos, a sujetos que en cualquier momento pueden
comenzar a moverse o a sujetos que se están moviendo.
Cada situación a fotografiar tendrá unas particularidades que nos llevarán a elegir el modo de
autofocus que mejor se adecúe.
Los diferentes fabricantes de cámaras tienen también diferentes modos de Autofocus.

Veamos, por encima, cómo funcionan los de las principales marcas.
SISTEMA NIKON
S (Single Servo AF): Enfoca automáticamente objetos estáticos.
C (Continuous Servo AF): Mantiene enfocado el sujeto que se mueve ante la cámara mientras
mantengamos pulsado a medias el disparador, pudiendo disparar en cualquier momento del
movimiento del sujeto. Idóneo para fotografiar, por ejemplo, fauna en movimiento.
Incluyen a mayores el modo M (Manual Focus) que, como estás imaginando, es el modo
totalmente manual.
Las cámaras Fujifilm réflex (de la serie S) guardan gran similitud con las Nikon y sus modos de
enfoque son los mismos.
SISTEMA CANON
One Shot: Se trata del modo de AF normal, el enfoque automático se activa mediante media
pulsación del disparador y se efectúa sobre el punto de enfoque que hayamos seleccionado.
Modo recomendado para retratos, bodegones, etc.
AI Servo: El enfoque es continuo mientras se mantenga presionado el disparador. Es ideal
para hacer seguimiento de elementos en movimiento teniéndolos siempre en foco. Este modo
es el recomendado, por ejemplo, para deportes.
AI Focus: Asiste en el enfoque de un elemento estático. Si éste empieza a moverse, lo sigue
enfocando mientras se mueve. Es un One Shot que cuando detecta movimiento pasa al modo
AI Servo.
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SISTEMA OLYMPUS
S-AF (AF simple): El enfoque se efectúa una vez presionado el disparador a medias.
C-AF (AF continuo): La cámara repite el enfoque mientras el disparador permanece pulsado a
medias.
Hasta aquí, como véis, las principales marcas son muy similares. Simplemente cambian la
nomenclatura de sus modos de enfoque, aún siendo básicamente los mismos. Pero aquí,
Olympus introduce una variación que puede resultar interesante.
Se trata de los modos MFAFS y MFAFC. Ambos, combinan el enfoque AF simple y el

continuo con el enfoque Manual. Esto es que, una vez la cámara ha enfocado con AF, ya sea
continuo o simple, pueden efectuarse ajustes con el anillo de enfoque como si de un modo
plenamente manual se tratara.
El dominio y el conocimiento de todos ellos, como siempre, con la práctica. ¡Así que a ello!
71
Consideraciones sobre el
Autofocus
En esta entrega sobre el Autofocus (AF), vamos a entrar a exponer algunas consideraciones
que habremos de tener en cuenta en su uso. Como decíamos en la primera parte, cualquier
automatismo de la cámara requerirá de nuestro conocimiento y, sobre todo, de nuestra
intervención para que lo pongamos a nuestro servicio.
El AF es una ayuda más, pero no una herramienta irrenunciable sin la cual no podemos
fotografiar. Igual que en algunas ocasiones es conveniente fotografiar usando la cámara
totalmente en modo manual, con el enfoque ocurre algo similar. No siempre será
conveniente usar el AF, sino que en algunas ocasiones obtendremos mejores resultados con
el foco manual (MF).
Piensa siempre que el AF no está dentro de tu cabeza, por lo que tenderá siempre a enfocar
el sujeto más cercano o el más contrastado, que no tienen porque ser los que tú quieres. Por
tanto deberás aprender a elegir las diferentes zonas de enfoque y a utilizar la técnica del
bloque del enfoque, vista en la primera entrega del curso acerca del AF.
En la medida de lo posible, trata de emplear el modo de autofocus que se adecúe mejor al tipo
de fotografía que estás haciendo.
Es importante que conozcas tus lentes. Es frecuente que las lentes sean más precisas
enfocando en el centro que en los lados. Averigua cuáles son las particularidades de tus
lentes y sé consciente de ello cuando las uses, lograrás unas imágenes mejor enfocadas.
Si tus lentes enfocan mejor en el centro evita hacer siempre composiciones poco atractivas
que giren siempre en torno al centro de la imagen. No me cansaré de repetirlo, acostúmbrate
a usar el bloqueo del enfoque (AF-LOCK).
Sé consciente de que no siempre vas a poder usar el AF. En condiciones de poca luz, las
mejores lentes serán capaces de enfocar, pero una buena técnica ayudará a que lo hagan
bien. Aprovecha las fuentes de luz que pueda haber a la misma distancia de la cámara que el
72
sujeto al que vayas a fotografiar, será más sencillo enfocar sobre fuentes de luz que sobre un
sujeto sin iluminar.
Algunas cámaras asisten el foco con una pequeña luz. Esto será adecuado para sujetos que
estén muy cerca de la cámara, pero a más de 50 centímetros… Normalmente, los flashes
externos suelen ser más eficaces en estas circunstancias. Si no quieres usar flash en la
foto, una vez hayas enfocado, simplemente apágalo.
Al AF le cuesta enfocar sobre superficies blancas o sobre objetos brillantes y

reflectantes. Tenlo en cuenta y ataja el problema. Enfoca en los alrededores de estas
superficies si es lo que quieres fotografiar, procurando siempre que la distancia que hay entre
el punto donde haces foco y la cámara sea similar a la distancia entre el sujeto a fotografiar y
la cámara.
Otra situación complicada es cuando tratamos de hacer foco a través de un cristal, pues
es probable que el sistema de AF entienda que lo pretendemos enfocar es la superficie de
cristal. Para evitarlo, procuraremos acercarnos lo más posible a dicha superficie, en muchas
ocasiones será suficiente.
Una vez más, ¡a practicar!
73
El Encuadre
Una vez disponemos de cierto conocimiento y destreza en el funcionamiento técnico de
nuestra cámara, viene un nuevo paso, subir otro escalón en el que nos centraremos en
el motivo, paraseleccionar y organizar el espacio. Lo que se viene a denominar encuadrar.
Así que nos adentramos en este nuevo tema del curso que vamos a desarrollar a
continuación.
El encuadre no es otra cosa que definir qué elementos aparecerán en la imagen y cuáles
vamos a descartar. El encuadre sirve para concentrar la atención del espectador en la
imagen, por lo que la correcta selección del motivo es un primer y fundamental paso en el
proceso fotográfico. Tenemos que pensar en el motivo a mostrar en base a las proporciones
del marco de nuestro visor o nuestra pantalla LCD.
El encuadre de la imagen puede ser de las siguientes formas:
1. Horizontal. También denominado apaisado por ser el formato más habitual para capturar
paisajes. Es el formato más común y se suele decir que produce sentimiento
de serenidad yespacio, estabilidad y dirección. Aunque en al fotografía digital varía
ligeramente la proporcióncon respecto a la clásica película de 35 mm, sigue siendo la forma
más tentadora para componer, además de que fácil dejarse llevar por él, ya que es el formato
que nos dispone la cámara en su posición horizontal. Por ello, es recomendable no abusar
del mismo y probar otros encuadres hasta dar con el más idóneo al motivo.
74
2. Vertical. Más conocido como formato retrato, por tratarse del más adecuado para los
retratos de medio cuerpo. Produce sentimiento de fuerza y enfatiza las líneas y planos
verticales. También este formato confiere más poder visual a las diagonales. Es ideal para el
retrato de cuerpo entero y primer plano, además de ser el más utilizado comercialmente para
publicidad, revistas, portadas de libros, etc.
3. Cuadrado. Es un formato más estático y mucho más limitado. No es propio de la fotografía

digital, sino que viene de las películas instantáneas Polaroid y de las películas de 6×6 para
cámaras analógicas de formato medio. En digital podemos lograrlo en la edición posterior,
recortando de los otros formatos, aunque el resultado final pueda ser satisfactorio tiene
la desventaja de que no ha sido compuesto con el mismo rigor y parámetros. Los márgenes
cuadrados son simétricos y transmiten solidez y estabilidad. En algunos campos es muy
gratificante su utilización (vegetación, plantas, flores…), aunque es un formato en desuso,
también debido a la dificultad que conlleva la composición.
4. Panorámico. Es un formato impactante en paisajes tanto naturales como urbanos y, a

pesar de su historia y tradición, sigue resultando original. Requiere una cuidadosa
selección del lugar o motivo y plantea dificultades de composición para no dejar zonas
superfluas. Se trata de un formato muy de moda en la era digital, porque con los avances
tecnológicos es muy sencillo crear una panorámica. Casi todas las cámaras incorporan esta
función y con los programas de edición, el montaje de distintas tomas es muy sencillo.
Algunos aspectos que hay que tener en cuenta a la hora del encuadre son:
• La ubicación. La tendencia natural cuando comenzamos en la fotografía es ubicar el
motivo en el centro del encuadre, que se suele denominar síndrome de “ojo de buey”.
Esta composición deja dos zonas superfluas a cada lado del motivo y, aunque es
atrayente, hay queintentar descentrar el motivo para liberar la composición. Es
necesario separar el motivo y el fondo para lograr realzar los detalles.
• Tamaño del encuadre. Del mismo modo, hay una tendencia natural a no acercarse al
motivo, a no recortarlo. Es habitual encontrar fotografías en los que todo queda tan
general que no sabemos dónde mirar y es debido a que no hemos realizado
una correcta composición, por lo que hay que intentar aproximarnos al motivo y llenar
el encuadre para que el espectador capte rápidamente lo que queremos mostrar. En los
retratos se enfatiza mucho si llenamos el encuadre y es un recurso que nos puede
ayudar mucho a mejorarlos. Sólo hay que fijarse en las fotografías en prensa, donde es
75
habitual encontrar primeros planos donde el rostro suele tener la frente cortada o no es
mostrado completamente.
Conclusiones: todas estas indicaciones nos pueden ayudar a mejorar, pero como siempre
hay que tener en cuenta que las reglas no son inflexibles y que lograr una fotografía bien
encuadrada que funcione depende mucho de nuestra creatividad. De todas formas,
experimentado y, sobre todo, disparando mucho en diferentes encuadres aprenderemos
nosotros mismos a mejorar los encuadres.
76
Curso de Fotografía: 23.-
La medición
La medición es la acción de calcular la cantidad de luz que hay en una escena para poder
elegir unos valores de exposición adecuados, que, como ya sabemos, vienen dados por la
combinación develocidad de obturación, apertura del diafragma y sensibilidad.
En una de las entregas anteriores del curso de fotografía, hablábamos sobre la fotografía en
modo manual. En ella comentábamos que cada cámara tiene un exposímetro.
El exposímetro, como recordaréis, es el responsable de la medición de la cantidad de luz que

hay en una escena. Pero éste no siempre mide de la misma manera.
Entendiendo que el área azul del gráfico es la zona de la imagen que el exposímetro
contempla para la medición, podemos diferenciar varios modos de medición:
Medición Matricial o Evaluativa: Sistema que calcula la mejor exposición para una fotografía
a partir de una división en 256 partes de la imagen. Al tener en cuenta todas las partes de la
imagen para evaluar cuáles son los mejores valores de exposición para esa imagen, suele ser
la que mejor se adapta a la mayoría de las situaciones de luz.
Medición Puntual o Parcial: El sistema de exposición de la cámara se concentra en un punto

central de la imagen enfocada para componer que supone alrededor del 3% de la imagen, en
función de éste punto, los valores de exposición del resto de la imagen.
Medición Central o Promediada Ponderada al Centro: Sistema de medición de la

exposición de la imagen, que utiliza el centro de ésta para ajustar los valores de exposición del
contexto. Útil para los retratos.
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Usar tiempos de exposición apropiados en las fotografías es esencial, sobre todo cuando
disparamos con diapositivas, que tienen un rango de exposición menos amplio. Por tanto,
cuanto mejor entendamos la medición, mejores resultados conseguiremos.
Ya manejemos una réflex o una compacta, aprender cómo funcionan la propia cámara y el
exposímetro nos ayudará a conseguir siempre lo que queremos, pues sabremos hasta
dónde los razonamientos a los que llegan las máquinas son fiables. Con la práctica
entenderemos que ciertas situaciones de luz son engañosas y, cómo no, engañan a la
cámara. Ahí es donde entra nuestra pericia como fotógrafos.
En la próxima entrega veremos una serie de casos específicos en los que nosotros, como
fotógrafos, tendremos que tomar el control para lograr una buena exposición, en lugar de
dejárselo a la cámara.
78
La medición - Casos
Especiales
Comentábamos en nuestra anterior entrega del curso de fotografía que aprender bien cómo
funcionan la cámara y el exposímetro nos ayudará a conseguir siempre lo que
queremos.
Es importante que sepamos hasta dónde los razonamientos a los que llegan las máquinas
son fiables y, sobre todo, en qué momento debemos dejar los automatismos a un lado,
tomar la iniciativa y guiar nosotros el proceso para lograr exactamente lo que buscamos.
Pensemos que los fotómetros de las cámaras miden la luz reflejada, asumiendo que, más
o menos todo en el mundo refleja un 18 por ciento de la luz que recibe. Esto, en cierto
modo, aunque no es cierto, es bastante adecuado en términos de medición.
Repasemos ahora algunos casos prototípicos en los que la medición de la cámara no

será correcta. Para lograr una buena exposición tendremos que aplicar la lógica y exponer en
consecuencia a lo que vamos a aprender.
LA NIEVE
La nieve refleja un 36 por ciento de la luz que recibe. Esto es el doble de lo que el
fotómetro espera que cualquier objeto refleje, un 18 por ciento. El fotómetro asume esto
como que tiene delante algo excesivamente brillante, por lo que sugiere un tiempo de
exposición corto para no quemarlo.
79
Si le hacemos caso al fotómetro la imagen resultará subexpuesta, por lo que tendremos que
añadir a la lectura del fotómetro un diafragma adicional y lograr una toma bien
expuesta.
Esta forma de proceder no sólo se aplica a la nieve, sino también a todos los objetos blancos
como paredes, vestidos, etc.
OBJETOS NEGROS
Ocurre justo lo contrario con los objetos negros. Un gato negrodará una medición
errónea. Refleja un 9 por ciento de la luz que recibe, mientras que el fotómetro de la
cámara asume que se trata de un objeto muy oscuro reflejando 18 por ciento de la luz
recibida.
Partiendo del planteamiento anterior, la cámara sugerirá un tiempo de exposición

demasiado lento, para que ese objeto “tan” oscuro se vea bien, resultando una imagen
sobreexpuesta.
Para corregir la medición errónea de la cámara deberemos restar a la sugerencia del

fotómetro un diafragma. Cerrándolo más lograremos evitar esa sobreexposición.
La Luna
Cuando intentamos fotografiar la luna, sin duda, se produce uno de esos casos en los que no
debemos hacerle caso a la medición de la cámara. En el mes de enero hablábamos acerca
de cómo hacer fotos de la luna.
CONCLUSIONES
La medición es una guía, la mayor parte de las veces muy fiable, de lo que tenemos frente a
nosotros, pero no se trata de algo infalible o que tenga que ser seguido sin rechistar.
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Aprended a evaluar lo que tenéis frente a vosotros y a detectar los casos en los que la cámara
se va a equivocar.
No descartéis utilizar la cámara, simplemente, como fotómetro e investigar con ella

cuánta luz hay en las diferentes zonas del cuadro para luego elegir por vosotros mismos
unos valores para la exposición.
Podéis elegir los parámetros con los que váis a realizar la exposición promediando las
distintas lecturas que el fotómetro os ha dado en las diferentes zonas de la foto. Otra
opción es elegir unos parámetros buenos para la luz de una zona del cuadro siendo
conscientes de que sólo son adecuados para esa zona que es la única que os importa que
salga bien. Dependeriendo de las situaciones actuaremos de una manera.
Tened siempre en cuenta que se supone que, como media, entre las zonas más
luminosas y las más oscuras de una buena foto sólo debe haber una diferencia de dos
pasos de diafragma.
Si estamos inseguros de en qué parte del cuadro debemos medir, es el momento de

aprovechar la ventaja de la fotografía digital y tomar diferentes fotos con distintos
parámetros de diafragma, por encima y por debajo de lo que lo que creamos que sería
correcto, por ejemplo, para poder ver cómo afecta.
Cuando sea posible, es recomendable tratar de medir sobre zonas de la foto que sean de
un gris neutro. Si no hay grises neutros a la vista, trataremos de medir incluyendo en el
cuadro el mayor número de colores posible. Conseguiremos unas lecturas más precisas.
Si estamos haciendo fotos del cielo, nunca midamos en el suelo, casi siempre es varios
diafragmas más oscuro que el cielo y quemaremos este último. Por el contrario, si vamos a
fotografiar el suelo, evitemos medir en el cielo o lo dejaremos muy oscuro.
¿Cómo se enfrenta uno a las situaciones en las que la diferencia entre zonas luminosas y de
sombras es mayor? Filtros ND, horquillado de la exposición, etc. Poco a poco iremos
aprendiendo todas estas cosas en XatakaFoto.
Una última cosa, partiendo de lo que hemos aprendido os propongo un experimento que os
ayudará a lograr dominar no sólo la medición, sino también la exposición. Poned
81
la cámara en manual y, simplemente, con el exposímetro y el fotómetro de la cámara
tratad de exponer con corrección.
82
Curso de fotografía 25. La
composición
Abordamos un nuevo tema del curso que guarda gran relación con el tema, ya tratado,
del encuadre. Tenemos que seguir practicando para lograr entrenar nuestro ojo y asimilar de
forma intuitiva las normas o reglas de la composición.
La composición implica toda la creación de una imagen, desde la valoración y estudio del
motivo, la selección y análisis, hasta el disparo. Al contrario de lo que ocurre con la técnica
fotográfica, donde se requiere una aplicación metódica, la composición exige criterio y
aplicación de nuestro gustoparticular, de nuestra percepción personal. Por ello es
indispensable aprender a mirar. Y es que para componer hay que saber organizar las formas
dentro del espacio visual de forma armoniosa y equilibrada, lo que requiere que aprendamos a
ver como fotógrafos.
No existen unas reglas fijas que se puedan aplicar para realizar una composición vigorosa,
por lo que hay que desarrollar nuestra visión fotográfica, basada en la experiencia y en el
conocimiento de ciertas normas. Por lo que es necesario y útil conocer los principios
básicos de la composición para mejorar nuestras fotografías.
83
La regla de los tercios.
Esta archiconocida y clásica regla nos dice que el centro de atención debe colocarse en la
intersección de las líneas imaginarias que dividen una fotografía en tres partes de arriba abajo
y de izquierda a derecha. Supone una excelente ayuda para establecer la estructura de la
composiciónen una imagen. Cualquier cámara incorpora la posibilidad de mostrarnos esta
cuadrícula en la pantalla y que nos resulta útil para componer.
Hay que tenerla muy en cuenta en fotografías de paisajes, por ejemplo, y evitar situar el
horizonte en el centro del encuadre. Por lo que si tenemos un cielo muy interesante
podemos colocar el horizonte en el tercio inferior y darle protagonismo. También es aplicable
en el caso opuesto. Del mismo modo, podemos ayudarnos de las líneas verticales para situar
a una persona en un paisaje, o bien, en un retrato vertical, situar los ojos en el tercio superior.
Es recomendable, en estos casos, tener en cuenta la también conocida ley de la mirada, con
la que situaremos más espacio libre hacia el lugar donde miran los ojos.
Otros aspectos a tener en cuenta en la composición:

• El punto de vista. Romper con el habitual punto de vista puede ayudar a lograr
imágenes originales o mejorar la composición, con un efecto interesante. Pero, lo cierto
que hay que tenerlo muy en cuenta porque la correcta elección del mismo forma parte de
una buena composición y contribuye a aumentar el interés visual de la imagen.
• La simetría. Se produce cuando centramos el motivo y se divide la imagen en dos

partes, creando una sensación agradable. Hay que intentar no abusar del mismo, para
no ser monótonos y poco originales. Es fácil encontrar esta simetría en la fotografía de
edificios o en los reflejos del agua en un paisaje.
• La asimetría. Poseen más fuerza e impacto expresivo, a la vez que resulta más ágil y
dinámica. Esta asimetría se puede producir desde el mero encuadre hasta el enfoque, el
color, el volumen o la perspectiva de la imagen. Hay que tener en cuenta que resulta
necesario compensar el desequilibrio de alguna forma, a lo que nos puede ayudar
también el color, con el enfoque selectivo o con elementos formales como la textura, el
tono o la forma. Es más difícil de desarrollar, pero nuestro ojo fotográfico debe
acostumbrarse a componer asimétricamente de forma intuitiva.
Como conclusión hay que incidir que el proceso de composición resulta algo pesado al
principio, ponerlo en marcha requiere mucho esfuerzo por nuestra parte y también más tiempo
en cada toma. Y se podría decir que esto puede frenar la espontaneidad de la fotografía,
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pero tomar una buena imagen requiere, en muchas ocasiones, de algo más que disparar en
el momento adecuado. Una buena forma de asimilar la forma adecuada de componer
es viendo muchas fotografías, ver a los grandes artistas nos ayuda a entrenar el ojo, al igual
que experimentar y tomar muchas imágenes. Hoy en día, esto resulta muy fácil gracias a las
cámaras digitales, y también a internet, una fuente inagotable de grandes fotografías.
A practicar se ha dicho.
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Curso de fotografía 26. La
composición.
Aplicaciones
Vamos a ampliar y completar el tema de la composición, que ya tratamos en la última
entrega. Si recordamos, la popular regla de los tercios nos resulta de gran ayuda para
componer nuestras fotografías en la mayor parte de las ocasiones. Con la práctica podemos ir
acostumbrándonos a tener el gráfico de la cuadrícula en mente y ubicar los elementos que
queremos destacar en esas intersecciones, que son los puntos fuertes.
Este es famoso gráfico que representa la ley de los tercios, destacando los puntos fuertes:
Otra opción complementaria para organizar el centro de

interés es la simetría dinámica, que se basa en las proporciones de la sección áurea, pero
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utiliza lasdiagonales en vez de las cuadrículas. Diagonales que cruzan, imaginariamente, el
encuadre de extremo a extremo.
Como podéis ver todo esto son sencillas reglas geométricas que, cuando uno está
aprendiendo las tiene que tener en cuenta, pero a menudo que se va adquiriendo experiencia,
uno llega a olvidarse, puesto que es un concepto que acaba asimilándose. Veamos ahora
algunos sencillos consejospara aplicar la composición y lograr imágenes que funcionan.
• Simplificar. Es sin duda lo más importante. Hay que desechar aquellos elementos que
distraen la atención del encuadre, eliminar lo que no contribuye a transmitir el mensaje
de la imagen. Para lograr esta simplificación, lo mejor es encuadrar en el momento del
disparo, aunque podemos apoyarnos para mejorarlo en el proceso digital posterior en el
ordenador.
• Utilizar líneas. Podemos utilizar las líneas naturales que nos encontramos en cada
escena: una carretera, una sombra proyectada, un edificio,… Ya sean horizontales,
verticales, diagonales, curvas o rectas, con ellas se consigue
transmitir fuerza, dinamismo y ayudan al ojo del espectador a recorrer la imagen, a
modo de guía visual. Lo lógico es que se logre converger las imágenes en los puntos
fuertes, que no se crucen y generen profundidad (como los puntos de fuga en pintura).
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• Usar formas básicas. A la hora de fotografiar nos encontramos formas y, a menudo, si
nos fijamos bien, podemos apreciar que existen geometría en ellas, Por ello combinarlas
y jugar con ellas ayuda a mejorar la composición. Por supuesto, hay que tener en cuenta
la textura, lailuminación y el color que son elementos que complementan las formas,
las generan y las destacan.
• Primer plano, plano intermedio y fondo. Hay que cuidar especialmente la profundidad
de campo. Para ello, además de utilizar la perspectiva, la iluminación y el encuadre,
tenemos que prestar especial atención al enfoque. Un enfoque selectivo destacará el
elemento en la composición, quedando desenfocado el resto, lograremos captar la
atención sobre el motivo que queremos destacar.
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Como podéis apreciar el tema de la composición se presta a profundizar en él y tratar todos
sus aspectos con más detalles, incluso trasladar todas estas formas de aplicarlos a los
distintos géneros (paisaje, bodegón, retrato,…). Pero, como siempre insistimos, es necesario
hacer muchas fotografías para practicar y ver a los grandes fotógrafos para aprender y
entrenar nuestro ojo. Os recomiendo visitar las galerías del portugués Tiago Estima, todo un
maestro en la composición fotográfica.
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Curso de fotografía 27. El
Color. Introducción al
color
El color, es esa longitud de onda que rechazan absorber los cuerpos y nuestro cerebro las
interpreta más o menos de la misma manera en todo cerebro humano (absténganse
daltónicos), dando lugar a lo que conocemos como los colores
La retina de nuestra cámara como sabéis, es el sensor que está compuesta por millones de
cuadraditos homogéneos caracterizados por su brillo y color, los píxeles.
Los Píxeles
Los píxeles están precedidos por una malla conocida como Mosaico de Bayer formada
por 50% de filtros verdes, un 25% de rojos y un 25% de azules. Interpolando dos muestras
verdes, una roja, y una azul se obtiene un píxel de color. ¿Por qué hay tanto verde? Porque el
ojo humano es más sensible a dicho color. Esta es la archiconocida y deseada información
cruda, “el RAW” que más tarde procesaremos nosotros en nuestro ordenador en lugar de
hacerlo la propia
cámara.
90
La información del color de ese píxel (determinada por Red Green Blue) se almacena en unos
24 bits donde a cada componente le corresponden 8 bits. En las imágenes de 32 bits hay un
componente adicional (alfa) que afecta a la transparencia del color de ese píxel. Y así es
como las cámaras sacan más de 16.7 millones de colores diferentes, que dicen que son
los que puede distinguir un humano. El conjunto de esos millones de cuadraditos homogéneos
darán lugar a la fotografía.
Trabajando con los píxeles
Algunas cámaras digitales y los programas de retoque digital nos ofrecen distintos tipos de
espacio, de perfiles de color para trabajar en RGB ( Adobe RGB, Apple RGB, ColorMatch ,
sRGB, ProPhotoRGB )
Por experiencia e intercambio de impresiones con otros usuarios yo aconsejaría trabajar en

AdobeRGB ( con un rango mayor de colores ) para impresión de fotografías en papel
y sRGB para otros usos de las fotografías, sobre todo en soportes digitales, ya que este último
suele ser el mejor interpretado por navegadores, software etc.
Aunque cada vez da más la impresión de que el sRGB acabará con el Adobe RGB.
El color como forma de expresión
El color se abrió paso en la fotografía a comienzos del siglo XX (1903) de la mano de los
hermanos Lumiere (el autocromo ) , evolucionó en los años 30 con el kodacromo y el
kodacolor, hasta que Polaroid y Kodak lo popularizaran de los 70 – 80 en adelante por todo el
mundo.
Sin embargo, en todo este siglo pasado nunca pareció calar hondo el color como forma de
expresión en la fotografía artística y la gran mayoría de los fotógrafos siguieron utilizando
el blanco y negro.
Con la aparición de Photoshop en los 90, y ahora más tarde, con la digitalización de la
fotografía, el color parece que está tomando más fuerza que nunca en ese aspecto.
91
Yo creo que antes era bastante complicado tomar el control sobre cada color de la
fotografía; y ante un rojo rebelde que pudiera distraer al espectador del elemento principal de
la imagen pues parecía conveniente neutralizar todo el color para que así no se distrajera uno
y se pudiese concentrar totalmente en el mensaje.
Quizá esta, pudiera ser una razón de fondo que justificase esa reivindicación del mensaje
sobre la forma por parte de los puristas que desprecian las posibilidades digitales a la hora de
manejar el color y toman como más fácil prescindir directamente de él.
En resumidas cuentas, parece evidente que el color puede ayudar muchísimo en una
fotografía si se sabe manejar. Y ahora, con la fotografía digital tiene más perspectivas y es
más sencillo que en tiempos pasados.
Y este fin de semana más sobre el color
92
Curso de fotografía 28. El
Color. Cómo hacer uso
del color
Colores primarios y secundarios, círculo cromático, colores de mezcla, gradaciones o matices,
colores complementarios, luminosidad, colores acromáticos, colores calientes y fríos, escalas
lumínicas, escalas unidimensionales, bidimensionales y estructuras tridimensionales, cubo de
Hickethier, el doble cono de Ostwald… : son algunos de los términos existentes referidos al
color. Podría escribir varios libros, como los hay, sobre este único tema, pero como no
tenemos tiempo ( ni tú querido lector de Xataka Foto, ni yo) pues intentaremos hacer
una síntesis práctica que ayude más que dificulte la ya dura labor del aprendizaje.
La Armonía
La armonía en sí, es ya un arte; el de saber combinar, en este caso, los colores en una
imagen de tal forma que creen una sensación agradable en la visualización de la fotografía.
En la música, existe incluso una función matemática que expresa esa armonía (y = ( i – 0) ( i –
n ) = i^2 -i n ) Pero ¿ y los colores? ¿ Cómo hemos de disponerlos ? Pues también existe
una teoría acerca de ello, la teoría del Color.
Cualidades propias de cada Color

Matiz o tono: corresponde al nombre del color: rojo, verde, amarillo, azul…
Saturación: La pureza de un color sin mezcla de otro.
Luminosidad: La mayor o menor brillantez que posee un color respecto a los demás.
En toda composición bien organizada, el matiz, así como su saturación y luminosidad están
establecidas de tal modo que forman entre si un conjunto equilibrado. Además cualquiera
de estos parámetros son fácilmente modificables desde software de edición digital y es
específicosobre archivos RAW.
Los colores complementarios
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A cada color le corresponde su complementario, el opuesto en el círculo cromático. Son
<strong>colores que se intensifican mutuamente</strong>. Y es que al parecer la visualización
persistente de un color primario fatiga las zonas sensibles de dicho color en el cerebro y el ojo
fabrica el complementario como defensa al cansancio producido. Al cambiar la vista hacia otra
zona hace que aparezca la post-imagen en su color complementario durante algunos segundo
.
Prueba a cerrar los ojos fuertemente tras mirar durante unos segundos tu pantalla y verás la
de colorines que aparecen en tu retina.
Por ello trata de que los elementos que forman parte de la fotografía cumplan dicha condición
siempre que puedas.
Por ejemplo en fondo natural verde, una mariquita que es roja siempre funciona mucho mejor
que un insecto negro o amarillo.
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Gamas de color frías y cálidas
Si partimos nuestro círculo cromático en dos, observaremos como queda a la derecha una
serie de colores a los que llamaremos cálido y otros a la izquierda, los fríos.
La gama de colores calientes a los comprendidos entre los amarillos y los rojos y los fríos a las
gamas de verdes y azules. Con independencia de su explicación científica, lo que nos interesa
comprobar en fotografía, es que los colores calientes dan la impresión de avanzar y los
fríos de retroceder, los primeros salen al exterior, los segundo se repliegan. Los grandes
artistas han sabido utilizar estos efectos transformando la extensión estática en espacio
dinámico sin recurrir a la profundidad o al modelado.
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Psicología del Color
En el lenguaje visual de la fotografía, el color también puede jugar una importante labor
psicológica y esta está marcada fuertemente por la cultura. Así sabemos todos que hay
colores cercanos al amor y la violencia ( rojo ) o de pureza ( blanco ), que existen grises triste
y naranjas acogedores…
Se puede llegar a convertir en un juego muy entretenido el de asociar o no estos colores al

contenido de la fotografía que has hecho.
———————————————-
Y por último os dejo con una bonita reflexión acerca del color que dijo un tal Berger, que
era pintor:
“Los colores existen en virtud de una lógica que les es propia y constituyen el espacio que
necesitan para expresarse. No se les podría exigir pues que reproduzcan la realidad y menos
aun que obedezcan a nuestros prejuicios. Corresponde al espectador situarse en la lógica que
ellos plantean y en la que, si se entra, adquieren poder de lenguaje”
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Cuando iniciemos nuestro curso de edición digital, os prometo que os ayudaremos a aplicar
todos estos conceptos sobre vuestras fotos en programas como Photoshop
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El balance de blancos -
Introducción
Un buen amigo suele decir que “en esta vida hay dos cosas buenas: la luz natural y el balance
de blancos”. Aunque lo dice con cierto toque de ironía, la frase tiene su miga para un
fotógrafo.
Lo que hoy nos ocupa es una de esas “cosas buenas de la vida”: El balance de blancos.
Cualquier cámara digital, aunque a veces no seamos conscientes de ello, hace

automáticamente balance de blancos. Pero ¿qué es exactamente el balance de blancos?
Simple y llanamente que en cada situación la cámara sepa cuál es el blanco para la
temperatura de color que hay, de forma que ella, automáticamente, recalcula el resto de los
colores en base a ese dato.
La temperatura de color
¿Es lo mismo fotografiar un día nublado que en un atardecer de un día despejado? ¿Y en un
interior que por la noche? No, hay diferencias.
Esa diferencia que notas es la temperatura de color. A pesar de los cambios que hay entre la
temperatura de la luz de estas situaciones, es probable que tu cámara las esté interpretando
como iguales, cuando no es así.
La temperatura de color es el método usado para cuantificar el color de la luz. Se expresa en

Kelvins (K), que no en “grados Kelvin”. Por ejemplo, la luz del día tiene alrededor de 6.500
Kelvins (6.500K).
La luz cálida tiene una temperatura de color baja, este es el caso del atardecer, que tiene
alrededor de unos 4.000K. La luz fría tiene una temperatura de color más alta. Las noches con
luz azulada tienen alrededor de 7.500K.
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Por tanto, cuanto más cálida sea la luz (amarillo-rojo) más baja será la temperatura de color y
cuanto más fría (azul), más alta la temperatura de color.
Percepción humana de la temperatura de color

Nuestro cerebro no recibe la información de luz que envía el ojo de manera pasiva, sino que la
interpreta. De hecho, lo que los humanos percibimos, es una señal que nuestro cerebro ya ha
interpretado por lo que, en ocasiones, no se corresponde exactamente con lo visto
directamente por el ojo, es decir, la realidad.
¿Cuando sales de un edificio a la calle al atardecer notas alguna diferencia de luz? El cerebro,
simplemente se adapta a lo que ve sin que apenas lo percibamos, tratando de conseguir la
constancia. Pero para una cámara esto no es tan fácil y, por tanto, el fotógrafo que está detrás
de ella tiene que saber qué hacer.
¿La respuesta? El balance de blancos.
Cuándo hacer balance de blancos

A lo largo del día la temperatura de la luz cambia muchas veces, aunque el cielo esté
despejado. Cada vez que detectemos un cambio de luz, si trabajamos en modo manual de
99
balance de blancos, y queremos que los objetos aparezcan con sus colores reales deberemos
hacerlo.
Balance de blancos en analógico

Si el balance de blancos es importante en digital, en analógico lo es más. Esto se debe a que
cada tipo de película está preparada para una determinada temperatura de color.
Como parece lógico, esto es una limitación, pues no siempre vamos a disparar en condiciones
de luz idénticas una película entera. Lo que se hace para contrarrestar esta limitación es usar
filtros de colores. De esta forma se pueden corregir las posibles incorrecciones en el color que
registra la película debido sus características químicas, adecuadas para otra temperatura de
color distinta.
Balance de blancos automático y presets

Como mencionábamos antes, todas las cámaras digitales hacen balance de blancos
automático. Algunas de ellas tienen unos presets que se adecúan “a las diferentes situaciones
de luz tipo”.
El uso del balance de blancos en automático es adecuado cuando la aplicación de las fotos no
requiere una exactitud total del color, cuando en la escena fotografiada no hay una dominante
de color muy evidente y cuando se quiera “ajustar” la temperatura de color a la de la luz
existente.
Vamos a comentarlas todas, de menor a mayor temperatura de color.

• Tungsteno o Incandescente: El balance de blancos se ajusta asumiendo que se
encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas).
• Fluorescente: Para usar con lámparas de vapor de sodio, fluorescentes blancos o con
lámparas de vapor de mercurio.
• Luz Día: Para los objetos iluminados con la luz del sol directamente.
• Flash: Se utiliza cuando disparamos con flash. Ya sea el integrado o uno externo.
• Nuboso: Perfecto para emplearlo con luz de día y cielo nublado.
• Sombra: Se usa con luz de día y sujetos en sombra.
100
Como es natural, estos presets funcionarán perfectamente cuando disparemos en las
condiciones de luz para las que han sido creados. Pero podemos usarlos para disparar en
otras condiciones, obteniendo resultados que pueden resultar interesantes.
Se trata del mismo lugar a la misma hora pero fotografiado con diferentes presets de balance
de blanco. ¿Interesante? Para gustos hay colores.
Balance de blancos Manual (Manual WB)

El balance de blancos manual es adecuado cuando se necesita la máxima fidelidad al color o
cuando queremos que los colores de la escena aparezcan como si estuviesen bajo una luz
neutral.
El formato RAW y el balance de blancos

Entre muchas otras, una de las mayores ventajas de disparar en RAW es la posibilidad de
reajustar la temperatura de color de la fotografía después de haberla realizado.
Todos los procesadores de RAW poseen la capacidad para alterar la temperatura de color.
Asimismo permite ajustarla a los presets típicos de la cámara, de los que ya hemos hablado.
En cualquier caso, una buena razón para disparar en RAW.
Para pensar
Pero ¿Y si preferimos mostrar una escena con determinado balance de blancos, que no es el
101
real, para expresar un sentimiento? ¿La visión subjetiva de una escena? Sí, también podemos
hacer un uso creativo del balance de blancos, que veremos en la próxima entrega de nuestro
curso de fotografía.

El balance de blancos -
Uso creativo
En la primera parte de esta entrega del Curso de Fotografía acerca del balance de blancos,
aprendimos el concepto de balance de blancos y qué logramos corregir con él.
Actualicemos el concepto: el balance de blancos sirve para que la cámara, actuando en luces
con diferentes temperaturas de color, siempre interprete el blanco como lo que es: blanco. Y, a
partir de ahí, calcule el resto de los colores, de forma que eliminemos dominantes indeseadas
de color de nuestra foto.
Pero ¿y si no queremos que el blanco sea blanco? ¿Y si nos interesan esas dominantes?
Puede que no siempre nos vaya a interesar reflejar la realidad con luz blanca.
Para muchos los mejores momentos del día para fotografiar son el amanecer y el atardecer.
En ambos casos la luz pasa por tonos amarillentos, anaranjados e incluso rojizos y, con ella,
los blancos se verán influídos por esas dominantes.
Hacer un balance de blancos manual para que todos los objetos pierdan la temperatura de
color de la luz del amanecer y se vean como si fueran iluminados por luz blanca ¿sería
conveniente? Si lo fuese, nadie madrugaría para hacer fotos al amanecer, ¿no?
Por tanto, el balance de blancos es una herramienta muy útil para representar los colores con
fidelidad a la percepción humana. Pero también puede ser tenido en cuenta como otra
herramienta disponible para interpretar lo que tenemos frente a nuestra cámara. Puesto al
servicio de nuestra creatividad, nos permite dar una visión subjetiva de las cosas.
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Retomemos la imagen empleada en la anterior entrega del curso.
Estas fotos fueron tomadas en una tarde nubosa. Si nos fijamos, esas que fueron tomadas
con un preset de balance de blancos con una temperatura de color similar a la existente,
tienen un color bastante fiel a lo que percibimos.
Sin embargo, si nos vamos a los extremos del cuadro (presets de tungsteno y de sombras)
observamos que una imagen muestra una dominante azul muy acusada y la otra una
dominante anaranjada.
¿Qué significa esto? Que si hacemos una foto con el balance de blancos calibrado para una
temperatura de color mayor a la correspondiente, la foto tenderá al naranja. Y al contrario, si
calibramos el balance de blancos para una temperatura de color menor a la de la escena, la
foto tenderá a azul.
Efectivamente, ya calibres manualmente la temperatura de color o hagas un balance de

blancos sobre un “blanco”, manejando estos conocimientos lograrás crear el ambiente que
quieras. Reduciendo dominantes de color en la medida que quieras o convirtiendo una tarde
normal en un atardecer. Las opciones son casi ilimitadas.
Como siempre, ¿el truco? Practicar, practicar y practicar.
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El flash: Conceptos
Tras un ligero descanso en nuestro curso, de nuevo volvemos a la carga con ganas de
contaros más cosillas sobre fotografía. Hoy, tras 30 artículos, comenzamos el capítulo 31,
donde hablaremos sobre el flash. Intentaremos explicaros qué es, los tipos que hay y los
modos que normalmente traen las cámaras. Empecemos:
Cuando hablamos de flash, ¿de que hablamos?. Pues un flash, es sencillamente

un dispositivo que nos permite iluminar una escena mediante una luz artificial, bien
porque la luz ambiente sea insuficiente o simplemente como complemento a esta.
Normalmente, todas las cámaras suelen integrar uno, llamado flash integrado, que aunque
suele ser suficiente para la mayoría de usuarios, suele quedarse corto, tanto en potencia como
en calidad, en cuanto pretendemos avanzar algo más en su uso.
Por otro lado, los flashes externos tienen más calidad y más potencia que los integrados, y
se usan, normalmente, en conjunto con las cámaras réflex, o bien montados en la zapata o
conectados al cuerpo mediante algún tipo de conexión (por cable o inalámbrica). Veremos
estos y otros tipos de flash en los siguientes artículos.
¿Que partes tiene un flash?
Fundamentalmente dos, Generador y antorcha. El generador es el que se encarga de

proporcionar la alimentación a la antorcha mediante un condensador, que libera la energía en
el momento del disparo, produciendo el destello.
La antorcha es la pieza que emite la luz, gracias a un tubo con gas xenon que recibe la
descarga del generador
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¿Que características son las mas importantes en un flash?
Básicamente 2: la potencia y los modos de que dispone .
La potencia, se indica en los flashes mediante el numero guía (NG) y la establece el

fabricante para 100 ISO.
A mayor número guía mayor potencia y alcance, tendrá nuestro flash.
El tiempo de recarga también es una característica a tener en cuenta si nos hace falta un flash
rápido. A mayor tiempo de recarga mayor tiempo tendremos que esperar desde el destello
hasta su siguiente utilización.
Por último, otra de las características importantes son los modos de flash: TTL Auto, Auto y
Manualson los 3 modos que debemos buscar si queremos tener un control total del
dispositivo, lo veremos en siguientes artículos.
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El flash: Tipos de flash
Una vez que hemos visto, que es un flash y en que consiste su funcionamiento vamos a
meternos un poco más en los tipos de flash que existen en el mercado.
Gracias al flash, uno puede disponer de una fuente de luz cuando le plazca. Sin embargo, si
queremos sacarle todo el partido posible a esa fuente de luz, debemos complicarnos un
poco la vida. Hay diferentes clases de flash, y cada uno, bien usado, puede ser idóneo para un
tipo de fotografía, y puede permitirnos lograr resultados muy distintos. En este capítulo
comentaremos inicialmente las características de un flash integrado, y a continuación nos
centraremos en losflashes compactos, que son los más populares, tratando de clasificarlos
en función de sus prestaciones. Por último, dedicaremos también unas líneas al flash anular,
idóneo para la fotografía macro.
Llamamos flash integrado al que incorporan las cámaras compactas y la mayoría de las
cámaras réflex. Sus principales características son:
• Al estar incluido en la cámara, supone un importante ahorro, y la comodidad añadida de
poder recurrir siempre a él.
• La fuente de luz suele ser pequeña, por lo que en retratos y fotografías a objetos
cercanos puede crear unas sombras muy duras, que tal vez no nos gusten desde un
punto de vista artístico.
• Además, suele estar próxima al objetivo. Por esta razón la luz proyectada es muy plana,
y a veces da la impresión de reducir el volumen del sujeto que estemos fotografiando. En
un retrato, por ejemplo, nos mostrará unas facciones más planas. Esta iluminación tiene
siempre unaspecto artificial.
• En la mayoría de cámaras compactas este flash funciona de modo automático. Esto

puede suponer una limitación si queremos hacer fotografías con una iluminación más o
menos intensa de lo normal, puesto que no podremos configurarlo manualmente. En la
mayoría de cámaras réflex, sin embargo, aunque el flash integrado es igualmente
106
automático, se puede configurar parcialmente la intensidad de la exposición desde los
menús de la cámara.
• Su potencia es bastante limitada. Esto significa que a partir de cierta distancia, será
difícil que consigamos iluminar correctamente la escena. Es por esto que, si no tenemos
cuidado, podremos tener fotos trepidadas o subexpuestas.
• En cualquier caso, si necesitamos el flash para iluminar una escena cercana (un retrato
de grupo, por la noche, por ejemplo) a modo de recuerdo y sin mayores pretensiones
artísticas, este es nuestro flash, sin duda.
Pese a ser una herramienta sencilla y poco configurable, el flash integrado nos puede sacar
de algún aprieto, sin mayores complicaciones. La mayoría de cámaras compactas no permiten
utilizar otro flash diferente a este.
El flash compacto es un dispositivo independiente que se conecta a la cámara por medio de

unazapata situada en la parte superior de ésta. Todas las cámaras réflex disponen de una
zapata para la conexión de este tipo de flash, al igual que unas pocas cámaras compactas de
gama alta. Dentro de los flashes compactos los hay de diferentes gamas y prestaciones.
Para simplificar, podemos decir que las principales características de un flash compacto
BÁSICOson:
• La antorcha es mayor y está más elevada, lo que supone tener una fuente mayor de
luz. Esto es importante porque aunque las sombras siguen siendo duras, lo son algo
menos que con el flash integrado. Muchos además incorporan un difusor extraible, que
se puede usar para iluminar uniformemente una escena de gran angular.
• Tienen una mayor potencia (número guía), y por ello un mayor alcance. Además, suelen
tener mayor velocidad de refresco.
• Generalmente, el cabezal puede bascular en los ejes horizontal y vertical. Esta es,
probablemente, la característica más importante, puesto que nos permitirá “rebotar” el
disparo del flash contra paredes y techos, consiguiendo así una iluminación, no sólo
más difusa y equilibrada, sino también personalizada. Del mismo modo que un flash
frontal puede aplanar un sujeto, un flash rebotado puede aumentar su volumen y
texturas. Gracias a esto conseguiremos una luz mucho más natural, y las posibilidades
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creativas del uso del flash se multiplican. Ya no estamos hablando de usar el flash
cuando no hay luz, sino de modelar ésta a nuestro gusto.
Las prestaciones de algunos modelos son superiores y muy variadas. Podemos decir que las
principales características de un flash compacto AVANZADO son:
• Un flash compacto de gama alta generalmente puede usarse con control manual. Esto
puede parecer innecesario cuando simplemente queremos hacer una foto con un flash
frontal montado en la cámara, pero sin embargo puede aportarnos una flexibilidad
enorme cuando trabajamos en estudio o combinamos varios flashes o accesorios.
• Un flash avanzado suele ser sinónimo de mayor potencia, mejor construcción y

mayor velocidad de refresco. Esto nos permitirá conseguir la luz deseada a mayores
distancias, o con diafragmas más cerrados, y utilizar además el flash en fotografías en
ráfaga.
• Mayor velocidad de sincronización. Esto es muy útil cuando queremos hacer

fotografías en las que tratemos de “congelar” la escena a altas velocidades de
obturación.
• Sincronización con otros flashes, por medio de la configuración

de esclavo y maestro. Un flash maestro es aquel capaz de disparar de forma simultánea
uno o más flashes esclavos. Esta características nos puede abrir muchas puertas a la
hora de iluminar correctamente una escena creativa, un objeto para catálogo, o un retrato
de estudio. Tal vez queramos iluminar un lado de la cara del modelo, al mismo tiempo
que le damos brillo a una parte de su pelo e iluminamos las sombras o el fondo desde
otro punto. Conviene saber que existen accesorios como fotocélulas o disparadores por
radio que permiten esta sincronización con flashes más económicos y sencillos.
• Algunos flashes de estas características pueden ser disparados desde fuera de la

cámara, bien a través de un cable sincro o de conexión inalámbrica, si ambos, cámara y
flash, lo permiten. ¿Quién dijo que el flash tuviera que estar siempre en la zapata de la
cámara?
• Algunos flashes incluyen además dos antorchas: una que siempre queda orientada
hacia delante, y otra que se puede bascular. Esto permite una iluminación más rica en
matices.
ACCESORIOS PARA FLASH COMPACTO:
108
Una gran ventaja de los flashes compactos es la posibilidad de utilizarlos junto a accesorios
muy variados: Difusores, pies, paraguas, reflectores, snoots, filtros, baterías, fotocélulas,
disparadores por radio, cables de extensión, etc. Estos accesorios pueden utilizarse
incluso con flashes compactos manuales antiguos o muy baratos, consiguiendo así una
enorme versatilidad a bajo coste. ¡Este puede ser el primer paso en el camino a montarte tu
propio estudio casero!
Éste es un tipo de flash muy específico, para fotografía macro. En este tipo de fotografía es
preciso que estemos muy cerca del sujeto a fotografiar, y por ello es muy difícil conseguir
iluminación uniforme con un flash compacto, y aún más difícil con un flash integrado. La
antorcha del flash anular, como su propio nombre indica, tiene forma de anillo, y se sitúa
alrededor del borde anterior del objetivo para conseguir una iluminación uniforme. Además,
la fotografía macro, por hacerse a menudo a diafragmas muy cerrados, requiere
una iluminación potente, desde cerca. Es por ello que, si eres un apasionado de la fotografía
macro, un flash anular puede ser un accesorio importante.
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El flash: Modos de flash
Seguimos paso a paso con nuestro curso de fotografía. En los dos últimos capítulos os hemos
hablado de los conceptos, y de los tipos de flash, y hoy para acabar este apartado vamos a
ver, de manera general, los modos de flash que prácticamente todas las cámaras y los
flashes externos tienen.
Los modos principales en los que un flash puede funcionar son los siguientes:
• Flash Automático
• Flash de reducción del efecto de ojos rojos
• Sincronización lenta (1ª cortina y 2ª cortina)
• Flash de relleno
• Flash desactivado
Cuando le echamos un vistazo a los modos de un flash nos encontraremos con símbolos
como estos:
En función del modelo de la cámara el dibujo será uno u otro, aunque siempre serán
parecidos, por lo que veamos que significa cada uno de ellos:
1. Flash Automático:
Cuando ponemos este modo, el flash saltará automáticamente cuando tengamos malas
condiciones de luz, ya sea porque esta sea baja o tengamos un fuerte contraluz.
2. Flash de reducción del efecto de ojos rojos

Seguro que en muchas ocasiones habéis hecho fotos con flash y os ha salido el terrible efecto
de ojos rojos del que ya os dimos algunos consejos para evitarlo.
110
Una de esas formas es con el modo reducción de efecto de ojos rojos del flash que
básicamente consiste en que el flash emite unos destellos previos al disparo, provocando que Eliminado: dilate
la pupila se contraiga, y evitando así este indeseable efecto.
3. Sincronización lenta (1ª y 2ª cortina)

Normalmente, cuando disparamos con flash, las velocidades de obturación no pueden ser
menores de ciertos niveles, para evitar posibles vibraciones de la cámara. Este modo de flash,
sin embargo esta diseñado precisamente para esto, para velocidades de obturación lentas.
Se usa principalmente en retratos nocturnos, cuando queremos que el fondo no quede

subexpuesto, creando fotografías nocturnas muy interesantes, con una correcta exposición
tanto del fondo, como del sujeto principal. Recordad que al usar velocidades lentas, debeis
estabilizar la cámara con un trípode.
Cuando hablamos de 1ª cortina queremos decir, que el golpe de flash se produce justo
después de que se abra el obturador y de 2ª cortina cuando, al contrario, el flash se dispara
justo antes de cerrarse el obturador (recordad que hablamos de velocidades lentas)
Jugando con la 1ª cortina y la 2ª cortina podemos conseguir diferentes efectos. Por ejemplo, si
tenemos una escena de un coche circulando de noche y usamos la 1ª cortina conseguiremos
congelar el coche al principio y nos quedará una estela de las luces por delante del coche (el
recorrido que haga el coche mientras esté el obturador abierto). Sin embargo si usamos la 2ª
Cortina, la estela de las luces nos quedará detrás, ya que el flashazo se producirá al final,
congelando el coche en su última posición
4. Flash de relleno
En este modo, el flash disparará siempre, independientemente de las condiciones de luz que
haya. Es muy útil para eliminar sombras o zonas oscuras indeseadas, por ejemplo en fuertes
contraluces
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5. Flash desactivado
Bueno, no creo que necesite explicación. Simplemente no disparará el flash, aunque haga
falta, por lo que debemos estabilizar la cámara si las condiciones de luz no son buenas.
Por último decir que en ocasiones pueden combinarse algunos de estos modos, como por
ejemplo el modo sincronización lenta en 1a cortina con el modo reducción de ojos rojos, con el
que conseguiremos un retrato nocturno, perfecto.
Así que ya sabéis, a repasar los manuales y a practicar con el flash, seguro que ahora le
sacáis más partido.
112
Los Filtros
En esta nueva entrada de nuestro curso de fotografía vamos a conocer los tipos de filtros y
para qué sirve cada uno. En el vídeo que váis a ver a continuación observaréis que los
hemos dividido endos grandes grupos:
• Los que se pueden enroscar en el frontal de nuestro objetivo, esto es, los filtros de
rosca.
• Los que se colocan con un portafiltros.
Sea cual sea el sistema de filtros que utilices, ya sean de rosca o con portafiltros, verás que
algunos de los más útiles son el UV o ultravioleta, el ND o de densidad neutra y
el polarizador. En este vídeo puedes verlos en funcionamiento para conocer para qué
sirven:
Curso de Fotografia 34 – Los Filtros (vídeo)
Os podéis preguntar cuál es el mejor sistema. Cada uno tiene sus pros y sus contras.
Los filtros de rosca están concebidos para un determinado diámetro de objetivo, por lo
que es probable que si usas objetivos diferentes los diámentros sean diferentes también. Por
lo que tendrás que duplicar filtros iguales, que no siempre son baratos, para cubrir tus
necesidades.
Los portafiltros se suelen adaptar a diferentes diámetros, por lo que podrás usar un
mismo filtro con objetivos de diferentes diámetros. Por ello quizás sea más inteligente invertir
en este tipo de filtros que en los de rosca.
En cualquier caso, elijas el sistema de filtros que elijas, es recomendable llevar montado en
todos los objetivos un filtro de rosca UV o Skylight a modo de protección de la primera
lente. De esta forma evitarás rallazos, el polvo o un mal golpe. Siempre es preferible romper
un filtro, por bueno que sea, que un objetivo. Además no evitan que puedas usar un
portafiltros también.
113
Los filtros no suelen ser baratos, pero es una inversión necesaria. Piensa que si te estás
gastando un buen dinero en un objetivo, ponerle delante, por ejemplo, un filtro protector malo
puede dar al traste con la calidad óptica del objetivo.
Como comentamos en el vídeo, con el ordenador podemos arreglar muchas fotos, pero no hay
nada como una foto bien hecha dese el momento de disparar para sacarle el mayor partido a
nuestra cámara. Y en esto, los filtros, te pueden ayudar.
114
Accesorios
En esta entrega del curso, que no descansa ni en el mes de agosto, vamos a hacer un repaso
a algunos de los accesorios más habituales y útiles para todos los aficionados a la fotografía.
Existen decenas de ellos, algunos más necesarios que otros según el criterio que se utilice.
Puedes aprovechar los comentarios para añadir aquellos que creas que deban estar en este
post y no los hayas encontrado.
Dejémonos de cháchara y vayamos algrano:
Trípode: Si tuviera que elegir un accesosio indispensable éste

sería el trípode. Este soporte de tres patas nos permite dejar sujeta nuestra cámara y que no
se muevacuando disparamos. Necesario para la fotografía nocturna y en otras condiciones de
poca luz, es decir, cuando necesitamos un tiempo de exposición más largo de lo que podemos
aguantar a pulso sin movernos. Perfecto también para autorretratos. Existen una buena
variedad de trípodes, desde los clásicos a los tan pequeños que son de bolsillo. Mi consejo es
que te gastes el dinero comprando uno de calidad, resistente y ligero. Puedes dar un vistazo
a las entradas que hemos hecho relacionadas con el uso de trípodes aquí.
115
Fotómetro: El fotómetro esun dispositivo electrónico que mide la cantidad de
luz que incide un un punto determinado. Tu cámara digital dispone de fotómetro, pero de los
que hablamos hoy aquí son los externos. Se utilizan habitualmente (aunque no únicamente)
en fotografía de interiores o estudio y en retrato. La medición será más exacta y precisa que la
del fotómetro de tu cámara y te dará los valores de apertura del diafragma y velocidad de
obturación necesarios para hacer la foto con éxito (indicando la velocidad de la película de
antemano). Es un accesorio más bien profesional.
Brújula: Este accesorio es una elección muy personal mía. Yo

encuentro de lo más útili llevar una brújula en mi bolsa para que al encontrar una localización
pueda saber el recorrido del sol y decidir cual es el mejor momento para tomar fotos allí según
la luz que haya. Baratas y pequeñas, todo ventajas.
Disparador remoto: Casi casi tan indispensable como el

trípode si acostumbras a usarlo. Estos pequeños dispositivos te van a permitir disparar
fotografías sin tocar la cámara, lo que se traduce en que no la vas a mover ni un solo
116
milímetro mientras hagas fotos con exposiciones largas. Por supuesto también es perfecto
para los tan de moda autorretratos. Los puedes encontrar con cable (que va conectado a la
cámara) o lo que se llamaría un disparador remoto que carece de este elemento y te dará más
libertad.
E incluso existe una gama alta (y cara) de estos artículos si poseen otras características como
la de programar disparos a intervalos de tiempo determinados. Pero si lo que quieres es el
disparador más simple, altamente recomendado comprarlo en ebay.
Transporte: Junto al filtro AV y una batería de recambio, lo

primero que debes comprarjunto a tu cámara es una bolsa de transporte. Las podemos
encontrar de todos los tamaños, en función de los elementos de nuestro equipo a transportar.
Aquí también te recomendaremos que no intentes escatimar dinero, pues las casas
especializadas en estas bolsas las construyen de calidad y resistentes (lo que nos puede
ahorrar algún disgusto). EnXatakaFoto hemos hablado sobre bolsas de transporte.
Filtros: Simplemente os recuerdo a los despistados que en nuestra anterior entrega del
curso os mostramos un vídeo sobre los filtros.
Cajas de luz, paraguas, reflectores, difusores…: Estos

accesorios son herramientas que se utilizan para manipular la luz, de un flash o un foco, en
función de nuestros intereses: Suavizarla, reflejarla, hacerla rebotar, etc. Son accesorios que
normalmente se utilizan en el estudio. Aunque esto es una verdad a medias, ya que los
reflectores (para reflejar la luz, ¿has probado con una cartulina blanca?) y difusores (para
suavizar la luz del flash) también pueden utilizarse en exteriores.
117
Protección y limpieza de
los objetivos
Por ese orden necesariamente. Vamos a ver en primer lugar como debemos proteger
siempre nuestros objetivos, y luego veremos que productos usar para limpiarlos. Esta
entrada está pensada para objetivos réflex, pero servirá de ayuda también para cámaras
ultrazoom y compactas.
Lo primero es adquirir un buen habito; siempre que no estemos usando un objetivo

hagamos uso de los dispositivos de protección exterior, también conocidos como tapas.
Parece obvio, pero a veces se nos olvida que las tapas están para algo.
No sólo evitamos romper alguna de las lentes o rayarlas, la frecuencia con que las limpiemos
se verá reducida. Y dado que algunas lentes están recubiertas de barnices antipolvo o
antireflectantes, cada vez que las limpiamos vamos reduciendo esas capas protectoras, y
aumentando la posibilidad de rayarlas con la limpieza.
No sólo debemos proteger las lentes, el objetivo en si también puede recibir golpes o
ensuciarse.Necesitamos una maleta o bolsa de transporte para mantener los objetivos
en un lugar protegido. Más que obsesionarnos con la limpieza, vamos a hacerlo con la
precaución y la protección del equipo.
Pero pocas fotos vamos a hacer con los objetivos guardados y las tapas puestas. Cuando
montamos un objetivo en la cámara, la lente interior es la que menos tiempo sufre el ataque
de la porquería, ya que enseguida le quitamos la tapa, montamos el objetivo y queda
protegida. Pero la lente exterior ahí queda, sin protección ante los golpes y la suciedad.
118
Fotografía de atomicjeep
Por una sola lente no podemos desgraciar todo el objetivo. Así que una de las cosas que
podemos hacer es proteger esa lente con un filtro protector. Que será el encargado de
absorber todo lo malo que pase por delante de nuestro objetivo, ya hemos visto lo que puede
pasar. La opción más común es un filtro Ultra Violeta (UV), que además filtrará los rayos
ultravioleta, otra opción más económica son los filtros SKY, que sólo filtran un 50% de los
rayos UV.
Es cierto que no parece tener mucho sentido colocar al frente de toda la óptica de un objetivo,
un cristal de tan baja calidad. Pero puede que algunos prefiramos sacrificar un poco de calidad
a cambio de esa protección. Echadle un vistazo al capítulo del curso sobre filtros.
119
Fotografía de turetutillo
De forma irremediable, las lentes se ensucian y hay que limpiarlas. Os voy a contar lo que
yo hago para limpiarlas, luego cada uno puede tener sus trucos. Con las lentes de los
objetivos no me la juego, así que no me valen remedios caseros y “económicos”. Un kit de
limpieza para objetivos suele costar unos 10 euros como mucho, nada que no nos podamos
permitir.
El kit de limpieza suele llevar una perilla de aire, líquido limpiador, una gamuza y papel de
seda. Vamos a ver como usarlo todo:
• En primer lugar usaremos la perilla para soplar todo el polvo que puede haber en la
superficie y alrededor de la lente, no vale soplar con la boca, que podemos dejarla peor
de lo que estaba. Conjuntamente se suelen usar cepillos para retirar la suciedad más
superficial. Los bastoncillos de algodón no me parecen una buena opción para nada.
• Ahora humedecemos la gamuza con el líquido. Suelen ser sprays, así que con pulverizar
una vez o un par es suficiente. Con la gamuza mojada limpiamos bien la lente de
todo el polvo, grasa y porquería en general que pueda tener. No se vierte el líquido
directamente en la lente para evitar que pueda entrar por los bordes hasta el interior del
objetivo.
• Enseguida usamos el papel de seda para secar los restos de humedad que puedan
quedar del líquido, y dejamos bien seca la lente. No dejéis secar el líquido sin pasar el
papel de seda, pues puede quedar el rastro del líquido. Lo podéis comprobar mirando al
120
trasluz, y si aún así siguen quedando restos, pasaremos el papel de seda bien seco de
nuevo.
No uséis otros líquidos que no estén indicados para limpieza de lentes. No es lo mismo un
producto de limpieza para cristales que para lentes.
Y por último, tened cuidado a la hora de cambiar de objetivos, no se imagina uno lo que
pueden llegar a resbalar.
121
Tipos de archivos
fotográficos
En este nuevo capítulo de nuestro curso de fotografía digital de Xataka Foto vamos a
centrarnos en los tipos de archivos de imagen que se utilizan. Existen varios tipos con
características distintas y para utilidades diferentes. También nos referiremos a aspectos
relacionados con los archivos como la compresión, el tamaño, ventajas, inconvenientes, pero
sobre todo conocer bien cada uno para que tengamos claro cuál usar según nuestras
necesidades en cada momento.
Desde que la fotografía digital fue tomando cada vez mayor auge, los tipos de archivos
también han ido variando, algunos continúan, pero lo cierto es que se van adaptando a las
tecnologías y necesidades que van surgiendo, a la mayor capacidad de procesamiento de las
cámaras y también de los programas y los equipos informáticos. Lo que significa que,
probablemente, dentro de algún tiempo podamos disponer de nuevos tipos de archivo o
variaciones de los que actualmente manejamos.
Un aspecto que puede justificar en cierta medida esta nueva entrega de nuestro curso, es que
muchos aficionados a la fotografía digital se han tenido que aproximar a la informática y los
ordenadores, por lo que el conocimiento de los tipos de archivo se ha ido produciendo a la par
que se conocía los aspectos de lo digital en las imágenes. Pero vamos a ir al grano y
centrarnos en los archivos.
122
A muchos nos sonarán archivos tipo GIF, PSD, PNG, TIFF, DNG, RAW y JPEG, éste último el
más extendido y utilizado desde que internet se extendiese. Y algo menos otros como HD
Photo, DjVu yOpenDocument.Todos ellos pertenecen a imágenes digitales y con
características distintas entre ellos. Vamos a describirlos:
GIF
Es un formato diseñado por Compu Serve y son las siglas del inglés Graphic Interchange
Format (Formato Gráfico de Intercambio), puede almacenar hasta 256 colores, por lo que
pertenece a imágenes muy sencillas, como dibujos, rayas, tramados y su peso es mínimo. Es
multiplataforma y se usa habitualmente en internet para logotipos (soporta animación), aunque
debido su simpleza, es menos frecuente cada día.
PNG
Portable Network Graphics en un formato gráfico basado en un algoritmo de compresión sin
pérdida, fue desarrollado para solventar las carencias del GIF y permite mayor profundidad de
contraste. Es un formato sin perdida de calidad con una excelente compresión, ideal para
imágenes formadas por grandes áreas de color plano o con pocas variaciones de color (y
soporta transparencias). Sus características lo hacen ideal para su uso en internet, pero no ha
tenido la expansión que se esperaba (algunos navegadores no lo visualizan correctamente).
PSD
Es un archivo creado por el famoso y extendido programa de edición y retoque
123
fotográfico Adobe Photoshop. Es su archivo nativo y por ello su uso se limita a este programa
(aunque otros también lo pueden abrir).
TIFF
Tagged Image File Format (su extensión es TIF) es un formato de imagen de alta resolución
basado en etiquetas. Se utiliza para el intercambio universal de imágenes digitales y es
ampliamente usado, y puede ser monocromático, escala de grises o color de 8 y 24 bits.
Puede comprimirse (aunque no lo recomiendo) y es ideal para la fotografía digital, aunque
cada vez se usa menos en el proceso fotográfico. Hasta hace poco algunos modelos de
cámaras (sobre todo réflex) trabajaban con este formato, pero ha ido perdiendo terreno en
favor del JPEG. Desventajas: ocupan mucho espacio y no permiten cambiar valores como
balance de blancos o la exposición. Por contra su ventaja es que es ampliamente aceptado
por los programas de edición, su uso está muy extendido y no ofrece pérdidas cada vez que
se guarda una y otra vez.
JPEG
Joint Photographic Experts Group identifica archivos que contienen imágenes y es el más
utilizado para almacenar, presentar y compartir fotografías. Fue diseñado para comprimir
imágenes con 24 bits de profundidad o en escala de grises. Es un estándar para el manejo
de imágenes en internet y, por ello, su uso se ha expandido, junto con el auge de la
fotografía digital. Es el tipo de archivo que producen la casi totalidad de las cámaras
fotográficas y usa las siglas JPG en su extensión.
Cuando la cámara toma una imagen en formato JPEG le aplica algunos parámetros al
procesarlo, como ajustes de nitidez, reducción de ruido, contraste, saturación, etc. Por lo que
cada cámara lo hará de una forma distinta. Actualmente la enorme resolución de las máquinas
casi obliga a utilizarlo, ya que generan archivos enormes y con JPEG tenemos una
compresión (con pérdida).
Sus principales ventajas son: no necesita un procesado posterior, ocupan menos espacio,
son compatibles con todos los programas y se visualizan en distintas plataformas, los disparos
en JPEGson más rápidos y permite a la cámara mayor velocidad de procesado por lo que son
ideales para disparar en ráfagas, con la menor compresión ofrece una calidad alta (si se ha
tomado la imagen con parámetros de exposición y balance de blancos adecuados) sin
necesidad de retoque. Comodesventaja principal está el hecho de que su compresión es con
124
pérdida de calidad, que va creciendo conforme guardamos sucesivamente el mismo archivo,
además de que nos permite poca flexibilidad.
RAW
Es un formato de imagen en bruto utilizado por las cámaras digitales y contiene toda la
información original capturada por la cámara (no suele tener compresión, aunque algunos
fabricantes la incorporan). Concebido más como un concepto, caada fabricante utiliza su
propio archivo RAW (no hay un estándar predominante y existen casi un centenar, variando
incluso dentro del mismo fabricante en distintos modelos) que se puede distinguir por sus
extensiones: RAF (Fuji), CRW(Canon), NEF (Nikon), ORF (Olympus), PTX (Pentax), RAW (Pa
nasonic), ARW (Sony),... Requiere ser procesado (revelado) por un software que lo soporte y
suele ser denominado el negativo digital (por su analogía con la fotografía tradicional).
La tendencia actual de la fotografía digital va encaminada a extender el uso de los archivos

RAW, puesto que permiten un gran control por parte del usuario, por contener datos sin
procesar desde el sensor de la cámara. Técnicamente no son archivos de imagen aún, puesto
que deben ser procesados por un programa que interpreta los datos. Por cierto, cada software
lo hace de una forma distinta, por lo que el resultado puede variar si se abre con Adobe
Camera Raw, con Apple Aperture (por poner algunos ejemplos) o con el programa que cada
fabricante nos facilita con la cámara.
Sus principales ventajas son la flexibilidad, permite ajustar el balance de blancos, así como la
exposición, iluminación, etc. Como desventaja está la mencionada falta de estandarización,
que requieren su procesado por un programa compatible y requiere convertirlo a otro formato
para compartirlo a través de internet, por su enorme peso.
125
OpenRAW
Surgió en 2005 como un intento de estandarización de los formatos RAW, siendo abierto,
libre y no propietario. Ante la guerra de formatos fotográficos se postula como la alternativa
más racional, ya que los ficheros RAW de cada fabricante son cerrados.
DNG
Digital Negative, es un tipo de archivo creado por Adobe(aprovechando la escasa expansión
del OpenRAW) como necesidad para generar un estándar de archivos fotográficos tipo RAW y
preservar archivos de cara al futuro, por si algún fabricante dejara de ofrecer servicio de su
formato. Permite gran flexibilidad para trabajar las imágenes en cualquier sistema y utiliza
compresión sin pérdida.
Como hemos mencionado, los caminos que va tomando la

fotografía digital va desechando unos formatos en favor de otros, en favor de mayor
flexibilidad, estandarización y facilidad de manejo. Es posible que dentro de unos años se
consiga un formato universal, para el que openRAW o DNG (u otro RAW genérico que
aparezca) es el ideal, pero se trata de un empeño complicado por diferir los distintos intereses
de los fabricantes. Hoy en día los archivos JPG y los RAW son los más extendidos y no hay
uno mejor que otro, ya que unos se adaptan mejor a las necesidades de un tipo de usuarios,
pero hay que reconocer que es recomendable utilizar archivos en bruto, aunque obligue a
tener cierto conocimiento de procesado y requiera más tiempo de manejo.
126
En entregas posteriores entraremos más de lleno en el mundo del RAW, mucho
más complejo y con una gran problemática de cara al futuro.
127
Consejos prácticos para
mejorar
Tras más de 35 entradas de nuestro curso de fotografía, estoy seguro de que todos
vosotros tenéis ya bien claro qué es una cámara, cómo funciona y qué posibilidades tiene.
A estas alturas es probable que hayáis disparado cientos, si no miles, de fotografías

haciendopruebas, asentando conceptos e interiorizando el funcionamiento de la cámara a
medida que avanzaba el curso. Fenomenal.
Pues bien, este es el momento perfecto para incorporar a nuestro repertorio teórico
ciertos trucos que, si bien solos no servirían para nada, con un buen manejo de la cámara,
su dominio os llevará un paso más allá.
Esta entrega del curso se divide en dos entradas. Ambas centradas en pequeñas “recetas”,
si me permitís llamarlas así, cuyo control podrían suponer la diferencia entre una ocasión
perdida y una gran foto.
En esta primera entrada vamos a refrescar algunos conceptos básicos de composición que
os ayudarán a lograr imágenes más potentes.
En la siguiente entrada, la segunda y última de esta entrega del curso, nos centraremos más
enaspectos puramente técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces de solucionar
algunos problemas comunes de manera “infalible”.
Creo que ya hemos dicho por aquí que hacer una foto es como componer una frase. Los
elementos gráficos son las palabras y las normas de composición equivalen a la
gramática que nos enseña cómo ordenarlas.
Sí, es cierto, las normas están para romperse. Y con esta sucesión de ellas nadie debería
sentirse atado a un único modo de hacer las cosas. Pero para romperlas primero hay que
conocerlas y dominar bien el medio.
128
Por ello, echemos un vistazo a estas “recetas”:
LA LEY DEL HORIZONTE
Por su nombre podría ser un western, pero no lo es,

es una regla fotográfica. Cuando fotografíes paisajes presta atención al horizonte. ¿Dónde lo
vas a colocar?¿Cómo va a aparecer? Son dos preguntas que necesitan respuesta:
En pocas ocasiones funciona, así que nunca, nunca coloques un horizonte en mitad de la foto.
Divide el encuadre en dos zonas iguales en las que no hay ningún tipo de jerarquía. Para
solucionarlo hay dos opciones:
• Mostrar en un tercio de la foto el suelo y en los dos tercios restantes cielo.
• Justo lo contrario, dos tercios de suelo y uno de cielo.
Como supones, lo que transmite una foto en ambos casos no es exactamente lo mismo.
Encuadres en los que aparece más suelo sugieren más cercanía a lo terrenal, mientras que
encuadres en los que aparece más cielo sugieren al espectador una sensación más etérea.
En cualquier caso, que esta regla juegue a favor de lo que quieras mostrar. Por ejemplo, ¿En
un atardecer? Mostraremos casi siempre más cielo. En un paisaje costero, más suelo.
129
El horizonte siempre se debe presentar recto. Más todavía cuando se trata del mar. Un mar
torcido puede dar al traste con un buen paisaje. Parecería que se vacía por el lado hacia el
que está inclinado.
Foto de fmc.nikon.d40
LA REGLA DE LA DIRECCIÓN O DEL MOVIMIENTO
Si pretendes captar en una foto un objeto que se esté moviendo debes tener en cuenta que,
sobre todo si lo que quieres es dar esa sensación de dinamismo, deberás dejar más espacio
en la zona a la que se dirige el objeto que en la zona por la que supuestamente ya ha pasado.
Las fotos que siguen este esquema funcionan mejor, pues invitan al cerebro humano a percibir
que el objeto discurre por la foto.
El concepto de esta regla es muy similar al de la siguiente.
Foto de *Zara
LA LEY DE LA MIRADA
Simple y llanamente esta ley insiste en que debe haber más espacio en el cuadro en la zona a
la que mira el sujeto fotografiado que en la que está fuera de su campo de visión.
130
Foto de *Zara
LAS DIAGONALES
Cualquier cosa puede convertirse en una diagonal. Las

líneas de la carretera, las ramas de un árbol, el mástil de una guitarra… las opciones están al
alcance de nuestra imaginación.
Podemos conseguir diagonales de múltiples maneras. ¿Por qué no usarlas? Son

poderosísimas para guiar la vista del espectador hacia los puntos de interés de las imágenes.
131
Hacen las composiciones más dinámicas y su intersección crea puntos de interés. No las
desestimes.
Fotos de Mikelo y Bensonkua
EL MÍTICO “MENOS ES MÁS”

Os lo decimos con frecuencia en los duelos. Generalmente, en fotografía, menos es más. No
tratéis de llenar una foto con todo lo que tenéis delante. Pensad en términos de composición.
Antes de disparar analizad qué cosas de la escena son interesantes, cuáles prescindibles o
cómo funcionan unas con otras.
132
Siempre suele resultar mejor tomar varias fotos con los distintos detalles que contiene una
escena consiguiendo que cada foto nos cuente algo que tratar de hacer una foto general para
apreciarlo todo.
Esto está en estrecha relación con el próximo y último consejo.
Fotos de Oze| y NickStarr
LLENA EL ENCUADRE
Evita cualquier tipo de distracción y obliga al espectador a centrarse en el motivo que le
queremos mostrar, única y exclusivamente. ¿Que cómo lo haces? Llenando el encuadre.
No dejes espacio para nada más que para lo que quieres mostrar. No des opción al
espectador a irse por los cerros de Úbeda. Muéstrale sólo lo que quieras que vea.
Foto de *Zara
Seguiremos en la próxima entrega metiéndonos en un terreno un poco más técnico. ¡No os la

perdáis!
133
Consejos prácticos para
mejorar
En la anterior entrega del curso dimos algunos consejos para mejorar orientados a la
composición. Como prometíamos, en esta segunda y última entrega nos vamos a la parte más
técnica.
Nos vamos a parar en aspectos técnicos. Fórmulas con las que seréis capaces de solucionar
algunos problemas comunes de la manera más “infalible” posible. Vamos allá:
TÉCNICA DL f/16
Para hacer exposiciones perfectas en días de pleno sol y cielo azul fija la apertura del
diafragma en 16 y la velocidad de obturación que sea exactamente la misma que el valor
de ISO.
Si tienes el ISO en 200 los valores de exposición serían 1/200 y f/16. Si tienes el ISO en 100,
1/100 y f/16. Así sucesivamente. ¡Verás que la exposición obtenida es perfecta!
OJO CON LA RELACIÓN ENTRE VELOCIDAD DE OBTURACIÓN Y DISTANCIA FOCAL

Debes saber que la mínima velocidad a la que puedes disparar con cualquier objetivo siempre
responde a la fórmula 1/(distancia focal).
Si el sensor de tu cámara no es full-frame, deberás tenerlo en cuenta también. Si tienes un

300mm en una cámara con factor de conversión 1.5 podrás disparar a una velocidad de 1/450
(aceptando que tal velocidad de disparo exista en una cámara).
Esta regla es muy importante, aunque también lo son los estabilizadores de imagen y
reductores de vibraciones que hoy en día incorporan los objetivos de gama alta o los cuerpos
de algunas réflex.
Si eres afortunado y tienes un equipo estabilizado deberás tenerlo en cuenta, ya que además
de jugar con la fórmula que acabamos de aportar juegas con la estabilización extra que aporta
tu equipo.
134
Si necesitas disparar por debajo de la velocidad mínima a la que sabes que la foto no va a
salir trepidada tienes dos opciones: usar un trípode o subir el ISO.
CUIDA TU ENFOQUE MANUAL PARA MAXIMIZAR LA NITIDEZ

Ya sabemos que hay ocasiones en las que es mejor enfocar en modo manual que hacerlo en
automático. Es en estas ocasiones cuando la técnica que estás a punto de aprender se hace
imprescindible.
Consiste en hacer el máximo zoom posible sobre el objeto que vamos a fotografiar para
enfocarlo. De esta manera el enfoque será más preciso. Una vez lo tenemos enfocado el
objeto, podemos volver a la distancia focal que hayamos elegido para disparar y hacerlo con la
certeza de que el objeto, si no se ha movido, estará perfectamente enfocado.
A veces el ojo no es todo lo fino que nosotros quisiéramos. Interiorizar este tipo de técnica nos
ayudará a no llevarnos tristes sorpresas al llegar a casa y ver el material que traemos en
nuestra cámara.
NO SIEMPRE ISO100 ES MEJOR QUE ISO200…

Generalmente tenemos interiorizado que a menor ISO, más calidad tendrán nuestras
imágenes. No es mentira, pero tampoco es del todo cierto.
En ocasiones puedes encontrarte con que los bordes de los objetos que aparecen en las
zonas de alto contraste de la imagen tienen color.
Este problema se lo solemos achacar a los objetivos. Que si no es demasiado bueno, que si
produce aberraciones cromáticas, que si…
Prueba a subir el valor de ISO a 200, verás que lo habrás solucionado.
135
¿DISPARO CON TRÍPODE O CON LA CÁMARA EN LA MANO?
La decisión de disparar con trípode o con la cámara en

la mano también está directamente relacionada con la velocidad de obturación.
A no ser que tengas una cámara estabilizada, o objetivos que lo están, una buena pauta a
seguir puede ser que todo lo que baje de 1/40 debe hacerse con trípode.
Quien dice un trípode dice una superficie sobre la que apoyar la cámara, una beanbag… lo
que quiera que vayas a usar para mantener la cámara estable es necesario cuando disparas a
velocidades lentas para evitar fotografías trepidadas.
Fuera de la composición y de la técnica, pero estrechamente relacionado con ellas, no dejéis

de analizar las fotos que os pasan por delante. Desde lo que véis desde el autobús en los
carteles de la calle, en las revistas, en Flickr…
Ver muchas fotos, disfrutarlas, destripar cómo han podido hacerse y entender por qué
funcionan o dejan de hacerlo te dará tablas a la hora de producir imágenes potentes propias.
No te cierres a hacer cosas nuevas. Nunca desprecies ninguna forma de actuar de otros
que no hubieras albergado antes. Valórala. Puede que no te hubieras parado a pensar en eso
y adoptando esa nueva práctica amplíes tus horizontes fotográficos.
Y, por último, aunque te suene a autobombo, no dejes de leer Xataka Foto. Es muy
beneficioso, pues te mantiene en un estado de “formación continua” que te hace absorber
información constantemente, y esto producirá resultados positivos en tus fotos en un plazo
más corto del que imaginas.
136
Edición de imágenes
Con la llegada de la fotografía digital se abría un mundo por explorar para la gran mayoría de
aficionados: la edición de imágenes. Hasta entonces bastaba con llevar el carrete al
laboratorio más próximo para obtener copias impresas. Algo muy sencillo pero en el que la
participación era limitada a elegir en papel brillo o mate, pero poco más. No había opciones
creativas o de mejora si no pisábamos un laboratorio profesional o nos aventurábamos a
realizar el positivado de modo casero, con el engorro de los químicos, las cubetas, etc.
En la fotografía digital, este campo es, precisamente el que más se ha transformado. Hasta
el punto que muchos ni pisamos un laboratorio ni para el revelado digital. Ahora, con los
archivos que almacenamos en las tarjetas de memoria, nos vemos explorando un nuevo
mundo, estimulante y totalmente participativo, en el que nosotros somos los que decidimos
el resultado final de nuestras propias fotos.
Para ello, nos tenemos que servir de una herramienta hoy día tan cotidiana en los hogares
como un frigorífico o un televisor: el ordenador personal. Para muchos aficionados, la
fotografía digital ha supuesto su primer acercamiento serio al mundo de la informática y para
otros tantos, ampliar su campo de conocimiento en este terreno. El caso es que, algo tan
simple como abrir un archivo de imagen en un editor de imágenes nos abre un universo de
137
posibilidades de interacción con la imagen bidimensional, que hace de la fotografía digital una
de las aficiones más velozmente extendidas del nuevo siglo XXI.
Como digo, la posibilidad de editar nuestras fotografías, por muy simple que sea el proceso,
supone un enorme estímulo, en el que prolongamos el acto fotográfico, más allá del simple
disparo, para obtener un resultado más satisfactorio, y al menos, con la opción de
personalizarlo, que antes no existía (de forma generalizada).
La edición de imágenes puede partir y acabar en la propia cámara. No siempre es necesaria

la intervención de nuestra computadora. Podemos recortar, mejorar y hasta imprimir copias de
nuestras fotos directamente con la cámara. Pero es cierto, que si queremos tener algo de
control y maximizar el resultado más óptimo, tenemos que editar las imágenes digitalmente
en el ordenador.
Algo tan simple como mejorar una imagen subexpuesta, aumentar el contraste, eliminar el
molesto efecto de ojos rojos o recortar adecuadamente hoy día es una acción cotidiana. El
resto, lograr efectos visuales, virados y otras opciones creativas, son el paso de más que
tenemos la opción de tomar si nos gusta la edición digital.
La herramienta principal es un ordenador personal, pero además necesitamos contar

un programaque nos ayude a lograr la edición de las imágenes. Podemos usar el software
gratuito que suele acompañar a nuestra cámara cuando la adquirimos, o bien barajar otras
opciones, dependiendo de nuestros gustos y nuestros objetivos y exigencias. Hoy en día
existe un amplio abanico de posibilidades, tanto en software de escritorio gratuito (como ya
os hemos contado), como online (que también hemos recomendado), a través de servicios de
internet que nos facilitan desde las tareas más sencillas a otras más complejas, e incluso el
almacenamiento y la posibilidad de compartirlas con otros aficionados.
Pero centrándonos en la edición digital de imágenes, las tareas más comunes que se suelen
llevar a cabo y que supondría una edición básica, y en muchos casos recomendables (sobre
todo para mejorar los resultados obtenidos con sencillas cámaras compactas) son las
siguientes:
• Enfoque. Podemos aumentar la nitidez de las fotografías, a menudo necesario si hemos
tomado la imagen en modo automático.
• Subexponer o sobreexponer. Para oscurecer o aclarar las fotos tomadas en

condiciones de luz complejas.
138
• Recorte y rotación. Para enderezar o eliminar elementos de la composición y encuadrar
adecuadamente.
• Color. Podemos aumentar la viveza de los colores obtenidos o, por el contrario,

desaturar la imagen para obtener el resultado en blanco y negro.
• Contraste. Es algo muy simple que mejora enormemente el resultado en la mayor parte
de las imágenes obtenidas.
• Eliminar ojos rojos. Algo tan molesto como el efecto producido cuando disparamos con
flash se puede eliminar con herramientas de uso muy simple y rápido.
• Renombrar y almacenar. Podemos añadir un nombre que nos sirva para tener
ordenado nuestro archivo de imágenes y almacenarlo adecuadamente, así como guardar
una copia a menor tamaño y resolución para visualización rápida o para compartir por
correo electrónico.
Muchos de estos procesos los podemos lograr de forma automática, ya que casi todo los
programas nos ofrecen esta opción de automatizar las mejoras más básicas. Pero si no nos
conformamos con esto y queremos ir un paso más allá, podemos realizar otras operaciones
habituales como:
• Aplicar filtros. Para lograr efectos desde sencillos a otros más complejos que
transformen la imagen original.
• Aplicar máscaras con capas. Con las que podemos sacar el máximo partido a la
totalidad de la imagen o de forma local, como suavizar el enfoque de un retrato.
139
• Eliminar ruido. Con el que intentamos disimular el ruido, ese granulado en forma de
píxeles contrastados que suele ser molesto en zonas oscuras de la imagen. Aunque
podemos disimularlo, también podemos potenciarlo para lograr otros efectos.
• Cambios de color. Podemos transformar los colores originales por otros para alcanzar
resultados distintos. Además de lograr virados de la imagen a monotonos, bitonos, etc.
• Eliminación y clonado de elementos. A veces queremos borrar algunos objetos o

elementos de nuestro encuadre o bien queremos repetirlos con algún fin. Hoy día es muy
sencillo gracias al progreso de las herramientas de edición.
• Catalogación, geoetiquetado, conversión de formatos de archivo. Podemos añadir

etiquetas, ampliar los datos EXIF e incluir los datos de geoposicionamiento a la hora de
almacenar nuestras imágenes de forma útil, además de guardar copias de seguridad y
convertirlas en otros formatos (JPEG, TIFF, PSD, DNG,...).
• Otras: panorámicas, HDR (imágenes de alto rango dinámico), enmarcar, incluir marcas
de agua, etc. Operaciones que logran llevar más allá la imagen original y aumentar el
nivel de personalización de las mismas.
Existen otras muchas operaciones en el proceso de edición de fotografías, pero todas ellas
están destinadas a sacar el máximo partido de los resultados obtenidos con nuestra cámara.
Dejamos para un apartado más avanzado de nuestro curso de fotografía, todo lo concerniente
al revelado digital a partir de archivos RAW (programas, opciones), así como operaciones
más concretas y avanzadas que se pueden aplicar con herramientas más potentes y algo más
de habilidad y experiencia en la edición de imágenes digitales.
FIN
140

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Contenido

Curso de Fotografía: 1. La luz y la formación de imágenes ...................................................... 3

Así, las bases de la fotografía se resumen en estos cuatro puntos:

Transmisión de la luz en linea recta

Diafragma: El diafragma se encuentra situado dentro del objetivo, y

Nuestra visión es selectiva, si dirigimos nuestra atención a un objeto, lo veremos enfocado,

De esta forma, normalmente las cámaras digitales suelen dividirse en 2 grandes

Veamos un poco de cada una de ellas:

Cuando hablamos de cámara compacta o ultracompacta, normalmente nos referimos a

Las diferencias principales con las compactas son dos:

Lo segundo y también fundamental es que los objetivos son intercambiables, llegando a

• Permiten macro sin necesidad de accesorios

• Normalmente graban vídeo

• Zoom óptico entre 3x y 5x

• Calidad de imagen contenida

• Muy pocos accesorios fotográficos

• Potencia de flash muy limitada

• Poco control de la profundidad de campo

• Poco Rango dinámico

• Duración de la batería en ocasiones escasa

• Precio no demasiado elevado

• Gran rango focal

• Ergonomía mejorada respecto a las compactas

• Permiten macro sin necesidad de accesorios

• Algunas incluyen formato Raw (Negativo Digital)

• Normalmente graban video

• Pocos accesorios fotográficos

• Potencia de flash limitada

• Rango dinámico limitado

• Compatibilidad con objetivos analógicos mediante accesorios

• Gran calidad de imagen

• Buenos sitemas de medición de luz

• Posibilidad de colocarle flash externo

• Gran control sobre la profundidad de campo

• Gran cantidad de accesorios

• Muchas posibilidades fotográficas

• Mayor rango de sensibilidades ISO

• Incluyen formato RAW (Negativo Digital)

• Los últimos modelos incorporan previsualización en pantalla y estabilización

• Precio (Cuerpo, objetivos, accesorios…)

• Manejo más complicado

• Objetivos de serie de calidad media

• Para macro se necesitan objetivos o accesorios específicos

• Algunas no incluyen filtro para evitar que entre polvo en el sensor

PRIMERO: La cámara NO es mejor porque tenga más megapíxeles.

Comparativa de tamaños en función de los megapixeles

SEGUNDO: Lo más caro NO es necesariamente lo mejor para ti.

TERCERO: Controles MANUALES, SI: Siempre que queramos intentar dominar

CUARTO: calidad óptica = calidad de imagen. Evidentemente hay otros muchos

si pretendemos fotos nítidas y de calidad.

QUINTO: Otras características importantes: Ademas de los 4 puntos

b. La función de video: En compactas y ultrazoom es una función interesante y casi por

c. El formato RAW: Es el equivalente al negativo de las cámaras analógicas, este formato

nuestro caso, a la chica al completo.

personas, por ejemplo.

PLANO AMERICANO: Muestra la figura humana desde debajo de la cadera. Su uso se

Selección del tipo de plano

La elección de la posición de la cámara tiene una influencia directa sobre la percepción

Planos cenital y picado

Como conclusión me gustaría sugeriros que analizáseis la angulación de los planos en