RANACIMIENTO XIV-XVI

Nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XIV y XVI. Italia
fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento. Aunque también se produjo una renovación en el
Arte, las ciencias tanto naturales como humanas. Es pues, la música escrita entre los años 1400 y 1600,
aproximadamente.

LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases
altas. Con el ascenso de la burguesía como clase social la música, pasó a ser un privilegio sólo al alcance de la
nobleza y el Alto Clero y ejecutada exclusivamente por profesionales, que ocupan también un lugar en el ocio de
la clase media.

Aparecen lo que se llama capillas (Institución de aprendizaje musical, ligada a la Iglesia) y en la que se entra de
pequeño.
 Las características estilísticas que definen la música renacentista son:

 Su textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto y está regida por el sistema
modal heredado del canto gregoriano.

 Hay un mayor cromatismo, más cantidad de notas y adornos y se incorpora el concepto

de belleza.

 Por una suave sonoridad, con superposición de líneas melódicas que forman acorde.

 El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, más
aún que en el Ars Nova.

 Frecuentemente imitativa, escrita para tres o seis voces, aunque hay obras para ocho e
incluso más, de carácter cantábile.

 Hay cuatro voces básicas: (Cantus o Soprano, la voz femenina más aguda),( Altus o
contralto, voz femenina más grave), ( Tenor, voz masculina más aguda) y ( bassus o bajo,
voz masculina grave)

 Se daban la homofonía con una sucesión de acordes, el contrapunto y lo mixto es la

mezcla de los dos anteriores.

Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran:

a) El Género religioso: La misa y el motete.
b) El género profano: El madrigal, el villancico y la chanson.
c) La música instrumental: Las danzas, el ricercare y la canzona.

MÚSICA RELIGIOSA:

Se expande rápidamente por toda Europa con la impresión musical.

La Reforma luterana promueve el canto en lengua vernácula durante las celebraciones

eclesiásticas, lo que dará origen al coral luterano, que es un canto sencillo, normalmente
acompañado por un órgano.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia
anglicana, que provienen del latín medieval ecclesia anglicana, que significa iglesia inglesa.
 A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada
ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones
litúrgicas.

La Iglesia católica mantiene los cantos de la misa en latín, aunque de forma clara para que se
pueda comprender el texto.

La misa cubría el ciclo del ordinario : Kyrie Eleison ("Señor Ten Piedad"), Gloria ("Gloria a Dios en el
Cielo"), Credo ("Creo en un solo Dios"), Sanctus ("Santo, Santo, Santo es el Señor"), cuya segunda
parte empieza con la palabra "Benedictus qui venit" ("Bendito el que viene"), Agnus Dei ("Cordero
de Dios"). El Kyrie es el único canto en el Idioma griego, y el texto de los demás es en latín. Antes
del Concilio de Trento, los coros frecuentemente añadían versos muy elaborados y Para ello se
seguían dos procedimientos de composición principales.

1.-Misa de Cantus firmus: En música, el cantus firmus (en latín, "canto fijo") es una melodía previa que
sirve de base de una composición polifónica, y que en ocasiones se escribe aparte para ser tocada
en notas de larga duración.

2.-Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior propio
o de otro autor, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o
fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y
siempre, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa
Malheur me bat de Josquin Desprez (Kirie y gloria) de Josquin Desprez.)VIDEO 1

El motete renacentista, La misa parodia o misa de parodia o misa de imitación, es un arreglo musical de
la misa típico del siglo XVI que utiliza como parte de su material melódico, múltiples voces de una pieza
musical preexistente, como por ejemplo un fragmento de un motete o una chanson.

. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista

Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, (en latín: vernacŭlus, 'nacido en la casa de uno'
el castellano o español), fueron el villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y
el coral luterano.
MÚSICA VOCAL PROFANA

 En Italia: la villanella, la frottola y el madrigal.

 En España: el romance, la ensalada y el villancico.
 En Francia: el chanson polifónica parisina.
 En Inglaterra: se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo hacia 1600.

Los géneros que se desarrollan en Inglaterra son:

 El madrigal inglés que se populariza después de su aparición en Italia.

 El aire es una canción solística musicalización de una pequeña poesía en inglés con acompañamiento
con laúd.
 La colección más conocida es Songes or Ayres de John Dowland (1597). la canción isabelina, para
un solista acompañado con laúd, Destaca como compositor John Dowland.

Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la
monodia, la comedia madrigal y el intermedio. (El Grillo de Josquin Des Pres

MÚSICA INSTRUMENTAL

Se crearon familias completas de cada instrumento. Así: La flauta soprano, alto y tenor, etc. Mucha
música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos
(llamados ensamble o consorts) o en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre
instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la
vihuela.

I. Como muchos instrumentistas eran incapaces de leer música, ya que muchos eran aficionados,
II. Aparecen las llamadas tablaturas, un lenguaje musical propio para cada instrumento.
III. Las principales formas instrumentales de la época fueron:
a) Ricercare, precursora de la fuga, fantasía o tiento.
b) La chanson, generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.
c) Danzas, una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el
acompañamiento de la danza.

Hay abundantes ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la baja danza, la pavana,
la gallarda, la alemanda o la courante. (Danzas renacentistas: Pavane. Desde el castillo de
Kronborg, Dinamarca)
 Formas improvisadoras:

o los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más logradas.

o Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento polifónico
o de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal
preexistente
o o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido como la romanesca,
el Conde Claros, el passamezzo.
Compositores Importantes del Renacimiento
Josquin Desprez
Derivado del flamenco "Josken”, diminutivo de "José”, latinizado Josquinus
Pratensis (1455 - 27 de agosto de 1521), Compositor franco-flamenco del
Renacimiento. Considerado la figura central de la escuela musical flamenca.
Considerado también por la erudición musical, como el primer maestro del
estilo de música vocal polifónica del alto renacimiento, que empezaba a
surgir en su época.

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Giovanni Pierluigi da Palestrina

(Palestrina, 30 de septiembre de 1525 - Roma, 2 de febrero de 1594),

compositor italiano renacentista de música religiosa católica. Está
considerado como uno de los eminentes autores de música religiosa católica,
reconocido por sus composiciones polifónicas. Cuando el obispo de Palestrina
accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro
de la Cappella Giulia del Vaticano. Al año siguiente publicó su primer libro de
misas. Un papa posterior, Paulo IV, lo destituyó de su cargo, según algunos por
juzgar inapropiada su condición de casado, según otros por haber escrito madrigales, piezas de carácter
profano. En 1547 contrajo matrimonio con Lucrecia Gori.

Con el fallecimiento de su esposa en 1580, contemplo la posibilidad de tomar los hábitos pero contrajo
matrimonio en segundas nupcias con Virginia Dormoli en 1581; una acaudalada viuda, lo que le permitió
publicar gran parte de su obra.
De sus 104 Misas, más de 70 están compuestas sobre el Cantus Firmus, de melodías gregorianas. Quizás
la mejor de ellas sea la Missa Papae Marcelli, Sus motetes son célebres, además de los Improperia, (La
palabra latina improperium significa « reproche ». Son los versículos que se cantan en el oficio de la tarde
del Viernes Santo en la Iglesia católica, durante la ceremonia llamada Adoración de la Cruz.) Los 29
motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de Salomón.
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Tomás Luis de Victoria

(Ávila, 1548 - Madrid, 20 de agosto de 1611) fue compositor,

maestro de capilla y célebre polifonista del Renacimiento
español. Considerado uno de los compositores más relevantes y
avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el
inminente Barroco. Su influencia llega hasta el siglo XX, cuando
fue tomado como modelo por los compositores del
Cecilianismo.

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Orlando di Lasso

conocido también como Orlandus Lassus, (Mons, 1532 - Múnich, 14

de junio de 1594) compositor franco-flamenco
del Renacimiento tardío. Considerado el líder de la escuela romana,
en su época de madurez musical, además de uno de los más
influyentes músicos europeos en el siglo XVI.

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 Claudio Giovanni Monteverdi

(Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia, 29 de

noviembre de 1643) compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la
transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el
nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más
importante en la transición entre la música del Renacimiento y
del Barroco.

Monteverdi era el mejor músico de la Italia de comienzos del siglo XVII, y como
tal, estaba al servicio de dos de los poderes terrenales más acaudalados del momento, El Duque de Mantua
Vicenio Gonzaga y la Basílica de San Marcos de Venecia.

En el año de 1607 todo Mantua se dispuso, un año más, a celebrar el Carnaval. Con ese motivo, el conocido
poeta de la corte Striggio escribió una obra de teatro sobre el mito de Orfeo, hijo de Apolo y héroe de la
mitología griega, a la que Claudio Monteverdi le pondría música. Así surge La favola d’Orfeo. Obra
compuesta por un prólogo y cinco actos, La favola d’Orfeo es la primera obra musical a la que se puede
llamar ópera, pues es en esa composición, y no antes, cuando se introduce la novedosa estructura
dramática y musical que sentaría las bases que perdurarán en la ópera hasta nuestros días, la separación
entre recitativo y aria, la forma estrófica y los ritornellos, la inserción de danzas, la intervención del coro y
la introducción simple y puramente orquestal. https://www.youtube.com/watch?v=LZHtsoeUvds

TEORÍA Y NOTACIÓN

Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras
generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más
largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda.

MÚSICA RENACENTISTA ESPAÑOLA:

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Destacan las obras de
los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero, influenciada por
el árabe.

Nota: Estos músicos viven protegidos por los grandes mecenas, bien de tipo eclesiástico, trabajando
por lo general como organistas, o bien para personajes importantes, mucho mejor remunerados.
Dato importante

Orfeo” es considerado la primera ópera, estrenado en el año 1607 este drama musical del compositor
Claudio Monteverdi, representa la primera partitura que se conserva como referente del género, pero
esto no es real ya que existe registro de una obra anterior de similar estructura: “Euridice” de Jacopo
Peri que data del año 1600; su partitura también se conserva integra.