EL RENACIMIENTO

El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el

siglo XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y
se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de
la antigua Grecia.
La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la
comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia
individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del
conocimiento.
El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de
desarrollo de nuevas tecnologías como imprenta, que impactó de manera
directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se
destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
El arte renacentista atravesó dos etapas principales:

• El Quattrocento (siglo XV)

Desarrollado en el siglo XV en Florencia, caracterizado por el
antropocentrismo, el renacer de la Antigüedad y el apoyo de los mecenas,
sin romper totalmente con la tradición gótica.
Brunelleschi, cuya Cúpula de Santa María de la Catedral de Florencia
marca la ruptura con el quehacer gótica y es
considerada manifiesto del Gótico, es su
principal figura. Introduce el nuevo estilo al
crear iglesias de planta cuadrada (capilla Pazzi),
utilizar, por primera vez en el renacimiento, el
arco de medio punto, y crear el modelo de
palacio renacentista (Pitti), con predominio de las líneas horizontales.
Otro de sus grandes representantes, en arquitectura, es Alberti, gran teórico,
más proyectista que realizador, que se dedicó especialmente a la
construcción de edificios de carácter funcional, grandioso y urbanístico.
En escultura, destacan Lorenzo Ghiberti, que propugna una vuelta a la
estatuaria grecorromana y esculpe como si fuera un pintor, sobre todo
relieve; Donatello, que aprendió en el taller de Ghiberti y esculpió la figura
humana con todo tipo de matizaciones; Andrea Verrocchio, maestro del
bronce, cuya obra está impregnada de sensualidad, y los hermanos della
Robbia.
 Por último, la pintura del Quattrocento
busca imitar las cosas como son, presta
especial atención a la profundidad, la
expresividad y el movimiento; busca la
representación científica del espacio
mediante la aplicación de un sistema de
proporción y de la perspectiva de punto de
fuga o científica y tuvo a Florencia, Roma
y Venecia como centros.
En cuanto a temáticas, pervive la pintura religiosa y se desarrollan con
fuerza el retrato y la pintura mitológica. La luz cobra valor en la unidad
ambiental y en la plasmación de los cuerpos.
Fueron pintores destacados del periodo Masaccio, Ucello, los Lippi,
Domenico Veneziano, Fra Angelico, Andrea del Castagno y Piero della
Francesca.
• El Cinquecento (siglo XVI).
Se habla de Cinquecento (1530- 1600) al siguiente período en la evolución
del arte que comenzó con el Quattrocento. Es en esta fase donde el
antropocentrismo humanista se desarrolla y representa una de las
manifestaciones de la Edad Moderna.
Algunas características que se identifican en la época del Cinquecento son:
 Los artistas de esa época fueron los principales protagonistas de los
medios de expresión que surgieron durante el Quattrocento.
 Había un equilibrio artístico en cuanto a forma y contenido.
 Existía una armonía entre lo religioso cristiano y lo pagano.
El centro artístico se concentró en Roma, donde los artistas se enfocaban en
encontrar la belleza. Ya lo anecdótico pasaba a ser irrelevante, para
enfocarse más bien en algunas figuras. Además, las composiciones estaban
ordenadas geométricamente. La belleza se orientaba en el cuerpo humano
desnudo. Es la época de los desnudos femeninos. Se trataba de captar
movimientos y luz en el cuadro
Las pinturas del Alto Renacimiento buscan la
simplificación, echan a un lado el detallismo
surgido en el Quattrocento, se unifican los temas
en proporciones grandes y dejan de existir las
escenas secundarias. Los artistas que se
destacaron en esta época fueron: Leonardo Da
Vinci, Miguel Ángel Buonarroti, Rafael de
Sanzio y Antonio Allegri il Correggio.
La escultura del
Cinquecento propendía hacia la idealización, la
preocupación por el cuerpo humano y lo
grandioso. Las obras escultóricas se inclinaban a
lo realista y naturalista. Además, la intención era
reflejar una belleza que deleitase al espectador.
El gran protagonista de la escultura era el cuerpo
humano, los escultores les interesaba la
anatomía, las proporciones de las distintas partes
del cuerpo y la musculatura humana.
El cuerpo humano era considerado como la expresión máxima de la
belleza, lo cual hizo posible el surgimiento del arte escultural. Fueron
representados otros temas, como: lo mitológico, lo alegórico y lo pagano.
Los temas de religión cristiana seguían estando presente pero tratados de
una manera diferente. La mayoría de los artistas se concentraban en
Florencia y el artista genial que dominaba las esculturas renacentistas del
siglo XVI fue Miguel Ángel Buonarroti. Aunque le siguieron otros
escultores como Benvenuto Cellini y Juan Bologna.
Entre los materiales usados en sus esculturas están el mármol, la terracota,
la piedra y los metales fundidos (por ejemplo, el bronce). Además, los
géneros donde se concentraban las esculturas eran: el busto, el bulto
redondo, los medallones o tondos y el relieve.
La arquitectura del Cinquecento se diferencia de la Quattrocento porque las
líneas constructivas que presentaban eran monumentales y existía un efecto
de masas. En este momento las decoraciones ricas estaban quedando en el
pasado. El centro artístico sería Roma, donde los Papas eran los grandes
protagonistas. Los artistas que destacaron en este período fueron: Miguel
Ángel, Bramante, Vignola y Palladio.
Había una admiración por la arquitectura romana
y fue la obra de Vitrubio quien le dio impulso a
través de su tratado de “De Architectura”. Lo
que buscaba Vitrubio era la proporción perfecta
de las partes de un edificio. También se
respaldaba en otros principios como la solidez, la
belleza y la utilidad. Para diseñar un edificio se
recurría a cálculos matemáticos y geométricos
apoyados en la armonía, la proporción, el
equilibrio y el buen gusto.
La construcción de palacios se impulsaba a través de la arquitectura civil. Y
el modelo habitual era aquel en el cual la estructura tenía un patio rodeado
de distintas dependencias. Además, las fachadas estaban compuestas de tres
cuerpos rectangulares que daban paso a una cantidad de ventanas, divididas
con cornisas salientes que daban horizontalidad. Entre los elementos
arquitectónicos usados estaban: el arco de medio punto, las bóvedas de
cañón, aristas y cúpulas. El muro era el soporte por excelencia.
El arte en el Renacimiento se caracterizo por:
• Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y
la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos.
• Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en
lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte
renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a
Dios).
• Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de
la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de . razón por sobre
la fe.
• Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia.
Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre.
• Buscar la perfección, simetría y proporción en las lineas, tanto en la
pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.
• Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de
geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.
• Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la
naturaleza
• Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
• Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
• Incorporar el mecenazgo, durante este periodo las figuras importantes y
poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para
la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
LA PINTURA RENACENTISTA
La pintura renacentista se caracterizó por la perfecta representación de los
detalles, en cuanto al balance, la armonía y la perspectiva, en base a la
observación del artista. Surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga
para la concepción de los espacios
La nueva técnica al óleo sobre el lienzo, que predominó sobre la clásica
pintura al temple o témpera de secado rápido, permitió perfeccionar el
efecto de las luces y las sombras, permitiendo alcanzar mayor realismo en
los retratos y cuerpos desnudos.Se destacaron artistas como Masaccio,
Paolo Uccello, Fra Angélico, Piero Della Francesca y Sandro Botticelli,
que emplearon diversas técnicas. A partir del siglo XVI se destacaron las
obras de Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.
LA ESCULTURA Y LA ARQUITECTURA RENACENTISTA
La escultura y la arquitectura renacentistas se inspiraron en las antiguas
culturas griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo.
Buscaban romper con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las
representaciones, a través de cálculos matemáticos y geométricos para
obtener proporciones reales.
En la escultura se destacaron los detalles perfeccionistas y proporcionales
del cuerpo humano debido a que los artistas adquirían, cada vez más,
conocimientos sobre anatomía, fisica y matemáticas, además de la
observación. Las obras solían ser plasmadas en mármol y bronce. Los más
reconocidos escultores y arquitectos, entre otras especialidades, fueron
Miguel Ángel y Donatello.
Representantes del arte renacentista
Entre los principales representantes del arte renacentista y sus más
reconocidas obras se destacaron:
 Andrea Palladio (15081580).
 Arquitecto del Teatro Olímpico en Vicenza.
 Dante Alighieri (1265-1321). Escritor de La divina comedia.
 Donatello (13861466). Escultor del David de bronce.
 Donato d’Angelo Bramante (14431514). Arquitecto de la basílica de
San Pedro.
 Leonardo Da Vinci (1452-1519). Pintor de La Gioconda.
 EL BARROCO
Fue un período cultural que abarcó desde la segunda mitad del siglo XVI
hasta la primera mitad del siglo XVIII. Se difundió por toda Europa y
América Latina, así como por otras regiones colonizadas por los europeos.
El barroco contrastó con el Renacimiento por expresar una sensibilidad
pesimista, desengañada, crítica y compleja. Esto se debe a que literatura y
el arte barrocos representan una época inquietante desde el punto de vista
psicológico, cultural y social, además de político y económico.
El Barroco se puede definir como el “arte de parecer”, ya en las artes, ya en
la literatura. Tres elementos pueden ser considerados fundamentales de su
estética: el efectismo, la espectacularidad y la emocionalidad.
El término barroco se usó por primera vez a mediados del siglo XVIII en
pleno contexto de la Ilustración o Iluminismo. Originalmente, el
significado de barroco fue tomado de portugués antiguo, pues “barroco”
designaba un tipo de perla de forma irregular.
En la época de la Ilustración, los iluministas Diderot y Rousseau usaron
esta palabra para describir de manera peyorativa el arte de ese período, al
que consideraban estrambótico y confuso. Sin embargo, la historiografía
posterior ha reivindicado el valor estético de este período.
Características del barroco:
HORROR VACUI: Algo caracterizó al barroco fue el principio del horror
vacui, expresión latina que quiere decir ‘horror al vacío’. El arte barroco,
en todas sus manifestaciones, gusta de los acabados abigarrados y
recargados, con lo que pretende llenar todo el espacio.
DINAMISMO Y TENSIÓN: El sentido de movimiento, dinamismo y tensión es
fundamental en el barroco. No se busca el reposo, sino que, por el
contrario, se establecen tensiones entre las formas, los sonidos, las palabras
o los conceptos.
REPRESENTACIÓN DE PASIONES Y TEMPERAMENTOS INTERIORES: El barroco se aleja
de las prescripciones filosóficas del renacimiento que llamaban a la mesura
y al equilibrio. Opta más bien por la representación de las pasiones y los
temperamentos interiores, tanto lo que respecta a cada personaje como al
conjunto de la obra.
BÚSQUEDA DEL CONTRASTE: En las diferentes disciplinas artísticas, el barroco
revela un gusto por el contraste, que en las artes plásticas se expresa por
medio del claroscuro. Aplica no solo a la pintura, sino a la arquitectura, la
escultura, la música e, incluso, la literatura.
EFECTO INCOMPLETO O INCONEXO: El barroco promovió, en consecuencia, el
efecto de inconexión o de obra abierta o incompleta, a diferencia del
renacimiento que cerraba el universo de la obra en sí misma. Ese gusto por
lo incompleto expresó la inquietud por la infinitud y la trascendencia.
BÚSQUEDA DEL ESTREMECIMIENTO METAFÍSICO:Frente a la voluntad racional del
renacimiento, que buscaba la armonía y el equilibrio, el barroco prefiere la
promoción del estremecimiento metafísico.
PESIMISMO Y DESENGAÑO: A diferencia del Renacimiento, en el barroco
domina un pensamiento pesimista y/o desengañado, como respuesta a la
crisis histórica que estaban viviendo.

PINTURA BARROCA
Enmarcada en el contexto de la Contrarreforma, la pintura barroca fue
particularmente fecunda al auspicio de los países católicos, tales como
Italia y España. Pero también fue alentada por las diversas monarquías
europeas y los sectores privados protestantes que procuraban distinción
social.
Puede decirse que en el barroco, la pintura fue una puesta en escena de
recursos plásticos que exaltaban el efectismo, el dinamismo, y los
conceptos complejos. Fue también, sin duda, un período glorioso para esta
disciplina artística.
Características de la pintura del barroco:
Lo primero que debemos comprender sobre la pintura del período barroco
es que tuvo expresiones diversas. Cada país desarrolló características
particulares, conforme a los intereses políticos y sociales, y conforme
también a los gustos y sensibilidades.
Tenebrismo y clasicismo: La pintura del período barroco se expresó en dos
grandes corrientes plásticas: el tenebrismo y el clasicismo. La mayoría de
las producciones del período pueden ser enmarcadas dentro de estas dos
tendencias.
El tenebrismo es un estilo caracterizado por el contraste dramático entre
luces y sombras. La atmósfera dominante suele ser oscura, y es
puntualmente invadida por focos de luz intensa orientados en función del
simbolismo de la escena. Al tenebrismo le interesa también representar las
escenas con el mayor naturalismo posible, sin esconder ni lo grotesco ni lo
desagradable. La técnica pictórica puede acudir a pinceladas gruesas o
inacabadas cuando la expresión así lo requiere. Su máximo exponente fue
Caravaggio.
El clasicismo se acoge a un estilo más depurado e idealizado, que procura
representar el deber ser de las cosas. A diferencia del tenebrismo, la
iluminación es clara y uniforme, en lo que se percibe la influencia del
manierismo de Miguel Ángel y Rafael. Idealiza las escenas y deja por fuera
la representación de los aspectos grotescos o desagradables. Prefiere el
dibujo bien delimitado, el tratamiento delicado de las superficies pictóricas
y una paleta de colores más diversa y luminosa. Su máximo exponente fue
Annibale Carraci.
Importancia del color: El color es un valor dominante en la pintura del barroco,
ya que a través de él se persigue transmitir efectos, sensaciones y conceptos
de diversa índole. En el caso del barroco temprano, predomina el uso de
una paleta basada en colores tierra, ocres y rojizos. Más adelante se amplía
la gama a colores más luminosos.
Dinamismo: Buena parte de la pintura barroca se caracteriza por el
dinamismo de las composiciones. En el caso de la pintura italiana y
flamenca, por ejemplo, predomina el interés por el movimiento dramático
de los personajes y la tensión entre ellos. No es el caso de la pintura
española, algo más reposada.
Trampantojo: El barroco empleó una
técnica conocida como trampantojo, que
consiste en disimular el soporte físico
para crear un efecto de continuidad
espacial. Con esta técnica, se buscaba
sumergir al espectador en la ilusión de
pertenecer a la representación.
Aunque usado también en la pintura de
caballete, el trampantojo fue clave en la
arquitectura, donde sirvió para esconder las líneas de la estructura y
transmitir la percepción de un espacio continuo y dinámico. Por ejemplo, el
decorado interior de bóvedas y cúpulas.
Los pintores más conocidos y las obras más representativas de la pintura
barroca.
 Diego de Velázquez
 Caravaggio
 Pedro Pablo Rubens
 Gian Lorenzo Bernini
 José de Ribera
 Rembrandt
 Johannes Vermeer

ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca es un estilo de construcción que nació en Europa.
Se desarrolló a mediados del siglo XVII y principios del siglo XVIII. Sus
comienzos se dieron en Italia y Francia. Luego, con el paso del tiempo, se
dispersó por toda Europa, hasta llegar a Portugal y más tarde a las colonias
americanas.
En la arquitectura barroca podemos destacar tres variantes:
En primer lugar, se encuentra el Barroco Católico, el cual hace una
demostración del triunfo de la Iglesia Católica, repleta de lujo y riquezas.
Busca demostrar que el catolicismo es un representante de la Fe verdadera,
no olvidemos que la religión católica estaba fuertemente enfrentada a la
religión protestante.
En segundo lugar, hallamos el Barroco Absolutista, el mismo tiene su lugar
en Francia. Siguiendo con los regímenes de las monarquías absolutistas,
este expresa el poder del Estado.
En tercer lugar, encontramos Barroco Burgués, una variante del barroco en
la que triunfa la religión protestante.
Las características principales o generales del mismo. En este sentido, este
estilo arquitectónico está caracterizado por:
Todas las obras realizadas bajo este estilo están cargadas de detalles y
complejas. No se deja de lado la presencia de las formas clásicas
(columnas, arcos, frontones, frisos), pero se les agrega un toque de fantasía.
En algunas ocasiones, los edificios dan la ilusión de ser una gran escultura.
Se adopta una gran variedad de formas, principalmente la ovalada. Las
paredes de las obras son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas.
Por lo que en lo general, no existe la presencia de líneas rectas o de
superficies planas.
Las plantas están diseñadas de tal manera que brinda una sensación de
movimiento (espacios dinámicos), en la más estática de las artes. De una
misma manera, la arquitectura del Barroco tiende a dejar a relucir el
”infinito”, es decir, sus interiores en las construcciones parecen no tener un
fin.
Con el fin de proporcionar diferentes perspectivas, el estilo arquitectónico
del Barroco emplea juegos de luces, siendo el punto más importante y
característico del mismo. En un mismo sentido, se podría alegar que posee
un gusto por lo dramático, escenográfico y teatral.
En lo que respecta a la decoración, la arquitectura del Barroco se
caracteriza por ser exuberante tanto en los espacios interiores como al
exterior, aunque más recatado.
Edificios más importantes
Una vez expuestos los tipos de construcciones realizadas bajo la
arquitectura del Barroco, nos resulta importante hacer mención de los
edificios más destacados por este estilo arquitectónicos. A continuación
expondremos de forma detallada las obras más importantes del movimiento
artístico del Barroco.
IGLESIA DE SAN CARLO ALLE QUATTRO FONTANE
Esta iglesia fue dedicada a San Carlos Borromeo
y a la Santísima Trinidad, la construcción de esta
obra fue el primer mandato del rey Borromini.
Los trabajos de edificación fueron largos, y gran
parte de ella fue finalizada tras la muerte de
Borromini.
La iglesia fue encargada por la orden trinitaria
española de monjes descalzos, esta orden tuvo la
labor de recolectar dinero para el rescate de
cristianos cautivos. Borromini había diseñado el
monasterio adyacente cuatro años antes de los trabajos iniciales de la
Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane.
El nombre que posee la misma es atribuido por el lugar en donde se
encuentra posicionada con cuatro fuentes, una en cada esquina.
La fuente preexistente, que se instala en la esquina de la iglesia, es una
representación del dios Neptuno (conocido como Poseidón en la mitología
Griega).
La fachada principal posee tres bahías, una de ellas se encuentra frente a la
calle. La segunda fachada posee su bahía en una torre. Ambas fachadas
fueron diseñadas años mas tardes, luego de que se realizara por completo el
interior de la iglesia. La fachada está dividida en dos niveles. Tal como
parece, la fachada había alcanzado el nivel de la cornisa principal cuando
falleció el rey Borromini.
El piso inferior posee tres bahías, dos de las cuales son cóncavas exteriores
y un centro convexo, mientras que el piso superior tiene bahías cóncavas.
Teniendo en cuenta que las bahías interiores están unidas por el
entablamento continuo, las bahías superiores poseen un entablamento en
secciones, el central está impuesto con el medallón ovalado balanceándose
hacia adelante.
BASÍLICA DE SAN PEDRO
La basílica ocupa aproximadamente 22,000 metros cuadrados de área total,
teniendo 42 metros de diámetro de la cúpula (realizada por Miguel Ángel),
la altura total de la obra es de 136 metros y posee 330 escalones que
terminan en la cúpula en donde se tiene un buena vista de la plaza, así
como de toda roma.
En un mismo sentido, en la Basílica de San Pedro están las estatuas de
Cristo y los doce apóstoles que se posicionan en la entrada que dan acceso
al interior de la Basílica por medio de cinco puertas puestas en la fachada.
La cúpula de la Basílica de San Pedro es considerada como la más grande
de todo el mundo teniendo unas medidas de 42 m de diámetro y 138 m de
alto. En la parte interna de la construcción se pueden encontrar 45 altares.
La fachada principal consta de 114 metros de ancho y 47 metros de alto,
teniendo además una superficie de 21.477 metros cuadrados cubiertos.
La Basílica de San Pedro posee una capacidad de 20.000 personas. Siendo
de 190 metros de largo, el grosor de las tres naves es de 58 metros, la nave
principal tiene 45,50 metros de altura, hasta la sección más alta de la
bóveda. Por otro lado, la cúpula alcanza unos 136 metros de altura que
llega hasta la cruz.
De una misma manera, la parte interna de la construcción posee
decoraciones de mosaico, lo que constituye el precioso joyero que
resguarda algunas de las más célebres obras de arte del mundo, como el
Baldaquino de Bernini y la estatua de la Piedad de Miguel Ángel.

Los arquitectos destacados de la arquitectura barroca

Francesco Borromini, arquitecto italiano.
Domenico Fontana, arquitecto italiano del Renacimiento tardío.
Carlo Maderno, arquitecto italiano, padre de la arquitectura barroca.
Gian Lorenzo Bernini, escultor, arquitecto y pintor italiano.
Miguel Ángel, arquitecto, escultor y pintor italiano.
Giacomo Vignola, arquitecto y tratadista del Renacimiento italiano.
Luis Le Vau, arquitecto francés.
Pietro Da Cortona, pintor y arquitecto italiano.
Filippo Juvara, arquitecto y escenógrafo italiano.
Alonso Cano, pintor, escultor y arquitecto español
 EL ROCOCÓ
Fue un movimiento artístico europeo de origen
francés que se caracterizó por su estilo alegre y
provocador, y el gusto por la decoración
excesiva. Se manifestó en la pintura, la
arquitectura, las artes decorativas y la escultura.
El arte rococó se desarrolló a principios del
siglo XVIII, en el período de transición entre el
barroco y el arte neoclásico. Pese a que
comparte con el barroco el interés por la
profusión de detalles, se distingue de este por
sustituir su solemnidad y dramatismo por el
placer y el divertimento.
Tal era el afán de divertimento que, de acuerdo con el investigador Michael
Levey, el rococó no respetaba ni a la Iglesia ni al Estado. El amor, la
sensualidad y la cotidianidad resultaban temas más interesantes que las
glorias espirituales o temporales.
La palabra rococó proviene del término rocaille, especie de decoración de
jardines basada en el uso de conchas marinas o guijarros, muy popular
Italia y Francia durante el siglo XVII. Tanto el uso de estos motivos como
la semejanza en los efectos logrados hicieron que se aplicara el término
rococó a este estilo.
El barroco había dominado la estética occidental desde mediados del siglo
XVI y durante todo el siglo XVII. Aquellos fueron tiempos de guerras de
religión y consolidación de los absolutismos.
En Francia, hacia los últimos años de gobierno del rey Luis XIV, la
estabilidad alcanzada hizo innecesaria la ceremonialidad barroca. Pero
entonces, el rey Sol sentía a los nobles como una amenaza. Casi al final de
su reinado, el rey le quitó a la nobleza su poder en el campo, lo que hizo de
ella una élite ociosa.
Tres acontecimientos fueron fundamentales en el impulso del rococó:
La muerte del rey Luis XIV
La influencia de la favorita del rey Luis XV, la marquesa de Pompadour;
El intercambio de artistas entre las diferentes cortes europeas.
Características del arte rococó
Diferencia del arte barroco, el arte rococó se caracterizó por ser alegre,
celebrar la vida, dar espacio al humor, a la gracia y al erotismo ligero.
Puede decirse que fue, en realidad, la expresión de una clase social que
huía del aburrimiento por medio de un arte entusiasta, sin pretensiones
trascendentes o didácticas.
CARÁCTER GRACIOSO Y FESTIVO: El arte rococó fue, ante todo, un estilo que
buscaba expresar gracia y alegría. Su carácter era festivo. Aunque el rococó
fue recargado en la decoración, sus atmósferas buscaron ser luminosas y
entusiastas.
HUMOR Y PICARDÍA:El arte rococó es expresión de una élite que se
divierte. Por ello, tiene una gran dosis de humor y picardía que suprime
cualquier intento de solemnidad. Por ello, el rococó expresa también el
relajamiento de la etiqueta.
TEMAS SIN PRETENSIÓN MORALIZANTE O DIDÁCTICA: Los temas preferidos en el
rococó fueron las aventuras sentimentales, las escenas pastoriles, los divertimentos de la élite
ociosa y la vida doméstica. Pero a pesar de la apariencia edulcorada de los temas, estos tenían
una conexión con la experiencia.
No se dejaron de tratar los temas religiosos, mitológicos o históricos, pero fueron despojados de
su solemnidad. Atrás quedaron las escenas moralizantes, didácticas o que hacían ostentación de
poder. Todo tema pasaba por el filtro de la gracia, el placer y la cotidianidad.

EROTISMO VELADO : El arte se nutrió de un erotismo velado, tanto en sus

formas como en sus temas. En algunos artistas, la mitología fue un
escondite para justificar el desarrollo del desnudo erótico, de tal forma que
no sufriera la crítica de las élites intelectuales.
DECORACIÓN SUNTUOSA E
IMAGINATIVA: El rococó fue un arte
atento al detalle y a la ornamentación
excesiva. Los artistas, diseñadores y
arquitectos enriquecieron la decoración
de las obras con elementos tan profusos
como imaginativos. No era extraño
encontrar elementos de las culturas
orientales como fauna, la flora y toda
clase de motivos.
USO DE TONOS PASTELES Y BLANCOS: Una de las formas que encontraron
los artistas del rococó para aportar gracia y alegría fue cambiar la paleta de
colores terrosos, oscuros e intensos por tonos pasteles y blancos. Esto fue
aplicado tanto en la pintura como en la decoración arquitectónica, gracias a
lo cual todo quedaba envuelto en gracia y sensualidad.
Pintura rococó
La pintura del rococó representó un
triunfo del rubenismo sobre el
poussinismo. Por rubenismo se conoce
la corriente de pintores coloristas
inspirados en el pintor del barroco
flamenco Pedro Pablo Rubens (1577-
1640), quienes hacían prevalecer el
color sobre el dibujo. Por poussinismo
se conoce a la corriente que
privilegiaba el dibujo sobre el color,
por influencia del pintor francés
Nicolás Poussin (1594-1665). El colorismo fue característico de los
pintores del rococó.
Su carácter plácido y gracioso contrastaba con el dramatismo del barroco.
En Francia, la vida de la corte comenzó a girar en torno a actividades de
entretenimiento y banalidades, como las aventuras amorosas, los juegos o
la vida cotidiana, todo lo cual se reflejó en la pintura. Ese espíritu alegre
impregnó rápidamente las cortes europeas, pero cada país lo adaptó a sus
particularidades.
Pintores del rococó
Antoine Watteau (1684-1721). Peregrinación a la isla de Citera (1717), La
escala del amor (1717); Fiesta veneciana (1719).
Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). El niño de la peonza (1737),
La joven institutriz (1740) y La bendición.
François Boucher (1703-1770) Joven recostada (1752) y Diana después del
baño (1742).
William Hogarth (1697-1764). Los cuatro momentos del día (1736), La
carrera de una prostituta (1732) y Matrimonio a-la-mode (h. 1743).
Thomas Gainsborough (1727-1788). El señor y la señora Andrews (1749),
El joven azul (1770) y Dr. Ralph Schomberg.
Arquitectura rococó
La arquitectura del rococó se caracterizó
por ser austera en los acabados exteriores,
pero muy rica y profusa en la decoración
interior. Los espacios interiores eran más
pequeños y tratados con mayor intimidad,
gracias al uso de formas delicadas y
gentiles.
La decoración interior se destacó por su
ingenio e imaginación. Los apliques dorados estuvieron a la orden del día,
al servicio de las más variadas formas curvas con motivos florales, conchas
marinas y toda clase de sinuosidades. Los colores fueron siempre
luminosos y alegres.
El arquitecto francés Germain Boffrand fue el responsable de introducir el
rococó en Francia, y lo puso especialmente al servicio del orden
monárquico, aunque eventualmente desarrolló proyectos religiosos.
Participó en proyectos como el Place Vendôme de París, el Conservatorio
de Versalles, el Hotel de Soubise en París y el Castillo de Lunéville.
La estética rococó fue muy valorada en Austria y los Estados alemanes que
formaban parte del Imperio Sacro Romano Germánico, tanto en
arquitectura religiosa como en arquitectura civil.
Son ejemplo de ello la Basílica de
Vierzehnheiligen de Johann Balthasar
Neumann, y la abadía de Ottobeuren
en Baviera. En Prusia, destacó la
construcción del Palacio de
Sanssouci, en Postdam, bajo la
dirección de Georg Wenzeslaus von
Knobelsdorff.
En España, la preeminencia del barroco y la falta de intercambios artísticos
con Francia y Alemania especialmente, dificultaron la expansión del estilo
rococó. Sin embargo, hubo también algunas expresiones valiosas
facilitadas por la presencia del churrigueresco.
Por ejemplo, la decoración de la sacristía de La Cartuja de Granada,
probablemente iniciada por Hurtado Izquierdo y continuada por José de
Bada. También vale mencionar el Transparente de la catedral de Toledo, de
Narciso Tomé. Por último, la fachada del Palacio del Marqués de Dos
Aguas, proyectada por Hipólito Rovir
ESCULTURA
Tanto la escultura exenta como al servicio de la arquitectura tuvieron un
papel en el rococó. Una de sus diferencias más notorias fue la disminución
de las colosales dimensiones del barroco. También el rococó procuró
acentuar la suavidad y la delicadeza en el tratamiento de las texturas y
movimientos.
Aunque los escultores mantuvieron el interés en el mármol, la porcelana se
usó asiduamente. También se hicieron esculturas en yeso y madera. En
cuanto al color, cuando lo aplicaban, mantuvieron los tonos pasteles para
alivianar la atmósfera.
Entre los escultores rococó más destacados
encontramos a Antonio Corradini y Étienne-
Maurice Falconet.
Antonio Corradini (1688-1752) Algunas de sus
obras más comentadas son: La mujer con velo (La
Fe) y La Modestia, también llamada La Verdad
velada.
Étienne-Maurice Falconet (Francia, 1716 – 1791).
Entre sus obras destacan: Cupido amenazador
(1757) y Pigmalión y Galatea (1763).
Decadencia
A mediados del siglo XVIII, pensadores del Iluminismo como Voltaire
proclamaban el dominio de la razón y la mesura de las pasiones en pro del
bien común. El rococó les parecía un exceso inaceptable. Acusado de
superfluo, cuando no de inmoral, el rococó fue asociado a la decadencia del
Antiguo Régimen.
Bajo la influencia de la Ilustración, el arquitecto Jacques François Blodel se
sumó a las voces que descalificaban el estilo artístico del Antiguo
Régimen. Propuso entonces una modernización del arte que acompañara el
republicanismo creciente en el debate político.
Como si de un péndulo se tratase, con el tiempo triunfó nuevamente el
dibujo sobre el color y, bajo el comando del pensamiento filosófico y
político, el arte volvió al academicismo, a la moralización y al
propagandismo de Estado. Nació así el arte neoclásico.